Last posts on jacques audiard

Bravo à Jacques Audiard pour « Emilia Perez », qui remporte 4 Golden Globes.

2025-01-08T00:05:00+01:00

Immense fierté pour le cinéma français ! Bravo à Jacques Audiard pour « Emilia Perez », qui remporte 4 Golden Globes.

Un film audacieux sur la transition de genre, porté par des performances remarquables. Félicitations à Zoe Saldaña et aux talentueux Camille et Clément Ducol !

Emilia Perez (Jacques Audiard)

2024-09-14T19:31:00+02:00

Emilia Perez est un film original. Voilà, c’est dit, on ne peut pas le nier. L’acceptation à minima du film tel qu’il est, passe par l’adhésion du spectateur à un projet d’écriture tout à fait original. Il s’agit pour un réalisateur français et son scénariste (Thomas Bidegain) de proposer une légende mexicaine, celle de la transformation aussi bien physique que morale d’un narcotrafiquant ultra-violent en une femme dévouée et sainte. Avec l’aide de l’avocate qui l’a aidée à changer de vie (Zoe Saldana), Emilia (Karla Sofia Gascon) rachète les péchés de son ancienne existence en devenant femme puis en exhumant les victimes des barons de la drogue. C’est une histoire sainte et tragique comme un pays de tradition catholique marqué par la violence peut en produire. L’insolite réside dans l’histoire, dans le brassage des genres, mais l’argument de l’originalité s’épuise et ne se suffit pas à lui-même. Pendant la majorité du film, je me répétais que c’était du jamais vu comme une méthode Coué car je n’étais pas vraiment convaincu par ce que je voyais.

Sur la forme, le dernier film de Jacques Audiard est un mélange entre Sicario (film de narco), une télénovela mexicaine et de la comédie musicale mais pas celle qui fait fredonner (non, pas West side story ou My fair lady) mais plutôt du genre Annette de Leos Carax ou Dancer in the dark. C’est-à-dire que la musique peu enthousiasmante de Camille et Clément Ducol n’imprime pas et n’a laissé aucune trace en moi. J’étais souvent à me dire que mon dieu ça allait bientôt chanter et que je ne voyais pas l’intérêt. Bien qu’elles soient la marque résolue de l’hybridité du film, les séquences chantées et dansées sont-elles ratées ? Disons qu’à part la dernière, les chansons sont assez peu mémorables, qu’elles ont tendance à surligner les situations et que Jacques Audiard ne se révèle pas un grand metteur en scène. Il multiplie les gros plans, les champs contrechamps et quelques effets clips mais ses séquences dansées comme d’ailleurs l’ensemble du film manquent terriblement de fluidité et d’ampleur. Il ne suffit pas d’évoquer les féminicides ou les narcos pour faire un grand film sur le Mexique. Il ne suffit pas d’avoir un projet scénaristique original pour produire une vision originale. Je n’arrive pas à dégager dans Emilia Perez une séquence ou une image qui me révèle ou me fasse sentir le Mexique contemporain.

Evidemment il y a l’aspect télénovela qui injecte sa dose d’invraisemblance et de tragédie. Dans les télénovelas, c’est bien connu, les morts ressuscitent et tel Jessi (Selena Gomez), les femmes d’hommes puissants se consolent de l’absence masculine dans les bras d’un beau macho. Tel Emilia remplaçant le cruel Manitas del Monte, Pedrito disparu dans un accident d’avion revient 20 ans plus tard sous les traits de Francisco, énigmatique homme d’affaires qui a réussi dans la banane. Ce genre est plein de retours invraisemblables et de miracles pas possibles. Alors que Selena Gomez se montre crédible en héroïne de télénovela mais un peu limitée pour le reste, Zoe Saldana, et Karla Sofia Gascon apportent dans leurs interprétations une conviction qui dépasse le genre. Toutefois, Emilia manque de failles et on aurait aimé que le scénario approfondisse son personnage, qu’elle soit le siège d’une lutte intérieure entre la sainteté et les démons de son ancienne vie.

Bref, Emilia Perez chante par tous ses pores son originalité sans vraiment convaincre. Pour moi, ce film est le fruit d’un projet scénaristique un peu hors-sol et factice. On utilise la transsexualité et le contexte tragique du Mexique comme des artifices de cinéma, comme on utiliserait des ingrédients de cuisine. La prochaine fois, Audiard et Bidegain pourraient pourquoi pas raconter l’histoire d’un taliban afghan à la gâchette facile qui explose sur une mine américaine, se fait soigner par un humanitaire français, découvre son homosexualité et finit par gagner une médaille de tir aux JO paralympiques de Paris, pourquoi pas ? En même temps et c’est là où le film provoque des sentiments contrastés, le spectateur peut sentir chez Audiard, dans sa filmographie récente, une volonté de démonter (déconstruire ?) les genres cinématographiques virils pour les transformer en autre chose. La violence des films de narcos comme Sicario ou Scarface est une violence masculine, toxique, qu’il s’agit de contrecarrer en féminisant le genre, comme il l’avait fait dans son western les Frères Sisters (que j’avais trouvé mauvais). Emilia Perez tord le bras à la violence qui gangrène le Mexique en transformant une brute impitoyable en une femme admirable et pleine d’amour. Le féminin est amour, c’est bien connu, et Jacques Audiard est son prophète, pourquoi pas !

