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Divorce à la Danoise

2019-11-13T15:22:00+01:00

Hasse Poulsen a divorcé. Et alors, me demanderez-vous, en quoi cela nous regarde-t-il ? Je pourrais vous donner raison, parce qu’en effet la vie privée des gens ne nous concerne pas. Mais un avis si tranché risquerait de vous priver d’un bonheur musical que je vais évoquer ici en quelques lignes. Non sans vous proposer au préalable un rapide rappel « historique ».

2003, Metz, Les Trinitaires : j’assiste à un concert du clarinettiste Louis Sclavis venu interpréter son répertoire Napoli’s Walls inspiré des fresques murales d’Ernest Pignon-Ernest dans la ville de Naples. Médéric Collignon est là, tout en cornet, yeux exorbités et scats survoltés. Vincent Courtois, plus discret fait entendre le chant de son violoncelle. Je découvre un guitariste dissonant et abrasif, de haute stature : Hasse Poulsen. Depuis cette époque lointaine, ce géant danois a su imposer son talent, en particulier au sein du trio Das Kapital, sans doute l’une des plus belles inventions du jazz de la décennie passée. Il est aussi un explorateur, en duo (avec Tom Rainey, Fabien Duscombs, Hélène Labarrière…), en quartet avec The Langston Project pour dire les textes de Langston Hugues ou dans le cadre d’une formation aux accents volontiers psychédéliques telle que SighFire. Tout récemment, sa guitare électrique est venue griffer le jazz gourmand et pétulant de Frizione, disque du saxophoniste Romano Pratesi entouré d’un véritable all stars (incluant Glenn Ferris, Stephan Oliva, Claude Tchamitchian, Christophe Marguet).

Ce ne sont là que quelques exemples pour vous donner une idée de son activité polymorphe et rageusement créative. Mais attention : Hasse Poulsen – vous allez enfin savoir pourquoi je vous raconte toutes ces choses – est aussi un excellent interprète, dont les « chansons » avaient frappé juste à l’occasion de la parution il y a cinq ans de The Man They Cass Ass… Sings Until Everything Is Sold. J’en avais rédigé la chronique pour Citizen Jazz. J’y écrivais notamment : « Un songwriter de premier plan doublé d’un magnifique chanteur vient de voir le jour et s’expose enfin après de longues années de maturation ». Vous commencez à comprendre : lorsqu’un chroniqueur de haut niveau vit les heures difficiles de la séparation après vingt ans de vie commune, on devine que ce qu’il a à dire dépassera très largement le cadre de l’intimité d’un couple volant en éclats. Fin du rappel.

Le temps est donc venu pour l’homme qu’on appelle Ass de partager Not Married Anymore, dont le titre parle de lui-même. Quinze compositions enregistrées en quatre jours au fin fond du Danemark, avec la complicité des compatriotes Henrik S. Simonsen et de Tim Lutte, sans oublier le rôle important joué par Gilles Olivesi pour le travail sur le son. Ici, pas de fioritures, c’est un enregistrement urgent, presque brut, qui est proposé, avec ce côté roots qui colle parfaitement à la nudité du propos. Les violons et les flonflons n’ont pas leur place ici. Voix + guitare + contrebasse + batterie et basta. Pas question d’une super production. Pas de solos non plus, ce n’est pas le moment d’en rajouter. Avec cet album très personnel, Poulsen dévoile un répertoire dont les premières compositions remontent à 2014 et parlent d’amour, de rupture, de regrets, d’espoir, en lien direct ou indirect avec son histoire. Autant de sentiments qui sont les siens, bien sûr, mais aussi ceux qui peuvent traverser chacun·e d’entre nous. Ce qu’Hasse Poulsen confirme : « Quand le privé ressemble à un regard involontaire dans une chambre, ça devient insupportable et embarrassant. J’espère que les chansons de Not Married Anymore ne donnent pas une telle impression de partage de détails banals et sans importance d’une vie sans intérêt. J’espère parler des émotions – souvent contradictoires – qu’on rencontre dans beaucoup de moments de vie ». Rassurons-le, cette exposition aux oreilles de tou·te·s n’est jamais dérangeante au prétexte qu’elle ferait de nous des voyeurs. Ces histoires d’amour, qu’elles finissent mal ou pas, sont universelles. Et ici fort justement racontées.

