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Quand j'entends le mot culture...

2026-10-30T16:25:00+01:00

Dans la queue devant un musée qui expose quelques oeuvres de Giovanni Bellini (1430-1516), un grand-père répond à la question de son petit-fils :

- A quoi ça sert la culture ?

...presque du tac-au-tac :

- La culture ça sert à élargir l'esprit !

Pour un adepte de la culture physique depuis de nombreuses années comme moi, elle sert plutôt à empêcher l'esprit de divaguer, suivant sa tendance naturelle. L'esprit humain peut se dilater jusqu'à contenir plusieurs univers, tant qu'il n'est pas concentré dans l'effort : certains appellent ça l'imagination, d'autre la fantaisie.

Les voyages édifient la jeunesse et l'aident à mûrir ; j'en ai fait l'expérience en traversant l'Atlantique et en mesurant le fossé culturel qui sépare l'Europe des Etats-Unis. La culture des Etats-Unis exclut plus ou moins le "savoir-vivre" et comporte une proportion de divertissement importante extraordinaire. Le type qui a du savoir-vivre aux Etats-Unis sort du lot, on le distingue des autres par une sobriété inhabituelle, une nervosité moins grande... tandis qu'en Italie, en Angleterre ou en France, le savoir-vivre est plus ou moins héréditaire.

Cette différence entre la culture européenne et la culture des Etats-Unis persiste-t-elle en 2026, compte tenu de la domination culturelle des Etats-Unis depuis les années 1960 ?

La culture ne sert peut-être pas tant à "élargir l'esprit" qu'à rendre l'existence moins pesante, et à réduire ainsi le nombre des suicides, par des moyens expéditifs ou par l'empoisonnement alcoolique progressif. La culture est une cuirasse contre les attentats de la vie.

La culture est forcément lacunaire et elle n'est pas hiérarchisée. Ma connaissance des systèmes religieux est au-dessus de la moyenne, depuis la religion astrologique égyptienne en passant par le judaïsme antagoniste, certain culte solaire déguisé en christianisme, la religion matérialiste des Grecs, le monothéisme de Platon, jusqu'à une bonne vingtaine de cultes chrétiens contemporains, concurrents les uns des autres... Mes connaissances en histoire de l'art européen sont aussi supérieures à la moyenne, ainsi qu'en histoire de l'Angleterre... en revanche j'ai de grosses lacunes dans d'autres domaines comme la botanique, la musique baroque ou la géographie mondiale.

On devrait parler d'un "puits de culture" et non d'un "puits de science", car il n'y a pas de savant véritable sans ordonnancement et hiérarchisation du savoir. Les connaissances d'un homme très cultivé ressemblent à une boutique d'antiquaire, où s'amassent parfois des objets hétéroclites.

La contre-culture est une notion importante pour comprendre que la culture est aussi un instrument de pouvoir. La culture de masse, le roman populiste, ne naissent pas spontanément dans le peuple : au stade de la sécularisation de l'Occident, largement entamée dès la fin du XVIIIe siècle, la culture de masse est un substitut à la religion pour diriger les peuples.

Il n'y a pas de culture occidentale à proprement parler : quelle oeuvre plus orientale que la "Divine Comédie" de Dante, ou que la "Recherche" de Proust ? La nostalgie napoléonienne ou mussolinienne de l'empire romain n'est pas un élan que l'on peut dire "occidental" : c'est plutôt une utopie réactionnaire.

La culture aristocratique a été combattue par la culture bourgeoise, et la culture bourgeoise, à son tour, par la culture socialiste-révolutionnaire...

La critique marxiste de la culture bourgeoise pointe en particulier son relativisme, qui entraîne un développement anarchique de la culture. En matière de culture comme de musique, chacun finit par voir midi à sa porte.

Lou tèms passa

2026-10-02T00:00:00+02:00

Le temps passe
Time passes
Die Zeit vergeht

08/07/2024 15:10

20/01/2025 16:50

08/06/2025 17:14

26/09/2026 17:56

Patrimoine de la photographie

2026-09-19T06:19:00+02:00

La maison de Nicéphore Niépce à Saint-Loup-de-Varennes, en Bourgogne-Franche-Comté
Photographie Louis-Paul Fallot (archives 2013)

Pour la 43e édition des Journées européennes du patrimoine, qui se déroulent les 19 et 20 septembre, deux thèmes sont à l’honneur : « Patrimoine de la photographie » et « Patrimoine en péril : raviver, résister, réimaginer ».

"Inventée par Nicéphore Niepce, offerte au monde par François Arago devant les Académies des sciences et des beaux-arts en 1839, la photographie, permet en effet, depuis deux siècles, de représenter les monuments grâce à des images qui constituent souvent un point de repère important tant du point de vue de l'histoire locale, nationale et européenne, que de la mémoire collective. Elle a acquis, à partir des années 1960, sa propre valeur patrimoniale. Conservée dans les services d’archives, les bibliothèques et les musées pour ses qualités documentaires, elle est peu à peu collectionnée pour sa valeur artistique avec les premiers musées qui lui sont consacrés : musée français de la Photographie, le musée Nicéphore-Niepce, l’organisation des Rencontres d’Arles, la galerie du Château-d’Eau mais aussi l’ouverture de cabinets de photographies au Centre Pompidou et au musée d’Orsay. »"

Lire le texte complet sur le site des journées du patrimoine.

"A l’initiative du Musée Maison Nicéphore Niépce, et en collaboration avec Jean-Louis Bruley, Manuel Bonnet et la mairie de Saint-Loup-de-Varennes, la Route de la Photo vous propose de découvrir la Bourgogne sur les traces de Nicéphore Niépce, l’inventeur de la photographie."

Extrait de bicentennial-of-photography.org

Saint-Loup-de-Varennes
Photographies Louis-Paul Fallot (archives 2013)

1985

2026-06-07T00:00:00+02:00

Photo Maurice Costa. AMA182Fi2660.

Un mort au musée. Les autorités enquêtent. (suggestion de présentation).

Cinquant'un an après carriero Frederi Mistrau

2026-04-14T00:00:00+02:00

Cinquante-et-un ans après rue Frédéric Mistral
Fifty-one years after Frédéric-Mistral Street
Einundfünfzig Jahre später in Frédéric-Mistral-Straße 64

Photo Pierre Benoit, décembre 1975.

11/04/2026 13:26

Symphonie si faux nez

2025-11-02T21:59:00+01:00

L’a paumé son museau, celui qui l’inspirait tant, qui l’avait faite avancer par le bout du nez, elle croyait qu’il serait là tout le temps mais non rien de fixe, impossible de fixer quoi que ce soit. Elle louche, elle ne parvient pas à le fixer, elle pensait être fétichiste mais même pas, ce n’était qu’une passade cet attachement à certains détails de son museau. Quand on lui demande ce qu’elle est, elle est incapable de répondre. Elle sait au fond que ce n’est pas qu’une parade, cette façon d’être tout ou rien, elle est tout et son contraire, à commencer par être ce que son museau refoule au plus profond. Elle est ce mouvement adverse qui conduit son museau à des blocages, à des apnées du sommeil ou à des actes auto-agressifs. Elle essaie d’ouvrir sa propre clenche, celle qui empêche l’air d’entrer et de sortir, elle sait qu’elle ne pourra pas le faire pour son museau mais au moins elle le fera pour elle, ce n’est pas elle qui pourra empêcher la clenche de ce museau-là de se refermer. Déjà il faudrait en avoir envie, de sentir ce portillon à l’arrière-cour, ce clapet retenant le plein de gazoline dans le haut-perché. Elle voit la forme que tout cela pourrait prendre d’ici quelques années, une poule industrielle avec des petits bras de tyrannosaure, une volaille à l’œil exorbité piquant un grain à moudre pour roter un cri, puis un autre, puis un autre, déjà des millions de grains auront été absorbés et rotés et un beau jour, un organe livide sortira de son cloaque et il sera trop tard pour se demander de quel morceau de sa composition il s’agit. Elle sait que son cœur a envie de dire ceci-cela, peut-il dire qu’il est ce qu’elle croit lire du reflux de son museau ? L’écho de ce reflux dans son refoulé à elle. Elle n’a pas manqué, à chaque instant, de penser à son cœur-museau mais déjà il a filé et elle ne ressent pas le manque, terminé. Elle le sent derrière elle, déjà il n’est plus là, ces derniers temps lorsqu’un nouveau museau apparaissait il était là et déjà il n’y était plus, emporté par la vague. Elle dit qu’il restera dans son cœur à tout jamais elle sait que c’est faux, mais son museau que ce soit vrai ou faux il s’en moque, tant qu’elle continue d’écrire c’est le principal, qu’elle parle de lui ou de quelqu’un d’autre peu importe, il sait que c’est un faux nez qu’elle pose sur ses textes. Son cœur est une carapace vide où l’air ne fait que passer, cela fait de la musique, point. Elle n’est pas là la vraie solitude, elle sait que pour l’atteindre elle devra monter sur le dos de son museau, sur cette carapace où il n’y a que du vent, l’altérité c’est fini, plutôt l’altérité c’est ce qu’il adviendra de cette image. Elle doit commencer par abandonner le motif du museau, remarquez elle n’en a pas un mais plusieurs, il y a toujours une symphonie quelque part, mais qui que quoi donc or ni car ?