Tout ça produit un film assez inégal, ni ennuyeux ni génial, dont la seconde partie rattrape la première, gâchée notamment par les passages musicaux. Si une voix intérieure pouvait dire aux réalisateurs contemporains de ne pas toucher à la comédie musicale, un genre souvent mal servi, ce serait bien !

Les frères Sisters (Jacques Audiard)

2018-09-23T13:09:48+02:00

« Je n’ai pas un amour profond du western… ». Je retiens à desseins cet extrait d’interview de Jacques Audiard sur France 24 à propos de son dernier film parce que là, franchement, ça se voit ! Quand on apprend en plus que c’est une commande, initiée par John C. Reilly qui l’a demandé personnellement au réalisateur de Dheepan, on n’est plus très étonné du résultat pour le moins mitigé. La presse française est aux anges, limite délirante comme si Audiard avait réalisé Impitoyable (western qui a relancé Eastwood). Il faut dire que c’est la super tête de gondole de notre cinéma national, capable d’associer l’intimisme qui nous est cher avec le romanesque du cinéma de genre. Un prophète en a été l’exemple le plus réussi alors que De rouille et d’os, souvent grotesque, en est la caricature.

C’est histoire de deux frères tueurs Eli et Charlie (John C. Reilly et Joaquin Phoenix) qui se lancent à la poursuite de Warm, chercheur d’or (Riz Ahmed) et de Morris (Jake Gyllenhaal), détective mandaté par le même commanditaire, le « Commodore ». Au moins le français est-il honnête en interview : il a surtout été intéressé par le développement psychologique de ses personnages, par leurs liens familiaux. Il a délaissé le prétexte romanesque de la poursuite : Warm détient une formule chimique permettant de détecter l’or dans une rivière. Le parcours des frères violents est donc une suite de dialogues et de moments intimes, soudain zébrés par des éclairs de violence. Le réalisateur cite Little Big Man (Penn) comme influence et on aurait aimé que son film partage la même truculence, le même humour picaresque. La presse aura beau citer les épisodes anecdotiques de l’araignée ou de la découverte de la brosse à dents, Sister Brothers ne vaut pas cinq minutes du film d’Arthur Penn !

Dépourvu de rythme

Audiard a le droit de tordre le modèle du western à sa guise. Il a juste oublié certaines exigences du genre. Le rythme par exemple. Son film en est totalement dépourvu. Qu’il soit classique comme chez Ford ou plus truculent, comme par exemple Bad Company de Robert Benton (avec Jeff Bridges jeune), c’est un genre épique, qui galope et nous transporte. Or, Sisters Brothers, flottant dans une photographie terne rebutante, est lesté de dialogues beaucoup trop longs tournés la plupart du temps en nocturne. Il n’y aucun moment fort ni puissance dramatique dans ce film. Dans un genre qui aime les espaces, Audiard ne s’est intéressé qu’aux petites choses du quotidien, à des bouts de conversation qui font sans doute sens (notamment sur le sang de leur père alcoolique, qui les a contaminés) mais qui ne produisent pas un tout captivant. Soulignons que John C. Reilly, omniprésent, est tout à fait convaincant dans un registre nécessitant du sens comique, et que Joaquin Phoenix joue un rôle qu’il maîtrise très bien : celui du brother cinglé, jamais loin de péter les plombs. Ce qu’on entrevoit de tordu et de comique dans les interprétations donne surtout envie de lire le roman de Patrick deWitt, qu’Audiard a adapté avec son habituel scénariste Thomas Bidegain.

Je veux bien admettre qu’il y a un geste audacieux de la part d’Audiard, celui de convertir un genre très « genré », très masculin, très violent, en une création insolite, qui finit par « castrer » ses héros et les faire revenir chez Maman mais pour aboutir à cela, quel ennui !

Négociations éditoriales ?

2015-10-28T10:30:09+01:00

Si on m'avait dit un jour que Jacques Audiard décrocherait la palme d'or...

2015-05-25T15:20:00+02:00

... et que je n'en aurais plus rien à foutre...

