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Shinjitsu / La Vérité

2019-11-10T06:36:00+01:00

Sorcières de mère en fille

La Vérité (Shinjitsu 真実 , 2019) - Hirokazu Koreeda

En situant l'action de son nouveau film dans le pays du cinéma, Hirokazu Koreeda s'essaye pour la première fois à l'expérience internationale . La proposition faisait peur sur le papier, risque d'un énième rapport faussé à une culture incomprise, à une langue non maîtrisée. Pourtant, La Vérité trouve un équilibre par la justesse des interprétations comme l'entretien des valeurs usuelles et chères à son cinéma. Mais l'approche de la France témoigne aussi des limites dans la construction d'un film dans le film sans grande personnalité.

Le constat d'un équilibre dans l'approche du pays étranger se lie probablement au rôle important joué par Léa Le Dimna, la traductrice qui accompagne le cinéaste dans ses venues en France depuis 2014. Le travail de Léa le Dimna fut salutaire dans le changement linguistique au scénario et au tournage¹, d'autant plus que La Vérité se nourrit des difficultés de communication entre Fabienne (Catherine Deneuve) et sa fille Lumir (Juliette Binoche). La relation entre les deux femmes est en effet traversée par les mensonges, les mauvais souvenirs ou les tabous, et leur parole, de fait, irrigue le sens du secret, se perce d'hésitations et de sous-entendus.

Le pari du cinéaste japonais se situe précisément dans la saisie de cette parole et le naturel dans les échanges entre les deux actrices. Catherine Deneuve, en particulier, amuse par sa capacité à jouer les langues de vipère à chaque réplique, si irritante et drôle à la fois. La première exclamation du film, « Ah c'est tiède ! », est ainsi adressée, non pas à la température du verre de thé, mais aux questions peu inspirantes du journaliste en train de l'interroger. La réplique signale aussi l'exigence du personnage et son éternel insatisfaction. Le bonheur, voire la jouissance de Koreeda, se ressent dans la manière qu'il a de filmer et faire jouer cette Catherine capricieuse, en particulier lorsqu'il place dans sa bouche les répliques les plus viles et mordantes.

Au final, la mère et la fille partagent beaucoup plus qu'elles ne l'avouent. Le personnage incarné par Juliette Binoche s'affirme tout d'abord comme le contrepied de la star, ne serait-ce que dans son apparence - on reconnaît là l'approche sociale de Koreeda et cette opposition ambigüe des classes aisées et moyennes dans Tel père, tel fils (2013). Mais la suite du récit, au-delà des nombreux reproches adressés par la fille à sa mère, aligne les marques familiales communes : une même (et mordante) méchanceté verbale, un amour pour le beau jeu d'acteur et les souvenirs de cinéma, une mémoire distordue, qui s'imagine de fausses anecdotes, et un plaisir commun à raconter des histoires de sorcières auprès de Charlotte (Clémentine Grenier), la petite dernière de la famille. Il s'agit de la partie la plus réussie du film de Koreeda : constater la réconciliation qui se joue à la fois dans le renforcement de ces caractéristiques communes comme dans l'éclatement des remords cachés, mais également dans cette transmission de leur univers chez la petite fille.

Si le cinéaste réussit à transposer la justesse de ses observations humaine, caractérielle et familiale, il peine en revanche à convaincre sur l'approche plus métafictive proposée dans le scénario. Le personnage de Fabienne répète en effet pour un film de science-fiction dont l'héroïne, jeune femme astronaute, voit sa fille devenir grand-mère, alors qu'elle-même ne vieillit pas suite à ses nombreuses traversées spatiales. Le faux scénario joue évidemment du miroir tendu à la véritable relation mère-fille de La Vérité.

Pour ce film dans le film, Hirokazu Koreeda s'est appuyé sur une nouvelle écrite par l'auteur sino-américain Ken Liu². Il est vrai que le style de ce écrivain, entre concept de science-fiction (le vieillissement impossible) et cruauté chargée d'émotions dans les conséquences de ce concept se révèle palpable. Cependant, la transposition même de cette histoire en tournage laisse constater un regard hésitant sur des choix de mise en scène ou de direction artistique. Ce film dans le film est en effet difficile à qualifier : les scènes qu'il met en place ne soulèvent ni l'émotion ni l'intérêt. Le personnage fictif du réalisateur ne convainc guère, ni même la jeune actrice (Manon Clavel) qui déclenche tant de souvenirs chez Fabienne et Lumir. En somme, le regard porté se révèle d'une grande neutralité, sans accent de nuance ou de distanciation critique. Le cinéaste japonais cherche peut-être à mettre en place sa « nuit américaine », puisque ce sont les effets en coulisses, plutôt que les qualités de ce film fictif, qui l'intéressent. Pour autant, l'application sobre qu'il adresse comme par politesse à l'égard du cinéma français fait regretter de plus ambitieuses propositions. Ceci d'autant plus que le projet de départ portait explicitement sur ce thème, initialement intitulé « Les Coulisses d'une actrice² ».

