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Éphéméride du 31 décembre

2025-12-31T03:30:00+01:00

1578 : Henri III fonde l'Ordre du Saint Esprit (ici, Collier, époque Restauration)

406 : Les tribus barbares franchissent le Rhin

La tradition rapporte que cela s'est passé dans la région de Mayence, durant la nuit du 31 décembre : cette année-là, en effet, un hiver exceptionnellement rigoureux a gelé le fleuve durablement et en profondeur.

Mais il a certainement fallu, en fait, beaucoup plus d'une nuit...

Et, en réalité, cette grande poussée des peuples barbares n'est qu'une conséquence : au fin fond de l'Asie, les Huns ont entamé leur migration vers l'ouest, et chassent les Vandales et les Sarmates, qui à leur tour chassent les Goths (Wisigoths et Ostrogoths) et ainsi de suite, par effet de domino...

Le limes rhénan (ci dessous, reconstitution dans la région de Mayence) ne peut plus suffire à contenir la poussée : ce sont les Grandes Invasions...

• https://whc.unesco.org/fr/list/430/

Une partie du Limes, tel qu'il devait se présenter, reconstituée dans la région de Mayence...

Et, dans notre album L'aventure France racontée par les cartes, voir la photo "La fin de la Gaule romaine (I) : les barbares"

1491 : Naissance de Jacques Cartier

Manoir-musée Jacques Cartier, Limoëlou :

•http://www.musee-jacques-cartier.fr/

Et, dans notre album L'aventure France racontée par les cartes, voir les deux photos "Navigateurs (II) : Jacques Cartier (I/II)" et "Navigateurs (III) : Jacques Cartier (II/II)".

1578 : Création de l'Ordre du Saint-Esprit par Henri III

Collier époque Restauration - Modèle en usage entre 1783 et 1830

• http://www.legiondhonneur.fr/sites/default/files/ordre_du_saint-esprit_-_insignes.pdf

Tous les ordres royaux furent supprimés à la Révolution;

une salle leur est consacrée dans le Musée de la Légion d'honneur :

les différents ordres royaux...

1671 : François d'Orbay est admis à l'Académie royale d'architecture

Il est l'auteur du splendide Escalier des Ambassadeurs, à Versailles, qui sera malheureusement détruit, sous le règne de Louis XV.

Sauval, dans son Histoire et recherche des antiquités de la ville de Paris (1704), donne une bonne idée de l'estime dans laquelle était tenu d'Orbay lorsqu'il écrit (quand il aborde les apports de Le Vau à l’agrandissement du Louvre) :

"Ces grands travaux ont été commencés en 1667 et conduits en l’état où on les voit à présent en 1670 par les soins et sur les dessins de Louis Le Vau, premier Architecte du Roi, lequel eu la direction des bâtiments royaux depuis l’année 1653 jusqu’en 1670 qu’il est mort. François d’Orbay son élève ne contribua pas peu à la perfection de ce bel ouvrage et c’est à ces deux excellents architectes à qui l’on doit attribuer la gloire du dessein et de l’exécution de ce superbe édifice..."

• https://www.chateauversailles.fr/decouvrir/histoire/les-grandes-dates/escalier-ambassadeurs

On peut avoir aussi une petite idée de la splendeur de cet Escalier des Ambassadeurs en visitant le château d'Herrenchiemsee, que le roi Louis II de Bavière fit édifier à quelques kilomètres de Munich, en Bavière : construit - les architectes prenant cependant beaucoup de libertés et de "fantaisie"... - sur le modèle et à l'imitation de Versailles, ce château possède une "réplique" approchante de l'Escalier des Ambassadeurs : voir notre Éphéméride du 31 mai

1760 : Mort de Jean Moreau de Séchelles

Tout le monde, ou presque, connaît les îles Seychelles. Mais fort peu savent de qui elles tirent leur nom...

Ce nom, légèrement transformé, leur vient de Jean Moreau de Séchelles, qui servit le roi Louis XV - et la France - en devenant Maître des requêtes (le 13 octobre 1719), puis Intendant du Hainaut à Valenciennes (de 1727 à 1743), puis Intendant de Lille (de 1743 à 1754) et des Flandres (de mai 1745 à octobre 1748).

Nommé Contrôleur général des finances le 30 juillet 1754, il conserva son poste jusqu'au 24 avril 1756, car il disposait de la confiance du roi. Devenu Ministre d'État en 1755, il participa activement au Renvoi des Parlements et il fut également membre honoraire de l'Académie des sciences en 1755, et vice-président (1756) puis président (1757) de cette Académie.

En 1710, il acheta la terre de Cuvilly, dans l'Oise, qui appartenait aux seigneurs de Séchelles, et prit alors le nom de Moreau de Séchelles : son petit-fils étant ami avec le navigateur Bougainville, les îles Seychelles, cédées à la Compagnie française des Indes orientales en 1756, ont reçu leur nom en son honneur.

Hélas, la cession ne fut que temporaire...

• https://www.seychelles.fr/archipel.php

1776 : Benjamin Franklin arrive à Versailles

Il a débarqué à Auray le 3 décembre, et vient à Paris pour demander au roi Louis XVI l'aide de la France...

Le 17 décembre 1777, Louis XVI, se rangeant à l'avis du Comte de Vergennes, acceptera de reconnaître l'indépendance des États-Unis d'Amérique, et d'aider les Insurgents (voir l'Éphéméride du 17 décembre)

1805 : Fin du Calendrier révolutionnaire

Pièce majeure dans l'essai de destruction et de remplacement de l'ancienne religion (le catholicisme) par la nouvelle, ce calendrier avait été institué le 24 novembre 1793, et faisait partie des mesures tendant à la déchristianisation totale de la France entreprise par la Révolution :

Pendant 11 ans et onze mois, l'année ne commença plus le 1er janvier mais le 22 septembre, date de l'équinoxe d'automne et anniversaire de la République. Elle était divisée en douze mois égaux de trente jours. Les cinq journées restantes, en septembre, étaient dévolues aux fêtes laïques: il s'agissait des "sans-culottides".

• Les noms des mois étaient évoqués de façon poétique :

- l'automne annonçait les vendanges (vendémiaire), les brumes (brumaire), les frimas (frimaire);

- en hiver, nivôse signalait l'arrivée du temps des neiges,

Ma galerie imaginaire : Si les oeuvres parlaient

2025-11-28T08:24:00+01:00

Ce recueil vient de m’arriver flambant neuf. Il est le troisième de la série « Si les œuvres parlaient » entamée il y a quelques années.

Afin de valoriser les œuvres en couleur accompagnant mes textes, les deux premiers recueils « Conter la peinture » et « Deux petits tableaux », que je souhaitais, prétentieusement, être de petits livres d’art, avaient été imprimés, uniquement chez BoD, sur un papier photo brillant 200 g. J’ai un problème, je ne peux parler de peinture sans montrer les toiles ! La qualité de l’image couleur est, à mes yeux, de la même importance que les textes eux-mêmes !

À mon grand regret, la hausse exorbitante du papier photo utilisé pour cette série ne permet plus l’impression habituelle autrement que sur du papier normal 90 g, limitant de ce fait la qualité de l’image.

Comme pour mes précédentes publications de la série, le plaisir a motivé l’élaboration de ces seize récits en 162 pages illustrées en couleur. De nombreux artistes sont présents. Une dizaine de nouveaux m’ont conté leurs œuvres :

. Gustave Courbet a une particularité : c’est un jouisseur. Le hasard de ses promenades en bords de Seine va l’amener à croiser quelques-unes des « Femmes damnées » de Baudelaire.