Festival de Cannes 2015 : bilan complet du festival et palmarès complet commenté

2015-05-25T11:09:00+02:00

35 films vus, parfois grands, souvent bouleversants. 10 conférences de presse, certaines mémorables. Des dîners de grands chefs. Des soirées dans des décors fastueux souvent d’ailleurs écourtées pour ne manquer sous aucun prétexte la séance presse de 8H30, délectable rituel matinal. De belles rencontres professionnelles. 15 jours trépidants et exaltants sur la Croisette à « voir trois films par jour, dormir 2h par nuit » comme l’a dit en connaisseur Lambert Wilson lors de la clôture, 15 jours sous un soleil irréel comme si un mystérieux metteur en scène avait voulu souligner, par cette météo improbable, le sentiment d’ailleurs, l’atmosphère enivrante, à nous faire oublier que cela ne durerait pas toujours, à nous étourdir de bonheur cinématographique comme le ballet de Benjamin Millepied lors de l’ouverture, à nous faire oublier que cette réalité vers laquelle chacun des films nous ramenait pourtant et de laquelle le festival nous tenait si éloignés finirait par reprendre ses droits, à en oublier que le temps continuait à s’écouler, que tout, un jour, a une fin, y compris le Festival de Cannes.

De fin, d’écoulement inexorable et assassin du temps, de mort (« Chronic »), de deuil souvent impossible-pléonasme, non ?- du père, de la mère, de l’enfant, de l’amour ou du passé (« Louder than bombs », « Notre petite sœur », « Valley of love », « Mia madre », « Mon roi », « Youth ») de douleur indicible (l’incapacité à dire la souffrance serait peut-être la thématique commune de ces films du monde entier alors que, pourtant, partout, jamais nous n’avons eu autant de moyens de communiquer), c’est ce dont nous ont d’ailleurs beaucoup parlé les films en compétition de ce 68ème festival, des meurtrissures qu’un monde égoïste condamne au silence face auxquelles l’amour, le foyer, la croyance semblent être les derniers recours.

Si Cannes est le reflet du monde, alors il le révèle meurtri par des douleurs contenues face à la violence sociale et politique, un monde hanté par la mort, par l’absence, par une douleur ineffable dans une société souvent bavarde et sourde. L’amour (le jury a couronné deux femmes amoureuses), étouffant (« Mon roi ») ou étouffé (« Carol »), les émotions, les souvenirs, la famille (souvent celle qu’on s’est construite : « Notre petite sœur », « Dheepan ») et l’art (« Youth ») et donc le cinéma et son mystère et son miracle (« Mia madre », « Valley of love ») subsistent alors comme seuls recours contre le temps (« Youth »), ennemi éternel et invincible, contre la loi du marché (dans le film éponyme), contre l’égoïsme (« The Lobster », « Mountains may depart »), qui dévorent les êtres. C’est peut-être une phrase extraite du film de clôture, « La glace et le ciel » qui nous apportait une réponse et un espoir face à tout cela : « Je crois que l’homme n’est jamais aussi sublimement lui-même que face à l’adversité. »

Finalement, de ce tourbillon grisant de cinéma, « il n’y a que les émotions qui restent », pour paraphraser une réplique d’un formidable film oublié du palmarès, « Youth »de Paolo Sorrentino qui, justement, nous parlait du temps qui passe. Inexorablement. Alors, c’est de ces émotions persistantes, indélébiles, marquantes que je vais vous parler aujourd’hui, en guise de bilan, et avant de revenir plus longuement au cours de l’année à venir, sur les films vus pendant ce 68^ème Festival de Cannes :

-la tristesse qui m’a ravagée au dénouement de « Mia madre » de Nanni Moretti, ce vertige effroyable du lendemain suggéré par un regard et une réplique dévastateurs (: «– A quoi tu penses ? – A demain !» ) , un absent du palmarès (qui s’est consolé avec le prix du jury œcuménique ) qui a pourtant bouleversé les festivaliers et qui a souvent été cité comme potentielle palme d’or que Nanni Moretti avait déjà reçue en 2001 pour un film qui, déjà, portait sur le thème du deuil, « La chambre du fils ». Dans « Mia madre », Margherita est une réalisatrice confrontée à la fois à un tournage avec un acteur insupportable (irrésistible John Torturro) et à la mort annoncée de sa mère. Toute l’intelligence de Moretti réside dans l’alternance entre le burlesque et le mélodrame, la légèreté de la comédie atténuant la gravité du drame. L’illusion de légèreté du cinéma (le film de Moretti – qui lui-même avait été confronté à la mort de sa mère lors du tournage de « Habemus Papam »- mais aussi le film que tourne Margherita dans le film de Moretti, judicieuse mise en abyme) pour tenter d’affronter le gouffre étourdissant de la mort et du lendemain après la perte forcément insensée d’un parent. Il met ainsi l’accent sur tout ce qui permet d’immortaliser la vie et le temps qui s’enfuient, notamment par un mélange des degrés de narration : les souvenirs, les livres, les rêves et évidemment le cinéma. Un film pudique, profondément émouvant et un regard final qui vous hante longtemps après la projection et qui me hante et bouleverse encore.

