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Éphéméride du 14 avril

2026-04-14T03:30:00+02:00

1900 : Inauguration de la cinquième Exposition universelle de Paris; la ville s'embellit des Petit et Grand Palais (ci-dessus)

1136 : Aux origines de l'Abbaye du Thoronet...

C'est le 14 avril 1136, sur la commune de Tourtour, dans le Var, qu'une première abbaye fut fondée, qui prit le nom d'Abbaye de Florièyes; mais, très vite, les moines cherchèrent un autre lieu et découvrirent le site actuel, où ils s'établirent définitivement dix ans après, en 1146, toujours au printemps...

https://www.le-thoronet.fr/

Fondées quasiment au même moment (dans la même décennie...), par le même Ordre de Cîteaux et très proches géographiquement, les trois Abbayes de Sénanque, Sylvacane et Le Thoronet sont communément appelées "les trois soeurs provençales"...

https://www.avignon-et-provence.com/monuments/abbayes-cisterciennes-de-provence#:~:text=En%20Provence%2C%20les%20Cisterciens%20fondent,%C3%A0%20la%20Roque%20d'Anth%C3%A9ron.

• Vous pouvez vous reporter :

- pour l'Abbaye de Sénanque, à notre Éphéméride du 23 juin;

- pour l'Abbaye de Sylvacane, à notre Ephéméride du 9 juin...

1711 : Mort de Louis de France, le Grand Dauphin

Premier enfant et fils aîné de Louis XIV et de Marie-Thérèse d'Autriche, on l'appelait couramment "Monseigneur". Son premier fils, le duc de Bourgogne, devient Dauphin, mais meurt un an plus tard, en 1712, prématurément lui aussi (il est le père du futur Louis XV, arrière-petit-fils de Louis XIV); son second fils, le duc d'Anjou, deviendra le Roi d'Espagne, Philippe V.

Portrait, par Hyacinthe Rigaud, Musée de Versailles

De François Bluche, Louis XIV, (pages 527/528) :

"...Louis de France (1661-1711), Dauphin que l'on nomme Monseigneur, est le plus populaire de la famille, adoré des sujets du roi, surtout des Parisiens. Par lui Louis XIV n'est point aussi absent de la capitale qu'il n'y paraît. Ami des spectacles, Monseigneur trouve à Paris beaucoup de ce qui manque à Versailles. S'il tombe malade, ces dames de la Halle le viennent visiter, bien émues. Lorsqu'il est à l'armée comme en 1688, on le voit pareillement entouré d'attentions et de reconnaissance : les bas officiers surtout et les simples soldats ne jurent que par lui.

Il a les qualités de son père. Il est aussi peu livresque, aussi intelligent. Comme Louis XIV il n'aime que la compagnie des gens d'esprit. Comme lui, avec un goût indépendant mais aussi vif, il réunit toiles, médailles, monnaies et antiques. Leurs collections rivalisent. Le père embellit Versailles, orne Marly, le fils fait presque aussi bien en ce château de Meudon où il a succédé à Louvois.

Louis XIV et Monseigneur aiment la table, la guerre, l'équitation, la vénerie. Mais le Roi est contraint de surveiller chacun de ses gestes, tandis que le Dauphin paraît brûler la chandelle par les deux bouts, comme si, faute de régner, il dépensait un trop-plein d'impatience et d'énergie mal contenues. Il n'est pas exactement gastrolâtre (nom du goulu qui de son ventre fait un dieu), mais c'est un grand gosier, ou gros mangeur. Son appétit excessif encourage d'ailleurs une tendance à l'apoplexie qui inquiète la Faculté.

Sa résistance physique semble inépuisable : il chasse "le noir", surtout le loup, presque quotidiennement. Il se distingue au jeu du mail, domine les courses de bague comme au carrousel versaillais de 1682, ne cesse de prendre des risques. Il n'est pas des princes qui vont à la guerre pour figurer. Il s'expose tant, en 1688 et 1689, que le Roi doit lui interdire l'excès d'héroïsme.

Chose piquante, Monseigneur pousse jusqu'à ses extrémités le parallélisme de goût et d'action qui le rapproche de son monarque de père. Comme Louis XIV, le Grand dauphin a épousé une princesse assez terne (ci contre), falote et dévote (Marie-Anne-Christine-Victoire, fille de l'électeur de Bavière, morte en avril 1690). Comme lui, il s'imposera le garde-fou d'un mariage morganatique et secret.

Mademoiselle de Choin, à qui Louis de France va rendre à Meudon mêmes hommages que réserve le Roi à sa marquise de Maintenon, possède comme cette dernière une culture certaine, une conversation plaisante, des recettes amoureuses. La compagnie choisie que Monseigneur et sa seconde épouse reçoivent à Meudon est l'une des plus affinées du royaume. Ce n'est point un hasard si le vieux Roi aime à la fréquenter, deux jours de suite à l'occasion. Au reste Meudon et Versailles sont proches.

Le Dauphin, plein de finesse et d'attention filiale, concilie parfaitement ses devoirs d'héritier et son souci d'autonomie personnelle ou princière. Il n'a rien d'un aigri, d'un misanthrope ou d'un homme à complots. Il siège depuis 1688 au conseil royal des finances et à celui des dépêches, depuis 1691 au conseil des ministres. Quand viendra la rude guerre de la succession d'Espagne, Monseigneur incarnera, souvent presque à lui seul, le parti de la fidélité à Philippe V, son second fils.

Il est regrettable que ce Dauphin si doué, si aimé, mort prématurément, n'ait pu succéder en 1715 à son père. Il eut été le meilleur des rois..."

http://www.chateauversailles.fr/decouvrir/histoire/grand-dauphin

Restitution virtuelle du château de Monseigneur, à Meudon, détruit à la Révolution.

1802 : Parution du Génie du Christianisme

"...Il est temps qu'on sache enfin à quoi se réduisent ces reproches d'absurdité, de grossièreté, de petitesse qu'on fait... au christianisme, il est temps de montrer que, loin de rapetisser la pensée, il se prête merveilleusement aux élans de l'âme..."

Après la tourmente révolutionnaire, qui tenta d'anéantir le christianisme et de séparer la religion catholique et la France, Le Génie du Christianisme inaugure un mouvement qui va de pair avec la pacification religieuse voulue par Bonaparte : le Concordat est signé quatre jours plus tard...

Le Génie du christianisme a eu un retentissement majeur sur son temps et une influence effective sur plusieurs générations. Sainte-Beuve en parlera comme d' "un coup soudain, un coup de théâtre et d'autel, une machine merveilleuse et prompte jouant au moment décisif et faisant fonction d'auxiliaire dans une restauration sociale d'où nous datons".

Et Mme Hamelin, dans ses Souvenirs, écrivait :

"Ce jour-là, dans Paris, pas une femme n'a dormi. On s'arrachait, on se volait un exemplaire. Puis quel réveil, quel babil, quelles palpitations ! Quoi, c'est là le christianisme, disions-nous toutes ; mais il est délicieux.".

La réception enthousiaste du livre ne doit pas éclipser la profondeur et la durée de son impact sur la société française dans ses manières de penser le divin et de croire sur fond de déchristianisation galopante. Aujourd'hui, que nous dit Le Génie du christianisme ? Que Dieu est dans tout, dans la pléthore comme dans le manque. La nature dit d'évidence qu'il est, à travers la beauté désarmante des paysages d'où il s'est retiré. Le coeur le dit tout aussi nettement, dans l'impossible possession de l'objet de son désir. Dieu n'apparaît jamais mieux que dans le vide laissé par son absence, explique Chateaubriand.

Cette idée a-t-elle cessé de nous parler ? Si oui, le Génie nous est devenu totalement illisible. Sinon, le Génie nous demeure accessible :

"C'est le pari que nous faisons dans ce livre écrit sous l'emblème de l'abeille qui sait d'instinct où elle doit chercher sa nourriture et qui sait transformer son regard pour faire son miel de ce que le passé lui présente."

Du Grand Dictionnaire universel du XIXème siècle, par Pierre Larousse :

1. Le Génie du christianisme est l'ouvrage dogmatique de Chateaubriand. Lui-même en résume ainsi la pensée :

"De toutes les religions qui ont jamais existé, la religion chrétienne est la plus poétique, la plus humaine, la plus favorable à la liberté, aux arts et aux lettres. Le monde moderne lui doit tout, depuis l'agriculture jusqu'aux sciences abstraites, depuis les hospices bâtis pour les malheureux jusqu'aux temples élevés par Michel-Ange et décorés par Raphaël. Il n'y a rien de plus divin que sa morale, rien de plus aimable, de plus pompeux que ses dogmes, sa doctrine et son culte; elle favorise le génie, épure le goût, développe les passions vertueuses, donne de la vigueur à la pensée, offre des formes nobles à l'écrivain et des moules parfaits à l'artiste."

L'ouvrage entier n'est que le développement de cette théorie...

