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31 juillet 2026 : Interlude, boudin du Perche

2026-07-31T09:38:00+02:00

”Nature morte avec dosettes”...

2023-02-24T04:33:00+01:00

... ou Pour bien finir le chapitre en cours.

Nature Morte de Louise Penny

2022-10-10T08:33:00+02:00

Mlle Alice, pouvez-vous nous raconter votre rencontre avec Nature Morte ?

"C'est une série qu'on m'a conseillé à plusieurs reprises et qui était dans ma wishlist depuis longtemps. À chaque fois que je la croisais en librairie, j'hésitais à craquer et puis un jour, c'était le bon moment."

Dites-nous en un peu plus sur son histoire...

"L'inspecteur-chef Armand Gamache est appelé pour un meurtre dans le petit village paisible de Three Pines alors qu'il s'apprête à fêter Thanksgiving. Mais l'enquête s'annonce difficile avec une victime qui était aimée de tous et présentée comme la gentillesse même..."

Mais que s'est-il exactement passé entre vous ?

"J'ai beaucoup aimé la construction des personnages. Parfois, les premiers tomes d'une saga sont un peu fastidieux, il y a beaucoup de mise en place. Ici, ce n'est absolument pas le cas. On sent que le héros, par exemple, a un passé bien présent, d'ores et déjà pensé par l'auteur mais qu'elle n'essaie pas de nous livrer tout de suite, en bloc. Il nous reste encore beaucoup de choses à découvrir une fois la dernière page tournée et ça me donne encore plus envie de continuer. Oui, encore plus, parce que ce n'est pas la seule chose que j'ai beaucoup aimé. En fait, j'ai tout aimé. L'enquête, le cadre, la plume qui prend son temps, les réflexions sur l'art, sur les problèmes entre anglophones et francophones, découvrir la culture du Québec. Tout. La bonne nouvelle, c'est que j'ai passé un super moment avec ce roman, la moins bonne, pour ma PAL du moins, c'est que c'est une série qui compte déjà 18 tomes."

Et comment cela s'est-il fini ?

"J'ai un petit peu moins aimé la fin mais ce n'est pas non plus un véritable point noir. J'ai juste hâte de retourner à Three Pines. Je regrette un peu que les couvertures soient si sombres, elles ne correspondent pas bien au genre de roman policier que sont ceux de Louise Penny je trouve. D'ailleurs, il me semble que Babel Noir a revu sa charte graphique depuis."

Mlle Alice, merci, et à jeudi prochain...

Alors, vous craquez pour "Nature Morte" ?

11 février 2022 : Le carnet d'Odile - 7

2022-02-11T23:12:00+01:00

Nature morte de Louise Penny

2021-11-08T10:55:00+01:00

Nature morte

Louise Penny

"Mlle Jane Neal se présenta devant Dieu dans la brume matinale du dimanche de Thanksgiving. Ce décès inattendu prit tout le monde au dépourvu. La mort de Mlle Neal n'était pas naturelle, sauf si l'on croit que tout arrive à point nommé. Si c'est le cas, Jane Neal avait passé ses soixante-seize années à s'approcher de ce dernier instant où la mort vint à sa rencontre, dans une érablière aux tons ardents, près du village de Three Pines."

Bienvenue au village québécois de Three Pines où chacun semble couler des heures heureuses dans cet automne naissant.
Mais voilà un dimanche matin, Jane Neal, l'ancienne institutrice est retrouvée morte dans les bois. Sans doute victime d'un accident de chasse.
L'inspecteur-chef Armand Gamache, dépêché sur les lieux ne se fie pas aux apparences et décide de mener son enquête.
Très vite, il découvre que la communauté apparemment si unie dissimule bien des secrets.
Et si finalement Jane avait été assassinée ?

Cela faisait quelques mois que j'avais acheté le premier tome de cette série sur les conseils de mon ami Julien Rampin. Et j'ai attendu les brouillards des matinées d'octobre pour m'y plonger. Je n'accorde pas souvent mes lectures à la période de l'année. Pour autant, j'ai trouvé un certain charme à ces résonances de saison.

J'aime beaucoup les romans policiers qui se déroulent dans des villages. Pour l'ambiance, entre bienveillance et cancans. Pour l'étude des caractères.

Louise Penny reprend ici toutes ses caractéristiques que je prise mais leur insuffle aussi un peu de renouveau avec ces policiers venus d'ailleurs et en proie à leurs propres intrigues relationnelles.

Les pages se tournent toutes seules. Les secrets se dévoilent peu à peu pour mieux redéfinir la vie à Three Pines.
Les lieux se font écho de tout ce que le passé et le présent peuvent dissimuler. Comme si les maisons jouaient leur propre rôle dans l'histoire. Certains lieux se révèlent au contraire des refuges. Comme la pension de famille ou la librairie

Quant aux personnages, ils se révèlent tous bien campés et je suis curieuse de voir comment ils vont évoluer par la suite.

En effet, il est certain que je referai un arrêt dans ce village de Three Pines. Ne serait-ce que pour ce banc à l'aube.

Bref, vous l'aurez compris : un moment plaisant en compagnie de ce cosy mystery.

Traduit de l'anglais (Canada) par Michel Saint-Germain, Actes Sud, 2011, 438 pages

Atelier en ligne 19. Chacun son chemin

2020-05-14T20:21:05+02:00

Les ateliers en lignes continuent, chacun suit son chemin.

L'exercice proposé : Se rapprocher ou s'éloigner de son sujet.

Voir les photos de l'album Lundi 11 mai

J'ai choisi une plante que je vois d'abord avec au premier plan des feuilles et fleurs d'une autre plante. Puis je me suis rapprochée et enfin la plante seule. En dessinant j'ai dû faire avec des feutres bien usés et asséchés, expérience intéressante autant que frustrante.

En premier lieu j'ai été frappé par le contraste entre les aplats du premier plan et les tiges de l'arrière-plan.

Au deuxième dessin c'est le contraste des tiges fines de la misère et les petits troncs de la plante en arrière-plan,

Au troisième dessin, c'est la direction des tiges et le contraste avec l'aplat des feuilles.

A chaque approche un sujet différent s'est présenté à moi. J'ai choisi de travailler sur les deux plantes l'espace entre les deux ne me convenant pas j'ai changé de point de vue.

Là j'ai pris conscience que le rebord des pots et leur horizontalité m'intéressait, il y a les petits troncs qui montent vers le ciel et les tiges de la misère qui descendent.

