Last posts on tom waits

Amour, musiques, matelas et autres contrariétés

2022-07-20T00:00:00+02:00

Il s’appelle Gary, il a 15 ans. Elle s’appelle Alana, elle en a 10 de plus. Tout ou presque les sépare. Pourtant, c’est avec un certain culot que l’adolescent, enfant prodige de la télé et passé maître dans l’art de la tchatche, drague la jeune assistante photographe qui l’envoie balader… avant d’accepter un rendez-vous qu’elle semble regretter aussitôt.

Paul Thomas Anderson a réalisé Licorice Pizza comme on concocte une œuvre nostalgique au délicieux goût acidulé. Né au début des années 70, nul doute que le réalisateur a puisé dans ses souvenirs d’enfance pour raconter cette histoire se déroulant en 1973, au moment où l’Amérique et le monde s’apprêtent à plonger dans une crise pétrolière et économique durable. Nostalgie, nostalgie... De ce point de vue, Licorize Pizza , littéralement "pizza à la réglisse" fait autant penser à une confiserie – ce que le film est, en réalité – qu’à une référence à un magasin de disque en Californie et à une chanson d’Elvis Costello. Si vous êtes curieux, rendez-vous sur ce site : https://licoricepizzarecords.com.

Et pourtant, le couple avance, cahin-caha, dans le monde absurde des adultes

Paul Thomas Anderson film avec un plaisir visible une love story improbable entre deux jeunes gens croquant la vie avec un mélange d’enthousiasme et d’amertume. Alana Haim explose de talent dans le rôle d’Alana, cherchant sa place entre petits boulots, petits copains décevants et un engagement politique plus proche du sentimentalisme que de l’idéalisme. À peine sortie de l’adolescence et pas encore adulte, elle suit dans ses pérégrinations , sans jamais vraiment y croire à 100%, Gary Valentine – joué par Cooper Hoffman, le fils du regretté Philip Seymour Hoffman qui avait tourné pour Paul Thomas Anderson. Malgré son jeune âge, il incarne une forme de suffisance et d’assurance, jusqu’à l’aveuglement. Que l’on pense au cynisme dans son entreprise de matelas à eau ou, mieux, à son commerce de flippers.

Et pourtant, le couple avance, cahin-caha, dans le monde absurde des adultes. Cette dinguerie est incarnée avec brio par Sean Penn, dans le rôle de Jack Holden, une ex-star déchue aussi désaxée que le producteur Jon Peters, joué par l’incroyable Bradley Cooper.

Licore Pizza, nostalgique, mélancolique mais à l’optimisme intact, se regarde comme un retour vers une période disparue, et diablement séduisante. Une vraie réglisse en bouche.

Licorice Pizza, comédie dramatique américaine de Paul Thomas Anderson, avec Alana Haim, Cooper Hoffman, Sean Penn, Tom Waits et Bradley Cooper, 2021, 133 mn, Canal+
https://www.universalpictures.fr/micro/licorice-pizza
https://www.canalplus.com/divertissement/licorice-pizza/h/19286979_50001

Voir aussi : "Une louve pour l’homme"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez, twittez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Tom Waits, des profondeurs

2020-04-04T22:11:27+02:00

La première fois que l'on entend Tom Waits, on y croit à peine. De le voir, même, ne change rien à l'affaire. Cette caverne, chaude et mélancolique, est une source d'émotion comme la pop nous en a peu donné. Tom Waits, c'est un Nick Cave sans le mystère dandy, l'ombre sans la recherche de l'énigme. Quand il chante Waltzing Matilda (dont le titre réel est Tom Traubert's Blue (1)), on reste sans voix, il n'y a pas d'autre moyen de le dire, sans voix devant cette histoire de misère dont il se fait le conteur foudroyé. Il grimace et nous, à l'écouter, prenons en sympathie celui qui commence ainsi sa complainte :

Wasted and wounded, it ain't what the moon did
I've got what I paid for now
see ya tomorrow, hey Frank, can I borrow
a couple of bucks from you, to go
Waltzing Matilda, waltzing Matilda, you'll go waltzing
Matilda with me

(1)Tom Waits fait référence à une très ancienne chanson australienne. La chanson se trouve sur l'album Small Change sur lequel jouent Jim Hughart (qui accompagna Joe Pass) à la basse et Shelly Manne à la batterie. (batteur qui aura joué avec les plus grands : de Bill Evans à Chet Baker en passant par Sonny Rollins ou Art Pepper). On peut la trouver sur Youtube. Il y a un arrangement de cordes qui atténue la rudesse de la voix. C'est du studio. J'ai préféré la version concert, plus âpre et plus jazzy.