Autre constat qui fait regretter une plus grande audace de la part de Koreeda, les marques fortement contemporaines liées à ce faux tournage construisent une image française plutôt réaliste : le choix d'une mise en scène intime malgré le film de genre, le faux réalisateur diplômé de la Fémis, les commentaires sur la jeune actrice se devant d'hériter d'ancienne égéries... A cet arc déjà hésitant se superpose un autre bien plus maladroit, celui du mari « acteur raté », visage américain qui représente au final peu d'importance dans ce portrait aseptisé du monde cinématographique. La superposition des couches et des intentions que le récit tente tant bien que mal d'équilibrer constitue un ensemble bancal, une réunion précipitée des hommages (Truffaut, mais aussi Vertigo d'Hitchcock) et des débats dans la tendance actuelle.

Connaissant le regard acerbe que pose souvent Koreeda sur son propre pays, le portrait poli qu'il fait du cinéma (voire de la société) français(e) dans son dernier film déçoit quelque peu. Parce qu'il n'affirme pas de réelle position, le cinéaste projette sûrement là une image proche de celle que lui renvoient les festivals de cinéma, ou encore ses rencontres avec des personnalités du monde français. Mais au final, l'approche prudente amoindrit l'autre force du film, celle du portrait familial. Car les œuvres de Koreeda reposent justement sur cet équilibre entre la dureté des liens institutionnalisés et la difficulté pour ses personnages de s'affirmer en tant que personnalité dans cet espace alourdi par les codes et les règles, souvent consenties sous silence. Cette dynamique essentielle vient progressivement à manquer au fur et à mesure de La Vérité. Ce petit monde est en somme bien léger, un microcosme parisien, dépeint avec un peu de mordant, sans complaisance ni critique, tel qu'on l'a souvent vu représenté dans d'autres films français.

1. Voir ici le récent entretien que Léa le Dimna livre à l'Association des Traducteurs / Adaptateurs de l'Audiovisuel : https://beta.ataa.fr/blog/article/interview-de-lea-le-dimna

2. Voir le site personnel de Ken Liu : https://kenliu.name/

3. D'après une brochure de Sanspo disponible dans les cinémas japonais lors de la sortie du film en octobre 2019. Dans son premier scénario, « Les coulisses d'une actrice », écrit à partir de 2015, Hirokazu Koreeda avait déjà l'idée d'un trio avec Deneuve, sa fille Binoche et son mari américain Ethan Hawke. En outre, lors d'une conférence au Japon sur le thème de l'actrice, Juliette Binoche souffla au cinéaste de faire un film en rapport avec ce sujet.

En ta Plaisante Lumière (1)

2016-07-14T23:49:00+02:00

A Meryl Streep, actrice américaine

Bien-Aimée

En soutenant délicatement ta Tête

J’arrose la Source de tes Rêves

Plaisante Lumière

Ta bouche

Petit Fruit rose charnu

Prêt-à-croquer

Attise en Moi le Feu dont je brûle

Je suis atteint d’un Mâle-Amour

En écoutant battre ton Cœur

Et je perçois l’Irrésolu

Ici se niche la Folle Attirance

L’Âme d’Infinie Beauté

Mon Rêve, ma Gloire

Tu m’accueilles en Toi en Silence

Sur la Route de tes Sens

Mes Yeux fermés s’ouvrent en Toi

Bien-Aimée, Tu m’ensoleilles

Papillone aux Ailes d'Or

Tu es ma Dédicace pour la Vie

Ô Souffle-Aimant

Tous les jours sans me lasser

C'est en Toi que je m'éveille

C'est en Toi que je m'endors

© Jean Dorval, le 14 juillet 2016, pour LTC Poésie

(1) Sources d'inspiration : La scène du film Out of Africa dans laquelle Meryl Streep se fait laver les cheveux par Robert Redford (© Crédit photos) ; et C'est en toi, bien-aimé, que j'écoute, poésie extraite de La Chanson d’Êve, de Charles Van Lerberghe

Rouge Féminin (1)

2016-07-12T23:50:00+02:00

A Irène Jacob, actrice franco-suisse

Rayons de Soleil s’élevant vers leur Créateur

Instant précis, Ô Dame de Cœur

Où ton Beau Regard m’enchaîne de Plaisir

Cet Amour naissant me désarme complètement

Me met à nu

Le Chemin de mon Cœur s’ouvre par mes Yeux

Cette véritable Porte sur mon Âme

Passage obligé de mes Larmes de Joie

Succombe à tes Traits Délicats

Tu me frappes en plein Coeur en cet État

Et je n'ai pas eu le Temps de parer ton Trait Délicat

Toi l’Archère, l'Alarmante-Amante !