- la jubilation devant « The lobster » de Yorgos Lanthimos (qui avait obtenu le prix Un Certain Regard en 2009 pour « Canines ») qui se déroule dans un futur proche dans lequel toute personne célibataire est arrêtée, transférée à l’hôtel et a 45 jours pour trouver l’âme sœur. Passé ce délai, elle sera transformée en l’animal de son choix. Un film déroutant, cinglant, burlesque, métaphorique, inventif, dans lequel l’homme est un loup pour l’homme (littéralement), profondément égoïste et dont la fin n’est pas décevante comme l’ont déploré certains commentateurs mais au contraire illustre brillamment ce propos. Le couple devient un totalitarisme condamnant le solitaire à l’animalité. Un film intelligemment singulier qui regorge de trouvailles insolites, certes sous l’influence de Buñuel (« Un chien andalou »), mais qui ne ressemble à aucun autre…

-le bonheur d’entendre les spectateurs du Grand Théâtre Lumière rire éperdument devant les images des frères Lumière… 120 ans plus tard. A l’occasion des 120 ans du Cinématographe, leurs films restaurés ont en effet été projetés aux festivaliers, le tout avec les commentaires cinéphiliques et inénarrables de Thierry Frémaux, avec la traduction (qui l’était tout autant) de Bertrand Tavernier. C’est le 28 décembre 1895 qu’eut ainsi lieu la première séance de cinéma payante au Grand Café à Paris. C’est un film de 93 minutes qui nous a été projeté, en réalité un montage de 114 films restaurés réalisés par Louis Lumière et ses opérateurs entre 1895 et 1905, de la « Sortie de l’usine Lumière« , « L’Arroseur arrosé » (la première fiction de l’Histoire cinéma) à des films aussi méconnus qu’étonnants, cocasses, maîtrisés avec, déjà, les prémisses du langage cinématographique, du gros plan au travelling, un véritable voyage qui nous a emmenés dans les origines du cinéma mais aussi sur d’autres continents et qui a suscité l’hilarité générale mais aussi l’admiration devant des films d’une qualité exceptionnelle dont chacun démontrait à quel point déjà les Lumière pratiquait et maîtrisait l’art de la mise en scène et qu’il s’agissait bien là de fictions et non de simples documentaires. Une projection que je ne souhaitais manquer sous aucun prétexte, et à laquelle je suis arrivée in extremis, montant les marches la dernière, après des péripéties dignes du plus burlesque des films Lumière mais c’est là une autre histoire…en tout cas, je ne le regrette pas car ce fut un moment de rare exultation cinéphilique, le tout en présence de nombreux « frères du cinéma » comme l’a souligné Thierry Frémaux : Taviani, Coen, Dardenne mais aussi en présence de Claude Lanzmann et Claude Lelouch parmi un prestigieux parterre d’invités.

- Une relative déception en découvrant le film ( et surtout son dénouement) qui a obtenu la palme d’or, « Dheepan » de Jacques Audiard «l’histoire de trois étrangers qui, dans des circonstances difficiles, vont tenter de former une famille» comme l’a résumé Guillermo del Toro lors de la conférence de presse du jury, pour justifier ce choix d’un jury qui s’est dit « unanimement enthousiaste », mais qui est aussi ce qu’est finalement toute palme d’or telle que l’a définie Cécile de France (qui en était la remettante) lors de la clôture : « Un reflet du monde, le cœur du cinéma qui bat, intense et régulier », néanmoins de cette histoire de trois Sri-Lankais qui fuient leur pays, la guerre civile, et qui se retrouvent confrontés à une autre forme de guerre dans la banlieue française où ils échouent, douloureuse réminiscence pour « le père de famille », Dheepan, Audiard, plus qu’un film politique a voulu avant tout faire une histoire d’amour. Dans ce nouveau long-métrage qui flirte avec le film de genre, Audiard explore un nouveau territoire mais toujours porte un regard bienveillant, et plein d’espoir sur ses personnages interprétés par trois inconnus qui apportent toute la force à ce film inattendu (dans son traitement et au palmarès). « Je remercie Michael Haneke de ne pas avoir tourné cette année » a ainsi déclaré Jacques Audiard en recevant son prix. Michael Haneke avait en effet reçu la palme d’or en 2009 pour « Le ruban blanc », alors que Jacques Audiard avait obtenu le grand prix pour l’inoubliable « Un Prophète ».

-l’émotion procurée par des musiques qui me trottent encore dans la tête : « Famous Blue Raincoat » de Leonard Cohen dans « Mia madre », « Encore un matin » de Jean-Jacques Goldman dans « La loi du marché », « Go West » des Pet Shop Boys dans « Mountains May depart » de Jia Zhang-ke qui revient à plusieurs reprises dans le film mais aussi les voix envoûtantes de Benjamin Clementine et John C.Reilly lors de la clôture.