L’album mêle ballades aux accents folk, country, bluegrass ou jazz, avec çà et là une pointe de rock à l’état brut et quelques tentations psychédéliques. Hasse Poulsen rend à sa manière un hommage appuyé à ceux qui habitent son Panthéon musical depuis toujours ou presque : Johnny Cash, Bob Dylan, Paul Simon, Elvis Costello ou Tom Waits. On pourrait ajouter Leonard Cohen. Cette sédimentation heureuse – dans un contexte qui ne l’est pas – fait de Not Married Anymore un disque qu’on ne cherchera pas à classer. Il est celui, je me répète, d’un songwriter au sens le plus noble et le plus intemporel du terme. Avec pas mal de titres qu’on serait tenté de fredonner (au premier rang desquels « Not Married Anymore »), si l’on ne craignait de paraître incongru en les chantonnant…

Pour terminer cette note, j’aimerais partager un souvenir : l’année dernière, j’avais réuni à Paris quelques amis musiciens que je voulais associer à un événement personnel. Hasse Poulsen était de ceux-là. Il est arrivé, immense sur son vélo de course, sourire timide aux lèvres, simple comme bonjour. J’ignorais tout des moments pénibles qu’il traversait à cette époque. Il n’en a rien laissé paraître, alors que nous levions tous notre verre à une histoire qui, elle, était heureuse. Presque dix-huit mois plus tard, je mesure toute l’élégance de l’homme, au-delà de son immense talent de musicien. Je suis donc bien placé pour vous dire que Not Married Anymore est un écho supplémentaire de cette classe naturelle qui transpire de chacun de ses mots, de chacune de ses notes.

Musiciens : Hasse Poulsen (chant, guitares), Henrik S. Simonsen (contrebasse), Tim Lutte (batterie), Gilles Olivesi (effets).

Titres : Not Married Anymore / Drink to my Health / Ask Yourself / A Single Day / At the End of a Rope / What Kind of a World / Thanks for the Fight / This is the Day / Hollow Old Bone / I Need a New Girl / In a Dead Man’s Skull / What’s On Your Mind / Ship Full of Ghosts / Thousand Voices / Only Sometimes

Label : Das Kapital Records

Corps à cordes...

2016-02-14T22:36:00+01:00

J’aime beaucoup le portrait d’Hélène Labarrière que brosse le tromboniste Yves Robert : « Contrebassiste rousse aux collaborations musicales aventureuses. Une grande musicienne créative à l’affût de vocabulaires nouveaux ». On ne saurait mieux résumer la personnalité d’une artiste tout autant amoureuse des mélodies de toutes époques que des territoires musicaux restant à explorer, seule ou bien accompagnée. Qu’elle joue en solo, l’occasion pour elle de revisiter entre autres le répertoire de la chanson française ; en duo avec Violaine Schwartz (actrice, romancière et chanteuse) pour célébrer ce qu’on appelle la chanson réaliste du début du XXe siècle ; qu’elle scrute dans l’ensemble Dédales de Dominique Pifarély la belle géographie du temps du violoniste (je fais ici allusion au disque Time Geography, qui est une spendeur) ; qu’elle se produise en trio avec François Corneloup au saxophone baryton et Simon Goubert à la batterie, ou dans son propre Désordre avec, outre Corneloup, Christophe Marguet à la batterie et Hasse Poulsen à la guitare... Hélène Labarrière est un chant à elle-seule. Alors nul ne sera surpris de la retrouver en duo avec le même Hasse Poulsen pour Busking, un disque parmi les plus attachants de ce début d’année 2016 et qui voit le jour sur le label breton Innacor.