. Jean Fouquet, le plus ancien, m’a dévoilé Agnès Sorel, la maitresse de Charles VII, en Vierge au sein dénudé, à la beauté insolente. Je ne m’en suis pas encore remis.

. Le siècle de Maupassant… Que de dangers couraient ces lavandières qui nettoyaient leur linge le long des cours d’eau ! Eugène Boudin nous invite à les rencontrer.

. Un original ! Les amis d’Edgard Degas l’appréciaient. Était-il un véritable impressionniste ? Je pense avoir trouvé la réponse !

. Après sa période « Fauves » à Collioure, Henri Matisse se transforme en scénariste du mystère, peignant, à Nice, des jeunes femmes alanguies devant des ouvertures donnant sur le ciel et la mer.

. Pourquoi les corps dénudés des adolescents sur les plages espagnoles obsédaient-ils tant le peintre Joaquin Sorolla en ce début de 20^e siècle ?

. Vincent Van Gogh est séduit par le style du Hollandais Frans Hals dont il va s’inspirer.

. Berthe Morisot, seule femme du groupe impressionniste, conte, dans un courrier adressé à sa sœur Edma leur première exposition accueillie sous les sarcasmes.

. Pouvais-je deviner que Georges de la Tour me ferait partager son secret ?

À tous ceux pour lesquels l’art permet d’aller plus loin.

Alain

http://www.httpsilartetaitconte.com/

https://librairie.bod.fr/catalogsearch/result/?q=alain+yvars

Matisse, méditation, 1920

2025-03-13T20:43:22+01:00

Henri Matisse. The Riverbank, 1907

2025-03-09T19:06:01+01:00

Portraits

2025-03-04T11:02:28+01:00

Portraits

"Faut-il peindre ce qu'il y a sur un visage ?
Ce qu'il y a dans un visage ?
Ou ce qui se cache derrière un visage ?" Pablo Picasso

Mother - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2023 - 2200 euros

Mother (détail)

Ocean Girl - Acrylique sur lin - 81 X 65 cm - 2022 - 2200 euros

Early morning - Huile sur toile - 116 X 89 cm - 2020 - 3500 euros - View in a room

Early morning (détail)

Autoportrait - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2020 - 2200 € - View in a room

Autoportrait (détail)

Father - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2018 - 2200 €

Father (détail)

Pierrette - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2018 - 2200 €

Pierrette (détail)

Ramon - Huile sur toile - 61 X 50 cm - 2014 (collection particulière)

Lola - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2018 (collection particulière)

Matisse - Huile sur toile - 81 X 65 cm - 2018 (collection particulière)

Gloria - Huile sur toile - 61 X 50 cm - 2013 (collection particulière)

Pour me contacter

Matisse, intérieur à Nice, 1924

2024-12-21T08:58:10+01:00

Henri Matisse, Méditation, Après le bain, 1920

2023-07-25T12:16:58+02:00

Henri Matisse « Fille en jaune et bleu avec guitare » 1939

2023-07-25T12:15:12+02:00

Matisse, autoportrait, 1900

2023-03-11T17:37:40+01:00

Matisse, Harmonie en rouge, 1908

2023-01-31T17:53:24+01:00

Henri Matisse

2022-12-07T20:32:14+01:00

Matisse, studio à Collioure, 1905

2022-08-18T15:50:31+02:00

Atelier Matisse à l'école (Paris 20ème)

2021-07-12T15:00:00+02:00

Quelques semaines après notre premier « atelier dansé-dessiné » animé aux Plateaux Sauvages, ma complice danseuse Isabelle Maurel m'a entraînée vers une nouvelle mise en pratique de notre proposition artistique. Cette fois-ci, nous avons rendez-vous à la Maternelle, pour une séance autour de mon album La Perruche et la Sirène, inspiré de Matisse.

Les deux classes qui vont travailler avec nous sont engagées, depuis le début de l'année, dans un projet sur le thème de l'eau. Tandis que je propose de réaliser une œuvre collective illustrant l'histoire de l'album - avec tous ses éléments marins - à la manière d'Henri Matisse, Isabelle va initier les enfants à la « danse de création ». Basée sur le ressenti et l'écoute de son corps, cette pratique invite le danseur à produire lui-même les mouvements que lui inspirent une idée, un sentiment, une représentation mentale... Avec elle, nos artistes deviendront couleurs, ambiances, états (liquide, solide, gazeux) ou personnages de l'histoire (sirène, étoiles de mer, poissons petits et grands...) : un vrai bonheur à regarder, qui donne tellement envie de danser !

Ci-dessous, petit reportage en images.

Après le temps de lecture et de discussion, Isabelle rassemble les artistes pour une petite mise en condition créative...

Puis le groupe se sépare en deux parties : d'un côté de la salle

on danse, de l'autre on peint à la gouache sur de grands

morceaux de papier - comme Henri Matisse !

Maintenant, il faut que ça sèche...

Ce ne sera pas long, dehors le soleil cogne fort !

Mais pendant ce temps-là, on retourne danser tous ensemble...

Quand c'est sec, on échange nos deux groupes.

Les petits peintres vont danser, les danseurs découper !

Ensuite vient le moment de coller !

Chacun place puis colle nos belles gouaches découpées

sur le grand papier blanc installé par terre au milieu de la salle...

Et maintenant, admirons notre œuvre collective

« à la manière de Matisse » !

Et, pour finir, deux Sirènes fières de leurs artistes en herbe !

Merci aux deux enseignantes qui nous ont fait confiance

pour cette chouette aventure artistique

très aquatique !

Ecrire

2021-03-14T21:24:34+01:00

« Écrire, c'est comme avoir un rendez-vous d'amour dangereux. »

Françoise Sagan

Matisse

Matisse, La femme au manteau violet, 1947

2021-02-26T20:48:59+01:00

Résister

2021-02-02T21:42:50+01:00

"Le système nous veut triste et il nous faut arriver à être joyeux pour lui résister."

Gilles Deleuze

Matisse 1944

Matisse, les genêts, 1905

2021-01-28T09:22:34+01:00

Vase d'amaryllis, 1941, Matisse

2021-01-22T10:16:10+01:00

(avec les pommes de Cézanne)

Matisse, le cauchemar de l'éléphant blanc, 1947

2021-01-14T10:02:53+01:00

Il existe un soi qui, lorsqu'on sait le respecter, est indépendant, inattaquable

2021-01-08T09:59:36+01:00

"Te souviens-tu, chère amie, quand nous étions dans cette triste chambre où on montait par ce vilain escalier, où il faisait si froid, où nous étions contents de nous, c'est qu'il existe un soi qui, lorsqu'on sait le respecter, est indépendant, inattaquable, et qu'il a encore un aplomb dans les orages, dans les tremblements de terre. Eh bien, en vérité, ce n'est chez moi que de l'instinct, dont ton aimable intérêt me fait raisonner avec toi, toi toute seule..."