-la déception de voir justement oublié du palmarès le mélancolique, lyrique, terriblement visionnaire « Mountains may depart » de Jia Zhang Ke, qui raconte, sur un quart de siècle et en trois périodes distinctes, entre une Chine en profonde mutation et l’Australie, les espoirs, amours, désillusions de personnages face à leurs destins. A nouveau, Jia Zhang Ke met en scène les mutations de la Chine (revoyez le splendide « Still life »). Une vision sans concessions qui métaphorise une Chine qui se laisse éblouir par les sirènes du capitalisme et de l’individualisme (le fils d’un des personnages sera ainsi baptisé… Dollar). Peut-être finalement le film le plus moderne de cette sélection, terriblement clairvoyant et poignant avec une utilisation du cadre et du son remarquables. Même déception pour « Notre petite sœur » de Kore-Eda, mon premier coup de cœur du festival qui raconte l’histoire de trois sœurs qui se rendent à l’enterrement de leur père qui les avait abandonnées une quinzaine d’années auparavant et qui à cette occasion font la connaissance de leur demi-sœur qu’elles décident d’accueillir dans leur grande maison familiale, un film lumineux qui évoque avec beaucoup de délicatesse, l’indicible douleur de l’absence et des douleurs enfouies. Cette adaptation d’un roman graphique aurait mérité une plus longue ovation que celle, fugace, reçue lors de sa projection officielle.

-la fascination devant la photographie de « Carol », le mélo mélancolique de Todd Haynes (l’histoire d’amour, inspirée d’un roman de Patricia Highsmith, dans le New York des années 50 entre l’employée d’un grand magasin de Manhattan et une cliente distinguée et séduisante, prisonnière d’un mariag

Palme d'Or : Un tigre dans la jungle des banlieues

2015-05-25T09:43:08+02:00

"Dheepan", de Jacques Audiard. France, 1 h 50. Le nouveau film de Jacques Audiard s’enracine au Sri Lanka et met en scène des Tamouls dans le chaos d’une cité française. Une sorte d’épopée qui laisse sur sa fin.

Cannes  (Alpes-Maritimes),  envoyée spéciale. Existerait-il en Europe un eldorado pour les migrants ? Une île au trésor, un paradis de paix que l’on atteindrait à partir du Havre ?

Le film de Jacques Audiard installe son prologue en territoire de guerre. Au Sri Lanka, les Tamouls viennent d’être défaits par les forces gouvernementales. Dheepan (Jesuthasan Antonythasan) est l’un de ces combattants tamouls, un tigre. Entouré des rares rescapés de sa section, il ajoute son uniforme à la dernière jonchée d’un bûcher funéraire.

Traqué par la police,  trimballé de foyer en foyer

Au camp de réfugiés d’où s’entament les exils, on privilégie les familles. Yalini (Kalieaswari Srinivasan), une femme seule, emprunte une fillette qui a perdu les siens. Au rythme de l’urgence, dans la frénésie du passage, Dheepan, Yalini et la petite Illayaal (Claudine Vinasithamby) se transformeront à vue en famille de crise prête à larguer les amarres. Il faudra répéter le mensonge en France afin d’obtenir l’asile politique qu’autorisera la complicité de l’interprète.

La langue, ferment au Sri Lanka des combats qui de longue date mettent le pays à feu et à sang, connaîtra dans le film plusieurs déclinaisons. Plus tôt, des sortes de lucioles multicolores avaient flotté sur l’écran depuis un fond noir. L’objectif, en se rapprochant, révélera le nœud d’un de ces serre-tête fluorescents qu’arborent les vendeurs de rue.

L’encadrement de sa condition dérisoire ne parvient pas à abaisser les traits du visage de Dheepan ainsi affublé, traqué par la police, trimballé de foyer en foyer. Embarquant femme et enfant, Dheepan gagne la banlieue où il a obtenu un poste de gardien au lieu-dit des Prés, barres de cité longées d’une coulée de nature qui disparaîtra à jamais du champ.

Jacques Audiard conviera une tête d’éléphant cernée de jungle, apparition d’abord abstraite tant le plan est énorme. Elle prendra vie en un pan de peau mouvant ses mouchetures. Les Tamouls vénèrent le dieu Ganesh, le plus souvent représenté par cet animal, dieu de la sagesse et du savoir.

Conjointement à l’installation du trio dans la cité, le cinéaste entreprend celle d’une nouvelle zone de guerre. Guetteurs sur les toits, local collectif occupé par des jeunes qui dictent leur loi et produisent quotidiennement leur flux de détritus, néons brisés à l’uppercut…

Le tableau n’est pas uniforme mais rares seront les scènes de voisinage apaisées. Dheepan constate les dégâts, nettoie, répare l’ascenseur qui ne fonctionne jamais. Illayaal apprend l’abécédaire, petite traductrice de 9 ans. Yalini trouve à s’employer auprès d’un habitant de la cité dont les neurones sont en train de s’absenter, ce qui permet à un gang du coin de tenir bureau dans son salon. Elle fera la connaissance de l’un de ses membres, Brahim (Vincent Rottiers).