All the world is green

2016-03-30T13:28:00+02:00

DE MOZART A AUJOURD'HUI : LE GLASSHARMONICA

2015-05-20T20:07:00+02:00

En 1743, l'Irlandais Richard Puckeridge a l'idée de frotter le rebord de verres remplis d'eau à l'aide de son doigt. Il crée ainsi les verres musicaux. Quelques années plus tard, en 1761, Benjamin Franklin améliore ce principe et imagine le glassharmonica.

"Une sorte de kebab"

Cet instrument atypique se compose de bols en cristal, en verre ou en quartz, empilés sur un axe rotatif entraîné par une pédale.
Pour Thomas Bloch, glassharmoniciste, ce système d'empilement ressemble à "un kebab" tournant sur lui-même.
Afin d'obtenir le son le plus cristallin, le musicien doit mouiller ses mains dans une eau très calcaire. De cette manière, les doigts accrochent le verre tout en glissant sur le rebord des bols.

Le glassharmonica au fil des siècles
Au 18e et 19e siècles, Mozart et Beethoven ont utilisé à plusieurs reprises cet instrument, notamment dans des adagios et symphonies.

En 1983, Tom Waits sort "Swordfishtrombones", un album expérimental encensé par la critique. Dans cet opus, l'Américain intègre des compositions musicales abstraites grâce à des instruments inhabituels dont le glassharmonica.

WANTED # 3

2014-08-10T06:23:00+02:00

Apollinaire arrêté (plus de précisions)

Le point de vue de Tom Waits sur la question

Wanted # 2

Wanted # 1

Seven psychopaths

2013-01-13T16:01:00+01:00

Deux kidnappeurs de chiens à leurs heures, un ex-serial killer à la retraite, un mystérieux tonton flingueur, un mafieux qui n'a de yeux que pour son Shih Tzu (volé)... Au milieu de tout ça, Marty (excellent Colin Farrell), scénariste hollywoodien, alcoolique invétéré, peinant à écrire son nouveau projet, "7 psychopathes", qui bénéficie pourtant du contexte idéal... Après l'étonnant In Bruges (2008), le réalisateur irlandais Martin McDonagh poursuit dans son deuxième film son exploration du film de gangsters en poussant un peu plus le grotesque, le tout après une séquence d'ouverture anthologique, où deux tueurs, Michael Pitt et Michael Stuhlbarg (clin d'oeil à la série US Boardwalk Empire où les deux acteurs jouaient déja les truands), se font descendre. Si on peut reprocher à ce film au casting impérial un moment de rupture un peu longuet vers la fin, on retiendra au final et positivement que ce dernier ne se prend pas au sérieux, et surtout ne nous prend pas pour des cons. J. N

7 psychopaths (Martin McDonagh, UK, 2012, 110 min). Avec Colin Farrell, Sam Rockwell, Woody Harrelson, Christopher Walken, Tom Waits, Abbie Cornish, Olga Kurylenko, Helena Mattsson, Michael Pitt, Michael Stuhlbarg, Harry Dean Stanton, Zeljko Ivanek, Kevin Corrigan, Christine Marzano.

- 1 nomination (Meilleur film britannique) - BAFTA Awards 2013.

- 1 nomination (Meilleur film) - Festival de Londres 2012.

- People's Choice Award - Festival de Toronto 2012.

- Meilleur ensemble d'acteurs - Boston Society of Film Critics Awards 2012.

Keith RICHARDS

2012-02-22T22:45:00+01:00

JUMPIN JACK FLASH

Live Rock in Rio

Keith RICHARDS, né en Angleterre le 18 Décembre 1943,est musicien, auteur-compositeur et guitariste de grand talent. Il est, vous le savez tous, co-fondateur (en 1962 et avec Mick Jagger, Brian Jones, et Ian Stewart) de la première mouture d'un groupe de rock essentiel: "THE ROLLING STONES". (Avec son complice et acolyte, il a rapidement constitué un partenariat qu'il se plaisait à intituler "The Glimmer Twins)

Rapidement reconnu par ses pairs comme un leader incontestable de la guitare électrique Blues-Rock, il n'en a pas moins tourmenté de nombreux aspirants-guitariste en produisant un son (dans un premier temps) inimitable. Il est en effet le créateur d'un très audacieux et mystérieux style "open tuning" en sol qui, en retirant la sixième corde de l'instrument faisait sonné sa guitare à cinq cordes comme nul autre. Autant dire que la technique fut souvent reprise, imitée, mais rarement... égalée.