J'aime prendre le temps de chercher ce que je voie, prendre le temps de quitter les filtres de mes habitudes, de mon savoir (si petit soit-il). J'aimerai donner à voir un instant de vie dans ce que je dessine. Pour cela je ne peux m’arrêter à l'image connu de la plante. Il me faut chercher, tâtonner, et peut-être même ne pas trouver. Je pense que j'ai juste effleuré le sujet, il me faut donc persévérer et je reprendrai ce travail lors d'une prochaine séance.

Nous avons tous des motivations différentes pour dessiner, peindre,

Dessiner, peindre pour réfléchir, pour ressentir, pour son plaisir,
Dessiner, peindre pour se sentir bien, être en paix avec soi-même
Dessiner, peindre pour se connaître soi-même
Dessiner pour donner à voir, pour partager
Dessiner, peindre pour montrer ce qui nous semble beau, vouloir décrire un objet, un paysage, avec le plus de justesse possible et ainsi lui rende hommage.
Dessiner, peindre pour comprendre comment sont les choses et les représenter au plus près de ce que la connaissance, l'observation nous apprend.
Dessiner peindre pour traduire une émotion,
Dessiner peindre pour dire une idée, un concept,
Dessiner, peindre en lien avec l'histoire de l'art,
Dessiner, peindre pour comprendre les maîtres de la peinture,
Dessiner, peindre pour ...

En tant que professeur je fais mon possible pour trouver des exercices qui permettent à chacun de trouver son chemin dans ce dédale qu'est la création artistique. En ce moment je me sens quelque peu à court d'idée. Pour cette séance chacun a choisi son chemin.

Continuer un sujet déjà abordé et lui donner une nouvelle vie, avec des petits croquis puis un dessin.

J'ai choisi de montrer le dessin tourné de droite gauche, je trouve toujours intéressant qu'un détail aussi simple change autant la perception des objets. L'oblique de la poignée dans un cas amène le regard vers les objets, dans l'autre l'anse fait sortir le regard vers l'extérieur.

Avoir un aussi beau bouquet devant soi donne envie de prendre le temps de l'observer, de découvrir toutes les plantes choisies et en faire l'étude.

Choisir un sujet, le laisser évoluer, tenter d'en extraire son essence et non seulement sa forme.

En s'inspirant de Matisse, choisir des objets pour créer une composition d'objet.

Pour savoir comment continuer l'espace blanc, peut-être en se demandant qu'elle ambiance choisir, Celle du matin, un jour de printemps.

Mettre un sujet au milieu de la feuille lui donne beaucoup d'importance, le décaler un tout petit (ici sur la gauche) permet de laisser de la place au chat. Finalement la plante disparaît, le sujet est le chat.

J'aime la liberté de trait que l'on voit dans le croquis avec ce détail de la plante, on ne la retrouve pas dans le dessin définitif.

Réaliser au fil des croquis que seule une partie de ce que l'on a choisi comme sujet nous intéresse. Souvent en dessinant, on découvre ce qui est le plus important nos yeux.

Une des difficultés de l'aquarelle c'est de poser les couleurs les unes à coté des autres sans qu'elles ne bavent, aussi laisse-t-on un passage blanc. Malheureusement le blanc est une des valeurs les plus fortes. Il faut donc faire attention a ne pas séparer toutes les zones colorées par un cerne blanc.

Toutes les photos sur l'album Lundi 11 mai.

Atelier en ligne 17 Chacun son chemin.

2020-05-04T20:13:00+02:00

Par l’intermédiaire d'élèves je découvre le peintre David Hockney, cette fois-ci c'est avec le

thème des objets.

Dans cet article je me permets quelques analyses de compositions qui n'engagent que moi. Réaliser ce type d'analyse sur mon travail me permet de mieux en voir la réalité.

CL. c'est inspiré de David Hockney pour réaliser cette composition.

Je trouve le tableau de D. Hockney déséquilibré. La bouteille est au milieu du tableau, tous les verts sont sur le même côté, aussi le travail de C. avec la pomme verte sur la gauche n'est pas tout à fait identique. Un travail des diagonales, et médianes permettrait une grande précision de composition.

Je suis surprise des choix de composition de Hockney. Il travaille beaucoup avec les médianes, les diagonales et les parallèles. C'est d'une très grande rigueur. Dans cette stabilité immuable, la force des contrastes donne une énergie revigorante aux tableaux . Sur ces documents photographiques je ne discerne pas comment Hockney a réalisé les passages entre les aplats colorés. Depuis le confinement c'est la troisième personne qui me parle de ce peintre, je regrette de ne pas avoir pris le temps de visiter son exposition en 2017.

Voilà le projet de Cl. Le passage en couleur met en valeur une perspective inversée. il y a un triangle d'ombres qui par de la bouteille vers la poire et les pommes.. Cela ouvre la composition vers un espace infini.

À partir de Matisse. Juxtaposition des surfaces, sans chercher à traduire le volume.

Prendre connaissance de son sujet avec un dessin classique, puis recherche des surfaces, avec la question de la verticale de la fenêtre.

Composition obliques, verticales et horizontales

Dans cette composition, il y a le contraste entre le tissu et les objets, la douceur de la matière tissée, et la dureté du métal, froid. Par contre la composition des lignes est dynamique, le petit triangle des objets inséré dans un triangle plus vaste des plis du drapé, Le triangle monte vers le haut, l'angle étant aigu. La base du triangle est en biais comme l'axe horizontal de la chaise.

Dans le dessin la base du dessin est l'horizontale par le pli du drapé, le petit triangle des objets est inséré dans un triangle plus bas. Les objets sont insérés dans un cocon de douceur rendue par la matière du tissus. Sans l'oblique du manche de la verseuse, les objets seraient recouverts et protégés par le tissu.

Dans la composition de la photo les objets sont posés sur le tissu, dans le dessin ils sont enveloppés par le tissu. J'ai tenté la spirale dans la composition du dessin et je l'ai trouvée rapidement, par contre je n'ai pu la trouver dans la photo. Toute cette analyse de composition n'engage que moi. Il est fort probable qu'une autre personne trouverai d'autres éléments et donc une autre interprétation de l’œuvre.

Nouvelle composition,

Sur le croquis j'ai été étonné de la présence de l'accoudoir. Ses angles me semblaient durs dans l'agencement de la composition, courbes des objets, courbe de la table qui apparaît dans le fond légèreté des fleurs. Heureusement l'élève a persévéré.

J'ai resserré le cadre ce qui enlève de la légèreté à la composition.

Pour exprimer plus fortement mon propos, afin de montrer le jeu des angles, lignes droite et lignes courbes j'ai recadré le dessin afin de montrer de quoi je voulais parler. J'ai proposé d'ouvrir l'ellipse afin d'accentuer le jeu des courbes. Il a été choisi de diminué l'ouverture de l'ellipse du haut du pot afin de rectifier la perspective.

