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De Parasite à Memories of murder, classement :

2019-07-14T19:27:08+02:00

Bong Joon-Ho a enfin obtenu la palme d'or avec Parasite ! Si je devais classer ses films, je mettrai en premier :

- Memories of murder, 2003
Histoire vraie du premier serial killer coréen, mobilisant 300 000 policiers, qui ont interrogé + de 3000 suspects. Un faits-divers si incroyable que le cinéaste n'a pas tout retranscrit. Par exemple, les inspecteurs désespérés ont consulté des voyants : "s'ils se baignaient nus dans la mer en guise d'offrande aux esprits, le tueur serait arrêté en moins d'un mois". "Deux policiers haut-gradés choisirent la dernière nuit de janvier pour se déshabiller et s'asperger mutuellement d'eau glacée avec un baquet". Etc. Memories of murder reste pour moi numéro un, car c'est le premier film de Bong que j'ai découvert. Une telle claque à l'époque que je n'ai pas osé le revoir avant 15 ans, par crainte de ne plus le trouver aussi bien. Précaution inutile : j'ai été autant scotchée la deuxième fois. Incontournable.

- Parasite, 2019
Lire ici et là.

- Mother, 2009
Encore un thriller révélant l'incompétence de la police coréenne, mais dans un registre plus dramatique. Un jeune un peu simplet est accusé de meurtre. Sa mère tente tout pour l'innocenter et trouver le vrai coupable. Très beau, très sombre.

- The host, 2006
En déversant des produits toxiques dans le fleuve de Séoul, les Américains ont crée malgré eux un monstre qui attaquent les habitants. Une famille de paumés se concerte pour retrouver la plus jeune fille enlevée par le nouveau Godzilla. Comme Parasite, un film sur une famille atypique, qui mélange comédie et horreur.

- Snowpiercer, le transperceneige, 2013
En 2030, l'ère glaciaire est installée. Les survivants s'entassent dans un immense train où les plus pauvres survivent dans des wagons sordides, tandis que les plus riches s'amusent dans le confort des wagons de tête. Une poignée d'hommes tentent de renverser cette éternelle lutte des classes. Les riches contre les pauvres, un thème récurrent chez Bong, cette fois-ci traité dans un film d'action.

- Okja, 2017
Refusé à Cannes car produit par Netflix. Une multinationale américaine créée des cochons géants pour nourrir ses concitoyens toujours plus obèses et avides de viande. Le meilleur animal, Okja, a été élevé et aimé par une fillette et son grand père dans la campagne coréenne. Lorsqu'elle apprend que son meilleur ami va être mangé, la fillette, aidée d'une organisation de défense des animaux, part en croisade. Toujours la dénonciation de l’impérialisme américain, éloge de la simplicité et de l'écologie contre le consumérisme, toujours du grand guignol, mais le scénario m'a paru plus léger et caricatural (adapté au public américain ?)

- Shaking Tokyo, 2008 (court métrage faisant partie de Tokyo ! regroupant un film de Michel Gondry et un de Leos Carax). Un hikikomori (les Japonais vivant reclus) tombe amoureux de sa livreuse de pizzas. Un film sympathique, dommage qu'il n'arrive qu'en 3eme position après Carax le timbré et son film bien nommé "merde")

- Barking dog, 2000. Le premier film de Bong, qu'il a ensuite renié et qui demeure "introuvable" selon le distributeur. Je possède pourtant le DVD. Cette petite comédie où un professeur est obnubilé par les aboiements d'un chien dans son HLM est pourtant sympathique. On y voit les prémisses de la filmographie de Bong : la description de la vie des pauvres en collectivité...

Parasite

2019-07-09T17:17:00+02:00

Ma critique pourrait se résumer en une courte phrase : "c'est génial, courez-y." Allez voir ce chef-d'oeuvre comme je l'ai fait, sans savoir de quoi il parlait : le nom de Bong Joon Ho, l'un de mes réalisateurs préférés, me suffit. Sinon, vous pouvez lire la suite :
Dans Parasite, toute une famille est au chômage. Elle habite un quartier insalubre envahi de cafards, et vivote comme elle le peut de petits boulots. Le fils réussit à donner des cours particuliers chez des gens richissimes. En découvrant leur train de vie et la paie qu'il reçoit, il décide de faire recruter sa famille pour qu'elle en profite aussi... Voir la bande annonce en lien.

La première partie du film, un sourire béat illuminait mon visage, au point que j'en avais mal aux zygomatiques. Ce début en comédie sociale pleine de rebondissements est totalement jouissif. La suite tourne à la comédie noire, au thriller, voire au gore. Parasite est si riche qu'il en est inclassable.

Sous son apparence de comédie parfois grand guignol, Parasite est d'une grande profondeur et n'interroge pas seulement la société coréenne actuelle : le chômage touche le monde entier, et l'argent domine le monde. Qui sont les parasites au final ? Les pauvres qui veulent bosser à tout prix, ou les riches qui leur demandent de faire des choses qu'ils réprouvent ou jugent humiliantes (se déguiser lors d'une fête pour enfants) : "je vous paie pour ça".

Les personnages, pauvres ou riches, sont cupides, stupides et condescendants : les pauvres bernent les riches trop crédules, les riches estiment qu'ils sont supérieurs (les dessins du gamin sont forcément géniaux) que les pauvres sentent mauvais... Même s'ils se côtoient quotidiennement, ils ne comprennent pas ce que vivent les autres : lors d'un déluge qui ravage les habitations insalubres des bas quartiers, les riches de la colline se réjouissent de la fraîcheur apportée par l'averse... Tous vivent pour l'argent, mais aussi pour leur famille.
A l'image de la filmographie du réalisateur, Parasite traite de l'importance des liens familiaux. Le père de Bong est décédé lors de l'écriture du scénario, et le film semble un hommage au dévouement de cet homme.

Bong Joon ho apprécie Claude Chabrol, son film préféré de ce cinéaste, qu'il a visionné des dizaines de fois, est le même que moi, l’excellent Que la bête meure. Gros choc de mon adolescence, avec l'inénarrable Jean Yanne en brute perverse : "eh bien ce ragoût est tout simplement dégueulasse" demeure une de mes boutades fétiches pour casser l’ambiance des dîners de famille, comme dans cette scène en lien. Comme chez Chabrol, on retrouve la satire grinçante des bourgeois dans Parasite. Les pauvres "affreux sales et méchants" ne sont pas en reste. Par son côté thriller et suspense, le Coréen revendique également les inspirations de Clouzot (Les diaboliques) et d'Hitchcock. Il s'est également inspiré du classique La servante de Kim Ki young, ou dans un registre plus européen, the servant de Joseph Losey.

Si je devais émettre des bémols, j'ai trouvé le film un poil long, et je n'imaginais pas la fin ainsi, mais justement, le réalisateur nous surprend jusqu'au dénouement.
La palme d'or met enfin en lumière un cinéaste qui le mérite. Comme souvent, le festival de Cannes se réveille des années après, et ne récompense pas selon moi le meilleur film du nouveau palmé. Parasite est peut-être plus accessible que le reste de la filmographie de Joon Ho. Lors d'une rencontre avec le distributeur, il avouait avoir été scotché par Memories of murder en 2003, mais ne pas l'avoir acheté car "le public français n'était pas prêt". L'erreur est réparée 15 ans après, en le ressortant en salles, et en obtenant les droits de Parasite.

Caricature Alain Delon

2019-05-20T22:31:00+02:00

La Semaine de Suzette Zombi. Lundi : Delon n'est pas misogyne, mais sexiste, comme tous les séducteurs ; peu de gens savent faire la différence entre le sexisme et la misogynie.

La Palme d'or d'Honneur du 72ème Festival de Cannes décernée à Alain Delon

2019-04-17T20:35:00+02:00

Demain aura lieu la conférence de presse du 72ème Festival de Cannes, à 11H, à l'UGC Normandie. A cette occasion, Pierre Lescure et Thierry Frémaux annonceront en direct la sélection officielle de cette édition 2019.

Aujourd'hui a d'ores et déjà été annoncé ce qui sera certainement l'évènement de cette édition : la remise de la Palme d'or d'Honneur à Alain Delon. Une récompense amplement méritée pour l'acteur mythique dont la filmographique contient un nombre record de chefs-d'œuvre !

A cette occasion, je vous propose 9 critiques de films avec Delon et le récit des projections du "Guépard" et de "Plein soleil" (projection lors de laquelle a été prise la photo ci-dessous) au Festival de Cannes, respectivement en 2010 et 2013.

Rendez-vous sur mon autre blog Inthemoodforcinema.com ou cliquez ici pour lire l'article en question avec les 9 critiques.

La remise de cette Palme d'or d'Honneur devrait avoir lieu le 19 Mai avec la projection du chef-d'œuvre de Losey, Monsieur Klein (dont vous pouvez retrouver ma critique dans l'article précité ou en cliquant ici).

Extrait du communiqué de presse du Festival de Cannes : "Il appartient tout entier au cinéma, à ses plus belles œuvres et à ses mythes : en 2019, le Festival de Cannes a décidé de décerner une Palme d’or d’Honneur à Alain Delon, afin d’honorer sa magnifique présence dans l’histoire du septième art.

Après Jeanne Moreau, Woody Allen, Bernardo Bertolucci, Jane Fonda, Clint Eastwood, Jean-Paul Belmondo, Manoel de Oliveira, Agnès Varda et Jean-Pierre Léaud, le Festival de Cannes est heureux et fier que le légendaire comédien du Guépard de Luchino Visconti (Palme d’or 1963) ait accepté de recevoir les honneurs de la communauté mondiale."

« Avec Pierre Lescure, nous sommes heureux qu’Alain Delon ait accepté d’être honoré par le Festival, déclare Thierry Frémaux, Délégué général. Il a pourtant longuement hésité, lui qui nous a longtemps refusé cette Palme d’or car il estimait ne devoir venir à Cannes que pour célébrer les metteurs en scène avec lesquels il a travaillé. »

UN HOMME ET UNE FEMME de Claude Lelouch en version restaurée au cinéma le 16 novembre

2016-11-16T10:24:00+01:00

Combien de fois vous ai-je parlé de ce chef-d'œuvre de Claude Lelouch? Je ne les compte plus de même que je ne compte plus le nombre de fois où j'ai revu ce film qui, à chaque fois, m'emporte dans son tourbillon d'émotions... Un film qui m'a tant accompagnée que vous le croisez au fil des lignes de mes deux livres "L'amor dans l'âme" et "Les illusions parallèles" (et j'ai d'ailleurs eu le plaisir de faire transmettre ce dernier à Claude Lelouch lors du dernier Festival du Film Britannique dont il présidait le jury). Je n'ai pas non plus résisté au plaisir de le revoir lors des 50 ans du film au dernier Festival de Cannes (section Cannes Classics, photo ci-dessous).