Outre son rôle incontestable -- et incontesté -- au sein des Rolling Stones, Keith RICHARDS a aussi, au fil de diverses collaborations, joué avec les plus grands Johnnie JOHNSON, Eric CLAPTON, John Lee HOOKER, Ry COODER, Carlos SANTANA, Robert CRAY, Albert COLLINS, Tom WAITS, Willie NELSON etc... )

Tom Waits : Bad As Me

2012-01-12T07:02:00+01:00

Le nouvel album de Tom Waits est sorti depuis quelques mois déjà, à l’automne, mais j’ai longtemps hésité à m’y risquer. Si j’étais amateur entre 1973 (Closing Time) et 1987 (Franks Wild Years), depuis j’avais un peu abandonné le chanteur à la voix de rogomme, me contentant d’en suivre la carrière par les articles de presse interposés. Jusqu’à ce nouveau CD, dont toutes les critiques s’accordaient à en dire du bien.

Comme souvent avec Tom Waits, on n’entre pas dans son univers si on ne fait pas l’effort de le vouloir vraiment, l’artiste se mérite et cet album ne déroge pas àla règle. Il m’a fallu de nombreuses écoutes, aux enceintes et au casque pour en apprécier toutes les subtilités.

Près d’une vingtaine de musiciens ont collaboré à ce Bad As Me, pour exemples citons, Marc Ribot bien évidemment, David Hidalgo (Los Lobos), Charlie Musselwhite et son harmonica, Larry Taylor (Canned Heat), Flea (Red Hot Chili Peppers) et mon ami Keith Richards (Rolling Stones, faut-il le préciser ?).

Le CD débute avec Chicago, un titre rapide avec de l’harmonica et la voix grasseyante de Tom Waits, bof ! On enchaîne avec Raised Right Men, le Tom Waits que j’aime, un rythme mid-tempo et la grosse voix posée sur une mélodie bringuebalante mais sans excès de déstructuration. Vient ensuite Talking At The Same Time, l’artiste prend une voix haute perchée et atypique pour ce titre lent, avec piano, guitare étrange, mais dont la mélodie reste dans un registre classique. Sur Get Lost, Tom Waits éructe comme il sait si bien le faire, dans la lignée d’un Screamin’ Jay Hawkins mais c’est l’un des trois titres de l’album que j’aime le moins. Heureusement, le suivant, Face To The Highway est très beau et lent, suivi de Pay Me, une douce mélancolie avec accordéon et un final au piano. Pour Back In The Crowd, Tom Waits prend une voix de crooner, et on remarque de délicates parties de guitares. Avec Bad As Me, le single, retour au Tom Waits adepte du délire vocal et des dissonances musicales, un titre emblématique du style de l’artiste avec de l’harmonica en fin de morceau. Un bon moment quand on est entré dans l’esprit du disque. Vient alors Kiss Me, l’un de mes titres préférés, ambiance club en fin de nuit, piano et voix fatiguée, le Tom Waits des premiers albums. Les trois morceaux suivants accueillent Keith Richards à la guitare, Satisfied, une grosse déglingue très rythmée avec une voix non moins grosse de Waits, Last Leaf est plus lent, ambiance feutrée entre amis, guitares et voix. Hell Broke Luce, Tom Waits nous entraîne dans une sorte de marche militaire ( ?) à l’ambiance vaguement inquiétante, le titre que j’aime le moins de ce disque qui se clôt sur un magnifique New Year’s Eve où Tom Waits s’applique au chant, tout au long de la belle mélodie soutenue par un accordéon et une mandoline, et dont on semble percevoir des relents de « Ce n’est qu’un au revoir mes frères » dans le refrain.

Disque globalement réussi, même si je ne l’écouterais pas tous les jours, mais c’est souvent le cas avec Tom Waits. Sa musique ne se prête pas à des écoutes à n’importe quel moment de la journée. Ce n’est ni une critique, ni un défaut au demeurant.