Cambriolage au Louvre

2025-10-20T16:52:11+02:00

Firmin au museon Calvet

2025-10-19T00:00:00+02:00

Firmin au musée Calvet
Firmin at the Calvet museum
Firmin im Calvet Museum

Claude FIRMIN (°1864 †1944)
Vestibule du Museum Calvet

En vente par l'Hôtel des Ventes d'Avignon
samedi 25 octobre à 10h lot 16
Drouot Interenchères

01/07/2025 16:18

2025-07-06T00:00:00+02:00

Ounte l'aigo s'escoula (pèr Tilia)

2025-07-03T00:00:00+02:00

Où l'eau coule (pour Tilia)
Where the water flows (for Tilia)
Wo das Wasser fließt (für Tilia)

Fontaines de Jean-Michel OTHONIEL aux BAINS POMMER
Musée 25 rue du Four-de-la-Terre
jusqu'au 4 janvier (entrée gratuite)

Lou burèu d'Esperit Calvet

2025-03-22T00:00:00+01:00

Le bureau d'Esprit Calvet
The Esprit Calvet office
Das Büro von Esprit Calvet


	Carte postale argentique. Les Éditions de Luxe Estel ont été fondées en 1902 et sont encore en activité dans les années 1960.

Claude ADELEN face au BRONZE

2024-12-14T21:30:00+01:00

À celles qui sont dans les musées

Les verticaux en foule vont et viennent

autour des taciturnes,

sur la dalle pâle traîne

leur ombre bavarde, paroles

Qui sonnent creux sont les corps

quand on toque à leur dos de bronze,

à leurs torses comme à des portes.

...

Claude ADELEN, Aller où rien ne parle, Ed. Léo Scheer, 2001

Regarde de tous tes yeux, regarde

2024-05-10T00:00:00+02:00

Un chef d’œuvre par semaine pendant une année. C’est le pari que s’est donné un grand-père à sa petite fille pour lui faire découvrir quelques unes des créations les plus marquantes de l’histoire de l’art. Tel est l’objet du best-seller surprise de ce début d’année, Les Yeux de Mona de Thomas Schlesser, paru chez Albin Michel.

Le vieil homme y voit d’autant plus une urgence que l’enfant est atteinte d’un syndrome qui risque de lui faire perdre totalement la vue du jour au lendemain. Aussi, entre chaque rendez-vous médical de l’enfant, Mona et Henry se retrouvent à arpenter des galeries afin que la jeune fille capte cette beauté du monde et qu’elle ne l’oublie jamais, même lorsqu’elle sera aveugle. Cela tombe bien : tous les deux vivent à Paris. Henry invite naturellement Mona à l'accompagner dans les musées du Louvre, d’Orsay et du Centre Pompidou.

Pour chacune des 52 semaines, il choisit une œuvre, de manière chronologique, de Botticelli à Pierre Soulages, en passant par Léonard de Vinci, Nicolas Poussin, Manet ou Picasso. Le rendez-vous hebdomadaire devient un moments d’autant plus sacré que les parents de Mona ne sont pas au courant de ce secret.

Un livre qui entend vulgariser les beaux-arts

Complètement inconnu du grand public, l’écrivain et historien de l’art Thomas Schlesser s’est révélé grâce à Mona et à un livre qui entend vulgariser les beaux-arts. Son roman a déjà été traduit dans le monde entier et on ne serait pas surpris de le voir un jour adapté pour le cinéma ou la télévision.

Malin, Thomas Schlesser part d’un drame familial – la maladie inéluctable d’une petite fille, mais il y a aussi les difficultés professionnelles de son père – pour imaginer un voyage dans quelques unes des plus belles galeries de musée. La construction est simple : après un prologue, chaque chapitre s’intéresse à un tableau, une sculpture, voire une performance (Louise Bourgeois, Marina Abramovic).

Pour chaque œuvre, l’auteur fait un descriptif factuel, avant de laisser les deux personnages, Henry et sa petite-fille, échanger. Au fur et à mesure des jours et des semaines, Mona parvient à acquérir une finesse d’analyse qui laisse le vieil homme interloqué. Le roman se termine par un épilogue qui vient donner une fin étonnante à cette année pas tout à fait comme les autres. Et pour un roman bienvenu et tout aussi singulier.

Thomas Schlesser, Les Yeux de Mona, éd. Albin Michel, 2024, 496 p.
https://www.albin-michel.fr/les-yeux-de-mona-9782226487162

Voir aussi : "Poésie feel good"
"Génie vidi vici"

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Leissas tout esperanço, vous qu'intras

2024-04-18T00:00:00+02:00

Laissez toute espérance, vous qui entrez
Leave all hope, you who enter
Verlasse alle Hoffnung, du, der du eintrittst

Matisse MESNIL
Lasciate ogne speranza, voi ch'entrate (2022)
Fondation Lambert, hôtel de Montfaucon.

La vie secrète des statues et des tableaux

2023-08-27T14:53:30+02:00

Musée

Christophe Chabouté

éditions Glénat

Le musée dont il est question, c'est le musée d'Orsay, spécialisé dans le XIXe siècle.

Il y a les scènes montrant les visiteurs devant les tableaux et les sculptures, et leurs réflexions.

Et il y a les scènes des tableaux et des sculptures qui prennent vie après la fermeture, et leurs réflexions.

Le tout en noir et blanc.

Et surtout, il y a l'humour !

Nounant'an après au Museon Lapidàri

2023-06-27T00:00:00+02:00

Quatre-vingt-dix ans après au Musée Lapidaire
Ninety years at the Lapidary Museum
Neunzig Jahre später im Lapidary Museum

15:08

2023-02-28T00:00:00+01:00

Foro tèms
Hors du temps
Out of time
Außerhalb der Zeit

10.09.2011

Gouirand

2023-02-10T00:00:00+01:00

Paul GOUIRAND licencié ès-sciences, inspecteur pharmacien, chef du service départemental de la bactéréologie, domicilié 26 rue de la République à Avignon.

La pharmacie des Antonites.
Dès 1308 il y avait rue Galante, alors rue de l'Herberie Antique, un hospice de l'Ordre de Saint-Antoine, jusqu'en 1778. L'apothicairerie des Antonites devint après la Révolution une élégante pharmacie à l'angle de la place du Change et de la rue Galante. L'ensemble, des XVIIe et XVIIIe siècles, au 16 place du Change, fut préservé par les titulaires successifs de l'officine de 1786 à 1987, dont les pharmaciens Rouvière, Gras, Gouirand et Bertin. Pierre Gouirand prit en particulier l'initiative de faire restaurer le tout et de le transférer au premier étage, en mezzanine, ce qui permettait à ses visiteurs d'admirer son Musée d'Histoire de la Pharmacie depuis l'officine. Lire.

