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Jolie bouteille, sacrée bouteille

2021-10-04T00:00:00+02:00

On sait que l’on peut faire un mauvais film avec une bonne idée, mais peut-on faire un film excellent avec une idée, sinon mauvaise, du moins improbable ? La réponse est oui, si l’on pense au dernier film de Thomas Vinterberg, Drunk, avec la star mondiale Mads Mikkelsen dans le rôle-titre.

Le réalisateur de Festen et théoricien du "Dogma 95", a fait en 2020 son grand retour avec cette comédie dramatique et sociale, sur fond de réflexions sur l’alcool et sur son importance sociale. Contre toute attente, Drunk a récolté pléthore de récompenses : les César, Oscar et BAFTA du meilleur film étranger, une coquille d’argent au Festival international du film de Saint-Sébastien en 2020, sans compter les principaux prix du cinéma européen (meilleur, film, meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleur acteur pour Mads Mikkelsen).

Autant dire que Drunk est marquant en dépit de son pitch à bien des égards piégeux. Quatre amis danois, des quadragénaires et professeurs de leur État, se lancent, lors d’une soirée, dans une expérience folle – puisqu’il fait bien appeler les choses par leur nom : mettre en pratique une théorie selon laquelle l’homme naît avec un déficit d’alcool de 0,5 g/litre de sang. Pour retrouver un équilibre, chacun devrait absorber de quoi retrouver cette dose originelle. Les quatre amis décident donc de consommer régulièrement de l’alcool, mais avec une rigueur toute scientifique. Toutefois, l’expérience a ses limites et finit par déraper.

On devine les écueils qui attendaient Thomas Vinterberg et sa famille d’acteurs et d’actrices : une suite de scènes de bitures (certes, qui existent), un discours convenu sur les ravages de l’alcool ou une comédie à la fois lourdingue et pleine de pathos. Rien de tout cela, cependant, dans Drunk.

Le passage vers une folie provisoire et un état de transe

C’est d’abord le petit groupe d’amis quadras qui intéresse le réalisateur danois, auscultant les blessures, le rêves brisés et les déchirures de ces amis, lancés dans une quête improbable du bonheur. La présence magnétique de Mads Mikkelsen y est pour beaucoup : on est bouleversés par Martin, ce professeur d’histoire qui a perdu la flamme et voit son couple couler.

Des critiques ont vu, à juste titre , Drunk comme une critique sociale du Danemark, pays paisible, poli et convenu que les quatre modestes professeur secouent en mettant en pratique une expérience autant improbable que choquante. Que l’on pense à cette scène où un professeur de philosophie encourage son élève à prendre quelques rasades d’alcool pour pouvoir affronter un examen et disserter sur Kierkegaard !

Thomas Vinterberg est maître dans son art de filmer les scènes de boissons : bouteilles que l’on débouche, verres de vin blanc portés à la bouche, scènes de beuveries ou encore cette manière de pousser tel ou tel à à s'en servir encore un... Boisson sociale s’il en est, l’alcool devient aussi, dans la dernière scène électrisante où Mads Mikkelsen montre tous ses talents de danseur, un produit euphorisant permettant le passage vers une folie provisoire et un état de transe que les Grecs anciens n’auraient pas renié.

Placer l’alcool au cœur d’un film était un pari risqué. Il est réussi à plus d’un égard dans Drunk, jusque dans le choix musical, bien plus malin qu’il n’y paraît : les musiques traditionnelles danoises – prouvant la dimension sociale du long-métrage – côtoient un répertoire classique et en premier Tchaïkovski (La Tempête) et Schubert (la fameuse Fantaisie en fa mineur). Deux compositeurs évidemment consommateurs d’alcool, voire qui avaient des problèmes avec la bouteille.