Vivant Denon à Bettine, 1814

Matisse, 1953

Matisse, intérieur avec phonographe, 1924

2021-01-07T11:49:29+01:00

Matisse 1937, robe pourpre et anémones

2021-01-06T02:39:48+01:00

Trouble

2021-01-02T13:00:00+01:00

« J’attends de la pensée qu’elle se trouble. Ce qui ne la met pas à l’épreuve n’existe pas. Une pensée qui ne s’expose à rien d’autre qu’à sa petite production d’idées ne vaut pas mieux qu’un container à poubelles. »
Yannick Haenel

Monique Bourgeois, 1943, Matisse

Les Bêtes de le mer, Matisse, 1950

2020-12-31T22:54:47+01:00

Portrait de Pierre Matisse, 1909

2020-12-30T21:34:18+01:00

La Japonaise, Matisse, Collioure, été 1905

2020-12-25T20:32:19+01:00

Si Cézanne a raison, j’ai raison, et je savais que Cézanne ne s’était pas trompé

2020-06-06T19:42:00+02:00

« Remarquez que les classiques ont toujours refait le même tableau, et toujours de façon différente. À partir d’une certaine époque, Cézanne a toujours peint la même toile des Baigneuses. Bien que le maître d’Aix eût sans cesse refait le même tableau, ne prend-on pas connaissance d’un nouveau Cézanne avec la plus grande curiosité. À ce propos, je suis fort étonné que l’on puisse se demander si la leçon du peintre de La Maison du pendu et des Joueurs de cartes est bonne ou néfaste. Si vous saviez toute la force morale, tout l’encouragement que me donna pendant toute ma vie son merveilleux exemple ! Aux moments de doute, quand je me cherchais encore, effrayé parfois de mes découvertes, je pensais : Si Cézanne a raison, j’ai raison, et je savais que Cézanne ne s’était pas trompé. »

Henri Matisse, 1925

Nu bleu I, 1952

Matt et brillant

2020-06-06T00:00:00+02:00

L’univers de Muriel Matt sonne comme une évidence. Découvrir ses peintures c’est, à vrai dire, comme retrouver un monde que l’on pensait disparu. Que ce soit pour ses animaux, ses couples, ses nus ou ses abstractions, l’œuvre de cette artiste, qui nous vient de la région nantaise, assume totalement ses influences de la période moderne, et en premier lieu Picasso, Matisse (Nus), Cocteau ou Miro (la série des Bubbles). Excusez du peu.

Muriel Matt maîtrise à la perfection sa technique pour faire surgir des personnages immédiatement attachants. Ses couples ont la bizarrerie des êtres anthropomorphes naïfs, touchants et qui vous donnent le sourire. Ils s’embrassent, s’étreignent, se tiennent le visage à deux mains pour des caresses intimes. L’artiste leur donne vie avec un luxe de détails et de raffinements dans les vêtements et les coiffures : des vestes que n’aurait pas renié Jean-Paul Gaultier, des coupes de cheveux fantaisistes ou des chapeaux et des robes aux formes et aux coloris recherchés.

Quant aux portraits, qu'ils soient déstructurés ou réalistes, ils sont toujours rehaussées de couleurs vives (Blooming girl).

Courbes épurées et arabesques sensuelles

Les nus de Muriel Matt consistent essentiellement en des courbes épurées et des arabesques sensuelles : quelques traits et des formes géométriques basiques dessinent un visage, une bouche, des yeux, des seins, un pubis, avec des courbes sinueuses pour représenter les jambes, les hanches et des cheveux souvent flamboyants. Ces nus renvoient à quelques grands classiques de la peinture occidentale : ainsi, la Vénus version bleu et blanc revisite à la Matisse la déesse sortant des eaux de Botticelli.

Dans l’œuvre de Muriel Matt, il y aussi ce bestiaire, propre à enthousiasmer un public plus jeune. Les animaux sont ces êtres naïfs, comiques, espiègles et colorés. Que l’on pense à cet éléphant (Éléphantaisy) semblant sortir d’une nuit festive au Palace – si l’on oublie toutefois la fleur qu’il tient au bout de sa trompe…

"Peindre l'âme, étreindre la vie" : c’est la devise de Muriel Matt. Elle la concrétise avec une œuvre chamarrée vivante et aux couleurs explosives.

Vraiment brillant.

Muriel Matt
https://www.murielmatt.com
https://www.facebook.com/murielmattpeintre

Voir aussi : "Galerie virtuelle de Patricia LM"

© Muriel Matt

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Atelier en ligne 23, et si l'on se laissait influencer par un artiste.

2020-05-25T18:54:00+02:00

Choisir un artiste pour son écriture.

Giacometti et ses lignes multiples

Matisse et ses lignes épurées

Seurat qui fait émerger la lumière de l'ombre

...

Toutes les photos dans l'album Lundi 25 mai

J'aime l'écriture des dessins de Giacometti, il me donne l'impression de voir son cheminement dans la recherche de la ligne juste. Son trait glisse sur la feuille, il voyage, il circule sur le papier, comme si le crayon suivait le trajet du regard de l'artiste. Son regard semble attentif au moindre détail qui permettrait à Giacometti de traduire sa recherche.

Matisse nous propose des dessins de lignes épurées. Le pinceau est un outil idéal pour ce type de recherche, il permet de donner vie au trait. Le pinceau transmet l'énergie du geste. Lui aussi cherche la ligne juste, juste non dans sa forme académique, juste dans sa liberté traduisant la vie de la personne représentée.

Et si l'on utilisait les ciseaux comme crayon, juste dessiner avec les ciseaux.

Je suis admirative face à ce travail, il n'y a pas de contour juste un travail qui amène la forme par une ombre qui s'installe progressivement et qui fait jaillir la lumière. Ce travail existe avec un dessin ou la forme est précise comme un travail magnifiant le flou.

La différence pour moi, entre le travail de l'ombre de Seurat et celui de Corot, c'est la liberté du geste. Seurat pose progressivement le noir jusqu'à ce qu'il obtienne l'intensité souhaitait, Corot place les masses sombres, on peut imaginer qu'il a tracé les troncs avec une gomme mie de pain. Le geste glisse sur le papier avec rapidité.

On retrouve la même qualité de geste dans le dessin au trait. Ce sont des croquis rapides des prises de notes permettant de mémoriser ce que l'on a aperçu, ce ne sont pas des dessins comme ceux que j'ai choisi pour Seurat.

Les ciseaux, les cutters dessinent. La question du fond, du papier vierge n'est plus la même.

Le chat à la Seurat.

Qu'en l'inspiration nous a quittés, se promener et croquer tout ce qui nous tombe sous la main, non pour réussir un dessin, croquer pour voir si ce que l'on a sous les yeux est propice à nous inspirer pour dessiner ou peindre.

Continuer sur le thème de la lumière au bout du chemin,

Dans le jardin,

Je continue avec mes plantes, aujourd'hui j'ai vu le rouge du géranium que je n'avais pas encore remarqué, je ne sais pas si c'est cela qui m'a fait travailler les surfaces, contrairement au séances précédentes.

Toutes les photos dans l'album lundi 25 mai

Atelier en ligne 17 Chacun son chemin.

2020-05-04T20:13:00+02:00

Par l’intermédiaire d'élèves je découvre le peintre David Hockney, cette fois-ci c'est avec le

thème des objets.

Dans cet article je me permets quelques analyses de compositions qui n'engagent que moi. Réaliser ce type d'analyse sur mon travail me permet de mieux en voir la réalité.

CL. c'est inspiré de David Hockney pour réaliser cette composition.

Je trouve le tableau de D. Hockney déséquilibré. La bouteille est au milieu du tableau, tous les verts sont sur le même côté, aussi le travail de C. avec la pomme verte sur la gauche n'est pas tout à fait identique. Un travail des diagonales, et médianes permettrait une grande précision de composition.

Je suis surprise des choix de composition de Hockney. Il travaille beaucoup avec les médianes, les diagonales et les parallèles. C'est d'une très grande rigueur. Dans cette stabilité immuable, la force des contrastes donne une énergie revigorante aux tableaux . Sur ces documents photographiques je ne discerne pas comment Hockney a réalisé les passages entre les aplats colorés. Depuis le confinement c'est la troisième personne qui me parle de ce peintre, je regrette de ne pas avoir pris le temps de visiter son exposition en 2017.