Juste le haut de la composition est intéressant.

J'ai choisi de travailler de mémoire sur ce travail.

A partir d'un des croquis j'ai cherché différents cadrage et jeux d'intensité. Quand les objets sont entourés d'une grande surface blanche ils semblent lointains, ou minuscules,

Sérénité du chat.

Je trouve cette composition très riche. Il y a une belle unité entre les lignes des tissus et les lignes du chat. La force du rouge et les lignes du dossier du siège renforce la douceur du chat. Dans le premier croquis je trouve que les fleurs rompent cette ambiance de détente si caractéristique des chats. Je trouve que l'idée du repentir avec l'ajout du petit papier sur le dessin des fleurs est très astucieuse.

Composition de souvenirs de vacances.

l'album mercredi 29 avril.

J'ai choisi un tableau de Chardin. En prenant en photo les objets que j'ai choisis j'ai réalisé que j'étais trop haute, et trop près, j'ai donc recommencé.

La lampe à un mouvement qui ouvre la composition sur la droite. Les fils des pelotes de laine créent un mouvement qui sort la composition du cadre. Puis j'ai mis la lampe dans un autre axe, pris la photo en me reculant pour ajouter de l'espace au-dessus de la composition. Dans mes photos les couleurs n'ont rien à voir le travail de Chardin aussi j'ai tenté le noir et blanc.

J'ai enlevé la lampe pour mettre des objets plus petits. J'ai choisi le petit pot bien qu'il soit incurvé dans un sens inverse au verre du tableau de Chardin. Cela m'a fait prendre conscience que même le sens des courbes du verre en métal, ont de l'importance. La rondeur de mon pot ramolli la composition.

J'ai fait attention également à l'axe des ciseaux, à l'axe des petites pelotes de laine, le contraste des pelotes de laine. Finalement j'ai pris conscience que pour moi l’œuvre de Chardin manquait de de contrastes. J'ai donc utilisé le bois foncé de la bibliothèque.

J'aime le travail de Chardin pour l'humilité de ses objets, leur discrétion. Ils sont posés dans un espace indéfini, presque sans existence. Il nous propose juste des fruits et des objets posés là, sans ostentation. Nous passons devant des objets du quotidien sans vraiment prendre le temps de les observer, nous savons qu'ils sont là à notre disposition. C'est un peu ce que je ressens face à la peinture de Chardin.

L'expérience de Mu. avec Morandi.

Choix des objets, hauteur de l'assise et profondeur de cette assise (avec la ligne d'horizon qui fixe la hauteur du regard)

Mu. a dû changer de table pour éloigner les objets, trouver le bon angle de vue, puis a fait attention aux espaces entre les objets. Être attentif aux nuances et à la nature des dons en fonction de la lumière et des ombres.

Dernière difficulté le cadrage avec l'appareil photo.

Le travail des reflets crée une dynamique très intéressante, fort différente de l’œuvre de Morandi.

L'expérience de Na. avec Matisse.

Recherche de document dans la bibliothèque, Matisse ne cherche aucune profondeur, il utilise sa collection de tissus pour créer des décors à ses compositions.

Puis choix des objets pour préparer son dessin, quels sont les éléments que l'on a chez soi qui peuvent nous servir pour préparer notre travail. Je propose une composition où le verre a moins d'importance.

Travail inspiré de l'art chinois.

Le geste du fusain remplace le geste du pinceau. Trouver comment utiliser le fusain avec ses cinq doigts. Cela permet d'obtenir des traits fins, des traits épais, avec le même geste.

Une pierre sur son socle.

En travaillant sur cette peinture on peut remarquer que l'artiste n'a pas travailler l'ombre et la lumière avec nos critères occidentaux. Dans les fusains Cl. a travaillé uniquement la pierre. Le socle a été occulté, de ce fait la pierre n'a pas de poids, et elle flotte. En positionnant le dessin à l'horizontal la sensation de flottement est toujours là.

Les visages.

Jane Perkins travaille le collage d'objets à partir de peinture ou de photos de personnes célèbres? TH. a travaillé avec ce document pour le transformer en Manga.

Suite du travail de M.H.

Suite des photos dans l'album Mercredi 29 avril

Atelier en ligne -15 choir sa consigne de dessin.

2020-04-27T20:49:00+02:00

Recherche de matière, dessin de mémoire, choix de sculptures et travailler le clair et le sombre, travail de la couleur...

Photos dans l'album Lundi 27 avril.

Le contraste claire - sombre, le contraste surface - ligne simple se combine bien. Le petit bouquet donne de la vie au tableau. Par contre l'orange ne semble pas nécessaire si ce n'est pour présenter le masque africain. La présence du coin du mur et du tableau permet de dessiner des lignes verticales qui répondent à la verticalité de la sculpture tout en mettant en valeur la délicatesse des courbes. A.M. qui a dessiné à partir de cette composition a choisi d'être attentive aux clairs et aux sombre. Il est nécessaire de bien regarder la puissance des sombres dans la sculpture claire, et la puissance des clairs dans le masque. L'ombre d'un blanc peut-être noire et la lumière d'un noir peut être blanche.

Ambiance printanière on sent le vol des papillons, le pépiement des oiseaux.

En regardant rapidement cette photo, je n'ai pas vu le calque, j'ai cru que c'était un grisé pour créer un espace, une profondeur nouvelle, avec un rythme de composition vivant accentué par la césure blanche au tiers sur la droite. La sinueuse des verts, avec la masse des mauves, accentue la stabilité de la masse des fleurs de droite.

Reprendre le dessin de la semaine passée, portrait de mémoire de personnes chères.

Prendre des papiers différents faire un dessin sur chacun, pour ensuite réaliser un collage.

Je vous présente des orientations et des cadrages différents pour les dessins qui suivent. Prendre l'habitude de faire des essais de cadrage avec des bandes de papier, regarder son travail sous des angles différents (en tournant sa feuille, dans un miroir) permets d'en appréhender la composition avec le rythme des lignes, des valeurs, des surfaces. Dès que nous pouvons regarder notre dessin comme si c'était celui de quelqu'un d'autre notre regard est plus libre, il s'éloigne de ce que nous aurions aimé réussir.

Un petit truc, faire un cadre dans sa feuille de papier afin de réduire son format, ainsi si l'on souhaite agrandir le format de départ on en a la possibilité.

Suite du dessin.

Continuer avec ces objets, une nouvelle composition. créer un fond mouvement d'algues stabilité des objets des fonds marins, souvenirs souvenirs.

Échauffement, connaissance de son sujet avant de se lancer dans un dessin de plus longue haleine.