Drunk, comédie dramatique danoise de Thomas Vinterberg,
avec Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang et Lars Ranthe, 2020 , 115 mn, MyCanal, Canal+
https://www.hautetcourt.com/films/drunk
https://www.facebook.com/theofficialmads
https://www.canalplus.com/cinema/drunk/h/14878879_40099

Voir aussi : "Lumineuse secte"

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Drunk (Thomas Vinterberg)

2020-10-17T17:12:00+02:00

Ce film qui s’intitule « bourré » ou « ivre » (Druk en danois) a plutôt l’alcool joyeux. Quatre amis, tous professeurs de lycée, décident pour donner plus d’entrain à leur vie de l’alcooliser raisonnablement puis de tester leurs limites en augmentant les doses. Le décor planté par Thomas Vinterberg, dont on se rappelle La chasse (2012) et Festen (1998), est celui du Danemark confortable des classes moyennes, habitant de belles maisons avec jardin, travaillant dans un cadre stable et protecteur. On aimerait en France avoir des lycées neufs et bien équipés comme celui où enseignent Martin (Mads Mikkelsen), Peter (Lars Ranthe), Tommy (Thomas Bo Larsen) et Nikolaj (Magnus Millang). Le besoin de s’alcooliser est en apparence un moyen d’échapper à l’ennui et à la monotonie d’une vie bien lisse.

Comme le montre la première séquence de Drunk, l’alcoolisme festif est l’apanage des jeunes au Danemark (pas que là-bas !). Filles et garçons s’adonnent à des marathons de biture. Se bourrer la gueule pour quatre hommes mûrs, c’est retrouver un peu de leur jeunesse perdue. La représentation qu’en fait le réalisateur est assez joyeuse même si le film prend vers son dernier tiers une teinte sombre. Les couleurs sont chaudes et témoignent d’une douceur de vivre à la nordique. Ils boivent beaucoup de bons alcools et de bons cocktails. La caméra tangue et donne aux séquences un mouvement de balancement fluide entre les personnages, très agréable à regarder. La musique est joyeuse comme la pop What a life de Scarlet Pleasure. Le film étant plus euphorique que triste, on se demande donc ce qui ne va pas.

Heureusement que la forme est joyeuse car le scénario part d’un matériau très convenu. Des mâles quadragénaires connaissent cette fameuse crise de la quarantaine, ils s’ennuient, voient leur jeunesse s’évanouir, leurs couples se fissurer. Ce n’est pas très original et dans cette configuration, les femmes ont un rôle minimal et peu valorisé. L’épouse de Martin s’agace, celle de Nikolaj menace de partir. La directrice d’école apparaît ponctuellement pour rappeler les règles. Derrière l’alcoolisme festif et grégaire, on devine le malaise viril dans une société égalitaire, normée et conformiste où les comportements sont scrutés et jugés. On se souvient que dans La Chasse, le personnage joué par Mikkelsen était accusé à tort de pédophilie par une petite fille soutenue par une directrice d’école et qu’il se retrouvait rejeté par sa communauté. Il y a un peu de cet esprit-là dans Drunk comme si les femmes ne pouvaient avoir leur part de malaise, comme si elles étaient en partie responsables du désarroi des hommes.

Autant la vision des femmes et du couple est stéréotypée, autant le portrait du pays semble sonner juste. Parler d’alcoolisme dans un pays où « tout le monde picole », c’est en soi intéressant. L’alcool est un révélateur. Il y a une angoisse diffuse dans Drunk qui semble au diapason des inquiétudes danoises. Les quatre hommes sont enseignants. Ils ont une mission valorisée par la société : transmettre du savoir et permettre à leurs élèves de réussir dans la vie. Ils se doivent d’être exemplaires dans leurs comportements sociaux. Ils se doivent d’être des bons professionnels et de bons parents. On comprend la pression que cela peut représenter, une pression égale à celle de leurs élèves devant réussir leurs examens. Les beuveries apparaissent comme conséquences naturelles de l’ambiance générale. Quand on s’ennuie et qu’on doit toujours être exemplaire aux yeux des autres, on finit par craquer. Bien qu’il entraîne des conséquences graves, l’alcool est vu comme un bon moyen de supporter le poids de l’existence, voire de stimuler ses capacités à vivre. Il permet in fine de reconsidérer sa vie en se posant la bonne question : « suis-je dans le vrai ? ». En bon révélateur, il donne à Martin l'occasion de retrouver une forme de vérité. Le philosophe danois Kierkegaard est cité au début du film, ce n’est pas étonnant. Il a écrit sur l’angoisse et l’expression de la vérité dans sa propre vie, ce que semble chercher le père de famille.