Voilà le projet de Cl. Le passage en couleur met en valeur une perspective inversée. il y a un triangle d'ombres qui par de la bouteille vers la poire et les pommes.. Cela ouvre la composition vers un espace infini.

À partir de Matisse. Juxtaposition des surfaces, sans chercher à traduire le volume.

Prendre connaissance de son sujet avec un dessin classique, puis recherche des surfaces, avec la question de la verticale de la fenêtre.

Composition obliques, verticales et horizontales

Dans cette composition, il y a le contraste entre le tissu et les objets, la douceur de la matière tissée, et la dureté du métal, froid. Par contre la composition des lignes est dynamique, le petit triangle des objets inséré dans un triangle plus vaste des plis du drapé, Le triangle monte vers le haut, l'angle étant aigu. La base du triangle est en biais comme l'axe horizontal de la chaise.

Dans le dessin la base du dessin est l'horizontale par le pli du drapé, le petit triangle des objets est inséré dans un triangle plus bas. Les objets sont insérés dans un cocon de douceur rendue par la matière du tissus. Sans l'oblique du manche de la verseuse, les objets seraient recouverts et protégés par le tissu.

Dans la composition de la photo les objets sont posés sur le tissu, dans le dessin ils sont enveloppés par le tissu. J'ai tenté la spirale dans la composition du dessin et je l'ai trouvée rapidement, par contre je n'ai pu la trouver dans la photo. Toute cette analyse de composition n'engage que moi. Il est fort probable qu'une autre personne trouverai d'autres éléments et donc une autre interprétation de l’œuvre.

Nouvelle composition,

Sur le croquis j'ai été étonné de la présence de l'accoudoir. Ses angles me semblaient durs dans l'agencement de la composition, courbes des objets, courbe de la table qui apparaît dans le fond légèreté des fleurs. Heureusement l'élève a persévéré.

J'ai resserré le cadre ce qui enlève de la légèreté à la composition.

Pour exprimer plus fortement mon propos, afin de montrer le jeu des angles, lignes droite et lignes courbes j'ai recadré le dessin afin de montrer de quoi je voulais parler. J'ai proposé d'ouvrir l'ellipse afin d'accentuer le jeu des courbes. Il a été choisi de diminué l'ouverture de l'ellipse du haut du pot afin de rectifier la perspective.

Juste le haut de la composition est intéressant.

J'ai choisi de travailler de mémoire sur ce travail.

A partir d'un des croquis j'ai cherché différents cadrage et jeux d'intensité. Quand les objets sont entourés d'une grande surface blanche ils semblent lointains, ou minuscules,

Sérénité du chat.

Je trouve cette composition très riche. Il y a une belle unité entre les lignes des tissus et les lignes du chat. La force du rouge et les lignes du dossier du siège renforce la douceur du chat. Dans le premier croquis je trouve que les fleurs rompent cette ambiance de détente si caractéristique des chats. Je trouve que l'idée du repentir avec l'ajout du petit papier sur le dessin des fleurs est très astucieuse.

Composition de souvenirs de vacances.

Paul Cézanne – Les joueurs de cartes, 1892, Fondation Barnes, Philadelphie

Depuis sa constitution en 1922 à Merion, aux États-Unis, la fondation Barnes n’avait jamais bougé. Désormais, les amateurs d’art du monde entier peuvent venir admirer cette collection exceptionnelle qui s'est installée en 2012 dans un nouveau lieu, à Philadelphie.

Au début du 20^e siècle, Albert Barnes a amassé une fortune considérable. Cet homme est de la race de ces riches collectionneurs américains de cette époque nommés Philipps, Frick, Palmer, Getty, Ryerson, parmi les plus célèbres.

Amateur d’art éclairé, il voyage en Europe. Paris est la capitale des arts. Épris de la France il se met en relation avec les marchands d’art Ambroise Vollard et Durand-Ruel et achète de nombreuses toiles de peintres avant-gardistes.

Le docteur Barnes devient l’un des amateurs les plus « avancés » d’art français contemporain. Il dépense une fortune pour le grand tableau des « Joueurs de cartes » de Paul Cézanne qui deviendra l’une des pièces majeures de sa fondation.

En quelques dizaines d’années, entre 1910 et 1950, il impose sa présence dans le monde des nouveaux acteurs du marché de l’art. Il acquiert un ensemble d’œuvres diversifié de maîtres anciens et modernes de grande valeur qui vont faire de sa collection l’une des plus importantes au monde : « Là, les tableaux anciens sont mis à côté des modernes, un Douanier Rousseau à côté d’un primitif, et ce rapprochement aide les étudiants à comprendre bien des choses que les académies n’enseignent pas. – Henri Matisse, 1930 »

En septembre 1993, 70 ans après leur départ définitif de France, 72 chefs-d’œuvre achetés à Paris par le judicieux docteur sont revenus à Paris le temps d’une exposition de quatre mois.

Cette exposition parisienne, que j’ai eu la chance de visiter, a été exceptionnelle : Renoir, Monet, Cézanne, Van Gogh, Rousseau, etc. Je présente, ci-dessous, une galerie restreinte de quelques oeuvres de l'exposition, se limitant aux peintres avant-gardistes du début du 20^e siècle. Ces avant-gardistes étaient cette colonie de jeunes artistes ambitieux qui, après les impressionnistes, voulaient révolutionner la peinture. Ils écumaient Montmartre et Montparnasse à Paris. Les marchands parisiens, surtout Paul Guillaume, rabattaient leurs toiles pour le docteur Barnes. Elle ne coûtait pas trop cher à cette époque.

Georges Seurat– Poseuses, 1888, Fondation Barnes, Philadelphie

George Seurat peignit ses exceptionnelles « Poseuses » en 1887 : Avec « Un après-midi à l’île de la Grande Jatte », cette toile est l’une des œuvres les plus ambitieuses de l’artiste, aussi déterminante que, plus tard, « Les demoiselles d’Avignon » pour Picasso. Ce chef-d’œuvre, une très grande toile de demoiselles nues, faite de tous petits points juxtaposés dans des tons violacés, sera acheté par Barnes en 1926 et fait toujours le bonheur du musée américain.

La liberté de touche et de couleurs de Soutine subjugua de suite Barnes et fit connaître ce peintre étonnant, émigré russe qui trainait sa misère parmi la bohème de Montparnasse.

Chaim Soutine - Le petit pâtissier, 1919, Fondation Barnes, Philadelphie

Ce portrait de la dernière compagne de l’artiste, qui se suicidera à sa mort, est
surprenant par sa composition, le bras gauche de la femme est arrondi autour de la tête comme un arc.

Amedeo Modigliani - Jeanne Hébuterne, 1919, Fondation Barnes, Philadelphie

Pablo Picasso– Acrobate et jeune arlequin, 1905, Fondation Barnes, Philadelphie

Cette grande toile correspond à la période rose de Picasso. Le thème des saltimbanques et de la fête foraine est très présent à Paris. Ces artistes du spectacle itinérant figuraient souvent dans les poèmes de Verlaine, Baudelaire ou Apollinaire, ami de l’artiste.

Henri Rousseau nous présente une élégante femme en robe d’été posant au milieu d’une forêt tropicale. Une parisienne endimanchée dans un décor exotique ? Renoir appréciait les qualités de peintre du douanier Rousseau et sa poésie insolite.

Henri Rousseau - Femme se promenant dans une forêt exotique, 1905, Fondation Barnes, Philadelphie

Paul Cézanne- Grande baigneuses, 1905, Fondation Barnes, Philadelphie

Des femmes nues sont réunies dans une carrière. Cette version de Grandes baigneuses est considérée comme l'une des plus abouties des nombreuses versions de baigneuses du peintre.