© Jean Dorval, le 12 juillet 2016, pour LTC Poésie

(1) D’après le film Rouge de Krzysztof Kieślowski (1994) et Rencontre avec Laure, Sonnet III, de François Pétrarque in Canzoniere

© Photos ci-dessus : pinterest.com

Bleue Océane (1)

2016-07-12T20:51:00+02:00

A Juliette Binoche, actrice française

A la très Chère, à la très Belle Juliette

Saphir qui emplit mon Coeur de Clarté

A l'Ange, à l'Idole Immortelle

Tu t’es répandue dans ma Vie

Comme un Vent imprégné de Sel

Et dans mon Âme inassouvie

Tu as versé le Goût de l'Éternel

A la très Chère, à la très Belle Juliette

Saphir qui emplit mon Coeur de Clarté

A l'Ange, à l'Idole Immortelle

Amour Incorruptible

Expression de Vérité Unique

Parfum Invisible qui m’envahit

Du fond de mon Éternité

A la très Chère, à la très Belle Juliette

Saphir qui emplit mon Coeur de Clarté

A l'Ange, à l'Idole Immortelle

© Jean Dorval, le 12 juillet 2016, pour LTC Poésie

© Photo ci-dessus : unifrance.org/juliette-binoche

(1) D’après Hymne de Charles Baudelaire (1857) et le film Bleu de Krzysztof Kieślowski (1993).

Rose Lokissim : engagement, courage, mort. L’irrécupérable dans nos vies... et la création, le regard

2015-06-05T03:31:00+02:00

Libération, le 2 juin, page 24, un hommage à Rose Lokissim, exécutée en 1986 sous la dictature d'Hissène Habré... Par hasard, sur ma table encombrée, à côté de l'ordinateur ouvert, cet article, juste sous les mots "Mémoires et images du sens", pour une exposition (en 2001) de Jean-Bernard Chardel : titre, et apparente légende de l'oeuvre reproduite. Le sens d'être, dans ce que déchiffre la création en même temps que soi, et le sens d'être, pour le courage de dire "non"... L'irrécupérable, dans les deux cas. Grand écart intérieur entre le non multiple à inscrire-dire-écrire, murmure du quotidien, et le oui du regard (avec des mots ou sans). Je ? Dissonante, paradoxale. A la fois complètement dans l’écoute de la radicalité des chocs et douleurs du monde, vus de près et de loin. Et totalement tendue vers le contraire, vers un lieu sans lieu.

Lire :

« La prophétie de Rose, prisonnière d'Hissène Habré », Libération, 02-05-15. Par Reed Brody et Olivier Bercault : http://www.liberation.fr/monde/2015/06/01/la-prophetie-de-rose-prisonniere-d-hissene-habre_1320914

Informations HRW sur le documentaire réalisé par Isabel Coixet, « Parler de Rose », où la voix qui raconte est celle de Juliette Binoche : http://www.hrw.org/fr/news/2015/05/21/tchadsenegal-coup-de-projecteur-sur-l-imminent-proces-de-hissene-habre

« TO ROME WITH… WOODY ! »

2012-08-09T11:38:00+02:00

Sept ans déjà que Woody Allen se veut plus Européen qu'Américain pour notre plus grand bonheur ! Un exil cinématographique novateur qui l'a conduit trois fois en Angleterre avec « Match Point » en 2005, « Scoop » en 2006 et « Le Rêve de Cassandre » en 2007 ; une fois en Espagne avec « Vicky Cristina Barcelona » en 2008 ; et une fois en France avec « Minuit à Paris » en 2011. Comme un retour aux sources, un pèlerinage en Terre d’Inspiration, ces films relèvent à la fois de l’initiatique et de la magie. Ils sont la consécration de l’exceptionnelle carrière cinématographique du Maître. Mais, aujourd’hui cap sur l'Italie authentique et immuable version Woody Allen (WA). Avec « To Rome With Love », WA nous entraîne dans la Cité Eternelle, où tous les chemins mènent à l’Amour. Des chemins, un chemin, ou plutôt, un cheminement pour le moins chargé, où le réalisateur mène de front quatre histoires sur un rythme « presto », « subito » et « allegro » ! On plonge dans l’histoire d’un architecte américain de passage avec sa femme se remémorant une amourette douloureuse vécue jadis, puis on se retrouve, sans crier gare, dans celle d’un vieux metteur en scène d'opéra raté new-yorkais (Woody Allen lui-même) qui rencontre pour la première fois le fiancé italien de sa fille, et qui découvre dans le père de ce dernier un talent lyrique époustouflant… Puis, soudainement, on s’immisce dans la « Storia » d’un jeune couple de provinciaux italiens amoureux fou qui vient tenter sa chance dans la capitale, pour finalement découvrir la fragilité de ses sentiments. Enfin, on débarque dans « La Vita è Bella » d’un modeste employé sans histoires, incarné par Roberto Benigni, se retrouvant propulsé contre son gré sous les lights d’une émission de télé-réalité…