2. ..."Jamais, dit M. Villemain, jamais livre ne vint plus à propos, ne fut mieux secondé par les influences les plus diverses, par la politique, par la foi naïve, par le calcul ou la passion des esprits les plus opposés." En effet, son apparition coïncida avec le grand événement du concordat. Necker a dit à propos de cet ouvrage "que le plus mince littérateur en corrigerait aisément les défauts, et que les plus grands écrivains en atteindraient difficilement les beautés."...

3. ...M. Guizot apprécie ainsi l'oeuvre de Chateaubriand :

"M. de Chateaubriand et le Génie du christianisme ont droit à la même justice. En dépit de ses imperfections religieuses et littéraires, le Génie du christianisme à été, religieusement et littérairement, un éclatant et puissant ouvrage; il a fortement remué les âmes, renouvelé les imaginations, ranimé et remis à leur rang les traditions et les impressions chrétiennes. Il n'y a point de critiques, même légitimes, qui puissent lui enlever la place qu'il a tenue dans l'histoire religieuse et littéraire de son pays et de son temps..."

Par haine de nos Racines et de la Religion, la Révolution a délibérément détruit entre le quart et le tiers de notre Patrimoine (tous domaines confondus) : en plus de son impact intellectuel et moral, que l'on vient de voir, Le Génie du Christianisme est à l'origine - avec le Notre-Dame de Paris de Victor Hugo - de ce puissant mouvement d'intérêt et de sympathie envers nos monuments qui se manifesta, tout au long du dix-neuvième siècle, et qui devait culminer avec les restaurations tous azimuts des Viollet le Duc, Lassus et autres...

1883 : Création de Lakmé, de Léo Delibes, à l'Opéra de Paris

Claude monet superstar au Grand Palais en 2010

2022-11-14T16:04:00+01:00

Claude Monet - Femme au jardin, 1867, Musée de l'Érmitage, Saint-Pétersbourg

De nombreux amateurs d’art se souviennent encore de l’exposition Claude Monet qui a battu des records de visiteurs au Grand Palais en 2010. J’y étais. Près de 200 toiles du chef de file du mouvement impressionniste étaient réunies. La Réunion des musées nationaux voulait un catalogue à la hauteur de la manifestation. Le résultat est superbe, relié sous jaquette, 385 pages. Un pavé ! Difficile à lire s’il n’est pas posé à plat !

Je prépare un travail d’écriture sur la première femme du peintre, la douce et discrète Camille. Je ressors donc ce gros catalogue et, surprise, je m’aperçois qu’il n’a pas été remarqué sur Babelio. Je me devais de faire quelque chose, d’autant plus que son prix actuel, lorsque l’on ne craint pas le poids, est particulièrement attractif pour ce très beau livre d’art présenté sur papier mat. Les toiles que j’avais admirées dans le musée m’apparaissent en très grand format, impressionnantes.

La plupart des tableaux connus par les admirateurs de Claude Monet sont présents. Curieusement, j’ai lu par ailleurs plusieurs critiques sur la mauvaise qualité des reproductions contenues dans le catalogue. Je le feuillète consciencieusement. Désolé pour les grincheux, mais nous ne devons pas avoir le même livre ! Toutes les toiles que j’admire depuis longtemps sont de qualité et les commentaires sont bien rédigés.

Claude Monet – Impression soleil levant, 1872, Musée Marmottan, Paris

La star de l’impressionnisme « Impression, soleil levant », qui n’était pas dans l’exposition, est bien dans le catalogue avec son soleil orangé se reflétant dans l’eau du port du Havre. Monet le guettait de sa chambre d’hôtel face au port très tôt le matin.

Claude Monet – Nymphéas (détail), 1906, Art Institute of Chicago

Les magnifiques « Nymphéas », sur une double page intérieure, correspondent bien à ma vision des immenses panneaux regroupés dans les salles du musée de l’Orangerie à Paris. Monet avait promis à son ami Georges Clemenceau d’en faire don à la France après sa mort en 1926. Des explications claires et détaillées accompagnent chaque panneau. L'harmonie picturale des fameux « Nymphéas » est bien présente : symphonie des couleurs, saules pleureurs trempant dans l'onde, reflets des nuages et éclats du soleil primesautier, vibrations des feuillages dans l'eau troublée par le vent, lumière volage. Les yeux fatigués de Monet fouillaient inlassablement l’horizon liquide : la ligne d’horizon était supprimée, la perspective disparaissait, les formes se dissolvaient. Seul Monet était capable de rendre ce fouillis aquatique de façon aussi réaliste, souvent proche de l'abstraction.

Claude Monet – La Femme à la robe verte, 1866, Kunsthalle Museum, Bremen

Camille m’apparait, magnifique dans « La Femme à la robe verte ». Une expression coquette emplit son beau visage. Sa longue robe trainante à bandes noires et vertes s’écroule en larges plis souples. Dans « La Capeline rouge », sa capeline vermillon sur la tête la fait ressembler à un père Noël. Assise dans l’herbe sous les lilas, « La Liseuse » se confond dans la végétation, sa robe rose est parsemée de paillettes de lumière.

Claude Monet – La Grenouillère, 1869, Metropolitan Museum of Art, New York

Les éblouissants reflets sur la surface ridée de l’eau de la « La Grenouillère » sont composés de larges touches de couleurs pures, bleus cernés de noirs, soulignés de minces trainées de jaunes et de roses. Les taches colorées lumineuses se disloquent en touches géométriques brisées s’encastrant les unes dans les autres comme une mosaïque.

Claude Monet – Cathédrale de Rouen, 1874, National Gallery of Art New York

Les séries peintes à partir des années 1890 sont un gros travail fait par Monet pour montrer des meules, peupliers et cathédrales. Tout au long de la journée, il les étudie, sous différents angles, à différentes heures de la journée. Une belle double page intérieure montre les « Cathédrales de Rouen », que Monet peignait face à la cathédrale. Au fur et à mesure de l’avancement du soleil, il changeait de toile, guettant la moindre modification de lumière sur les vieilles pierres.

Claude Monet – Les dindons, 1877, Musée d’Orsay, Paris

Les fabuleux « Dindons », immenses, se promènent toujours en toute liberté dans le grand parc. Montrer des animaux de basse-cour n’était pas recherché par les clients lorsque Monet les peint. Lumineux, le soleil accroche leurs plumages blancs teintés d’un jaune clair somptueux par endroit et d’un étonnant rose pointillant les contours.

Quel plaisir de revoir ces toiles ! Monet reproduisait toute cette beauté qui l’entourait. « Regarde la nature et peins ce que tu vois, comme tu peux. », donne-t-il comme unique conseil à Blanche, sa belle-fille, qui plante souvent son chevalet à ses côtés.

Les grincheux auront tort, car, à part quelques toiles moins bien présentées, je n’ai vu que d’excellentes reproductions qui font de ce catalogue un des plus beaux livres d’art consacré à l’œuvre de Claude Monet.

Cela ferait un magnifique cadeau qui trouverait facilement sa place au pied du sapin de Noël. Ne surtout pas l’accrocher sur ses branches…

Exposition El Greco.

2020-02-09T17:26:44+01:00

Visite de l'exposition Le Greco. Hors le fait qu'il y avait trop de monde, j'ai apprécié le travail de l'artiste. Voici quelques réflexions.

El Greco

Le statut de l’artiste

Le peintre d’icônes était considéré comme un artisan (statut de labeur) et non comme un représentant des arts libéraux (génie créateur). Les peintres vénitiens avaient obtenus le statut d’artistes libéraux depuis peu.

À Tolède, El Greco est confronté au statut d’artisan. Demandant un tarif important pour le paiement, il a souvent dû porter le différent devant la justice. Le commanditaire précisait lors du contrat ses souhaits (type de tableau, couleur, format,…). Le premier paiement correspondait à l’achat des produits pigments, support, enduit, médium… ; le second intervenait en cours de réalisation. Il y avait un suivi du tableau afin de vérifier s’il correspondait à la commande. Puis à l’aboutissement du tableau, le commanditaire et l’artiste nommait chacun à un évaluateur. S’il y avait une divergence entre les deux évaluations, un arbitre était nommé, mais parfois l’affaire était portée devant la justice. Le paiement dans ce cas était reporté, les procédures pouvant s’éterniser au point que l’artiste ne soit pas payé.

Les divergences reposaient sur le coût du tableau, le temps passé, le savoir-faire, le travail iconographique et catéchétique. El Gréco pouvait avoir un succès artistique mais suite aux procédures, il avait du mal à trouver des commandes auprès des institutions religieuses importantes.

El Greco a choisi l’art religieux et le portrait comme sujets principaux. Le choix des thèmes est limité, il dépend des commanditaires et donc de la mode de l’époque.

L’art religieux lui permettait d’exprimer sa pensée théologique, et sa vision de la peinture. El Greco avait une haute opinion de la valeur de son art par lequel il voulait exprimer sa vision théologique. La peinture de portraits lui donnait la possibilité de souligner sa faculté à montrer le caractère de ses personnages, ainsi que la position sociale des personnes peints par son sens du détail (livres, vêtements, éléments symboliques…) et par la composition.

