Sur vos écrans en 1954

2013-05-09T18:46:00+02:00

EDITORIAL :

1954, c'était Tous en scène, Voyage en Italie, El, Les Vitelloni, Marilyn, le Cinémascope... mais c'était aussi cela :

Par Christophe

En janvier 1954, Les Cahiers du cinéma franchissaient le cap du trentième numéro. Un record pour ce genre de périodique. Le rédacteur en chef Jacques Doniol-Valcroze en profitait pour clarifier la position d'une revue à laquelle on reprochait parfois de préférer les séries B américaines aux films français dits "de qualité". Ainsi l’événement majeur de l'année serait la parution de l'article de François Truffaut Une certaine tendance du cinéma français. Après bien des hésitations, le co-fondateur André Bazin consentait enfin à publier le brûlot de son protégé. De ce fait, il entérinait la prise de pouvoir des jeunes Turcs à la rédaction. D'abord prolongement de La revue du cinéma où un joli panorama de la vie intellectuelle parisienne d'après-guerre théorisait brillamment sur le cinéma (existentialistes germanopratins, bourgeois protestants, prêtres catholiques et militants de gauche s'y côtoyaient), le mensuel se muait donc en tribune pour hussards particulièrement agités. Jacques Laurent allait d'ailleurs débaucher une bonne partie de ce petit monde pour sa prestigieuse revue Arts; Arts où, on l'oublie trop souvent, Truffaut, Rohmer, Godard et Douchet ont signé plusieurs de leurs articles majeurs.

Le point commun à tous ces jeunes gens, c'est que le cinéma constitue la base de leur formation intellectuelle. En 1954, François Truffaut n'a évidemment pas le prestige académique du mentor normalien qui l'a sorti de prison cinq ans plus tôt. Il n'a pour lui que sa sensibilité aiguë, l'aplomb de la jeunesse, un style façon Radiguet et, aussi, l'ambition d'un Rastignac (ses admirateurs doivent se souvenir de la rouerie avec laquelle il a obtenu le scénario du Journal d'un curé de campagne de Jean Aurenche*). Sa plume directe et incisive ne s'embarrasse pas des précautions oratoires de ses aînés.

Ce qui frappe donc lorsqu'on relit Une certaine tendance du cinéma français près de soixante ans après sa publication, c'est d'abord l'engagement de l'auteur par rapport à ce dont il parle. Pour s'en rendre compte, il n'y a qu'à mesurer l'abîme qui le sépare d'Alexandre Astruc lorsque celui-ci écrit en 1948 dans "Naissance d'une nouvelle avant-garde" beaucoup de choses qui seront redites par l'auteur des 400 coups. Le ton a radicalement changé. Chez Truffaut critique, la sensibilité à fleur de peau se conjugue parfaitement à la certitude du moraliste. Par intuition, il sait où sont les fausses valeurs et les attaque alors sans ménagement. "Vive l'audace certes, encore faut-il la déceler où elle est vraiment". Ce sens de la formule le rattache à la tradition frondeuse de la critique française; celle de Louis Delluc dans les années 20, celle de Lucien Rebatet sous l'Occupation. L'écrivain Truffaut a la concision du premier, la verve polémiste du second. Le spectateur Truffaut partage avec les deux les goûts qui ont toujours été ceux des authentiques cinéphiles: amour des films hollywoodiens (avant les années 60), rejet bruyant d'un certain cinéma officiel (celui promu par les grands quotidiens, les festivals, les pouvoirs publics) et défense acharnée d'une poignée d'élus considérés comme les artistes véritables. Ici, il faut en profiter pour rappeler que Une certaine tendance du cinéma français n'est pas qu'un pamphlet. C'est aussi une déclaration d'amour à Becker, Ophuls, Bresson, Cocteau, Gance et -bien sûr- Renoir. Simplement, il n'y a pas d'artiste chéri sans artiste honni, pas de critique sans distinction. Il faut aussi rappeler que Truffaut s'en prend ici à Bost et Aurenche plus qu'à aucun réalisateur. En accusant les scénaristes de la déliquescence du cinéma français, Truffaut montre l'importance du travail qui est le leur. C'est quelque chose dont devraient se souvenir les naïfs qui, tout en se réclamant abusivement de la Nouvelle Vague, opposent "mise en scène" à "scénario".

