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Le Chinatown de Polanski et le dévoilement de l’Amérique

2025-06-04T14:34:52+02:00

Le Chinatown de Polanski et le dévoilement de l’Amérique

Nicolas Bonnal

« Le désert croît. Malheur à qui recèle des déserts ! » (Zarathoustra).

Mère de toutes les images et de tous les vices de la planète ciné-télé Los Angeles est une ville-simulacre qui n’aurait pas dû naître, pas dû pousser sur un désert. Elle l’a fait quand même, et de quelle manière ; et sa récente punition inexplicable et terrifiante à la fois marque comme pour Hawaï (autre terre du rêve et du cinéma) une énième descente aux enfers et au désert. Mais cette ville qui est une anti-ville peut descendre plus bas et le fera sans doute.

A propos du Chinatown de Polanski, film le plus important sans doute du cinéma (tout y est voile de la Maya, sauf cet enfant mexicain à cheval venu d’un autre monde, celui de la licorne de Ridley Scott et d’un moyen âge chrétien), on rappellera que le film explique comment ce monstre tératologique, la ville du cinéma donc (voir le quatrième partie de ma Damnation des stars publiée chez Filipacchi il y a trente ans déjà) est venue au monde. Car le film tourne autour de ça, des eaux, de la terre et du ciel sec.

On y découvre un personnage (l’une des victimes, la plus importantes), inspiré par William Mulholland qui a donné son nom à deux chefs-d’œuvre du cinéma postmoderne comme on dit : Mulholland Drive de David Lynch et l’excellent Mulholland Falls du maori Tamahori qui reprend une thématique proche d’Aldrich (celui d’En quatrième vitesse of course) : les inventions démoniaques (la bombe nucléaire) créent des monstres non pas physiques (ce serait trop facile…) mais psychologiques. C’est aussi cela qui aussi a créé ce Deep State indéracinable dont on connait les intentions globales et locales depuis le Covid. Le film de Polanski reprend la thématique de Rosemary : le Diable (celui de Baudelaire) va prendre le monde en charge, et directement encore. De Manhattan (revoyez Ghostbusters et les révélations qui y sont faites par Harold Ramis) à Los Angeles l’Amérique est « couverte ».

Sur Mulholland autant savourer Wikipédia :

« Dans les années 1880-90, Frederick Eaton et William Mulholland comprennent que l'obstacle principal à l'extension de la ville de Los Angeles est son approvisionnement en eau. Ces derniers se rendent compte que la vallée de l'Owens possède un trop-plein d'eau provenant de la Sierra Nevada et qu'un aqueduc pourrait conduire cette eau jusqu'à Los Angeles.

Au 20ème siècle la vallée de l'Owens (photo) devient la scène d'affrontement où corruption et manipulation opposent les résidents locaux et la ville de Los Angeles pour obtenir les droits sur l'eau… »

Le film fait allusion à une guerre caïnite de l’eau :

« Les guerres de l'eau en Californie (anglais : California Water Wars) désignent les différends entre la ville de Los Angeles et les fermiers de la vallée de l'Owens en Californie concernant les droits de l'eau. Les conflits découlent principalement de l'emplacement dans une zone semi-aride de Los Angeles et la disponibilité de l'eau de la Sierra Nevada dans la vallée de l'Owens. »

Enfin voyons pour le grand homme au bilan génial mais contestable :

« William Mulholland (Belfast, Irlande, 11 septembre 1855 – Los Angeles, Californie 22 juillet 1935) (photo) est un ingénieur américain d'origine irlandaise qui travailla en Californie et fut une figure marquante de l'histoire de Los Angeles.

Il a dirigé la construction du premier aqueduc de Los Angeles, qui a permis à la cité de devenir l'une des plus grandes villes du monde. L'exploitation de l'aqueduc a conduit cependant aux conflits connus sous le nom de guerres de l'eau en Californie, et à un désastre écologique dû à l'assèchement du lac Owens et de la vallée du même nom. En mars 1928, sa carrière prend fin lorsque, 12 heures après que lui et son assistant y ont effectué une inspection de sécurité, le barrage de St. Francis s'effondre, causant un grand nombre de morts et des dégâts considérables… ».

Le double de Mulholland refuse de « commettre la même erreur ». C’est là que les moutons interviennent (dans le film…). Bientôt on va lui envoyer les égorgeurs.

J’ai déjà dit que le film noir sert à dénoncer ou simplement dévoiler un monde criminel, un monde si dystopique qu’il débouche en univers de SF. Le monde criminel en Occident est invincible et le sait ; il n’aime pas être dénoncé mais il aime bien être révélé parfois. Ici le scénariste Robert Towne (Robert Bertram Schwartz, auteur aussi de Bonnie & Clyde et de l’exceptionnel Shampoing d’Hal Ashby) se surpasse et se défoule même.

Le méchant du film, qui a violé sa fille, lui a fait une enfant et tue finalement son associé et gendre, est joué par John Huston. Il se nomme Noah Cross et on voit comme un règlement de comptes se profiler là. Après tout on est à l’époque où l’inspecteur Columbo (présumé italien) envoie tous les riches Wasp en prison. Le film évoque sèchement une atmosphère antisémite: notamment dans la maison des retraités qui servent de prête-noms au groupe d’oligarques mêlés à cette opération de confiscation des eaux (Nicholson évoque la prostration des populations en pleine sécheresse, il est donc assuré que JAMAIS NOUS NE NOUS REVEILLERONS).

C’est une des données du film noir: on dénonce un monde taré qu’on ne peut renverser (on a juste remplacé les élites Wasp, voir McDonald ou Todd). Le film réveille et rendort: on reste dans le chaos de ce quartier auquel le flic ne comprend rien, Chinatown donc, surtout quand à la fin la police abat la victime (Faye Dunaway) et laisse le méchant (le père autoritaire d’Adorno, vicieux et intouchable) s’échapper. A la même époque l’exceptionnel directeur de la photo Alonso (premier mexicain ou presque respecté à Hollywood) éclaire – c’est le cas de le dire – l’Adieu ma jolie de Mitchum (il vole la vedette au réalisateur inconnu) et confère une aura magique à ce retour de bâton historique. La crise du pétrole passe par là, les Reset à venir et le Vietnam passent facture. On est définitivement sortis de l’innocence rooseveltienne dont parlait ma prof Denise Artaud à sciences-po. Mais y eut-il jamais un âge innocent pour l’Amérique, ce pays créé par l’esprit et non par la nature, comme dit Dostoïevski dans les Possédés ? Née de la sédition, de la Traite, du refus oligarque de payer des impôts, du dieu maçonnique, de la rage de faire du fric et de nuire à l’Europe, l’Amérique n’a pas d’innocence à nous vendre. Et « son air d’innocence ne reviendra plus » (Debord) : voir l’excellent livre de Zinn. Le projet immobilier de Gaza promu par Trump et ses acolytes nous rappelle très bien ce bref passage de Tintin en Amérique : voici vingt-cinq dollars, vieil hibou ; on prend ton territoire et on construit une ville nouvelle. Quant à la vieille civilisation hispanique et catholique de Mexique ou de Californie, on la retape pour les touristes et les thésards.