Quelques mots sur ”Les Choses”, exposition du Louvre consacrée aux natures mortes

2023-01-21T19:34:35+01:00

Quelques mots sur "Les Choses", exposition du Louvre consacrée aux natures mortes

Par Frédéric Andreu

Nous savons que les mots et les choses entretiennent un rapport de clé à serrure toujours à ajuster, surtout en cette heure incertaine où triomphe le matérialisme pratique. Voyons si cette exposition du Louvre sobrement intitulée "les choses" (et sous-titrée : "une histoire de la nature morte") est de nature à (r)établir la sacralité de l'Homme avec les Choses?

Ce qui frappe à première vue en visitant cette riche exposition temporaire, c'est la volonté de dialogue qu'à l'évidence elle manifeste. Il faut dire que l'exposition en impose ! Elle en impose tout d'abord par la pompe de son décorum, par les signatures des artistes exposés (Van Gogh, Gauguin, etc) et par la pluralité des supports, toiles, objets, extraits vidéos. Les moyens techniques font pléthores. Elle en impose aussi et surtout par son ambition historique : elle expose les natures mortes "depuis la Préhistoire".

Une ambition qui se place dans le sillage des encyclopédistes du 18ème siècle comme Diderot et d'Alembert. "Ici, nous sommes au Louvre, fleuron de la culture française, et non dans un quelconque musée de province" semble murmurer cette exposition haute en couleurs. Mais Louvre ou pas Louvre, Paris ou pas Paris, l'"exposition" des œuvres implique de créer les conditions nécessaires au "dialogue" entre nous et les œuvres. Sans ce rapport essentiellement "symbolique", c'est-à-dire visant à (r)établir la plénitude du sacré, une exposition im-pose, en im-pose ou s'im-pose plus qu'elle "ex-pose".

"Dialogisme" ! Je campe ici un terme qui mérite quelques éclaircissements ! Relevons le défi à définir, en quelques mots, ce que nous entendons par "dialogisme" ! Pour se faire, le mieux est encore de le définir par son symétrique contraire: le "monologisme". Est "monologique" une œuvre, un roman, un tableau, une exposition, voire une personne, cette œuvre, ce roman, ce tableau, cette exposition... qui ne semble renvoyer qu'à elle-même. Un monde clôt qui n'impacte pas ou peu l'imaginaire symbolique, personnel et collectif.

Quant une œuvre mobilise l'imaginaire, elle devient alors dialogique, voire polyphonique ; elle fait entendre une voix qui peut devenir une voie. Cette exposition, au demeurant de bonne facture, n'est assurément pas "monologique" au sens péjoratif du terme, mais disons qu'elle nous laisse sur notre faim. Où sont en elle les conditions d'un répons ? Non pas que les cartouches explicatifs ou les citations d'auteurs y seraient insuffisants - elles font au contraire pléthore d'un bout à l'autre de l'exposition - mais que le sentiment qui domine est moins celui d’une expérience muséale que du catalogue exposé.

Nous savons désormais que l’art contemporain, son marché, sa mythologie, est le produit d’un contre-sens sémantique. Ce contre-sens est que le non-dit de l'art dit «contemporain» n’est pas esthétique mais conceptuel. Ironie du langage, les deux lettres acronymiques "A" et "C" désignant l’Art Contemporain, désigne aussi l’Art Conceptuel avec lequel il se confond. Cela est entendu, mais a-t-on pris conscience que le même subterfuge sémantique touche aussi toute la galaxie muséale ? Est qualifiée d’«exposition» ce qui relève bien souvent de l’«imposition», imposition idéologique, historique, esthétique. Disposition imposée des œuvres entre elles, du public ensuite, à qui l'on im-pose un parti pris idéologique : à l'heure où l'art conceptuel est devenu la "norme" esthétique, "exposition muséale" devrait plutôt se dire: "imposition idéologique".

La raison profonde de notre désarroi n'est donc pas le manque d'explication ou de signalétique. Elle est ailleurs. Elle tient à la définition même du terme «exposition» dont il faut rappeler que le préfixe, « ex- », est aussi celui du mot «ex-périence». L'exposition des Choses «nature morte» est univoque, donc peu dialogique. Les concepteurs l’ont d’ailleurs explicitement mise en équation avec l’histoire de la nature morte «depuis la préhistoire» (sic). Certes, l'intention des concepteurs est de briser le cou à ce terme péjoratif de "nature morte", employé pour désigner un "art mineur". Le Louvre cherche ici à montrer, comme un pied de nez à cet art dit "mineur" que les choses ne sont pas si mortes que cela. Elles sont bien vivantes ces pommes et ces oranges dans le tableau éponyme de Paul Cézanne ! Cela tout être sensible en convient !

Cependant, l’exposition «Les Choses» atteint-elle son but ? Rien n'est moins sûr. Pour rendre vie aux objets, fussent-ils « morts», il faut plus que des mots ou des signaux, il convient aussi que l’âme des choses se laissent toucher. L’âme des choses, impalpable, ineffable, que le double regard platonicien, qui est à l'origine de l'expérience esthétique, peut, seul, apercevoir. Regard grec perpétué à l’ère chrétienne notamment dans ces églises où alternent une voix ou un chœur. La nature morte, peinte par un Van Gogh ou un peintre moins connu, peut surprendre le visiteur, entamer un dialogue avec lui, à condition de prendre en compte la dimension de «symbole» qui est au cœur même de l'expérience esthétique. La condition est de prendre en compte la chose présente devant le visiteur, mais aussi son au-delà transcendant, absent et présent à fois, celui des fins dernières. Cela, seuls les grands peintres y parviennent, fussent-ils inconnus.

"Symbole", encore un mot à ne pas prendre à la légère ! Rappelons qu’en Grèce Ancienne, le symbole est un objet séparé en deux parties ("-bole") que l'on peut assembler ("sym-") comme deux pièces d'un puzzle. N'est-ce pas ce rapport symbolique que le musée, "temple des muses", est sensé (r)établir ?

Oui, mais voilà, à l'heure où la spéculation financière dirige l'économie et que l’économie dirige la politique, à l'heure où l’Economie est devenue notre destin, comment la galaxie muséale pourrait-elle nous faire voyager au-delà du travail de sape de la pensée ? Il manque à cette expo un accueil à la transcendance, cet au-delà de l'objet sans lequel la possibilité du double regard platonicien devient caduque. Sans espace acoustique, dialogique par essence, l'expérience du visiteur se limite au mode "mono", celui des idées, des idéologies de toutes sortes, des jugements de valeurs plus que celui de l’expérience sensible.

Comment ne pas échapper, dès lors, à cette fatalité "monologique" fustigée notamment par Michaël Bakhtine ? Certes, c'est le roman qui est visé par Bakhtine et non les Arts Plastiques ; certes, Bakhtine était contemporain de l'ère soviétique et non de la nôtre. Et alors ? Ne pensez-vous pas que le turbo-capitalisme de notre temps ne secrète pas, lui aussi, son lot de pathologie esthétisante ? La spéculation financière dérégulée sur lequel il fonctionne engendre ces cancers conceptuels que l'on peut appeler art «contemporain» ou «conceptuel» et que j’appelle «symptômes». Réplique au sens sismique du terme de cette spéculation dérégulée, la galaxie muséale, ne peut que refléter l’art que de manière symptomatique. Nous ne tenterons pas d'enfoncer le clou et d'expliquer pourquoi objets, toiles, vidéos et photos, ayant partie liée avec cette exposition, ne prêtent guère au dialogisme. Nous ne le ferons pas pour une raison simple : comme le dit l’adage, la critique est facile et l'art est difficile.