Croquer un proche. Le second croquis est réalisé sans regarder la feuille, le résultat est très vivant. Par la suite A. a choisi de dessiner le visage.

J'ai choisi de reprendre l'aquarelle délaissée depuis longtemps, expérience étonnante. Retrouver les couleurs, leur mélange, retrouver le geste. À chaque pinceau des possibilités différentes. Papier léger qui gondole, ...

Je vous propose des mises en page différentes non pas l'une meilleure que l'autre, mais un résultat différent

Toutes les photos dans l'album lundi 27 avril.

atelier en ligne -8- 3 objets

2020-04-09T21:39:00+02:00

Nous continuons le thème : prenons trois objets et cherchons le lien que nous pouvons créer entre eux.

Choisir des objets de notre quotidien pour créer une "vie silencieuse".

Sur le thème de la couture, sur le thème du voyage, sur le thème de la pause de thé, de la gourmandise, sur le thème des transports en commun. C'est un peu mettre des trésors ensembles liés entre eux par notre émotion, nos sentiments.

Petites notes initiales qui ont permis la réalisation des aquarelles.

Du feuillage mis en haut de la feuille pour animer cet espace.

Se remonter le moral en prenant une tasse de thé, des fruits secs. Pour une question de profondeur, faut-il diminuer l'intensité de l'anse, et des décor bleu du petit bol du fond. Mettre un fond donnerai plus de densité au tableau et du coup alourdirai l'ambiance. Souvent nosu devons faire des choix non pas pour que le dessin soit mieux mais juste pour être au plus près de notre ressenti.

L'espace entre les objets ainsi que l'écriture choisie va créer une histoire fort différente entre ces dessins. Vous pourrez voir plus d'études dans l'album

A partir d'une photo prise dans le métro.

Le lien entre les personnages est rendu avec les lignes des sièges, des fenêtres du wagon du métro. La couleur bleue du troisième dessin donne beaucoup de vie, la couleur rouge du quatrième dessin créer une certaine angoisse.

Suite de la recherche sur le mouvement des oiseaux. Trouver le geste juste pour un trait juste.

Je continue avec ma marionnette indonésienne.

Toute les photos dans l'album 3 objets

Atelier en ligne -6-

2020-04-02T20:09:00+02:00

Prendre des objets qui nous entourent et les combiner dans une composition.

Voir les photos dans l'album Mercredi 1er avril

Il est difficile de trouver des objets pour créer un sujet, il y a ceux que l'on aime, ceux qui nous raconte une histoire, ceux que nous avons à porter de main, puis il faut les agencer pour que les objets créer une composition. Enfin les dessiner. Ce dessin me fait penser à l'histoire d'Aladin qui surgit de sa lampe.

Beaucoup d'espace entre les objets, beaucoup de vide dans le papier nous donnera un dessin d'expression aérienne, ou chaque objets flottent dans l'espace comme dans un rêve.

Choisir une mise en page et la dessiner sans regarder sa feuille, le crayon librement glisse sur la feuille de papier, le trait gagne en souplesse. Dessiner sans regarder son papier nous libère du jugement, j'ai raté, ce n'est pas bien fait, les proportions sont fausses, ... Quand je fais moi-même cet exercice, je suis souvent étonnée du résultat comme si ce croquis obtenu me révélait ce que j'avais réellement vu.

Mise en couleur, reprise de la composition en coupant la feuille ou en remplissant l'espace. Le fond permet de mettre en valeur le blanc du carnet. La séance étant terminée l'élève a choisi d’arrêter l'exploration là.

Trouver la ligne juste pour exprimer son ressenti. Plusieurs croquis, sur une feuille, reprise sur des feuilles plus grandes.

Jouer avec les proportions .

La taille des objets est modifiée etle dessin raconte une histoire.

Quels objets choisir ?

Un autre sujet sur une carte, la carte est-elle en soit un objet ou simplement un support ?

C'est en essayant soi-même de de créer une composition que l'on peut réaliser l'art d'un peintre comme Chardin. Si un jour vous voulez un cours sur ce sujet nous pourrons tenter l'expérience en regardant comment il a fait.

Sur le dessin de droite les objets semblent faire du surf, sur celui de droite ils semble bien sages.

La table ronde change la composition avec les ombres qui répondent. du coup il y a deux espace, la table avec les objets, et le fond.

Il est intéressant de voir la différence entre les objets sur la table avec ses les lignes obliques et le dessin qui donne la priorité à la verticalité.

Le dessin réalisé avec ces trois objets me fait penser au monde de l'enfance.

Voir les photos dans l'album Mercredi 1er avril

17 boutoir 2019 : La tarte aux poires, chocolat et mascarpone

2019-01-17T19:00:00+01:00

Le Chant du Cygne (5)

2017-07-28T18:46:00+02:00

Petit feuilleton historique estival

Un Kilo de Reinettes

A travers son Journal, le peintre belge Henry de Groux (1866-1930) est un témoin de premier plan, quoique méconnu, de l'art de son temps.

Praticien exigeant, admirateur d'Eugène Delacroix comme Baudelaire, de Groux se montre le plus souvent sévère avec ses contemporains. Son engagement total au service de l'art et son amitié avec le pamphlétaire Léon Bloy le tiendront à l'écart des circuits officiels de l'art ; l'artiste belge, à demi-marginal, parviendra non sans difficultés à vivre de sa peinture.

Extrait de son Journal (Eds Kimé) :

3 Août (1903) : (...) Puisque j'en suis à parler de M. Cézanne et que l'occasion rafraîchissante s'offre à moi de déclarer tout le mépris que m'inspirent sa conception de la figure humaine, et plus encore ceux qui se croient obligés de l'admirer, qu'il me soit accordé du moins de lui rendre cette justice : il a, je le veux bien, quand il peint des poires (mais pas celles de ses acquéreurs) ou des pommes ou des prunes ou des pots de grès ou des pots de chambre une santé d'oeil véritable, malgré l'effroyable patauderie de sa pesante technique.

(...) Certaines natures mortes, par la fidélité très servile de leur rendu, font excuser la ridicule maladresse du technicien; mais ce qui est passable ou tolérable du moins dans l'interprétation d'un moutardier, d'un céleri ou d'une rave, d'une botte de radis ou d'asperges, ou d'un kilo de reinettes n'est absolument plus permis dès qu'il s'agit de la figure humaine, qui réclame, on en conviendra, une autre science et une autre psychologie.(...)

- H. de Groux et Cézanne ont en commun de revendiquer l'héritage de Delacroix. Mais, tandis que Cézanne aborde la peinture en mathématicien ou en mécanicien (rôle crucial de la perspective), H. de Groux adopte plutôt une démarche de lettré.