Un couple qui va douter de lui dans la Ville de l'Amour...

A MESSAGE TO YOU... BY WOODY !

Tout cela, bien sûr, est mené tambour battant. Mais tout y est ! On passe de l’essentiel au nécessaire en permanence. Un film positif et plein d’humour, au travers duquel le réalisateur dresse différents portraits (sur le même tempo que « Minuit à Paris », tourné dans la Ville Lumière), symbolisant ses interrogations sur la vie et sur les relations humaines. Aucune de ces histoires ne se croise. Seul fil conducteur : un policier romain qui conte l’histoire avec « ouné akssen italiano ». On notera au passage la qualité des images et l’ambiance « dolce vita romana » aux couleurs ocre jaune/sépia gorgées de soleil. Pour ce faire, Rome offre un décor sur mesure ! Woody Allen dans cette toile finalement revisite l'Europe en surfant sur ses grands traits de caractères, passant de la hiérarchisation sociale féroce anglaise aux ravages de la passion espagnole, et de l'Amour Romantique à la Française à l’Amour Passion italien. Un film à manger comme des bonnes pâtes : « al dente » !

LES BEST OF JD : ”LE CHIEN EST VRAIMENT LE MEILLEUR AMI DE L’HOMME.”

2012-06-27T20:46:00+02:00

« Hatchi » est une comédie américaine d’une durée d’1h33, sortie le 09 juin 2010 en France, tirée d’une histoire vraie, réalisée en 2009 par Lasse Hallström, qui a déjà à son actif, entre autres films : « Le Chocolat » (« Chocolat ») avec Johnny Depp et Juliette Binoche (2000) et « Terre Neuve » (« The Shipping News ») avec Kevin Spacey et Julianne Moore (2001). Dans le casting de « Hatchi » ont trouve les acteurs suivants : Richard Gere (Parker), Joan Allen (Cate, sa femme), Sarah Roemer (Andy, sa fille), Jason Alexander (Carl, le gendre), Cary-Hiroyuki Tagawa (Ken, l’ami de Paker, professeur d’art martial), Erick Avari (Shabir) et Davenia McFadden (Mary Anne).

LE CHIEN AKITA : UNE RACE DE SEIGNEURS A QUATRE PATTES !

L’origine de la race des Akita remonte à environ 300 ans. Elle tient son nom de la préfecture d'Akita (le plus grand des Spitz japonais), dont elle est originaire, et qui se situe au nord du Japon. Initialement l'Akita est élevé pour chasser l'ours, le cerf et le sanglier. Mais, la race est modifiée par l’homme, suite à des croisements avec des molosses, afin d’augmenter son agressivité et la réserver aux combats de chiens. Cette horrible activité décime pratiquement cette variété de canidé, quand en 1931, le Ministère de l'Éducation Nationale Japonaise déclare l'Akita, Monument Naturel. Depuis, tous les efforts sont mis en œuvre afin de préserver cette race et d’en retrouver l’animal originel.

UNE HISTOIRE VRAIE, HISTORIQUE…

Hachikō (né le 10 novembre ou le 12 décembre 1923, mort le 8 mars 1935) est le chien Akita le plus connu au Japon pour avoir attendu patiemment tous les jours son maître, un vieux professeur d'université (M. Ueno), à la gare de Shibuya (l'un des arrondissements de Tōkyō), et ce, même dix ans après sa mort. Il faut préciser que de son vivant, ce chien hors du commun, accompagnait ce dernier au train le matin et l’attendait le soir devant la gare. Il finit par être nourri par les habitants, jusqu'à sa propre mort toujours devant la gare… Surnommé « Chūken » (littéralement « chien fidèle »), une statue a été érigée en son honneur devant la gare de Shibuya. Elle est depuis un lieu de rendez-vous privilégié à Tōkyō.(1)

Quand une vraie Amitié lie l'homme à l'ani-mâle...