Poulsen, je vous en ai longuement parlé il y a quelques semaines. Non content d’être l’une des pierres angulaires du trio Das Kapital et du Langston Project dont le blues fait revivre les textes de Langston Hugues, non content d’être de la caste des explorateurs sans limites stylistiques comme en témoigne Open Fist, son disque brûlot en duo avec le batteur Tom Rainey, le guitariste danois se double d’un magnifique songwriter inspiré entre autres par Bob Dylan, Leonard Cohen ou Tom Waits. Ce qu’avait démontré The Man They Call Ass... Until Everything Is Sold, l’un des disques surprises de l’automne 2014, qu’il est encore temps de découvrir si vous avez accompli l'exploit de l'ignorer.

Dans ces conditions, on comprend aisément la connexion s'établissant naturellement avec Hélène Labarrière : ces deux-là ont la mélodie chevillée aux cordes, ils aiment la chanson d’un même amour serein et ne rechignent pas à emprunter les chemins buissonniers dès que l’occasion se présente. Chez l’un comme chez l’autre, il est bien question de chant et, plus encore, de chansons.

En Anglais, « to busk » signifie chanter et jouer de la musique dans la rue pour gagner de l’argent. En d’autres termes, faire la manche. Et c’est vrai qu’à l’écoute de Busking, on imagine volontiers le duo installé au coin de la rue ou dans un couloir du métro et faire feu de tout bois mélodique – ou plutôt faire cordes de toute voix. Les inspirations sont multiples, à l’image du public varié qui passerait devant les deux chanteurs de rue, et pourraient en étonner plus d’un : si Bob Dylan (« Farewell ») et Leonard Cohen (Take This Waltz »), cités un peu plus haut comme références majeures, sont en bonne place, ils côtoient les Beatles (« Lucy In The Sky With Diamonds »), Alanis Morissette (« Hand In My Pocket »), la Canadienne Feist (« Let It Die ») ou Paul Williams (« Special To Me »). Sans oublier Sebastian, un folk singer danois (« Stjerne Til Stov ») mais aussi, plus inattendus ceux-là, Stromae (« Formidable ») et Michel Berger (« Les uns contre les autres »). Un répertoire ouvert, sans le moindre a priori, pour le plaisir simple de la mélodie qu'on aime fredonner et qui respire la liberté.

Il émane de Busking un sentiment de bien-être qui tient à une poésie de l’intime que le guitariste et la contrebassiste élaborent avec une humanité très contagieuse. Oui, c’est vrai : quelques secondes suffisent à instaurer un climat de paix. Une guitare, une contrebasse, deux âmes. Les cordes mêlées, comme entrecroisées, ne cessent de susciter l’enchantement, par leur aptitude à monter et descendre la gamme des émotions. J’emploie le mot « enchantement » à dessein car il porte en son cœur un autre mot, le chant, qui est le langage vernaculaire de ce dialogue habité d’une infinie douceur. Et tant pis si je me répète... La guitare de Poulsen, le plus souvent acoustique mais toujours complice, a des reflets scintillants. Ses éclats de lumière sont le contrepoint aux formes plus terriennes que sculpte la contrebasse et qui culminent lors de prises de parole d’une netteté absolument exemplaire. Hélène Labbarrière est magistrale, écoutez-là par exemple raconter son histoire sur un « Formidable » rendu méconnaissable à force d’imagination. Parfois, le duo s’échappe de la mélodie pour tisser une toile impressionniste, dont les frontières aux contours plus flous ouvrent des espaces incertains (« Lucy In Th Sky WIth Diamonds »). Comme dans un rêve...

Aucun mot n’est prononcé pendant que coule paisiblement la musique de Busking. Seuls les deux instruments parlent, et de quelle manière ! Pourtant, au fil des chansons défilent des souvenirs, qui seraient ceux de nos propres histoires venant croiser celles que racontent les chansons. L'union musicale d'Hélène Labarrière et Hasse Poulsen semble traduire le besoin d'amitié et la nécessité d’une vie plus solidaire, loin des indifférences de nos vies matérielles. C’est peut-être ce qu’il faut comprendre de ce corps à cordes et ses attentions réciproques.

