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Éphéméride du 3 août

2026-08-03T03:30:00+02:00

1753 : Mort de Louis Henri de La Tour d'Auvergne, comte d'Évreux, à l'origine du Palais de l'Élysée

1108 : Sacre de Louis VI

Le sacre de Louis VI, par Jean Fouquet, enluminure issue de l'ouvrage Grandes chroniques de France, Paris, France, XVème siècle (à droite de l'image, l'on peut apercevoir le roi d'Angleterre Henri 1er Beauclerc.)

De Jacques Bainville, Histoire de France, chapitre V, Pendant 340 ans, l'honorable famille capétienne règne de père en fils :

"...Ce roi, le premier des Capétiens qui ait porté le nom de Louis, avait pris soin de se rattacher aux Carolingiens en s'appelant Louis VI : c'était une indication. Avec lui commence la période d'activité de la monarchie capétienne (1108). Le moment était venu. Si un prince apathique l'avait laissé passer, l'avenir de la France eût été bien compromis. Louis le Gros était énergique et il partit d'une idée simple : être le maître chez lui. Il entreprit des opérations de police militaire destinées à nettoyer le pays : c'était le programme que son père lui avait indiqué quand il lui montrait le donjon de Montlhéry (ci dessous) comme le premier obstacle à renverser. L'ambition du roi de France, au commencement du douzième siècle, était d'aller sans encombre de Paris à Orléans.

C'est au cours de ces opérations de bien petite envergure et qui lui coûtèrent pourtant de grands efforts, qu'il arriva à Louis le Gros de s'allier au mouvement communal. Dans ses propres villes, il le réprimait quand il y avait des désordres ou bien il le limitait soigneusement. Il commença aussi à organiser l'administration du royaume avec le souci de garder l'autorité entre ses mains. C'était un homme pour qui les leçons de l'expérience n'étaient pas perdues et il ne voulait pas s'exposer à créer une autre féodalité. Aussi choisit-il pour fonctionnaires de petites gens qui fussent bien à lui et qu'il changeait souvent de place. À sa suite, les rois de France s'entoureront de roturiers bons comptables et bons légistes. Son homme de confiance, Suger, un simple moine, sera le ministre type de la royauté..."

En 1119, Louis VI adresse une lettre au Pape où il mentionne : "Roi de la France, non plus des Francs, et fils particulier de l’Église romaine." C’est la première fois que la mention officielle du mot "France" apparaît...

1347 : Calais se rend au roi d'Angleterre

Après onze mois de siège, la ville capitule devant Édouard III Plantagenêt, qui promet d'éviter le massacre à condition que lui soient livrés six bourgeois de la ville.

En chemise, la corde au cou, six Calaisiens volontaires apportent les clés de la ville au roi. La reine Philippa de Hainaut intervient alors en leur faveur. Les six bourgeois seront déportés en Angleterre puis libérés contre rançon.

Rodin a immortalisé l'évènement :

http://www.musee-rodin.fr/fr/collections/sculptures/monument-des-bourgeois-de-calais

On est, alors, au tout début de la Guerre de Cent ans : elle vient de commencer dix ans auparavant, en 1337 : voir notre Feuilleton En cartes, "l'aventure France"... et/ou, dans notre Album L'Aventure France racontée par les cartes, voir la photo "Guerre de Cent Ans : premier effondrement"...

1753 : Mort de Louis Henri de La Tour d'Auvergne

Comte d'Évreux, Lieutenant général des armées du roi de France, c'est lui qui est à l'origine du Palais de l'Élysée...

https://www.elysee.fr/exposition/evreux-300

Édifié entre 1718 et 1720 par l'architecte Armand-Claude Mollet, l'hôtel d'Évreux est l'un des meilleurs exemples du modèle classique : il se compose d’un corps de bâtiments de deux étages, élevé sur un vaste sous-sol. Il s’ouvre par un vestibule dans l'axe de la Cour d'honneur, donnant accès à un appartement de parade avec un grand salon en son milieu ouvert sur le jardin. Le corps central s’étend sur trois plans, les deux ailes de part et d'autre étant en simple rez-de-chaussée. La vaste Cour d'honneur est bordée de deux murs à arcades et s'ouvre sur un portail monumental à quatre colonnes ioniques.

Comme l’Hôtel de Matignon, le Palais eut une existence mouvementée, et passa de mains en mains : il fut, tour à tour, résidence de la Pompadour, des Ambassadeurs extraordinaires, du banquier Nicolas Baujon puis de la princesse Bathilde de Bourbon, qui l’acheta à Louis XVI.

Non sans dégâts ni dégradations, il traversa malgré tout la Révolution – il fut un temps Café-concert… - puis appartint à Murat, avant que celui-ci ne parte pour Naples. Alexandre Premier de Russie, qui y logea en vainqueur, y reçut Chateaubriand, et Napoléon y signa son second acte d’abdication, dans le Salon d’argent (ci contre). À son retour, Louis XVIII ne le rendit pas à Bathilde d’Orléans, qu’il dédommagea, du moins, en lui offrant Matignon. Louis XVIII offrit le Palais – entre temps occupé par Wellington… - au Duc de Berry. Celui-ci sera assassiné alors qu’il le quittait avec son épouse, pour se rendre à l’Opéra…

C’est à partir de 1848, et avec l’avènement de la Seconde République, que le Palais devient le siège officiel du gouvernement : Louis-Napoléon Bonaparte s’y installa comme Président élu, et y prépara son Coup d’État (dans le Salon d’Argent, lui aussi, où il "retrouvait" son oncle !…)

Napoléon III résidant aux Tuileries, le palais reçut les souverains étrangers en visite à Paris : la reine Victoria (1855); l'empereur de Russie Alexandre II (en 1867, pour l’Exposition universelle); l'empereur d'Autriche François-Joseph 1er; le roi de Suède Charles XV; le roi des Pays-Bas Guillaume III; le sultan ottoman Abdulaziz et, en 1869, Ismaïl Pacha.

Enfin, par la loi du 22 janvier 1879, l'Élysée devint officiellement la résidence des présidents de la République française : cela ne devait pas arrêter l'histoire mouvementée, et, dans ce cas, tragi-comique, du Palais : le Président de la République en exercice, Félix Faure, plus célèbre par sa mort que par sa vie, y mourut, le 15 février 1899, à l'âge de 58 ans, dans les bras de sa maîtresse (ci contre)...

On jouissait alors d'une liberté d'expression infiniment plus grande qu'aujourd'hui - où de tels propos mèneraient directement devant les Tribunaux... - et les chansonniers s'en donnèrent à coeur joie, appelant la maîtresse "la pompe funèbre" ou disant (entre autres) du président : "Il voulait être César, il ne fut que Pompée !"...

Au prêtre, appelé en catastrophe au chevet de l'infortuné Félix - qui, pour le coup, portait mal son nom (qui signifie "heureux", en latin !...) et qui demandait naïvement si le Président avait encore sa connaissance, un huissier répondit que non, qu'on l'avait faite sortir par la porte de derrière !...

Petit-neveu du maréchal de Turenne, la carrière militaire de Louis-Henri commence en 1691 : il est nommé Enseigne au Régiment du roi, pendant le siège de Mons. En 1698, il est colonel du Régiment de Blaisois, et évolue progressivement dans la hiérarchie. Brigadier quatre ans plus tard, il est finalement promu au rang de Maréchal de camp en 1704...

Dans notre Album Drapeaux des Régiments du Royaume de France voir la photo "Régiment de Blaisois"...

1763 : Louis XV pose la première pierre de l'église de la Madeleine

Sa construction sera fort longue, et fort mouvementée, et c'est comme une sorte de miracle si l'on peut contempler, aujourd'hui, la perspective qu'elle offre, en répondant aux colonnes du Palais Bourbon, sur l'autre rive de la Seine.

Église de la Madeleine rapide résumé d'une construction mouvementée.pdf

1788 : Horace-Bénédict de Saussure effectue sa première randonnée au Mont-Blanc

Depuis des années, le jeune scientifique genevois se passionne pour les montagnes. Il avait promis une forte récompense à celui qui gravirait le Mont-Blanc.

1900 : Première exposition des Nymphéas de Monet

1379 : Première mention de l'horloge astronomique de Lyon...

L'acte capitulaire du 23 novembre 1379 nomme "le sieur Loyat" recteur et gouverneur de l'horloge de la Primatiale Saint Jean. Quatorze ans après, un autre acte (du 29 juillet 1393) indique que l'instrument est situé dans le bras gauche du transept, à côté de la chapelle de Saint-Jean-l'Évangéliste...

• https://youtube.com/shorts/v1VvAe5d-CE?si=1nKyjUTPtqCZHatS

• https://www.culture.gouv.fr/regions/drac-auvergne-rhone-alpes/actualites/cathedrale-saint-jean-baptiste-de-lyon-les-videos-de-la-restauration-de-l-horloge-astronomique

1654 : Le Mémorial de Pascal

Ce jour-là, entre dix heures et demi et minuit et demi, Pascal a une intense vision religieuse qu’il écrit immédiatement pour lui-même en une note brève, appelé le Mémorial.

Il coud soigneusement ce document dans son manteau et le transfère toujours quand il change de vêtement.

Un serviteur le découvrira par hasard après sa mort.

En voici le - court - texte intégral :

L'an de grâce 1654,

Lundi, 23 novembre, jour de saint Clément, pape et martyr, et autres au martyrologe.
Veille de saint Chrysogone, martyr, et autres,
Depuis environ dix heures et demie du soir jusques environ minuit et demi,

FEU.

"DIEU d'Abraham, DIEU d'Isaac, DIEU de Jacob"
non des philosophes et des savants.
Certitude. Certitude. Sentiment. Joie. Paix.
DIEU de Jésus-Christ.
Deum meum et Deum vestrum.
"Ton DIEU sera mon Dieu."
Oubli du monde et de tout, hormis DIEU.
Il ne se trouve que par les voies enseignées dans l'Évangile.
Grandeur de l'âme humaine.
"Père juste, le monde ne t'a point connu, mais je t'ai connu."
Joie, joie, joie, pleurs de joie.
Je m'en suis séparé :
Dereliquerunt me fontem aquae vivae.
"Mon Dieu, me quitterez-vous ?"
Que je n'en sois pas séparé éternellement.
"Cette est la vie éternelle, qu'ils te connaissent seul vrai Dieu, et celui que tu as envoyé, Jésus-Christ."
Jésus-Christ.
Jésus-Christ.
Je m'en suis séparé; je l'ai fui, renoncé, crucifié.
Que je n'en sois jamais séparé.
Il ne se conserve que par les voies enseignées dans l'Évangile :
Renonciation totale et douce.
Soumission totale à Jésus-Christ et à mon directeur.
Éternellement en joie pour un jour d'exercice sur la terre.
Non obliviscar sermones tuos.

Amen.

(La dernière phrase est une citation du Psaume 119,16 ).

Le manuscrit du Mémorial

1819 : Mort de Quentin Crawford

Tombe de Quentin Crawford, Cimetière du Père Lachaise, 41ème Division

On sait relativement peu de choses de ce gentilhomme Écossais, né à Édimbourgh et mort à Paris. C'est surtout son grand courage et son grand dévouement envers la famille royale dans la préparation de l'évasion de Varennes qui retiennent l'attention : avec son épouse, Anne-Éléonore Franchi (Anne Éléonore Franchi.pdf) il s'est investi, malgré les dangers, pour la location de la berline et l'établissement des faux papiers de la famille royale (voir l'Éphéméride du 12 juin).