Le 16 novembre, Sophie Dulac Distribution le ressort en salles en version restaurée. A cette occasion, mon cinéma fétiche, l'Arlequin (situé rue de Rennes, à Paris) organisera une séance exceptionnelle le 6 novembre à 17H30. Vous pouvez réserver vos places, ici. L'occasion était trop belle, je vous en reparle donc ci-dessous avec, en bonus, une vidéo dans laquelle Claude Lelouch parle de la genèse du film(prise lors de sa passionnante master class au Festival du Film Britannique de Dinard 2016 dont vous pouvez retrouver le compte rendu complet, ici).

Lelouch. Prononcez ce nom et vous verrez immédiatement l’assistance se diviser en deux. Les adorateurs d’un côté qui aiment : ses fragments de vérité, ses histoires d’amour éblouissantes, sa vision romanesque de l’existence, sa sincérité, son amour inconditionnel du cinéma, ses phrases récurrentes, une musique et des sentiments grandiloquents, la beauté parfois cruelle des hasards et coïncidences. Les détracteurs de l’autre qui lui reprochent son sentimentalisme et tout ce que les premiers apprécient, et sans doute de vouloir raconter une histoire avant tout, que la forme soit au service du fond et non l’inverse. Je fais partie de la première catégorie et tant pis si pour cela je dois subir la condescendance des seconds. Le cinéma est pour moi avant tout affaire de passion, de sincérité, d’audace et quoiqu’en disent ses détracteurs, le cinéma de Claude Lelouch se caractérise par ces trois éléments comme le démontrait aussi magnifiquement de documentaire « D’un film à l’autre » réalisé à l’occasion des 50 ans des films 13.

Un parcours fait de réussites flamboyantes et d’échecs retentissants. La plus flamboyante de ses réussites fut bien sûr « Un homme et une femme », palme d’or à Cannes en 1966, Oscar du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi 42 récompenses … à 29 ans seulement! Film que Claude Lelouch a, comme souvent réalisé, après un échec. Ainsi le 13 septembre 1965, désespéré, il roule alors vers Deauville où il arrive la nuit, épuisé. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture, elle marche sur la plage avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera « Un homme et une femme », la rencontre de deux solitudes blessées qui prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires. C’est une des histoires qu’il a à nouveau raconté lors de cette master class.

Vous trouverez de nombreuses critiques des films de Claude Lelouch au fil de mes blogs. En bonus, retrouvez également, après ma critique de "Un homme et une femme" ma critique de "Un + Une" et de "Salaud, on t'aime", les deux derniers films de Claude Lelouch. J'en profite pour vous dire que le Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule projettera "Itinéraire d'un enfant gâté" à l'occasion de la présence dans le jury de Richard Anconina. Lors de sa première édition du festival, Claude Lelouch y avoir d'ailleurs donné une passionnante master class en compagnie de son fidèle complice, Francis Lai.

Critique de UN HOMME ET UN FEMME de Claude Lelouch

Je ne sais plus très bien si j'ai vu ce film avant d'aller à Deauville, avant que cette ville soit indissociablement liée à tant d'instants de mon existence, ou bien si je l'ai vu après, après que mon premier séjour à Deauville, il y a 23 ans, ait modifié le cours de mon « destin »... Toujours est-il qu'il est impossible désormais de dissocier Deauville du film de Claude Lelouch qui a tant fait pour sa réputation, « Un homme et une femme » ayant créé la légende du réalisateur comme celle de la ville de Deauville, et notamment sa réputation de ville romantique à tel point qu'il y a 10 ans, pendant le Festival du Cinéma Américain 2006, a été inaugurée une place Claude Lelouch, en sa présence et celle d'Anouk Aimée. J'étais présente ce jour-là et l'émotion et la foule étaient au rendez-vous.

Alors sans doute faîtes-vous partie de ceux qui adorent ou détestent Claude Lelouch, ses « instants de vérité », ses hasards et coïncidences. Rares sont ceux qu'il indiffère. Placez son nom dans une conversation et vous verrez. Quelle que soit la catégorie à laquelle vous appartenez, peut-être ce film « d'auteur » vous mettra-t-il d'accord...

Le 13 septembre 1965, Claude Lelouch est désespéré, son dernier film ayant été un échec. Il prend alors sa voiture, roule jusqu'à épuisement en allant vers Deauville où il s'arrête à 2 heures du matin en dormant dans sa voiture. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture, étonné de la voir marcher avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera « Un homme et une femme ».

Synopsis : Anne (Anouk Aimée), scripte, inconsolable depuis la mort de son mari cascadeur Pierre (Pierre Barouh), rencontre à Deauville, en allant chercher sa fille à la pension, un coureur automobile, Jean (Jean-Louis Trintignant), dont la femme s'est suicidée par désespoir. Jean raccompagne Anne à Paris. Tous deux sont endeuillés, et tous deux ont un enfant. C'est l'histoire d'un homme et d'une femme qui s'aiment, se repoussent, se retrouvent et s'aiment encore...

J'ai vu ce film un grand nombre de fois, tout à l'heure encore et comme à chaque fois, avec le même plaisir, la même émotion, le même sentiment de modernité pour un film qui date de 1966, étonnant pour un cinéaste dont beaucoup de critiques raillent aujourd'hui le classicisme. Cette modernité est bien sûr liée à la méthode Claude Lelouch d'ailleurs en partie la conséquence de contraintes techniques et budgétaires. Ainsi, Lelouch n'ayant pas assez d'argent pour tourner en couleurs tournera les extérieurs en couleurs et les intérieurs en noir et blanc. Le montage et les alternances de noir et blanc et de couleurs jouent alors habilement avec les méandres du temps et de la mémoire émotive, entre le présent et le bonheur passé qui ressurgit sans cesse.

Je ne sais pas si « le cinéma c'est mieux que la vie » mais en tout cas Claude Lelouch fait partie de ceux dont les films et surtout « Un homme et une femme » nous la font aimer. Rares sont les films qui donnent à ce point la sensation de voir une histoire d'amour naître et vibrer sous nos yeux, d'en ressentir -partager, presque- le moindre battement de cœur ou le moindre frémissement de ses protagonistes, comme si la caméra scrutait les visages et les âmes. Par une main qui frôle une épaule si subtilement filmée. Par le plan d'un regard qui s'évade et s'égare. Par un sourire qui s'esquisse. Par des mots hésitants ou murmurés. Par la musique éternelle de Francis Lai (enregistrée avant le film) qui nous chavire le cœur. Par une photographie aux accents picturaux qui sublime Deauville filmée avec une lumière nimbée de mélancolie, des paysages qui cristallisent les sentiments de Jean-Louis et d'Anne, fragile et paradoxalement impériale, magistralement (dirigée et) interprétée par Anouk Aimée. Rares sont les films qui procurent cette impression de spontanéité, de vérité presque. Les fameux « instants de vérité » de Lelouch.

Et puis il y a le charme incomparable du couple Anouk Aimée/ Jean-Louis Trintignant, le charme de leurs voix, notamment quand Jean-Louis Trintignant prononce « Montmartre 1540 ». Le charme et la maladresse des premiers instants cruciaux d'une histoire d'amour quand le moindre geste, la moindre parole peuvent tout briser. Et puis ces plans fixes, de Jean-Louis dans sa Ford Mustang (véritable personnage du film), notamment lorsqu'il prépare ce qu'il dira à Anne après qu'il ait reçu son télégramme. Et puis ces plans qui encerclent les visages et en capturent la moindre émotion. Ce plan de cet homme avec son chien qui marche dans la brume et qui fait penser à Giacometti (pour Jean-Louis). Tant d'autres encore...

Avec « Un homme et une femme » Claude Lelouch a signé une histoire intemporelle, universelle avec un ton très personnel et poétique. La plus simple du monde et la plus difficile à raconter. Celle de la rencontre d'un homme et une femme, de la rencontre de deux solitudes blessées. Il prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires.

Alors pour reprendre l'interrogation de Jean-Louis dans le film citant Giacometti « Qu'est-ce que vous choisiriez : l'art ou la vie » Lelouch, n'a certainement pas choisi, ayant réussi a insufflé de l'art dans la vie de ses personnages et de la vie dans son art. Voilà c'est de l'art qui transpire la vie.

Alors que Claude Lelouch a tourné sans avoir de distributeur, sans même savoir si son film sortirait un jour, il obtint la palme d'or à Cannes en 1966, l'oscar du meilleur film étranger et celui du meilleur scénario et 42 récompenses au total et aujourd'hui encore de nombreux touristes viennent à Deauville grâce à « Un homme et une femme », le film, mais aussi sa musique mondialement célèbre. Vingt ans après, Claude Lelouch tourna une suite « Un homme et une femme 20 ans déjà » réunissant à nouveau les deux protagonistes. Je vous en parle très bientôt.

Critique de UN + UNE de Claude Lelouch

En 1966, avec « Un homme et une femme », sa sublime histoire de la rencontre de deux solitudes blessées avec laquelle il a immortalisé Deauville, Claude Lelouch recevait la Palme d’or, l’Oscar du meilleur film étranger et du meilleur scénario parmi 42 récompenses … à 29 ans seulement ! Ce 45ème film de Claude Lelouch, presque cinquante ans plus tard raconte à nouveau l’histoire d’un homme et d’une femme et les années et les films qui séparent ces deux longs-métrages semblent n’avoir en rien entaché la fougue communicative, la réjouissante candeur, le regard enthousiaste, la curiosité malicieuse du cinéaste. Ni la fascination avec laquelle il regarde et révèle les acteurs. Les acteurs et la vie qu’il scrute et sublime. Bien que les critiques ne l’aient pas toujours épargné, il est en effet toujours resté fidèle à sa manière, singulière, de faire du cinéma, avec passion et sincérité, et fidélité, à la musique de Francis Lai, aux fragments de vérité, aux histoires d’amour éblouissantes, à sa vision romanesque de l’existence, à son amour inconditionnel du cinéma et de l’amour, à ses phrases récurrentes, à ses aphorismes, aux sentiments grandiloquents et à la beauté parfois terrible des hasards et coïncidences.

Claude Lelouch est né avec la Nouvelle Vague qui ne l’a jamais reconnu sans doute parce que lui-même n’avait «pas supporté que les auteurs de la Nouvelle Vague aient massacré Clouzot, Morgan, Decoin, Gabin », tous ceux qui lui ont fait aimer le cinéma alors qu’il trouvait le cinéma de la Nouvelle Vague « ennuyeux ». Et tous ceux qui m’ont fait aimer le cinéma. Avec son film « Roman de gare », les critiques l’avaient enfin épargné, mais pour cela il avait fallu que le film soit au préalable signé d’un autre nom que le sien. Peu m’importe. Claude Lelouch aime la vie. Passionnément. Sous le regard fiévreux et aiguisé de sa caméra, elle palpite. Plus qu’ailleurs. Et ce nouveau film ne déroge pas à la règle.