Henri Matisse est le peintre le plus représenté dans l’exposition parisienne.

Dans sa chambre de l'hôtel de la Méditerranée à Nice, l'artiste peint cette jeune femme dans la pénombre avec, comme seul éclairage, la lumière tamisée d’une fenêtre donnant sur l’immensité du ciel et de la mer. Les fenêtres ont toujours intéressé l'artiste pour leurs contrastes forts entre le dedans et le dehors, et ce passage entre l’intérieur et l’extérieur, entre notre intimité la plus profonde et le monde qui nous environne.

Henri Matisse – Les persiennes 1919, Fondation Barnes, Philadelphie

Les toiles de Matisse présentées à Paris sont des chefs-d’œuvre d’une qualité impressionnante. Deux d’entre elles, les plus célèbres de l’artiste, sont admirées dans le monde entier :

Henri Matisse – Le bonheur de vivre, 1906, Fondation Barnes, Philadelphie

Ce "bonheur de vivre" est une œuvre légendaire dans l’histoire de la peinture. Un paradis montrant les plaisirs terrestres (l’amour, la danse, la musique, la nature). Rêverie érotique dans un décor champêtre. Un an après, Picasso peindra ses « Demoiselles d’Avignon » dans un esprit de rivalité avec Matisse.

Henri Matisse – La danse, 1933, Fondation Barnes, Philadelphie

Barnes commanda à Matisse une composition monumentale et murale pour l’installer dans sa fondation à Mérion. Le docteur Barnes comparera « La danse » à la verrière d’une cathédrale et Matisse trouvera qu’elle ressemble à un chant qui s’élève vers la voûte du plafond.

Vincent Van Gogh – Joseph-Etienne Roulin, 1889, Fondation Barnes, Philadelphie

J'avais envie de terminer la visite de cette incroyable exposition par un petit plaisir personnel : retrouver le facteur Roulin, l’ami de Vincent van Gogh qui lui apportait à Arles les mandats que son frère lui envoyait. Vincent écrivit à Théo : « Il a pour moi des gravités silencieuses et des tendresses comme serait d’un vieux soldat pour un jeune.

Après la mort du docteur Barnes, le pèlerinage des amateurs d’art à Mérion, et aujourd'hui à Philadelphie, ne va guère cesser.

La fondation demeure un des rares endroits au monde où le visiteur sent constamment la présence de l’ancien maître des lieux et le choix d’un seul homme derrière chacune des œuvres qui l’accueille.

De par la quantité et surtout la qualité, cette exposition a été l’une des plus belles de chefs-d’œuvre de la peinture moderne française appartenant à un collectionneur qui ait été présentée à Paris. J’ai tenté d’en restituer la saveur.

Citations d'artistes

2019-03-01T10:28:00+01:00

Helen Uter - Citations d'artistes

Citation Léonard De Vinci

Citation Francis Bacon

Citation Picasso

Citation Klee

Citation Breton

Citation Edward Hopper

Citation Matisse

Citation Edward Hopper

Citation Picasso

Citation Eugêne Delacroix

Citation Francis Bacon

Citation Georgio De Chirico

Matisse, lierre en fleur

2018-02-22T16:42:42+01:00

”L'HEURE DE PEINTURE” PAR MATISSE

2018-02-01T16:25:25+01:00

Les parents d'Henri Matisse -peintre français (1869-1954) qui fut le chef de file du fauvisme- tenaient une sorte d'épicerie où ils vendaient aussi du grain et des couleurs. La santé délicate d'Henri Matisse ne lui permettait pas de prendre la suite du commerce familial. Il hésita entre le droit et la pharmacie mais fut définitivement attiré par la peinture. Il conçut également de nombreux dessins, des gravures, des illustrations, et réalisa des sculptures, environ soixante-dix bronzes.

Avec "L'Heure de peinture", nous pénétrons chez l'artiste, dans son atelier, où il se représente "au minimum, n'ayant plus ni poids ni épaisseur ni coloration et n'apparaissant plus que sur le plan du dessin. [...] Tandis que lui-même passe au plan de l'irréel, de la simple évocation, se renforce la présence de la jeune fille occupée à lire. [...] La couleur noire des pages du livre et du pinceau rappelle le mur du fond également sombre. Le peintre a reproduit aussi, à l'intérieur du miroir ovale, un paysage, sans cela complètement exclu de la pièce. Se découpant nettement sur la surface noire de l'arrière-plan, le miroir, tableau dans le tableau, évoque l'activité du peintre. Il sert en même temps d'intermédiaire entre lui et le modèle."

(Bibliographie : Henri Matisse, Maître de la couleur. Volkmar Essers. Rédacteur en chef : Info F. Walther. Traduction française : Catherine Jumel. Medea Diffusion, Fribourg, Suisse, 1987).

"L'Heure de peinture" par Henri Matisse (1919).

A propos du fauvisme

2017-06-11T19:59:41+02:00

Le fauvisme, en même temps que le cubisme révolutionne la peinture.

Il s'affirme plus comme une technique qu'une esthétique.
La peinture fauve s’attache particulièrement au travail de la couleur. Les œuvres sont facilement
reconnaissables par l’emploi sur de larges surfaces de couleurs aux teintes éclatantes. Les images
figuratives tendent, par la simplification des formes, à une certaine ébauche d’abstraction.

Lors des séances "Ateliers avec les Œuvres de Maîtres" nous parlons histoire de l'art, puis il y a de la pratique, cette fois-ci : découverte de la couleur à partir d'un document.

Lorsque l'on parle des fauves, souvent le premier peintre qui me vient en tête est Matisse. Il y a aussi Marquet, Manguin, Camoin,

Gustave Moreau leur professeur aux Beaux Arts, a été à l'inspiration du mouvement. On peut citer également Vlaminck, Derain Braque...

Matisse disait de lui: « Moreau ne nous a pas mis sur le droit chemin, mais en dehors des sentiers
battus. Moreau a perturbé notre complaisance. »

Après les impressionnistes, qui ont jouer avec la couleur, les Nabis ont choisi de peindre en couleurs atténuées, les fauves vont faire "explosaient" la couleur.

Les impressionnistes, tout comme les pointillistes ont modifié leur utilisation de la couleur, suite aux découvertes de Chevreul. C'est donc plus une motivation technique. Les fauves vont utiliser la couleur pour exprimer émotion, ressenti face au sujet en particulier le paysage.

Gauguin aboutit à des peintures où la couleur prend indéniablement le pas sur le dessin et s’exprime avec une intensité et une virulence encore jamais observées. Les fauves vont poursuivre cette voie ouverte et aller encore plus loin dans cette démarche. Le dessin tend alors à disparaître et laisse place à des taches colorées, surfaces posées en touches épaisses et larges de couleurs pures. Dès lors la forme se dessine directement par l'étendue colorée.

Les œuvres du fauvisme vont ouvrir les portes à une abstraction de plus en plus marquée de
l’image, jusqu’à aboutir plus tard à l’art abstrait. De nombreux artistes vont poursuivre les
questionnements ouverts au sujet de la couleur et aller jusqu’à la création de peintures en
monochromes, comme Malevitch ou Klein. D'autres vont travailler sur l’essence même de la
couleur, chacun à leur manière, dans des voies très variées, de façon sensible comme dans le travail de Rothko par exemple, ou de manière plus scientifique, comme les artistes de l’Op’Art.