Saint Luc peignant la vierge offre au Greco un prétexte idéal pour discourir sur le rôle du peintre comme créateur d’image aidé par le Divin. La sainte Véronique avec le Saint Suaire, vraie icône, légitime encore davantage la fabrique des images dans la mesure où c’est le Christ lui-même qui l’avait produite. Cette icône nous montre le génie d’El Greco.

Importance de la vision religieuse, importance du concile de Trente, lutte entre Réforme/Contre-Réforme.

Concile de trente décembre 1945 - décembre 1563

Les protestants refusent les représentations des saints, ….

Pour les orthodoxes, les icônes sont destinés à la prière.

« L’icône est un langage, qui tente, au moyen de signes, d’exprimer la même vérité que la Parole sacrée. » Daniel Rousseau auteur de L’icône, splendeur de ton visage .

Les catholiques après le concile de Trente vont réglementer l’iconographie des peintures. La peinture est là pour professer les concepts de la religion, c’est un catéchisme. Elle est également là pour favoriser la prière objet de culte pour une clientèle riche. Cette peinture prend la forme de petits tableaux de dévotion dont la réalisation est supervisée par l’Inquisition. Pour les orthodoxes, l’icône elle-même est prière, tant pour celui qui peint que pour celui qui est devant l’icône. La peinture d’icône est un chemin d’accès à la transcendance.

Lors de la Renaissance, après la redécouverte de l’art antique et de ses codes, la représentation humaine devient plus naturaliste et descriptive. El Greco va utiliser des critères de peinture de la Renaissance en particulier en utilisant dans son iconographie les sculptures de Michel-Ange, les peintures du Titien, du Tintoret, de Bassano, … et les gravures qui circulent d’un pays à l’autre donnent connaissance des réalisations des artistes d’autres régions.

Dans le contexte de la Contre-Réforme, on revient sur l’importance de l’image en insistant sur le fait que si elles sont censées susciter la dévotion, elles ne doivent en aucun cas risquer d’être confondues avec ce qu’elles représentent afin que l’icône ne devienne une idole. La peinture se fait catéchétique, enseignement des dogmes de l’église, plus que chemin vers Dieu.

Dans le statut de l’artiste, la peinture de portrait est d’un statut inférieur à la peinture d’histoire à Rome ; si l’acquisition de peintures est faite par la hiérarchie de l’Église ou par la Cour cela permettra d’obtenir de prix élevés. Quand Le Greco peint des portraits ce n’est donc pas comme nous pourrions l’imaginer une peinture reconnue de grande valeur.

Passage de la peinture d’Icône à la peinture de la Renaissance italienne.

L’icône est une peinture religieuse du monde orthodoxe avec des contraintes nombreuses, liées à la question de l’autorisation de l’image, de la symbolique. Le cadre spatial est plus divin qu’humain. Les peintres d'icône avaient pour but d'incarner le monde de l'esprit dans leur art, et cette approche sera celle du Greco dans toute sa carrière. Dans but, les peintres d’icône vont utiliser entre autres des moyens techniques : fond d’or, matière inaltérable qui dit la lumière divine, passage de l’ombre à la lumière en commençant par les couleurs foncées pour les éclaircir petit à petit, jusqu’à la lumière blanche, perspective souvent inversée, symbolique de la couleur, des attributs, de la composition.

Une très belle collection d’icônes, dont les Créto-Vénitienne sont à voir dans la collection permanente du Petit Palais. Il y a également des icônes au Louvre.

El Greco avait une connaissance de la peinture vénitienne de son temps par le truchement des reproductions, en particulier des gravures. On peut le voir dans l’icône « St Luc peignant la Vierge ». La position de l’ange au-dessus de St Luc est un mouvement de l’art italien du XVe siècle. L’introduction de la présence de St Luc peignant est une représentation de l’homme plus que de l’évangéliste.

L’icône est une peinture à l’œuf sur panneau de bois. En Italie, les peintres peignent à l’huile sur toile ou réalisent des fresques. Arrivé à Venise, El Greco apprend la technique de l’huile, par contre il n’apprend pas la fresque, ce qui lui supprima des possibilités de contrats. Il découvre également la pensée autour de la représentation de l’homme. La Renaissance a quitté la représentation d’une Vierge hiératique, dans un espace dont on ne sait pas bien où est la terre, où est le ciel…

Il y a le passage de la peinture à l’œuf, à la peinture à l’huile. À l’œuf la peinture est plus couvrante que les glacis de peinture à l’huile. L’artiste commence par préparer son support en blanc, on met en place le dessin, puis la couleur. On part de l’ombre pour aller vers la lumière, les valeurs sont données par couches successives. Les couleurs sont posées en aplat le plus net possible. La lumière vient de l’intérieur de l’œuvre et non de l’extérieur.

À l’huile l’artiste peut travailler les dégradés, les fondus, avec plus de finesse et grâce au temps de séchage plus long, il peut travailler directement sur la toile. Le Greco pourra développer une touche rapide, en glacis ou riche en matière et ainsi créer des modelés plus subtils.

Les pigments sont les même quelques soit la technique, par contre leur utilisation n’est pas tout à fait la même, par exemple l’utilisation de l’or (symbole du divin dans les icônes), que l’on n’utilise pas à l’huile, peut-être pour des raisons techniques. Les mélanges ne sont pas les mêmes. Les questions chimiques sont importantes, certaines couleurs ne peuvent être mélangées entre elles, d’autres créeront des réactions chimiques avec les liants, mais cela est au-delà de mes compétences.

Parallèlement à l’utilisation de l’huile, il y a aussi l’évolution du support avec les châssis et la toile. La peinture à l’œuf est souvent délicate avec de petits pinceaux, on peut voir qu’El Greco travaille avec de gros pinceaux lui permettant de travailler avec de geste large. Il y a aussi la préparation du fond en rouge comme sous couche pour l’huile.

Utilisation de reproductions de toiles de maîtres en gravure, utilisation des sculptures comme modèle de composition, de positionnement des personnages, de leur mouvement. Utilisation des livres qui permettaient de voir certaines reproductions. Le Greco avait une collection de petites sculptures en terre et en cire, certaines réalisées par lui-même. Cette pratique était courante, le Tintoret le faisait à Venise.

Dessin

En grec dessin signifie plan projet.

Le Greco compare l’apprentissage du dessin à celui de la grammaire ou plus généralement de la langue, soulignant l’effort et l’application constante que requiert sa maîtrise. Le dessin permet de mettre au point et d’affiner ses propres instruments d’expression. Le dessin revît un rôle fonctionnel et non conceptuel. Le processus créatif est dans la peinture. En peinture le Greco procède sans repentirs, dessins, sans cartons. La peinture est son propre modèle (ce qui expliquerait les nombreux petits formats, ricordos, servant de catalogue présents dans son atelier), et se réinvente au fil des reformulations.

La pratique de composer ses toiles directement sur la toile au pinceau l’avait acquise à priori à Venise, comme le faisait déjà Giovanni, Bellini le Tintoret. Cette technique amenuise le caractère linéaire et abstrait de la peinture si chère à l’école florentine. Cela correspond à la « guerre » entre Vénitiens contre Florentins et Romains. Comme on peut le voir par la suite en France entre les partisans du dessin Ingres et les partisans de la couleur Delacroix.

Dans l'adoration des mages de 1579 nous pouvons voir la capacité du Greco à manier l'huile. Dans la partie haute, on peut voir les glacis successifs, la finesse des glacis comme la matière du blanc, le geste du pinceau,

« Pensée de l’artiste » …

On ne peut séparer le génie d’un artiste du contexte dans lequel il exerce son art. Il y a la pensée des symboles, il y a les compositions que le peintre a connues car elles existaient au préalable. Les conventions de chaque époque. Il cherchera toute sa vie à combiner sa conception religieuse, sa vision de l’humain et sa haute opinion de l’art pictural, avec le principe de réalité « il faut gagner sa vie ».

Il choisit de traduire une peinture religieuse proposant une expérience mystique, dans un espace indéterminé. Sa peinture se veut messianique, cherchant à traduire l’invisible, l’indicible. La peinture italienne est plus catéchétique et vraisemblable.

Lorsqu’il peint les portraits il sera reproché au Greco de ne pas être assez ressemblant dans l’apparence du sujet. Il donne plus d’importance au rendu du caractère, à la force de la peinture qu’à l’idée que les personnes veulent rendre d’eux-mêmes. Sa touche enlevée, vigoureuse amène une disparition du détail.

La Renaissance avec la redécouverte de l’art antique, de la pensée grecque, va retrouver la « Mimesis », ou imitation de la nature. Le Greco choisi de traduire une vision intérieure personnelle du monde, influencé par sa connaissance du monde de l’icône orthodoxe.

Suite à une réflexion souvent entendue, j'ai regardé les mains peintes par Le Greco. Sur certaines nous retrouvons les mains telles quelles sont peintes dans les icônes. Nous pouvons également être étonnés de la forme de certaines mains, elles paraissent raides, mal construites, la question du réalisme n'est pas la même suivant les époques. Dans certaines compositions nous voyons comment la position des mains disent la relation entre les personnages.