Comme dit Guillaume Faye dans son Système à tuer les peuples (c’est pourquoi l’enfant mexicain est un fantôme, les Mexicains ne reviennent que comme consommateurs obèses et péons du « cheap labor » du Donald) :

« L'humanisme apolitique, en revanche, comme tout ce qui relève de la raison égalitaire, s'avère obscène et castrateur. Los Angeles : monstrueuse verrue du bout de l'Occident, modèle de la future civilisation mondiale et californienne, où le mode de vie remplacera le politique. Rien d'étonnant, dans de telles conditions, que nous assistions à une dépolitisation de la classe politicienne bien plus, contrairement aux plaintes des politiciens qui ne connaîtront décidément jamais leur peuple, qu'à une dépolitisation de la société civile. »

C’est la Kali fournie qui dévore le monde, un peu comme l’araignée géante Ungoliant de Tolkien (voyez mon livre), qui se dévore en même temps – et sans complexes.

Le pire est que le film bien léché offre un panel d’images splendides héritées de l’Espagne coloniale ou du Spanish Revival architectural où Columbo déniche ses coupables Wasp. La beauté recyclée et muée en simulacre de Los Angeles (les annales gelées…) se retrouvera dans L. A. Confidential (film adoré par Jean Parvulesco qui me l’avait recommandé) ; Curtis Hanson explique que ce film lui fut inspiré par ce drame avec Bogart tourné dans un patio espagnol, qui montre un scénariste de cinéma massacrer et torturer son monde. Le cinéma c’est Nicholas Ray…

Venons-en à Nicholson. Dans le film il s’appelle Guittes et on nous dit que le nom fut inspiré par un ami de Jack. Je veux bien mais il se trouve que je vérifie, que Guittes veut dire divorce en hébreu et que ce détective pourchasse les maris pour obtenir de généreuses pensions : on le lui reproche pendant tout le film. Le Klein d’œil si j’ose dire est énorme ; je trouve ceci sur le site passionnant des Chabad (voir lien) :

« Parmi les lois détaillées dans la paracha de Ki Tetsé, il y a une section traitant du divorce. Le Rabbi analyse dans ce discours le concept de divorce tel qu’il s’applique entre les époux, et entre l’homme et D.ieu. Il examine certains paradoxes dans le traité talmudique sur le divorce (Guittine) et dans le nom donné, dans la loi juive, au document qui consomme la séparation. Ces paradoxes ont en commun de suggérer que bien que le divorce soit, extérieurement, une séparation, ce n’est pas là sa véritable nature. La pensée ‘hassidique, avec l’accent qu’elle met sur la découverte de l’essence de D.ieu et de l’homme, se fait devoir de percer le cœur de cette question : dans la mesure où l’essence de l’univers est l’unité de D.ieu, la séparation peut-elle être réelle et définitive ? »

Il y a bien divorce d’avec Dieu, le monde créé par le capital américain (voir Zinn, toujours) s’avérant infernal. Qui nous dit d’ailleurs que ce fantôme d’enfant que l’on voit n’a pas été emporté par les eaux ?

Sur la machine américaine à divorcer (et à déplacer l’argent finalement) je me suis rappelé ce splendide passage de Francis Parker Yockey :

« La vie familiale américaine a été profondément désintégrée par un régime déformant la culture. Dans un foyer américain classique, les parents ont en réalité moins d'autorité que les enfants. L'école, tout comme les églises, n'impose aucune discipline. La fonction de formation de l'esprit des jeunes a été abandonnée par tous au profit du cinéma. »

Todd croit que les Wasp ont été dépossédés vers 1965 ; rude erreur, car comme l’explique Yockey toujours :

Non, elle n'est pas morte, Adèle ! La preuve, c'est qu'elle nous a passé un coup de téléphone à la rédaction pour nous dire où elle en était et quels étaient ses intentions et ses projets d'avenir. Que des nouvelles encourageantes et rassurantes !!! Si si !!! On vous jure !!! Ben regardez plutôt cette photo si vous nous croyez pas.

Roman Polanski, Gérard Depardieu et autres cibles de toute une police morale extrémiste vont pouvoir dormir tranquilles et vaquer de nouveau à leurs petites affaires en toute quiétude. Le commerce de boissons fortes et l'industrie du cinéma dans leur ensemble ne pourront que s'en porter infiniment mieux.

***

Note

On trouve la vignette ci-dessus à la page 31 de Élise et les nouveaux partisans, où Jacques Tardi retrace le parcours — je devrais dire les aventures et méchantes tribulations — de la chanteuse et militante d'extrême gauche Dominique Grange, qui est devenue sa compagne. J'ai un peu "arrangé" à ma sauce le texte de Tardi : j'espère qu'il ne m'en voudra pas trop de ce détournement.

DES NOUVELLES DE FRANCE

2020-03-03T09:00:00+01:00

1 – Lors de la soirée des Césars, si Adèle Haenel, Céline Sciamma, Virginie Despentes, Florence Foresti, Vanessa Springora et quelques autres djihadistes du féminisme avaient eu une guillotine, on aurait vu quelques têtes de messieurs rouler dans la sciure. Fini la justice : l'heure qui voit triompher la « sororité » est à la vengeance. A mort les salauds de mecs ! VENGEANCE !
2 – Pendant que les médias dégorgent à force d'être bourrés de la catastrophe coronavirale et nous serinent leurs conseils de méfiance, l'épidémie normale de la grippe normale continue à éclaircir en silence les rangs silencieux des personnes normalement vulnérables. Et pendant que le vacarme coronaviral occupe l'attention des Français, le gouvernement d'Edouard Philippe et Emmanuel Macron fait passer la réforme des retraites à grands coups d'article 49 alinéa 3 de la Constitution.
Il faut dire que les olibrius de l'opposition fanatisée sous la houlette de l'Olibrius en chef Jean-Luc Mélenchon ont tout fait pour discréditer la notion même de débat parlementaire, en déposant, entre 40.000 autres reformulations sans doute aussi subtiles, un amendement remplaçant dans le texte "annuel" par "chaque année".
Mais les olibrius de l'opposition ont tout à fait raison de répliquer que les bonimenteurs du gouvernement n'avaient qu'à pas commencer par les provoquer en demandant que soit examinée en "procédure accélérée" (pas de navette, mais un aller-retour entre les deux Chambres) une loi horriblement complexe à mettre en application, et qui concernera TOUS les individus français. Une loi au surplus que les bonimenteurs ont méticuleusement fait semblant de préparer en "concertation", mais qui, selon les avis les plus avisés (Dominique Rousseau, constitutionnaliste), souffre d'une IMPRÉPARATION congénitale.
Elle est pas belle, la France éternelle, dans le miroir des médias ?