Nous mesurons bien la somme des compromis, non-dits, censures et (auto)censures qu’on du subir les concepteurs pour faire entrer leur exposition dans le format idéologique de notre temps. Paris vaut bien une messe. Une expo au Louvre vaut bien un poulet de l’industrie alimentaire accroché au plafond.

À défaut de critique négatives, avançons quelques propositions positives. Nous avons imaginés quelques "absides" situées le long du parcours muséal afin que ceux qui le souhaitent, puissent prendre le temps d'entrer en dialogue avec ces natures mortes pas si mortes que cela. En entrant dans l’abside, une sonate de Mozart attend le visiteur. Il est saisi lorsque les pommes et les oranges de Paul Cézanne se dévoilent devant lui. L'idée ne vous enchante-t-elle pas ? Au lieu de cela, le visiteur de l'expo "Les Choses" tombe - dès l'entrée dans l'espace muséal - nez à nez avec une enseigne inscrite en lettres capitales :

Après ce titre qui sonne comme un avertissement solennel, il emprunte un parcours qui n’est pas sans rappeler un déambulatoire d'église. Il en ressort un moment plus tard avec un catalogue d'images syncopées au fond de ses rétines. Tout autant de pièces de puzzle éparpillées qu'il cherche à assembler en vain. En fait, les oeuvres exposées sont si nombreuses et les supports (poteries, toiles, écrans de vidéos) si différents que le visiteur n'a pas le temps d'entrer en dialogue avec eux dans le temps court d’une visite. Et c'est sans compter sur le bruit infernal du couloir. En d'autres temps, plus musicaux que les nôtres, on aurait pu imaginer une mise en répons entre, par exemple, "les choses et la littérature" ; "les choses et les odeurs" ; "les choses et la musique" ; que sais-je encore ?

Tout au long de ce parcours muséal pléthorique, le visiteur rencontre des oeuvres plus ou moins connues du grand public. La plus connue d'entre elles est sans doute ce célèbre tableau dans lequel Vincent Van Gogh a peint la chambre qu'il occupa pendant son exil à Arles. Les œuvres y sont regroupées par thèmes, là où - répétons-le - on aurait aimé plus de mises en dialogue et de répons. Pis, les provocations idéologiques, en dépit de leurs grosses ficelles, ne sont pas absentes, bien au contraire: là, une jambe humaine posée à même le sol et surmontée par une bougie ; ici, un poulet géant pendu au plafond par un crochet de boucher :

En observateur attentif, j'ai tenté d’apprécier la réaction des visiteurs "surpris" par ce poulet en matière plastique. Les visages oscillaient entre amusement, gêne ou écœurement. À l'heure où les scandaleuses "femen" ne font plus guère recette, cette surenchère à la provocation ne sonne-t-elle pas comme le plus éculé des conformismes ?

L'originalité de cette exposition - parce qu’il y en a une - n'est donc pas dans la scénographie visant à réhabiliter un art injustement jugé mineur. Il n’est pas non plus dans la provocation, aujourd’hui éculée. L'intérêt des «Choses» réside ailleurs. Il réside dans la rupture avec la linéarité historique. À l'évidence, les œuvres qui jalonnent le parcours ne respectent pas la carcan de la chronologie linéaire, de la plus ancienne à la plus récente. Et c'est là un fait tout-à-fait remarquable. Cependant, là encore, rien de nouveau sous le soleil ; je connais un musée où ce choix de rupture a été fait de longue date. Il s'agit du "Kolumba Museum". Il faut avoir visité une fois dans sa vie cet étonnant musée situé à Cologne pour comprendre ce que "dialogisme" et "polyphonie" veulent dire.

contact : fredericandreu@yahoo.fr

Étranges photos

2022-12-23T00:00:00+01:00

L'Orangerie des Musées de Sens accueille une nouvelle exposition de photographies consacrée au travail d'Henri Le Secq (1818-1882), en partenariat avec le musée des Arts décoratifs de Paris.

Un qualificatif colle à cet artiste du XIXe siècle, alors que la photo n’en est qu’à ses balbutiements : celui de "primitif" de ce nouvel art. En dépit de la méfiance du public, pour ne pas dire de son désintérêt, Henri Le Secq a parcouru la France des villes et des campagnes, ramenant des témoignages uniques mais aussi le regard d’un artiste qu’il est bon de découvrir ou redécouvrir.

Les concepteurs de l’exposition sénonaise rappellent que la toute première image fixée est bourguignonne et date de 1826. Nicéphore Niépce réalise une prise de vue à Saint-Loup-de-Varennes, en Saône-et-Loire.

Né à Paris, Henri Le Secq, après des études en peinture fait partie de ses pionniers de la photographie à travers les techniques du calotype et du cyanotype. Au début des années 1850, il se déplace à Sens sans doute à l’invitation d’Eugène Viollet-le-Duc qui y restaure le Palais synodal de 1856 à 1865. Il réalise alors une série de vues de la cathédrale Saint-Étienne et de ses abords ("Sens, Palais synodal").

Scènes fantasmagoriques

Par la suite, c’est un voyage à travers la France qu’entreprend l’artiste grâce à la Mission héliographique. Il immortalise des centaines de lieux, que ce soient ses cathédrales ("Chartres, Cathédrale Notre-Dame"), des habitats populaires ou des sites en restauration. Ce travail patrimonial est également artistique car Henri Le Secq s’intéresse aussi aux paysages. Ses clichés en font des scènes fantasmagoriques, saisies et cadrées avec une rare modernité ("Neige au Champ-de-Mars").

En 1905, alors que le musée des Arts décoratifs ouvre ses portes rue de Rivoli, le fils d’Henri Le Secq offre à l’institution une partie du fonds photographique de son père - plus de 1000 négatifs et tirages. Le public le découvre en partie en 1986, lors de la première et seule exposition monographique qui lui est dédiée.

55 tirages, calotypes et cyanotypes originaux, issus de ce fonds et rarement montrés, ont été sélectionnés pour cette présentation. Outre les photographies sénonaises, on y découvre quelques autoportraits, des vues d’architectures, façades d’édifices religieux ou civils à Paris, Provins, Reims ou Strasbourg, ainsi que des paysages, carrières, champs et ruisseaux. Ces œuvres témoignent de l’intérêt visuel d’Henri Le Secq pour la nature, le patrimoine architectural et religieux, mais aussi de son regard sur le Paris de la moitié du XIXe siècle, alors en pleine mutation.

Cette plongée dans la France de cette période et la redécouverte de l’oeuvre d’Henri Le Secq est à découvrir en ce moment et jusqu’au 20 mars 2023 à l'Orangerie des Musées de Sens. Il faut noter qu’une Conférence sera proposée le 18 janvier 2023 à 18h30, salle du Jubé par Sébastien Quéquet et Emmanuel Berry, commissaires de l’exposition.

Exposition "Les mystérieuses photographies d'Henri Le Secq"
À l'Orangerie des Musées de Sens, du 17 décembre 2022 au 20 mars 2023
135 rue des Déportés et de la Résistance 89100 Sens
Entrée libre
Tél. 03 86 64 46 22
https://www.musees-sens.fr

Voir aussi : "Pincez-moi : Pincemin est à Sens"
"Choses vues"

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Choses vues

2022-10-14T00:00:00+02:00

Derrière "Les choses", l’énigmatique titre de la dernière exposition au Louvre qui se tient jusqu’au 23 janvier prochain, se cache une aventure de plusieurs milliers d’années au cœur de la représentation des objets.

Grâce à 170 œuvres prêtées par plus de 70 institutions et musées, la vénérable institution propose de revenir sur la question de la représentation des choses, depuis les stèles funéraires de l’Égypte ancienne jusqu’à l’intelligence artificielle, en passant par les objets religieux médiévaux, les peintures classiques de Chardin, ou les installations et ready-made du XXe siècle. Le parcours muséographique fait l’objet de 15 séquences chronologiques passionnantes.