Cet article montrait aussi que la mission d'une revue comme les Cahiers n'était pas d'établir un consensus moyen, un musée officiel et relatif du bon goût, en absorbant chaque tendance de la cinéphilie, chaque courant de l'Histoire de cinéma. Tâche vaine et sans intérêt que celle d'une éponge oecuménique. Il leur fallait imposer leur vérité au monde à grand renfort de généralités théoriques. Et d'assumer ce que ces généralités peuvent avoir d'abusif avec ce qu'il faut d'esprit de provocation.

Une certaine tendance du cinéma français brille aussi par son acuité. Force est de constater que depuis soixante ans, on a rarement lu synthèse aussi juste à propos d'un pan du cinéma. En s'en prenant aussi bien à la facilité des formules qu'à la mesquinerie des scénaristes, François Truffaut cernait précisément ce qui gangrenait la production de son temps. Bien sûr, les cinéphiles intelligents savent tous que dans son ensemble, l'oeuvre d'un Autant-Lara vaut mieux que les jugements exprimés ici.** Il n'empêche que c'est bien le pessimisme de pacotille couplé à la rigidité appliquée de la mise en scène qui encore aujourd'hui rend intolérable aux yeux de ces mêmes cinéphiles Occupe toi d'Amélie, Le bon Dieu sans confession ou Le rouge et le noir (tous films tournés entre 1946 et 1956). Ainsi, contrairement à une idée aujourd'hui répandue, la qualité française tel que définie par Truffaut ne se limite pas à l'académisme, qui est une tare universelle (quoiqu'excessivement répandue dans le cinéma français des années 50). C'est un mélange d'académisme, de bassesse et de noirceur facile. C'est un cinéma circonscrit à une époque (la plus sinistre du cinéma français?). C'est un cinéma qui, quoiqu'en ait écrit Serge Daney, est très différent de ceux de Carné/Prévert, Bertrand Tavernier (même si celui-ci a réhabilité Aurenche et Bost) ou Claude Sautet.

Cela n'empêche pas plusieurs passages du texte de Truffaut de s'imposer encore aujourd'hui comme des axiomes. Ainsi la phrase suivante, phrase de moraliste s'il en est: "On s'aperçoit que le public populaire préfère peut-être les naïfs petits films étrangers qui lui montrent les hommes " tels qu'ils devraient être " et non pas tels qu'Aurenche et Bost croient qu'ils sont." Cette phrase, en plus de fermer le clapet de ceux qui opposent un soi-disant élitisme de la Nouvelle Vague au "bon vieux cinéma populaire" de la qualité française, en dit bien long sur une (im)posture malheureusement éternelle. Que l'on songe à Bruno Dumont ou Gaspard Noé...

Texte essentiel s'il en est, Une certaine tendance du cinéma français cristallise un moment où la façon d'envisager le cinéma devenait plus obsessionnelle, plus intransigeante, plus érudite, plus maniaque, plus adolescente. En un mot: plus passionnée. Cinq ans après le séminal festival du film maudit de Biarritz, la cinéphilie entrait dans une sorte d'âge classique qui s'achèverait quelque dix ans plus tard avec l'apothéose mac-mahonienne. Nous aurons l'occasion d'y revenir.

* anecdote perfidement rapportée par Henri Jeanson dans le numéro d'avril 63 du Crapouillot
** En 1965, Rivette et Godard eux-même feraient figurer Le journal d'une femme en blanc parmi leurs films préférés de l'année.

Note : Le texte de François Truffaut peut être lu ICI.