Après Johnny Hallyday, Eddy Mitchell et Sandrine Bonnaire dans « Salaud, on t’aime », c’est un autre trio charismatique qui est à l’honneur dans ce nouveau film : Jean Dujardin, Elsa Zylberstein et Christophe Lambert (voire un quatuor avec Alice Pol). Son dernier film « Salaud, on t’aime » se rapprochait de « Itinéraire d’un enfant gâté », du moins en ce qu’il racontait l’histoire d’un homme à l’automne de sa vie, un autre « enfant gâté » passé à côté de l’essentiel et qui, contrairement au film précité, n’allait pas fuir sa famille mais tenter de la réunir. Ici, c’est finalement aussi d’un homme passé à côté non pas de sa vie mais de lui-même dont Lelouch nous raconte l’histoire, une histoire que j’attendais de découvrir depuis que j’avais vu cette affiche du film orner les murs de Cannes, lors du festival, en mai dernier.

La manière dont le film est né ressemble déjà à un scénario de film de Claude Lelouch. Jean Dujardin et Elsa Zylberstein ont ainsi plusieurs fois raconté sa genèse. Le hasard qu’affectionne tant Claude Lelouch les a réunis sur le même vol entre Paris et Los Angeles lors duquel ils ont parlé de cinéma pendant des heures et notamment d’un film de Claude Lelouch, « Un homme qui me plaît », qu'ils adorent tous les deux. L'histoire d'amour entre un compositeur incarné par Jean-Paul Belmondo et une actrice incarnée par Annie Girardot qui tombent amoureux à l'autre bout du monde. Elsa Zylberstein a appelé Claude Lelouch et l’histoire était lancée, une histoire d’amour qui, eux aussi, les a emmenés à l’autre bout du monde…

Jean Dujardin incarne ici le séduisant, pragmatique, talentueux Antoine. Antoine est compositeur de musiques de films. Antoine regarde la vie avec distance, humour et légèreté. Antoine est comme un enfant joueur et capricieux. D’ailleurs, il porte le prénom du petit garçon dans « Un homme et une femme ». Hasard ? Ou coïncidence ? Il part en Inde travailler sur une version très originale de « Roméo et Juliette » intitulée « Juliette et Roméo » et alors que sa compagne (Alice Pol) le demande en mariage par téléphone. A l’occasion d’une soirée donnée en son honneur à l’Ambassade de France, il rencontre la pétillante Anna (Elsa Zylberstein), la femme de l’ambassadeur (Christophe Lambert), aussi mystique qu’il est pragmatique, une femme qui, en apparence, ne lui ressemble en rien, pourtant, dès ce premier soir, entre ces deux-là, semble régner une magnétique connivence. Cette rencontre va les entraîner dans une incroyable aventure. Et le spectateur avec eux.

Ce que j’aime par-dessus tout dans les films de Claude Lelouch, ce sont ces personnages, toujours passionnément vivants. Dans chacun de ses films, la vie est un jeu. Sublime et dangereux. Grave et léger. Un jeu de hasards et coïncidences. Le cinéma, son cinéma, l’est aussi. Et dans ce film plus que dans tout autre de Claude Lelouch. Le fond et la forme coïncident ainsi en une ludique mise en abyme. Le film commence par l’histoire d’un voleur qui va inspirer le film dont Antoine a composé la musique et dont les images jalonnent le film…de Lelo

Vente aux enchères de LA COLLECTION GILLES JACOB AND FRIENDS le 16 Mai à 15H au Grand Hyatt hôtel Martinez de Cannes

2016-04-26T09:54:00+02:00

Un événement organisé au profit d'une bonne cause par la Mairie de Cannes, suite à l'appel aux dons et à la solidarité baptisé "Help Cannes" et lancé par le Maire de Cannes, David Lisnard, pour interpeller la générosité de tous les amoureux de la ville prêts à participer à sa réparation après les terribles inondations qui avaient ravagé la Riviera, une vente caritative parrainée par l'ancien Président du Festival de Cannes, Gilles Jacob, qui a personnellement rassemblé en un temps record (mais qui saurait résister - a fortiori pour une bonne cause- à celui qui a été à la tête du festival pendant tant d'années et qui en a fait ce qu'il est aujourd'hui, le plus grand événement cinématographique au monde? ) une quantité impressionnante de lots prestigieux qui raviront sans aucun doute autant les cinéphiles que les collectionneurs: bref, il m'était impossible de ne pas en parler et de ne pas vous encourager à faire de même pour que cette vente connaisse le succès.

Les collectionneurs, les cinémathèques ou simplement les amateurs y trouveront sans aucun doute leur bonheur entre les vêtements portés par des stars, des photos sublimes, des livres de grands écrivains, des alcools, des scénarios annotés. Des lots qui sont de véritables raretés souvent liées à des films entrés dans l'Histoire du cinéma. Des objets rares et exceptionnels donc dont un grand nombre liés à des chefs-d'œuvre projetés dans le cadre du Festival de Cannes: Amour, Timbuktu, Etreintes brisées, Cyrano de Bergerac... pour une vente de prestige et surtout pour une bonne cause!

Le nom de la vente ("Collection Gilles Jacob and friends") rappelle celui de la vente aux enchères "Plantu and friends" qui avait eu lieu au profit de Cartooning for peace dans le cadre du Festival de Cannes 2013, lequel Plantu signe le dessin sublime, poétique et cocasse qui sera le symbole de la vente et qui sera bien sûr mis aux enchères (tiré en 10 exemplaires signés et numérotés, cf photo en haut de cet article).

La "Collection Gilles Jacob and friends" sera vendue aux enchères le 16 Mai à partir de 15h au Grand Hyatt Hôtel Martinez (salon Acajou). Elle sera aussi vendue par préventes aux enchères sur le site de la ville de Cannes. Les commissaires-priseurs de la vente seront, pour Christie’s, Maître Arno Verkade et, pour Cannes, Maître Carine Aymard.

Les fonds collectés lors de la vente seront intégralement reversés pour la reconstruction de la ville durement touchée par les intempéries du 3 octobre dernier. En effet, dans la soirée du 3 octobre 2015, Cannes avait été tragiquement frappée par des pluies meurtrières d’une extrême violence. Les dégâts ont été estimés à 800 millions d’euros dans le département, dont 300 millions d’euros sur le territoire Cannois et 40 millions d’euros pour les seuls biens communaux. Près de 100 bâtiments appartenant à la collectivité ont été touchés, voire totalement sinistrés par ce phénomène météorologique d’une gravité unique. Dès le début des intempéries, la Mairie de Cannes s’est immédiatement mobilisée pour organiser les premiers secours, protéger les personnes puis les biens, aider les sinistrés et remettre en état l’espace public avec un plan de sauvegarde communal activé pour la première fois dans l’histoire de la ville. Dans la gestion de cette crise sans précédent, la solidarité de la population ne s’est jamais estompée avec les dons massifs de vêtements, d’électroménager, mais aussi des dons financiers.

L’opération « Help Cannes » a ainsi déjà permis de récolter plus d’1 million d’euros grâce à la générosité de nombreux anonymes, mais aussi d’artistes comme Monica Bellucci, ou encore Gilles Jacob.

Près de 130 personnalités médiatiques et notamment du monde du cinéma ont souhaité s'associer à cette vente.

Elle comprend près de 150 lots de prestige provenant du monde entier parmi lesquels:

- le tailleur Dior conçu par John Galliano pour Penelope Cruz dans le sublime film Etreintes brisées de Pedro Almodovar en 2009,

- le smoking porté par Mathieu Amalric dans Tournées,

- le borsalino de tournage de Bernardo Bertolucci,

- la pochette d’Inès de la Fressange,

- le sac de Marthe Keller,

- l'écharpe d'Asia Argento,

- la robe bustier verte Gucci portée par l'actrice Léa Seydoux lors du Festival de Cannes 2010,

- des robes portées par Anouk Aimée, Isabelle Huppert, Dominique Blanc,

- la robe bustier Christian Dior du 50ème anniversaire portée par l'actrice Juliette Binoche,

- le manteau de Laura Morante, dans Cœurs d'Alain Resnais,

- la robe et les accessoires de Timbuktu…

- et des bijoux comme la montre en or de Maggie Cheung,

- la montre offerte par Chopard,

- la paire de boucles d'oreilles en strass dessinées par Yves Saint Laurent pour le film « Stavisky » (1974) d'Alain Resnais, portées par Anny Duperey,

- des fragments de décors,

- des photos de grands maîtres comme Brigitte Lacombe, Raymond Depardon, Abbas Kiarostami, Jerry Schatzberg, Carlos Saura, Caroline Champetier, Agnès b, Alan Parker ou Wim Wenders,

- l'exemplaire unique d'une photo de Catherine Mouchet tirée par Alain Cavalier,

- des photos rares de la collection Kobal et Traverso, toutes tirées spécialement,

- une lithographie peinte par Marco Bellocchio,

- des dessins de Roy Andersson,

- des esquisses de Philippe Druillet pour Au nom de la rose,

- des scénarios annotés comme le script original du film Le Dernier Empereur de Bernardo Bertolucci,

- les scénarios signés du film Amour de Michael Haneke (Palme d'Or du Festival de Cannes 2012),

- le scénario signé et annoté du film « La part des anges » (2012) de Ken Loach,

- des textes manuscrits inédits (Pascale Ferran, Olivier Assayas, Denys Arcand),

- les scénarios signés et annotés de Théo Angelopoulos, des frères Dardenne, de Ken Loach, de David Cronenberg, de Francis Veber et de Volker Schloendorff,
- mais aussi de Jeffrey Katzenberg (Dreamworks).

- des affiches ( celle de Chinatown signée par Faye Dunaway),

- l’affiche signée du film « Eraserhead » (1977) de David Lynch,

- de très nombreux posters en toutes langues (Steven Spielberg, John Waters,)

- des livres dédicacés pour l’occasion,

- des disques, des dessins,

- des copies 35mm de films: La bonne année, de Claude Lelouch ou Terminus de Pierre-William Glenn,

- des DVDs,

- la planche de surf de Jean Dujardin dans Brice de Nice utilisée pour les deux films et dédicacée par Jean Dujardin,

- la tirelire de M. Ibrahim,

- le plumier ancien de Cyrano de Bergerac, de Jean-Paul Rappeneau,

- le casque audio d'Alexandre Desplats,

- une caméra de Dennis Davidson,

- un Nagra de France Inter,

- des spiritueux comme un magnum de Mouton Rothschild, la cuvée spéciale Marie-Josée Croze ou la vodka de Taxi blues par Pavel Lounguine !

mais encore:

-"la Palme d’Or à la carrière" de Jane Fonda (2007), (il n'en existe que 4 depuis la création du festival!),

-un boule de neige en verre collector du film « Fargo » (1996) des frères Joël et Ethan Cohen,

Les grands chefs de cuisine ont aussi apporté leurs contributions : Alain Ducasse, Guy Savoy, Bruno Oger qui ont offert des repas ou des séjours dans leurs établissements comme Thierry Naidu,

et encore:

- des dons de Dominique de Rabaudy, Arlette Gordon, ou la Fondation Fassbinder,

- la rareté de Tarkovski,

- la peinture sur bois de Lars von Trier,

-et le dessin de Plantu réalisé pour l'opération "Help Cannes" tiré en 10 exemplaires signés et numérotés...

D'autres informations sur le site officiel de la Ville de Cannes, notamment ici.