Cette histoire de la nature morte, imaginée – on aimerait même dire : "raconter" – par Laurence Bertrand Dorléac met en avant les dialogues entre les artistes et les objets qui les entouraient. La représentation des choses est très ancienne, précise la commissaire d’exposition, avant d’ajouter que l’éclipse qu’elle a connue pendant près de mille ans (grosso modo, du VIe au XVIe siècle) n’a toutefois jamais disparu. Des œuvres du Moyen-Âge sont d’ailleurs bien présentes, y compris en Asie, à l’instar de ces Fleurs d’œillets de Qian Xuan (1314).

Le spectateur parcourt l’exposition comme il ferait un voyage dans le temps, rythmé autant par l’œil des artistes que par leurs pensées, voire leurs croyances. Peintures, installations, objets d’art et vidéos viennent entrer en résonance.

"Mais pourquoi n’y a-t-il pas d’art ancien dans les musées contemporains ?"

Il faut souligner à quel point Le Louvre entend sortir de sa zone de confort en proposant une exposition intelligente qui vient se nourrir à différentes époques et cultures. La représentation des objets est riche de sens : simples objets décoratifs, réceptacles de croyances religieuses, trompes-l'œil mais aussi, à partir de La Renaissance, marchandises prosaïques que l'on s'échange et qui deviennent autant d'objets de désirs recherchés, convoités, accumulés (Errò, Foodscape). L’exposition montre à quel point la nature morte comme genre pictural a connu un véritable âge d’or à partir du XVIe siècle, à l’image des peintures de Jean-Baptiste Chardin ou, plus singulièrement, les portraits d’Arcimboldo, qui "brouille les frontières entre les genres et les espèces".

Mais qui dit "nature morte", dit aussi "vanité". A partir du XVIe siècle, une "crise de conscience" amène les artistes à créer des tableaux dans lesquels un crâne, un sablier ou une bougie qui se consume, rappelle la vanité de l’existence. Ces peintures venaient décorer les intérieurs des milieux bourgeois.

Le motif de l’animal mort, aussi ancien que la peinture elle-même, sert aussi à parler de l'être humain, voire, pire, de notre cruauté. "Les personnes les plus attachées aux choses sont celles qui sont le plus attachés aux êtres", considère Laurence Bertrand Dorléac. Si bien que l’artiste peut se faire observateur en même temps qu’accusateur. Que l’on pense à cette tête de vache (Andres Serrano, Cabeza de vaca), dont l’œil fixe le spectateur avec une puissance incroyable.

L’exposition "Les choses" frappe par sa modernité et son incessant dialogue entre artistes, époques et techniques. Le classique et le contemporain font bon ménage au cœur de la vénérable institution parisienne, ce qui fait s’interroger la commissaire exposition : "Mais pourquoi n’y a-t-il pas d’art ancien dans les musées contemporains ?" Par cet événement, c’est aussi un message envoyé aux "modernes" pour qu’ils n’oublient pas les "anciens". Le Louvre a bien compris la leçon.

Exposition "Les choses"
Musée du Louvre, Paris
12 octobre 2022 – 23 janvier 2023
https://www.louvre.fr/en-ce-moment/expositions/les-choses

Voir aussi : "Les Simonet aux Tanneries d'Amilly"

Photo : Luis Egidio Meléndez, Nature morte avec pastèques et pommes dans un paysage, 1771, Musée du Prado
© Photographic Archive – Museo Nacional del Prado

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Défilé Rebelles Dentelles

2022-10-10T18:18:28+02:00

Par On Aura Tout Vu X Musée des dentelles et broderies de Caudry

La maison de couture parisienne On Aura Tout Vu, en partenariat avec le musée des dentelles et broderies de Caudry, vous présente un défilé d'exception conçu spécialement dans le cadre de l'exposition (Re)belles dentelles, à voir jusque fin janvier 2023 au musée.

Passionnés par la dentelle créée à Caudry, les créateurs de On Aura Tout Vu l'utilisent depuis leur première collection.

Quelle autre ville alors que le pôle mondial de la dentelle Levers pour célébrer les 20 ans de couture de leur maison ? Pour cet événement, les créateurs ont choisi dans leurs collections une quarantaine de pièces uniques témoins de leur style singulier, présentées dans l'écrin d'une manufacture textile emblématique de Caudry, le site Carpentier-Preux, un des plus grands ensembles bâtis fin du XIX's. toujours en activité.

Scénographiées spécialement pour l'occasion, les façades du bâtiment se parent de lumière, soulignant le caractère remarquable de ce vaste ensemble architectural témoin du patrimoine industriel local. Ode à la dentelle et hommage à ses artisans, entre tradition et innovation, le défilé Rebelles dentelles crée le lien entre le savoir-faire bicentenaire de la dentelle Leavers et les créations futuristes de On Aura Tout Vu ....

On Aura Tout Vu Des créateurs anticonformistes fidèles à la dentelle Leavers On Aura Tout Vu casse les codes instaurés par la haute couture au fil des années pour en donner sa propre interprétation. Fondée en 2002. On Aura Tout Vu est réputée et reconnue sur la scène internationale de la mode pour son style déjanté et son univers débridé où détournement de matières, sophistication, artisanat d'art et innovations technologiques se côtoient. Amoureux de la dentelle Leavers, ses créateurs l'utilisent depuis leur première collection, créant des pièces d'exception séduisant les icônes de la mode telles que Lady Gaga, Madonna, Katy Perry, Gwen Stephani ou encore Beyonce. Hyper créatifs, ses designers explorent également d'autres domaines comme le prêt-à-porter, l'accessoire, le design d'objet, mais aussi la décoration d'intérieur, la haute joaillerie et la parfumerie ainsi que le costume de scène et la scénographie de ballets pour l’opéra, le théâtre et le cabaret ......

Un défilé mode, une performance La compagnie France Artiste Moment de poésie, de rêverie, le défilé commence par une performance d'Emma et Loran, artistes circassiens installés à Caudry.

Vêtus d'une création On Aura Tout Vu, ils expriment par leur interprétation toute la force et la sensualité qui caractérisent la dentelle Leavers. Emma et Loran sont des artistes dotés de plus de 10 ans de carrière dans les cabarets français et étrangers, galas et casinos, notamment au Casino Grand Lisboa à Macao. Ils sont à l'origine de la compagnie de spectacle France Artiste qui crée des spectacles basés à Caudry.

Un site chargé d'histoire pour un défilé d'exception Construite en 1899, toujours en activité, la manufacture Carpentier & Preux symbolise l'épopée de l'industrie dentellière de Caudry et la transmission du savoir-faire au fil des générations. Portant le nom de ses deux familles fondatrices, la manufacture Carpentier & Preux est aussi dès l'origine surnommée le Transvaal, en raison de la guerre des Boers qui éclate dans le Transvaal en Afrique du Sud au moment de sa construction en 1899. Le site, inhabité, se situe alors en rase campagne. L'édification de l'usine va amener la construction des maisons des rues environnantes afin de loger les 400 ouvriers à proximité de leur travail. Malgré les aléas de la Grande Guerre puis d'un terrible incendie en 1968, la manufacture traverse les décennies. On y produit toujours aujourd'hui des matières textiles. La grande cheminée en briques, vestige de l'époque où les métiers étaient actionnés à la vapeur, se dresse toujours fièrement dans l'enceinte du bâtiment. Nous remercions M. Antoine Clément, Directeur Général de Carpentier & Preux, pour la mise à disposition du site à l’occasion de ce défilé

Des créations en dentelle comme on en a jamais vu ! 2002 marque la présentation de la première collection couture On Aura Tout Vu et le début d'une relation particulièrement créative avec les industries dentellières caudrésiennes. Depuis 20 ans, les collections de la maison revisitent chaque saison l'esprit de la dentelle Leavers à travers des thématiques plus audacieuses les unes que les autres. Dans les créations de On Aura Tout Vu, la dentelle Leavers se voit détournée, laquée, plastifiée, peinte, associée à des matières antagonistes. Sous les ciseaux des créateurs, elle se réinvente, se compose et se décompose, appliquée, incrustée ou enchâssée sous d'autres étoffes. Ennoblie, rebrodée, la dentelle Leavers se pare de mille effets pour magnifier ses motifs. Illusion ou faux-semblants.