2020 : DES MECS A ABATTRE

2020-01-04T09:00:00+01:00

Ecrit en pensant à Christophe Ruggia, à Roman Polanski, à Gabriel Matzneff et à tous ceux qui attendent le couperet dans l’antichambre de la guillotine médiatique.
Je hais l'idée qu'un adulte ose concevoir les enfants comme des partenaires amoureux, mais je refuse de hurler avec les louves : je déteste encore plus les charognards.
On l'a peut-être oublié, mais il fut un temps pas si lointain (2001) où le célèbre Daniel Cohn-Bendit fut désagréablement chatouillé sous les aisselles par une presse qui venait de déterrer quelques déclarations où le désormais retraité des navigations politico-médiatiques se gardait de condamner l'amour avec les enfants, alors qu’il travaillait dans une « école alternative ». Les vautours de la "morale", les obsédés de "l'envie de pénal" étaient en train de prendre leur essor, comme l'avait déjà noté notre cher Philippe Muray.
Je précise tout de suite que l'on s'en prend à quelque chose qui était assez banal dans les milieux qu'on disait à l'époque (la queue de comète de Mai 68) « avancés en matière de mœurs ». Cette tendance à ce qui est désormais souillé du nom de l'infamie (« pédophilie ») avait des pages ouvertes jusque dans les journaux les plus vendus à l'époque, et même à la télévision.
Je ne me rappelle plus en quelle année j'avais capté un morceau d'une émission consacrée au sujet, où des amoureux des enfants (c’était ce que les Grecs de l’antiquité regroupaient sous le nom de « pédérastie », lire Le Banquet de Platon) s'étaient présentés sur le plateau de façon à ne pas pouvoir être identifiés (j'imagine que l'époque ne se prêtait déjà plus trop à l'étalage de telles préférences). Je mentionne pour mémoire un livre de Tony Duvert (Quand Mourut Jonathan, Minuit, 1978), où le personnage principal, un artiste, se borne à une sodomie superficielle avec le jeune garçon qui lui est confié pour un temps par sa famille.
J'ai encore dans mes archives quelques exemples de ces « faits sociaux » qui atterriraient aujourd'hui directement sur les unes des journaux, sur le banc des prévenus en correctionnelle et derrière les barreaux des centres de détention (j'ai entendu quelque part : « Ça mérite perpète »). J'en fournirai peut-être des images, mais seulement après les avoir "expurgées".
Dessin du groupe "Bazooka Production" (Chapiron ? Kiki Picasso ?). Recueilli dans les pages "Petites Annonces" (annonces "taulards" si je ne me trompe pas) du journal Libération daté 5 novembre 1978. Vous imaginez ça, aujourd'hui ? Moi non. La liberté d'expression est très mal en point : d'innombrables sortes de gens, pour d'innombrables raisons qui leur sont particulières, considèrent que nul n'a le droit de
HEURTER LEUR SENSIBILITÉ.
A croire que les épidermes contemporains sont devenus hypersensibles, voire allergiques.
D'innombrables sortes de gens ont les moyens de faire taire les gens libres. C'est de ça qu'elle est en train de crever, la liberté d'expression. C'est de ça qu'elle va crever, la liberté.
Même le journal Libération, qui a grandi dans les flammes de tous les non-conformismes amoureux, dont il a longuement fait la publicité dans ses pages « Petites Annonces », se repent à présent, à grand bruit et à grands renforts de "mea culpa" sonores, d'avoir donné de l’audience aux goûts de Gabriel Matzneff en matière sexuelle.
Ses goûts ? En dehors des 1.800 conquêtes féminines (« Ma in ispagna son gia mille tre ») du Don Giovanni de Mozart-Da Ponte, le célèbre "air du catalogue" chanté par Leporello les précisait : « Sua passion predominante È la giovin principiante » (ce que Don Juan préfère, c’est la "jeune débutante").
Il faut le dire : il y eut "table ouverte" dans les médias pour les formes non-conformes de sexualité dans toutes sortes de milieux plus ou moins considérés comme "progressistes". Combien de temps a duré la levée de ce tabou ? Difficile à dire. Je dirais à vue de nez que les quinze à vingt ans qui ont suivi mai 68 ont été propices à toutes sortes d’expérimentations dans ce domaine (y compris l’arrivée de Mitterrand au pouvoir le 10 mai 1981).
Un exemple : je me souviens d’avoir lu, au début des années 1970, Journal d’un éducastreur (si, si, vous avez bien lu), écrit par un certain Jules Celma (éditions Champ libre, 1971). Il est instituteur remplaçant. Je vous cite une phrase de la notice que lui consacre l’encyclopédie en ligne : « Il laisse à ses élèves une liberté totale afin d'encourager leur épanouissement et leur expression non autocensurée ».
Le résultat ne se fait pas attendre : au cours d’un jeu qui se déroule dans la classe, les gamins se mettent à mimer des scènes de sodomie, parfumées d’un zeste de sadisme. Celma lui-même en restait baba d’admiration. Il considérait que toute éducation appauvrit drastiquement le potentiel créatif de l’enfant ! Et on a vu de drôle de trucs au sein des « Ecoles Nouvelles » fondées par des gens qui avaient mal digéré la lecture de Libres enfants de Summerhill (A.S. Neill).
Toujours dans les mêmes années, j’ai lu Douze poèmes pour Francesca (1977). Je n’ai gardé aucun souvenir des textes écrits par Gabriel Matzneff (oui, oui, le même qu’aujourd’hui). Ce qui est sûr, c’est que la Francesca en question ne devait avoir guère plus de quinze ans. Matzneff aimait les très jeunes filles, et en plus, il ne s’en cachait pas du tout.
Celui que de bonnes âmes traitent aujourd’hui de monstre était couramment reçu par Bernard Pivot sur le plateau d’Apostrophes. Il avait même écrit une pétition de soutien à trois pédophiles qui passaient alors en correctionnelle, et celle-ci avait été signée, entre autres, par Simone de Beauvoir et Louis Aragon, pour dire la carrure de quelques signataires. On peut en trouver ces jours-ci une resucée sur le site internet de Libération.
Le cas de Roman Polanski est-il si différent ? La fille de 13 ans (en 1977 ?) qui avait porté plainte contre lui après une nuit « agitée » a abandonné toute poursuite contre lui. C’est la vindicte d’un procureur particulier qui a réveillé l’affaire : les Américains sont, paraît-il, intransigeants sur la morale et intraitables avec les actes « inappropriés ». Et c’est au moment où sort en France son film J’Accuse qu’un livre de Valentine Monnier vient opportunément dénoncer l’inqualifiable comportement que le cinéaste a eu à l’égard de celle qui n’était alors qu’une très jeune fille.
Christophe Ruggia, cinéaste lui aussi, subit les foudres de l’actrice Adèle Haenel depuis que celle-ci s’est souvenue qu’il avait eu, lorsqu’elle avait 12 ans, des gestes totalement déplacés. Elle est née en 1989, la fin trouble des années 1970, elle ne connaît pas, c’est certain.
Mais là, je dis : où étaient les parents, au moment où elle se faisait peloter, voire pire ? Pareil pour la très jeune Vanessa Springora, tombée entre les griffes du pervers quand elle avait 14-15 ans : où étaient les parents ? Que je sache, la majorité est à 18 ans : avant, c’est aux parents qu’il faut s’en prendre pour les fautes dont leurs enfants ont été victimes.
Non, j'ai beau haïr l'instrumentalisation du corps des enfants par des adultes anormaux, je trouve que cette atmosphère devient vraiment irrespirable. Je ne supporte plus cette « levée en masse » des justiciers qui crient « A mort ! » contre des gens qui ont, il y a quarante ans, pris au mot le graffiti soixante-huitard « Il est interdit d’interdire ». Le slogan est insensé, je suis d’accord. Mais tout ça ressemble à des vengeances rétrospectives et à des représailles par procuration. Tout ça me fait horreur. Et la présente unanimité des glapisseurs de la morale me semble de très mauvais augure pour les partisans de la liberté.