Appelé Quintin Craufurd en Grande-Bretagne, un site (en anglais) donne ces quelques renseignements sur lui :

Quintin Craufurd.pdf

1840 : Mort de Louis de Bonald

"La France, premier-né de la civilisation européenne, sera la première à renaître à l'ordre ou à périr"

• Dans les crises politiques, le plus difficile pour un honnête homme n'est pas de faire son devoir, mais de le connaître. (Considérations sur la Révolution française)

• Rapprocher les hommes n'est pas le plus sûr moyen de les réunir.

• Il faut, quand on gouverne, voir les hommes tels qu'ils sont et les choses telles qu'elles devraient être.

• Depuis l'Évangile jusqu'au Contrat Social, ce sont les livres qui ont fait les révolutions. (Mélanges littéraires, politiques et philosophiques).

• La révolution a commencé par la déclaration des droits de l'homme : elle ne finira que par la déclaration des droits de Dieu. (Législation primitive).

• À commencer par l'Évangile, et à finir par le Contrat social, toutes les révolutions qui ont changé en bien ou en mal l'état de la société générale n'ont eu d'autres causes que la manifestation de grandes vérités, ou la propagation de grandes erreurs.

Champion des passés les plus révolus, chef de file de nostalgies indigestes, voix sépulcrale surgie de temps poussiéreux : les mobilisations posthumes de Louis de Bonald en inspirateur des droites extrêmes et théoricien des conservatismes radicaux ont contribué à le figer en penseur qui aurait déploré sans fin l’ordre de l’Ancien Régime. Un homme déjà en retard sur son temps et comme à côté de son siècle.
Il y a assurément quelque gageure à sortir l’auteur de la Théorie du pouvoir politique et religieux (1796), héraut de l’Église dont le nom est resté attaché à une loi sur l’abolition du divorce (1816), de cette lecture par trop univoque pour interroger sa paradoxale modernité. C’est ainsi qu’on découvre un enfant des Lumières – un moment mousquetaire – pleinement engagé dans le bouillonnement post-révolutionnaire, maire de Millau avant et après 1789 puis exilé volontaire. Un publiciste inlassable, plus tard reconnu comme un précurseur de la sociologie, un académicien et un député écouté : une figure intellectuelle majeure du premier XIXème siècle.
Nourri d’archives et d’inédits, de textes et de discours oubliés, ce portrait aussi novateur qu’alerte replace les prises de positions de Bonald au contact des événements. Restituant son regard acéré sur son époque, ses espoirs comme ses déceptions, il met en lumière le projet philosophique et politique qui l’a guidé tout au long d’une route accidentée : non pas celui d’une restauration d’un passé idéalisé, mais celui d’une régénération politique et sociale qui demeure à venir.

1868 : La première photographie couleur

Comment un type aussi mondain, aussi gonflé d'illusions qu'Honoré de Balzac, a-t-il pu produire un monument littéraire, la Comédie humaine, qui contribue aussi peu à la gloire du monde et de la bourgeoisie ? C'est à peu près l'angle d'étude choisi par Stéphane Zweig dans sa célèbre biographie intitulée, "Balzac ou le Roman de sa vie". Le génie de Balzac repose sur un paradoxe : comment un homme aussi optimiste, dont l'optimisme écoeura jusqu'à ses amis les plus proches, a-t-il pu produire autant de chefs-d'oeuvre inoubliables ?

L'optimisme permet en effet de gagner trente-six fois de suite le tournoi de Roland-Garros, de devenir multi-millionnaire en quelques mois, de participer à la fabrication de la bombe A, de gravir les treize sommets les plus élevés du globe en six mois... toutes choses que l'on s'attend à voir un type plein d'entrain comme Balzac accomplir ; mais, si l'optimisme est le carburant de la performance, il ne permet pas de produire une oeuvre d'art, quelque chose d'utile à la société, comme la boussole, l'hygiène médicale ou la littérature, qui permet à l'humanité de se connaître elle-même, dans sa bassesse comme dans son héroïsme, et ainsi de progresser.

Zweig nous fait partager sa stupeur devant un tel phénomène ; les meilleurs amis de Balzac, et les quelques femmes qui l'aimèrent, furent les témoins effarés de cette monstruosité. Sans doute y a-t-il toujours quelque chose de monstrueux dans le génie authentique : la pudeur excessive des femmes, qu'elle soit innée ou l'effet de l'éducation, les empêche d'être des artistes véritables ; chez les quelques femmes qui le furent néanmoins, s'affranchissant des réflexes de leur espèce, on trouve une audace inhabituelle. George Sand donne presque toujours le conseil à son ami Flaubert de ne pas prendre de risque, et Flaubert était pourtant loin de foncer tête baissée en avant comme Balzac !

Les relations amoureuses de Balzac, presque toujours avec des femmes mariées issues de l'aristocratie, évoquent donc le conte de "La Belle et la Bête". Balzac ne cherchait pas la grâce dans la beauté physique, mais dans l'origine aristocratique de ses conquêtes.

Balzac est un génie paradoxal, une sorte de Dr Jekyll et Mr Hyde, moine discipliné la nuit, enfermé dans son cabinet de travail avec plumes, encre et papier, distillant la vendange des choses vues à la lumière du jour, et spéculateur fou et imbécile le jour. Zweig suggère que la niaiserie de Balzac était peut-être due à l'extrême concentration dont il faisait preuve au cours de ses heures de veille. Balzac n'a pas plus de moralité qu'un marin breton ou qu'un prêtre catholique ; il progresse en tirant des bords extrêmes, et lorsqu'il n'aura plus la force physique de ce grand écart, il s'éteindra au seuil de la comtesse de Hanska, qu'il se représentait comme un havre de paix, une femme-giron ; cette grande dame par la taille de son arbre généalogique était flattée du désir d'une telle comète pour sa personne assez insignifiante, bien que très titrée. Il faut dire que Balzac était parvenu au sommet de la gloire, à l'échelle de l'Europe, pour ne pas dire du monde, en un temps où les romanciers étaient encore considérés comme des philosophes.

Au contraire des femmes qui partagèrent la vie agitée de l'homme Balzac, ses lecteurs aiment la lucidité de son regard ; du moins est-ce le cas de Zweig, de Barbey d'Aurevilly, de Karl Marx, de Paul Bourget... de tous les lecteurs capables d'établir entre les romans d'Alexandre Dumas et ceux de Balzac une hiérarchie. Eugène Delacroix se demandait comment son ami A. Dumas pouvait écrire des choses aussi niaises ? La réponse tombe sous le sens : parce que Dumas ne se préoccupait pas d'art, mais de vivre. La seule ambition de Dumas était de jouir de ses rentes.

Zweig note qu'avec les années, à force d'accumuler les expériences le plus souvent pénibles, les romans de Balzac sont de plus en plus crus, et leur tonalité sentimentale parfois exaspérante s'estompe.

On doit voir Balzac comme un entrepreneur de littérature à ses débuts, et non comme un apprenti-poète à l'instar de Flaubert. La comparaison avec Flaubert, qui n'est pas dans Zweig, permet de mieux comprendre Balzac au plan de la méthode. Balzac procède presque d'un empirisme pur ; il n'a pour ainsi dire pas de modèle : Corneille et Racine sont avant tout synonymes de gloire à ses yeux. Il tâchera en vain d'en imiter les vers. Le véritable modèle de Balzac, c'est... Napoléon - c'est-à-dire un modèle d'entêtement et de volonté. Napoléon, qui n'a jamais ajouté à l'art ou à l'intelligence humaine, qui fascine mais n'intéresse personne. La gloire posthume de Napoléon s'ancre dans la bêtise humaine, qui prendra au XXe siècle des proportions tragiques (conduisant d'ailleurs S. Zweig au suicide).

L'admiration de Balzac pour l'ambition de Napoléon permet de souligner un autre aspect du paradoxe balzacien : alors que sera reconnu à Balzac le talent de peintre d'Histoire, il écrit dans la langue d'un peuple qui méprise l'Histoire, lui préférant les récits épiques dans des décors de carton-pâte, préfigurant le cinéma et le roman nationaliste. Suivant cette fantaisie bien française, Balzac remisera cette admiration enfantine pour Napoléon au profit de convictions légitimistes tout aussi fantaisistes, mais plus propres à servir ses ambitions amoureuses.

Flaubert, quant à lui, a Goethe dans le viseur, et se retiendra de publier quoi que ce soit qui ne soit pas digne de son ambition artistique ; il n'a pas le même besoin de s'émanciper par l'argent que son aîné, ce besoin qui poursuivra Balzac toute sa vie, le rendra le plus souvent malheureux, mais aura pour effet de cravacher sa volonté.

Mais, au stade de la préface de la Comédie humaine, ce n'est plus le même Balzac que le Balzac inexpérimenté et brouillon des débuts ; il n'a toujours pas de style, mais au moins il a une oeuvre, universellement reconnue.

L'effort de Balzac pour devenir millionnaire ET un grand homme de lettres, simultanément, a transformé son existence en fuite haletante, entrecoupée de plages d'un travail nocturne harassant. Mais B. était conscient que l'on ne peut pas creuser profondément deux sillons en même temps, et il avait choisi le sillon de la littérature, sans arriver à se défaire du vice capitaliste de la spéculation, véritable aspiration au néant.

Selon Zweig, Balzac aurait été richissime s'il s'était sérieusement attelé à ses affaires au lieu de se dédoubler, car il avait un certain flair, et d'autres, plus appliqués, sur ses intuitions ont bâti des fortunes. Il est certain que l'argent ne pouvait suffire à combler l'esprit d'un Balzac comme il comble celui d'un Bernard Arnault, d'un Bill Gates ou d'un Elon Musk.

Le dilettantisme de Balzac dans le domaine des affaires se retrouve dans le domaine amoureux. On l'a décrit comme soumis, servile même en face des femmes ; la réalité est que Balzac a surtout cherché à séduire des femmes sensibles aux flatteries. Balzac endosse le costume de l'amoureux chevaleresque avec plus ou moins d'habileté, pour le besoin de sa cause amoureuse.

La comtesse ukrainienne Hanska est sa dulcinée du Toboso, à peine moins idéalisée. Elle est exotique, aristocrate, riche, elle a lu ses romans, reconnu son génie : c'est là bien plus qu'il n'en faut pour que la cristallisation ait lieu. Leur amour semble artificiel ? Qu'y a-t-il de plus artificiel que l'amour, qui tienne plus à un détail ? Du reste les obstacles et la distance qui séparent Balzac de l'épouse du comte de Hanski le rapprochent de son oeuvre ; ces obstacles rapprochent aussi la baronne d'un désoeuvrement qui était peut-être aussi... existentiel.

Balzac se sait possédé, par le désir de s'enrichir, de conquérir de riches aristocrates, mais il n'a pas fait pas de cette possession tout un fromage, comme d'autres écrivains secondaires, Proust ou Barbey d'Aurevilly. Il en a fait de bonnes nouvelles, comme "La Peau de Chagrin".