Ah, une dernière chose... Je m’autorise à vous conseiller d’acheter Busking en le commandant directement sur le site du label Innacor. Non seulement vous éviterez de passer par des intermédiaires trop souvent parasites et votre argent ira directement dans les poches de ceux qui le méritent. Et puis, cerise sur le gâteau, quand vous ouvrirez l’enveloppe contenant le précieux disque, vous aurez peut-être l’agréable surprise de lire sur votre facture une mention manuscrite vous souhaitant une bonne écoute. C’est précieux, non ?

Ah, ce Poulsen !

2015-12-28T15:01:00+01:00

Je crois que je pourrais me damner pour un chorus de guitare tel que celui dont Hasse Poulsen nous gratifie d’emblée sur « Webstern », la composition signée Edward Perraud qui ouvre avec majesté le nouveau disque du trio Das Kapital, paru sur Label Bleu. Car son intervention décisive – véritable saillie électrique – est rien moins que magistrale et me renvoie aux grandes heures d’un Neil Young chevauchant son Cheval Fou. En peu de notes, d’une intensité foudroyante, le Danois semble expulser hors de lui une force hors du commun et dévoile l’une des nombreuses facettes de son talent, qui est immense. Amusante conjonction (mais il ne saurait y avoir ici le moindre hasard), Poulsen était la semaine dernière au tableau d’honneur de Citizen Jazz : deux chroniques d’albums, un reportage photo, un portrait, un entretien. Normal, car nous sommes là en compagnie d’un personnage pas comme les autres, que j’ai eu la chance de découvrir il y a bien longtemps déjà, quand il évoluait dans la formation Napoli’s Walls de Louis Sclavis, aux côtés de deux autres musiciens atypiques, le cornettiste Médéric Collignon et le violoncelliste Vincent Courtois. C’était en... 2003, je crois. Un grand disque (tous les disques de Louis Sclavis sont de grands disques), un moment de scène comme je les aime, dans le cadre intime du Caveau des Trinitaires de Metz.

Je vous ferai grâce de la biographique de ce quasi sexagénaire installé à Paris depuis la fin des années 90. Il est de ceux que je qualifie de flibustiers. Indispensable et indompté, jamais là où on l’attend, donc. Sa guitare a beau ne compter que six cordes, il en possède bien plus à son arc. L’an passé, j’avais souligné sur Citizen Jazz la singularité du personnage à l’occasion de la parution d’un disque auquel je suis resté très attaché : sous l’appellation The Man They Call Ass (parce qu’en bons Français fiers de mal prononcer les noms étrangers, nous déformons son patronyme pour l’affubler d’une dénomination... postérieure !), Hasse Poulsen s’était affirmé comme un véritable songwriter, digne des plus grands. Compositeur, interprète et surtout chanteur, il affirmait toute sa classe avec ... Sings Until Everything Is Sold et revendiquait des influences, dont celle, majeure, de Bob Dylan qu’il avait évoqué avec moi dans un entretien : « Mes inspirations, mes idoles… il y en a beaucoup ! Dans votre liste, surtout Dylan et Cohen mais il faut rajouter Tom Waits ! Bob Dylan est incroyable. Sa poésie et ses chansons sont souvent basées sur des chansons populaires, un peu détournées, mais le nombre de classiques qu’il a écrits est époustouflant ! L’air de rien, c’est un mélodiste superbe, doublé d’un parolier hors pair. Quand je l’écoute, ça m’inspire toujours pour écrire mes propres chansons ». Il n’est pas trop tard pour aller à la rencontre de ce disque de chansons (sic) étincelant et un brin désenchanté, qui a vu le jour en 2014 sur Das Kapital Records.

Si je tiens à saluer Hasse Poulsen aujourd’hui, c’est avant tout en raison de la densité de son actualité discographique, qui constitue un témoignage très représentatif de sa diversité artistique. Viennent en effet de paraître trois disques réjouissants (auxquels il faudra ajouter BUSKING, en duo avec la contrebassiste Hélène Labarrière, paru sur le label breton Innacor et que je n’ai malheureusement pas encore eu le temps d’écouter, mais dont le pouvoir mélodique semble d’ores et déjà avéré).