La censure s'est démocratisée. Je veux dire qu'elle s'est universalisée : tout individu est un censeur en puissance. Et il ne s'en prive pas.

Voilà ce que je dis, moi.

***
Note.
La BD était évidemment au diapason de cette époque post-soixante-huitarde qui subit aujourd'hui toutes les diatribes et indignations vertueuses. A commencer par la très féministe (quoiqu'éphémère) revue Ah Nana ! Ci-dessous la couverture du n°9, le dernier, paru en septembre 1978. Les tentations étaient certes nombreuses et multiples, sans parler de l'envie des jeunes pubères de tester leur pouvoir.
Le grand Robert Crumb lui-même allait encore plus loin (je crois que c'était dans les pages de la revue Actuel).

Un héros ordinaire

2019-11-27T09:51:00+01:00

A priori, il y avait un choix évident pour une adaptation ciné de l’affaire Dreyfus : celle de se mettre à la place de cet officier français injustement condamné en 1894 pour intelligence avec l’ennemi, envoyé au bagne sur la bien-nommée Île du Diable, au large de Cayenne, avant d’être réintégré dans l’armée en 1906. Parce que la confession juive du militaire jeté aux gémonies est vite apparue comme une circonstance aggravante, le cas Dreyfus est devenu, à juste titre, autant une affaire d’État qu’un fait de société, dans une France gangrenée par l’antisémitisme.
Or, pour mettre en scène cette affaire autour d’une machination judiciaire et militaire ayant broyé un homme, Roman Polanski centre J’accuse, son tout dernier film, Grand Prix du Jury à la Mostra de Venise cette année, autour du lieutenant-colonel Picquart. Ce militaire irréprochable se retrouve à la tête du service de renseignements de l’armée française. A priori peu enclin à pleurer le sort d’Alfred Dreyfus, qu’il a pourtant eu comme élève, il en vient pourtant à s’interroger sur sa culpabilité lorsqu’il tombe sur un document révélant les liens entre un certain commandant Esterhazy et les autorités allemandes. Picquart en vient aussi à suspecter son propre adjoint, le commandant Henry, avant de se rendre compte que les responsabilités visent des gradés et des politiques hautement placés, peu désireux que l’on revienne sur la culpabilité d’un militaire qui a le tort d’être juif.
Une tragédie cornélienne
En axant son film, non sur Dreyfus, mais sur l’homme qui a fait éclater la vérité, Roman Polanski construit plus qu’un drame historique : il signe un véritable thriller, authentique de bout en bout. Un thriller mais aussi une tragédie cornélienne sur la recherche de la vérité de la part d’un gradé, le moins enclin à salir les institutions militaires et républicaines, mais choisissant de dévoiler les mensonges de ses responsables.
L’Affaire Dreyfus renvoie d’abord et surtout à l’antisémitisme avec une force implacable : les procès de Dreyfus, les dialogues éloquents, sans oublier la scène d’autodafé après la publication de la lettre ouverte J’accuse de Zola dans le journal L’Aurore du 13 janvier 1898, une séquence qui renvoie aux heures sombres de la seconde guerre mondiale quelques décennies plus tard.
Aux côtés de Jean Dujardin, irréprochable dans le rôle de ce héros ordinaire qu’est Picquart, et de Louis Garrel, un Alfred Dreyfus déconcertant, il n’y a que du beau monde : Grégory Gadebois, Emmanuelle Seigner, Didier Sandre, Melvil Poupaud, Mathieu Amalric, Vincent Perez, Michel Vuillermoz ou Denis Podalydès !
Le J’accuse de Polanski est un brillant plaidoyer autant qu’une grande leçon de cinéma : les prises de vues (l’impressionnante séquence d’ouverture avec la dégradation du capitaine Dreyfus), les plans larges (avec cette scène de duel magnifique entre Picquart et Henry), la direction d’acteurs (un époustouflant Jean Dujardin, qui trouve, à l’instar de The Artist, un de ses plus grands rôles), les décors du Paris du début du siècle, la photographie ou la prise de son. Le jury de la Mostra de Venise a récompensé Polanski pour un récit historique passionnant de bout en bout.
J’accuse, drame historique de Roman Polanski, avec Jean Dujardin, Louis Garrel, Emmanuelle Seigner, Grégory Gadebois, France et Italie, 132 mn, 2019
Voir aussi : "Les jeunes parlent aux jeunes (et aux autres)"
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Caricature Polanski

2019-11-25T18:20:00+01:00

Caricature par ZOMBI

La sortie du dernier Polanski compromise par des accusations de viol

2019-11-12T15:01:29+01:00

C'EST QUOI, FÉMINISTE ?

2017-01-21T09:00:00+01:00

Rue de Nuits.
Photographie Frédéric Chambe.
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FÉMINISTE ? C'EST ÇA ?
Le Progrès, 20 janvier 2017.
Ben oui, c'est ça : avoir passé le concours d'entrée dans les forces de l'ordre pour pouvoir manier le gros bâton. Je me moque de Roman Polanski : c'est peut-être un homme très antipathique. J'ai seulement vu quelques-uns de ses films. J'observe seulement que les faits (l' "affaire" Samantha Geimer, alors âgée de 13 ans qui est, après tout, l'âge de l'héroïne du Lolita de Nabokov, le modèle s'il en est de la pubère délurée, qui s'ingénie à rendre fou le pauvre Humbert Humbert) se sont produits il y a maintenant quarante ans, qu'ils se sont passés aux Etats-Unis, pays malade de moralisme et de juridisme, où règne l'espèce de dictature qu'on appelle "politiquement correct". Il faut d'ailleurs préciser que la principale intéressée, lorsque le procureur Roger Gunson a déterré l'affaire, a déclaré qu'elle ne voulait pas qu'on lui ressorte la chose "ad vitam aeternam" et que le passé est le passé.
Mais féministe, en cette occurrence, ce n'est pas seulement entrer chez les flics, c'est aussi entrer chez les juges, mais des juges qui n'ont à leur répertoire qu'une seule peine au bout de leur verdict : la perpétuité. Philippe Muray s'en prenait très régulièrement à tous les "militants" des "minorités" (ce que ne sont pas, évidemment, les femmes, mais le réflexe est le même), qui n'ont qu'une seule bave aux lèvres : la punition des "coupables". La situation s'est aggravée depuis. Ni rémission, ni rédemption, ni réduction de peine. C'est d'ailleurs leur projet : rendre imprescriptible le crime de viol sur mineur.
A propos de viol, on ne dit pas assez que l'accusation de deux Suédoises à l'encontre de Julian Assange repose sur un dossier assez mince, puisque les deux femmes reconnaissent que la relation sexuelle était consentie. Elles lui reprochent maintenant, en tout et pour tout, d'avoir enlevé le préservatif pendant l'acte. Je me rappelle même avoir lu à l'époque (où ?) que le préservatif s'est en fait déchiré au cours de l'acte.
Peut-on appeler ça du viol ? Les féministes ont d'ores et déjà répondu : la définition du viol sera la plus extensive possible. Et la menace du pénal planera sur les coupables jusqu'à leur dernier instant. Il n'y a guère de différence, en fin de compte, entre les féministes qui jugent Polanski définitivement impardonnable et les hordes populaires qui guettent la fin du procès pour crier « A mort ! » au passage du condamné. Punir, punir, punir : c'est vraiment ça, être féministe ? Est-ce la haine, la motivation des féministes ? J'ai du mal à m'y faire.