Avant d'atteindre la veine réaliste où il s'épanouit, Balzac a donné dans le genre putassier le plus rentable, le genre que les éditeurs, qui sont les maquignons des lettres, attendaient déjà au XIXe siècle. Mais, là encore, dès qu'il l'a pu, Balzac a quitté le trottoir pour se mettre tant bien que mal à son compte, se hisser jusqu'à une littérature honorable. Là encore la petitesse de ses débuts s'explique par un milieu social moins favorable que celui de Flaubert, une mère qui veut le faire fonctionnaire ou notaire à tout prix. Balzac a fait le trottoir pour échapper à sa mère. Peut-être est-on trop sévère avec elle ? Quand les mères ne se débarrassent pas de leur fils, comme fit Mme Balzac-mère en plaçant Honoré chez une nourrice, puis en pension, elles ont tendance à les étouffer, à en faire de petits chiens d'appartement.

Balzac a eu maintes fois l'occasion de se suicider, au cours de son existence : s'il n'en a rien fait, surtout dans les jeunes années, c'est peut-être grâce à l'extraordinaire résilience, procurée indirectement par cette mère maladroite, quasiment honteuse de son rejeton, semble-t-il.

La tâche de Zweig n'était pas mince, au moins aussi ardue que celle de Rodin, cherchant à représenter le grand homme dans une sculpture, qui a souligné de Balzac l'aspect monstrueux de sa personnalité.

La démarche de Zweig est analogue à celle de S. Freud explorant l'oeuvre de Shakespeare, mais, contrairement à Freud, Zweig n'a pas cherché à faire coïncider Balzac avec ses préjugés. En outre, Balzac et son oeuvre constituent non seulement un terrain d'étude psychologique exceptionnel, mais ils permettent de pénétrer plus largement le XIXe siècle. L'Histoire ne permet pas de retourner dans le passé, elle permet de comprendre ce passé mieux que la plupart des hommes qui y ont vécu. Quel recul Napoléon avait-il sur son temps ?

NB : Ajoutons au crédit de Zweig qu'il a su faire dans la Comédie humaine, dont il est globalement très admiratif, le tri entre le très bon, le bon et le mauvais (harcelé par ses créanciers, Balzac pouvait bâcler la seconde moitié d'un roman pour honorer une commande). C'est donc un bon guide de lecture pour ceux qui n'aiment pas s'en remettre au hasard.

(Chronique pour la revue littéraire Z)

ART

2021-02-12T19:10:00+01:00

L'art ne doit nous révéler que des idées, des essences spirituelles dégagées de toute forme. Ce qui importe par dessus tout dans une oeuvre d'art, c'est la profondeur vitale de laquelle elle a pu jaillir (James JOYCE).

Un art qui a de la vie ne reproduit pas le passé, il le continue (A. RODIN).

Si l'art n'a pas de patrie, les artistes en ont une (C. SAINT SAENS).

L'art est une activité qui permet à l'homme d'agir sciemment sur ses semblables au moyen de certains signes extérieurs afin de faire naître en eux, ou de faire revivre, les sentiments qu'il a éprouvés (L. TOLSTOI).

Que penser des violences policières ?

2019-10-05T19:24:00+02:00

Caricature par WANER (à lire aussi dans "Siné-Mensuel")

LA SCIENCE, LA SCULPTURE ET LA DANSE REUNIES...

2018-10-11T12:19:36+02:00

Marie et Pierre Curie reçurent une bien étrange lettre de la "fée de la lumière", la danseuse américaine Loïe Fuller, vedette des Folies-Bergère. Ayant lu dans les journaux que le radium était lumineux, elle imagina un costume phosphorescent qui enchanterait le public. Sa naïve missive amusa les deux savants. Marie Curie répondit à Loïe que son projet "d'ailes de papillon au radium" était chimérique.

Cette danseuse, acclamée chaque soir par de nombreux spectateurs, pour remercier Marie d'avoir consacré quelques instants de son temps si précieux à lui expliquer ce qu'était le radium, lui écrivit : "Je n'ai qu'un moyen de vous remercier de m'avoir répondu. Laissez-moi danser un soir chez vous, pour vous deux."

Marie et Pierre Curie acceptèrent. Le jour choisi pour ce spectacle, Loïe Fuller, suivie d'une troupe d'électriciens chargés de matériel, sonna à la porte de leur sévère pavillon. Épouvantés, les époux laissèrent la place aux envahisseurs et s'enfuirent se réfugier dans leur laboratoire. "Et, pendant des heures, Loïe peina, régla des éclairages, mania les rideaux et les tapis qu'elle avait fait venir, afin de reconstituer dans l'étroite salle à manger des deux professeurs son ravissant spectacle."

Ce soir-là, chez les deux scientifiques éblouis, les projecteurs caressèrent les voiles flottants d'une déesse du music-hall, "qui se fera tour à tour flamme, fleur, oiseau, sorcière..." Elle revint danser, toujours dans le même incognito, chez Marie et Pierre Curie qui lui rendirent ses visites et rencontrèrent chez elle le sculpteur Auguste Rodin.

Au cours de ces années, dans l'atelier de sculpture où bavardaient parfois les deux savants, la danseuse et Rodin, se tinrent des propos particulièrement éclectiques.

(Bibliographie : Madame Curie par Ève Curie. Éditions Gallimard, 1938).

Loïe Fuller sur scène (1902).

La Loïe Fuller aux Folies-Bergère (vers 1895) par Toulouse-Lautrec.

Rodin, l'alchimiste des formes

2017-05-15T00:00:00+02:00

Connaissons-nous vraiment Rodin ? Certainement oui pour ses œuvres les plus célèbres – Le Baiser, Le Penseur, Les Bourgeois de Calais ou La Porte de l'Enfer –, pour sa relation tumultueuse et passionnée avec Camille Claudel ou pour ses influences majeures sur la sculpture au XXe siècle. À ce sujet, Victoria Charles rappelle dans le très bel ouvrage qu'est Rodin, La sculpture nue (éd. Eyrolles) la portée artistique du sculpteur de Meudon sur les futurs travaux d’Ossip Zadkine, Pablo Picasso, Aristide Maillol ou encore Constantin Brancusi.

Le génie de Rodin en fait un personnage majeur de l'art français à travers le monde. Sa carrière n'a pourtant pas été un long fleuve tranquille. L'auteure parle même d'un parcours laborieux. Cet itinéraire a commencé très tôt puisque Rodin, né en 1840, faisait preuve dès l'âge de 14 ans d'une solide aptitude au dessin. Sa formation suit les voies de l'académisme : auprès du sculpteur animalier Antoine-Louis Barye puis dans l'atelier d'Albert-Ernest Carrier-Belleuse, après une série de trois concours d'admission à l’École des Beaux-Arts, tous ratés ! Le jeune homme explore déjà les voies de la modernité, notamment lorsqu'il propose au salon de 1865 le masque de L'Homme au nez cassé (1863). Cette œuvre, dont Rodin était très fier, et qui était le fragment d'une statue cassée, est rejetée par le jury.

Après avoir traversé l'Europe, le sculpteur se heurte aux critiques d'un milieu dubitatif sur son savoir-faire. Une première médaille en 1880, lors d'un salon, marque le point de départ d'une œuvre marquée par la virtuosité, l'expressivité et le réalisme.

La reconnaissance officielle vient avec la commande publique de La Porte de l'Enfer, inspirée de La Divine Comédie de Dante. Victoria Charles consacre de nombreuses pages à cette œuvre imposante, influencée par la chapelle Sixtine de Michel-Ange, mais qui s’en démarque grâce à sa modernité inédite pour l'époque.

La Porte de l'Enfer donne naissance à une sculpture autonome et majeure, Le Baiser (1884), qu'Auguste Rodin destinait au départ à l'imposante commande publique. L'autre œuvre issue de cette Porte est Le Penseur, que l'artiste avait nommé au départ Le Poète car elle était sensée représentée Dante en pleine méditation. Comme pour Le Baiser, Rodin en fait une statue indépendante en 1903.

Victoria Charles consacre logiquement un chapitre à la relation enflammée entre Rodin et une de ses élèves, déjà géniale, Camille Claudel. Nous sommes en 1882. Elle a 18 ans, il en a 42. Il vit depuis 1864 avec Rose Beuret, qui est devenue très tôt son modèle. Avec Camille Claudel, la passion, la complicité et la reconnaissance mutuelle nourrissent deux géants de la sculpture : "Leur intense liaison agit sur l'art de Rodin, exaltant la mordante et coupable sensualité des figurines modelées pour la Porte de l'Enfer. Il donne à l'amour qui le consume les contours de certains de ses ensembles." L'auteure prend également pour exemple L'Éternel Printemps (1884) ou L'Éternelle Idole (1889). La fin de la relation entre ces deux géants de la sculpture en 1892 continue d'influencer Rodin : L'Adieu (1892), La Pensée (vers 1895) ou le très moderne Sommeil (vers 1890-1894).

Rodin et les femmes : voilà un sujet à part entière que Victoria Charles n'omet pas de traiter. Hormis cette relation orageuse avec Camille Claudel, il y a le couple, atypique pour l’époque, qu'il forme avec Rose Beuret. Ils ne se marieront que l'année de leur mort, en 1917. La passion de Rodin pour les femmes transparaît dans ses œuvres : "À l'Hôtel Biron, Rodin passe presque tout son temps à dessiner. Dans cette retraite monastique, il se plaît à s'isoler devant la nudité de belles jeunes femmes et à consigner en d'innombrables esquisses au crayon les souples attitudes qu'elles prennent devant lui", écrit à l'époque Paul Gsell. Le sculpteur se permet tout ou presque avec ses modèles, nous apprend Victoria Charles dans le chapitre consacré à ses dessins érotiques : "Pendant les séances de pose, Rodin demandait à ses modèles de se masturber, et quand elles étaient plusieurs, de s'étreindre, de s'entremêler et de se caresser mutuellement..." Le lecteur découvrira des œuvres picturales méconnues, exceptionnelles et d'une très grande audace. Les corps féminins sont saisis sur le vif, comme des "instantanés." La sensualité et le mouvement dominent ces séries de femmes inlassablement déclinées : aquarelles, collages, "femmes-vases" (1900) ou danseuses asiatiques (1907-1911).

Les dernières années de Rodin coïncident aussi avec la première guerre mondiale. L’artiste est choquée par les désastres de la Grande Guerre. En raison du climat sombre, après sa mort en 1917 l’État s’oppose à des obsèques nationales : "C’est de cette façon que le plus grand génie du siècle, monument français à lui seul, est enterré par ses amis le 24 novembre 1917 dans le jardin de sa propriété de Meudon, auprès de sa femme." Reste la postérité de l’alchimiste des formes qui : grâce à Rodin, la sculpture vient de faire entrer d’une manière fracassante dans la modernité.

Victoria Charles, Rodin, La sculpture nue, éd. Eyrolles, 2017, 190 pages
Exposition "Rodin L’exposition du centenaire",
au Grand Palais – Galeries nationales, 22 mars - 31 juillet 2017
Rodin, de Jacques Doillon, avec Vincent Lindon, France, 2017

Rodin

2016-05-31T19:50:11+02:00

Il n'y a qu'une seule beauté, celle de la vérité qui se révèle.