J’ai évoqué pour commencer le trio Das Kapital, formé avec le batteur français Edward Perraud et le saxophoniste allemand Daniel Erdmann. Après deux disques consacrés aux chansons de Hans Eisler (Ballads & Barricades en 2009 puis Conflicts & Conclusions en 2011), collaborateur de Brecht et compositeur de l’hymne national de l’ex-RDA, puis un troisième composé d’arrangements de chants de Noël (Das Kapital Loves Christmas en 2012), le trio revient avec cette fois ses propres compositions. Intitulé Kind Of Red, ce disque sorti au mois de novembre marque à la fois l’engagement politique de musiciens qui se situent explicitement à gauche, mais aussi leur ancrage dans l’univers du jazz. L’allusion à Kind Of Blue, album mythique de Miles Davis s’il en est, est évidente. Et puisqu’il est ici question de couleurs – de bleu, de rouge – on ne peut que souligner la richesse d’un disque qui se nourrit de celles que fournissent trois individualités distinctes et complémentaires pour aboutir à ce qu’on nommera volontiers un idiome, survolant un jazz nimbé d’éclats puisés à la source du rock et du folk. Car il y a une patte Das Kapital, une identité musicale qui se nourrit à la fois des visions synesthésiques de Perraud (pour le coup, le batteur est un sacré fournisseur de couleurs et ses trois compositions en sont l’expression saisissante), du balancement entre la fougue électrique et la caresse acoustique de Poulsen, et d’une profondeur chaude émanant du saxophone de Daniel Erdmann. Même le label du groupe a pris des couleurs, puisque Kind Of Red – c’en est presque paradoxal – est publié, non sur Das Kapital Records, mais sur ce Label Bleu qu’on est toujours heureux de retrouver. Profitons de cette nouvelle production pour saluer le travail remarquable appliqué au son par Michael Seminatore, toujours dans les bons coups depuis quelque temps et qu’on citera une autre fois un peu plus loin...

Certains vous parleraient de choc, d’autres salueraient un élu, d’autres encore décerneraient un diapason ou je ne sais quelle distinction. J’appose sans la moindre hésitation un « Coup de Maître » à The Langston Project, autre livraison du mois de novembre, cette fois sur Das Kapital Records. Aux commandes de ce projet à la coloration résolument blues-rock, notre ami Poulsen, vous l’avez compris !

Ce disque est un hommage à Langston Hughes (1902 - 1967), poète, nouvelliste, dramaturge et éditorialiste américain du XXe siècle, dont la renommée est due en grande partie à son implication dans le mouvement culturel communément appelé Renaissance de Harlem, pour le renouveau de la culture afro-américaine, dans l’Entre-deux-guerres, qui touche aussi bien la photographie, la musique, la peinture ou la littérature. Hugues aura l’occasion de dire : « J'ai cherché à comprendre et à décrire la vie des noirs aux États-Unis et d'une manière éloignée, celle de tout humain ». Il a voulu montrer l'importance d'une conscience noire et d'un nationalisme culturel qui unit les hommes plutôt qu'elle ne les oppose.