Cézanne prolonge la volonté de Delacroix de fusionner la peinture avec la musique, qui conduit à un système de représentation picturale plus codifié et uniforme (de Groux reproche à Cézanne de traiter la figure humaine sur le même plan qu'un pichet de terre cuite) ; le peintre belge, pour sa part, poursuit l'effort de Delacroix pour traiter de grands sujets dignes de l'esprit humain.

Cézanne et de Groux, leur opposition de style, témoignent de la variété et de la complexité de l'art moderne.

Une peinture silencieuse

2015-12-11T18:04:00+01:00

à Christophe Gohée.

Jacob van Es (vers 1596-1666), Nature morte (Frühstücksstilleben) (vers 1630-1640),
au Stattliche Kunsthalle Karlsruhe,
musée d'état des beaux-arts de Karlsruhe,
dans le Bade-Wurtemberg,
photographie : juillet 2015.

Jean-Claude Schneider, La Peinture et son Ombre

2015-03-25T05:00:00+01:00

L’épaisseur du réel, peintures de Nicolas de Staël

[...]

D’autres peintures se vouent à l’expression de l’espace ou de la lumière ou des vibrations de couleurs, celle de Nicolas de Staël, d’emblée, veut dire l’épaisseur de la matière. Elle, matière, dont ma vue subit la brutalité lorsque l’obstrue ce chaos qui ne me parle pas encore. Masses opaques. Scellées. Ternes et mates. Où le densité croit avec la profondeur. Une infinité de gris. De murs. Pénétrant leur substance, j’habiterai ce mutisme, y décèlerai des assonances avec mes contradictions, mes apories, devinant qu’elles répètent les doutes, mes atermoiements. C’est cela qui affleure dans les toiles alors retenues par le peintre : un accord avec le monde dans lequel il se sent englué, et qu’au visage fermé des apparences répondent les traits illisibles de chorégraphies intérieures. Les titres énoncent l’âpreté de la tâche : la vie est dure, les portes n’ont pas de porte, contre le mur et l’horizon se brise l’élan des lames ; pour approcher le monde clos comme la prison de Piranèse qu’évoque une des toiles les chemins dénoncent leurs entraves. Tout : compact, confus, impénétrable. La lumière même est obstacle, l’air a pris corps. Les vides se comblent, non d’ajours, mais d’opacité. Il faut, pour traduire la nuit des fonds, saturer les tons les plus sombres, et qu’ils diffèrent à peine tant ils ont absorbé la moindre respiration, éteint toute vibration moins sourde. On n’irait pas, s’y enfonçant, traversant, vers le jour, mais vers plus de ténèbres encore. Graduée du plus dense au moins ténu, la pigmentation, de la teneur de l’ombre, énumère dans ces Compositions — ô la chimie des cémentations, la tectonique des intrications — la même abondance de textures, de chairs, que les natures mortes des primitifs hollandais. Les complexes charpentes qui étayent et tendent les peintures des années 47-49 morcellent et multiplient l’espace, y creusent un labyrinthe obscur et profond, citerne aux colonnes brisées ou voûtées, aux anfractuosités dérobées, enchevêtrées. C’est l’intérieur d’un corps.

[...]

Jean-Claude Schneider, La Peinture et son Ombre, "L’Atelier contemporain", éditions François-Marie Deyrolle, 2015, 208 p., p. 66-67.

Exposition Jacki Maréchal en Allemagne

2014-03-04T23:27:00+01:00

Jacki Marechal

GALERIE LAIK
KOBLENZ

Dates modifiées : 27 Mars au 3 mai 2014

Exposition de sa période
« Revisite des thèmes traditionnels de la peinture : Paysages, Portraits, nature mortes »

À venir, Caravage

2014-02-11T09:04:31+01:00

Caravage, Garçon à la corbeille de fruits, 1593, Galleria Boerghese, Rome

La corbeille est pleine. Elle déborde. Elle a l'abondance théologique des natures mortes du temps. On y dénombre une générosité dont se nourrissent l'esprit autant que le corps.

Le jeune garçon enserre la corbeille. il a la modestie d'un serviteur. Comme souvent chez Caravage, le contexte n'est pas précisé. Il ne cherche pas le genre, la fuite anecdotique dans la ritournelle des heures : temps du repas ou de l'offrande ? Il concentre le drame dans le dépouillement.

Au premier abord, ce tableau intéresse peu. On passe vite. Le jeune garçon a un visage, une allure et une tension érotique qui en rappellent d'autres dans l'œuvre du peintre ; pour la corbeille, on pense à celle de 1599 (donc postérieure). Puis, à la énième visite, toutes les autres n'ayant été que lettres mortes en somme, l'œuvre abandonne son irrésolution.

Le regard mélancolique apparaît, du personnage, qui semble lointain, retiré du monde et de sa trame. on sent la faille. La douceur angélique s'altère et la tension de l'âme (plus forte que les signes de l'Éros) atténue la rondeur des traits. Tout allait au mieux ; rien ne laissait présager le drame. Qu'a-t-il vu qui le leste ainsi d'une gravité inquiète et d'un retrait insondable ? Une humeur sans nom ? Un souvenir ?

À moins que ce ne soit l'étrange défaut de la corbeille, cette feuille qui s'en échappe, jaunie, se fanant, et telle, profanant l'illusion d'un temps candide et plein. Elle retombe comme se défait l'ingénuité. Le monde est cruel de signes de notre disgrâce.

Mais Caravage a-t-il jamais cru que la vie était autre chose qu'une course à l'abîme (1).

(1)Pour reprendre le titre du roman que Dominique Fernandez a consacré à l'artiste.

Ostinato

2013-11-18T00:24:00+01:00

Les plaisirs ont choisi pour asile...

Photos : Fragments tissés sur une partition, gauchement, où le pas de l'homme entraîné au coeur de sa forêt l'égare en heurts et flottements. Contre le règne obscur, l'homme trouve où se cacher, oublie ses turpitudes couvant d'autres plaisirs, il se laisse envoûter dans les alcôves humides. Quelques correspondances trament encore le passage d'une mémoire indicible, et l'homme pour l'effacer tentera d'ajuster les formes échouées aux sons de l'ancienne passacaille, un temps bat la mesure d'une terre d'origine à ces mondes bleutés où jadis les navigateurs courageux, afin d'oublier leurs efforts, chantaient les mêmes notes en litanie.

Là bas © Frb 2013.

Nature morte avec rouge-gorge et cafetière

2013-01-31T00:56:00+01:00

Le choc sourd de la mort du rouge-gorge contre la baie vitrée comme si quelqu’un frappait

Que faire de cet instant contre nature un rouge-gorge qui tape dans une vitre

En quoi transformer cette fin pour que ce matin ne tourne pas à l’absurde

En un poème pendant le café ou une photo avec la cafetière

Oui une photo essaie donc ça

© Texte et photo, éditions Orage-Lagune-Express 2013. Droits réservés.