Présentation de ”La Vénus à la fourrure” de Roman Polanski (compétition officielle Cannes 2013) et critiques de ”Tess”,

2013-05-09T09:46:37+02:00

En 2002, Roman Poalnski bouleversait la Croisette (et moi la première, quel souvenir que cette projection poignante dans le Grand Théâtre Lumière!) avec « Le Pianiste » qui remportait alors la palme d’or. Cette « Vénus à la fourrure », en compétition de cette 66ème édition, est sans aucun doute un des films de cette édition 2013 que j’attends le plus. Roman Polanski est un habitué de Cannes, comme vous le verrez ci-dessous, présent notamment l’an passé pour la version restaurée de « Tess » (dont je vous propose ma critique plus bas ainsi que celles de « The Gost-writer » et « Carnage »).
Synopsis de « La Vénus à la fourrure » : Seul dans un théâtre parisien après une journée passée à auditionner des comédiennes pour la pièce qu’il s’apprête à mettre en scène, Thomas se lamente au téléphone sur la piètre performance des candidates. Pas une n’a l’envergure requise pour tenir le rôle principal et il se prépare à partir lorsque Vanda surgit, véritable tourbillon d’énergie aussi débridée que délurée. Vanda incarne tout ce que Thomas déteste. Elle est vulgaire, écervelée, et ne reculerait devant rien pour obtenir le rôle. Mais un peu contraint et forcé, Thomas la laisse tenter sa chance et c’est avec stupéfaction qu’il voit Vanda se métamorphoser. Non seulement elle s’est procuré des accessoires et des costumes, mais elle comprend parfaitement le personnage (dont elle porte par ailleurs le prénom) et connaît toutes les répliques par cœur. Alors que l’« audition » se prolonge et redouble d’intensité, l’attraction de Thomas se mue en obsession…
Durée : 1H30, avec Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner…
Roman Polanski sera également à Cannes pour la projection dans le cadre de Cannes Classics d’un documentaire inédit « Week-end of a Champion », consacré à son ami coureur de Formule 1 écossais Jackie Stewart, filmé lors du Grand Prix de Monaco en 1971.
Films présentés à Cannes par Roman Polanski
2013 – LA VÉNUS À LA FOURRURE- En Compétition Réalisation
2013 – SEDUCED AND ABANDONED (SEDUITS ET ABANDONNES)- Séances spéciales Interprète
2013 – WEEKEND OF A CHAMPION- Séances spéciales Interprète
2012 – TESS- Cannes Classics Réalisation
2012 – ROMAN POLANSKI : A FILM MEMOIR- Séances spéciales Interprète
2007 – CHACUN SON CINÉMA- Hors Compétition Réalisation
2002 – THE PIANIST- En Compétition Réalisation
1994 – UNA PURA FORMALITA (UNE PURE FORMALITÉ)- En Compétition Interprète
1986 – PIRATES- Hors Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
1976 – LE LOCATAIRE- En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues, Interprète
1972 – MACBETH- Hors Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
Le Palmarès
2002 – Palme d’Or – THE PIANIST – Long métrage
Membre du Jury
1991 – Sélection officielle – Président
1968 – Sélection officielle – Membre
CRITIQUE DE « TESS » DE ROMAN POLANSKI
Chaque année, les projections cannoises de classiques du cinéma dans le cadre de Cannes Classics sont l’occasion de revoir de grands films, voire des chefs d’œuvre, mais aussi l’occasion de grands moments d’émotion, l’histoire du cinéma côtoyant le présent du Festival de Cannes, et cinéma et réalité se rejoignant et se confondant même parfois dans ce tourbillon d’émotions. Ce fut ainsi le cas avec la projection en version restaurée du « Guépard », il y a deux ans.
Depuis 2004, le Festival de Cannes présente ainsi des films anciens et des chefs-d’œuvre de l’histoire du cinéma dans des copies restaurées. La plupart des films sélectionnés sont projetés dans le Palais des Festivals, salle Buñuel ou salle du Soixantième, en présence de ceux qui ont restauré ces films et, parfois, de ceux qui les ont réalisés.
Cette année 2012, Pathé présentait ainsi « Tess », le film de Roman Polanski sorti en 1979 ( durée de 171 minutes), dans une restauration qu’il a lui-même supervisée, il s’est dit « épaté » par le travail des laboratoires. Cette projection s'est déroulée en présence de Roman Polanski et de Nastassja Kinski. Une restauration Pathé, exécutée par Éclair Group pour la partie image et Le Diapason pour la partie sonore.