Puissamment épaulé par deux autres flibustiers (Luc Ex à la basse électrique et Mark Sanders à la batterie), Hasse Poulsen met en musique les textes de Langston Hugues, une démarche qu’il a explicitée dans son interview pour Citizen Jazz : « Ce qu’il y a de spécial avec les poèmes de Hughes, c’est qu’on entend la musique dans ses paroles. On entend du rythme, des mélodies, des progressions harmoniques. Dans son écriture, il va dans beaucoup de directions : il écrit des blues dans la forme la plus basique du blues, il écrit des poèmes abstraits qui correspondent à la musique contemporaine (avec laquelle il a beaucoup travaillé aussi), il écrit des textes rap, des proclamations, des plaintes, des rimes d’amour… c’est très riche. » Il abat ainsi avec détermination les cartes d’un disque fiévreux, propulsé par un groupe compact, sans effets ni fioritures, comme se doit d’être le rock ou le blues par essence. Et puis, il y a cette chanteuse magnifique, une véritable illumination. Vraiment. En écoutant le disque pour la première fois, l’effet de séduction a été total, comme si cette Debbie Cameron, dont je ne connaissais absolument rien jusqu’à ce jour d’octobre où le disque m’est arrivé, avait vécu plusieurs vies en une seule et les avait concentrées dans son chant habité. Le guitariste m’a dit en quelques mots qui elle était et je ne résiste pas au plaisir de vous résumer son propos : « Debbie, c'est une grande musicienne avec un parcours impossible ! Master de musique à dix-sept ans à Miami où elle cohabitait avec Jaco Pastorius, chanteuse jazz avec Clark Terry et bien d’autres à 18-20 ans. Elle a représenté le Danemark au concours de l’Eurovision en 1981 et s'est fait bien piéger par la pop music. Elle a transcrit des disques entiers de Weather Report (solos, orchestrations, accords) pour un éditeur allemand. Et maintenant elle est un peu perdue en province. Mais elle sait vraiment chanter... ». C’est le moins qu’on puisse dire ! Ecoutez-la vouloir prendre votre cœur dans « When It Comes To You » ; perdez votre souffle avec elle pour un « Midnight Raffle » giflé par une rythmique survoltée ; abandonnez-vous à l’envoûtement quand elle chante « Request For Requiems ». Hasse Poulsen unit aussi sa voix à la sienne, comme sur cet « I Dream A World » parcouru d’un frisson dont les couleurs acoustiques renvoient à The Man They Call Ass. Chair de poule garantie ! Objet musical des chemins de traverse, distillant une musique de brûlure, The Langston Project est à n’en pas douter un de ces albums qui ne sont pas près de regagner leur place dans les rayonnages d’une discothèque. Il reste là, à portée de main, revenant sans cesse au premier plan. Il n’est pas un disque qu’on écoute, mais un disque qu’on ré-écoute. Et qu’Hasse Poulsen ne m’en veuille pas de cette faiblesse de ma part mais... Debbie Cameron, tout de même, quelle splendeur ! Je lui dédie cette phrase extraite de « Breath Of A Rose » : « Love is like perfume in the heart of a rose ».

Tom Rainey est un batteur américain qui évolue dans l’univers du jazz et des musiques improvisées et qui – je cite ici mon camarade Julien Gros-Burdet – « jouit d’une réputation toute particulière, justifiée par une originalité au service de tous les jazz, que ce soit aux côtés de Fred Hersch ou Ken Werner, au sein des groupes de Tim Berne ou avec Tony Malaby ». Rainey fut également membre des Progressive Patriots de notre guitariste danois il y a quelques années. Avec une telle carte de visite, on ne peut guère être surpris de le savoir partant pour une rencontre en duo avec Hasse Poulsen, ce dernier le considérant par ailleurs comme un des plus grands batteurs de jazz du monde. Flibustier un jour, flibustier toujours. Voici donc venir Open Fist, sur le label Becoq, disque qui marque la volonté de jouer « une musique sans artifice, celle de deux personnes qui jouent dans l’instant ». Open Fist est en effet un disque totalement improvisé, aux couleurs du béton cette fois, ainsi que Poulsen le rappelait dans son l'interview citée un peu plus haut pour Citizen Jazz : « Enregistré dans un sous-sol parisien, en studio, avec l’impression d’être dans un parking. Et croyez-moi, je trouve souvent les parkings publics très beaux ! Le graphisme, le béton, les formes d’escargot que suivent les voitures. C’est beau sans vouloir l’être et ça me plaît. Comme la musique sur Open Fist ». C’est la face brute d’Hasse Poulsen qui est à l’œuvre dans cet enregistrement-témoignage en sept mouvements sans concession ni souci de caresser l’oreille dans le sens du poil – je note une fois encore le travail d’un certain Michael Seminatore au mastering sur la belle prise de son de Gilles Olivesi (c'est important de souligner le rôle de ceux qui œuvrent aux manettes) – et dont la force réside dans un besoin impérieux de pousser l’autre dans ses retranchements. En état d’hypertension et d’urgence. Ce n’est pas un duel toutefois, mais plutôt la confrontation de deux énergies et leur dépassement. Ce qui est, quand on y songe, une définition de la synergie.