The book of Eli

2010-06-05T20:41:23+02:00

Encore un film post-apocalyptique à la sauce hollywoodienne. Après Will Smith dans I am legend (Francis Lawrence, 2007) ou Viggo Mortensen dans The Road (John Hillcoat, 2009), c'est au tour de Denzel Washington de jouer le rôle de cet humain livré à lui-même dans un monde ravagé par les guerres et que les pauvres humains n'ont su préserver de la destruction totale. Dans ce monde retourné à l'état de barbarie primaire (décors impeccables), Eli trace sa route vers l'ouest. Il ne s'arrête que pour dénicher de l'eau, denrée devenue rarissime, et lorsqu'il est obligé de se défendre contre les brigands qui sillonnent les routes. Excellente perspective jusqu'ici (on pense à un scénario à la Mad Max). Mais voilà qu'on découvre que Eli transporte sur lui un livre convoité par tout le monde, la Bible, qui plus est, le dernier exemplaire existant. Porter ce graal à destination sauvera l'humanité. Les écritures comme remède à tous les maux ? Voilà que le film s'est transformé en propagande catholique digne du pape Urbain II. Si vous pensez que la foi est pour les idiots, alors ne faites pas le déplacement.

The book of Eli (Albert Hughes, Allen Hughes, USA, 2009, 110 mins). Avec Denzel Washington, Mila Kunis, Gary Oldman, Ray Stevenson, Jennifer Beals, Michael Gambon, Tom Waits, Malcolm McDowell.

C'est pas drôle ! Ou si ?

2010-05-06T14:18:21+02:00

L'autre jour, plusieurs élèves de la terminale entraient en salle un large sourire limite niais affiché sur la frimousse. A mon grand étonnemment, j'avoue, car, quelque adorable que je sois : ), à 8 heures du mat' ils ont souvent la tête de quelqu'un qu'on a avec effort arraché aux bras de Morphée et je dois redoubler d'efforts et afficher un enthousiasme à moitié feint (ben oui, j'ai aussi sommeil à cette heure-là ! ). Mais ce matin, on dirait que quelqu'un leur avait fait avaler une potion magique, car ce n'était ni vendredi, ni jours de cours abrégés pour des raisons d'exams.

Après dix minutes j'ai cédé à ma curiosité et j'ai demandé quelle était la cause de cet état de béatitude.

"Il y a dans la cour un petit hasky qui a les mêmes yeux que vous !"

Ah bon ! Je me suis rapprochée de la fenêtre comme si de rien n'était . Plusieurs potaches s'affairaient autour du petit chiot, et depuis cette hauteur je n'ai donc rien aperçu. J'ai dû attendre la récré, où j'ai appris qu'il venait d'être adopté par une élève dont la mère était venue le chercher. De retour à la maison, j'ai googleïsé car cette histoire d'yeux me taraudait . Le voilà donc, le fameux husky :

Je ne sais pas si j'ai les mêmes yeux, je vous laisse juger, mais je me retrouve dans certains traits de son tempérament :

"Le husky sibérien est d'un tempérament très agréable, affectueux sans être obséquieux. Ce caractère agréable et amical est vraisemblablement un héritage ancestral, étant donné que les chukchies tenaient leurs chiens en haute estime. Ils les logeaient avec la famille et encourageaient les enfants à jouer avec eux.

C'est un chien alerte, qui cherche à plaire et qui s'adapte facilement. Les huskies sont des chiens extrêmement intelligents et indépendants. Ils peuvent être très têtus, étant donnée leur fonction initiale, et ils s'ennuient facilement. Ce caractère indépendant et entêté peut parfois mettre votre imagination à l'épreuve".

Quoi qu'il en soit, j'ai été ravie d'apprendre que le "nôtre" ne va pas finir errant sur les trottoirs, comme tant d'autres abandonnés pendant le communisme, à cause des multiples démolitions.

Je me rends compte, en écrivant, que c'est l'excuse que je balance à des amis lointains qui s'étonnent de les voir et entendre ( sourire) surtout la nuit. Mais vingt ans sont passés depuis et on n'a rien fait pour eux, à part quelques campagnes de "sensibilisation" et quelques chansons et pubs débiles.

A cette époque où tout part en vrille chez nous, on parle de plus en plus d'euthanasie. Solution rejetée par la majorité des Roumains. Mais leurs voix seraient-elles assez fortes face à l'entêtement des autorités ? Qui doivent aussi respecter le point de vue de ceux qui ont été mordus, agressés, ceux qui ont peur de laisser les enfants jouer dehors dans certains quartiers...

Dur de choisir, de trancher...