Rodin

Dans l'intimité des impressionnistes

2016-04-21T21:38:00+02:00

L'un des événements phares de Normandie Impressionniste, "Scènes de la vie impressionniste", au Musée des Beaux-Arts de Rouen (16 avril-26 septembre 2016), donne le la d'un festival placé cette année sous le signe du portrait. Cette exposition temporaire propose un parcours passionnant au cœur de la planète impressionniste, découpé en 12 sections thématiques. Il est question tour à tour de la caricature, de la vie quotidienne et familiale, des artistes et de leurs modèles, de l'intérêt pour l'enfance et l'adolescence, des représentations sociales et des portraits de groupes ou d'artistes s'admirant, s'influençant et se rendant hommage mutuellement.

D'emblée, l'impressionnisme est identifié au travail de plein-air et à la peinture de paysages, champs d'expérimentation infinis pour des artistes passionnés par la représentation des jeux d'ombre et de lumière comme par les le travail sur l'eau et le ciel. Mais les impressionnistes vont aussi consacrer une partie de leur énergie à des sujets neufs pour l'époque, des thèmes considérés au XIXe siècle comme triviaux : intérieurs d'appartements modernes, scènes de la vie quotidienne (bains, déjeuners, lectures), types sociaux ignorés par l'académisme pictural (ouvriers, prostituées, comédiens ou saltimbanques), villes et nouveaux lieux de sociabilité (troquets, théâtres, usines). Des individus ou groupes d'individus sont représentés d'une manière inédite : enfants, adolescents ou artistes eux-mêmes. Les portraits étaient jusque-là réservées aux personnalités importantes de la société ou aux représentations mythologiques. Avec le courant impressionniste, les modernes plongent dans la vie quotidienne et s'intéressent à leurs contemporains, souvent avec acuité et sensibilité.

Au cours de son voyage au pays des portraits,le visiteur sera sas doute surpris de découvrir que les premières créations de Claude Monet, immédiatement associé aux paysages, ont été des caricatures (section "Monet et la caricature"). À l'âge de 15 ans, celui-ci suit les traces de brillants prédécesseurs, Nadar ou Honoré Daumier. Le jeune Monet excelle dans le dessin mordant de ses contemporains comme celui du notaire haverais Léon Manchon (Léon Manchon, ca. 1858). Il excelle également dans des caricatures pittoresques de types sociaux (le touriste anglais, la jeune Normande, le marin), qui sont les plus anciennes œuvres de l'auteur des Nymphéas.

La section "Identités artistiques : portraits croisés, autoportraits, cercles" propose des portraits ou des autoportraits d'artistes, se mettant en scène mutuellement. Marcelin Desboutin représente Degas concentré sur une lecture. Pierre-Auguste Renoir immortalise son ami Claude Monet (1872). Gauguin, de son côté, est autoportraitisé en 1885 dans une pose terrible. On sent le peintre déprimé et en plein doute, alors que l'homme s'apprête à abandonner femme et foyer pour se lancer dans son aventure picturale. La pièce maîtresse de cette salle, mais aussi de l'exposition, est le célèbre portrait de Berthe Morisot par Edouard Manet (Berthe Morisot au bouquet de violettes, 1872). Cette "Joconde du XIXe siècle", chef d'œuvre pictural et icône du Musée d'Orsay depuis son acquisition en 1998, immortalise Berthe Morisot, figure majeure de l'impressionnisme dont la rencontre a marqué Édouard Manet (Le Balcon, 1869).

Le musée consacre un espace à un type de personnage à l'importance inédite : celui du modèle (section "Muses et modèles"). Avec la révolution impressionniste, les modèles sont très clairement identifiés, contrairement à des artistes académiques comme Jean-Baptiste Corot. Ces portraits prennent une résonance particulière en raison des liens intimes entre les artistes et leur modèle. Quelques grandes figures se détachent. Outre Berthe Morisot, muse, artiste et amie de Manet, citons Lise Tréhot, la maîtresse de Renoir, sa femme Aline Renoir ou Camille Doncieux la jeune épouse de Monet. Dans une salle qui est à ne surtout pas manquer, le musée de Rouen propose de découvrir ou redécouvrir le magnifique portrait en pied de Prospérie Bartholomé, peint quelques mois avant son décès. Ce tableau d'Albert Bartholomé, Dans la serre (1881), est présenté dans une mise en scène poignante avec le vêtement du modèle. Après la disparition de sa femme et muse, désespéré et déboussolé, Albert Bartholomé troquera ses pinceaux contre des ciseaux, se faisant "le sculpteur de la mort."

En plongeant dans l'intimité des peintres impressionnistes, le spectateur entre au cœur de la vie des artistes : familles, épouses, enfants et amis (section "Portraits de famille"). Les scènes familiales sont bien présentes dans l'exposition du Musée des Beaux-Arts : Le Déjeuner dans la Serre de Louise Abbéma (Musée de Pau, 1877) représentant entre autres l'actrice Sarah Bernhardt ou La Famille Dubourg de Henri Fantin-Latour (1878), un portrait familial à la facture terne et sombre.

Parmi ces portraits, figurent en bonne place ces délicates figures d'adolescentes, ces "jeunes filles en fleur" aux visages retenus (section "Jeunes et Julie"). Les impressionnistes n'en font plus des archétypes peu identifiables – lorsqu'il ne s'agit pas de représentations de déesses mythologiques – mais des personnes proches. Lorsque Renoir peint Julie Manet dans le portrait de 1894 (Mademoiselle Julie Manet), il immortalise la nièce de son amie Édouard Manet, fille de Jules Manet et de Berthe Morisot.

Les enfants ne sont pas oubliés (section "L'enfance : de Renoir à Cassatt, un thème impressionniste"). Qu'ils soient représentés en portraits ou en groupes, ils prennent une place particulière dans le mouvement impressionniste. Au XIXe siècle, l'enfant acquiert un statut nouveau. L'émancipation, l'affection parentale, les premiers droits sociaux qui leur sont accordés (travail, enseignement), en font des personnes à part entière. Les enfants sont largement représentés : dans leur berceau chez Berthe Morisot (Le berceau, 1872), endormis chez Gauguin (La Petite rêve, 1881), à vélo chez Monet (Jean Monet on his Hobby Horse, 1872), en plein travail scolaire chez Renoir (Coco écrivant, 1906) ou posant simplement comme chez Pissarro (La Fille de l'Artiste, 1872). Ces portraits baignent dans une sérénité artificielle. Les enfants ne jouent pas, ne bougent pas et sont mis en scène jusque dans leur apparence : joues rouges, rubans dans les cheveux, pose appuyée (Auguste Renoir, Portrait de Jean, 1899). Jean Monet avait avoué que les longues poses que lui imposaient son père étaient exténuantes.

Où s'arrête la sphère privée ? Où commence la sphère publique ? Lorsqu'il est question de représenter les cafés (que ce soit au Guerbois ou à la Nouvelle Athènes), ce sont autant des espaces intimes qui sont immortalisés que des représentations de lieux de sociabilité (section "En société : extérieurs et émancipation"). Les peintres impressionnistes raffolent de ces lieux de vie : troquets (Gustave Caillebotte, Au Café, 1880), théâtres (Mary Cassatt, Woman in a Peal Neckplace in a Lodge, 1879), parcs ou scènes de lectures publiques (Pierre-Auguste Renoir, La Lecture du Rôle, 1874-1876). Ces scènes permettent aux impressionnistes d'expérimenter de nouvelles techniques, que ce soit le cadrage chez Mary Cassatt ou les effets de miroirs chez Caillebotte.

Le Musée des Beaux-Arts de Rouen permet aussi au spectateur de se plonger dans le quotidien des Impressionnistes à travers la restitution d'un intérieur (section "Intimités"). Il est évoqué, grâce à la reproduction par les Ateliers d'Offard (Tours), d'un papier peint issu du Musée des Arts Décoratifs. Là encore ce sont des scènes quotidiennes qui s'offrent au spectateur : une femme s'éveillant (Federico Zandomeneghi, In Bed, 1878) , un petit déjeuner (Édouard Vuillard, Le déjeuner du Matin, 1903), une scène de thé (Mary Cassatt, The Cup of Tea, 1880-1881), une autre de couture (Édouard Vuillard, Madame Vuillard cousant, vers 1902) et des femmes à la toilette (Edgar Degas, Femme se lavant la jambe gauche ou Femme se coiffant, posth. 1919-1921). Cette salle permet de prolonger l'exposition impressionniste vers le mouvement des Nabis.

Dans la section "Portraits de groupes : portraits et hommages", le spectateur est saisi par l'aménagement symbolique d'une salle. D'une part, est installé un monumental tableau de Jules Alexandre Grün, Un vendredi au Salon des artistes français (1911). Ce tableau conforme à l'académisme, met en scène une pléthore d'artistes et de mondains au milieu de sculptures classiques diaphanes, dont une de Raoul Larche à la gloire de Jean-Baptiste Corot. D'autre part, est accrochée une peinture de Maurice Denis, Hommage à Cézanne (1900), à la facture plus sombre, qui voit se réunir un groupe d'artistes autour d'une nature morte. Le groupe d'artistes immortalise les liens intimes plutôt que l'agitation mondaine présente chez Grün. Et au centre de cet espace, tels des dieux admirés, sont rassemblés des bustes d'Edgar Degas, de Claude Monet, d'Auguste Rodin, de Maurice Denis et de Federico Zandomeneghi.

Les liens solides entre les artistes impressionnistes, où transparaissent les influences mutuelles, l'admiration voire l'affection, sont également présents dans les échanges épistolaires ("Correspondances, lettres et liseuses") et dans les photographies inédites (section "Les photos d'artistes"). Bien plus qu'une exposition picturale (les sculptures sont peu présentes), "Scènes de la vie impressionniste" remplit le contrat auprès du visiteur en lui proposant d'entrer de plain-pied dans l'univers intime des géants de l'Impressionnisme les rendant d'autant plus proches.

"Scènes de la vie impressionniste", Musée des Beaux-Arts de Rouen,
16 avril-26 septembre 2016
Normandie Impressionniste
http://www.normandie-impressionniste.fr
Scènes de la vie impressionniste, catalogue d'exposition, Paris, 2016

Edouard Manet, Berthe Morisot au bouquet de violettes, 1872 Huile sur toile, H. 55 x L. 38 cm
© RMN-Grand Palais (musée d'Orsay) Hervé Lewandowski
Sorolla, Autoportrait (detail), 1904, Huile sur toile, 66 x 100,5 cm, Madrid,
Museo Sorolla, 687 © Madrid, Museo Sorolla
Pierre Auguste Renoir, Jeunes filles lisant, 1891
Huile sur toile © Portland Art Museum, Portland, Oregon. Bequest of Winslow B. Ayer
Claude Monet, Méditation Mme Monet au canapé, vers 1871. Huile sur toile, 1870-1871
© RMN-Grand Palais (musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Que la Nature soit votre unique déesse

2016-01-08T21:10:09+01:00

"Que la Nature soit votre unique déesse. Ayez en elle une foi absolue. Soyez certains qu’elle n’est jamais laide et bornez votre ambition à lui être fidèles.
Tout est beau pour l’artiste, car en tout être et en toute chose, son regard pénétrant découvre le caractère, c’est-à-dire la vérité intérieure qui transparaît sous la forme. Et cette vérité, c’est la beauté même. Étudiez religieusement : vous ne pourrez manquer de trouver la beauté, parce que vous rencontrerez la vérité. Travaillez avec acharnement. »
Testament de Rodin

Ayons une pensée

2016-01-04T23:20:00+01:00

Ariane

2014-09-08T21:04:00+02:00

Rodin 1894-1917

2013-10-01T14:33:00+02:00

"L'illusion, soeur d'Icare" 1894-1896

”Coeur de Pierre : Camille Claudel et Rodin” de Marie Sellier

2013-09-26T09:03:00+02:00

La famille Bouchon habite depuis peu dans un nouvel immeuble, mais une vieille folle qui hurle les dérange la nuit. Alors les parents essayent de trouver une solution, leur fille Hortense Bouchon fréquente l'atelier de Rodin et leurs fils Emile et Paul se rendent compte que la vieille folle est en réalité la sculptrice Camille Claudel. Rodin et Camille aurait vécu une passion si intense que Camille Claudel aurait tombé dans la folie.