Kind Of Red, The Langston Project, Open Fist, BUSKING... Le menu d’automne-hiver est copieux et varié à la table du Danois. Il y a de quoi se nourrir pour un petit bout de temps, sans risque d’embonpoint à la clé. Car ces musiques vous traversent et vous remuent de l’intérieur. Ah, ce Poulsen, sacré bonhomme tout de même, attachant et hyper actif, homme qui cherche sa liberté dans une certaine forme d’indépendance. Je le citerai une dernière fois : « J’aime écouter la musique dans les clubs et dans les salles de petite taille. Je ne suis jamais allé voir un concert dans un stade. Je pense que l’indépendance et la liberté sont très liées au fait de ne pas dépendre de trop de monde. Travailler avec beaucoup de monde : oui ! En dépendre : non ! »

Dix galettes plus une et un coup de maître...

2014-12-14T19:26:00+01:00

Je me demande si j’ai raison... Peut-être suis-je sous l’influence de quelques-uns de mes camarades qui, nonobstant la vacuité de l’exercice, ne résistent pas à la tentation de produire une liste de disques de l’année. Je vais faire comme eux, je serai injuste comme eux et j’aurai au préalable mesuré à quel point mon « Top 10 » est une modeste goutte d’eau dans l’océan de la musique. Tant pis. Et que les oubliés me pardonnent, ils savent que je pense à eux et que la seule méthode à laquelle je me suis astreint à consisté à fermer les yeux pour laisser remonter à la surface des moments forts ressentis durant toute l’année. 2014 : au minimum 200 disques à découvrir (et je suis un piètre amateur comparé à certains...) parmi... combien déjà ?

Alors, allons-y gaiment et dans l’ordre alphabétique... J’accompagne chaque disque sélectionné d’un court extrait d’une de mes chroniques.

Alban Darche & L’Orphicube : Perception Instantanée

Musique grande classe, comme la bande son d’un film aux accents nostalgiques qui aurait été tourné en noir et blanc pour mieux souligner les éclats invisibles du quotidien et en révéler la part de magie. L’Orphicube vous transporte avec son ingéniosité génétique - encore une fois, cet orchestre a un son qui lui appartient totalement, sui generis, comme on dit - et sa forte dose d’onirisme.
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Stéphane Kerecki Quartet : Nouvelle Vague

Stéphane Kerecki endosse le rôle d'un passeur pacifié qui ne vise qu'un seul objectif : réenchanter des histoires dont tous les secrets n'avaient, on s’en rend compte grâce à lui, pas encore été dévoilés. En levant le voile sur ses propres visions, il nous propose un embarquement dans son imaginaire cinématographique et c'est un bonheur de le laisser faire… avec un grand sourire dans le regard.
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Christophe Marguet & Daniel Erdmann : Together, Together !

Together, Together! n’est pas de ces disques qu’on écoute avec passivité ; il fait plutôt partie des instants d’équilibre un peu miraculeux, dont on connaît la fragilité, et qu’on ne veut pas laisser filer entre ses doigts. On laisse approcher la musique, on lui accorde tout son temps, pour qu’elle nous souffle ses délicatesses au creux de l’oreille. Musique sensuelle, on vous dit !
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Iain Matthews : The Art Of Obscurity

Dans un climat d'une grande sobriété, on retrouve avec ce beau disque l’essentiel de ce qui fait tout son pouvoir de séduction, comme si Matthews jouait la carte de l’épure et de l'intemporel en se disant qu’eux seuls disent le vrai : au service de son art, une instrumentation légère composée de guitares (acoustique et électrique), d'un piano électrique (ou d'un orgue) et d'une basse.
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ONJ Olivier Benoit : Europa Paris

Un chef d'œuvre ? Le temps parlera, mais après tout, ne suffit-il pas de dire que la manière avec laquelle Olivier Benoit, entouré d’une équipe soudée, est parvenu à synthétiser toutes les musiques qui l'habitent depuis des années, est admirable ? Au point de donner vie à un idiome dont on attend dès à présent les prochaines pulsations, celles qui résonneront des échos d'une autre capitale européenne, Berlin.
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Emile Parisien Quartet : Spezial Snack