Photographie Bernard Prim – Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé
©1979 PATHE PRODUCTION – TIMOTHY BURRILL PRODUCTIONS LIMITED
Dans l’Angleterre du XIXème siècle, un paysan du Dorset, John Durbeyfield (John Collin) apprend par le vaniteux pasteur Tringham qu’il est le dernier descendant d’une grande famille d’aristocrates. Songeant au profit qu’il pourrait tirer de cette noblesse perdue, Durbeyfield envoie sa fille aînée, Tess (Nastassja Kinski), se réclamer de cette parenté chez la riche famille d’Urberville. C’est le jeune et arrogant Alec d’Urberville (Leigh Lawson) qui la reçoit. Immédiatement charmée par « sa délicieuse cousine » et par sa beauté, il propose de l’employer, s’obstinant ensuite à la séduire. Il finit par abuser d’elle. Enceinte, elle retourne chez ses parents. L’enfant meurt peu de temps après sa naissance. Pour fuir son destin et sa réputation, Tess s’enfuit de son village. Elle trouve un emploi dans une ferme où personne ne connaît son histoire. C’est là qu’elle rencontre le fils du pasteur : Angel Clare (Peter Firth). Il tombe éperdument amoureux d’elle mais le destin va continuer à s’acharner et le bonheur pour Tess à jamais être impossible.
Photographie Bernard Prim – Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé
©1979 PATHE PRODUCTION – TIMOTHY BURRILL PRODUCTIONS LIMITED
Roman Polanski étant, à l’époque du tournage, accusé de viol sur mineur aux États-Unis et étant alors menacé d’extradition depuis l’Angleterre, bien que le film se déroule en Angleterre, il a été tourné en France : en Normandie, (Cap de la Hague, près de Cherbourg), mais aussi en Bretagne, à Locronan (Finistère), au Leslay (Côtes-d’Armor), au Château de Beaumanoir, et enfin à Condette , dans le Pas-de-Calais). Quant au site mégalithique de Stonehenge, il été reconstitué dans une campagne en Seine-et-Marne.
Le film est dédié à Sharon Tate. La mention « To Sharon » figure ainsi au début du film. Celle-ci, avant d’être assassinée en 1969 par Charles Manson avec l’enfant qu’elle portait, avait ainsi laissé sur son chevet un exemplaire du roman de Thomas Hardy « Tess d’Urberville», dont le film est l’adaptation, avec un mot disant qu’il ferait un bon film.
« Tess d’Urberville » dont le sous-titre est « Une femme pure, fidèlement présentée par Thomas Hardy » est un roman publié par épisodes à partir de 1891, dans divers journaux et revues. Son adaptation était donc un véritable défi d’autant que jusqu’alors Roman Polanski n’avait pas encore signé de film d’amour.
Deux adaptations cinématographiques, toutes deux intitulées « Tess Of d’Urbervilles » avaient déjà été tournées, l’une mise en scène en 1913 par J. Searle Dawley et l’autre par Marshall Neilan en 1924. David O. Selznik en racheta les droits mais il fallut attendre Claude Berri qui racheta les droits à son tour avant que l’œuvre ne tombe dans le domaine public, pour que le film puisse enfin voir le jour.
Polanski a entièrement réussi ce défi et nous le comprenons dès le début qui nous plonge d’emblée dans l’atmosphère du XIXème siècle, un impressionnant plan séquence qui semble déjà faire peser le sceau de la fatalité sur la tête de la jeune Tess. Tandis qu’arrive un cortège de jeunes filles au sein duquel elle se trouve, tandis qu’est planté le décor mélancolique sous un soleil d’été, tandis qu’est présentée l’innocence de la jeune Tess, le pasteur vaniteux croise son père et lui annonce la nouvelle (celle de son ascendance noble) qui fera basculer son destin. C’est aussi là qu’elle verra Angel pour la première fois. Toute sa destinée est contenue dans ce premier plan séquence qui, par une cruelle ironie, fait se croiser ces routes. Les personnages se rencontrent à un carrefour qui est aussi, symboliquement, celui de leurs existences.
Si la scène est lumineuse, dans ces deux routes qui se croisent, ces destins qui se rencontrent, la fatalité de celui de Tess et son ironie tragique semble ainsi déjà nous être annoncée. Tout le film sera à l’image de cette première scène magistrale. Aucun didactisme, aucune outrance mélodramatique alors que le sujet aurait pu s’y prêter. Polanski manie l’ellipse temporelle avec virtuosité renforçant encore la mélancolie de son sujet et sa beauté tragique. Comme cet insert sur le couteau et ces deux plans sur cette tache de sang au plafond qui s’étend qui suffisent à nous faire comprendre qu’un drame est survenu, mais aussi sa violence. Le talent se loge dans les détails, dans la retenue, jamais dans la démonstration ou l’outrance. Par exemple, les costumes de Tess en disent beaucoup plus long que de longues tirades comme cette robe rouge, couleur passion qu’elle porte dans la dernière partie du film et qui contraste avec les vêtements qu’elle portait au début. Un rouge qui rappelle celui de cette fraise que lui fera manger Alec, combattant ses réticences qui en annoncent d’autres, avant de l’initier (la forcer) à d’autres gourmandises. Subtilement encore, en un plan qui laisse entrevoir un vitrail représentant une scène inspirée de Roméo et Juliette, Polanski, comme il l’avait fait dans le plan séquence initial nous rappelle que l’issue ne peut être tragique. Un dénouement aussi magnifique que tragique, la frontière étant toujours très fragile chez Polanski entre le réalisme et une forme de fantastique ou de mysticisme, Tess apparait alors au milieu de ce site mégalithique de Stonehenge, au décor presque irréel, aux formes géométriques et inquiétantes, comme surgies de nulle part, comme sacrifiée sur un autel.
Photographie Bernard Prim – Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé
©1979 PATHE PRODUCTION – TIMOTHY BURRILL PRODUCTIONS LIMITED
Le spectateur éprouve immédiatement de l’empathie pour Tess, personnage vulnérable et fier malmené par le destin qui semble s’y résigner jusqu’à la révolte finale fatale. Le film doit aussi beaucoup au choix de la trop rare Nastassja Kinski (fille de l’acteur Klaus Kinski), à la fois rayonnante et sombre, naturelle et gracieuse, si triste malgré sa beauté lumineuse et surtout d’une justesse constante et admirable. Elle porte en elle les contraires et les contrastes de ce film dans lequel le destin ne cesse de se jouer d’elle. Contraste entre la tranquillité apparente des paysages (magistralement filmés et mis en lumière, rappelant les peintures du XIXème comme notamment « Des Glaneuses » de Millet ou certains paysages de Courbet, la nature emblème romantique par excellence, le passage des saisons, des paysages symbolisant les variations des âmes ) et les passions qui s’y déchaînent, contraste entre la bonté apparente d’Angel (à dessein sans doute ainsi nommé) qui a « Le Capital » de Marx pour livre de chevet mais qui agit avec un égoïsme diabolique finalement presque plus condamnable que le cynisme et l’arrogance d’Alec. Même lorsqu’elle apparait en haut de cet escalier, transformée, sa tenue et sa coiffure suffisant à nous faire comprendre qu’elle est devenue la maitresse d’Alec, Tess garde cette candeur et cette fragilité si émouvantes.
Photographie Bernard Prim – Collection Fondation Jérôme Seydoux-Pathé
©1979 PATHE PRODUCTION – TIMOTHY BURRILL PRODUCTIONS LIMITED
Nommé six fois aux Oscars (pour 3 récompenses), récompensé d’un Golden Globe et par trois César dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur, « Tess » est un très grand film empreint de mélancolie poétique, d’une beauté formelle envoûtante, un film tout en retenue grâce à des ellipses judicieuses. Le film nous captive avec toute la douceur de son personnage principal, lentement mais sûrement, par une mise en scène sobre. L’impact dramatique n’en est que plus fort et bouleversant. On y retrouve le thème de l’enfermement (ici dans les conventions) si cher à Polanski, un thème également dans les deux films dont je vous livre les critiques en bonus après celle de « Tess », ci-dessous.
Ce mélange d’imprégnation de la peinture du XIXème, ce romantisme tragique qui rappelle les plus grands écrivains russes et cette fresque lente et majestueuse sur la déchéance d’un monde qui rappelle Visconti (dont le cinéma était aussi très imprégné de peinture), sans oublier cette photographie sublime, l’interprétation magistrale de Nastassja Kinski et sa grâce juvénile, lumineuse et sombre, et la musique de Philippe Sarde, en font un film inoubliable. Au-delà de la peinture du poids des conventions (morales et religieuses) et d’une critique des injustices sociales, « Tess » est un film universel d’une poésie mélancolique sur l’innocence pervertie, sur les caprices cruels du destin, sur la passion tragique d’une héroïne intègre, fier et candide, un personnage qui vous accompagne longtemps après le générique de fin.
« J’ai toujours voulu tourner une grande histoire d’amour. Ce qui m’attirait également dans ce roman, c’était le thème de la fatalité : belle physiquement autant que spirituellement, l’héroïne a tout pour être heureuse. Pourtant le climat social dans lequel elle vit et les pressions inexorables qui s’exercent sur elle l’enferment dans une chaîne de circonstances qui la conduisent à un destin tragique. » Roman Polanski
Critique de « The Ghost-Writer » de Roman Polanski
Un « écrivain-nègre » britannique (beaucoup plus poétiquement appelé un « Ghost-Writer » dans les pays anglo-saxons) à succès (Ewan Mc Gregor) -dont on ne connaîtra d’ailleurs jamais le nom- est engagé pour terminer les mémoires de l’ancien Premier Ministre britannique Adam Lang (Pierce Brosnan), le précèdent rédacteur, ancien bras droit de Lang, étant décédé dans d’étranges circonstances. C’est sur une île isolée au large de Boston que l’écrivain part à la rencontre de son nouveau sujet…
Répulsion. Chinatown. Tess. Le Pianiste… Et tant d’autres films de genres si différents auxquels, à chaque fois, Polanski a su imprimer son inimitable style. Qu’allait-il en être cette fois de ce thriller? Avec cette adaptation cinématographique de L’Homme de l’ombre, thriller contemporain du romancier et journaliste anglais Robert Harris, Roman Polanski se rapproche davantage de « Frantic » même si ce film ne ressemble à aucun autre.
Par une manière admirable à la fois d’aller à l’essentiel et de capter les détails avec une acuité remarquable, Roman Polanski nous plonge d’emblée dans son intrigue pour ne plus nous lâcher jusqu’à la dernière seconde. Combien de réalisateurs sont capables d’en dire tellement en deux ou trois plans et cela dès le début : une voiture abandonnée dans la cale d’un ferry, la police qui tourne autour de la voiture sur un quai et le film est lancé. Et nous voilà plongés dans l’atmosphère unique et inquiétante de « The Ghost-Writer ».
La caméra de Roman Polanski ne quitte jamais son (anti)héros auquel le spectateur s’identifie rapidement (Ewan Mc Gregor tout en sobriété, parfait pour le rôle), cet « homme ordinaire plongé dans une histoire extraordinaire » comme Hitchcock aimait à résumer ses propres histoires. D’ailleurs, il y a beaucoup du maître du suspense dans ce nouveau Polanski, à commencer par ce huis-clos sur cette île inhospitalière à l’abandon balayée par le vent et la monotonie, et ce blockhaus posé au milieu d’une nature rebelle où un jardinier fantomatique œuvre en vain au milieu d’un tourbillon de feuilles. L’inquiétude et le sentiment d’inconfort nous saisissent immédiatement dans cette demeure élégante mais déshumanisée dont l’ouverture sur l’extérieure donne des plans d’une redoutable beauté glaciale aux frontières de l’absurde, sorte de monde désormais désertique devant lequel, tel un démiurge, apparaît l’ancien premier ministre qui jadis dirigeait tout un peuple. Tout est à la fois familier et étrange, envoûtant et angoissant.
C’est moins le suspense qui importe que la manière