Cézanne a inspiré les fauves par la simplification de la forme comme il a inspiré les cubistes dans leur choix de géométriser, fragmenter le sujet. C'est pour moi un étonnement de voir qu'au même moment des peintres ont choisi de faire éclater la couleur comme les fauves avec un dessin simple et réaliste, et d'autres de faire éclater la forme comme les cubistes avec une gamme colorée restreinte.

Parallèlement au fauvisme se développe l'expressionnisme allemand s'appelant "Blaue Ritter" avec Kandinsky, Macke, Frantz Marc, Jawlensky. Je trouve que leur travail de gravure sur bois montre bien le travail de simplification et de dynamisme de la forme.

La couleur

Travailler à partir de reproduction des peintures fauves afin d'apprendre à manier la couleur.

Frantz Marc et Matisse

Les participants ont choisi de travailler à l'aquarelle et à la gouache.

Retrouver les couleurs utilisées par l'artiste.

I got the blouse

2017-03-26T18:35:18+02:00

Henri Matisse -The Red Blouse ,1936

Chaleur, d'Anna de Noailles

2016-05-17T22:18:23+02:00

Henri Matisse, 38 x 46 cm, huile, collection privée

Tout luit, tout bleuit, tout bruit,

Le jour est brûlant comme un fruit

Que le soleil fendille et cuit.

Chaque petite feuille est chaude

Et miroite dans l'air où rôde

Comme un parfum de reine-claude.

Du soleil comme de l'eau pleut

Sur tout le pays jaune et bleu

Qui grésille et oscille un peu.

Un infini plaisir de vivre

S'élance de la forêt ivre,

Des blés roses comme du cuivre.

http://www.annadenoailles.org/bibliographie/poesie/

Bonheur

2016-04-09T01:53:01+02:00

"Par bonheur, on entend, dans l'ordre qu'on veut, le plaisir et la connaissance."
Philippe Sollers, Le Cœur absolu
Matisse, Odalisque, 1923

La Perruche et la Sirène (2)

2015-10-22T09:56:00+02:00

En attendant de vous raconter mon périple - je rentre de deux semaines de rencontres avec des lecteurs de l'autre côté de l'Atlantique ! - voici deux jolies raisons d'avoir le sourire et qu'il me tardait de partager avec vous... toujours au sujet de La Perruche et la Sirène.

La première, c'est une chronique radio. Signée Grégoire Courtois, elle a été diffusée sur France Inter au début du mois, dans l'émission La Librairie Francophone :

La seconde, c'est un commentaire posté par une lectrice sur la page Facebook de mon éditeur, L'Élan Vert :

Je l'ai offert à mon fils qui adore la lecture et l'art, il a beaucoup aimé. Les illustrations à la manière de Matisse sont splendides. La rencontre de l'eau et de l'air, du poisson et de l'oiseau est une très belle image du métissage. Mon fils étant métis, le plaisir de l'histoire du soir fut d'autant plus grand... Il y a des livres qui vous marquent à vie, celui-ci marquera la nôtre.

À le relire, de nouveau, j'en ai des frissons... Et pourtant, ça fait drôlement chaud au ♥ !

La Perruche et la Sirène

2015-09-22T17:59:14+02:00

J☼IE ! Mon tout nouvel album, consacré au grand Matisse et à ses papiers découpés, vient d'arriver à la maison : merci Vanessa, pour tes superbes illustrations !

(> "clic" sur l'image pour découvrir mon Instagram ^^)

Baleine ou sirène ?

2015-09-11T16:46:00+02:00

La bonne réponse est : "les deux, mon capitaine" !

Vous vous souvenez ? Dans cette note, je vous annonçais la parution prochaine de deux albums, l'un illustré par Peggy Nille et l'autre par Vanessa Hié.

Le premier, un petit "conte d'ailleurs" - comme Ganesh le Gourmand ou Le Vieux Tigre et le Petit Renard - n'est pas encore parti chez l'imprimeur, mais je peux tout de même vous annoncer qu'on y verra LA star des mers : ZE baleine ! Enfin... en fait, on la découvrira plutôt AVANT qu'elle devienne cette méga-vedette des océans ! (Même que je vous raconterai pourquoi et comment la baleine s'est jetée à l'eau.)

Le deuxième, un "Pont des Arts" - comme récemment Merci Facteur ! - est sur le point de sortir et j'ai vraiment hâte de le découvrir grandeur nature ! D'autant que la genèse de cet album, consacré à Matisse, fut un peu particulière...

Tout a commencé, sans que je m'en doute à l'époque, dans une classe de Maternelle. D'ailleurs, j'avais raconté la séance ici. Depuis que je travaille pour cette collection passionnante, j'ai fait ce genre de choses plusieurs fois. Mais jamais l'exercice n'avait conduit à un VRAI livre : magique. ♥

Avant de vous en montrer un peu plus, j'aimerais vous faire découvrir une petite vidéo réalisée par le musée d'Amsterdam où est conservée l'œuvre en question : La Perruche et la Sirène...

@ suivre !

Gisants (Extrait), de Michel Deguy

2015-05-26T07:15:00+02:00

Croquis de Matisse

Ne me laisse pas ignorer où tu seras
Lis-moi le brouillon planétaire
Est-ce que je te connais connaissant tes objets
Les pétales de flamme de ta flamme et de son omphalos

Ton odeur ton nom ton âge tes commissures
Par tes capillaires, je bats, les tiges, faisceau de pouls, verge
Ton élégance tes récits tes bas tes couleurs
J'alanguis la rose de quelqu'une le roman
Tes bijoux tes bleus tes cils ta montre
La proximité est notre dimension
Tes lobes ta voix tes lèvres tes lettres

Ne me laisse pas ignorer où tu es
Le rouleau gris ensable notre baie

Extrait de "Gisants" Poèmes III, 1980-1995, Poésie/Gallimard

Comme un ”Pont des Arts”

2014-06-27T15:16:00+02:00

Si vous êtes un visiteur fidèle, vous connaissez déjà la collection - je vous en parle souvent. Mais, si vous déboulez ici pour la toute première fois, une petite mise à jour ici (sur le site de l'éditeur) ou là (sur celui de la revue Dada) pourra être utile à la compréhension de ce qui suit.

Cela dit, le principe est simple : les auteurs des albums publiés dans cette collection doivent imaginer une histoire "à partir" (ou "autour" ou "inspirée") d'une œuvre d'art pour amener le lecteur jusqu'à elle.

Depuis le début de cette aventure, j'ai eu le grand bonheur d'en écrire cinq, respectivement consacrés à Chagall, Hokusai, Le Corbusier, Picasso et Piano & Rogers. (Le sixième est en préparation !) Quand je rencontre des classes qui ont lu ces livres, j'aime expliquer la manière dont je travaille à cette écriture-là, forcément particulière. Mais le plus intéressant reste de s'y essayer tous ensemble. Et c'est ce que nous avons fait cette année, à l'école Camille Claudel de Triel-sur-Seine (78) - je vous montre !

En Maternelle, nous avons choisi un collage de Matisse, La Perruche et la Sirène.

Nous l'avons tout d'abord minutieusement observé, puis décrit avec nos mots à nous. Ensuite, nous avons cherché ce qui pouvait bien relier l'oiseau tropical et la femme-poisson. Sans réponse évidente, il faut imaginer. Pourquoi ces deux personnages ? Évoluent-ils dans le même univers ? Fonds marins ? Forêt tropicale ? Que faudrait-il pour qu'ils puissent se rencontrer ? Voilà, l'écriture s'était mise en route...

Une fois l'histoire établie, j'ai dessiné le chemin de fer au tableau. Bien sûr, tout cela se fait en discutant avec les enfants du pour et du contre de tel ou tel choix de mise en page - un vrai travail d'éditeur auquel ils participent avec joie !