En peu de temps leurs échanges passeront du langage des signes amicaux à celui de la violence. Toute une partie lumineuse par touches s’était pourtant engagée qui voit des liens se tisser entre les principaux personnages. Illayaal essaie d’inculquer à Yalini des fragments de parentalité. Entre les deux adultes le désir trouvera place par étapes.

Dheepan saura enclore de volets dorés le deuil de l’épouse et des deux enfants qu’il a perdus au Sri Lanka. Au point de rêver la construction d’une authentique vie de famille avec les cartes que le sort a distribuées. La précarité continue de se jouer dans la distance qui sépare le couple des exactions qui se commettent au-dehors. Épaule contre épaule derrière la vitre de leur loge, Yalini et Dheepan contemplent ensemble ce qui se passe de l’autre côté de l’allée, comme au cinéma.

Un pique-nique fleuri de sourires, quelques traits d’humour tamoul ou français, l’échappée de la caméra au point visible de l’horizon et le fracas de la guerre va les rattraper. Guerre de gangs à l’arme lourde qui fera renaître chez Dheepan fureur et ferveur de combattant à protéger les siens. De la fusillade initiale qui a obligé Yalini et Illayaal à se plaquer au sol en plein jour ordinaire à l’apogée de la rage meurtrière de Dheepan, tout aura été filmé selon les registres du film d’action. La véritable fin ne peut être dévoilée. Elle surprend beaucoup. Existe-t-il en Europe un eldorado pour les migrants ?

Dominique Widemann, Vendredi, 22 Mai, 2015

L'Humanité

En v'là donc deux autres....

2012-06-13T12:00:00+02:00

« Je vis de mon désir de vivre »
Miguel de Cervantès

... au fidèle Tlemçani qui vient par ici....

Jouons cartes sur table même si là, vous n'auriez aucune difficulté à retrouver les titres !

Trop fastoche !

Deux bons films m'ont particulièrement émue. Je ne vous referai pas le coup du : quel bel homme !!! cette fois-ci, ce serait plutôt un : quelles belles femmes !

De rouille et d'os de Jacques Audiard

Une lutte acharnée pour un retour à la vie... tirée (sans jeu de mot douteux) par un homme qui prend soin d'elle pour Marion Cotillard, vraiment très touchante dans ce rôle-là. De belles images minimalistes, une nuque, une main, un morceau de peau, une larme... (Attendez 2 minutes, faut que je demande à l'homme que j'aime s'il est "Opé", là dans l'instant... non ! Alors m'r'vlà;-)))

Plus sérieusement, c'est marrant, j'ai pas mal entendu parler de ce film, personne ne m'a dit que c'était aussi l'histoire d'un père... et Mathias Schoenaerts joue vrai, j'avais envie de dire surtout quand il perd pied, et puis non, en fait, tout le temps !

et Les femmes du bus 678 de Mohamed Diab.

Un combat de préservation, de reconnaissance, de respect...

Un film militant, courageux, à l'image de ces femmes qui oeuvrent pour changer les mentalités et y'à du boulot ! Et pas que là-bas en Egypte, le harcèlement existe toujours chez nous aussi...

Un film porté par trois actrices remarquables : Nahed El Sebaï, Bushra Rozza et Nelly Karim.

Trois femmes aux vies et histoires bien différentes unies par les mêmes blessures et cette envie de faire quelque chose ! Une bien belle leçon !

Avis aux messieurs : attention parfois fragiles, mais d'autres fois, fortes, courageuses et combatives !

Grand Prix du Festival de Cannes 2009- ”Un Prophète” de Jacques Audiard

2009-09-24T11:37:00+02:00

Quelques mois après sa mémorable projection cannoise, je suis retournée voir ce Grand Prix du Festival de Cannes 2009 à l'occasion d'une rencontre organisée par le cinéma Saint Germain des Prés avec l'acteur principal Tahar Rahim et l'un des scénaristes, Thomas Bidegain. Critique du film et résumé du débat.

Hier soir, mon cinéma fétiche, le cinéma Saint Germain des Prés, organisait une rencontre avec Tahar Rahim, le comédien principal du film « Un Prophète » de Jacques Audiard et avec Thomas Bidegain, le co-scénariste du film. D' « Un Prophète », je gardais le souvenir à la fois vif et imprécis d'un film percutant magistralement interprété et mis en scène vu en pleine euphorie cannoise, si loin de cette réalité carcérale, mais finalement aussi dans un univers cloisonné qui souvent altère la perception des évènements et des films. J'avais donc très envie de le revoir d'autant plus dans le cadre intimiste et chaleureux du Saint Germain des Prés, et alors qu' « Un Prophète », Grand Prix du dernier Festival de Cannes a été présélectionné pour représenter la France aux Oscars.