Les créateurs de la maison se jouent de la dentelle en la suggérant tout en brouillant l'interprétation du spectateur.

Merci également à leur équipe pour leur investissement et la disponibilité dont ils font preuve mannequins, coiffeur, maquilleuse, DJ, régisseur, habilleurs, caméramans. Enfin, merci à la maison On Aura Tout Vu pour l'intérêt qu'elle porte au savoir-faire de l'industrie dentellière caudrésienne et à sa talentueuse capacité à le restituer à travers ses créations.

Créations à découvrir dans le 2ème volet de l'exposition Rebelles Dentelles présentée jusque fin janvier 2023 au musée de Caudry.

LES JOURNEES DU PATRIMOINE DE MON VILLAGE les 17 et 18 septembre 2022

2022-09-17T16:52:00+02:00

MUSEE VILLA GALLO-ROMAINE de LOUPIAN (Hérault)

2022-06-10T08:47:00+02:00

Le 25 mars 2013, j'étais allée visiter la Villa Gallo-Romaine de Loupian, près de Mèze, dans l'Hérault.

https://fr.wikipedia.org/wiki/Villa_gallo-romaine_de_Loupian

A voir plus en détail sur ce blog :

https://amelier.blog4ever.com/la-riche-villa-gallo-romaine-de-loupian

Ci-dessous un extrait des photos que j'avais faites lors de ma visite.

Enco de Michelle Azémar

2022-03-24T00:00:00+01:00

Chez Michelle Azémar
At Michelle Azémar
Bei Michelle Azémar

Hôtel particulier de Michelle AZÉMAR dit Hôtel de BEAUMONT et de TESTE

Madame Azémar, décédée en novembre 2016, fit don de son hôtel particulier et de son importante collection de poupées à la ville d'Avignon, avec la volonté testamentaire qu'une partie de l'hôtel soit transformé en musée et que le jardin soit ouvert au public. La Ville a accepté ce legs en septembre 2017, ainsi que celui, en avril 2019, des œuvres d’Yvon Taillandier, artiste contemporain décédé à Avignon en 2018.

Photos X. D.R. 2017-2019.

Voir aussi :
La fenêtre de la rue de la Croix
http://avignon.hautetfort.com/archive/2012/03/26/carriero-de-la-crous.html
Les sept têtes de Teste
http://avignon.hautetfort.com/archive/2019/09/22/li-set-testo-de-teste-6177583.html
Yvon Taillandier
http://avignon.hautetfort.com/archive/2020/04/08/yvon-tallandier-6228165.html
Taillandier taillé pour Avignon
http://www.avignon.fr/fileadmin/Documents/arch_documents/Documents/Documents/docjuuin19/Interne/taillandier.pdf

Lou pourtau vers rèn

2022-03-11T00:00:00+01:00

Le portail vers rien
The portal to nothing
Das Portal zum Nichts

De capello en museon

2021-12-06T00:00:00+01:00

De chapelle en musée
From chapel to museum
Von Kapelle zum Museum

Photo H. et J. Tourte, 1905. AMA 15Fi81.

Lou blasoun dóu museon Lapidàri

2021-11-16T00:00:00+01:00

Le blason du musée Lapidaire
The blazon of the Lapidaire museum
Das Wappen des Lapidaire Museums

Henri des GÉRARDS d'AUBRES
Seigneur d'Aubres, Châteauneuf et Carri
1er Consul d'Avignon en 1598 et 1617 († > 1617)
Donateur de 30 000 livres pour la chapelle des Jésuites

D'argent à la fasce d'azur chargée de trois chevrons couchés d'or accompagnée de trois roses de gueules, 2 et 1.

Li blasoun dóu museon Calvet

2021-11-02T00:00:00+01:00

Les blasons du musée Calvet
Calvet museum blazons
Die Wappen des Calvet Museums



Joseph Ignace de Villeneuve (ca 1713 - Avignon 23-09-1765) comte du Saint-Empire romain, seigneur de Martignan et autres lieux, élu au conseil de la ville d'Avignon (1735), premier consul d'Avignon (1738), viguier (1739), constructeur cet hôtel particulier abritant l'actuel musée Calvet (1741). D'azur à une tour d'or, maçonnée, ajourée et ouverte de sable, donjonnée de trois pièces aussi d'or.	Henriette Victoire de Sade (née en 1715) fille de Gaspard François de Sade, marquis de Mazan et ambassadeur de la ville d'Avignon auprès de Clément XI, sœur de Jean-Baptiste de Sade, père du divin marquis, épouse de Joseph-Ignace de Villeneuve (1733). De gueules à l'étoile à huit rais d'or chargée d'une aigle bicéphale de sable, membrée, becquée et diadémée du champ.

Blu Avignoun

2021-10-19T00:00:00+02:00

Bleu Avignon
Avignon blue
Avignon-Blau

Jean-Paul Espaignet Bleu Avignon.

FETE DU PATRIMOINE : le patrimoine archéologique de mon village.

2021-09-18T16:38:00+02:00

Je suis allé visiter le Musée Paul Soyris de mon village, Murviel les Montpellier, ce jour, dans le cadre des Journées du patrimoine.

Pour voir toutes les photos, rendez-vous sur mon blog Nord Sud :

http://nordetsud.hautetfort.com/archive/2021/09/18/musee-paul-soyris-de-murviel-les-montpellier-6338352.html

MUSEE Paul SOYRIS de Murviel les Montpellier

2021-09-18T16:27:57+02:00

Dans le cadre de la Fête du Patrimoine, je suis allée visiter le Musée archéologique de mon village, cet après midi puisqu'il était ouvert ce week end. Tous les objets exposés ont été trouvés lors des fouilles sur les différents sites archéologiques de Murviel les Montpellier.

Voici mes photos personnelles.

Ne m’oubliez pas

2021-07-23T00:00:00+02:00

Ces hommes et ces femmes sont devenus immortels : en proposant une exposition de 100 portraits de la Renaissance, le Rijksmuseum d’Amsterdam entend redonner vie à ces empereurs puissants, ces aristocrates flamboyants ou ces citoyens fortunés.

Ces peintures sont l’œuvre d’artistes renommés et entrés dans la postérité : Holbein, Dürer, Memling et Véronèse pour ne citer qu’eux. Ils seront les héros de l’exposition intitulée "Ne m’oubliez pas", présentée cet automne au prestigieux musée néerlandais, du 1er octobre 2021 au 16 janvier 2022.

L'une des pièces maîtresses de cet événement est le Portrait d'une jeune fille (vers 1470) de Petrus Christus, tableau prêté par la Gemäldegalerie à Berlin. L’exposition réunit du reste des œuvres issues de musées aussi prestigieux que le Kunstmuseum de Bâle, la National Gallery de Londres, le Musée du Prado à Madrid et la National Gallery of Art de Washington.

Depuis l'Antiquité, le portrait a principalement pour fonction de rendre présents ceux qui sont absents ou de conserver leur mémoire à travers les années. La preuve : aujourd’hui ces hommes et ces femmes disparus depuis des siècles sont bien présents et semblent nous faire signe. Lorsque le portrait a commencé à prendre son essor en Europe vers 1500, artistes et mécènes ont saisi l'opportunité qui se présentait à eux pour s’immortaliser.