Marie Sellier prend le prétexte de la famille Bouchon pour introduire les deux sculpteurs Rodin et Camille Claudel. Avant d'en venir à une relation plus intime, Camille Claudel fut l'apprentie du célèbre sculpteur du Penseur. Celui ci la charma à tel point qu'elle finira par être interné en hopital psychiatrique.

L'auteure s'est inspirée de la correspondance privée entre Rodin et Camille. Ce qui permet d'ajouter une touche d'authenticité à cette histoire. Bien que tout ne soit pas vrai, en effet, comme elle l'explique dans les dernières pages du roman, Marie Sellier a inventé la famille Bouchon. Les lecteurs peuvent donc faire la part des choses entre le réel et la fiction !
Dans les dernières pages, nous retrouvons aussi une chronologie des vies des deux sculpteurs.

Je ne me suis jamais intéressé plus que cela à ces deux artistes et pourtant ce livre m'a intrigué, par sa couverture qui reprend l'oeuvre de Rodin "Le baiser" ! D'ailleurs, ça m'a donné envie de rechercher les sculptures cités dans le livre, dommage qu'il n'y ait pas quelques photos de ces oeuvres à la fin du livre...

C'est un livre sur l'art et les relations amoureuses qui se lit très vite et qui est accessible aux enfants à partir de 12 ans.

Je remercie les éditions Nathan pour l'envoi de ce livre !

Petite citation pour la route : "Elles avaient le sentiment de pénétrer dans un monde à la fois romantique et dangereux. Rodin avait-il vraiment le pouvoir de rendre fou d'amour ? La passion amoureuse était-elle donc à ce point destructrice ?"

L'ART ENTRE DEUX AVIONS A L'AEROPORT ROISSY

2013-01-22T15:58:00+01:00

Lu dans le Journal des Arts, ouverture d'un "Espace musées" dans le luxueux Hall M du Terminal 2 de Roissy Charles de Gaulle. Avec 60 millions de passages par an, et 500 000 juste pour ce terminal, pourquoi se priver? Et pourquoi pas changer le point de vue des voyageurs sur l'aéroport le plus détesté au monde ! Je n'ai pas du tout entendu parler de ça dans les media, pourtant l'info est intéressante.

Les aéroport sont très porteurs, l'art y a sa place, surtout si le muséal fagocite l'espace des boutiques de souvenirs et autres Duty free dont on a assez (mais si, arrêtons de se mentir!). Déjà vu en Province ou à l'étranger, pourquoi pas à Paris. En plus c'est gratuit, à condition d'avoir son billet (ah ah !).

L'art en correspondance

Auguste Rodin ouvre le bal, avec une exposition de peintures et sculptures "Rodin, les ailes de la gloire" (moi j'aurai choisi dans l'idéal Les ailes du désir), toutes prêtées par le Musée Rodin de Paris, qui écrit d'ailleurs sur son site "le sculpteur ne cherche-t-il pas, par tous les moyens, à arracher la matière à la pesanteur". Le poid du marbre, le choc des carlingues !

Une façon efficace (enfin, on fera le bilan dans six mois), de présenter l'art de vivre à la française et son l'excellence, et ainsi une certaine lenteur (on ne regarde pas une oeuvre comme un sandwich) aux voyageurs a priori pressés.

Question : a-t-on envie d'art avant de s'envoler?

Sculpture : Auguste Rodin (1840 -1917) Les Bénédictions ou les Gloires

Philippe Zilcken, par Maria Biermé

2012-11-22T17:51:13+01:00

Entre Japon, Algérie et Provence

Du même critique - l’extravaguant Ray Nyst -, à deux ans de distance : « Zilcken, qui a voyagé en Algérie, a d’aimables notations d’oueds et d’oasis. » (La Belgique artistique & littéraire, février 1911, p. 243) et, dans un bref compte rendu qui n’épargne aucun des artistes hollandais exposés au Cercle artistique du 8 au 18 mai 1913 : « Zilcken, de La Haye, nous montre des vues d’Égypte et d’Algérie d’une indigence extraordinaire, pas de couleur, pas de vie, pas de vibration : Le Caire à Londres » (La Belgique artistique & littéraire, 1^er juin 1913, p. 436). Entre ces deux dates, la même revue, dans sa livraison d’août 1911 (p. 154-164), rend hommage au graveur francophile par l’intermédiaire de la poète et critique d’art belge, Maria Biermé (1863-1932). Des pages qui apportent maintes précisions sur Philippe Zilcken (1857-1930).

Philippe Zilcken en 1902

PHILIPPE ZILCKEN

Takesono, le joli nom, et comme il convient à la demeure d’un fervent de l’art, de la nature et de l’Orient !

C’est bien un « jardin de bambous », en effet, dans lequel se trouve enclavée la demeure de celui dont nous étudions l’œuvre. Or, le bambou dans ce Japon, dont Zilcken est épris, c’est le symbole de l’Art et de la Poésie, aux sources mystérieuses et profondes comme celles des grands lacs bleus où baignent les longues tiges du roseau luxuriant, dont la cime s’épanouit sous les larges flambées d’un soleil éclatant, telle l’œuvre de l’artiste, sous la féconde caresse de l’inspiration.

Si nous franchissons le seuil de Takesono, les goûts et les aspirations complexes de son hôte se reflètent, à chaque pas.

D’une part, en effet, les attaches du Hollandais de vieille souche sont incrustées dans les fines sculptures des meubles confortables et dans les anciennes gravures coloriées, où La Haye apparaît, au XVIII^esiècle comme aujourd’hui, arrosée de canaux profonds et agrémentée de son large Bois, peuplé de cerfs et de biches, où le vent, qui chante à travers les feuillées des pins et des chênes, la berce, à présent, comme jadis, de sa mélopée rêveuse.

De l’autre, l’orientaliste distingué accumule, derrière les vitrines et sur les étagères, les bibelots curieux et les poteries primitives de Biskra et d’Alger.

Il suspend, aux murailles, les armes ciselées des colonies, et le terrible clewang de Sumatra y voisine avec le kriss du poignard national de Java.

Un miroir enchâssant de précieuses miniatures persanes, surmonte l’ottomane où le dragon chinois s’allonge sur des coussins de soie brodée d’or.

Des estampes japonaises d’une coloration ravis- sante, et dont l’artiste possède quelques rares exemplaires, s’encadrent entre les souvenirs de quelques maîtres, ses amis : Une gravure de Brac- quemond ; une eau-forte de Rodin (1) ; un délicieux pastel de l’aquafortiste Bauer, esquissant le portrait de Renée Zilcken, enfant ; la Première communiante, de Jan Toorop, dont les yeux profonds sont pleins de l’ardeur recueillie des mystiques.

Enfin, comme pour symboliser les aspirations, tout à la fois exotiques et patriales, du maître, sur le marbre noir d’une cheminée ornée de tissus des Indes aux multiples couleurs, les milliers de pétales pittoresquement assemblés des chrysanthèmes côtoient, dans une coupe de Venise, les corolles savamment ordonnées des tulipes.

Il semble, à voir la physionomie des lieux habités par l’artiste, qu’on puisse lui appliquer les paroles de Théophile Gautier aux de Goncourt : « Nous tenons à d’autres races, nous autres, nous sommes pleins de nostalgies. »

Si l’on considère les œuvres du maître-peintre-aquafortiste-écrivain, on y retrouve, tout à la fois, le Hollandais, le Français, l’Orientaliste.

Pourtant, il s’en dégage une personnalité bien déterminée et toute faite de simplicité, de sincérité, de distinction, de vérité surtout.

Aussi, peut-on dire de l’art de Zilcken, qu’il est, tout à la fois, un et multiple.

Hiver en Hollande

C’est ainsi que ses toiles d’il y a vingt ans diffèrent absolument, par le coloris, de celles des dernières années ; de même, ses eaux-fortes offrent trois phases distinctes et, cependant, aucune d’elles ne pourrait être attribuée à un autre artiste.

Faut-il rechercher les causes de ces attirances diverses, dans les origines lointaines de Zilcken ?

Peut-être ! Car, s’il naquit, à La Haye, de parents originaires de Rotterdam, sa grand’mère maternelle était de Douai et il est, par elle, allié au gendre de Jules Breton, le peintre Adrien Dumont.

Si l’on remonte plus haut encore, on retrouve du sang anglais, espagnol, arabe même chez les siens.

Le père de Ph. Zilcken

Comment Philippe Zilcken devint-il peintre, alors que son père, qui occupait une haute fonction dans le gouvernement hollandais, était un violoncelliste de talent, ami de Henri Wieniawski, de Sarasate, de Planté, de Camille Saint-Saëns, avec lesquels il exécutait de la musique de chambre, d’une façon remarquable ?

Subit-il l’influence des frères Maris, d’Arz, de Blommers, peintres chassés de Paris, par la guerre de 1870, et qui, avec Josef Israëls et Mauve, formaient l’auditoire assidu de ces séances musicales ? C’est probable, d’autant plus qu’ils aimaient à se ressouvenir de la capitale, en parlant le français avec ce jeune garçon de treize ans, qui possédait cette langue tout aussi bien que l’anglais, l’allemand, le latin, l’italien et le hollandais.

C’est cette facilité d’élocution française qui le fit choisir, alors qu’il n’était qu’un tout jeune homme suivant encore les cours du Gymnase de La Haye, pour secrétaire intime de la reine Sophie, la première femme du roi Guillaume.

Dans son premier volume des Souvenirs publié à Paris, chez Floury, en 1900, Zilcken relate des choses fort intéressantes au sujet des travaux de cette reine souffrante et éprise de la solitude de la « Maison du Bois », où elle se retirait souvent, pour se livrer à des travaux sérieux qu’elle dictait rapidement à son jeune secrétaire.

Parmi ceux-ci, Zilcken se souvient d’une étude de longue haleine : « Les derniers Stuarts, impressions d’une reine », qui parut, en 1875, dans la Revue des Deux Mondes.

Arrivée de la Reine

La reine Sophie, ayant appris les dispositions artistiques de son jeune secrétaire, insista pour voir ses premiers essais, les apprécia fort et recommanda à leur auteur de beaucoup travailler.

Ces encouragements, de même que l’enthousiasme avec lequel les peintres, qu’il rencontrait chez ses parents, parlaient de leur art, devaient contribuer à développer en lui les dispositions artistiques dont il avait hérité de son père et lui faire appliquer à la peinture et à l’eau-forte, le sens et le goût inné des harmonies qui chantaient en lui.