A la fois joyeux et un peu triste, Drunk effleure le malaise sans trop rentrer dedans. Il se garde d'effrayer son spectateur avec des images inquiétantes. Une personne alcoolique peut se révéler lourde et embarrassante et pourtant les quatre amis demeurent sympathiques et légers. Drunk est pareil : jamais glauque, toujours sympa et léger et par les temps qui courent, ça n’est pas désagréable.

Rogue One : contrat rempli, mais sans la magie

2016-12-21T00:00:00+01:00

Pourquoi le bloggueur est-il sorti frustré par le dernier Star Wars, Rogue One ? Encore que parler d’opus "Star Wars" pour ce prequel se déroulant peu de temps avant l’épisode IV (Un Nouvel Espoir, de fait le premier tourné en 1977) s’avère un contresens. Certes, le cahier des charges est rempli par Walt Disney pour contenter les fans de la saga : créatures extraterrestres, robots en pagaille, batailles spatiales, lutte contre le bien et le mal et – the last but not the least – le retour de figures bien connues, Dark Vador en tête (voir aussi cet article sur l'acteur Peter Cushing). Pour autant, d’où vient ce sentiment d'inaccomplissement et de frustration ?

Sans doute pas de l’histoire. Les scénaristes ont ingénieusement développé une intrigue autour du fameux plan volé par la princesse Leia Organa au début de l’épisode IV, ce qui permet de faire la soudure avec le reste du cycle. L’impétueuse héroïne Jyn Erso (Felicity Jones) part à la recherche de son père, Galen Erso (Mads Mikkelsen, toujours aussi bon), ingénieur en chef chargé de construire l’Étoile de la Mort, diabolique arme destructrice de planètes. La jeune femme se trouve enrôlée dans les rangs d’un groupe de rebelles, avec parmi eux Cassian Andor, Baze Malbus, Chirrut Imwe et K-2SO, un robot plus vrai que nature et sans doute l’une des plus belles inventions de ce Star Wars. Tout ce petit monde part à la quête du plan de l'arme monstrueuse.

Moins manichéen que les autres épisodes (si l’on excepte La Revanche des Siths), Rogue One respecte l’esprit de George Lucas en ce qu’il fait la part belle aux luttes cornéliennes, aux tensions familiales et aux chemins escarpés que doit suivre la Force dans un monde soumis à l’Empire.

Les spectateurs apprécieront sur grand écran ce qui a toujours fait la magie de cette saga légendaire : les effets spéciaux (et aujourd’hui numériques), les vaisseaux spatiaux tous plus impressionnants que les autres, les combats et, plus spécialement pour ce spin-off, des paysages à couper le souffle. Jyn et ses acolytes vont de planète en planète : des landes vertes et humides de Lah'mu aux paysages désertiques de Jedha, en passant par la la base scientifique sombre et humide d’Eadu et la tropicale et faussement paradisiaque planète Scarif. C’est dans ce dernier monde que se déroulera la grande bataille pour la recherche du fameux plan et dont la furie guerrière n’est pas sans rappeler Apocalypse Now ou Full Metal Jacket. La longue et passionnante séquence autour et dans la tour d’archivage impériale identifierait pour certains Rogue One à un film de guerre. Ce serait cependant aller bien vite en besogne pour un long-métrage Disney à prendre tel qu’il est : un divertissement familial, certes plus sombre que les autres opus.

Factuellement, Rogue One reste réussi. Mais ce spin-off se démarque trop des autres épisodes : pas d’introduction classique au large bandeau jaune défilant, une musique originale décevante et singeant les majestueux accords de John Williams (les auteurs n’ont heureusement pas été jusqu’à supprimer le traditionnel générique de fin) ou l’absence de combats au sombre laser – les puristes n’apprécieront pas. Plus important sans doute, ce qui faisait le charme des deux premiers cycles - héros mythiques, scènes quasi mythologiques telle la transformation faustienne d'Anakin Skywalker en Dark Vador et références quasi mystiques à cette religion qu'est la Force - est absent de ce prequel malgré toute la bonne volonté des créateurs et des acteurs.