Carnage

2011-12-14T20:49:00+01:00

L'adaptation de Yasmina Reza est un petit bonheur, même si cette pièce ne relève pas du chef-d'oeuvre.
Roman Polanski enferme tout le monde dans 30 mètres carrés et c'est parti mon kiki ! Le plaisir naît du traitement des acteurs sur un pied d'égalité : Jodie Foster laisse ses trois comparses donner la pleine mesure de leur talent.
L'énergie croissante des personnages, qui semblent se brancher ponctuellement sur le secteur avant de retomber dans l'abattement le plus complet, comme des hamsters Duracell, titille les zygomatiques. Jusqu'au générique de fin. Plus malicieux qu'il n'y paraît.
Roman ne serait-il pas un grand cinéaste optimiste?

Un film

2011-02-16T09:30:28+01:00

Film franco-germano-britannique de Roman Polanski avec Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams.
Vu hier soir , un triller , un grand film manipulateur, à voir

The    GHOSTWRITER
l'un détient le pouvoir
l'autre la vérité

Un face à face sans pitié , mensonges et faux semblants

"The Ghost Writer est le meilleur Polanski depuis bien longtemps. Un suspense politique où la force classique de la mise en scène (sobre, élégante) se marie à l’intelligence d’un script brillant et au travail impeccable des acteurs (le retour en force d’Ewan McGregor, étonnant ; le meilleur rôle de Pierce Brosnan depuis GoldenEye ; et l’avènement d’une actrice méconnue, Olivia Williams). The Ghost Writer est d’abord une formidable machinerie hitchcockienne qui plonge un jeune homme innocent dans un complot kafkaïen. Assassinats, trahisons, chausse-trappes..., le film est une course folle. "(Première )

12 février - Cinenasty au Mercury

2011-02-10T22:54:00+01:00

Ce samedi 12 février 2011 c'est le lancement d'un nouveau rendez-vous dédié aux films fantastiques sur Nice avec Cinenasty (le ciné-club).

Chaque mois au cinéma Mercury (16 place Garibaldi), l'association Les Méduses propose une double séance de films cultes ponctuée d'animations volubiles. Les films sont présentés en 35mm et en vostfr.

Et pour bien démarrer, vous êtes invités à venir redécouvrir deux films cultes : tout d'abord Gremlins (1984) de Joe Dante suivi par Rosemary's baby (1968) de Roman Polanski.

Un point de restauration sera mis en place dans le hall du mercury.

Tarifs:
La Séance: 5 euros
sur présentation de la carte adhérent
La Séance sans carte: 7,5 euros (!)

Carte adhérent: 1 euro (valable 1 an, donne droit au tarif réduit sur toutes les séances organisées par l'association Les Méduses)

Le pianiste (The Pianist)

2010-07-25T12:23:00+02:00

Réalisation: Roman Polanski
Année de sortie: 2001
Pays: Pologne, France, Royaume-Uni, Allemagne
Durée: 2h28
En septembre 1939, les troupes allemandes envahissent la Pologne. Le pianiste juif Szpilman sera déporté avec sa famille dans le ghetto de Varsovie.

La bande-annonce:

GHOST WRITER, QUAND L'ENCRE NOIRE VIRE AU ROUGE SANG

2010-03-14T10:41:00+01:00

Méfiez-vous de la femme de pouvoir qui se cache derrière l'homme au pouvoir ! La nuance est très subtile et vous est expliquée dans le dernier film de Roman Polanski, Ghost Writer.

Adapté d'un roman de Robert Harris s'inspirant de la vie de Tony Blair et ses rapports troubles avec la guerre d'Irak, on découvre ici un film sombre, lent, loin d'être haletant mais suffisamment concentré dans les scènes d'inaction pour nous tenir en haleine pendant plus de deux heures. Le diamant brut de ce film est Ewan Mc Gregor, dévoilant un visage très séduisant, et surtout une finesse de jeu jusque là non révélée. Ghost Writer est le rôle de sa vie. Il est le pivot de cet échiquier du mal, où se croisent un ex Premier ministre, Pierce Brosnan, en petite forme, manipulateur, une assistante au brushing hitchcokien, la sexy Kim Katral (Sex & The City), ici à contre-emploi, et en enfin la femme du ministre, la délicate Olivia Williams (Sixième Sens, Peter Pan), blanche colombe aux serres démesurées. La distribution n'est donc pas parfaite, mais le regard surfe sur ce détail pour s'appesantir sur les yeux bleus de cet écrivain nègre et néanmoins fantôme, pris au piège, forcé de finir cette biographie commandée inachevée par son prédécesseur mystérieusement assassiné.