Saint Pierre - Saint Paul

La sainte Famille

Marie-Madeleine

Cérémonie de couronnement du Grand Débat

2019-04-08T14:10:18+02:00

Forêt

2019-03-19T06:21:00+01:00

Dans la nef du Grand Palais (1897-1900), à Paris VIII,
photographie : juin 2018.

La nef vide

2019-03-18T05:56:00+01:00

La nef du Grand Palais (1897-1900), à Paris VIII,
photographies : juin 2018.

Frantisek Kupka

2018-04-17T21:56:00+02:00

Les histoires : Frantisek Kupka - le documentaire Arte - Kupka et la musique -

Les ziques : Le pieu - Venger la vie - J'ai perdu ma gigolette - Good understanding - Outlands - L'hymne des femmes.

Les expos : Gustave Loiseau au musée Camille Pissaro à Pontoise du 15 avril au 8 juillet - Gilles Bargel à la Chaudière - Kupka, pionnier de l'abstraction au Grand Palais - Delacroix au Louvre - Librairie Publico.

Hergé au musée

2017-01-14T14:25:00+01:00

Il ne reste plus que deux jours pour voir l’impressionnante exposition au Grand Palais consacrée à Hergé, objet également d'un catalogue complet (éd. Moulinsart et RMN).

Une manifestation sur Hergé ou sur Tintin ?

Il est vrai que la question mérite d'être posée, tant le créateur et sa créature sont indissociablement liés. Il est bon aussi de rappeler qu'aucun personnage de bande dessinée n’a eu autant d’impact que le jeune reporter à la houppe. Ses aventures – comme d’ailleurs celles de ses amis Haddock, Tournesol, les Dupondt, sans oublier le fidèle compagnon à quatre pattes, Milou – ont fait l’objet de pléthores d’ouvrages, d’essais, d’analyses, d’inspirations et d'exégèses dignes des plus grands génies, ce que, du reste, Hergé est.

Le dessinateur belge, né Georges Rémi en 1907 et décédé en 1983, est célébré au Grand Palais, à l’image de ces brillants artistes peintres qu’il admirait tant. Que de chemins parcourus depuis le gamin belge élevé dans la grande tradition catholique, gribouilleur dès l'âge de quatre ans et scout dans l'âme, jusqu'à ce créateur adulé et admiré, et qui est parvenu à faire de Tintin une figure mythologique et de la BD un des neuvième art !

L’exposition Hergé fait d’ailleurs une large part aux beaux-arts et, en particulier, à la peinture moderne et contemporaine. C’est d’ailleurs un aspect souvent oublié chez l’auteur du Secret de la Licorne (1943) : son amour et son admiration (parfois réciproque si l’on pense à Andy Warhol) pour les beaux-arts. Hergé voulait consacrer son dernier album, L’Alph Art (posth. 1983), que l’on ne peut lire qu’à l’état de story-board, à l’art contemporain. Outre la production d'affiches et de logos remarquables, domaine dans lequel le jeune Hergé excelle au début de sa carrière, ce dernier s’est également essayé lui-même à la peinture, dans des toiles honnêtes mais où ne ressortent pas le même lâcher prise, la même vie, le même enthousiasme et la même maîtrise technique que ses albums.

L’exposition Hergé, en entrant dans les secrets du créateur, montre aussi la sueur versée pour accoucher d'aventures calibrées au millimètre et maîtrisées à l'obsession. Hergé, c’est un horloger et un orfèvre capable de reprendre au crayon les traits d’un personnage jusqu’à en perforer la feuille. Les nombreuses planches originales présentées à Paris témoignent du chemin accompli entre les ébauches brouillonnes, énergiques, voire furieuses, du début jusqu’aux cases finales à la ligne claire, d'une perfection ahurissante.

Perfectionniste, Hergé l'est encore dans son travail de documentaliste, tant le dessinateur avait à cœur de donner à ses albums d'aventure un caractère réaliste – et quelle importance si les aventures de l'éternel jeune reporter se passent dans une Syldavie imaginaire (Le Sceptre d'Ottokar, 1939) ou bercent dans la science-fiction (On a marché sur la Lune, 1954) ! Si un objet pouvait illustrer ce travail de scénariste et documentaliste (mais aussi accessoiriste, décorateur, costumier, etc.), ce serait sans nul doute une petite statuette péruvienne en bois de la culture Chimù (1100-1400 ap. JC). C'est celle-là même qui a servi de modèle pour L'Oreille cassée (1937). Nous sommes au tournant des années 30 et Hergé, qui impose déjà son style et ses personnages (Haddock, Tournesol ou La Castafiore ne sont certes pas encore là), démontre déjà à la fois son goût pour les arts (premiers, ici) mais aussi pour un sens du réalisme capable de séduire autant les enfants que les adultes.

Cette approche universelle, Hergé l'a acquise à la faveur d'une rencontre phare : celle de Tchang Tchong-jen, un jeune étudiant chinois présenté à Hergé lors de la conception d'un de ses chefs d'œuvre, Le Lotus bleu (1936). Cet album phare, dédié à l'amitié et à l'entente entre les peuples, fait véritablement de Tintin le jeune héros au cœur pur et à l'altruisme exemplaire qu'il ne perdra plus. Tchang, double chinois d'Hergé, réapparaît plus tard dans l'autre ouvrage majeur du dessinateur belge : Tintin au Tibet (1960). Cet album emblématique, le plus personnel sans doute d'Hergé, est commenté dans la vulgate tintinesque comme un livre psychanalytique, conçu pendant une éprouvante période dépressive de son auteur. L'aventure du journaliste à la houppe, à la recherche de son ami Tchang dans les paysages blancs du Tibet après un accident d'avion, renvoie à une quête personnelle de son auteur, avec, en ligne de mire, son ami de toujours, Tchang, qu'il ne reverra qu'à la fin de sa vie.

Suit, dans la production du dessinateur belge, un album diamétralement opposé mais tout autant important, Les Bijoux de la Castafiore (1963). Tintin, après avoir parcouru en long et en large la terre entière – et même la lune –, fait l'objet d'une aventure en huis-clos, entre les murs de Moulinsart. Ici, pas d'enlèvements, pas de crimes, pas de malfaiteurs, pas de Rastapopoulos et pas de voyages épiques. Presque rien : tout juste une entorse au pied du capitaine Haddock, la visite impromptue à Moulinsart de la chanteuse lyrique Bianca Castafiore, des romanichels accueillis au château, des bijoux égarés et quelques secrets, pour ne pas dire des cachotteries. Dans Les Bijoux de la Castafiore, Les héros d'Hergé jouent une comédie humaine drôle, virevoltante, mais également d'une grande profondeur humaniste. Ce qui s'apparente au repos des héros Tintin, Milou et Haddock est en réalité une mise en scène audacieuse et comme apaisée de l'univers d'Hergé, après l'album du tourment intérieur qu'était Tintin au Tibet.

Hergé, graphiste génial et passionnant raconteur d'histoire est un humoriste à la grandeur d'âme universelle que des albums controversés comme Tintin au Pays des Soviets (1930) ou Tintin au Congo (1931) ne parviennent pas à relativiser. Hergé est surtout cet artiste, auteur d'une œuvre profonde et personnelle : "Tintin (et tous les autres) c'est moi, exactement comme Flaubert qui disait : « Madame Bovary c'est moi : » Ce sont mes yeux, mes poumons, mes tripes ! Je crois que je suis le seul à pouvoir l'animer dans le sens de lui donner une âme. C'est une œuvre personnelle au même titre que l'œuvre d'un peintre ou d'un romancier. Ce n'est pas une industrie ! Si d'autres reprenaient Tintin ils le feraient peut-être mieux, peut-être moins bien. Une chose est certaine, ils le feraient autrement et, du coup, ce ne serait plus Tintin."

Exposition Hergé au Grand Palais, Paris, jusqu'au 15 janvier 2017
Hergé, Catalogue d'exposition, éd. Moulinsart, RMN, 2016, 304 p.
"Bla Bla Blog s'est fait insulter par le Capitaine Haddock"
http://fr.tintin.com/herge

HERGÉ (ET TINTIN) S'EXPOSENT !

2016-11-20T08:26:00+01:00

Exposition au Grand Palais à Paris, albums, ouvrages… Tintin et Hergé sont incontestablement les stars de cet automne !

C’est la consécration pour Hergé (de son vrai nom Georges - Prosper - Remi), le dessinateur et auteur de bandes dessinées belges au succès planétaire !

Autodidacte et curieux, Hergé s'est passionné pour le dessin dès son plus jeune âge. Il a dévoré les romans d’aventures, les histoires illustrées et les bandes dessinées de l’époque venues de France et des États-Unis.

Devenu un dessinateur aguerri, il va être le créateur de plus de 300 personnages inoubliables comme Tintin, Milou, le capitaine Haddock, le professeur Tournesol ou encore la Castafiore.