Pour dédramatiser, vous pouvez faire un tour chez Fiso, elle a failli laisser ses mollets aux griffes des chiens :

http://2yeux2oreilles.hautetfort.com/archive/2010/04/20/ou-courir-a-ramnicu-valcea.html

Et moi donc, husky ou pas ?

P.S.- Merci pour la photo : )

HERB COHEN IS DEAD

2010-03-20T11:55:00+01:00

Frank Zappa & Herb Cohen

Herb Cohen, le manager de Frank Zappa, actif dès le premier album des Mothers Of Invention, co-créateur avec Zappa des labels Straight (Alice Cooper, Captain Beefheart, Lord Buckley, Jeff Simmons, Tim Buckley, GTOs ...) et DiscReet Records (Kathy Dalton, Tim Buckley, Ted Nugent, Growl, Brenda Patterson...) vient de lâcher définitivement l'affaire à l'âge de 77 ans. Il est décédé le mardi 16 mars dans sa propriété de la Napa Valley en Californie. Herb Cohen était né le 30 décembre 1932.

Il avait également travaillé avec Screamin' Jay Hawkins, Lenny Bruce, Theodore Bikel, George Duke et Tom Waits.

Episode XXXI: Loïc Lantoine

2010-03-09T15:55:02+01:00

Au début des années 2000, dans le sillage des Biolay, Bénabar, Delerm and co est apparu une nouvelle génération d'auteur-compositeur-chanteur très vite rangée sous l’appellation médiatiquement contrôlée "nouvelle chanson française". Cette nouvelle vague vocale s’apprête en 2010 à célébrer ses dix ans d’existence. Retour dans le désordre sur les albums phares (une trentaine) des trentenaires talentueux qui à leur manière décompléxée ont repris le flambeau des Murat, Miossec, Dominique A ou Katerine des années 90 dont l’écriture leur avait ouvert d’autres voies

Loïc Lantoine, Tout est calme (Mon Slip, 2006)

Avec son frère d'âme François Pierron à la contrebasse, Loïc Lantoine a tissé, sur le fil du rasoir, un tour de «po-éthique» à la fois fraternel, corrosif, bourré de tendresse et de coups de sang. Où ses scansions ne sont jamais illustrées par les cordes de Pierron mais plutôt rudoyées. Cet art des contrepoints fervents finissant toujours par dialoguer et signifier un langage à part. Tellement attentivement à l'écoute du souffle de l'autre qu'on ne pouvait imaginer Loïc Lantoine autrement que sous la forme de ce duo alchimique; hydre à deux têtes où chaque lexique amène sa part à l'édifice. Pourtant, après trois ans de scène commune et la publication de la poésie remuante de Badaboum (2003), le tandem a élargi ses horizons musicaux avec Tout est calme.

Un deuxième album où percussions, guitares, cuivres et hautbois habillent ou déshabillent les vers percutants de ce Lantoine qui a commencé à brailler ou déclamer ses vers dans les bistrots. Sauf que le brouhaha a sans doute poussé la voix de Loïc Lantoine dans les graves. A parler-chanter avec intensité, quitte à développer une raucité proche de celle d'Arno ou Tom Waits. Les textes, sa voix qui en impose et les orchestrations plus étoffées restent heureusement subtilement entremêlés. Le propos n'a de calme que les apparences: les mots sont chevauchés sur le mode du parlé-chanté ou du récitatif pur par le biais d'interludes.

"Aujourd'hui dans ce grand bordel/J'essaie d'gueuler en souriant/Et de tracer à tire-d'aile/Un dess(e) in qui unit les gens", affirme Lantoine dans "Cosmonaute". Un élan volontariste qui entrecoupe ses coups de gueule, ses désenchantements, ses engagements. Autant d'histoires citoyennes qui débordent toujours de vie, de fraternité, de trahisons et de contestations. Les sarcasmes de Lantoine - sur les chapelles, sur le milieu artistique ou sur la résignation en général - continuent aussi de faire mouche. Ainsi encore de ceux, à hurler de rire, dispensés malignement sur Johnny Hallyday dans "NNY".