La contemplation de l'immobile

2012-11-28T09:56:00+01:00

Et si l’on regarde, on voit : de la simplicité en majesté.
Une présence intense derrière l’immobilité.
Si l’on regarde, on voit que même ce qui ne clignote pas, ne bouge pas, ne scintille pas, ne fait pas de bruit, peut avoir de l’intérêt et de l’importance.

Christophe André, Méditer jour après jour, page 124

Mardi: Il pleut, à torrent.

Je ne peux faire ma promenade quotidienne qui est aussi pour moi mon moment de méditation je dirais de « pleine conscience en pleine nature ».

Souvent la pluie quand elle tombe trop fort, quand les éclairs déchirent le ciel, tout cela peut m’amener au mal être ou à l’angoisse. Heureusement, j’ai « mes outils » et parmi eux la contemplation. Et si j’aime la pratiquer au bord d’un chemin ou de mer, je sais que je peux aussi le faire également « en intérieur » en regardant ce qui m’entoure, où que je sois !

Dans son livre Méditer jour après jour, Christophe André nous invite à nous abandonner au vertige de la contemplation des objets quotidiens : une pomme, un brin d’herbe, un téléphone… .

Christophe André évoque la « nature morte » et s’exclame :

« Quel drôle de nom ! ». Il précise que l’appellation anglaise still life – vie immobile -,
et l’allemande, et la flamande, qui disent la même chose, sont bien plus proches de la réalité(…) Dans ce monde en mouvement, dans ce monde utilitaire,
la nature morte nous arrête : vie immobile, vie inutile.
Inutile ? Parce qu’elle n’a rien à montrer que de l’ordinaire ?
Mais justement : ce qu’elle nous montre, c’est l’ordinaire qu’on ne regarde jamais.

L’auteur, qui pratique la méditation depuis des années l’utilise aussi pour soigner à l’hôpital Saint Anne. Son livre est un beau livre au sens spirituel mais aussi artistique. (Superbes illustrations)

Mercredi: J’entends en écrivant ce billet les prévisions météorologiques qui annoncent la poursuite des précipitations…Je lève les yeux de l’écran de mon ordinateur et un monde s’offre à moi :

Si l’on regarde, on voit qu’il y a de la beauté, de l’intelligence et même de la grâce
dans le simple, l’accessible, le disponible.

Les passages de cette Note en italiques sont extraits du chapitre Voir l’invisible et vous trouverez sur le site de Christophe André la présentation de son livre Méditer jour après jour.

Strip Lola

2012-11-03T15:42:00+01:00

Voir, savoir

2010-06-01T01:11:00+02:00

Jan van Huysum (1682-1747), Nature morte aux fruits

La peinture est un modus operandi qui a longtemps mis en jeu trois éléments distinctifs : le référent, c'est-à-dire l'objet (ou le sujet) à imiter, ce qu'on appellera abusivement la réalité ; l'œuvre comme telle en tant que rendu de cette réalité ; les signes symboliques structurant le sens de ce travail pictural (1). Cette relation aussi évidente (mais c'est une illusion) a longtemps fait croire que ce que nous voyions, puisqu'il y avait moyen de s'y repérer, épargnait de s'interroger sur la lecture même que nous pouvions faire du procès de la signification. Ou, pour plus d'exactitude, elle a formé, avec le temps, une sorte d'écran.

Le basculement vers l'abstraction a jeté un trouble et l'un des reproches les plus courants à son encontre a été justement de faire glisser la peinture du côté des mots, d'un appareillage discursif sans lequel il n'était plus possible de comprendre où voulait en venir l'esprit de l'artiste. C'est sur ce point que revient Jacques Rancière lorsqu'il fait ce constat que les débats sur la peinture ont touché avec le tournant du XXe siècle la question du modèle explicatif. Les opposants à l'abstrait invoqueront aisément que la lisibilité de l'œuvre, et ce serait là sa limite, ne se cristallise qu'à partir du moment où un commentaire le précède. D'une certaine manière, cette évolution de la peinture nous précipite vers un «trop de mots», et des mots qui ne sont nulle part sur la toile, alors même que l'œuvre mimétique nous garantit une lecture quasi instantanée. Il n'y aurait avec ni disjonction, ni extrapolation. C'est là, cela se voit, on sait ce qui est représenté. La peinture peut alors se fondre dans l'exercice du protocole descriptif et cette adéquation a quelque chose de rassurant (peu importe, d'ailleurs, que l'œuvre plaise ou non).

Mais décrire n'est pas signifier, lorsque la description croit que le visible n'a pas d'autre destination que la représentation. Ce leurre est à la fois ce qui rassure la culture de l'observateur (qui se dit que voir, c'est savoir) et restreint l'œuvre. Si, par exemple, je m'arrête sur le tableau de Jan van Huysum, je peux toujours le réduire à un travail convenu de nature morte, avec une multitude d'objets que mon sens de l'observation pourra détailler et dont je pourrais apprécier le rendu, ne serait-ce que sur le plan de la composition et des équilibres chromatiques. Il est fréquent alors de n'y voir qu'un protocole technique doublé d'un petit exercice de botaniste et de jardinier. Pourquoi pas... Ce réductionnisme est d'autant plus facile que nous avons perdu, lentement mais sûrement, les repères qui ont fondé en partie l'exécution de cette toile. Combien aujourd'hui sont-ils à même de considérer cette Nature morte aux fruits dans sa dimension spirituelle, de raccorder les éléments peints à une symbolique précise ? On peut regarder cette profusion comme le signe d'une richesse sociale, la traduction d'un essor économique dans une Hollande vouée au commerce. Certes, mais quid de la spiritualité ? Ces œillets sont une allégorie de la Résurrection ; ces raisins un écho du sacrifice christique ; cette grenade, outre sa symbolique mariale, définit aussi la relation du chrétien à sa communauté, à la fois particularisé, comme chaque grain du fruit, mais indissociable de cet ensemble auquel il se rattache ; cette noix est une allégorie de la nourriture spirituelle du message religieux : il faut faire preuve de persévérance car, derrière l'âpreté de l'apprentissage, la dureté du travail de connaissance, viendra le fruit récompensant cette volonté...

Ce qui est offert à l'œil du spectateur nécessite donc, outre une attention, un savoir, construit, maîtrisé ; ce que peint van Huysum est aussi un discours qui n'est pas moins abstrait dans les détours qu'il prend que les commentaires élaborés à partir d'une installation de Beuys. Mais le processus de laïcisation de la culture occidentale en a rendu le décryptage difficile, voire souvent impossible. Et nous nous rassurons en raccrochant la contemplation de la toile au seul paramètre de la représentation, comme si la mimesis avait été une fin en soi.