Tous ces personnages ainsi que son univers sont à l’honneur de la grande exposition dans les galeries nationales du Grand Palais à Paris qui lui est dédiée.

Considéré par certains comme le «père de la bande dessinée européenne», Hergé a influencé des générations de dessinateurs grâce à l’invention de la «ligne claire». Côtés ventes, le bilan est élogieux ! Hergé a vendu 250 millions d’albums à travers le monde. Les Aventures de Tintin ont été traduites dans plus de 100 langues ou dialectes.

Au fur et à mesure des publications (De la Terre à la Lune, On a marché sur la Lune, L’affaire Tournesol, Coke en stock, Tintin au Tibet) Hergé est devenu, avec Tintin, une vedette mondiale.

Aujourd’hui, le couple Tintin-Hergé est devenu indissociable. Et l’œuvre du créateur est disséqué à l'envi. Outre cette grande (et belle) exposition, nombres de livres et de films ont été fabriqués.

DES LIVRES Le Lombard et les éditions Moulinsart viennent de publier La Grande Aventure du journal Tintin.

Un gros pavé de 777 pages pour célébrer les 70 ans du journal qui a fait rêver des générations de lecteurs, grâce à Tintin, Alix, Michel Vaillant, Blake et Mortimer, Ric Hochet, Bob Morane, ou encore Thorgal.

Chez Casterman, Tintin en version Feuilleton continue avec un 7ème tome, tandis que L’Affaire Tournesol reparaît en édition anniversaire avec une sur couverture en plexiglas découpé.

Hergé est également à l'honneur avec la parution du catalogue de l’exposition au Grand Palais, une nouvelle édition, augmentée et révisée, du portrait Hergé intime, de François Rivière et Benoît Mouchart (chez Robert Laffont), ainsi que le Dictionnaire amoureux de Tintin d’Albert Algoud chez Plon. Enfin, l’archiviste des Studios Hergé, Dominique Maricq, propose un Hergé et compagnie chez Découvertes Gallimard.

LES FILMS Gedeon Programmes, en coproduction avec Moulinsart SA et la RTBF, vient de terminer un portrait d’Hergé intitulé «Hergé, à l’ombre de Tintin», réalisé par Hugues Nancy pour Arte à l’occasion de l’exposition cdu Grand Palais. Ce documentaireretrace l’histoire d’Hergé qui restera à jamais dans l’histoire de l’art comme le génial inventeur de Tintin, sorte de double dessiné de son créateur. Un DVD du film sortira également en octobre aux éditions Arte/RMN- Grand Palais/Moulinsart

Visuels © Hergé / Moulinsart SA / RMN-Grand Palais - 2016

EN SAVOIR +
Hergé, le créateur et dessinateur de Tintin et Milou, s’installe jusqu'au 15 janvier 2017 dans les galeries nationales du Grand Palais à Paris. Infos, tarifs et réservations sur http://www.grandpalais.fr/fr/evenement/herge

Bla Bla Blog s'est fait insulter par le capitaine Haddock

2016-10-26T00:00:00+02:00

Oui, vous avez bien lu : le bloggeur s’est bien fait insulter par le capitaine Haddock, comme le prouve la capture du message adressé au compte Twitter de Bla Bla Blog !

Le responsable en est le compte Twitter du Capitaine Haddock : https://twitter.com/CaptHaddock. Il a été créé à l’occasion de l’exposition sur Tintin au Grand Palais, visible jusqu'au 15 janvier 2017. Les personnages d’Hergé sont en effet mis à l’honneur sur plus de 2000 m².

On doit aux organisateurs de cet événement l’idée canaille et interactive de donner la parole au capitaine au long cours, adepte de jurons aussi variés qu’originaux.

Pour se faire insulter par Haddock, il suffit, sur Twitter, de taper le hashtag #capitaineHaddock à tagger sur le fameux compte de l'ami de Tintin : @CaptHaddock_.

Et accessoirement, on se précipite tous découvrir l’univers d’un génie du 9e art, au Grand Palais.

Exposition Hergé, Grand Palais, Paris, du 28 septembre au 15 janvier 2017
https://twitter.com/CaptHaddock

UNE ODE AUX CONQUÉRANTS DES AIRS

2016-03-21T12:14:00+01:00

100 ans d'exploits aéronautiques au Grand Palais de Paris. Un spectacle supersonique en nocturne du 9 au 14 avril prochains.

C'est au cœur de la capitale et l'imposante nef du Grand Palais dans lequel avait été présenté à la ferveur des foules le premier aéronef que va se dérouler ce «spectacle supersonique à 360°» dixit Bruno Seillier.

Le créateur de la Nuit aux Invalides et des Luminessences d’Avignon va ainsi abuser (au bon sens du terme) des technologies derniers cris, d'images d’archives, de séquences d’avions en vol et d'effets spéciaux pour raconter 100 ans d’exploits aéronautiques.

Du vol des frères Wright aux drones du 21ème siècle, via les héros de l'aéropostale ou de l'aéronavale, un bel hommage en perspective à déguster in situ.

EN SAVOIR +
«La conquête de l'air, l’épopée Dassault, une aventure française», rendez-vous au Grand Palais à Paris du 9 au 14 avril prochains avec 2 séances chaque soir. Infos, tarifs et réservations sur www.conquetedelair.com

BILAN MITIGE D’UNE OEUVRE PARTICIPATIVE D’UNE ARTISTE DE VANVES A SOLUTIONS COP21

2016-02-03T05:00:00+01:00

Rappelez-vous, c’était voilà deux mois, la COP 21 avec tous ces événements qui l’accompagnaient comme « Solutions COP21» au Grand Palais à laquelle une vanvéenne a participé, Véronique Le Mouël avec ses 9 isoloirs tricolores dans lesquels les visiteurs prenaient le temps de réfléchir, écrire, dessiner … sur un bulletin qu’ils mettaient dans une urne. Après avoir répondu à une question simple : « qu’est-ce que je fais pour lutter contre l’effet de serre dans ma maison, dans mon travail, dans mon quartier, dans mes déplacements, dans mes loisirs, dans l’imaginaire ». Cette œuvre participative était, de surcroit bien située au centre, dans un espace de dialogue, entre l’entrée et une grande scéne – « J’ai eu la chance d’avoir cette place là qui m’étonne encore mais témoignait de l’intérêt des organisateurs pour qu’il y ait cette interaction avec le public » - Malheureusement à cause de l’Etat d’urgence suite aux attentats, la fréquentation a été moindre que prévue, les écoles-colléges et lyces ne s’étant pas déplacés.

Véronique Le Mouël a eu le temps de dépouiller tous ces bulletins depuis, étonnée que les gens prennent du temps pour répondre et réfléchir. 700 bulletins ont été remplis en 7 jours, soit une centaine par jour dépouillé en présence du public, et affichés. « En fonction des thématiques, nous avons eu des choses plus ou moins intéressantes : Avec « dans ma maison », on retrouve des éco-gestes que l’on connait, que les gens s’approprient plus ou moins. Certains ont fait des listings assez détaillés de tout ce qu’ils font. Et on s’aperçoit qu‘il y a beaucoup de gestes à faire dans le quotidien dans sa maison, comme mieux isoler, réguler la température, installer sur son toit des panneaux solaires, récolter l’eau de pluie et faire des gouttières, avec même le dessin d’un système. Il y avait des choses plus intéressantes et imaginatives ou des engagements plus originaux, dans son travail, dans son quartier et un peu dans son loisirs, assez classique dans mes déplacements avec la marche à pied, les transports en commun, mais aussi étonnantes et surprenantes lorsqu’on lit des gens hésitent à prendre à l’avion pour aller voir leur proche à l’autre bout de la terre, parce que c’est consommer du CO2. Pas mal de gens s’engage dans les associations ou sur le plan professionnel pour agir dans leur quartier ou dans leur travail, avec des propositions de taxes pour lutter contre des abus, des systèmes de compostages, développer le bio carburant, la voiture à hydrogéne, multiplier les bibliothéques. Dans mon imaginaire, là on trouve des choses intéressantes sur le développement durable qui invitent à une vision complétement « fleur bleue » de l’avenir de la planéte, avec parfois l’idée de se concentrer sur une sujet : sauver des manchots en antarticque, inventrer la machine à aspirer la pollution, construire autrement et différemment... Un enfant a même écrit « pourvu qu’il y ait encore de la neige ! ». Preuve que même les enfants sont conscient de ce changement climatique et que le monde qu’il connait aujourd’hui est en train vraiment de changer » raconte t-elle en étant consciente que « dans l’enceinte du Grand Palais, nous avions un public un peu concerné, mais pas plus que cela »