En 1878, M. Zilcken convaincu de la vocation de son fils, qui s’était mis à peindre, seul, d’après nature, demanda à Mauve de diriger le travail du jeune artiste. Durant trois années, ce dernier s’en fut travailler avec lui dans la campagne hollandaise où, perdu dans les larges pâtures, assis à l’ombre d’un buisson ou d’un moulin à vent, il observait tout, autour de lui, avec la plus scrupuleuse attention et s’attachait à le rendre, non seulement avec un grand fini dans l’exécution, mais à l’imprégner de toute la ferveur de ses sentiments.

C’est, d’ailleurs, le conseil que, lui-même, n’a jamais cessé de donner à ses élèves : « Il faut, leur dit-il, être humble devant la nature. Commencer par en rendre l’aspect le plus fidèlement possible, non avec la minutie du photographe, mais avec l’émotion de l’artiste et, plus tard seulement, se laisser aller à toute la fougue de son imagination et à l’expression entière des conceptions qu’elle inspire. »

« L’originalité de l’art japonais, ajoute-t-il, vient de la grande simplicité avec laquelle les peintres de cette contrée ont regardé et rendu ce qui les entoure. »

Grâce à Mauve et à Willem Maris, qu’il rencontrait souvent, Zilcken a su arriver à cette réalisation de la justesse des tons et des valeurs qui, seules, permettent à l’artiste de reproduire avec vérité, la perspective aérienne et l’atmosphère.

Cimetière de la Bouzaréah, 1910

Comme Mauve aussi, il s’est toujours appliqué à mettre en pratique le conseil de Corot : « D’abord, le ton et puis, la couleur ». De là vient que Zilcken réussit toujours à rendre la physio- nomie véritable de chacune des contrées qu’il a visitées. Il ne s’est pas essayé, par exemple, à l’instar de quel- ques autres, à se créer une palette d’orientaliste mais, lors de ses séjours en Algérie, il s’est contenté de travailler en plein air et d’en rapporter des œuvres sincères par le coloris comme par l’expression.

Au retour de sa première visite au pays du soleil, il trouve acquéreur pour ses travaux, chez le plus grand marchand de tableaux de l’époque, M. G. van Wisseling, dont le père, u

Où traîner ses guêtres pour faire plaisir à ses yeux ?

2012-08-30T08:25:00+02:00

Réponse 2 : au musée Rodin

Et dans les jardins du musée

Représentation de Victor Hugo

Une pause au musée Rodin

2012-08-05T17:55:00+02:00

”LE BAISER” DE RODIN

2012-07-29T20:19:00+02:00

"Le Baiser" de Rodin, symbole de l'amour fatal.

Rodin s'inspira de "L'Enfer", chant V de "la Divine Comédie" de Dante, qui avait immortalisé Francesca da Rimini. Mariée à Giovanni Malatesta en 1275, elle fut poignardée avec Paolo Malatesta, son amant et beau-frère, par son époux.

Six siècles plus tard, Rodin modela en terre Francesca et Paolo dans une taille mi-nature. Il représenta les deux corps nus unis dans un baiser fatal qui les damnera pour l'éternité. De nombreuses reproductions en furent exécutées en divers matériaux et tailles. Le modèle des corps enlacés est magnifique et cette sculpture restera un des chefs-d'œuvre de Rodin.

"Le Baiser" de Rodin.

Considérations sur l'amour - Simone Weil, Paul Valéry, Romain Debluë, Auguste Rodin

2012-07-16T11:23:00+02:00

Le baiser, Rodin

Extrait de ""La pesanteur et la grâce", ou : aux marges du christianisme", 2012, Romain Debluë

Je ne peux m'empêcher de sentir parfois chez Simone Weil quelque chose d'inhumain à force de cette intransigeante surhumanité dont elle s'efforce de faire preuve jusques en ses plus vagues intuitions, lorsqu'elle écrit par exemple : "Je ne dois pas aimer ma souffrance parce qu'elle est utile, mais parce qu'elle est."*

Posant ainsi tout à la fois un principe éthique qui en peut faire plus d'un grincer des dents, et la saisissante prémisse d'une ontologie point très nette encore mais où l'amour semble tenir une place prépondérante puisque l'être constitue un argument à la son déploiement. Si je me dois d'aimer ce qui est, ce n'est cependant point par la force d'un panthéisme douteux qui ferait de la Création un amas d'omniprésence divine mais bien plutôt parce qu'il n'existe nul autre moyen d'avoir prise sur le réel : " le seul organe de contact avec l'existence est l'acceptation, l'amour."**

L'amour conçu comme "la croyance à l'existence d'autres êtres humains comme tels"*** est le seul rempart dont l'esprit humain dispose afin de se prémunir contre la tentation du solipsisme et d'autres idéalismes absolus ; autrement dit la seule preuve recevable de l'existence du monde extérieur est constituée par sa capacité à provoquer tel sentiment en l'Homme.

Aux yeux de Simone Weil, il n'y a d'être qu'aimable et il n'y a d'aimable que l'être, en vérité ; aussi pourrions-nous, sur le modèle du parlêtre lacanien (Lacan affirmait qu'il n'y a d'être que parlant), nous amuser à désigner telle conception sous lr nom d'aimêtre, ou plus rigoureusement d'êtraimable. L'amour, elle le dit elle-même, a "besoin de réalité"****. Ce en quoi elle s'oppose radicalement à la lucidité tranchante d'un Paul Valéry qui, dans Tel Quel, affirme qu'il "n'existe pas d'être capable d'aimer un autre être tel qu'il est. On demande des modifications, car on n'aime jamais qu'un fantôme. Ce qui est réel ne peut être désiré, car il est réel. [...] Peut-être le comble de l'amour partagé consiste dans la fureur de se transformer l'un l'autre, de s'embellir l'un l'autre dans un acte qui devient comparable à un acte artistique, - et comme celui-ci qui excite je ne sais quelle source de l'infini personnel."***** A quoi Simone Weil répond sobrement : "Ce besoin d'être le créateur de ce qu'on aime, c'est un besoin d'imitation de Dieu. Mais c'est un penchant à la fausse divinité."******

Voilà sans doute pourquoi, à l'instar de cette dernière qui jamais ne brilla par ses qualités purement littéraires, l'auteur du Cimetière Marin fut un poète immense...

¤ ¤ ¤ ¤ ¤

* Simone Weil, La pesanteur et la grâce, coll. « Pocket », Plon, 1988, p. 145.

** Ibid., p. 123.

*** Ibid., p. 122.

**** Ibid., p. 124.

***** Paul Valéry, Tel Quel, coll. « folio essais », Gallimard, 2008, p. 42-43.

****** Simone Weil, op. cit., p. 123. Voir également : « Or il n'est pas donné à l'homme de créer. », p. 130.

> A consulter pour le texte intégral et beaucoup plus : http://amicusveritatis.over-blog.com/article-la-pesenteur-et-la-grace-ou-aux-marges-du-christianismes-107300843.html

Camille Claudel - Rodin, Adjani, Depardieu

2012-06-06T08:33:00+02:00

Film : Camille Claudel (1988, durée 2h50)

Réalisateur : Bruno Nuytten

Auguste Rodin (Gérard Depardieu), Camille Claudel (Isabelle Adjani), Paul Claudel le frère de Camille (Laurent Grévil), Eugène Blot marchand d'art (Philippe Clévenot), Louis-Prosper Claudel le père de Camille et Paul (Alain Cuny), Louise-Athanaise Claudel la mère de Camille et Paul (Madeleine Robinson), Jessie Lipscomb amie anglaise de Camille (Katrine Boorman), Rose Beuret la compagne de Rodin (Danièle Lebrun)

Auguste Rodin à Camille Claudel : Ne comptez pas sur l'inspiration, elle n'existe pas. Qu'est-ce que vous voulez que je vous apprenne ? Une sculpture demande du temps. Il faut la laisser se reposer. L'oublier pour mieux la juger.

Auguste Rodin à Camille Claudel : On n'en parle pas, mais c'est très important, le chauffage. Quand j'avais votre âge, j'avais loué une écurie qui me servait d'atelier. Il faisait un froid de canard. Je devais y faire mon premier buste, d'après nature, une femme du monde. Alors comme je n'avais pas le sou, je suis allé chez le cordonnier du coin, chercher plein de vieilles paires de chaussures. Me voilà parti à fourguer tout ça dans le poêle pour donner un peu de chaleur, n'est-ce pas. La femme est arrivée, s'est installée. Mais l'odeur, l'odeur ! Elle n'a pas résisté. Elle tourne de l'oeil et hop ! la voilà partie dans les pommes. J'ai eu la frousse de ma vie, j'ai cru qu'elle était morte.

La mère de Camille Claudel : Ca vous amuse ? Moi pas. On verra si vous baillerez dimanche devant Papa. Jusqu'ici ton père était d'accord avec cette histoire d'atelier, Camille. Mais cette fois il ne te donnera pas raison. Tu n'as pas supporté la discipline de l'académie de Colarossi. Tu préfères ta liberté, partager un atelier avec une étrangère délurée. Et tu t'en moques que ça nous coûte trois fois plus cher ! Les cours, le loyer... Et si Papa n'est pas là, c'est justement pour gagner cet argent, sou par sou, au point de tout sacrifier. Mais tu crois que c'est une vie pour un homme de son âge ! de voir sa famille une seule fois par semaine. Et pour moi ? Quand il apprendra que tu découches pour aller voler de la terre dehors, que tu nous obliges à passer des nuits blanches, que ton frère risque de tripler sa philo à cause de tes lubies, et tout ça pour ta soi-disant vocation ! Et puis tu le perturbes, à lui faire lire des cochonneries qui ne sont pas de son âge, l'âge de personne d'ailleurs.

¤ ¤ ¤

Paul Claudel à Camille Claudel : Je te remercie de m'avoir fait connaître la poésie de Rimbaud. Il m'arrache les pieds de la terre. Est-ce que j'arriverais un jour à m'enfuir comme lui ?

Rodin : Je vais peut-être vous surprendre, mais j'ai failli entrer dans les ordres. J'étais jeune, j'avais une sœur aînée, Maria, que j'adorais. Maria est devenue novice à la suite d'une promesse de mariage qu'un ami à moi n'a pas tenu. Elle en est morte de chagrin. Alors après sa mort, je suis entré au monastère. Pour la garder vivante, j'ai mené sa vie. A ma grande surprise, mon directeur de conscience m'a demandé de faire un buste de lui. En m'obligeant à sculpter, il m'a rendu à la vie, à la mienne je veux dire.

Le père de Camille Claudel : Par miracle, cet homme-là a su faire la différence entre un chagrin et une vocation.

Rodin : Sans doute, sans doute.

Camille : Je crois que si j'avais un chagrin pareil, je ferais la même chose.

La mère : Toi, Camille, tu deviendrais religieuse ?

Camille : Je m'arrêterai.

La mère : Quel orgueil. Je me demande de qui tu tiens ça.

Le père : Camille n'est pas une orgueilleuse. Seulement elle ne cède jamais une once de ce qu'elle estime devoir lui revenir. Là où elle est violente, ce n'est que parce qu'elle est passionnée. Quand elle était enfant, elle s'amusait à reproduire avec de la glaise des os de squelette humain. Ensuite elle les mettait au four pour les cuire. Elle en perdait le boire et le manger. C'était stupéfiant. Là où elle est ombrageuse, c'est parce qu'elle est d'une grande intention.