Les portraiturés étaient désireux de se montrer sous le meilleur jour

Comme aujourd'hui, les portraiturés étaient désireux de se montrer sous le meilleur jour. Chaque partie de la composition était mis en scène : expression du visage, symbolisme, posture, arrière-plan et vêtements. Certains mettaient l'accent sur la beauté, d'autres sur le crédit et l'autorité. C'est ainsi que Charles Quint a voulu souligner sa puissance en se faisant immortaliser vers 1553 sous les traits d'un empereur romain. Quant à Maarten van Heemskerck, il s’est donné l'image d'un peintre à succès, sûr de lui, dans un autoportrait en 1555. L'exposition "Ne m'oubliez pas" met en lumière l'image que les individus projettent d'eux-mêmes, autour de thèmes tels que la beauté, l'autorité, l'ambition, l'amour, famille, l'érudition et la foi.

Alors que notre époque est plus que jamais celle de l’image et de la l'apparence, le Rijksmuseum rappelle que l’utilisation de l’iconographie a des fins de représentation est ancienne. C’est aussi l’occasion d’admirer des œuvres exceptionnelles dans un magnifique écrin.

Le design de l'exposition est conçu par Jean-Michel Wilmotte et Irma Boom est responsable de la conception graphique.

L’exposition se terminera le 16 janvier 2022.

"Ne m'oubliez pas. Portraits de Dürer à Sofonisba", Rijksmuseum, Amsterdam
1er octobre 2021 - 16 janvier 2022
https://www.rijksmuseum.nl

Voir aussi : "La Bretagne déconfinée de François Avril"

Photo : Petrus Christus, Portrait of a Young Woman, ca. 1470
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin

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Bauhaus, Est/Ouest

2021-03-30T00:00:00+02:00

De l’autre côté du Rhin, Le Vitra Campus et le Vitra Design Museum s’ouvrent de nouveau au public à partir du samedi 20 mars 2021. C’est l’occasion, même si le contexte sanitaire ne s’y prête pas. Le Vitra Design Museum se situe en Allemagne, à Weil am Rhein, au sud du Bade-Wurtemberg, dans une zone à la frontière de l’Allemagne, de la Suisse et de la France. En ce moment, l'institution germanique propose un événement passionnant : une exposition autour du Bauhauss, "Le design allemand de 1949 à 1989 : deux pays , une histoire".

Influencé par le mouvement du Bauhaus et celui du Werkbund, le design allemand a acquis ses lettres de noblesse à l’international au début du XXe siècle. Avec la division de l’Allemagne à partir de 1949, le design et la culture quotidienne ont pris des directions différentes des deux côtés de la frontière : à l’Ouest, ils sont le moteur du "miracle économique", à l’Est, ils s’inscrivent dans une économie socialiste planifiée.

Plus de 30 ans après la chute du mur, le Vitra Design Museum présente, du 20 mars au 5 septembre 2021, la première grande rétrospective autour du design d’après-guerre des deux Allemagnes.

Le Vitra Design Museum a été conçu par Frank Gehry. La VitraHaus. Pour marquer le dixième anniversaire du bâtiment en 2020, Vitra a transposé les expériences et les idées de la décennie passée dans un nouvel intérieur.

Le "Cercueil de Blanche-Neige"

L’exposition "Le design allemand de 1949 à 1989 : Deux pays, une histoire" compare le design de l’ex-RDA et celui de la RFA, en mettant en évidence les différences idéologiques et créatrices, mais également les parallèles et références croisées qui reliaient l’Est et l’Ouest. Parmi les objets exposés, du mobilier et des luminaires emblématiques, des pièces issues de la mode, des textiles et des bijoux en passant par le graphisme, le design industriel et la décoration intérieure.

D’un côté, le design de la RDA en plastique bon marché et coloré, de l’autre, le fonctionnalisme froid de la RFA : l’exposition propose un regard nuancé face à ces clichés. On peut y voir des objets quotidiens légendaires tels que la "Trabant", la voiture du peuple de la RDA (1958) ou la chaîne stéréo surnommée "Cercueil de Blanche-Neige" (1956), ainsi que de nouvelles découvertes et des raretés telles que la chaise sculpturale à courbes "Poly-COR" de Luigi Colani (1968). L’accent est mis sur des protagonistes comme Dieter Rams, Egon Eiermann, Rudolf Horn et Margarete Jahny, mais aussi sur les écoles influentes ou encore l’héritage du Bauhaus. Pour la première fois, l’exposition offre ainsi une large rétrospective de l’histoire du design d’après-guerre des deux Allemagnes et montre à quel point le design et l’histoire contemporaine, la culture du quotidien et le contexte politique mondial étaient étroitement liés dans l’Allemagne de la guerre froide.

Des programmes en ligne du 18 mars au 8 avril 2021 permettent de se familiariser avec ce mouvement artistique d’une exceptionnelle modernité. Idéal pour découvrir ce musée, alors que ce satané virus contraint fortement nos déplacements, y compris pour la visite de lieux et d’expositions aussi exceptionnels que ceux du Vitra.

L’exposition est accompagnée d’une publication ambitieuse avec des contributions de Paul Betts, Greg Castillo, Petra Eisele, Siegfried Gronert, Jana Scholze, Katharina Pfützner, Eli Rubin, Katrin Schreiter, Oliver Sukrow, Carsten Wolff et bien d’autres, ainsi que des entretiens avec Prem Krishnamurthy, Renate Müller et Dieter Rams.

"Le design allemand de 1949 à 1989 : deux pays , une histoire"
Vitra Campus et Vitra Design Museum
Du 20 mars au 5 septembre 2021
À compter du samedi 20 mars 2021, tous les jours de 12 à 17 heures
https://www.design-museum.de/de/informationen.html
https://www.vitra.com/fr-fr/home

Voir aussi : "Crimes et chaos à Berlin"

Photos : VEB Textilkombinat Cottbus, DDR - Damenmode, 1978, © akg-images / Günter Rubitzsch
Harf Zimmermann, aus der Fotoserie - »Hufelandstrasse Berlin 1055«, © Harf Zimmermann, 2016

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Comic-strip by Reyn (29)

2021-02-17T16:24:12+01:00

Extrait du site AFISTFULOFBABIES.COM

- traduit de l'américain avec l'aimable autorisation de l'auteur, Reyn.

Simbèu lapidàri

2021-02-14T00:00:00+01:00

Symboles lapidaires
Lapidary symbols

Musée Lapidaire, années1980. D'après deux photos d'André Guerrand. AMA 7Fi8 et 7Fi11.

La tête dans les étoiles

2020-11-26T00:00:00+01:00

Encore quelques jours pour supporter ce nouveau confinement. Et quoi de mieux, pour se changer la tête qu’une exposition virtuelle, comme celles que Bla Bla Blog a présenté ces dernières semaines.

La vénérable institution de La Poste a choisi elle aussi ce moyen pour son exposition temporaire "Rêver l’Univers", en visite virtuelle de 20 minutes, directement depuis chez soi. Cet événement, prévu du 2 septembre 2020 au 10 janvier 2021, bien sûr été bouleversé par la crise sanitaire. En attendant une réouverture des musées d'ici quelques semaines.

13 artistes contemporains français et internationaux - Nicolas Baier, Patrick Bailly-Maître-Grand, Philippe Baudelocque, Dominique Blais, Thomas Brummett, Hugo Deverchère, Félicie d’Estienne d’Orves, Laurent Fort, Marina Gadonneix, Julien Mauve, David Spriggs, Vladimir Skoda et Anaïs Tondeur – proposent une immersion dans l’infinité de l’univers. La visite est proposée par Céline Neveux, commissaire de l’exposition, et ponctuée des interventions exclusives de 5 des artistes exposants : Anaïs Tondeur, Hugo Deverchère, Vladimir Skoda, Dominique Blais et Marie Gadonneix.

En attendant de découvrir l’exposition réelle, il reste cette visite virtuelle, à travers des œuvres aux titres éloquents : "Météorite 3", "Multivers", "Lune et l’autre", "Infinities", "Soleil éternel" oun Cosmorama".