(1)Ces signes symboliques sont complexes, touchant à la fois la modélisation de l'espace (comme le démontre Panofsky quand il analyse le procès de la perspective), les choix esthétiques liées à un cadre idéologique déterminé (la place donnée aux corps, aux architectures, à la nature,...), les éléments métaphorisés (que nous allons évoquer plus loin).

Cézanne, le toucher et le goût

2010-05-01T01:43:00+02:00

nature morte avec des pommes et un pot de primevères (détail), Metropolitan Museum

Il ne faut, je crois, en ce qui touche l'art, quelle qu'en soit la modalité, jamais se réduire à des questions de simple goût, à se complaire dans ce qui serait une affaire personnelle. C'est ainsi que l'histoire même des représentations peut se construire et nous laisser approcher ce qui, en apparence, nous était lointain (dans le temps et dans le regard que cet art impose sur le monde). Néanmoins, il n'est pas absurde non plus de dire que certaines œuvres font un détour particulier dans notre vie et qu'elles y prennent un sens, ou plutôt : une saveur inhérente à la trajectoire qui est (et fut) la nôtre.

Cézanne. Depuis longtemps, l'éblouissement existe. Celui des formes simplifiées, bien sûr. Celui des couleurs aussi : le bleu, le vert, le bistre, pour les décors de la montagne Sainte-Victoire ou de l'Estaque. Il y a chez lui en la matière une puissance que je ne trouve chez aucun des impressionnistes, Monet compris. On a envie d'y être, tout en sachant que ce que nous verrons, qui plus est aujourd'hui, sera moins riche que les profondeurs offertes par son œil à lui. Mais ce n'est pas de paysage que je m'occupe dans ce billet.

Des pommes. Sujet banal, et biblique, d'une certaine manière quand les artistes des siècles antérieurs en faisaient un des éléments signifiants de compositions végétales dont il fallait déchiffrer la symbolique (1). Cézanne en a beaucoup peint et je les avais aimés, ces tableaux de nature morte. Aimés, sans le moindre choc, dans un certain détâchement, comme si j'étais resté dans la contemplation esthétique et, de fait, avec moins de vigueur que les fameux paysages. Il s'est produit il y a deux semaines comme un renversement et je les ai vues autrement, dans une sorte d'empathie stupéfiante venant s'ajouter à l'appréciation précédente. C'est une histoire, un concours de circonstances. Il ne faut pas négliger les circonstances, donc.

J'étais dans une grande surface à Manhattan et je me retrouve au rayon fruits et légumes, devant ce dont on m'avait prévenu : un étal parfait, de fruits brillants, lisses, calibrés, américains. Des objets quasi plastifiés qu'on n'a pas envie de toucher tant ils semblent étrangers à la nature. Des pommes, peut-être : une idée de la pomme, en tout cas, abstraite à vous en dégoûter. Le lendemain, je me retrouve au Metropolitan Museum et bientôt (!) dans la salle des Cézanne. Des pommes, là encore. Plusieurs toiles, dont je peux apprécier soudain la matérialité, sans doute parce que, la veille, celles du magasin m'ont à ce point consterné qu'elles me reviennent immédiatement en mémoire. Les pommes de Cézanne ne sont pas lisses, bien peintes, à la manière des Hollandais du XVIIe siècle, sans la trace du vers pour nous rappeler le péché originel, la Faute et tout son cortège. Je le savais (Zola, déjà, écrivait : «Les pommes de Cézanne, elles viennent de loin») mais sans jamais en avoir encore estimé la puissance. Je m'approche puis me recule. Elles sont là, posées. Le pinceau de Cézanne leur a épargné la rondeur, la géométrie du produit fini. Il a laissé de côté la patine, le reflet, l'éclat. L'imposition des couleurs n'obéit pas à une progression nette. Il semble que le rouge, le vert, le jaune se disputent de façon presque aléatoire la place. Les fruits sont d'ailleurs disposés dans la simplicité d'une répartition sur la toile qui suggère le caractère imprévu de leur saisie. Elles n'ont pas pris place. La main de l'homme qui aurait pensé un quelconque agencement est absente, invisible. C'est un hasard de les voir ainsi, en quelque sorte. Un hasard heureux. Il ne s'agit pas de dire qu'il n'y a pas de composition, d'équilibre, mais celui-ci semble intérieur aux objets de sorte que j'ai devant moi une table, un compotier, une assiette, un torchon etc. (selon le tableau que je regarde) dans un certain désordre me ramenant à la vie, à du connu. Je creuse. Je me rapproche. L'épaisseur de la peinture et son irrégularité donnent aux pommes une texture qui me séduit parce que je sens que Cézanne ne souhaite qu'on y croque à pleines dents. Disons-le autrement : il ne veut pas que l'on croie qu'en y croquant nous entendrons le bruit sec de la fermeté. Elles ne sont pas rabougries, loin s'en faut. Elles suggèrent simplement, par la technique qu'il a employée, qu'elles ont, avant d'en venir au cœur plus dur, plus tenace, une couche un peu molle et douce. D'ailleurs, avant de s'y attaquer, on aura passer la main dessus, pour les essuyer rapidement et parfois en retirer une partie talée. Et l'on aura senti qu'elles ont une peau épaisse qu'il faudra mâcher plus longuement et cette peau est du genre à se glisser entre les dents. Ces pommes ont une petite acidité fraîche qui agace d'abord puis éveille. Je les connais. Ce sont les mêmes que celles de mon enfance, du jardin ou de la voisine qui les amenait dans un sac ou dans une bassine et les posait sur la table en disant : «c'est pour vous». Nous en mangions à n'importe quelle heure, sans avoir faim. Quand il y en avait trop, on faisait de la compote. Ce sont les mêmes. Non pas exactement et peu importe à quelle espèce elles appartiennent. Elles sont les mêmes parce que Cézanne a choisi, aussi paradoxal que cela soit, de s'effacer, de refuser le bien peint à la recherche qu'il est de la sensation, du visible anecdotique par lequel l'anodin permet la relation avec la mémoire de chacun. D'une certaine manière, elles sont plus réelles (le mot est employé ici par défaut) que celles du grand magasin, sans que la moindre entreprise d'artifice et de séduction ne vienne entraver ma délectation. L'envie d'en prendre une ? Même pas. Ce n'est pas l'objet qui désormais m'accapare, plus seulement le fruit, mais la résonance d'une matière que je connais (de la peinture) et d'un sens qui lui est associé : la vue, avec deux autres, imprévus : le toucher et le goût.