A ses yeux, c’est toujours une aventure d’aller à la rencontre du public et de l’inviter à témoigner, à participer à une œuvre. « J’étais agréablement surprise puisque ce que j’attendais de ce temps de rencontre, c’était que l’installation leur donne envie de prendre le temps de réfléchir à ce sujet tous les jours. J’en retiens deux choses : le public a des choses à dire, des idées, des propositions, et fait des choses. Par contre, personne ne s’est vraiment intéressé à cette installation et sur ce que le public proposait. J’en suis sidéré ! Et je ne le comprends pas ! Je suis profondément déçu du manque d’intérêt des entreprises qui étaient présentes, des politiques qui sont venus faire un tour come F.Hollande et Thierry Mandon ». Mais il n’y a pas quelqu’un qui est venu la voir pour donner une suite à ce travail ! Qu’à cela ne tiennne, elle a décidé de le faire elle-même, dans un autre contexte, en exposant, en valorisant certaines choses dans ce qui a été proposé et écris : « Je voudrais afficher dans un lieu culturel pour garder la dimension artistique du projet et dire que le développement durable par une action artistique laisse une possibilité d’expression du public qui est riche, qui est à prolonger et à valoriser. Ainsi la prochaine étape pourrait être une exposition où on va présenter d’une manière très esthétique mais aussi très informative, le résultat de cette inter-action avec le public au Grand Palais. Et monter des ateliers créatifs pour mettre en œuvre des idées, et permettre aux gens d’aller plus loin. Il faut que la société civile s’approprie et fasse des choses exprimées par le public pour inciter à faire cela dans son quartier, chez soi ou dans ma commune…. »

VANVES DANS LE CREUX DE L’OREILLE

2015-12-10T05:00:00+01:00

SOLUTIONS COP 21 : DES ISOLOIRS ARC EN CIEL

Depuis Vendredi, les 12 isoloirs de Véronique Le Mouel, artiste Vanvéenne sont installes à une extrémité de l’espace forum de Solutions CP21, l’exposition des solutions pour changer d’époque, entre la grande scène et l’entrée du Grand Palais, c’est-à-dire au cœur de cette manifestation très fréquentée. Beaucoup de visiteurs remplissent ces bulletins papiers de couleur à partir de 6 thématiques - Dans ma maison, mes déplacements, mon travail, mon quartier, mon imaginaire... – pour indiquer leurs actions concrètes ou leurs projets, pour contribuer à lutter contre l‘effet de serre avant de le mettre dans une urne, grand cyclindre de 1,10 m de haut, transparent. Certaines propositions sont affichées et mises en avant sur un panneau ou derrière les isoloirs avec quelques dessins : « Aujourd’hui, jour d’élection, nous avons reçu des bulletins papiers à notre domicile. Les mêmes papiers nous attendaient dans les bureaux de vote…Simplifions cela ! Un seul suffit ! » écrit un électeur en ajoutant : « Coupe Davis en Gadeloupe et transport de terre battue en plein COP 21 ! Quand réfléchissons nous vraiment ? » ; «Je prends l’apéro avec les voisins en consommant local » avec entre parenthèse « Beaujolais bio » ; « Je ne vais pas trop manger de Nutela » a écrit un enfant ; « Je renonce à prendre l’avion pour voir ma famille qui habite à 10 000 lieux (depuis 7 ans). Mais je ne sais pas combien de temps je vais tenir ! »

ELECTIONS REGIONALES : UN NOUVEAU COMMENTAIRE

« Dimanche, malgré une abstention en Ile-de France de plus de 54%, Valérie Pécresse arrive en tête de ce premier tour des élections régionales avec 30,51 % des suffrages exprimés, soit 5 points de plus que son opposant socialiste, Claude Bartolone. Au regard des autres régions de France, le Front national a été contenu, se plaçant ainsi en 3ème position. Son score (18,41%) lui permet malgré tout de se maintenir au second tour » constate Isabelle Debré (LR) vice Présidente du Sénat qui était présent hier soir au meeting de Valérie Pécresse à Issy les Moulineaux où Gérard Larcher président du Sénat et du Comité de Soutien l'a salué. « Les Hauts-de-Seine ont largement voté pour la liste de Valérie Pécresse, son score atteignant 39,64% des voix. A Vanves, elle bénéficie du même soutien et d'une large confiance des électeurs, recueillant 35,1% des voix, la liste socialiste 29,8% et le Front National 10,6%. La participation y a été nettement plus forte qu'au niveau régional (53%), les vanvéens faisant preuve, une fois encore d'un grand sens civique ».

PRIX TERRITORIA

« L’intérêt de ce prix Territoria, est de mettre en avant des actions portées par des élus locaux, des actions innovantes pour lesquelles l’argent public est bien utilisé et qui peuvent être dupliquées dans d’autres collectivités. C’est très important aussi de reconnaître et de valoriser le travail des élus locaux qui sont rarement sur le devant de la scène » constatait Isabelle Debré, Vice Présidente du Sénat et Sénateur de Vanves à l’occasion de la remise de ceprix notamment à trois viles des Hauts de Seine : Puteaux, Courbevoie et Suresnes pour des actions innovantes dans des catégories importantes comme le service aux personnes, le développement durable, le pilotage et la citoyenneté.

ROSIER ROUGE : UNE EXPOSITION SUR LA SANTE

Le Rosier Rouge accueille actuellement une exposition sur le thème de la santé organisé par le pôle Santé des Cités du Secours Catholique dont cet établissement fait partit, et financé en partie par l’ARS (Agence régionale de la Santé). Chacune a demandé à ses résidents de répondre à la question « c’est quoi la santé pour vous ? » et d’inscrire leurs réponses sur un tableau. Et ce sont des tableaux qui sont présentés dans la salle de séjour du Rosier Rouge. « Ce pôle santé permet l’accés aux soins des personnes que l’on accueille dans nos cités. Il met aussi en oeuvre des actons très diverses comme un bus dentaire, un potager avec tout un travail sur l’équilibre alimentaire, la prévention des addictions, une journée sans tabac à l’occasion de la journée mondiale » indiquent Sylvie Stein directrice et Aurélie Benoît référent Rosier Rouge pour le pôle Santé, pour lesquels ce genre d’initiative est important pour bien montrer ce qui est fait par l’ensemble de ces cités. « Le Rosier Rouge a ainsi organisé une action sur le bien être avec un atelier sophrologie, car le bien être essentiel aux parents que nous accueillons ici pour accompagner leur enfant malade à l’hôpital. Nous avons pour projet un atelier « massage bébé » pour apprendre les bons gestes aux mamans ».

2/2 - Elisabeth Vigée Le Brun : Souvenirs

2015-10-22T07:41:00+02:00

J’ai toujours vécu fort modestement. Je dépensais extrêmement peu pour ma toilette : on me reprochait même trop de négligence, car je ne portais que des robes blanches, de mousseline ou de linon.

Elisabeth Vigée Le Brun – Portrait dit “aux rubans cerise”, 1782, Kimbell Art Museum, Fort Worth

Si l’on doit peindre une gorge, éclairez-là de façon qu’elle reçoive bien la lumière ; les plus belles gorges sont celles dont la lumière n’est point interceptée, jusqu’au bouton qui se colore peu à peu à l’extrémité ; les demi-teintes qui font tourner le sein doivent être du ton le plus fin et le plus frais ; l’ombre qui dérive de la saillie de la gorge doit être chaude et transparente.

Elisabeth Vigée Le Brun – L’artiste exécutant un portrait de la reine marie-Antoinette, 1790, Galliera Degli Uffizi, Florence

J’espère terminer doucement une vie errante mais calme, laborieuse mais honorable.

1/2 - Elisabeth Vigée Le Brun : Souvenirs

2015-10-15T10:11:00+02:00

A cette époque de ma vie, j’étais laide. J’avais un front énorme, les yeux très enfoncés ; mon nez était le seul joli trait de mon visage pâle et amaigri. En outre j’avais grandi si rapidement qu’il m’était impossible de me tenir droite, je pliais comme un roseau.

[…]

Mademoiselle Boquet avait alors quinze ans et j’en avais quatorze. Nous rivalisions de beauté (car j’ai oublié de vous dire, chère amie, qu’il s’était fait en moi, une métamorphose et que j’étais devenue jolie).

Depuis le 23 septembre dernier, à travers plus de 150 œuvres, le Grand Palais à Paris rend hommage à Elisabeth Vigée Le Brun en lui consacrant la première rétrospective de ses oeuvres en France.

Cette femme-peintre exceptionnelle est considérée comme un des plus grands portraitistes du 18^ème siècle. Née en 1755, fille du peintre pastelliste Louis Vigée, elle commence tôt à peindre. Son père se rendant compte de sa sensibilité artistique lui dira : « Tu seras peintre mon enfant, ou jamais il n’en sera ». A 23 ans, son talent lui permet de devenir le peintre officiel de la reine de France Marie-Antoinette dont elle fait de nombreux portraits. Grâce à l’intervention de celle-ci, en 1783, l’Académie royale de peinture la reçoit et confirme ainsi son appartenance officielle à l’élite artistique française. En 1789, les vents mauvais de la révolution l’obligent à s’exiler. Voyageant à travers toute l’Europe, de cour en cour, célèbre, elle ne cesse de peindre les grands de cette époque. En 1802, revenue en France, elle continue à peindre jusqu’à son décès en 1842, âgée de 87 ans. Ses « Souvenirs », écrits durant les douze dernières années de sa vie, seront ses ultimes mémoires ou autobiographie qui pourrait être son dernier portrait.