Complicité quand tu nous tiens !!!

…DONT EST ISSUE CE FILM

Dans sa version cinématographique, cette histoire est transposée aux Etats-Unis d’Amérique. Parker, un éminent professeur universitaire de musique, trouve sur le quai de la gare d’une ville de province un adorable chiot perdu, dont la petite cage est tombée d’un chariot de voyageur. Comme il ne veut pas l’abandonné, car personne ne souhaite l’accueillir, il l'adopte et le nomme « Hatchi ». Sa vie de famille jusqu’alors paisible va se retrouver bouleversée… Mais, l’animal prend rapidement toute sa place tant il est attachant. Passant la majeure partie de son temps auprès de Parker, chaque matin, il l’accompagne à la gare où il prend son train, et chaque soir, il vient l'y attendre. La suite vous la connaissez… L'animal devient non seulement une légende, mais il bouleverse tous les témoins de cette aventure.

C'est la première fois que Hatchi ramène la balle, il fait tout pour retenir Parker, pressentant sûrement qu'il va lui arriver quelque chose...

HATCHI : « LA BETE… HUMAINE ! »

Ce long métrage, pas nunuche du tout, très philosophique et fort bien réalisé prend naissance et fin dans une gare, carrefour propice aux rencontres et aux… séparations. Il donne l'occasion de revoir un grand acteur, Richard Gere (militant comme moi de longue date de la cause Tibétaine), qui magnifie magistralement en compagnie du très racé et craquant « Hatchi » ce que l’Etre Humain et la « Bête… Humaine » (mais pas de Zola…) ont de plus beau à s’offrir : l’Amour et l’Amitié en partage, la fidélité et le respect mutuel même dans l’au-delà ! Un récit très émouvant qui prouve une fois de plus que LE Chien est bien LE « Meilleur Ami de l'Homme », et dans lequel l’expression « une vie de chien » prend tout son sens… Une expérience dont certains de nos contemporains devraient s’inspirer afin de redonner un nouveau souffle à leur existence.

Notes :

(1) Source documentaire : d’après Wiképédia, l’Encyclopédie Libre.

Hatchi tient la place... en attendant l'impossible retour de Paker...

Juliette Binoche à Iguazu pour le tournage d'”Un singe sur l'épaule”

2012-01-06T23:39:00+01:00

L'actrice française Juliette Binoche était en Argentine il y a peu pour tourner des scènes du film "Un singe sur l'épaule", dirigé par Marion Laine et librement adapté du roman de Mathias Enard "Remonter l'Orénoque".

Dans le cadre exceptionnel des chutes d'Iguazu et de la forêt tropicale (qui ont été le cadre il y a plusieurs années du chef d'oeuvre de Roland Joffé, "Mission"), Marion Laine a terminé le tournage de ce film qui relate l'histoire tourmentée de deux chirurgiens amoureux.

Juliette Binoche partage l'affiche de ce film avec l'acteur vénézuélien Edgar Ramirez (vu dans Carlos de Olivier Assayas).

Sortie prévue d'"Un singe sur l'épaule" : automne 2012.

Photo : Chutes d'Iguazu, Isabelle Laumonier

Juliette BINOCHE : la LECTRICE APPRIVOISEE

2011-07-29T21:30:00+02:00

Je ne porte la poésie que lorsqu’elle branche les antennes des profondeurs, c’est à dire qu’elle ose une sincérité déconcertante.
La poésie est un langage de l’invisible, un ressenti qui s’exprime avec le concentré, le peu, le dense. Le moins pour le plus, elle se retire pour attirer. C’est une opération à cœur ouvert où le verbe prend corps.

Juliette BINOCHE, La poésie s'apprivoise,
texte publié à l'occasion de l'édition 2011 du Printemps des Poètes.

Copie conforme

2010-05-26T10:21:34+02:00

Le 19 mai, nous sommes allés voir au Lux scène nationale à Valence le dernier film d'Abbas Kiarostami, « Copie conforme » avec Juliette Binoche et William Shimmel.