Le vent souffle fort sur l'île de Wineyard, au large de New York, refuge des fortunés, servant d'exil au ministre. La mer est déchaînée, et les vagues vont crescendo. La solitude est de rigueur pour l'écrivain, enfermé dans l'écriture, tout autant que dans sa chambre, dans une demeure ressemblant plus à un blockhaus, qu'à une résidence d'été. Le vent accompagne le cheminement de cet écrivaillon doué, lancé malgré lui dans sa propre enquête, qui va le mener droit dans les mâchoires tranchantes du pouvoir. Saluons la performance de Tom Wilkinson. Ewan Mc Gregor est le pion d'une manipulation politique, dont les secrets coûtent cher. L'homme au pouvoir n'est pas celui qu'on croit, l'intrigue anglo-saxonne est quelque peu difficile à cerner dans ses détails pour un public français, quelque lenteurs sont aussi du jeu, mais le démêlage de l'intrigue tantôt à coup de peigne ou de fer brûlant mené de main de maître par Polanski est chronométré et très maîtrisé, avec une fin aussi déchaînée que le vent..

The Ghost Writter, de Roman Polanski. Avec : Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Kim Cattrall, Olivia Williams, Tom Wilkinson, Jon Bernthal, Tim Preece, James Belushi, Timothy Hutton, Anna Botting, Tim Faraday...

En savoir plus : sur le site de Première

Procès du cinéma

2009-10-04T17:43:00+02:00

Frédéric Mitterrand dans son rôle de ministre du Culte lorsqu'il blanchit Roman Polanski. Il n'y a pas plus pédérastique procès que le cinéma, qui perfectionne la mécanique de Proust. Les mille et une nuits des misérables "enfants-rois" du Capital, largués devant la télé.

Presse un peu un cinéphile, il en sortira de la nostalgie sépia qui pue la mort.

Polanski, ce que cela fait dire à certain de mes lecteurs

2009-10-04T12:56:00+02:00

    Voici ce que j'ai reçu récemment, de la part d'un lecteur épisodique du blog, au sujet de l'affaire Polanski. Réaction qui mérite d'être mentionnée en raison de son éclairage paradoxal, peu en faveur dans les media actuels:

    "A propos de Polanski : Ayant été personnellement "abusé sexuellement" à l'âge de quinze ans par une voisine majeure (fort jolie fille d'ailleurs et d'un tempérament excessivement lubrique), j'en conserve un souvenir ému pour ne pas dire émerveillé. Je lui en suis à l'heure actuelle, et ceci à la lueur du passé, toujours reconnaissant."

    (Alfred)

Affaire Polanski: une mise au point éclairante

2009-09-29T21:50:00+02:00

Il existe en France une solide tradition d'anti-américanisme, parfois superposée à un anti-protestantisme séculaire, prompte à brocarder le "puritanisme" d'une "Amérique qui fait peur".

L'affaire Polanski, consécutive à l'arrestation de ce dernier en Suisse le 27 septembre 2009 suite au viol d'une mineure de 13 ans perpétré en 1977, vient nous redonner illustration de cette veine anti-américaine.

Face aux réactions corporatistes et démagogiques de Frédéric Mitterrand, nouveau Ministre de la Culture, je vous recommande la mise au point de Maître Eolas, avocat au barreau de Paris.

Publié dans Le Monde du 29 septembre 2009, son entretien remet les choses en perspective. Il rappelle qu'il ne s'agit pas de nier l'immense artiste qu'est indéniablement le cinéaste franco-polonais, mais de rappeler que la loi est la même pour tous, et qu'un acte pédophile commis par un cinéaste ou un chômeur reste un crime imprescriptible, et que justice doit être faite.

Corporatisme

Je ne résiste pas à vous en proposer deux courts extraits. Le premier dénonce le corporatisme élitiste d'une partie des milieux culturels français:

"On attaque un des leurs, les artistes le défendent: c'est du corporatisme. À l'inverse, lors des débats sur Hadopi, certains artistes réclamaient une sévérité impitoyable contre les téléchargeurs, quitte à bafouer un droit fondamental. Cela creuse le divorce entre les artistes et l'opinion publique."

Anti-américanisme

Le second extrait brocarde l'anti-américanisme démago du Ministre de la Culture:

"Lorsqu'il parle d'une "certaine Amérique qui fait peur (...) qui vient de nous présenter son visage", c'est un énorme cliché. Sur cinq chefs d'accusation, la justice américaine n'en a gardé qu'un seul après un arrangement et une indemnisation de la victime. Ce n'est pas de l'acharnement, au contraire la justice américaine est attachée à l'égalité et ne regarde pas la qualité de l'accusé."

La Suisse et les Etats-Unis adoptent, en la circonstance, une attitude bien plus républicaine (principe d'égalité devant la loi, pas de passe-droit aux privilégiés) que celle de la France, restée beaucoup plus aristocrate (société de privilèges) qu'elle ne veut bien l'admettre!

Mais c'est tellement facile, pour défendre un pair, de tourner encore et encore un doigt accusateur vers la puritaine Amérique...

Comme l'écrivait déjà il y a quelques années Philippe Roger dans un livre remarquable, à lire et relire: "On peut donc prédire encore de beaux jours à l'antiaméricanisme français" (L'ennemi américain, ed. de poche 2002, page 583).... si l'on en juge en tout cas à la réaction pour le moins déplacée de Frédéric Mitterrand.

Je vous invite à lire l'ensemble de l'entretien de Maître Eolas, en cliquant sur ce lien.

Non évènement : Jack Lang soutient Roman Polanski !

2009-09-29T17:50:00+02:00

FR3 Lille hier soir : le "journal" accorde une large place à l' affaire Polanski et aux déclarations enfièvrées de Jack Lang qui - on l' aurait parié - apporte au cinéaste convaincu d' actes pédophiles par la Justice américaine un soutien inconditionnel. " Il faut le protéger " a vibré le député de la 6e circonscription du Pas de Calais ( celle de Boulogne/mer ), la chevelure impécablement laquée, artistement maquillé et chemise parme négligemment entr'ouverte.

Rien de nouveau sous les spots...en 1977 déjà, Jack avait pétitionné dans Le Monde en faveur de trois pédophiles, incarcérés pour avoir eu des relations sexuelles avec des jeunes filles et des jeunes garçons de 13 et 14 ans : en bonne compagnie d' ailleurs, puisque sa signature avoisinait celles des Sartre, Aragon, de Beauvoir, Glucksmann et autres Kouchner ( 69 "intellectuels" et "personnalités" en tout ). 1977, c' est justement l' année où Roman Polanski ( alors quadragénaire ) s' offrait une enfant de 13 ans, c' est aussi l' année où il a jugé préférable de se mettre en cavale pour éviter une peine trop lourde...imméritée à ses yeux puisqu' aujourd' hui encore, il ne comprend pas pourquoi il devrait "être puni pour son penchant pour les très jeunes femmes".

Apparemment le persévèrant Jack est du même avis que Roman...entre génies on se comprend !

Yves Darchicourt