Au-delà du disque, c'est toutefois sur scène que les imprécations de Lantoine, ses mimiques, ses airs de clown (triste ou non), ses railleries et son immense tendresse prennent toute leur (dé)mesure. Parce que cet homme du Nord, protégé d'Allain Leprest, appelle l'émotion en se livrant sans artifice. La générosité non apprêtée de Lantoine, son écriture précipitée-oxygénée, les fulgurances sonores et la théâtralité globale presque naturelle de ses spectacles font mouche. Un moment d'intensité et de vérité rêvées. Lui qui voulait au départ éviter d'être interprète pour se concentrer sur le fond, sur l'écriture, est désormais l'une des voix les plus captivantes de la chanson francophone. Il aura fallu cinq ans, une première partie des Rita Mitsouko un soir à Paris, des tournées avec les bonimenteurs mélancoliques de La Rue Kétanou et Mon Côté Punk ou briller comme découverte au festival du Printemps de Bourges en 2004 pour enfin voir Lantoine s'imposer. Ce disque au verbe vif et tranchant s'appropriant encore au passage les maux de Christian Olivier, âme des Têtes Raides et patron de son label, devrait sonner la fin de l'accalmie.

Episode XXVI: Renan Luce

2010-02-22T12:51:22+01:00

Renan Luce, Repenti (Barclay, 2006)

"Cherche regard neuf sur les choses/Cherche iris qui n'a pas vu la rose/Je veux brûler encore une fois/Au brasier des premières fois...", chante Renan Luce dans "L'Iris et la rose". La première strophe pourrait faire figure de devise au répertoire de ce jeune homme de 26 ans béni de talent. Tant son écriture tragi-comique se révèle d'une finesse exemplaire. Et d'un imaginaire débordant qui ne mène que rarement là où on l'attend.

Français de Morlaix, dans le Finistère, Renan Luce effectue en fait une des plus palpitantes entrées en chanson de ces dernières saisons. Dans Repenti, premier album porté par une insidieuse et mélancolique chanson éponyme aux accents siciliens, il trempe sa plume impressionniste dans une encre jamais baveuse. Ici, on sourit gentiment, davantage qu'on rit franchement comme c'est le cas chez Bénabar, dont il a assuré les premières parties, ou Vincent Delerm.

L'auteur de Repenti se fait ainsi souvent voyeur pour épier ses contemporains. Il se glisse aussi volontiers dans la peau de loups solitaires aux destins cabossés, aux manières pas tout à fait catholiques. Procédé le plus sûr pour emmener l'auditeur sur des chemins de traverse. Renan Luce: "Ce que j'aime chez les gens solitaires ou timides, c'est qu'il leur arrive souvent des choses incongrues et insoupçonnables. J'aime explorer de façon plus générale les zones cachées. Ces non-dits qui complètent une identité. Et si je suis attaché au mode tragi-comique, c'est parce qu'il permet de multiples rebondissements dans l'écriture."

D'ailleurs, Renan Luce écrit long. Ne répète jamais trop les couplets. Il laisse courir son imaginaire sans peur. Mais toujours avec un point de vue. Un angle bien précis pour dérouler ses scénarios. Sur l'intimiste "Je suis une feuille", le Breton retrace poétiquement quelques-unes des mille vies fantasmées d'un papier léger à l'origine de bien de hauts faits. Bienfaisants ou non.

De recoins en zones d'ombre, d'âmes en peine en fantômes passés, Renan Luce traque les souvenirs, fouille dans la gamme des sentiments. Une légère brisure dans sa voix ajoute au charme de ce qu'on peut qualifier sans gratuité d'"univers". Affirmé encore musicalement en empruntant autant au folk qu'au blues-rock façon Tom Waits, à la pop qu'aux ambiances de bastringue ou valsées. Toutes les atmosphères de son répertoire sont soigneusement orchestrées. L'acoustique domine - piano, guitare, contrebasse - et les mélodies s'avèrent très légères, aériennes ou brumeuses.

Happé par la chanson au terme de sa scolarité obligatoire, alors que sa prime formation musicale s'est faite au conservatoire dont il n'était pas un assidu (piano saxophone), Renan Luce s'est mis à écrire quand il a troqué pour quelques francs son saxo pour une guitare. Il lui confie d'abord ses états d'âme, avant d'élargir peu à peu la focale de ses chansons. En la matière, son "maître d'écriture" avoué sera Brassens. Sur scène, il aime d'ailleurs reprendre "L'orage".