Modalités de participation dès le 9 mai. Deux étapes pour obtenir l'objet de vos rêves :

1° Enchérissez d'abord en ligne helpcannes-encheres.com à partir du 9 mai jusqu'au 15 mai à minuit (ouvert à tous).

Les acheteurs potentiels peuvent enchérir pour les objets qui les intéressent sur le site helpcannes-encheres.com.

2° Devenez le « top enchérisseur » et accéder à la vente aux enchères le 16 mai (sur invitation).

Si vous faites partie des « tops enchérisseurs » qui ont fait la meilleure offre sur chaque lot au 15 mai à minuit, vous serez contactés par téléphone pour prendre part à la vente organisée le lendemain, 16 mai 2016, à Cannes sous le marteau de Maitre Carine Aymard de Cannes Enchères et Arno Verkade de Christie’s (accessible uniquement sur invitation).

La plus haute enchère de chaque lot sur Internet constituera la mise à prix de départ le lundi 16 mai.

La vente du lundi 16 mai se déroulera en trois vacations à partir de 10h. Pour accéder à ces vacations, les personnes intéressées devront demander leur inscription par e-mail à l’adresse : protocole@ville-cannes.fr

Outre-rencontres: Camus - Sarkozy

2014-06-11T11:03:00+02:00

Camus sarkozy from Creseveur

Golden Blog Awards 2013

2013-10-19T00:51:01+02:00

Les "Golden Blog Awards", cérémonie de haute volée (beaucoup moins truquée que les Oscars ou la Palme d'or de Cannes, vu l'enjeu), aura lieu le 13 novembre prochain.

Dans diverses catégories plus ou moins indispensables, dont la BD, un trophée sera remis. Le Belge Ben Dessy et son blog "Macadam Valley" l'avait emporté en 2012 ; ça n'a pas changé sa vie, puisqu'il continue de publier d'excellents strips sur son blog, comme on peut voir ici.

Il vous reste une semaine pour voter pour le blog "Zébra" :

...ou bien pour le blog des strips de Lola :

PRESSE DE GAUCHE, VOUS AVEZ DIT ?

2013-05-27T09:00:00+02:00

AINSI, LA VIE D'ADÈLE, LE FILM D'ABDELLATIF KECHICHE, A-T-IL REÇU LA PALME D'OR. TOUT LE MONDE SENT AINSI SOUFFLER LE VENT DE L'HISTOIRE. MADAME HOMOSEXUALITÉ, VIEILLE COMME LE MONDE, SE PORTE COMME UN CHARME. ELLE A TOUTES SES DENTS, DE L'APPETIT, PIGNON SUR RUE, ET TOUT L'AVENIR DEVANT ELLE. ELLE NE SERA SATISFAITE QUE LE JOUR OÙ ELLE « SERA LE GENRE HUMAIN » (paroles de L'Internationale). PENDANT CE TEMPS, JEAN-FRANÇOIS "CHARLOT" COPÉ INVITE LES ANTI-MARIAGE GAY A S'INSCRIRE A L'UMP. IL N'A PAS DIT SI C'ETAIT POUR PARTOUZER. QUEL TALENT ! IL CROIT ENCORE QU'IL Y A DU POLITIQUE, VOIRE DU POLITICIEN, DANS LE SEXUEL ! FRIGIDE BARJOT L'A DANS LE BABA ! ELLE VA POUVOIR ALLER SE FAIRE VOIR. LA PORTE ETROITE (ANDRÉ GIDE) EST DEVENUE ARC DE TRIOMPHE, CELEBRANT L'AVENEMENT DE LA NOUVELLE CIVILISATION. ET ATTENTION : GARE A CEUX QUI RECRIMINENT !

***

Le cas de Libération est différent de celui du Monde. Journal militant et révolutionnaire (et parfois folklorique, avec ses « petites annonces » et ses « notes de la claviste », ses suppléments "Bazooka" alias "Un Regard moderne", ...) au départ, il a peu à peu, comme Le Monde, dérivé en direction du système marchand que ses fondateurs voulaient détruire. Disons qu’il s’est laissé phagocyter. D’autres diront qu’il a déserté le champ de bataille. D’autres enfin soutiendront qu’il a fini par prendre en compte les réalités économiques. Raisonnablement. Voire !

Mais ce qu’il faut noter, c’est que la décomposition progressive de l’esprit Libé a suivi à peu près une ligne parallèle à celle du Parti « Socialiste », dont la charogne nous « emboconne » (c’est du vieux lyonnais) l’atmosphère. En effet, comme le PS, Libération, en se convertissant à la société marchande, s’est reconverti dans la « gauche morale », dans la « gauche des droits », dans la gauche de l’évolution des mœurs, dans la gauche de dissolution du sens par l'amalgame de tout dans tout.

Mais ce n’est pas de ça que veulent parler principalement ces deux billets, comme le montre leur balisage au moyen de titres (ou fragments de titres) extraits du journal. Pour bien montrer que celui-ci a renoncé à toute autre ambition que celle de distraire ses lecteurs, et qu'il a emboîté le pas au Canard enchaîné, qui pourrait être son arrière-grand-père, je tente de montrer qu'il pratique systématiquement le calembour, le jeu de mots, les approximations, etc.

JE SIGNALE AMICALEMENT AU JOURNAL LIBERATION QUE "DRACHME" EST DU SEXE FEMININ

Mais à la différence du Canard, qui prend toujours bien soin de préserver la pertinence de ses jeux de mots, Libération en a fait un simple jeu d’enfants, un jeu de cour de récréation qui se pratique à tort et à travers, à bon et à mauvais escient, bref dans le joyeux bordel d’un n’importe quoi général. Je me souviens, à l'époque du "franc", de cette une : « Le dollar baisse comme une bête ». On dira que j'ai l'esprit mal tourné, du fait que je l'ai retenu. On aura peut-être raison.

Libé a inventé le « journalisme d’enfantillage ». C'est peut-être tout ce qui reste à la gauche. Ce qui est sûr, c’est que le rapport logique entre le jeu de mots et l’article qu’il annonce est très souvent lointain, assez souvent aussi inexistant. Le sens ? C’est le cadet de nos soucis. Le mot d’ordre ? Humour, clin d’œil complice, on est entre nous, etc. Ce qu'il reste de l'esprit militant, sans doute. « La révolution a fait pschitt ! », dirait un Jacques Chirac.

Dans les « calembours Libé », il y a à boire et à manger, des bons et des très mauvais, mais il y a aussi beaucoup à chier, beaucoup à se mettre l’index sur la tempe et à renoncer à dépenser 1,60€ par jour. De toute façon, qu'il s'agisse de Libération, du Monde ou du Figaro, quand on voit le nom du propriétaire (Lagardère, Bergé, etc.), on comprend que, puisque la gauche ne sert plus à rien, la presse de gauche n'a plus aucune raison d'exister. C'est peut-être pour ça que les titres de Libération, avec leurs jeux de mots, ont quelque chose à voir avec le bac à sable. Libération sert-il encore à quoi que ce soit ?

Conclusion : les calembours de Libération, le journal fondé en 1973 « sous l’égide » (dixit wikipédia) de JPS (non, pas John Player Special) sont une bonne indication du sérieux avec lequel la « gauche responsable », la « gauche de gouvernement » envisage le message destiné aux masses laborieuses en vue de leur « libération ».

Voilà ce que je dis, moi.

NOTE : Je n'ai pas évoqué le cas d'autres journaux "de gauche", comme L'Humanité ou d'autres feuilles plus confidentielles. Je n'ai rien contre L'Humanité, j'ai de temps en temps essayé d'y mettre le nez, mais je suis contraint d'avouer le constant échec de ces tentatives, sans que je puisse m'expliquer cette inhibition. Une infirmité, sans doute.

LA VIE D'ADELE : PALME D'OR AU FESTIVAL DE CANNES : UNE OEUVRE MAGISTRALE

2013-05-26T20:03:00+02:00

Palme d'or Festival de Cannes 2013. Après l’Esquive, la Graine et le Mulet ou Vénus noire, Abdellatif Kechiche présente, La Vie d’Adèle, une œuvre magistrale et offre la découverte d’une jeune actrice extraordinaire, Adèle Exarchopoulos.

La Vie d’Adèle, d’Abdellatif Kechiche. France, 2 h 55. Compétition. Dans la Vie de Marianne, Marivaux écrit, à la première personne et d’une plume intensément libre, l’histoire de son héroïne, d’une femme dans son époque. On connaît la prédilection d’Abdellatif Kechiche pour les grands textes qui parlent au monde, sa volonté artistique réitérée d’en insuffler la puissance à des personnages qui, par une réappropriation commune, la porteront au présent de la société. Ici, Adèle (Adèle Exarchopoulos), lycéenne qui festoie de littérature, dévore livres et bolognaises des repas familiaux avec un égal plaisir des sens.

À l’âge où les mouvements du cœur et du corps débordent, Adèle cherche à s’orienter au plus intime entre réfractions du regard des autres, carrefour des possibles et voies de traverse. Kechiche installe sa classe de bacheliers en y circulant à l’envi, scrute à fleur de peau les frémissements dont le mystère peut tout soudain s’éclairer de fulgurances comme de sensibles flammèches sur les pas d’Antigone, s’évader dans le recoin obtus d’un silence. Comme eux, ses plans basculent en un instant de la haute tragédie aux conversations de filles sur le dernier qui passe. C’est cru, drôle, source de jubilatoires remémorations. Adèle est d’emblée nimbée d’une grâce cinématographique que le cinéaste va tenir près de trois heures d’écran, au fil du récit d’une passion d’amour et de désamour sublimement charnelle. Invitée par les enseignants à méditer sur le coup de foudre et ses représentations littéraires, Adèle en sera frappée au coin de la rue.

Déconcertée par la spirale de ses désirs

Au bleu sourd de la chevelure d’Emma (Léa Seydoux) répondent en frottement d’étincelles les fleurettes de l’écharpe d’Adèle. Abdellatif Kechiche s’est inspiré d’une bande dessinée de Julie Maroh, Le bleu est une couleur chaude. De la couleur et du récit, il restituera l’essence, s’en emparant à sa manière singulière. Il excelle encore dans les scènes de groupe, bars de femmes où Adèle et Emma lieront leurs approches, réunions d’amis et repas de famille dont il sait inventer les effets de langages et de visages comme s’il s’agissait d’un répertoire qu’il se contenterait d’enregistrer.