Je montre aux lecteurs quelques œuvres parmi celles que j’ai le plus appréciées. Pour la plupart, celles-ci ont été peintes avant l'arrivée à Rome de l'artiste alors âgée de 34 ans, à la toute fin de l’année 1789.

Maintenant, laissons la place aux souvenirs…

Nous revînmes en Flandre revoir les chefs-d’œuvre de Rubens. Je trouvai chez un particulier le fameux « Chapeau de paille ». Cet admirable tableau représente une femme de Rubens ; son grand effet réside dans les deux différentes lumières que donnent le simple jour et la lueur du soleil. Ainsi les clairs sont au soleil ; et ce qu’il me faut appeler les ombres, faute d’un autre mot, est le jour. Ce tableau me ravit et m’inspira au point que je fis mon portrait à Bruxelles en cherchant le même effet. Je me peignis portant sur la tête un chapeau de paille, une plume, une guirlande de fleurs des champs, et tenant ma palette à la main. Quand le portrait fut exposé au salon, j’ose vous dire qu’il ajouta beaucoup à ma réputation.

Elisabeth Vigée Le Brun – Marie-Antoinette en grand habit de cour, 1778, Kunsthistoriches museum, Vienne

J’ai fait successivement à diverses époques plusieurs autres portraits de la Reine. Ces portraits étaient donnés à ses amis ou à des ambassadeurs. Un entre autres la représente coiffée d’un chapeau de paille et habillée d’une robe de mousseline blanche dont les manches sont plissées en travers, mais assez ajustées : quand celui-ci fut exposé au salon, les méchants ne manquèrent pas de dire que la reine s’était fait peindre en chemise ; car nous étions en 1796, et déjà la calomnie commençait à s’exercer sur elle.

Elisabeth Vigée Le Brun – Marie-Antoinette en chemise ou en gaulle, 1783, Hessische Hausstifung, Kronberg

A suivre.....

Le comte de Tromelin se trouve au Salon

2015-04-24T14:45:00+02:00

On peut dire ce qu’on veut mais le monde est bo. Et la découverte extraordinaire. Il suffit d’aller la chercher. Où? Au Grand Pal ce ouikène. Jusqu’à dimanche 26 avril 2015 à 20h. L’événement c’est le Salon international du Livre rare & de l’Autographe.

Vous pourriez me dire que c’est pas votre truc de vous vautrer dans la Culture avec un grand cul. Qu’en guise de lecture vous vous contentez des rézos socios. Vous auriez tout faux. Ce salon des beaux bouquins de collection n’est pas qu’une affaire de thune. C’est aussi du fun. A chaque coin d’allées on y a des rencarts avec de super images qui sortent pas toutes des vieux grimoires d’un film d’aventures médiévales de série B.

Celles de Tromelin, par exemple. The comte de Tromelin himself. J’espère que ce nom là résonne comme un tambour dans vos mémoires animuliennes. Sinon propulsez vous vite fait sur mon post du 2 mai 2010 titraillé Mirsky appelle Tromelin. Tromelin c’est le genre de gus dont on désespère d’avoir des nouvelles quand on est comme moi une fondue de la Chose brute. C’est miraculeux que des infos sur lui et à fortiori des œuvres de lui apparaissent sur le marché.

Du diable si je m’attendais donc à le rencontrer là sur le très chicos stand de Pierre Saunier (A8 sur le plan). Pour ceux qui savent pas, je rappelle que P.S. s’est fait connaître par sa sympathie pour le devil symboliste.

Sa capacité de chineur et son goût de l’éclairage des beautés obscures l’ont mené ensuite à l’exploration tout azimut de territoires gromantiques, surréalistes, avant-gardistes vierges ou méconnus. C’était donc fatal que le catalogue de ce libraire-esthète, pas plus bavard que Félix Fénéon mais de plume acérée comme l’était ce grand écrivain et/ou marchand d’art, s’ouvre aux merveilles de l’art brut. Sous les numéros 129 et 130 de celui du salon qui s’intitule C’est les bottes de 7 lieues (clin d’œil au poète Robert Desnos), le flirt est même poussé très loin.

Nous est proposé un dense et grouillant dessin original de Tromelin à la mine de plomb sur «papier épicerie fine» et daté de 1904. Bluffant de chez bluffant! Un méli-mélo crépusculant et vertigineux, plus qu’envoûtant : terrible et délicieux.

Ce dessin est précédé d’un attrayant et conséquent paquet comprenant 62 photographies inédites représentant des dessins médiumniques résultant d’une fièvreuse activité tromelinesque datant de la période 1902-1909.

Ces photos sont annotées et légendées (sur le fond cartonné où elle sont montées) par le Capitaine Quenaidit, «premier admirateur fervent» de Tromelin dixit Pierre Saunier.

Si, comme votre petite âme errante, vos moyens économiques ne vous permettent pas de vous aligner pour l’acquisition de ces deux jolis lots, consolez vous en achetant le catalogue PS. Il est parfaitement documenté et facile à identifier avec sa couverture au collage de Prévert. Que vous soyez collectionneurs, simples amateurs d’art brut ou institutionnels concernés par le sujet, vos archives s’en trouveront bien.

Expo Vélasquez. De l’infant Felipe au pape, un troublant regard

2015-04-07T16:51:00+02:00

"Vénus au miroir" (1647-1651). Londres, National Gallery, huile sur toile, 122,5 sur 177 centimètres.

Photo : National Gallery of London

Au Grand Palais, à Paris, La Réunion des musées nationaux consacre une exposition remarquable à celui que Manet avait appelé  le peintre des peintres et à ses contemporains, avec lesquels il n’y a pas photo.

On se gardera de dire que Vélasquez a remarquablement peint les enfants, ce qui prêterait à une regrettable équivoque avec les innombrables mièvreries qui caractérisent le genre.Il s’agit de bien autre chose.

Ainsi du portrait en pied du petit prince Felipe Prosper, peint vers 1659, alors qu’il est âgé de deux ans. Vélasquez est au sommet de son art, il a soixante ans et n’a plus qu’une année à vivre. Le petit prince ne vivra que quelques mois de plus. Est-ce donc cela qui nous retient dans ce tableau, cette pâleur, ces yeux candides mais troublants tant ils ont de vérité.

Derrière, dans l’ombre, il y a cette porte entrouverte vers une autre lumière, celle peut-être déjà que l’on voit dans les Ménines, avec la silhouette d’un homme en noir dans l’embrasure. Vélasquez pouvait-il pressentir la mort prématurée de l’enfant royal que l’on disait fragile, ou bien est-ce le sentiment de l’imminence de la sienne qui passe dans son regard, on ne sait, mais c’est là. Vélasquez est l’un des plus grands portraitistes de toute l’histoire de la peinture et sans doute le premier à aller aussi près de la vérité des êtres.

C’est là ce que l’on peut retenir d’abord de l’exposition exceptionnelle qui est consacrée au Grand Palais à Paris au plus grand des peintres espagnols, avec Goya, cela va de soi. Bien sûr, on regrettera l’absence des Ménines (1656), où le peintre, entouré de l’infante Marguerite, de chiens et de bouffons, nous fait face, comme s’il nous peignait sur la grande toile qui est devant lui, alors que dans le miroir au fond de cette boîte, ou de cette caverne, se reflète le couple royal qu’il est donc censé peindre, à notre place même. Mais ce n’est pas le lieu ici de commenter plus longuement cette toile, d’autres l’ont fait amplement et ce n’est pas fini.

Le baroque fait l’actualité à Paris

Disons simplement qu’elle nous manque quand bien même on comprend que le musée du Prado ait du mal à s’en séparer, comme le Louvre de la Joconde, et qu’en outre ses dimensions la rendent sans doute difficilement transportable.

Nous manquent aussi les Lances ou la Reddition de Breda (1635), dont il y aurait tant à dire. En revanche, prêté par la National Gallery, la Vénus au miroir (vers 1647-1651), l’un des chefs-d’œuvre absolus de la peinture occidentale, est bien là, comme le Portrait du pape Innocent X (1650), dont Francis Bacon fera la matrice de sa série de papes hurlants. Mais il faut sans doute faire un rapide détour par l’époque. Le XVIIe siècle et donc le baroque qui, singulièrement, fait l’actualité à Paris avec l’expo du Petit Palais sur les bas-fonds de Rome, et une autre, dès la semaine prochaine, au musée Jacquemart-André, intitulée « De Giotto à Caravage ».

Le baroque, c’est d’abord l’injonction faite aux artistes par le concile de Trente de rapprocher dans leurs sujets la religion du peuple et c’est, du même coup, l’entrée du peuple dans la peinture. C’est sans doute aussi, dans la logique même de la peinture, telle qu’elle apparaît déjà dans les Flandres avec Bruegel et d’autres, la force progressive du réel dans la négation des dogmes et des conventions. Regardons déjà, du tout jeune Vélasquez âgé de dix-neuf ans le visage de jeune fille de son Immaculée Conception.