Un écrivain, plutôt désinvolte, fait une conférence sur les relations entre l'œuvre d'art et la copie, cette dernière n'étant pas à minimiser. Une jeune femme, galiériste, assiste à sa prestation, avec le souci de rencontrer plus personnellement l'écrivain. Elle est perturbée dans son écoute par son fils adolescent et doit quitter la conférence. La rencontre a lieu un peu plus tard et la jeune femme jouée par Juliette Binoche, emmène le conférencier à la découverte de la Toscane. De belles images en voiture où les visages des protagonistes s'inscrivent sur le flou des façades qui défilent alors que la conversation hésite, trébuche. Déjà, le réel banalisé semble se dessiner en couches superposées. Peu importe qu'elle le conduise dans un musée pour lui montrer une copie adulée par les habitants du lieu alors que l'original se trouve dans un autre musée. Par le jeu de la caméra qui glisse d'un personnage à l'autre, d'un visage à l'autre, la rencontre de séduction bascule, devient l'histoire d'un autre couple. Où est l'original et où est le fictif ? C'est un film qui requiert la participation du spectateur. On essaie de se remémorer la chronologie des paroles, des gestes, pour trouver des repères. Tous se mêlent, comme si le vrai et le faux allaient l'un avec l'autre. « En vérité » n'est pas seulement vérité. La face éclairée n'existe qu'avec son ombre. Abbas Kiarostami comme un auteur qui écrit une fiction autobiographique sème le doute au long du chemin. Tout le plaisir est de se laisser égarer. L'imaginaire ne mène-t-il pas toujours à plus de force que le simple rapport du réel ? Ajoutons à cela que trois langues s'entremêlent : le français, l'anglais, l'italien. Ce couple dédoublé se dévoile côté pile et côté face. On reste fasciné par Juliette Binoche tour à tour, coquette, agacée, revendicatrice, sensuelle, tendre.

Nous avions vu en 2000 un autre film d'Abbas Kiarostami, « Le vent nous emportera » qui se déroulait dans un village du Kurdistan iranien. Un film inoubliable au rythme lancinant tourné dans des paysages grandioses, ceux de paysans pauvres. Tout au long on s'interroge sur la présence du soi-disant ingénieur qui passe son temps à escalader une colline pour pouvoir téléphoner. Il pourrait devenir haïssable, mais une situation imprévue lui permet d'exprimer un peu de générosité.

Dans « Copie conforme » par un quiproquo extérieur, les personnages sont entraînés là où ils n'avaient pas prévu aller, au cœur d'eux-mêmes. C'est un film aux multiples facettes qu'on ne peut épuiser en quelques phrases. Une des questions traitées dans le film est que ce n'est pas l'objet qui est important, mais le regard sur l'objet.

Juliette Binoche vient d'obtenir à Cannes le prix d'interprétation. Bravo à cette magnifique comédienne !

Festival de Cannes 2010

2010-05-24T16:41:00+02:00

Palmarès de la Cérémonie de clôture du 63ème Festival de Cannes, tenue le 23 mai 2010:

Palme d'or : Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures (Apichatpong Weerasethakul/Thaïlande).

Grand prix : Des hommes et des dieux (Xavier Beauvois/France).

Prix du scénario : Lee Chang-Dong (Poetry) - Corée du Sud.

Prix de la mise en scène : Mathieu Amalric (Tournée) - France.

Prix d'interprétation féminine : Javier Bardem (Biutiful/Espagne) et Elio Germano (La nostra vita/Italie) ex-aequo.

Prix d'interprétation masculine : Juliette Binoche (Copie conforme) - France.

Prix du Jury : Un homme qui crie (Mahamat Saleh Haroun) - France/Belgique/Tchad.

Caméra d'or : Année bissextile (Michael Rowe/Mexique).

”Copie conforme” d'Abbas Kiarostami: compétition officielle du Festival de Cannes 2010

2010-05-03T15:28:00+02:00

Ma présentation détaillée des films de la sélection officielle du Festival de Cannes 2010 se poursuit aujourd'hui avec "Copie conforme" d'Abbas Kiarostami, un film qui a fait parler de lui avant même d'être sélectionné en raison de la présence de Juliette Binoche à la fois sur l'affiche du Festival de Cannes 2010 et au générique du film de Kiarostami qui figure donc néanmoins bel et bien en compétition.

Synopsis: James, un écrivain quinquagénaire anglo-saxon, donne en Italie, à l'occasion de la sortie de son dernier livre, une conférence ayant pour thème les relations étroites entre l'original et la copie dans l'art. Il rencontre une jeune femme d'origine française, galeriste. Ils partent ensemble pour quelques heures à San Gimignano, petit village près de Florence. Comment distinguer l'original de la copie, la réalité de la fiction ?

Casting: Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carrière, Agathe Natanson, Adrian Moore...