On a beau chercher, regarder derrière soi ou même de côté, il faut bien se rendre à l’évidence : ce disque sans équivalent est une nouvelle pépite, une pierre précieuse, tout juste polie au sens où ses audaces la rendent heureusement irrévérencieuse. Le quartet d’Emile Parisien est âgé d’une petite dizaine d’années et sème sur son chemin de sacrés cailloux. Sa musique, aussi singulière et intrigante que les titres de ses disques, n’a certainement pas fini de nous sidérer.
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Vincent Peirani & Emile Parisien : Belle Epoque

C’est incroyable qu’on puisse être à la fois si jeune et porteur des horizons sans cesse réinventés d’une histoire de la musique du XXe siècle, que Vincent Peirani et Émile Parisien semblent connaître depuis toujours, comme si elle coulait dans leurs veines. Un disque fédérateur qui s’adresse aux amoureux du jazz, de la chanson, de toutes les musiques impressionnistes, des musiciens vibrants et dont on ne finit jamais de contempler les beautés exposées.
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Sylvain Rifflet & Jon Irabagon : Perpetual Motion

Voix, sons métalliques ou électroniques, bruits de rue, chant naturel des instruments : cette polyphonie, qui célèbre Moondog avec autant d’inventivité que de respect, séduit d’emblée. En imaginant Perpetual Motion, Sylvain Rifflet, Jon Irabagon et leurs complices sont allés bien au-delà de l’hommage : ils expriment une fusion totale entre le génie d’un compositeur et leur art propre, qui se refuse à toute limite. Et surtout pas celle de leur imagination.
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Henri Roger & Noël Akchoté : Siderrances

Siderrances est un disque auquel on doit s’abandonner… Loin des urgences de notre monde, il offre son temps long (le deuxième disque ne comporte que deux titres, respectivement de 20 et 32 minutes) et laisse aux deux protagonistes le loisir d’engager une conversation de l’intime qui, jamais, ne nous laisse de côté. Là est sa grande force : il nous parle au creux de l’oreille dans sa langue propre, mais très empathique.
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The Man They Call Ass : Sings Until Everything Is Sold

Hasse Poulsen, cet homme qu’on appelle Ass, chante le désenchantement, celui d’un monde menacé par l’épuisement de ses ressources vitales, elles-mêmes objets de commerce. Souhaitons que son inspiration, en tout cas, ne se tarisse jamais, car un songwriter de premier plan doublé d’un magnifique chanteur vient de voir le jour, et s’expose enfin après de longues années de maturation.
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Avez-vous lu le titre de cette note ? Parce qu’un onzième disque a pris place dans ma tête il y a quelque temps, depuis le jour où Olivier Bogé m’a donné à écouter Expanded Spaces, son prochain disque (et troisième en tant que leader après Imaginary Traveler et The World Begins Today) qui ne sera publié chez Naïve qu’au printemps 2015. Le saxophoniste compositeur s’y révèle aussi pianiste, guitariste et vocaliste ; surtout, il prend le risque de faire sauter les barrières stylistiques en s’écartant radicalement de l’esthétique du jazz. Ce disque de l’épure est le reflet d’une passion qui transporte ses mélodies limpides pour les élever au rang d’hymnes à la fraternité. Olivier m’a demandé d’écrire le texte qui figurera sur la pochette d’Expanded Spaces et je l’en remercie infiniment. Alors forcément, j’en reparlerai, mais j'avais envie de l'annoncer sans attendre.

Voilà pour ce petit exercice de style que je ne saurais conclure sans décerner un « Coup de Maître » à un musicien ami qui aura beaucoup donné cette année, et que je tiens absolument à saluer. Henri Roger a non seulement publié le magnifique Siderrances en duo avec Noël Akchoté, mais il nous aura gâtés à maintes reprises en 2014 sur le précieux label Facing You / IMR : en solo (Sunbathing Underwater), en quartet hommage à Pierre Soulages (Parce Que) ou en trio aquatique avec Benjamin Duboc et Didier Lasserre (Parole Plongée). Et je crois avoir compris que le pianiste guitariste improvisateur a décidé de continuer sur cette belle lancée. Vas-y Henri, ne te gêne surtout pas !