J'ai d'ailleurs eu la sensation de le voir pour la première fois, d'éprouver pour la première fois cette exaltation fébrile lorsqu'on a le sentiment de découvrir un très grand film pour lequel on brûle de partager son enthousiasme tout en craignant de ne savoir trouver les mots justes à la hauteur de l'émotion et de la forte impression suscitées.

A nouveau ces 2H35 m'ont presque parues trop courtes tant la caméra d'Audiard est d'une rigueur, d'un génie poétique, d'une acuité (j'avais ainsi oublié ces plans furtifs ou ces bruits qui évoquent magistralement ce désir insaisissable et inaccessible de liberté, d'ailleurs ), d'une force uniques et remarquables et tant le jeu de ses comédiens est saisissant (Tahar Rahim évidemment dont on se demande bien qui pourrait lui ravir le César et qui, hier soir, a été ovationné à plusieurs reprises mais aussi Niels Arestrup dont je n'avais pas perçu -lors de la mémorable projection cannoise- toute l'épaisseur redoutable qui dévore l'écran comme son personnage souhaite asservir et dévorer les autres) nous tiennent en haleine.

Voici quelques phrases extraites des échanges passionnants entre le public, Tahar Rahim et Thomas Bidegain dont l'enthousiasme, la passion, l'humilité, l'humour pour défendre ce grand film n'ont fait que renforcer mon admiration pour ce « Prophète ». Thomas Bidegain est d'abord revenu sur le titre « Un Prophète » qui selon lui signifie ici (faisant aussi ainsi référence au dernier plan du film) « celui qui est devant », le héros mais aussi le héraut qui dit ce qui va se passer. La question de l'immoralité est aussi souvent revenue dans le débat. Pour Thomas Bidegain, l'histoire de Malik a une moralité à travers l'immoralité. Il est aussi revenu sur la genèse du projet qui a nécessité trois années d'écriture et sur les règles qu'ils se sont fixées en écrivant concernant le personnage de Malik qui « n'aime ni la violence ni les voyous ». Pour eux l'important était qu'au début il ne soit rien et qu'il acquiert le savoir, qu'il soit un SDF analphabète qui trouve un foyer, qui n'a pas d'histoire et qui va progressivement écrire son histoire. Ses objectifs évoluent, son objectif premier étant ainsi la survie. La maturité qu'il acquiert n'est ainsi pas forcément parallèle à la moralité. Thomas Bidegain est aussi revenu sur la complexité du personnage de Malik, « cet enfant sauvage qui arrive en enfer et cherche d'abord uniquement à fuir ». Pour lui, l'étincelle, le moment où il devient son personnage c'est cet instant assourdissant. Un travailleur social comme il s'est défini lui-même ayant, selon ses propres, termes « passer 40 ans en prison » (ce qui n'a pas manqué de jeter un froid glacial dans l'assistance) avant de préciser que c'était pour son travail a tenu à dire que ce film ressemblait à la réalité, aussi consternant cela puisse-t-il sembler. Pour Thomas Bidegain, les choses existent que lorsqu'elles sont représentées, la représentation fait exister les choses, « le cinéma certifie le réel » pour reprendre les termes d'Audiard dans une interview récente. Thomas Bidegain a précisé qu'aucune vraie prison n'avait servi de cadre au tournage mais qu'il s'agissait uniquement d'un décor, en revanche les figurants étaient pour la plupart d'anciens prisonniers, et Tahar Rahim a raconté à quel point cela les avait aidés mais aussi forcés à se montrer à la hauteur. Une spectatrice citant Primo Levi a dit que finalement Malik cherchait à « sauver sa peau » et que « son intelligence lui permettait de survivre en milieu hostile ». Une autre a comparé le scénario à une tragédie antique, rappelant que « Malik » signifie le roi... un scénario qui a l'intelligence, la complexité et la densité de son personnage principal et dont j'espère qu'il sera lui aussi récompensé.

Je vous rappelle mes 10 bonnes raisons d'aller voir « Un Prophète » :

Synopsis : Malik (Tahar Rahim), condamné à 6 ans de prison, ne sachant ni lire ni écrire. A son arrivée en Centrale, seul à monde, il paraît ainsi plus jeune et plus fragile que les autres détenus. Il n'a que 19 ans. D'emblée, il tombe sous la coupe d'un groupe de prisonniers corses qui fait régner la loi dans la prison. Le jeune homme apprend vite. Au fil des « missions » il s'endurcit et gagne la confiance des Corses. Mais, très vite, Malik utilise toute son intelligence pour développer son propre réseau.