"Copie conforme" est le premier film de Kiarostami tourné hors de l'Iran, plus précisément en Italie, en Toscane dans le magnifique village de San Gimignano. Ce sera le 9ème film présenté à Cannes par Kiarostami qui a par ailleurs été membre du jury longs métrages en 1993, du jury de la Cinéfondation en 2002 et Président du jury de la Caméra d'Or en 2005. Enfin, il a remporté la Palme d'Or en 1997 pour "Le goût de la cerise."

Juliette Binoche raconte ainsi sa rencontre avec Kiatostami: "Je suis partie en Iran rencontrer Abbas (je l’avais croisé à Cannes, à l’Unesco, chez Jean-Claude Carrière). Il m’a dit "Viens à Téhéran !". Je l’ai cru, j’y suis allée, deux fois. Un soir il m’a raconté l’histoire que nous avons tourné ensemble cet été, il m’a raconté chaque détail, le soutien-gorge, le restaurant, l’hôtel, bref, il m’a dit que c’était une histoire qui lui était arrivée. A la fin, après avoir parlé pendant 45 minutes dans un anglais impeccable, il m’a demandé : "Tu me crois ?". Je lui ai dit : "Oui". Il m’a dit : "Ce n’est pas vrai !". Je suis partie d’un éclat de rire qui lui a donné envie de faire ce film, je crois !", explique-t-elle.

Bille August, Francis Ford Coppola, les frères Dardenne, Emir Kusturica, Shohei Imamura: tels sont les réalisateurs à avoir déjà obtenu deux fois la Palme d'or. Le nom de Kiarostami s'ajoutera-t-il à la liste?

Sortie en salles: le 19 mai 2010

Films déjà présentés à Cannes par Abbas Kiarostami

2007 - CHACUN SON CINÉMA - Hors Compétition Réalisation
2007 - MAN OF CINEMA: PIERRE RISSIENT (HOMME DE CINEMA : PIERRE RISSIENT) - Cannes Classics Images, Interprète
2004 - 10 ON TEN - Un Certain Regard Réalisation
2004 - FIVE - Hors Compétition Réalisation
2003 - TALAYE SORGH (SANG ET OR) - Un Certain Regard Scénario & Dialogues
2002 - TEN - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
2001 - A.B.C AFRICA - Hors Compétition Réalisation, Montage
1997 - TA'M E GUILASS (LE GOÛT DE LA CERISE) - En Compétition Réalisation, Montage
1994 - ZIRE DARAKHTAN ZEYTON (AU TRAVERS DES OLIVIERS) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues, Montage
1992 - ZENDEGI EDAME DARAD (ET LA VIE CONTINUE) - Un Certain Regard Réalisation, Scénario & Dialogues, Montage

Le Palmarès

1997 - Palme d'Or - TA'M E GUILASS (LE GOÛT DE LA CERISE) - Long métrage

Membre du Jury:

2005 - Caméra d’Or - Président
2002 - Courts métrages Cinéfondation - Membre
1993 - Sélection officielle - Membre

Filmographie d'Abbas Kiarostami:

Copie conforme - 2010

Shirin - 2010

Tickets de Ermanno Olmi, Ken Loach, Abbas Kiarostami - 2007

Chacun son cinéma de Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Chen Kaige, Michael Cimino - 2007

Roads of Kiarostami - 2006

Ten on Ten - 2004

Five - 2004

10 on Ten - 2004

Five Dedicated to Ozu - 2003

Ten - 2002

ABC Africa - 2001

Le Vent nous emportera - 1999

Le Goût de la cerise - 1997

Le Palais de Jahannama - 1997

Birth of Light - 1997 Lumière et compagnie de Lasse Hallström, Abbas Kiarostami, Régis Wargnier, Wim Wenders, John Boorman - 1995

A propos de Nice, la suite de Catherine Breillat, Costa-Gavras, Claire Denis, Raymond Depardon, Abbas Kiarostami - 1995

Au travers des oliviers - 1995

And life goes on - 1992

Close up - 1990

Devoirs du soir - 1990

Ou est la maison de mon ami? - 1987

Le Choeur - 1987

Les Elèves du cours préparatoire - 1984

Le Concitoyen - 1983

La Rage de dents - 1980

Gazieh shekl-e avval, Gazieh shekl-e dovvom - 1979

Cas numéro un, cas numéro deux - 1979

La Solution - 1978

Rapport - 1977

Hommage aux professeurs - 1977

Le Costume de mariage - 1976

Comment utiliser son temps libre ? - 1976

Deux solutions pour un problème - 1975

Moi aussi je peux - 1975

Couleurs - 1975

Le Passager - 1974

Expérience - 1973

La Récréation - 1972

Le Pain et la rue - 1970

L'affiche officielle du Festival de Cannes 2010: l'écriture moderne dont l'encre est la lumière...