Premier extrait de La vie d'Adèle :

Premiers pas fragiles d’Adèle, déconcertée par la spirale de ses désirs. Elle tombe en amour en même temps qu’elle semble surgir à la lumière depuis un abîme de cruelles incertitudes. Premier baiser solaire dans un parc que tout enchante avant la fournaise de l’étreinte. Kechiche et deux comédiennes abandonnées à leur art la représentent comme jamais, passions de femmes dans la durée du filmage et la violence de l’élan, chorégraphie de corps qui s’affirment et s’abolissent dans l’autre, sauvagerie magnifique de la jouissance. À cette scène de sexe plein cadre, deux autres feront écho, amoindrissant subtilement leur intensité. Les présentations aux familles respectives des deux jeunes femmes donneront lieu à deux dîners où tout sera dit en mets et gestes de leurs différences sociales. Chez Emma, son homosexualité pas plus que son cursus aux beaux-arts ne soulève de préoccupation. Les parents d’Adèle, bien plus modestes, ne conçoivent ni l’un ni l’autre. De là viendra la chute, frayant peu à peu sa percée dans une histoire de couple et de désunion telle qu’elle peut résonner en chaque spectateur. L’intime, en plans très serrés sur la palette infinie de ses expressions, se conjugue ainsi à l’universel que sculptent les choix plastiques, membres rompus de plaisir rejoignant presque l’abstraction à l’instar d’une toile de Francis Bacon. Emma peint. Adèle suit sa vocation d’institutrice et de nombreux retours de séquences caressantes substitueront aux amours mortes l’attendrissement des tout petits. Adèle écrit son histoire à la première personne, libre et franche. Elle ne s’aliène qu’à la toute-puissance amoureuse et se fie à sa seule boussole.

Deuxième extrait :

Publié par le journal l'Humanité

"La Vie d'Adèle" : les mots bleus de Kechiche par lemondefr

Débat autour d’un tournage qui n’a pas tourné rond

Le syndicat CGT  évoque de mauvaises conditions de tournage sur le dernier film  de Kechiche.

Envoyée spéciale de l'Humanité MJS. Dans un communiqué envoyé à toutes les rédactions, le Spiac CGT dénonce les difficiles conditions de tournage du film d’Abdellatif Kechiche, présenté à Cannes en compétition : « Journées de travail de seize heures, déclarées huit », ainsi que des « horaires de travail anarchiques ou modifiés au dernier moment, avec convocations par téléphone pendant les jours de repos ou durant la nuit ; renégociations des contrats en milieu de tournage, qui contraignent les techniciens à travailler les samedis sans être payés ; modification du plan de travail au jour le jour. »

Le syndicat des techniciens pointe la responsabilité de la région Nord-Pas-de-Calais en tant que collectivité territoriale coproductrice du film (« nous nous demandons si l’institution régionale n’est pas en train d’apporter sa caution à ce type de pratiques et de comportements », écrit-il), ainsi que celle des autres coproducteurs, Quat’Sous Films, Wild Bunch, Vincent Maraval et Brahim Chioua, ces derniers s’étant par ailleurs opposés au syndicat sur la question de l’extension de la convention collective.

Pour le Spiac CGT, cette « affaire » révèle l’urgence de l’application d’une convention collective pour que cessent de telles méthodes.

Palme d'or 1960

2013-05-15T10:31:47+02:00

Judicael 30

Une aussi longue absence" chanson Cora Vaucaire (film de Colpi)

film d'Henri Colpi, palme d'or à Cannes en 1960 "Une aussi longue absence" scénario de Marguerite Duras, chanson "Trois petites notes de musique" paroles de Henri Colpi, musique de Georges Delerue avec Alida Valli et Georges Wilson.

Très belle histoire , un immense chef d'oeuvre

Portrait d'une femme seule (Alida Valli) qui croit reconnaître dans un clochard amnésique (Georges Wilson) son mari porté disparu en Allemagne, ce drame décroche le Prix Louis-Delluc en 1960, et la Palme d'Or au Festival de Cannes l'année suivante (ex aequo avec Viridiana de Buñuel) ( source ALLOCINE)

Amour

2012-05-28T08:00:00+02:00

Et en attendant la sortie en salle...

...Quelques cliché N&B qui viennent compléter ma série sur Cannes 2012 "autrement":

Aux marches du Palais

Naissance d'une commune

Là-haut sur la colline

Aux origines de la Croisette

Le lundi de Pentecôte serait donc aussi - en plus du jour férié (pour fête chrétienne) qu’il est redevenu en 2008- une « journée nationale de solidarité » destinée à financer une partie du dispositif de la lutte contre la dépendance. Rappelons qu’elle consistait à l’origine en une taxe payée par 7 heures de plus travaillées ce jour-là. On connait la suite et si tout le monde cotise de différentes manières, finalement peu de gens sont au travail ce lundi de Pentecôte ! La taxe aurait rapporté 2,33 milliards en 2011 ; il est permis d’espérer que des mesures plus audacieuses et moins chaotiques soient mise en place dans un proche avenir.

La dépendance, la vieillesse, c’est aussi le thème du film Amour qui remporte (à ma grande joie) la Palme d’or cette année à Cannes. Ces dimanches du mois de mai de juste avant 20 heures auront décidemment été souvent de bons moments ! Terminons ce joli mois de mai comme le récitait hier Jean-Louis Trintignant avec ce court poème de Jacques Prévert : "Il faudrait essayer d’être heureux, ne serait-ce que pour donner l’exemple". (Extrait de Spectacle).

Bon début de semaine à toutes et tous.

Photographies Louis-Paul Fallot- Cannes 2012

Critique de la palme d’or 2009, « Le ruban blanc » de Michael Haneke

2009-07-15T10:00:00+02:00

Avant-hier, dans le cadre de Paris Cinéma, était projetée la palme d’or du Festival de Cannes 2009 : « Le ruban blanc » de Michael Haneke. N’ayant pas pu le voir sur la Croisette, j’étais impatiente de voir ce film que le jury avait préféré au magistral « Un Prophète » de Jacques Audiard (cliquez ici pour lire mes commentaires) et surtout à « Inglourious Basterds » de Quentin Tarantino (cliquez ici pour lire ma critique), mon coup de cœur de ce Festival de Cannes 2009.

En raison de l’inimitié ou de la potentielle rancœur subsistant entre Isabelle Huppert et Quentin Tarantino suite à leurs dissensions lors du casting d’ « Inglourious Basterds » et du lien particulier qui unit cette dernière à Haneke ( « La Pianiste » du même Haneke lui a valu un prix d’interprétation cannois), je supposais que « Le ruban blanc » devait être un chef d’œuvre tel que ce prix mettait la présidente du jury 2009 hors du moindre soupçon d’avoir favorisé le réalisateur autrichien, pour des raisons autres que cinématographiques.

Alors, « un ruban blanc » est-il ce chef d’œuvre irréfutable faisant de cette palme d’or une évidence ?

Haneke est aussi outrancier dans l’austérité que Tarantino l’est dans la flamboyance. Leurs cinémas sont à leurs images, extrêmes. Alors difficile de comparer deux films aussi diamétralement opposés même si pour moi l’audace, l’inventivité, la cinéphilie de Tarantino le plaçaient au-dessus du reste de cette sélection 2009. Audace, inventivité, cinéphilie : des termes qui peuvent néanmoins tout autant s’appliquer à Haneke même si pour moi « Caché » (pour lequel il avait reçu un prix de la mise en scène en 2005) méritait davantage cette palme d’or (et celui-ci un Grand Prix) qui, à défaut d’être une évidence, se justifie et se comprend aisément.

Synopsis : Un village de l’Allemagne du Nord à la veille de la Première Guerre Mondiale. Un instituteur raconte l’histoire d’étranges incidents qui surviennent dans la petite communauté protestante formée par les élèves et leurs familles. Peu à peu, d’autres accidents surviennent et prennent l’allure d’un rituel primitif.

Quel qu’en soit l’enjeu et aussi âpre soit-elle, Haneke a le don de créer une atmosphère quasi hypnotique, et de vous y plonger. L’admiration pour la perfection formelle l’emporte toujours sur le rejet de l’âpreté, sur cette froideur qui devrait pourtant nous tenir à distance, mais qui aiguise notre intérêt, notre curiosité. La somptuosité glaciale et glaçante de la réalisation, la perfection du cadre et des longs plans fixes où rien n’est laissé au hasard sont aussi paralysants que l’inhumanité qui émane des personnages qui y évoluent.

Derrière ce noir et blanc, ces images d’une pureté étrangement parfaite, à l’image de ces chérubins blonds symboles d’innocence et de pureté (que symbolise aussi le ruban blanc qu’on leur force à porter) se dissimulent la brutalité et la cruauté.

L’image se fige à l’exemple de cet ordre social archaïquement hiérarchisé, et de cette éducation rigoriste et puritaine dont les moyens sont plus cruels que les maux qu’elle est destinée prévenir et qui va provoquer des maux plus brutaux encore que ceux qu’elle voulait éviter. La violence, au lieu d’être réprimé, s’immisce insidieusement pour finalement imposer son impitoyable loi. Cette violence, thème cher à Haneke, est toujours hors champ, « cachée », et encore plus effrayante et retentissante.

Ce ruban blanc c’est le symbole d’une innocence ostensible qui dissimule la violence la plus insidieuse et perverse. Ce ruban blanc c’est le signe ostentatoire d’un passé et de racines peu glorieuses qui voulaient se donner le visage de l’innocence. Ce ruban blanc, c’est le voile symbolique de l’innocence qu’on veut imposer pour nier la barbarie, et ces racines du mal qu’Haneke nous fait appréhender avec effroi par l’élégance moribonde du noir et blanc.

Ces châtiments que la société inflige à ses enfants en évoquent d’autres que la société infligera à plus grande échelle, qu’elle institutionnalisera même pour donner lieu à l’horreur suprême, la barbarie du XXème siècle. Cette éducation rigide va enfanter les bourreaux du XXème siècle dans le calme, la blancheur immaculée de la neige d’un petit village a priori comme les autres.

La forme démontre alors toute son intelligence, elle nous séduit d’abord pour nous montrer toute l’horreur qu’elle porte en elle et dissimule à l’image de ceux qui portent ce ruban blanc.

Que dire de l’interprétation ? Elle est aussi irréprochable. Les enfants jouent avec une innocence qui semble tellement naturelle que l’horreur qu’ils recèlent en devient plus terrifiante encore.

Avec une froideur et un ascétisme inflexibles, avec une précision quasi clinique, avec une cruauté tranchante et des dialogues cinglants, avec une maîtrise formelle fascinante, Haneke poursuit son examen de la violence en décortiquant ici les racines du nazisme, par une démonstration implacable et saisissante. Une œuvre inclassable malgré ses accents bergmaniens.

Un film à voir absolument. L'oeuvre austère, cruelle, dérangeante, convaincante, impressionnante d'un grand metteur en scène.

Sortie en salles: le 21 octobre 2009

Alain Resnais

2009-05-24T20:56:00+02:00

Alain Resnais, 87 ans, qui vient de réaliser les Herbes folles a eu cette pensée d’octogénaire, ce soir, en recevant le prix exceptionnel du festival de Cannes : « On ne fait pas un film tout seul ».

Je ne suis pas un inconditionnel de Robbe-Grillet.

Pas du tout.