Il reste que les scénaristes et le réalisateur ont mis en place une ingénieuse séquence finale s’accordant à la perfection avec l’épisode IV de Star Wars. Rien que pour ce dernier coup d’éclat, Rogue One est à voir. Mais ne vous leurrez pas : au contraire du Réveil de la Force, sorti l'an dernier, la magie risque cette fois de ne pas être au rendez-vous.

Star Wars : Rogue One, film américain de Gareth Edwards,
avec Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn,
Forest Whitaker et Mads Mikkelsen, 2016, 133 mn
"Le réveil d'une épopée"

Doctor Strange

2016-11-14T15:58:00+01:00

Après les loosers Ant-Man (2015) et Deadpool (2016), Marvel renoue ici avec un super-héros millionnaire. Car c'est ce qu'était Stephen Strange, neurochirurgien brillant, avant de ne plus pouvoir exercer son métier suite à un grave accident de voiture. Afin de retrouver l'usage de ses mains, il entreprend un voyage au Tibet où il rencontre l'Ancien. Celui-ci (ou celle-ci, méconnaissable Tilda Swinton) l'initie aux pouvoirs mystiques et lui apprend que le danger Dormammu guette. On est tenté de dire que le scénario habituel (nos super-héros contre une entité désirant détruire le monde) est devenu franchement redondant. Mais comment le faire lorsqu'on sait que le bien contre le mal est la pierre angulaire de tout l'univers B.D de Marvel ? A la différence du dernier opus en date, soit X-Men contre les ambitions dévastatrices d'Apocalypse, la direction d'acteurs est excellente, notamment le principal intéressé - Benedict Cumberbatch - dans une version plus nerveuse que Sherlock Holmes. On retiendra essentiellement un bon dosage entre humour et gravité et un spectacle visuel époustouflant qui n'est pas sans rappeler Inception de Christopher Nolan. Ca n'en fait pas un Marvel novateur mais tout de même un Marvel au dessus de la moyenne, solide et divertissant. J. N, N. A

Doctor Strange (Scott Derrickson, USA, 2016, 115 min)

Cast : Benedict Cumberbatch, Rachel McAdams, Tilda Swinton, Chiwetel Ejiofor, Mads Mikkelsen, Benedict Wong, Michael Stuhlbarg.

Tour d'horizon... (101)

2016-01-10T16:01:00+01:00

Au sommaire cette semaine :
- sur son site, Robert Redeker reprend un de ses papiers du Figaro dans lequel il évoque l’œuvre de Michel Foucault et son influence...
Foucault l'incendiaire

- sur le site Idiocratie, un excellent article qui donne envie de découvrir l’œuvre cinématographique de Nicolas Winding Refn...
Nicolas Refn, cinéaste post-fasciste

Michael Kohlhaas [Cinéma/Critiques]

2013-08-18T12:30:00+02:00

Afin de pouvoir payer un droit de passage, Michael Kohlhass, un seigneur sans histoire, laisse deux magnifiques chevaux en gage au baron local. L'état dans lequel il va les retrouver à son retour va être le point d'origine d'une croisade qui va mettre la région à feu et à sang.

Adapté d'un roman emblématique de Heinrich Von Kleist, cette adaptation très épurée d'Arnaud des Pallières va à l'essentiel. Peut-être un peu trop. Si la prestance, l'oeil d'acier et la mèche rebelle de Mads Mikkelsen (le méchant de Casino Royale) font merveille dans le rôle-titre, l'intrigue, elle, est sans réelle surprise. Son issue se devine longtemps à l'avance si bien qu'on subit plus qu'on ne savoure la dernière partie qui ne semble être là que pour amener un dénouement inexorable. Lequel fait tout de même son effet, il est important de le préciser.