2010-03-27T11:24:00+01:00

Pour l'affiche 2009 avait été choisie une photo extraite de « L'Avventura » (1960) de Michelangelo Antonioni, un film considéré comme un des actes de naissance du cinéma moderne. Créée par Annick Durban, cette affiche s’ouvrait sur une un horizon mystérieux et mêlait intelligemment les divers aspects du festival.

Cette année, l'affiche est plus dépouillée, il s'agit de Juliette Binoche tenant un stylo lumineux sur fond bleu qui me rappelle la citation de Cocteau "Le cinéma, c'est l'écriture moderne dont l'encre est la lumière." Une affiche qui s'affirme une nouvelle fois dans la modernité mais aussi à la confluence des arts et des cultures avec une actrice dont le parcours dépasse largement les frontières de l'hexagone mais aussi celles du cinéma. On se souvient ainsi notamment de son spectacle de danse avec Akram Khan.

Cette photographie est signée Brigitte Lacombe qui a d'ailleurs commencé sa carrière de photographe au Festival de Cannes 1975, elle s'est ensuite spécialisée dans les photos d'acteurs et de tournages. Elle réalisera ainsi des affiches de films et des portraits d'acteurs. Elle a travaillé pendant plus de 20 ans pour le magazine Condé Nast Traveler. Elle collabore ainsi à de nombreuses publications : Vanity Fair, The New Yorker, New York Magazine, Time, GQ, Glamour, Vogue Paris, et The New York Times Magazine. Pour la publicité et les producteurs, elle travaille pour : Prada, Hermés, Nespresso, Lancôme, Movado, Omega, Rolex, The Metropolitan Opera, HBO, Universal Pictures, Paramount, The Weinstein Company.

Devant et derrière l'objectif, deux femmes aux parcours riches et éclectiques et derrière ce portrait individuel, c'est donc à nouveau la richesse et la diversité du cinéma qui sont mises en valeur. Un cinéma qui peut être d'auteur mais qui peut aussi étinceler de mille feux hollywoodiens (comme Juliette Bincohe qui tourne aussi bien pour des réalisateurs méconnus que pour des grandes productions hollywoodiennes). Un cinéma et un festival qui rayonnent au-delà de nos frontières aussi à l'image de la carrière de l'actrice Une affiche finalement moins sage et plus iconoclaste qu'elle pourrait le sembler de prime abord... à l'image d'un Festival qui ne cesse jamais de nous surprendre et de jouer avec son image et les images, tellement multiples.

Désengagement

2008-05-17T12:00:00+02:00

Les films de Amos Gitaï sont forts en général et celui-ci ne déroge pas à la règle. Le réalisateur israélien, fort détesté dans son pays, poursuit son exploration de l'Etat hébreu, qu'il s'agisse d'extrêmisme religieux (Kadosh, 99), de l'état de Tsahal (Kippour, 00), de traite des femmes (Terre promise, 05), de dialogue de sourds (Free zone, 05), ou ici du retrait d'Israël de la Bande de Gaza. Comme l'indique le titre du film, il est question ici du démantèlement des colonies juives à Gaza en août-septembre 2005. L'événement est évoqué à travers une histoire de famille. Officier de police israélien, Uli (Liron Levo, acteur fétiche de Gitaï) retrouve sa demi-soeur Anna (Juliette Binoche) à Avignon à l'occasion du décès de leur père commun. Anna décide d'aller à Gaza avec Uli (il doit y être également afin de superviser le retrait israélien) afin de retrouver sa fille qu'elle n'a plus vu depuis vingt ans. Tout est chaotique et laborieux : le voyage jusqu'en Israël, l'entraînement de la police israélienne, le retrait des colons... Le cinéma d'Amos Gitaï est toujours aussi engagé. Effectuant une courte apparition, il s'est permis d'effectuer le climax de son film, cette scène dans la jeep où il exhorte un soldat de Tsahal de les laisser entrer à Gaza, affirmant en gros : "On va pas en finir avec les guerres ? tout le temps la guerre ? tu veux pas nous lâcher un peu" ? Une assertion fort judicieuse qui résume l'histoire. Comme nous l'avions dit, quand c'est Amos Gitaï, c'est fort, très fort.

Désengagement (Amos Gitaï, Isr/Fr/Ita/All, 2007, 115 mins). Avec Juliette Binoche, Liron Levo, Barbara Hendricks, Dana Ivgy, Tomer Russo.

- Présenté - Mostra de Venise 2007.

- Présneté - Festival international de Miami 2008.

- Présenté - Festival international de Palm Spring 2008.