LES CONSEILS DE NOTRE EQUIPE :

Une liste de 102 longs métrages (sur les 513 sortis en salles), avec, pour les étoiles en couleur, des liens vers des textes écrits par les contributeurs.

Buster

Christophe

Dr.Orlof

Edouard

FredMJG

Jean-Luc

Jocelyn

Ludovic

Timothée

Vincent

Tous en scène (Minnelli)

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La Vie de O'Haru, femme galante (Mizoguchi)

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Voyage en Italie (Rossellini)

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El (Buñuel)

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EDITORIAL :

Par Vincent J.

1946. Mongénéral claque la porte en janvier. La France ferme le bagne de Cayenne et les maisons closes. Comme presque partout en Europe, on entreprend un difficile travail de reconstruction auquel l'Amérique apporte son aide. La France nationalise et travaille à une nouvelle Constitution tout en négociant avec son allié les accords Blum-Byrnes. Signés le 28 mai 1946 ils portent sur un effacement de la dette, une aide et un nouveau prêt. Mais les américains ne perdent pas le nord et remettent sur le tapis une négociation sur le cinéma entamée en 1936. Il s'agit de définir un quota annuel de films yankees autorisés à se faire voir sur les écrans français. Ce point est discuté avec acharnement. Les bobines frétillent d’impatience dans les cales des avions et des navires entre les locomotives et les machines-outils. On parle de 2000 titres prêts à déferler, toute une production interdite d'écrans depuis 1939 et dont les spectateurs se sentent terriblement frustrés. L'accord débouche finalement sur l'abandon du principe des quota et prévoit qu’ "à partir du 1er juillet 1946, le contingent à l’écran réservé aux films français sera au maximum de quatre semaines par trimestre".
Le cinéma français crie à l'assassin. La revue L’écran français parle de "l’arrêt de mort du cinéma français" et Arts rappelle que le cinéma est certes une industrie mais aussi un art. Les réalisateurs pétitionnent, Marcel Carné et Jacques Becker en tête. Tout ce mouvement, dramatisé en partie pour des questions de politique intérieure, débouche sur la création du Centre National de la Cinématographie, de son petit nom CNC, en vertu de la loi du 25 octobre 1946.
Il n'y avait pas forcément de quoi crier si fort. 1946 a vu 86 films français pour 140 films américains, ce qui n'est pas si mal compte tenu des conditions de production et du fait que nombre de réalisateurs prestigieux ne sont pas encore revenus d'outre Atlantique, créant d'ailleurs d'amusants paradoxes : les plus récentes œuvres visibles de René Clair, Julien Duvivier ou Jean Renoir étant issues des studios hollywoodiens.
Il faut avouer que le contingent américain est de qualité très diverse, mêlant fonds de tiroir du milieu des années trente, films majeurs de la période de guerre et nouveautés parfois excitantes. Au spectateur de faire le tri. Il pourra découvrir les derniers films de John Ford (Quelle était verte ma vallée qui lui a valu un Oscar) ou William Wyler (La vipère avec Bette Davis et Le cavalier du désert avec Gary Cooper qui fait rêver tous les petits garçons) avant leur départ pour l'armée, quelques films emblématiques dont on a pu que rêver jusqu'ici comme l'adaptation du Wizard of Oz par Victor Fleming, le Zorro de Rouben Mamoulian, le musical et extravagant Fantasia des Studios Disney, le classieux Soupçons d'Alfred Hitchcock, et constater que le bikini de Maureen O'Sullivan jouant Jane aux côtés de Tarzan – Weissmuler s'est tristement allongé. De Hollywood, ce sont encore des films raffinés signés Capra, Lubitsch, DeMille, Lang. Nous vivons un âge d'or ou je me trompe fort.