Le rythme lent et les plans statiques des personnages et des paysages est un parti pris artistique qui peut servir autant que desservir. En l'occurrence ils vont de pair avec le personnage et son histoire, très terrestres, très ancrés dans une réalité dont l'époque est subtilement évoquée sans jamais prendre le pas sur le fond.

De ce côté, les décors et la lumière naturels nourrissent plutôt bien l'ambition du cinéaste.

Un choix qui, lui, parait plus discutable, est l'emploi fréquent d'ellipses que ce soit d'un point de vue spatial ou temporel, perturbant régulièrement la compréhension du récit, paradoxalement simple au demeurant. Les personnages disparaissent et réapparaissent sans explication et le temps que le spectateur passe à assimiler l'information il ne le passe pas à faire corps avec la narration et la perception du héros d'où une grosse perte en terme d'émotions. Ce qui est regrettable car certaines scènes étaient propices à instaurer une intensité qui manque incontestablement à l'ensemble de l'oeuvre en dépit de son propos. La conversation entre Michael et le dévot (incarné efficacement par Denis Lavant) est sans doute l'une des scènes les plus mémorables, peut-être parce qu'elle renvoie, dans une moindre mesure, au Jeanne d'Arc de Luc Besson dans lequel l'héroïne est confrontée à sa conscience et à ses propres démons.

Les évènements vont resserrer les liens entre Michael et sa fille, Lisbeth.

Certains éléments demeurent délibérément obscurs comme la véritable motivation de Michael à se lancer dans cette croisade ainsi que la manière dont il parvient à rallier le peuple à sa cause.

Le réalisateur filme les corps et les paysages en toute liberté, mais ne fait que suggérer une violence qui autrement aurait été insoutenable. La vision des chevaux blessés et crottés de Michael au début du film suffisant à elle seule à écoeurer le spectateur et faire de lui un partisan immédiat de la cause de ce héros tragique.

La musique elle aussi toute en sobriété est rare et vient souligner par ses motifs répétitifs la lente marche de Michael vers son destin. Les cris stridents et pleins de vie d'un bébé, d'un porcelet et d'un âne venant contrebalancer la mort omniprésente.

Au final Michael Kohlhaas comblera les cinéphiles amateurs de cinéma sobre et charnel. Mads Mikkelsen, qui a appris notre langue sur le tournage, porte véritablement le film sur ses épaules et le film lui-même donne furieusement envie de découvrir davantage cet acteur charismatique (Bonne nouvelle, il incarne Hannibal Lecter dans une série à venir) tout comme il incite vivement à se plonger dans le livre afin d'éclaircir les zones d'ombre et se repaître d'un récit plus dense en terme d'émotions et de rebondissements.

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Festival de Cannes 2012

2012-05-28T00:56:00+02:00

Le réalisateur autrichien Michael Haneke, a obtenu sa deuxième Palme d'or (après celle reçue pour Le ruban blanc en 2009), pour son long-métrage Amour, lors du 65ème Festival de Cannes, tenu du 16 au 27 mai. Il rejoint le club très fermé des réalisateurs ayant réalisé cette prouesse (Coppola, les frères Dardenne, Kusturica, August, et Imamura). Après Gomorra en 2008, Matteo Garrone récidive avec Reality. Quant à Ken Loach, lauréat de la Palme d'or en 2006, il repart avec le Prix du Jury (dejà reçu en 1990 et 1993) pour La part des anges.

Palmarès de la Cérémonie de clôture du 65ème Festival de Cannes, tenue le 27 mai 2012:

Palme d'or : Amour (Michael Haneke).

Grand prix : Reality (Matteo Garrone).

Prix du scénario : Au-delà des collines (Cristian Mungiu).

Prix de la mise en scène : Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas).

Prix d'interprétation féminine : Cosmina Stratan et Cristina Flutur (Au-delà des collines/Cristian Mungiu).

Prix d'interprétation masculine : Mads Mikkelsen (La chasse/Thomas Vinterberg).

Prix du Jury : La part des anges (Ken Loach).

Caméra d'or : Beasts of the southern wild (Benh Zeitlin).