Camille : Papa...

Le père : Monsieur Rodin, lui, a dû s'en rendre compte, n'est-ce pas monsieur Rodin ?

Rodin : ah monsieur Claudel, le témpérament, d'où nous vient le tempérament ?

La mère : Ca, on sait pas d'où ça vient mais on sait ce que ça fait, le tempérament.

Camille Claudel à Auguste Rodin : Peux-tu faire des ronds de jambes à des gens qui ne comprennent pas ce que tu fais ?

Eugène Blot : Votre sœur se remet mal de sa séparation avec Rodin.

Paul Claudel : Elle a tout misé sur lui. Elle a tout perdu avec lui, ma sœur.

Eugène Blot : On vous bafoue parce qu'on ne peut pas vous détuire. Un génie est toujours un effroi pour son temps.

”Toilette de Venus” Rodin” 1885 (Bronze)

2012-03-05T14:44:29+01:00

Prendre le temps de la performance

2012-01-24T00:45:00+01:00

Séminaire interne consacré à la performance de l'entreprise, soit les résultats et leurs conditions. Le sens de l'action et ses modalités. Questionnement autour de "Qu'est-ce qu'une entreprise performante ?" comment l'on peut travailler autour de "Qu'est-ce qu'un bon professionnel ?". Et puis dans le fil des travaux vient la question complémentaire "Qu'est-ce qu'une bonne organisation ?". Et la réponse d'une participante fuse aussi rapidement que la question a été posée : "C'est une organisation qui laisse le temps de réfléchir à ce que l'on fait". Diable, voilà une affirmation en forme de provocation. Alors que l'on débat de productivité et de temps de travail, il faudrait laisser du temps. Et pour réfléchir en plus. Mais que penserait le penseur d'une telle demande ?

Munch - Le penseur de Rodin - 1907

Peut-être qu'il estimerait la proposition bienvenue pour tous ceux qui remplissent compulsivement les agendas, s'enorgueillissent des 320 mails reçus chaque jour (et paranoisent lorsqu'il y en a moins de 200), font la chasse au temps mort, ne peuvent supporter l'observation contemplative et sont occupés en permanence à saturer leur temps et leur espace, tout en se demandant pourquoi ils saturent. Prendre le temps de la réfléxion, se déconnecter de la commande ou de l'injonction immédiate, réfléchir au sens de l'action et à ses modalités, bref prendre le temps de l'efficacité. Mais pour cela, il faut commencer par prendre le temps.

Auguste

2011-12-02T14:00:00+01:00

Aujourd'hui, nous vous emmenons au coeur d'un "jardin extraordinaire..."

L'Hôtel Biron est un joyau d'architecture qui abrite les oeuvres non moins prestigieuses du musée Rodin situé 79 rue de Varenne à Paris VII.

Créé en 1916 à l’initiative du sculpteur lui-même, de nombreuses oeuvres de Rodin, parmi lesquelles Les Bourgeois de Calais, La Porte de l'Enfer, ou encore Le Penseur prennent aujourd'hui place dans le jardin.

Cette utilisation des espaces naturels comme écrin à la sculpture renoue avec les pratiques du maître, qui, dès 1908, avait fait installer dans ce jardin sauvage certaines de ses oeuvres, mais aussi des antiques appartenant à sa collection.

Vous aurez tout le loisir de craquer également sur l'intérieur de l'hôtel (comme moi sur l'escalier principal de l'entrée)...

Ou devant la riche Galerie des marbres...

Nous vous offrons aujourd'hui deux pass pour découvrir le musée Rodin à Paris. Il vous suffit pour les reçevoir d'être le premier à résoudre l'énigme suivante et à nous donner la bonne réponse argumentée dans les commentaires...

"Elle est en tête du duo dans la paire.

En pleine crise, prenez l'air,

Car pour la retrouver,

Vous n'avez pas fini de tourner..."

De quoi s'agit-il ?

A vous de jouer ! ;)

Auguste Rodin ou la sensualité au bout des doigts :

2010-11-24T16:48:35+01:00

"L'Eternelle Idole" achevé en 1889. Musée Rodin, Paris.

Peut-on tout dire en formation ?

2010-05-25T00:35:00+02:00

Les formateurs prennent souvent la précaution d'annoncer en début de session : tout ce qui est dit ici est confidentiel et ne saurait être rapporté à l'extérieur. Liberté de parole donc. Tout échange en formation suppose-t-il, voire impose-t-il, que le secret soit la condition de la confiance et que chacun s'engage au silence ? prononcer le voeu serait ainsi la marque de la déontologie du formateur. Le secret qui nous lie est le garant de notre liberté.

Rodin - Etudes pour Le Secret - 1910

L'analyse juridique n'emprunte pas cette voie. Le salarié en formation est au travail et lorsqu'il est hors temps de travail (DIF par exemple) il demeure dans un rapport contractuel. Il est le consommateur, l'entreprise est le client. Et le client a un droit de retour sur le contenu de la formation, sur les résultats de celle-ci et sur le niveau et comportement du salarié. Les tribunaux ont plusieurs foix affirmé que le salarié était évaluable à tout moment sous réserve que l'évaluation n'ait pas lieu à son insu. Mais alors, le salarié pourra-t-il pendant la formation faire état de dysfonctionnements au sein de son organisation, de pratiques peu professionnelles voire de non-respect de certaines règles ? oui et pour une raison simple : l'envoi en formation vaut liberté d'expression. L'employeur qui finance une formation à un salarié ne peut en même temps lui demander de ne pas s'exprimer sur son contexte professionnel. Raisonnons par analogie : la Cour de cassation a déjà sanctionné un employeur qui avait reproché à un salarié ses propos critiques lors d'un entretien d'appréciation. Impossible de demander à la fois à un salarié de s'exprimer et de lui reprocher de le faire (sauf injures ou dénigrement). Impossible d'envoyer un salarié en formation en exigeant de lui le silence, sa parole est donc libérée. Il peut par conséquent être rendu compte à l'employeur, au client, du comportement du salarié mais également du formateur dont on se demande parfois si ce n'est pas à son profit que le secret était institué. Sortir du modèle de la formation initiale de l'enseignant seul maître dans sa classe, se faire évaluateur et être soi-même évalué : voilà qui conduit à moins de déontologie en guise de paravent et plus de professionnalisme.

Episode XXXII: Claire Diterzi

2010-04-02T09:59:55+02:00

Au début des années 2000, dans le sillage des Biolay, Bénabar, Delerm and co est apparu une nouvelle génération d'auteur-compositeur-chanteur très vite rangée sous l’appellation médiatiquement contrôlée "nouvelle chanson française". Cette nouvelle vague vocale s’apprête en 2010 à célébrer ses dix ans d’existence. Retour dans le désordre sur les albums phares (une trentaine) des trentenaires talentueux qui à leur manière décompléxée ont repris le flambeau des Murat, Miossec, Dominique A ou Katerine des années 90 dont l’écriture leur avait ouvert d’autres voies

Claire Diterzi, Tableau de chasse (Naïve, 2008)

Touche-à-tout qui a toujours cherché "du sens dans les tabous et les relations humaines", Claire Diterzi chante, aigu parfois, des mini-traités de sexologie, les déroutes amoureuses, les rencontres express, le dessous des ébats, les peaux en voie de flétrissure, les blessures intimes. Pour situer l'origine de son répertoire au corps à corps electro-rock, elle aime à citer le film Intimité de Patrice Chéreau.

Pour Tableau de chasse, son troisième album solo en incluant sa B.O. de Requiem for Billy the Kid, l'ex-chanteuse du groupe rock Forguette Mi Note recadre encore davantage ses propos. Avec un souffle et un culot aussi déconcertants que jouissifs, elle s'est inspirée de sculptures et tableaux pour nourrir son écriture des plus charnelles. Sur fond d'electro, de pop et d'électricité excentrique. La beauté des dix œuvres retenues, de Rodin à Claudel via Toulouse-Lautrec ou Fragonard, a aussi pour trait commun la femme. En lumineuse obsessionnelle compulsive, Claire Diterzi aborde une fois de plus ce thème chéri qui lui permet d'évoquer le sexe, l'amour et la sensualité. Et cherche sans cesse à le chanter avec intelligence.

Tableau de chasse y parvient sans mal. Entre libertinages et moqueries, coquetteries et franches manières, humour et méchanceté. Dans "L'odalisque", elle s'abandonne ainsi corps et âme, obéit au doigt et à l'œil en femme soumise de harem sans le moindre trémolo dans la voix. Diterzi se fait "pour l'éternité, ta nana et ta madone, ta diva et ton odalisque". Les saccades rythmiques, les montées dans les aigus peu farouches créent une atmosphère inouïe à cette pièce sonore aussi rococo que la toile XVIIIe de François Boucher. "Je veux être ta chose, que tu me hisses au sommet de ton torse", chante-t-elle plus loin d'une voix douce et innocente. Dans un abandon qui désire oublier l'étreinte du temps.

Au même titre qu'elle joue en mots des sens, Diterzi s'est amusée à superposer à l'envi ses chants caméléons, à créer des millefeuilles de chœurs aussi. En modelant l'extraordinaire plasticité d'une voix utilisée comme un véritable matériau, en taillant dans la chair rythmique et mélodique, cette éternelle gladiatrice de la chanson dompte son répertoire façonné sur des gestuelles des beaux-arts. "Je voulais qu'on entende le ciseau sur la pierre", résume-t-elle dans une formule magique.

Evocateur au-delà du raisonnable, Tableau de chasse alterne avec une touchante et renversante folie les époques et les climats. Entre les teintes romantiques et les ambiances lascives figurent aussi quelques atmosphères dégénérées. Comme sur "A quatre pattes" – calqué sur une œuvre d'Allen Jones montrant une femme en cuir dénudée servant de support au plateau d'une table basse – où la libertaire Diterzi brocarde l'obscénité de l'imagerie hip-hop et R & B. Avec une irrésistible "voix de bimbo" en prime! Elle rit aussi de Mireille Mathieu meublant les interminables repas de famille dominicaux, prétexte à dégommer le politiquement correct et, partant, la réanimation par Sarkozy des has been populaires du "patrimoine" chanté. "L'art, c'est résister", selon Diterzi.

Pour représenter un autre âge, il y a aussi cette troublante "Vieille chanteuse" évoquant son tenace goût de l'amour. Chanson pour laquelle Diterzi prend l'accent traînant des goualantes réalistes de l'entre-deux-guerres. Ou enfin, avec réminiscences du Mystère des Voix bulgares, cette chanson dans la peau d'une femme divorcée. Du beau art grâce à une écriture tout feu tout flamme.

Matisse - Rodin : le passage de témoin

2010-02-15T19:20:00+01:00

Pierre le Vigan a visité l'exposition "Matisse et Rodin" au Musée Rodin à Paris et nous fait part de ses impressions.