Mais c'est surtout l'occasion de faire connaissance avec une nouvelle génération de réalisateurs américains. Les écrans français présentent enfin les premiers films des scénaristes Billy Wilder (Uniforme et jupons courts et Assurance sur la mort) et John Huston (Le faucon maltais), l’envoûtant film noir et romantique Laura d'Otto Preminger avec la sublime Gene Tierney, l'adaptation de Raymond Chandler par Edward Dmytryk (Adieu ma belle / Le crime vient à la fin), et surtout les deux premières œuvres du fameux Orson Welles. De ce dernier on a beaucoup entendu parler de son Citizen Kane réalisé à 25 ans dans des conditions de liberté exceptionnelles. Grand coup de publicité, habile synthèse ou grand film génial, il est possible de juger sur pièce après les avis opposés de Jean-Paul Sartre (qui a pu voir le film aux USA en 1945) et de Roger Leenhardt exprimés dans L'écran français. Cette découverte s'enrichira du suivant La splendeur des Amberson, peut être plus ambitieux mais aussi plus malchanceux. Welles s'est vu dépossédé de son film, coupé sur injonction du studio par son monteur Robert Wise dans le dos du réalisateur parti tourner au Mexique. Welles depuis a entrepris The lady of Sanghai avec son ex-femme, la belle Rita Hayworth, attendu l'an prochain. Et pour ce qui est des nouveaux visages, on retiendra celui de la jeune Ella Raines dans un autre film noir, décidément à la mode, Les mains qui tuent de Robert Siodmak.
Le cinéma Français s'est remis des heurts de la Libération, des règlements de comptes de l'épuration (ou presque), et travaille. Marcel Carné peine à retrouver la magie des Enfants du paradis, Marcel Pagnol retrouve la caméra avec Naïs qu'il laisse signer par Raymond Leboursier, René Clément avec son épique Bataille du rail séduit le festival de Cannes qui s'est tenu du 20 septembre au 5 octobre après une interruption de six ans. Jean Cocteau a mis en images le conte de Madame Le Prince de Beaumont La belle et la bête. Le film s'est fait dans des conditions très difficiles en raison des restrictions (d'électricité en particulier) et Cocteau l'a porté au risque de sa santé. Il a tiré de l'aventure un journal publié chez J. B. Janin tout à fait passionnant. La bête, filmée par Henri Alekan et incarnée par Jean Marais maquillé par Hagop Arakelian est ce que l'on a vu de plus impressionnant sur un écran depuis le singe de King Kong. Le film reçoit le prix Louis Delluc et fait un triomphe en salles. Son producteur André Paulvé persiste dans la veine fantastique avec Sylvie et le fantôme que réalise Claude Autant-Lara, nous faisant découvrir la longue silhouette de Jacques Tati, fantôme du titre.
Les réalisateurs "exilés", s'ils ne sont pas tous revenus, sont présents de différentes façon. Jean Renoir sort une nouvelle version de La grande illusion qui avait été interdit en Europe. Coupé, le film ne reçoit pas un bon accueil, son portrait humaniste des soldats allemands, son éloge de la fraternité, passant mal chez certains après cinq années d'occupation. Sort également Partie de campagne tourné en 1936 mais resté inédit jusqu'alors, et Vivre libre tourné à Hollywood et qui sera assez vivement critiqué. René Clair montre La belle ensorceleuse, comédie en costume avec la sublime Marlène Dietrich, et Julien Duvivier Obsessions avec Edward G. Robinson. Il y a de la gène, de l'irritation, face à ces films tournés au loin. Le cinéma français a hâte de se retrouver au complet et de serrer les rangs.
Ailleurs aussi, le cinéma reprend ses droits. L'URSS nous envoie une adaptation de Gorki qui date un peu mais surtout la première partie d'Ivan le terrible de Sergueï Eisenstein sur une musique composée par Serge Prokofiev. Le film est visuellement grandiose et ne cède en rien aux grosses productions américaines.
D'italie, Roberto Rossellini offre Rome, ville ouverte, tourné avec de petits moyens, dans les rues avec des non professionnels et la Magnani. Le film fonde quelque chose de neuf. Il est le bon film au bon moment.
Et les anglais ? Ils font ce qu'ils font d'habitude, de fort jolies choses entre la découverte féerique du Voleur de Bagdad en couleurs, le Brève rencontre de David Lean et le film fantastique à épisodes, Au cœur de la nuit avec sa terrible marionnette et son angoissante fin en forme de boucle qui n'a pas fini d'inspirer les amateurs du genre.
1946 c'est aussi la disparition d'un géant. Orson Welles en visite à Paris s'est rendu chez Marcel Pagnol et a demandé à rencontrer Raimu qu'il aimerait faire tourner. L'américain adore La femme du boulanger. Pagnol lui annonce alors que Jules Auguste Muraire est mort. Une bête crise cardiaque en septembre. Welles se désole "C'était le meilleur de nous tous !".