Il n’empêche. Le long de ces couloirs, ces enfilades de portes, ces salles silencieuses, ces salons déserts, une fois de plus, comme si l’oreille elle-même…

Le long travellling par lequel s’ouvre L’Année dernière à Marienbad (1961) demeure pour moi une étonnement esthétique inoubliable (1); d’un autre siècle, certes ; à le revoir, ce commencement, ce travelling à la fois sonore et visuel, extérieur et intérieur, je m'étonne à nouveau. C'est rare (au cinéma). Et je me dis que cette Palme d'or à Mickaël Haneke rachétera peut-être celle de Bégaudeau l'an passé (C'est bien, ça, Huppert a eu un peu de cran, elle n'a pas suivi la profession qui voulait la donner au fi-fils à son papa - après l'école, les prisons, bon, la roue tourne et le pseudo ciné-social va peut-être nous ficher un peu la paix; ouf !)

(1) : Je parle d'étonnement, et non pas d'émotion ou de concept. Quand un film étonne, c'est déjà pas mal, non ? Difficile d'en demander plus.

Fatras

2008-05-26T08:47:00+02:00

Le milliardaire américain J.R. Simplot, pionnier de la frite surgelée et prince de la pomme de terre déshydratée aux Etats-Unis, vient de s'éteindre dimanche 25 mai à l'âge de cent-moins-un-an, annoncent les autorités de l'Idaho. Né en 1909 dans l'Iowa, John Richard Simplot était surnommé Mr SPUD (Monsieur Patate). Il avait quitté l'école à l'âge de 14 ans pour commencer une vie professionnelle riche en rebondissements dans des entrepôts agricoles et des entreprises de distribution de la Belle Amérique. A la fin des années 40, il fut le premier à commercialiser des frites surgelées à Boise, dans l'Idaho (là- bas, les pommes de terre sont cultivées en masse, comme les hommes le sont, un peu partout dans le monde). Notre presque centenaire self-made-man allait alors peu à peu devenir un héros de nos majestueux temps modernes en emportant le marché des chaînes de restauration rapide, où la jeunesse innocente va puiser force et intelligence. Fournisseur exclusif de McDonald's, Burger King et autres Wendy's, monsieur Patate était ainsi parvenu au bout de son enthousiasmante destinée. Il y a deux ans, son entreprise, dont il était devenu président honoraire, a réalisé un chiffre d'affaires de 3,3 milliards de dollars. Pas mal pour quelqu'un qui avait quitté l'école à 14 ans : un tel destin inspirera-t-il l'un de ces évidemment fort talentueux collégiens qui viennent d'être sacrés à Cannes ? Cela s'appelle Entre les murs, c'est adapté d'un roman de prof (François Bégaudeau) et c'est signé Laurent Cantet. J'entendais à la radio ce matin la mère d'un de ces collégiens dire qu'elle n'aurait pu recevoir de plus beau cadeau pour la Fête des Mères. On l'imagine volontiers. Pour ma part, je crois que l'histoire d'une classe de 4ème dans un collège du 20ème arrondissement de Paris - une classe difficile, bien sûr (difficile, mais sublime, forcément sublime dirait marguerite Duras- si elle était encore parmi nous) - ne me tente franchement guère. - Elle ressemble à la France, souligne le metteur en scène, elle est "multiple, foisonnante, complexe, avec quelques frictions"... Raison de plus ! Sarkozy, qui n'en rate pas une en cette période de contestation scolaire, s'est empressé de se féliciter de cette première palme d'or française depuis le déjà lointain massacreur de Bernanos, Maurice Pialat. J'imagine tous ces profs accablés par un quotidien en grande partie sordide, aller faire la queue, payer leur place pour finalement retrouver les gueules de leurs petits protégés... Quelle misère ! Narcissisme, quand tu nous tiens : Après la télé-réalité, le ciné-réalité aurait-il un avenir ? Et pendant ce temps, Joakim Noah, basketteur des Chicago Bulls, a été repéré, un verre d'alcool à la main et de la marijuana en poches dans une rue de Gainesville, durant la nuit de samedi à dimanche. Croyez que les policiers américains n'ont pas hésité un instant à coffrer pour quelques heures le fils de la (parait-il) personnalité la plus aimée des Français... Non mais, dites-donc ! Quel culot, ces mangeurs de frites !

60 ans de récompenses

2008-04-27T20:34:00+02:00

1946	ex æquo L'Épreuve aka Tourments	Alf Sjöberg	(Suède)
	ex æquo Le Poison	Billy Wilder	(États-Unis)
	ex æquo La terre sera rouge	Bodil Ipsen & Lau Lauritzen Jr	(Danemark)
	ex æquo La Ville basse	Chetan Anand	(Inde)
	ex æquo Brève rencontre	David Lean	(Royaume-Uni)
	ex æquo Maria Candelaria	Emilio Fernández	(Mexique)
	ex æquo Le Tournant décisif	Fridrikh Ermler	(URSS)
	ex æquo La Symphonie pastorale	Jean Delannoy	(France)
	ex æquo La Dernière Chance	Leopold Lintberg	(Suisse)
	ex æquo Les Hommes sans ailes	Frantisek Cáp	(Tchécoslovaquie)
	ex æquo Rome, ville ouverte	Roberto Rossellini	(Italie)
	ex æquo La Bataille du rail	René Clément	( France)
1947	non décerné
1948	pas de festival cette année
1949	Le Troisième Homme	Carol Reed	(Royaume-Uni)
1950	pas de festival cette année
1951	ex æquo Mademoiselle Julie	Alf Sjöberg	(Suède)
	ex æquo Miracle à Milan	Vittorio De Sica	(Italie)
1952	ex æquo Othello	Orson Welles	(États-Unis)
	ex æquo Deux sous d'espoir	Renato Castellani	(Italie)
1953	Le Salaire de la peur	Henri-Georges Clouzot	(France)
1954	La Porte de l'enfer	Teinosuke Kinugasa	(Japon)
1955	Marty	Delbert Mann	( États-Unis)
1956	Le Monde du silence	Jacques-Yves Cousteau & Louis Malle	( France)
1957	La Loi du Seigneur	William Wyler	(États-Unis)
1958	Quand passent les cigognes	Mikhaïl Kalatozov	(URSS)
1959	Orfeu Negro	Marcel Camus	( France)
1960	La Dolce Vita	Federico Fellini	(Italie)
1961	ex æquo Une aussi longue absence	Henri Colpi	(France)
	ex æquo Viridiana	Luis Buñuel	(Espagne)
1962	La Parole donnée	Anselmo Duarte	(Brésil)
1963	Le Guépard	Luchino Visconti	(Italie)
1964	Les Parapluies de Cherbourg	Jacques Demy	(France)
1965	Le Knack... et comment l'avoir	Richard Lester	(Royaume-Uni)
1966	ex æquo Un homme et une femme	Claude Lelouch	( France)
	ex æquo Ces messieurs dames	Pietro Germi	(Italie)
1967	Blow-Up	Michelangelo Antonioni	(Italie)
1968	arrêté à cause des événements de mai 68
1969	If...	Lindsay Anderson	( Royaume-Uni)
1970	M.A.S.H.	Robert Altman	(États-Unis)
1971	Le Messager	Joseph Losey	(Royaume-Uni)
1972	ex æquo La classe ouvrière va au paradis	Elio Petri	( Italie)
	ex æquo L'Affaire Mattei	Francesco Rosi	( Italie)
1973	ex æquo La Méprise	Alan Bridges	( Royaume-Uni)
	ex æquo L'Épouvantail	Jerry Schatzberg	( États-Unis)
1974	Conversation secrète	Francis Ford Coppola	( États-Unis)
1975	Chronique des années de braise	Mohammed Lakhdar-Hamina	( Algérie)
1976	Taxi Driver	Martin Scorsese	(États-Unis)
1977	Padre padrone	Paolo Taviani & Vittorio Taviani	(Italie)
1978	L'Arbre aux sabots	Ermanno Olmi	( Italie)
1979	ex æquo Apocalypse Now	Francis Ford Coppola	( États-Unis)
	ex æquo Le Tambour	Volker Schlöndorff	(RFA)
1980	ex æquo Que le spectacle commence	Bob Fosse	(États-Unis)
	ex æquo Kagemusha, l'ombre du guerrier	Akira Kurosawa	( Japon)
1981	L'Homme de fer	Andrzej Wajda	(Pologne)
1982	ex æquo Porté disparu	Costa-Gavras	(États-Unis)
	ex æquo Yol, la permission	Yilmaz Güney	(Turquie)
1983	La Ballade de Narayama	Imamura Shohei	(Japon)
1984	Paris, Texas	Wim Wenders	(RFA)
1985	Papa est en voyage d'affaires	Emir Kusturica	(Yougoslavie)
1986	The Mission	Roland Joffé	( Royaume-Uni)
1987	Sous le soleil de Satan	Maurice Pialat	(France)
1988	Pelle le conquérant	Bille August	(Danemark)
1989	Sexe, mensonges et vidéo	Steven Soderbergh	(États-Unis)
1990	Sailor et Lula	David Lynch	(États-Unis)
1991	Barton Fink	Joel & Ethan Coen	(États-Unis)
1992	Les Meilleures Intentions	Bille August	( Danemark)
1993	ex æquo Adieu ma concubine	Chen Kaige	(Chine)
	ex æquo La Leçon de piano	Jane Campion	(Nouvelle-Zélande)
1994	Pulp Fiction	Quentin Tarantino	(États-Unis)
1995	Underground	Emir Kusturica	(Yougoslavie)
1996	Secrets et mensonges	Mike Leigh	( Royaume-Uni)
1997	ex æquo Le Goût de la cerise	Abbas Kiarostami	(Iran)
	ex æquo L'Anguille	Imamura Shohei	(Japon)
1998	L'Éternité et un jour	Theo Angelopoulos	( Grèce)
1999	Rosetta	Luc & Jean-Pierre Dardenne	(Belgique)
2000	Dancer in the Dark	Lars von Trier	(Danemark)
2001	La Chambre du fils	Nanni Moretti	(Italie)
2002	Le Pianiste	Roman Polanski	(France)
2003	Elephant	Gus Van Sant	(États-Unis)
2004	Fahrenheit 9/11	Michael Moore	(États-Unis)
2005	L'Enfant	Luc & Jean-Pierre Dardenne	(Belgique)
2006	Le vent se lève	Ken Loach	(Royaume-Uni)
2007	4 mois, 3 semaines, 2 jours	Cristian Mungiu	( Roumanie)

La palme d'or en quelques chiffres et données:

-Le symbole des palmes est tiré des armes de la ville de Cannes

-Ce qui était initialement le Grand Prix devint la palme d'or en 1955 (il existe aussi un Grand prix aujourd'hui destiné en général à des films avec des partis pris de mise en scène relativement radicaux ), jusqu'en 1963 puis il fallut attendre 1975 pout que l'appellation soit de nouveau utilisée et c'est en 1980 que la palme d'or est devenue l'appellation officielle de la plus haute distinction du festival

-Une seule femme a reçu la palme d'or: Jane Campion en 1993 pour "La leçon de piano"

-Cinq réalisateurs l'ont obtenue deux fois: les frères Dardenne (de nouveau en compétition cette année), Bille August, Emir Kusturica, Shohei Imamura, Francis Ford Coppola