Il y a plusieurs tableaux de ce genre au Met et je passe avec eux un temps de vrai bonheur. Je découvre au milieu de cette modernité extra-ordinaire un joyau d'un autre temps, d'un autre siècle. Mais, justement, peut-être est-ce la confrontation des deux qui a rendu possible cette découverte. La percussion des temporalités fracasse le cadre dans lequel j'évoluais et d'avoir regardé avec désolation l'objet avili d'une consommation aseptisée m'a placé dans une disposition inédite. Il fallait le rapprochement de deux univers incongrus pour que s'opère cet éveil. Je suis en éveil, à l'écoute du visible. Je reviens sur moi et il me semble, non que le peintre les aient faites pour moi (quel orgueil !) mais qu'il a compris ce qu'était leur réalité. Alors, cette chose, vue et revue, consommée mais négligée prend une autre dimension et je ne sais pas comment dire la joie, le plaisir que m'offre Cézanne de cette rencontre, parce que l'on croit souvent (du moins cela a-t-il été mon cas) que seuls les grands sujets nous ouvrent les portes les plus précieuses. Il y a longtemps que je suis revenu de mon erreur mais peut-être pas autant que je le croyais. Et cela, d'être une fois de plus détrompé de ses a priori tenaces, n'a pas de prix. Gustave Geoffroy a rapporté que Cézanne répétait : «avec une pomme, je veux étonner Paris». Vrai ou faux, qu'importe, puisqu'un siècle plus tard, c'est le monde qu'il fascine.

(1)J'y reviendrai un prochain billet, pour parler de l'invisible dans le visible figuratif.

Les automnales de St Nizier

2009-09-22T00:29:00+02:00

"Semis de Saint Maurice récolte à ton caprice"

Dicton du jour

Le 22 Septembre est le 265 ème jour de l'année au calendrier grégorien. (Plus que 100 jours avant les cotillons). On rend grâce aux Maurice par une géante courge chaussée de coloquintes qui défile dans les rues sur des parachutistes rousses.

Le 22 Septembre. C'est le 29ème jour de la Vierge, folle de sa saison, rêvant place St Nizier d'une gelée de coings-grenades à emporter dans son panier pour manger tout de suite, ou déguster après, sous les parasols vermillon de la Manille, à Tupin.

Le 22 Septembre, Edouard 1er, roi d'Angleterre s'en alla de terre Sainte pour la neuvième croisade, ses esclaves portant au calife, une jarre d'un nectar de raisin de Gloucester (l'équivalent anglais des "tulipes de Juillet du Nabirosina") piqué d'un poison d'amanites vireuses dont le chapeau couleur blanc crème, pourvu d'un mamelon centré, séduisit diablement notre courge qui passant du orange au rouge en effraya le fragon petit houx.

Le 22 Septembre pieds nus sur les pelouses, qui bordent la grande roseraie du parc de Tête d'or, quelques enfants sautent à pieds joints sur des bogues de châtaignes.

Photo : Le 22 Septembre l'année dernière, le vieux Georges, ajustait la rime à son verbe moyenâgeux. Le 22 Septembre, cette année, le magasin des belles personnes aux doigts verts et autres dames jardinières, oeuvre en façade à la nature morte flamande... Il faut croire que la saison des labours inspire. Heureux, qui comme l'automnal, a savouré en léger décalé, un retard qui s'éternise... Il suffit d'une petite boutique d'art floral. Si cette sublime composition n'était pas si consciencieusement étiquetée, j'enverrais volontiers (par pneumatique) un bouquet d'héliantes divariqués au virtuose étalagiste (on peut quand même le remercier). Vu à Lyon, place St Nizier, juste en face de la belle église du même nom et de surcroit assez gothique. Septembre 2009. © Frb

Battre la campagne (6)

2009-08-03T03:12:00+02:00

Battre la campagne, loin des pavés. Suite...

Photo : Une étoile tombée d'un sapin ? Foulée dans la forêt profonde au hameau dit "Les grands moulins". Aôut 2009. © Frb

Nature morte

2008-11-15T13:51:00+01:00

Aquarelle et Huile sur toile 75x55

Nature morte

2008-02-12T10:07:00+01:00

Huile sur toile 40x80

07 février 2008

2008-02-07T21:25:00+01:00

31 janvier 2008

2008-01-31T21:25:00+01:00

30 janvier 2008

2008-01-30T21:55:00+01:00

27 janvier 2008

2008-01-27T21:35:00+01:00

25 janvier 2008

2008-01-25T22:35:00+01:00

10 janvier 2008

2008-01-10T21:50:00+01:00

04 janvier 2008

2008-01-04T22:25:00+01:00

La peinture n'a jamais tué personne .... sauf dans mes polars !

2007-12-02T16:03:23+01:00

Mon dernier né (il n'a qu'un père ..... moi !)

des nouvelles du petit monde de la peinture

2007-11-04T14:48:56+01:00

Hier, un reportage télé sur un peintre indien : sayed raza.

Il souhaite faire don de ses œuvres à une commune près de menton à condition qu’il y soit exposé tous les étés pendant quarante années.

Voir les images sur google !

Un format F12 : 40 000 euros

Un format F50 300 000 euros ……

Qui a dit que la peinture ne paie pas ?

Plus fort encore : Thomas Kinkad (recherchez sur google). Ce peintre m'a été signalé par un ami : Marc Peltzer (recherchez sur google)

Ce peintre américain ne vend jamais ses tableaux, il les fait copier par sa société qui compte 200 copistes et ne vend que les dites copies.

Il est le peintre le plus riche de notre temps.

Le petit monde de la peinture réserve bien des surprises !!!!!!!

Vive la peinture, le président et le dentifrice de montélimar !!!!!

14 août 2007

2007-08-14T22:17:03+02:00

11 août 2007

2007-08-11T22:17:20+02:00

10 août 2007

2007-08-10T17:57:22+02:00

09 août 2007

2007-08-09T21:59:36+02:00

08 août 2007

2007-08-08T19:44:03+02:00

22 juillet 2007

2007-07-22T15:20:00+02:00

21 juillet 2007

2007-07-21T13:15:00+02:00

20 juillet 2007

2007-07-20T13:15:00+02:00

19 juillet 2007

2007-07-19T22:17:13+02:00

26 juin 2007

2007-06-26T21:13:45+02:00

24 juin 2007

2007-06-24T22:08:23+02:00

19 juin 2007

2007-06-19T22:12:59+02:00

13 juin 2007

2007-06-13T22:29:46+02:00

31 mai 2007

2007-05-31T21:30:00+02:00