1. Parce que Jacques Audiard réussit à captiver le spectateur en l'immergeant dans un univers a priori particulièrement rugueux. Et il y parvient, magistralement, sans pour autant tomber dans la facilité, et notamment pas dans l'écueil du manichéisme dans lequel il aurait été si facile de tomber dans l'évocation du milieu carcéral, nous faisant suivre pas à pas, le souffle coupé, le cœur de battre presque arrêté, le parcours sinueux de ce jeune détenu.

2. Pour l'interprétation magistrale de Tahar Rahim dont c'est ici le premier grand rôle , une véritable révélation qui aurait mérité un prix d'interprétation à Cannes, qui campe ici un personnage à la fois fragile, énigmatique, égaré, malin, angélique et (puis) diabolique dont le regard et la présence, le jeu nuancé magnétisent l'écran, et qui est pour beaucoup dans le caractère attachant de ce personnage tout en ambivalence et mystère.

3. Parce que Jacques Audiard est un des grands cinéastes français actuels. Que son univers, son style ( et ses thèmes récurrents: filiation, rédemption, violence sociale...) ne ressemblent à aucun autre. Pour sa mise en scène sobre, nerveuse, efficace, inspiré.

4. Parce que de son cinéma émane une poésie violente, singulière, saisissante, captivante.

5. Pour la portée politique de son film qui n'en cesse pas pour autant d'être divertissant. Un divertissement intelligent. A l'heure où les conditions de vie dans les prisons font objet de débat, tout en étant indéniablement divertissant, le film d'Audiard a une incontestable portée politique, chaque seconde du film démontrant à quel point la prison est devenue une microsociété où les trafics semblent se pérenniser, voire se développer. Les gardiens sont d'ailleurs très peu présents dans le film (ou alors pour que soit stigmatisée leur implication dans les trafics ) et les prisonniers semblent presque circuler à leur guise, à l'abri des regards extérieurs, là où la violence semble pourtant encore plus palpable. Audiard pointe le doigt sur une réalité tout en n'oubliant jamais le spectateur, tout en n'étant jamais dans le didactisme, la morale, non, il montre une réalité (la difficulté de vie dans les prisons où se développent les trafics plus qu'elles ne réinsèrent) en pleine actualité à l'image de ce qu'était l'école, sujet principal de la palme d'or 2008 « Entre les murs », raison pour laquelle, aussi, le film d'Audiard qui nous montre lui aussi une « métaphore de la société » (racisme etc... se retrouve, aussi, entre ces murs) « entre les murs », entre d'autres murs, avait été fortement pressenti pour la palme d'or de ce Festival de Cannes 2009.

6. Pour la richesse de ses personnages et évidemment de son personnage principal. Audiard montre une nouvelle fois son attachement à ses personnages et l'empathie dont il sait faire preuve à leur égard et nous faire passer, aussi abîmés par la vie soient-ils, des personnages que les difficultés de l'existence transforment radicalement. Malik réalise ainsi un véritable parcours initiatique Ainsi, orphelin, illettré, fragile, influençable, il va réussir à s'en sortir grâce à son intelligence. Malik va aussi user de la violence tout en étant rongé par la culpabilité, une culpabilité que les séquences oniriques rappellent, avec originalité et subtilité. Le titre "Un prophète" est, selon Jaques Audiard, à prendre "dans un sens ironique". C'est l'arrivée d'"un nouveau type de criminel, qui n'est pas un psychopathe, il est même un peu angélique". De victime, Malik devient ainsi héros, même si c'est sa survie qui l'exige : un héros meurtrier

7. Pour le scénario (idée originale d' Abdel Raouf Dafri, scénariste du dyptique Mesrine, et co-écrit par Thomas Bidegain et Jacques Audiard) de ce grand film qui mêle avec brio fantasmagorie et réalisme, violence et poésie noire, meurtre et rédemption, divertissement et sujet de société. L'excellent « Un héros très discret » avait d'ailleurs reçu le prix du scénario en 1996.

8. Parce que l'exigence et la rigueur (scénaristique, de mise en scène, d'interprétation) ne se font pas au détriment du public, bien au contraire.

9. Parce que c'est un film de genre qui en même temps n'appartient à aucun et le renouvèle. Fable initiatique. Film social et politique. Faux documentaire onirique. Film d'action. Il concilie les paradoxes et transcende les genres.

10. Parce que s'il n'a pas obtenu la consécration cannoise escomptée et méritée, il ne dépend que de vous qu'il la connaisse en salles.

...11. Parce que vous ne verrez pas passer ces 2H20 bien qu'emprisonnés (je vous le garantis) et parce que ça fait déjà beaucoup plus de 10 raisons d'y aller et que c'est suffisamment rare pour être souligné et récompensé par un grand succès en salles.