"Devant la splendeur de ce qui se situe au-delà du monde qui nous enveloppe, se pressent une finalité suprême […] C’est que le sublime a vocation à l’universel : il n’élève pas seulement, il unit en profondeur" écrit justement Baldine Saint Girons dans le catalogue de l’exposition.

Musée de la Poste, "Rêver l’Univers", exposition virtuelle
https://www.museedelaposte.fr/rever-lunivers-lexposition-devoilee

Voir aussi : "Ex pop"

Julien Mauve, "Greetings from Mars #20", 2015, impression jet d’encre sur papier Fine Art mat, 80 x 120 cm, collection de l’artiste
© Julien Mauve

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Yvon Taillandier

2020-06-04T00:00:00+02:00

Yvon Taillandier
(Paris 28/03/1926 - Avignon 03/03/2018)
Photo Jacques Maugars
à-n-Avignon le 12 juillet 2013.

Œuvre d'Yvon Taillandier
dans l'hôtel de Beaumont de Teste
dit Azémar,
futur musée Taillandier.

Site officiel Yvon Taillandier

Yvon Taillandier sur Wikipedia.

Le MUSÉE (4/4)

2020-03-13T21:30:00+01:00

4, gêne

Une gêne toujours affecte les musées, enfant celle des dimanches de flanelle et d'ennui hérissés puis, mûr, celle des lombaires inflammées de piétinements, de crucifixions aux cimaises. Celle du siècle aussi qui ne donne plus rien à voir que par le prisme de pixels étroits, décor pour une toile infinie où se tracent des visages aux sourires binaires et sans énigme.

Lou Pichot-Palais cènt-sièis an après

2020-03-13T00:00:00+01:00

Le Petit-Palais cent-six ans après
The Petit-Palais hundred-and-six years after

Le Séminaire (Petit Palais) en 1914. Agence Rol.

Le MUSÉE (3/4)

2020-03-12T21:30:00+01:00

3, Grèce

Un soleil antique baigne oblique une Grèce de langue morte, muette de ne peupler que d'une statuaire de bustes froids et d'hommes sans visage des cours carrées aux arcades remisant dans l'obscur quelle énigme de quel oracle dont le fil restera à remonter après l'épreuve mythologique. Au lieu de l'inverse, on aurait enfermé tout le fatras d'un musée dans un seul cadre.

Le MUSÉE (2/4)

2020-03-11T21:30:00+01:00

2, Muses

Inspirantes les Muses sans quoi l'art reste en enfance ou chute dégénéré, indispensables au jaillissement créateur qu'on trouve sous le seul sabot de Pégase, on leur bâtit donc des temples où circonscrire leurs langues inouïes pour qu'elles lèchent les artistes de leur flamme, pendant qu'en enfilade leur déhanché épate la galerie, allume l'œil du bourgeois et embrase l'esprit de l'enfant.

Le MUSÉE (1/4)

2020-03-10T21:30:00+01:00

1, intimidation

On y joue l'intimidation, comme au palais de justice à force de colonnes et d'escaliers de marbre, ou comme aux églises étouffées d'orgue et d'encens. Des ancêtres grands d'être à d'autres, des héros drapés, ou même nus, toisent les mortels de leurs postures grandiloquentes ou, en selle empanachés, foulent la piétaille, le regard désarmé au-devant des cartouches.

APPEL D'ART POSTAL !

2020-01-06T10:30:00+01:00

Oyez oyez, @mis lecteurs et @bonnés chéris ! Si le cœur vous en dit, pour commencer l'année 2020 en fanf-ART, je vous propose d'écrire au tout nouveau Musée Rose et Frédi Buissonnand de Franconville (95) en exprimant votre propre définition de l'art.

Petite précision : il s'agit de faire découvrir l'art postal aux enfants d'une école du Val d'Oise (France) au détour d'un projet plus large concernant l'art, les artistes, les techniques et mouvements artistiques, les œuvres, les musées, les galeries, etc... Rose et Frédi Buissonnand sont des personnages de fiction, un couple d'artistes haut en couleurs créé par les enfants eux-mêmes en jouant sur l'anagramme du nom de leur école (Ferdinand Buisson).

Mon courrier vient de partir...

...à vous de jouer ! Je compte sur vous pour être tout aussi fous et créatifs que d'habitude ! ♥

Musée ?

2019-10-07T04:51:40+02:00

On ne devrait pas être dans un musée plus d’une demi-heure. Mais chaque fois pour ne voir qu’un ouvrage.

Umberto Eco

Le musée des arts forains -2-

2019-08-07T17:08:00+02:00

Des portraits de femmes décorent très souvent les manèges et les stands. Ils ne sont pas s'en rappeler les belles femmes d'Alfons Mucha.

Aujourd'hui les femmes sont représentées ainsi :

Je ne suis pas certaine qu'on y a gagné en esthétisme !

Fin de la visite du musée :

Le musée des arts forains -1-

2019-08-06T17:59:18+02:00

Situé dans les anciens entrepôts de vin des quais de Bercy, à Paris (12e), le musée des arts forains est un lieu insolite qui mérite une visite.

On y retrouve d'anciens manèges datant de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, mais aussi divers stands de jeux.

Les Pieds Nickelés ! Qui se souvient encore de ces filous, personnages d'une des premières bandes dessinées françaises datant de 1908 et créée par Louis Forton.

Les textes étaient écrits sous les dessins et les bulles étaient encore peu nombreuses.

Ils sont figurés ici dans ce stand et le but du jeu était de faire tomber leur tête :

Mais pénétrons dans le musée :

Pour en savoir davantage :

Le musée des bateaux vikings

2019-07-17T17:13:51+02:00

Comme convenu, je vous propose d'autres photos du musée de Roskilde. J'ai rajouté les belles photos exposées à l'entrée qui montrent les répliques en pleine mer.

Foot et monde arabe

2019-07-17T08:33:00+02:00

La révolution du ballon rond

Institut du monde arabe

jusqu'au 21 juillet

La Coupe d'Afrique des Nations se déroule actuellement en Egypte.

Deux équipes du Maghreb dans le dernier carré. L'Algérie en finale.

Onze thèmes pour cette exposition sur deux niveaux à l'Institut du monde arabe.

Pour commencer Larbi Ben Barek, une des plus grandes légendes du foot arabe, français, mondial. Pendant 15 ans joueur de l'équipe de France.

Mais, en 58, en pleine lutte pour l'indépendance de l'Algérie, les joueurs algériens jouant dans les plus grands clubs du moments quittent la France pour fonder une équipe de l'Algérie qui ne sera reconnue qu'après l'indépendance en 62. Mais, même sans reconnaissance de la FIFA, l'équipe algérienne effectue une tournée internationale.

Sur ce même chemin la Palestine est reconnue par la FIFA, également en 62. Mais les obstacles matériels, souvent dressés par le voisin, et occupant, sont nombreux.

Une grande place est faite au Kabyle français Zinedine Zidane, champion du monde en 98

Le futur championnat du monde au Qatar est également traité.

J'ai bien aimé la réplique d'une cabine de commentateur de match de foot.

L'exposition ne parle pas de ces islamistes qui interdisent le foot, comme si le Prophète l'avait prohibé !

Pendant que vous serez à l'Institut du monde arabe, profitez en pour visiter le musée historique. Dans les pays arabes il y a l'islam, mais également le judaïsme (avec plusieurs torah exposées) et le christianisme copte.

Et au 9e étage une terrasse avec un salon de thé pour profiter de la vue sur la Seine et Paris.

Le MUSÉE selon Olivier BARBARANT

2019-07-03T21:30:00+02:00

...

Un musée comme ces maisons de campagne toujours fermées

et dans l'attente du dimanche suivant

Ornées de vieux bouquets de fleurs et de buffets où meurt

l'odeur loin fanée de la cire

...

Olivier BARBARANT, Odes dérisoires, Champ Vallon, 1998