LES CONSEILS DE NOTRE EQUIPE :

Une liste de 76 longs métrages (sur les 248 sortis en salles) et 1 court métrage avec, pour les étoiles en couleur, des liens vers des textes écrits par les contributeurs.

Antoine

Asketoner

Buster

Christophe

Dr.Orlof

Edouard

Jean-Luc

Jocelyn

Ludovic

Nolan

Timothée

Vincent

Laura (Preminger)

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Assurance sur la mort (Wilder)

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Citizen Kane (Welles)

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La Splendeur des Amberson (Welles)

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(Otto Preminger / Grande-Bretagne / 1965)

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Tout juste arrivée à Londres, où vit déjà son frère Steven, la jeune américaine Ann Lake vient chercher à l'école sa petite fille Bunny qu'elle a laissé le matin pour la première fois. Or, la gamine est introuvable et, plus surprenant, personne ne semble l'avoir remarquée dans le quartier et toute trace de sa présence, des vêtements aux jouets, a disparu du nouvel appartement fraîchement aménagé. Le policier en charge de l'enquête en vient à douter de l'existence de la petite Bunny et de la santé mentale de Ann, couvée par un frère très prévenant.

Bunny Lake a disparu (Bunny Lake is missing) est un Preminger à la fois méconnu et très défendu par les admirateurs du cinéaste. Il est vrai que la réalisation est impeccable, que les décors, intérieurs ou extérieurs, sont filmés remarquablement, que les comédiens sont très justes, que l'intelligence s'affiche en toute occasion. Alors quoi ? Se pourrait-il que cette intelligence soit justement trop évidente ? Car chaque séquence m'a semblé extrêmement cérébrale, l'idée faisant souvent écran à l'émotion. Ainsi, la recherche de la poupée de Bunny conduit dans un sous-sol qui en est rempli et l'on pense à la symbolique, au lien mère-fille-poupée-ami imaginaire, au lieu d'être étonné ou inquiet. De même, le dénouement n'offre finalement qu'un long jeu d'esprit, là où la tension devrait être intenable.

Le film ne m'a pas ému : voilà ma réserve principale. Un enfant disparaît et nous devrions être pris aux tripes, or les réactions des uns et des autres semblent à contre-temps, le rythme ne varie pas, jusqu'à glisser vers une sorte de ventre mou bavard, le temps de l'enquête, que l'on suit benoîtement (l'objet de celle-ci se décentre vers la mère et le couple quasi-incestueux qu'elle forme avec son frère). Entre réalisme social et onirisme, entre les plans-séquences virtuoses et les quelques zooms accusateurs déformant les visages, entre les choses qui sont tues et celles qui sont très brusquement révélées, le film cherche son équilibre. Dans les bras de l'oncle, la fillette paraît tout d'abord morte. Dans le pub, la musique des Zombies est là, mais elle est compactée dans un poste de télévision. Le style de Preminger est parfois très fluide (la fantastique séquence de l'évasion de l'hôpital) mais aussi très froid, comme une belle mécanique.

A lire : un autre avis sur ce film.

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