C'est ici que je leur ai lâché la main. Ensuite, la classe de Marie-Jo a poursuivi seule sa création. J'ai découvert le livre terminé hier et l'ai feuilleté pour vous, regardez !

*@ suivre !

1947 : PAPIERS DECOUPES

2014-02-13T21:30:00+01:00

L'EVENEMENT MATISSE

2013-09-01T21:48:00+02:00

"UN ETE POUR MATISSE" a été l'expo phare de la saison.... Difficile d'y échapper puisque huit des douze musées niçois participaient à l'événement estival. Quelques impressions donc sur les différents sites visités.

"Les abeilles" revisitées par le collectif KKF/Keskon Fabrique
(tomettes niçoises, terre cuite, verre, métal)

Le premier est bien évidemment le Musée Matisse à Cimiez, celui qui fête ses 50 ans d'existence, celui qui met en lumière l'importance de la musique qu'il pratiquait en violoniste... pour qu'il lui reste cette émotion s'il venait à perdre la vue...

Musée CHERET, celui des Beaux-Arts, celui qui explique comment Matisse a appris, auprès de Gustave Moreau, à maîtriser les bases, à trouver en lui-même la matière pour ensuite se libérer des règles établies.

Installation Paola Risoli

Le Mamac, celui où certains artistes contemporains témoignent de tout ce que Matisse à apporter à leur propre travail, à leur propre vision de l'Art, tandis que d'autres ré-interprétent ses thèmes. Bizarrement cela m'a rappelé une expo hommage à Renoir à la Maison des Artistes de Cagnes il y a quelques années. Le sujet donné aux participants était : "Si Renoir vivait en 2008...".

Au Palais Lascaris, la "musique Négre", comme l'appelait l'épouse du peintre, est à l'honneur et surtout le parallèle entre ses rythmes et ceux de la peinture du Maître. Une installation multimédia de Michel Redolfi, inspirée des gouaches découpées de Jazz d’Henri Matisse, propose aux visiteurs une immersion sensorielle grâce à un "fauteuil Matisse" qui émet des ondes porteuses.... Au travers de l'histoire du Jazz, l'exposition rappelle aussi que c'est à Nice, en 1948, qu'a été créé le 1er Festival International de musique de Jazz.

série "Après tout" Amaury da Cunha

Quant au musée d'archéologie à Cimiez, grâce à des photos et videos d'artistes, il fait la liaison entre les thermes romains tout proches et l'oeuvre "La piscine" d'Henri Matisse, nouvellement installée au Musée Matisse voisin. "Les photographies de Franco Fontana, Edward Curtis, Lucien Clergue, Paul Louis, Lionel Bouffier, Michel François, ou celles d’Amaury da Cunha permettent d’accéder à la variabilité du regard que l’artiste peut poser sur le lieu “piscine” et sur son occupation par l’être humain, alors que les séries de Marie-Paule Nègre ou Catherine Larré tendent à interroger la fluidité, la déformation et la plasticité des corps dans l’eau."

Brassaï, Matisse dans son atelier en 1939

Gros coup de coeur pour le volet présenté au Théâtre de la Photographie et de l'Image, "Femmes, muses et modèles. Une rencontre entre les sculptures de Matisse et la collection de photographies d'Amedeo M. Turello, lui-même photographe de mode. "Des représentations de la femme, de tout temps et de toute époque, à la fois inspiratrice et modèle, naturelle ou mise en scène, qui permettent, au travers de ces images, de reconstituer toute une frange de l’histoire de la photographie et de l’évolution de la femme, de sa condition et de son image, allant du pictorialisme à nos jours."... Parmi les artistes présentés, on compte les plus grands noms de la photographie : Edward Steichen, Cecil Beaton, Frantisek Drtitkol, André Kertesz, Bettina Rheims, Cindy Sherman, Edouard Boubat, Eikoh Hosoe, Henri Cartier-Bresson, Helmut Newton, Jacques-Henri Lartigue, Josef Sudek, Jeanloup Sieff, Robert Mapplethorpe ...

"La baie de Cannes", Pablo Picasso

Mis à part la Galerie des Ponchettes qui présentait des affiches, j'ai fait le tour des sites et terminé par le Musée Masséna où le choix du thème s'est porté sur le palmier... de la chronologie de l'arrivée de ce végétal sur la Côte d'Azur à la symbolique de la palme depuis l'antiquité dans les Arts... Instructif, très varié au regard des oeuvres présentées mais moins passionnant par rapport à Matisse.

L'impression globale est de toute façon très positive, ne serait-ce que pour les toiles prêtées notamment par le Centre Pompidou, le Château de Versailles, le Musée d’Orsay, le Musée national Gustave Moreau, le Museum of Modern Art de New York, la National Gallery of Art de Washington, le Philadelphia Museum of Art et le Andy Warhol Museum, ce qui justifiait largement le pass de 10€ au lieu de la gratuité habituelle des musées niçois, seul bémol le délai un peu court (7 jours) pour l'utiliser.

"Un été pour Matisse" est visible jusqu'au 23 septembre. Celle du Mamac "Bonjour Monsieur Matisse, Rencontre(s) !" se poursuivra jusqu'au 24 novembre. http://matisse2013.nice.fr/

Dedans dehors

2013-06-10T10:05:00+02:00

Presque toute la surface du tableau est consacrée à l'intérieur et le titre même de la toile "Intérieur au violon" vous ferait croire qu'il n'est question que d'intérieur. Que le sujet du tableau, c'est cette pièce, ce violon, qu'il s'agit d'une invitation à rêver la musique, à imaginer le musicien dans la pénombre se saisir de l'instrument et faire vibrer les sons.Une atmosphère beaudelairienne faite de luxe, calme et volupté, comme le bleu de velours qui abrite le violon. Mais ce bleu est trop bleu pour être honnête. Il n'est là que pour signaler l'autre bleu, plus discret, qui perce le travers des claires-voies. Car là est le vrai sujet du tableau : l'extérieur, la lumière éclatante du Sud qui seule permet de tamiser l'espace intérieur, la chaleur étouffante qui rêve d'entrer en tous lieux, l'air chaud frémissant qui éveille les sens et guidera le musicien. Le violon n'est qu'un écho de la musique extérieure.

Matisse - Intérieur au violon

Qui prend le temps de lire les dispositions relatives à la formation dans la loi de sécurisation de l'emploi, y trouvera un même exercice d'intérieur-extérieur. Si l'ANI du 11 janvier 2013 constitue bien l'étape II de la réforme de la formation et s'inscrit dans la logique de l'ANI de 2003 (DIF/Compte personnel de formation - Entretien individuel/Conseil en évolution professionnelle - Obligation d'adaptation/Gestion prévisionnelle négociée des emplois et compétences), il est tout autant tourné vers l'extérieur que son prédécesseur l'était vers l'interne. En 2003, le DIF, l'entretien professionnel et l'obligation d'adaptation au poste visent à responsabiliser employeurs et salariés sur le développement des compétences dans l'entreprise. En 2013, le compte personnel aux priorités centrées sur l'employabilité externe, le conseil en évolution professionnelle fait pour accompagner les mobilités externes et la GPNEC qui vise à anticiper les évolutions de l'emploi, sont résolument inscrits dans des logiques externes. Si l'on ne peut en conclure hâtivement que l'objectif est de faire passer les salariés par la fenêtre, on peut tout de même s'interroger sur la manière dont les entreprises se saisiront de dispositifs construits sur des logiques qui ne sont pas nécessairement les leurs.