Sinon, Nougaro, Moustaki et Brel s'écoutaient en famille, puis Miossec, Louise Attaque et Dominique A le touchent au cœur à l'adolescence. Un enrichissement par strates successives, dont les Beatles côté anglo-saxon constituent une autre trame de fond. L'expérience de la scène passe ensuite pour Renan Luce par la bouillonnante Rennes (études) et la boulimique Paris (travail de graphiste ces trois dernières années): circuit des cafés-concerts, et tout s'accélère. Repéré entre autres au printemps 2006 à Genève (Festival Voix de Fête), il décroche un "Prix pros". Seul sur scène, guitare-voix, il remet cela un peu plus tard au prestigieux festival de chanson Alors chante!, à Montauban. Il y glane cette fois le Prix du public.

Courtisé par plusieurs maisons de disques, c'est au final Universal qui publie son attendu Repenti. Une entrée en matière qui ne trahit aucun espoir.

Episode XXV: Emily Loizeau

2010-02-17T13:49:00+01:00

Emily Loizeau, Pays sauvage (Polydor, 2009)

De L’Autre Bout du monde au Pays sauvage. La transition est bien choisie. Mais se teinte de larmes et d’orages, de souvenirs douloureux contrebalancés par des songes merveilleux. Emily Loizeau, "Franglaise" entre deux eaux textuelles et deux rivages musicaux, se joue à nouveau insolemment des registres et poursuit son bel envol dans le paysage francophone des voix féminines qui comptent. Quelque part entre les audaces de Camille et celles de Daphné.

Ce deuxième album affiche une étourdissante luxuriance instrumentale, un impressionnant générique de collaborations (Moriarty, Seb Martel, David-Ivar Herman Düne, Thomas Fersen, Danyel Waro) qui donnent à son répertoire neuf des allures de superproduction. Normal pour une chanteuse qui est passée des arcanes du formidable label indépendant Fargo dont elle a été la première signature francophone (parmi Andrew Bird, Alela Diane ou Neal Casal) à la machinerie rodée de la multinationale Universal Music. S’il gagne en étoffe orchestrale et en complexité ce qu’il perd en émotion immédiate, Pays sauvage comporte suffisamment de plages éblouissantes, de trouvailles sonores et d’inventivité mélodique pour espérer une belle et longue durée de vie.

Deux ans plus tôt, L’Autre Bout du monde alternait intimisme et excentricité, douces mélancolies et légèreté quasi candide, humour vachard et humeurs noires. De comptines drôles en mélodies graves, de la féerie d’une boîte à musique à des arrangements de cordes soignés, d’un filet de voix mutin à la raucité des timbres, L’Autre Bout du monde voyait Emily Loizeau habilement nuancer les propos que lui inspirait son piano. En comparaison, Pays sauvage se montre plus homogène grâce à deux lignes de force: une constante bringuebalante de la palette instrumentale et des échappées séraphiques tendance hippie-neofolk qui louchent vers Devendra Banhart. Ainsi, si la chanson éponyme "Pays sauvage" pose admirablement le décor éthéré de l’album, "Fais battre ton tambour" qui lui emboîte immédiatement le pas active plutôt le versant paysages cabossés façon Tom Waits ou les climats d’une moiteur délétère manière Willy DeVille.

Dans ce deuxième titre qui oscille entre affliction et espoir volontariste de survie, c’est un air funèbrement vagabond d’une fanfare de La Nouvelle-Orléans qui sert d’oxygène. Tandis que, plus loin, l’entrée en scène du Réunionnais Danyel Waro rajoute un zeste de maloya et de créolité au cœur du sidérant "Dis-moi toi que tu ne pleures pas". Alors que "La femme à barbe" et sa rythmique foraine enfoncent le clou sur le parti pris bohème et déluré de l’album et que "La dernière pluie", "Sister" (un brin plus chagrin par ailleurs) et "The Princess and the Toad" avec Fersen raniment la part enfantine et rêveuse chère à une Emily Loizeau comme trop coincée dans un cruel Pays des merveilles.

Si peu de chansons d’Emily Loizeau nous tirent des larmes comme "I’m Alive" sur L’Autre Bout du monde inspiré par le décès de son père, Emily Loizeau s’ingénie à retrouver des contrées hospitalières qui laissent une chance aux secondes vies, aux songes bienfaiteurs. Son Pays sauvage aux contours musicaux plus abrupts charrie paradoxalement une dimension rédemptrice. A la question "Dans l’au-delà/Faut-il aller se noyer?" ("Songes"), elle répond d’ailleurs "plus jamais". Son deuil est consommé.

Friday night, Part I: by jove!

2008-06-27T22:24:00+02:00