La cérémonie de clôture et le palmarès complet du 60ème Festival de Cannes

2007-05-30T18:20:00+02:00

Dimanche 27 Mai 2007. Le Mistral s’est levé, soudain. Dernière journée du festival. Dernière projection. Derniers rayons du soleil. Après l’effervescence, son évanescence. J’ai l’impression pourtant encore que cela durera toujours : la musique environnante, incessante, qui rythme mes pas et cœur légers de festivalière aguerrie à l’insouciance, ou à la feindre jusqu'à y croire, la musique qui me donne l’impression d’avancer dans un ralenti langoureux, d’être la protagoniste mélancolique d’un film de Wong Kar-Wai, forcément envoûtant, d’une autre blueberry night, la musique qui enivre et ne laisse plus le temps de penser qu’un jour, peut-être proche, cela se terminera, il le faudra bien, la musique qui magnifie l’irréalité cannoise, la musique qui donne l’impression que Cyd Charisse et Fred Astaire vont surgir et esquisser quelques pas de danse sur le tapis rouge, la musique qui me donne envie d’esquisser quelques pas de danse à mon tour, la musique qui ne parvient néanmoins pas à me faire oublier les objectifs braqués sur le tapis rouge qui m’en empêchent, dans un sursaut de conscience, la musique de U2 souvent, réminiscence d’un moment magique de ce festival, With or without you, protagoniste d’un film de Winterbottom peut-être finalement, la musique qui ne parvient pas à dérider tous les festivaliers, ceux toujours énervés,désabusés, harassés, blasés, aveuglés par leur suffisance, masque de leur frustration d’ignorés des flashs dont ils auraient aimé qu’ils les aveuglent, eux, les déjà aveuglés, la musique qui réunit les aveugles de toutes sortes, dans un tourbillon euphorisant. L’impression que la musique, heureusement, ne se taira jamais donc, l’impression que les journées s’achèveront toujours par des projections dans le Grand Théâtre Lumière, ou qu’elles ne s’achèveront pas même, puis par une cavalcade, souvent effrénée, malheureusement rarement sincère, d’applaudissements, par des déambulations sur la plage, toujours en musique évidemment, par une frénésie insatiable d’images, de découvertes cinéphiliques, de bruits et rumeurs, de fêtes, et l’illusion que tout cela est la réalité, immortelle, l’impression présomptueuse de l’être, qu’aujourd’hui et demain ne meurent jamais, la musique qui précède la cérémonie de clôture, qui précède le silence, la tension, le temps de réaliser que je suis dans cette salle où dans quelques secondes s’écrira une page de l’histoire du cinéma, la dernière page de ce 60ème anniversaire surtout, page si dérisoire et essentielle, là où le dérisoire et le futile, l’espace de quelques jours, se sont transformés en essentiel. Faire taire la nostalgie qui pointe son nez, que dis-je, son cap, sa péninsule, repenser à la musique qui n’en laissait pas le temps, et surtout écouter Diane Krüger, hésitante, solennelle, gênée par son rire nerveux, probablement doublement angoissée puisqu’elle est à la fois la maîtresse de cérémonie et une des actrices principales du film de clôture : « L’âge des ténèbres » de Denis Arcand.

Cannes, déjà dégrisée, déjà ailleurs, déjà au lendemain, déjà au 61ème, est bien morne en cette soirée de clôture. Elle est déjà bien loin l’atmosphère festive du dimanche 20 Mai, fête d’anniversaire de ces 60 ans. Jamel Debbouze tente l’impertinence avec un succès relatif. Alain Delon réussit à émouvoir de sa belle et charismatique audace, sursaut de magie dans une salle qui en a connu tellement , qui n’en est jamais rassasiée, qui s’en galvanise, pour prolonger encore un peu la musique puis, après les 25 secondes d’applaudissements pour Romy Schneider qu’il a demandées, il annonce le prix d’interprétation féminine pour l’actrice de Secret Sunshine, la Coréenne Jeon Do-yeon aussi inconnue que son homologue masculin primé pour Le Bannissement, le Russe Konstanton Lavronenko dans un film qui, pour sa réalisation magistrale, aurait mérité le prix de la mise en scène. Je précise que je n’ai pas vu trois des films figurant au palmarès d’où leur absence dans mes pronostics, dont Lumière silencieuse du Mexicain Carlos Reygadas, prix ex aequo du jury avec Persepolis film d’animation de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud, satire du régime iranien, que je n’ai pas vu également.

L’annonce du palmarès se poursuit : le festival de Cannes, plus que jamais fenêtre ouverte sur le monde, récompense cette année essentiellement le jeune cinéma, le cinéma d’auteur…et d’inconnus. Le scaphandre et le papillon reçoit le prix de la mise en scène, lueur d’espoir malgré son sujet âpre, hymne au pouvoir de l’imagination, de la création artistique, bijou de poésie, de dérision et de grâce. (J’y reviendrai dans une critique).

Le reste du palmarès laisse de côté les habitués du festival et le cinéma américain (à l’exception du prix du 60ème attribué à Gus Van Sant pour Paranoïd park dans lequel on retrouve la marque du cinéaste : plans séquences, même scène vue sous un angle différent, plans de dos…mais qui n’arrive pas à la hauteur de Elephant et Gerry. Dommage que ce prix n’ait pas été attribué à Wong Kar-Wai, peut-être par ce prix le jury a-t-il souhaité contenter le cinéma américain alors que le cinéma asiatique figurait déjà largement au palmarès, le festival de Cannes est autant affaire de diplomatie que de cinéphilie…)

Jane Fonda se prend pour Marilyn Monroe et confond Gilles Jacob et Kennedy en susurrant un « happy birthday president » (Ah bon c’est Gilles Jacob qui a 60 ans ?) puis elle annonce la palme d’or attribué à 4 mois, 3 semaines et 2 jours du roumain Cristian Mungiu.

Les lauréats et les remettants reviennent sur scène, après quelques timides applaudissements. Puis, déjà, on démonte la scène pour projeter le film de clôture. Cela se termine, toujours brutalement.

Je m’éclipse. Je ressors du Grand Théâtre Lumière, pour la dernière fois cette année, encore grisée malgré tout, de cinéma, de 12 journées intenses, entre cinéma et réalité, de réalité très cinématographique, d’un cinéma très réel aussi. Je suis surprise de constater qu’il fait encore jour, ce rêve-là n’était pas nocturne, surprise que les passants avancent à un rythme normal, ni au ralenti, ni en accéléré. C’est terminé, je marche toujours au ralenti, vraiment.

Dimanche 27 Mai 2007. Le Mistral s’est levé, le soleil imperturbable de ce 60ème festival s’est discrètement éclipsé mais le vent n’a pas tout balayé : les souvenirs, de vie et de cinéma, les illusions retrouvées, la passion, toujours et plus que jamais vivace et irrépressible pour le cinéma et la vie qu’il sait si bien retranscrire, traduire, sublimer, refléter, défendre, moquer...même lors de cette soixantième édition dont les films étaient pour la plupart empreints de douleur (douleur du deuil souvent, douleur de la misère sociale, douleur de la séparation, douleur résultant d’une situation politique)…et empreints de beaucoup d’espoir malgré tout. Quelques minutes plus tard, des applaudissements spontanés, effrénés ET sincères résonneront dans le restaurant d’un grand hôtel cannois où je me trouve et où Julian Schnabel vient de faire son apparition. Ultime sursaut de magie cannoise. Celle-là, elle ne s’éclipse jamais tout à fait. J’applaudis à mon tour. J’applaudis : son prix, l’émotion que m’a procuré ce film bouleversant, poétique, j’applaudis la fin du festival, j’applaudis ce dénouement rêvé et pourtant réel.

Je vous laisse avec le palmarès : d’autres aventures, cinématographiques et scénaristiques, m’attendent.

PALMARES DU 6Oème FESTIVAL DE CANNES

La photo ci-dessus a été reprise grâce à l'aimable autorisation du site L'Oréal, ce blog participant au concours de blogs L'Oréal.

Palme d'or: "4 luni, 3 saptami si 3 zile" réalisé par Cristian Mungiu

Grand prix: "Mogari no mori" réalisé par Naomi Kawase

Prix du 60ème anniversaire: Gus Van Sant pour "Paranoïd park"

Prix du scénario: Fatih Akin pour "Auf der Anderen Seite"

Prix de la mise en scène: Julian Schnabel pour "Le scaphandre et le papillon"¨

Prix d'interprétation masculine: Konstantin Lavronenko dabs "Izganie" de Alexandrev Zviaguintsev

Prix d'interprétation féminine: Jeon Do-yeon dans "Secret Sunshine" réalisé par Lee Chang-dong

Prix du jury: "Persepolis" réalisé par Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud et "Stellet licht" réalisé par Carlos Reygadas

La photo ci-dessus provient du site L'Oréal avec l'aimable autorisation de L'Oréal, ce blog participant au concours de blogs L'Oréal

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Palme d'or du court métrage: "Ver Llover" réalisé par Elisa Miler

Mention spéciale court métrage "Run" réalisé par Mark Albiston

Mention spéciale à Ah Ma réalisé par Anthony Chen

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Caméra d'or: "Meduzot " réalisé par Etgar Keret et Shira Geffen présenté dans le cadre de la semaine internationale de la critique.

Caméra d'or-mention spéciale: "Control" réalisé par Anton Corbun présenté dans le cadre de la quinzaine de la réalisateur.

Prix Un Certain Regard : California dreamin’ réalisé par Cristian Nemescu

Prix spécial du jury Un Certain Regard : Actrices réalisé par Valeria Bruni Tedeschi

Coup de cœur du jury Un Certain Regard : Bikur Hatizmoret réalisé par Eran Kolirin

Prix de la critique internationale:4 mois, 3 semaines et 2 jours de Cristian Mungiu

Prix Fipresci dans "Un Certain Regard": La visite de la fanfare d'Eran Kolirin

Prix Fipresci dans la Quinzaine des Réalisateurs et la Semaine de la Critique: Elle s'appelle Sabine de Sandrine Bonnaire

Cinéfondation :

Premier prix : Ahora todos parecen contentos réalisé par Gonzalo Tobal

Deuxième prix : Ru Dao réalisé par Chen Tao

Troisième prix ex-aequo A reunion réalisé par Hong Sung-Hoon et Minus réalisé par Pavle Vuckovic

Prochain festival : Festival du Film Romantique de Cabourg où je serai du 14 au 17 juin 2007, je vous le commenterai au retour sur « In the mood for cinema » sur lequel vous pourrez également trouver toutes les informations concernant ce festival dans quelques jours.

En attendant, dès demain, retrouvez de nombreux nouveaux articles quotidiens concernant ce 60ème Festival sur « In the mood for Cannes », avec, pour commencer, demain, mon récit de la mémorable leçon de cinéma de Martin Scorsese.

En juillet, vous pourrez également découvrir mon nouveau blog entièrement consacré au Festival du Cinéma Américain de Deauville « In the mood for Deauville », un festival où je serai bien entendu comme chaque année.