Faire abstraction

2012-07-31T06:17:00+02:00

C'est en Angleterre, lors d'une visite à la National Gallery, qu'est véritablement né mon goût pour la peinture abstraite. Pourquoi ? parce qu'à côté d'une toile, il y avait un petit panneau qui expliquait que la peinture abstraite se regardait comme de la musique s'écoute. Grâce à cette clé, j'ai pu entrer dans quelques toiles et puis beaucoup d'autres. Du coup, lorsque j'ai découvert que les musiciens parlaient de la "couleur" d'un orchestre pour traduire sa manière de jouer, cela ne m'a qu'a moitié surpris. La musique est par nature une abstraction et il n'est guère surprenant que la vibration des couleurs lui soit familière. Et cette vibration est, au moins pour les oeuvres majeures, un chemin qui mène vers la lumière. Illustration avec quelques unes des oeuvres de la magnifique collection de l'Institute of Art de Chicago.

Dans cette peinture de la Vallée d'Aoste par Turner, le panthéisme doit sa puissance à la fusion lumineuse des trois éléments : l'air, la terre et l'eau. Sous le paysage toujours présent, l'abstraction lyrique pointe les poils de sa brosse.

Dans le chef d'oeuvre de Seurat, Un dimanche à la Grande Jatte, le pointillisme est, avant l'heure, une pixelisation de l'image ramenée à des points de lumière qui composent la scène. Si l'on s'éloigne, zoom arrière, l'image gagne en netteté et les petits points disparaissent. Si l'on se rapproche, zoom avant, la toile n'est qu'une infinité de touches, comme le corps humain se réduit à des atomes selon la distance à laquelle on l'observe.

Cette décomposition de la lumière, Cézanne, ici avec Les baigneuses, et Matisse, avec son Géranium, y travaillèrent toute leur vie. Avec joie souvent, obstination toujours, acharnement fréquemment.

Puis vint le temps de la radicalité. Celui où le mouvement devait l'emporter définitivement sur le motif et la couleur se tenir toute entière devant vous. Non pas comme une décomposition progressive mais au contraire comme un ensemble cohérent. Comment en peignant avec cette vitesse et cette énergie De Kooning parvient-il à une composition totalement cohérente, équilibrée et fascinante ? ici ce n'est plus la musique de chambre de Matisse, mais une symphonie proche de Turner. Vous avez devant vous, en musique, l'histoire du XXème siècle qui vous est présentée.

Difficile de faire mieux en matière de déconstruction/reconstruction. Ce n'est pas un hasard si c'est un hollandais passé par Paris qui y parvint à New-York, à l'image de la French Théory qui traversa l'Atlantique et marqua profondément la recherche et la pensée américaine en sciences humaines. Dès lors, il fallait repasser par la technique pour essayer d'aller au-delà. Ce que fit Gerard Richter (dont on peut apprécier le travail à Beaubourg cet été) en retravaillant la matière et la lumière, toujours.

Mais celui qui parvient sans doute à aller le plus loin, jusqu'à y laisser sa vie même, ce fût Rothko dont les oeuvres sont des sirènes : le sourd ne risque rien, mais gare à celui qui entend la musique qui l'absorbera dans la toile. Car il n'aura ensuite de cesse de retrouver cette extase et fera projet de s'installer un jour au centre de la Chapelle Rothko, à Houston, pour écouter encore et toujours les sirènes. De tout le reste, il aura fait abstraction.

Plein Sud !

2012-04-08T12:31:00+02:00

Pas une semaine sans que je rencontre, dans le cadre professionnel, des gens qui m'expliquent qu'à côté de leur job, ils ont un travail. A eux. Qu'ils ont développé à partir d'une idée, d'une envie, de quelque chose qui vient de loin, d'un hasard, d'une nécessité ponctuelle, d'une rencontre, d'un besoin. Ce travail, il s'exerce à titre indépendant, avec un support associatif, par le statut d'auto-entrepreneur, par d'autres manières un peu bricolées, mais tout cela n'est que l'habillage. Ce qui compte c'est le projet, le désir de faire, le besoin de décider soi-même, d'être responsable et d'être fier aussi de ce que l'on créé.

Que la nécessité financière soit parfois à l'origine de l'activité n'est pas douteux. En cela, le développement des doubles activités pourrait être une preuve que la France s'oriente au Sud, car en Italie, en Espagne, en Grèce, au Portugal, ces pays que les financiers anglo-saxons n'aiment guère, cela fait longtemps que l'on connaît le double emploi et les petites bricoles pour gagner sa vie. L'idée que le Sud vivrait de farniente et le Nord serait laborieux est un cliché que continuent à véhiculer les statistiques officielles. Si ce n'était que cela, ces activités secondes ne seraient que le signe d'une paupérisation rampante. Mais, au moins dans le récit de mes interlocuteurs, il y a autre chose. Il y a du plaisir et il y a de la joie.

Matisse - Travail et Joie

La découverte, bien tardive, que le travail peut être source de souffrance, de stress, et parfois conduire au suicide, pourrait mener à un procès global du travail et ne jamais poser la véritable question : celle du sens qu'il peut avoir et des conditions dans lesquelles il s'exerce. Souvent c'est moins le travail lui-même qui pose problème que son environnement : les salariés de Gandrange souffrent moins devant le laminoir que de la manière dont ils sont "gérés". Et ces activités secondes, ces bricolages personnels pour développer des activités qui parfois nécessitent un temps et un investissement bien supérieurs à la rémunération que l'on en tire, montrent bien que le travail ne se réduit pas au salaire, pas plus que l'activité au salariat. Et voilà peut être une bonne nouvelle : face à la rationnalisation sans limite, au reporting permanent, à la perte de sens, la redécouverte que le travail ce n'est pas nécessairement cela. Et qu'activité ne veut pas dire nécessairement emploi, le salariat n'étant pas l'horizon indépassable du champ professionnel. Mais pour s'en souvenir, il faut se souvenir du Sud, tant il est vrai qu'à choisir un modèle, si tant est que cela ait du sens, et n'en déplaise à certains, il vaudra toujours mieux préférer le Sud.

Matisse parle, d'Aragon

2011-11-25T21:32:00+01:00

Je défais dans mes mains toutes les chevelures
Le jour a les couleurs que lui donnent mes mains
Tout ce qu´enfle un soupir dans ma chambre est voilure
Et le rève durable est mon regard demain

Toute fleur d´être nue est semblables aux captives
Qui font trembler les doigts par leur seule beauté
J´attends je vois je songe et le ciel qui dérive
Est simple devant moi comme une robe otée

J´explique sans les mots le pas qui fait la ronde
J´explique le pied nu qu´a le vent effacé
J´explique sans mystère un moment de ce monde
J´explique le soleil sur l´épaule pensée

J´explique un dessin noir à la fenêtre ouverte
J´explique les oiseaux les arbres les saisons
J´explique le bonheur muet des plantes vertes
J´explique le silence étrange des maisons

J´explique infiniment l´ombre et la transparence
J´explique le toucher des femmes leur éclat
J´explique un firmament d´objets par différence
J´explique le rapport des choses que voilà

J´explique le parfum des formes passagères
J´explique ce qui fait chanter le papier blanc
J´explique ce qui fait qu´une feuille est légère
Et les branches qui sont des bras un peu plus lents

Je rends à la lumière un tribut de justice
Immobile au milieu des malheurs de ce temps
Je peins l´espoir des yeux afin qu´Henri Matisse
Témoigne à l´avenir ce que l´homme en attend

Extrait du Crève Coeur, Gallimard, 1957

Figure décorative sur fond oriental

Matisse

2011-10-22T16:52:00+02:00

"Le bonheur de vivre" 1905

Exposé à la Fondation Barnes (Etats-Unis)