Rodin Matisse : le passage du témoin

Entre Auguste Rodin (1840-1917) et Henri Matisse (1869-1952) il y a la différence d’une génération et surtout d’une époque. L’un meurt pendant le Grande Guerre, l’autre après la deuxième guerre mondiale. Tout un monde les sépare et notamment toute une évolution de l’art. Mais si les deux artistes se sont peu rencontrés et n’ont jamais été amis (ils se voient pour la première fois en 1899), les liens entre eux ne sont pas minces. Plusieurs des professeurs de Matisse furent des proches ou des élèves de Rodin. C’est pourquoi l’exposition « Matisse et Rodin » du Musée Rodin de Paris est fort bienvenue.

Rodin fut avant tout sculpteur, ses dessins, fort gracieux parfois, sont des travaux d’inspiration et de préparation. Matisse est surtout connu par ses dessins et peintures, c’est un maitre du fauvisme mais c’est aussi un sculpteur, ce que l’on retient moins de lui. L’idée de l’exposition n’est pas de tout comparer entre les deux artistes. Elle est de comparer le travail de sculpteur de Matisse et quelque uns de ses dessins avec le travail de dessinateur et de sculpteur de Rodin.

Les deux artistes voyaient le dessin comme un art à part entière à coté de la sculpture et de la peinture, et jamais seulement comme un travail de simple esquisse préparatoire. Rodin pratique un dessin épuré sans anecdotes, novateur en cela par rapport à l’esprit du temps (Rodin, Femme nue étendue sur le coté, crayon graphite et aquarelle sur papier, 1898-1908). Son style séduit Matisse. Mais ce n’est pas réciproque. Rodin trouve les dessins de Matisse pas assez « pignochés », c'est-à-dire pas assez soignés, trop « enlevés » sans souci de bien les finir. Cela commençait mal. Mais Matisse fait son bonheur des sculptures de Rodin. Il les reprend au dessin, sensible non aux détails mais au mouvement, à la dynamique, à la synthèse générale des corps (Matisse, Nu debout. Bras couvrant le visage, encre sur papier, 1901-1903 ; Sans titre, Nu de dos, encre de Chine sur papier, 1906 ; Figure de dos au collier noir, lithographie, 1906). Un travail qui n’exclue pas parfois quelques maladresses (Nu debout. Etude, plume et encre de Chine sur papier, 1907-1908).

Pour les deux artistes, il n’y a de création possible que face à un modèle (Rodin épousera l’un des siens). « Je ne puis travailler qu’avec un modèle. La vue des formes humaines m’alimente et me réconforte » disait Rodin en 1912, au soir de sa vie. « Je dépends absolument de mon modèle que j’observe en liberté, et c’est ensuite que je me décide pour lui fixer la pose qui correspond le plus à son naturel », écrivait Henri Matisse en 1939.

Matisse se risque à la sculpture lui aussi avec le Serf (1900-1903), précédé par une huile sur toile L’homme nu, le Serf (1900), avec de grands aplats et des couleurs puissamment expressives. Comme Rodin, Matisse préfère le modelage à la taille directe. Rodin produit de plus en plus des sculptures-fragments de corps, qui sont néanmoins des œuvres à part entière. Rainer Maria Rilke remarquera : [dans] les statures sans bras de Rodin, il ne […] manque rien de nécessaire. On est devant elles comme devant un tout qui n’admet aucun complément. » (Sur Rodin, 1928).

De son coté, Matisse se libère du pur réalisme de l'œuvre achevée ; il intègre volontairement les traces de son projet de sculpture, les essais, les défauts de coulage de la fonte, etc. Dans ses sculptures Nu de dos, aux nombreuses séries, Matisse essaie d’en arriver à une simplification géométrique (sculpture Nu de dos, 4^e état, 1930). Cette simplification et cette libération des contraintes académiques se trouvent aussi dans les dessins de Matisse (Nu couché au visage incomplet, lithographie, 1925). Ce n’est que bien après la mort de Rodin que Matisse produira ses dessins les plus accomplis (Nu couché de dos, fusain sur papier, Nice, 20 mai 1935 ; Nu renversé et feuillage, fusain et estompe sur papier, Nice, février 1936).

En 1925, Henri Matisse rappelait que Gustave Moreau lui avait dit : « Vous allez simplifier la peinture ». Il n’est pas absolument certain que le verbe « simplifier » ait été approprié. Mais Rodin et Matisse ont rendu l’art plus élancé, plus dynamique et au fond plus vrai.

Musée Rodin , 79, rue de Varenne (VIIe), jusqu'au 28 février 2010. Horaires : tlj. sauf le mardi, 10 h 00 à 17 h 45. Tél. : 01 44 18 61 58.

Catalogue Matisse Rodin Réunion des Musées nationaux. : 160 pages, 35 €.

Emile-Antoine Bourdelle -1861-1929-

2010-01-05T14:03:30+01:00

"L'épopée polonaise" 1909

49 BOURGEOIS DE CALAIS (Les) (avec Géraldine Elschner et Christophe Durual) L'Élan Vert (11/2009)

2009-12-10T13:21:00+01:00

Drole d'histoire que ce livre là.

Christophe Durual, talentueux illustrateur et confrère, à réalisé un très gros travail de recherche,

mais pour comble, il s'est un peu noyé dans ses crayonnés produits à foison.

Et quand l'échéance du rendu des images couleurs est apparue,

il n'avait pas grand chose à confier à l'éditeur,

qui, prit par les délais m'a confié en catastrophe la réalisation de ce livre.

Début Aout, j'ai donc planché sur un travail ne m'appartenant pas.

Heureusement, Christophe est habile, et ses dessins inspirants.

A écouter :

Sous le ciel Bleu

2009-08-29T07:34:00+02:00

Voici ce que l'on pouvait voir sous le coin de ciel bleu...

République et Béotie

2009-07-12T06:45:00+02:00

Admiratifs devant des cratères et autres récipients grecs, mon pote et moi convenons que Picasso a tiré le meilleur de son oeuvre de la puissance de synthèse de ces artisans de l'Antiquité dont l'art exprime le mépris des effets spéciaux. De même, si on compare la statuaire de Rodin avec celle d'un bon sculpteur grec, Rodin paraît immédiatement académique et sentimental.

Nous convenons aussi que la mythologie grecque pourrait fort bien être enseignée au collège où elle serait beaucoup plus attirante et utile que n'importe quelle autre matière, permettant de transcender plusieurs disciplines... MAIS, car il y a un mais, c'est impossible car le cadre institutionnel républicain s'en trouverait rapidement ébranlé. Et même, à mes yeux, bien plus vite que n'importe quel dogme chrétien ; c'est une évidence à laquelle mon pote est trop "hégélien" pour pouvoir souscrire. Pourtant les ennemis scolastiques puis jansénistes de la mythologie grecque, qui s'accommodent beaucoup mieux du culte des ancêtres romain ne sont autres que les ancêtres de la République laïque athée à qui le judéo-christianisme a fourni (la philosophie naïve de Feuerbach le prouve) toutes les pièces du raisonnement anthropologique. La forgerie du "droit naturel" ou de la "morale naturelle" est typiquement le genre de spéculation débile léguée par le christianisme à la religion laïque.

Les grands royaumes

2009-07-03T23:11:00+02:00

Mon joug est suave,
ma charge est légère
Et la saison nouvelle
Fera bientôt les nobles coeurs
Elus pour le joug de l’Amour

D'après HADEWIJCH D'ANVERS. "Ecrits mystiques des Béguines". Editions du Seuil 1954.

"Mon joug est suave, ma charge est légère" nous dit l'Amant (...)

Quel est donc ce fardeau léger, ce joug que l'on nomme suave ?

C’est la charge que nous confie
Au plus secret le pur Amour
Des volontés ne faisant qu’une
Et joignant à jamais les êtres.
Tout ce que puise le désir,
L’Amour le boit, et ne s’apaise.
Amour exige de l’Amour
Plus que l’esprit ne peut saisir"

Guillaume de MACHAUT "Tous corps / de souspirant / suspiro

Photo : "L'Adam de RODIN" vu sous les arbres du petit jardin du Musée des Beaux-Arts de Lyon. Photographié en Juillet 2009. © Frb

Camille Claudel par Rodin :

2009-03-08T13:16:20+01:00

La Porte de l'Enfer : Auguste Rodin -1880-

2009-03-02T22:06:00+01:00

On ne produit jamais seul

2008-11-26T00:05:00+01:00

Qui n'a entendu un dirigeant dire : "j'ai développé l'entreprise pendant mon mandat" ou un manager déclarer : "j'ai fait progresser le chiffre d'affaires du service de 20 %". Qui est je ? ici non pas un autre, comme le dirait Rimbaud, mais plutôt les autres.

Lorsque Rodin sculpte ses grands marbres, il a d'abord pétri et modelé une ébauche de plâtre puis laissé divers sculpteurs s'attaquer au bloc de marbre. Il donnera la touche finale. Au fil des ans il cessera d'ailleurs d'élaborer des modèles pour se consacrer davantage au suivi et à la guidance du travail des sculpteurs de son atelier.

Rodin - Le baiser - 1890

Qui est l'auteur de l'oeuvre : le marteau et le ciseau, les sculpteurs de l'atelier, Rodin, les modèles, ceux dont Rodin s'inspira dont Camille Claudel ? renonçons à la personnalisation excessive et considérons que toute oeuvre, et tout résultat, sont collectifs sans que cela n'enlève rien à la gloire de Rodin ni à la grace du baiser.

Rodin, ou la poésie parlante

2007-10-17T18:30:00+02:00

> RODIN, dessins érotiques, ou la poésie parlante

17 octobre 2007, par VB

Sollers le Sacré possède tous les pouvoirs artistiques car il sait voir, et, comble de générosité, nous en fait part. De tous ces dessins érotiques de Rodin, sur fond de Mozart, il transporte le profane désireux de beauté, à la croisée de l’Art. Il doit bien exister un carrefour où Sollers fait la circulation ! Ses goûts, avides dans leur diversité nous éclairent sur le monde des artistes définitifs, complexe et pas toujours simple de décryptage. A croire que l’Art, muet, n’attendait que Sollers pour entrer en communion avec le commun des mortels, côté pile, avec les initiés, côté face. Paradoxe, quand tu nous tiens ! De Fragonard à Courbet, il nous emmmène en Chine, fera un détour par l’Allemagne afin d’affiner ses connaissances philosophiques, n’oubliera pas Cézanne et la Provence, pour arriver enfin à l’apothéose archi-texturale de Venise. Entretemps, grand seigneur, il nous aura invité au Crazy Horse, où, la Naissance du monde exposent ses divines créatures. Luz, (lumière en espagnol), doit éclairer notre Bordelais préféré, à très forte dose !

Site Internet:

Révélation

2007-10-09T12:20:00+02:00

Je demande à la clémence de me rendre la clé de l'indépendance

là, où je prendrai en considération l'amour et sa crucifixion

à nulle autre pareil le cortège de mes émotions

virevolte sur l'arpège de votre portée d'intentions

où une seule note vaut tout l'amour que je vous porte

et j'aurais pris connaissance du changement du temps et de sa sensibilité

prônant le verbe aimer dans toute sa sincérité

à la croisée de notre chemin, j'attraperai votre main

et changerai votre bouche en baiser de Rodin

mon amour vient de l'au-delà et mes lèvres sont aux abois

votre amour est intact et moi je manque de tact

ça ne rime à rien, et mon âme mystique

joue pour vous la musique impudique de mon coeur léthargique.