Dans la note ci-dessous, mon album photos de ce 60ème Festival de Cannes (revenez le consulter, il sera progressivement enrichi), en attendant d’autres critiques, vidéos et images inédites bientôt en ligne sur « In the mood for Cannes ».

Sandra.M

Triomphe roumain à Cannes

2007-05-30T10:25:00+02:00

« Le jury du 60^ème festival de Cannes a décerné dimanche, le 27 mai 2007 au soir, la Palme d’or au film roumain 4 luni, 3 săptămâni si 2 zile ( 4 mois, 3 semaines et 2 jours ) , en tête d’un cinéma qui braque résolument les projecteurs sur le cinéma d’auteur le plus exigeant. » écrit Le Monde aujourd’hui.

Le jeune réalisateur, Cristian Mungiu était déjà un peu connu pour son film précédent, Occident présenté en 2002 dans le cadre de la Quinzaine des réalisateurs .

Un « petit cinéaste » d’ un « petit pays » réalise avec un « maigre budget » un film émouvant, réaliste, cru sur un avortement interdit pendant le régime communiste.

J’ai vécu la réalité des années 70- 90 pendant lesquelles les femmes mouraient chaque jour chez elles ou dans des hôpitaux pour avoir recouru à des faux médecins, à des sages femmes , à des remèdes et pratiques parfois barbares qui les aident à avorter.

Elles couraient en fait, un double risque : celui de mourir et celui d’être emprisonnées par la Securitate.

Avec ce film on remonte dans le Bucarest de l’année 1987.

Les avortement étaient interdits .

Les pilules contraceptives inexistantes.

Les privations de toutes sortes et la déprime omniprésentes.

A tout cela s’ajoute l’absurdité d’un univers concentrationnaire, caractéristique d’une société « socialiste multilatérallement développée » .

L’obligation du citoyen de toujours se justifier pour quoi que ce soit, devant les « autorités » , dans un climat d’infinie suspicion.

Cristian Mungiu n’affuble pas son récit d’hystérie ou de faux dramatisme.

C’est plutôt une étude/ analyse de l’amitié et de la vie quotidienne mise en scène avec pureté et honnêteté.

En ce qui me concerne, je suis, à cette époque de ma vie, de tout mon être contre l'avortement et, si on me demandait mon opinion, je conseillerais toute jeune fille ou femme de donner la vie.

Et le film non plus, n'en plaide pas. Le cinéaste ne fait que présenter la situation d'une femme soumise aux préjugés et à l'hypocrisie de l'ancien régime.

4 mois, 3 semaines et 2 jours sera présenté en soirée d’ouverture du Festival international du film « Transilvania » qui va commencer le 1^er juin à Cluj – Napoca .

La vidéo de la cérémonie ici :

http://www.tvr.ro/articol.php?id=8319&c=99

”Le Guépard”, la fresque somptueuse de Luchino Visconti: palme d'or 1963

2007-03-11T20:35:00+01:00

Cliquez ici pour accéder à mon article exclusif consacré au "Guépard" de Visconti( vidéos exclusives, critique du film, photos du film...) à l'occasion de sa sortie en version restaurée en DVD /Blu-ray le 1er décembre 2010.

En 1860, en Sicile, tandis que Garibaldi et ses chemises rouges débarquent pour renverser la monarchie des Bourbons de Naples et l’ancien régime, le prince Don Fabrizio Salina (Burt Lancaster) ainsi que sa famille et son confesseur le Père Pirrone (Romolo Valli), quitte ses domaines pour son palais urbain de Donnafigata, tandis que son neveu Tancrède rejoint les troupes de Garibaldi. Tancrède s’éprend d’Angelica, (Claudia Cardinale), la fille du riche maire libéral de Donnafugata : Don Calogero. Le Prince Salina s’arrange pour qu’ils puissent se marier. Après l’annexion de la Sicile au royaume d’Italie, Tancrède qui s’était engagé aux côtés des Garibaldiens les abandonne pour rejoindre l’armée régulière…

Les premiers plans nous montrent une allée qui mène à une demeure, belle et triste à la fois. Les allées du pouvoir. Un pouvoir beau et triste, lui aussi. Triste car sur le déclin, celui de l’aristocratie que symbolise le Prince Salina. Beau car fascinant comme l’est le prince Salina et l’aristocratie digne qu’il représente. Ce plan fait écho à celui de la fin : le prince Salina avance seul, de dos, dans des ruelles sombres et menaçantes puis il s’y engouffre comme s’il entrait dans son propre tombeau. Ces deux plans pourraient résumer l’histoire, l’Histoire, celles d’un monde qui se meurt. Les plans suivants nous emmènent à l’intérieur du domaine, nous offrant une vision spectrale et non moins sublime de cette famille. Seuls des rideaux blancs dans lesquels le vent s’engouffre apportent une respiration, une clarté dans cet univers somptueusement sombre. Ce vent de nouveauté annonce l’arrivée de Tancrède, Tancrède qui apparaît dans le miroir dans lequel Salina se mire. Son nouveau visage. Le nouveau visage du pouvoir. Le film est à peine commencé et déjà son image est vouée à disparaître. Déjà la fin est annoncée. Le renouveau aussi.

Fidèle adaptation d’un roman écrit en 1957 par Tomasi di Lampedusa, Le Guépard témoigne d’une époque représentée par cette famille aristocrate pendant le Risorgimento, « Résurrection » qui désigne le mouvement nationaliste idéologique et politique qui aboutit à la formation de l’unité nationale entre 1859 et 1870. Le Guépard est avant tout l’histoire du déclin de l’aristocratie et de l’avènement de la bourgeoisie, sous le regard et la présence félins, impétueux, dominateurs du Guépard, le prince Salina. Face à lui, Tancrède est un être audacieux, vorace, cynique, l’image de cette nouvelle ère qui s’annonce.

La scène du fastueux bal qui occupe un tiers du film est aussi la plus célèbre, la plus significative, la plus fascinante. Elle marque d'abord par sa magnificence et sa somptuosité : somptuosité des décors, soin du détail du Maestro Visconti qui tourna cette scène en huit nuits parmi 300 figurants. Magnificence du couple formé par Tancrède et Angelica, impériale et rayonnante dans sa robe blanche. Rayonnement du couple qu’elle forme en dansant avec Salina, aussi. La fin du monde de Salina est proche mais le temps de cette valse, dans ce décor somptueux, le temps se fige. Ils nous font penser à cette réplique de Salina à propos de la Sicile : "cette ombre venait de cette lumière". Tancrède regarde avec admiration, jalousie presque, ce couple qui représente pourtant la déchéance de l’aristocratie et l’avènement de la bourgeoisie. Un suicide de l'aristocratie même puisque c’est Salina qui scelle l’union de Tancrède et Angelica, la fille du maire libéral, un mariage d’amour mais aussi et avant tout de raison entre deux univers, entre l'aristocratie et la bourgeoisie. Ces deux mondes se rencontrent et s’épousent donc aussi le temps de la valse d’Angelica et Salina. Là, dans le tumulte des passions, un monde disparaît et un autre naît. Ce bal est donc aussi remarquable par ce qu’il symbolise : Tancrède, autrefois révolutionnaire, se rallie à la prudence des nouveaux bourgeois tandis que Salina, est dans une pièce à côté, face à sa solitude, songeur, devant un tableau de Greuze, la Mort du juste, faisant « la cour à la mort » comme lui dira ensuite magnifiquement Tancrède.

Angelica, Tancrède et Salina se retrouvent ensuite dans cette même pièce face à ce tableau morbide alors qu’à côté se fait entendre la musique joyeuse et presque insultante du bal. L’aristocratie vit ses derniers feux mais déjà la fête bat son plein. Devant les regards attristés et admiratifs de Tancrède et Angelica, Salina s’interroge sur sa propre mort. Cette scène est pour moi une des plus intenses de ce film qui en comptent pourtant tant qui pourraient rivaliser avec elle. Les regards lourds de signification qui s’échangent entre eux trois, la sueur qui perle sur les trois visages, ce mouchoir qu’ils s’échangent pour s’éponger en font une scène d’une profonde cruauté et sensualité où entre deux regards et deux silences, devant ce tableau terriblement prémonitoire de la mort d’un monde et d’un homme, illuminé par deux bougies que Salina a lui-même allumées comme s’il admirait, appelait, attendait sa propre mort, devant ces deux êtres resplendissants de jeunesse, de gaieté, de vigueur, devant Salina las mais toujours aussi majestueux, plus que jamais peut-être, rien n’est dit et tout est compris.

Les décors minutieusement reconstitués d’ une beauté visuelle sidérante, la sublime photo de Giuseppe Rotunno, font de ce Guépard une véritable fresque tragique, une composition sur la décomposition d’un monde, dont chaque plan se regarde comme un tableau, un film mythique à la réputation duquel ses voluptueux plans séquences (notamment la scène du dîner pendant laquelle résonne le rire interminable et strident d’Angelica comme une insulte à l’aristocratie décadente, au cour duquel se superposent des propos, parfois à peine audibles, faussement anodins, d’autres vulgaires, une scène autour de laquelle la caméra virevolte avec virtuosité, qui, comme celle du bal, symbolise la fin d’une époque), son admirable travail sur le son donc, son travail sur les couleurs (la séquence dans l’Eglise où les personnages sont auréolés d’une significative lumière grise et poussiéreuse ) ses personnages stendhaliens, ses seconds rôles judicieusement choisis (notamment Serge Reggiani en chasseur et organiste), le charisme de ses trois interprètes principaux, la noblesse féline de Burt Lancaster, la majesté du couple Delon-Cardinale, la volubilité, la gaieté et le cynisme de Tancrède formidablement interprété par Alain Delon, la grâce de Claudia Cardinale, la musique lyrique, mélancolique et ensorcelante de Nino Rota ont également contribué à faire de cette fresque romantique, engagée, moderne, un chef d’œuvre du septième Art. Le Guépard a ainsi obtenu la Palme d’or 1963… à l’unanimité.

La lenteur envoûtante dont est empreinte le film métaphorise la déliquescence du monde qu’il dépeint. Certains assimileront à de l’ennui ce qui est au contraire une magistrale immersion dont on peinera ensuite à émerger hypnotisés par l’âpreté lumineuse de la campagne sicilienne, par l’écho du pesant silence, par la beauté et la splendeur stupéfiantes de chaque plan. Par cette symphonie visuelle cruelle, nostalgique et sensuelle l’admirateur de Proust qu’était Visconti nous invite à l’introspection et à la recherche du temps perdu.

La personnalité du Prince Salina devait beaucoup à celle de Visconti, lui aussi aristocrate, qui songea même à l’interpréter lui-même, lui que cette aristocratie révulsait et fascinait à la fois et qui, comme Salina, aurait pu dire : « Nous étions les Guépards, les lions, ceux qui les remplaceront seront les chacals, les hyènes, et tous, tant que nous sommes, guépards, lions, chacals ou brebis, nous continuerons à nous prendre pour le sel de la terre ».

Que vous fassiez partie des guépards, lion, chacals ou brebis, ce film est un éblouissement inégalé par lequel je vous engage vivement à vous laisser hypnotiser...

Sandra.M