Regardons, dix ans plus tard, le Christ chez Marthe et Marie, où les deux femmes sont au premier plan. Quelle simplicité, quelle vérité, quelle grandeur du quotidien. Alors, il est bien vrai que Vélasquez sera le peintre du roi, le premier artiste de la cour, honoré de son vivant par Philippe IV dont on dit que c’est lui-même qui aurait tracé la croix rouge de chevalier sur l’orgueilleuse figure du peintre des Ménines. Mais quelle humilité, et surtout quelle humanité quand Vélasquez va vers le visage de l’autre, que ce soit parce qu’il le comprend ou parce qu’il l’interroge, qu’il s’agisse du pape, du portrait en pied d’un homme en noir, sans aucun décor, dont Manet saura se souvenir, de ces portraits d’hommes ou de femmes à nous désormais inconnus mais qui furent de la pensée, de la foi, de la cruauté…

Dans les Lances, à gauche du tableau, un soldat parmi d’autres tourne son visage vers nous. Vélasquez lui-même. Comme le couple royal, nous sommes devant lui et peints.

Du 25 mars au 13 juillet,  Grand Palais, Paris 8e. Catalogue édité  par La Réunion des musées nationaux  et du Musée du Louvre. 410 pages, 50 euros.

Maurice Ulrich, L'Humanité

Niki de Saint Phalle, une vie cruelle racontée par Elisabeth Reynaud

2014-11-10T18:00:01+01:00

Nous avons beaucoup aimé le livre qu'Elisabeth Reynaud consacre à Niki de Saint Phalle, et pourtant on ne peut pas dire que cette grande artiste ait savouré son existence.

Femme artiste Niki de Saint Phalle gardera le silence pendant de nombreuses années sur les origines de cette violence traduite dans ses peintures et ses sculptures. Ce n'est qu'en 1994 qu'elle révèle dans son livre "Mon Secret" le viol commis par son père lorsqu'elle a onze ans. On découvre alors que la vie de cette femme est marquée par de nombreuses autres douleurs : "électrochocs à vingt trois ans pour «schizophrénie» ou «dépression nerveuse» selon les sources, problèmes pulmonaires récurrents, crises occasionnelles d’arthrite rhumatoïde..."

Pas sûr que sa réussite artistique ait beaucoup soulagé son malheur. Ancienne d'Artcurial, Elisabeth Reynaud comprend et dévoile avec finesse cette vie d'artiste dans "Niki de Saint Phalle - Il faut faire saigner la peinture" aux Editions de l'Archipel.

Pour en savoir plus

Niki de Saint Phalle, à redécouvrir grâce à Elisabeth Raynaud

2014-11-08T14:09:55+01:00

Qui était Niki de Saint Phalle ? Il a fallu un livre intense à Elisabeth Reynaud pour l'expliquer en mettant l'accent sur l'enfance et l'adolescence, moments tragiques de la vie de Niki de Saint Phalle qui subira l'inceste, une éducation rigoriste, la guerre et bien des déboires, mais construira son personnage et son statut d'artiste comme une mission de survie.

Élisabeth Reynaud retrace le destin peu banal d'Agnès de Saint Phalle, future Niki, née à Neuilly-sur-Seine en 1930, élevée à New York. La jeune femme débute comme mannequin avant d'élaborer avec détermination une oeuvre protéiforme, radicale, d'une grande vitalité : les célèbres Nanas, le Jardin des Tarots, la Fontaine Stravinsky...

Depuis les Tirs, peintures iconoclastes et violentes de ses débuts, jusqu'aux sculptures monumentales issues de la collaboration avec son mari Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle n'a cessé d'explorer les méandres de son inconscient.

On peut acheter et lire un extrait sur le site des éditions de l'Archipel en cliquant ici

GRAND PALAIS : HOKUSAI FAIT DES VAGUES

2014-09-30T06:26:00+02:00

Ses estampes, dont celle fameuse d'une vague scélérate*, ont fait le tour du monde. Katsushika Hokusai (1760-1849) est certainement l'artiste japonais le plus fameux au monde sans qu'on ne le connaisse paradoxalement son œuvre et son parcours. Une exposition au Grand Palais à Paris lui rend hommage.

Prénom : Katsushika. Nom : Hokusai. Ainsi déclinée, son identité n'évoque a priori rien au quidam. Dévoilez lui ses estampes et le regard de votre interlocuteur risque de s'éclairer ! Car les productions visuelles de Maître Hokusai interpellent d'emblée.

Pour faire plus ample connaissance avec cet artiste aux mille et une vies, le Grand Palais a eu la riche idée d'articuler son exposition autour de six périodes clefs de la vie de Hokusai. Six périodes "grands tableaux", illustrées par des séries d’estampes, des livres, mais aussi de nombreuses peintures pour partie inédites, ainsi que des dessins préparatoires fort précieux.

Au Grand Palais, plus de 500 pièces exceptionnelles sont ainsi présentées, dont une majeure partie n'a encore jamais été exposée hors du Japon.

L’exposition Hokusai au Grand Palais est découpée en deux "actes" afin de garantir la bonne conservation des œuvres les plus fragiles de Hokusai.

Si le propos général et le parcours scénographique resteront les mêmes durant la totalité de l'exposition, une centaine d’œuvres sera remplacée en cours de route par des estampes équivalentes, souvent issues de la même série.

Quant aux peintures sur soie et sur papier, elles seront elles aussi interverties en cours d'exposition avec des œuvres de nature et de qualité comparables. Des opérations de maintenance qui nécessiteront 10 jours de fermeture.

En somme, une exposition en 2 actes qui ne devrait pourtant pas empêcher la magie Katsushika Hokusai de déferler au Grand Palais.

* : Hokusai, Sous la grande vague au large de la côte à Kanagawa, 1830-1832 © RMN-Grand Palais (musée Guimet, Paris) / Richard Lambert

Visuels © Grand Palais

› EN SAVOIR +
Hokusai : une exposition au Grand Palais à Paris / Galeries nationales du 1^er octobre 2014 au 18 janvier 2015 (relâche entre le 20 novembre et le 1^er décembre prochains). Infos pratiques, réservations, horaires... Rendez-vous ICI.

Grandes forces sombres

2014-04-13T23:47:00+02:00

Renaud Allirand, Sans titre, diptyque (2013),
très grandes gravures (Ateliers Moret, Paris)
présentées au Salon international de l'estampe & du dessin,
au Grand Palais (10-13 avril 2014),
photographie : 13 avril 2014.

14 secondes de Bill

2014-01-03T12:07:00+01:00

Quoi de mieux pour commencer l'année qu'une vidéo de Bill Viola?

Viola c'est le vidéaste du passage comme avec

crossing

et ça se fait rarement sans eau, c'est comme une naissance sans cesse renouvelée dans un flux de liquides (amniotiques?) dont on ne sait s'ils sont vitaux ou mortels, les deux probablement, selon les circonstances.

de l'eau, mais pas que, comme on le verra prochainement

Il faut avoir vu en vrai, sur écran géant Five Angels for the Millenium pour découvrir en une fois toute l'ampleur du travail vidéo de cet artiste américain dont le langage est universel et se laisser submerger par une émotion intense, profonde et tripale, venue du fond des âges, du temps d'avant le langage, d'une sorte de temps commun à tous les vivants.

De mars à juillet une rétrospective aura lieu au Grand Palais. Rendez-vous, en cette année 2014 pour Inverted Birth (voir le reportage sur le site de vidéoformes) et toutes les autres vidéo-installations, à ne manquer sous aucun prétexte.

et spécialement pour vous, 14 secondes de Bill, afin d'échapper pour de bon aux lois de la pesanteur

Happy new year

Le feu sous la glace - Félix VALLOTTON (1865-1925)

2013-11-03T14:15:00+01:00

Un classique moderne

Félix Vallotton - Autoportrait, 1897, musée d'Orsay, Paris

La première manifestation consacrée au peintre Félix Vallotton dans un musée national parisien, depuis une cinquantaine d’années, vient de s’ouvrir au Grand Palais à Paris.

Je m’y suis rendu récemment, plus par curiosité que par véritable désir. Un nabi, disait-on ! Je le connaissais très mal…

« Mes buts ne sont guère du côté où l’on va et je prévois encore des déceptions publiques, néanmoins je ferai ce que je sens, advienne que pourra ».

Ces quelques mots écrits en 1919, quelques années avant son décès en 1925, pourraient résumer la vie artistique de Félix Vallotton. Sa vocation était de peindre sans jamais songer à suivre la mode ou à flatter l’amateur.

Etrange peintre… Contemporain des peintres post-impressionnistes : Van Gogh, Gauguin, Cézanne, des cubistes et des fauves, cet artiste, suisse de naissance, naturalisé français en 1900, était un solitaire dans ce monde de bouleversements esthétiques. Touche à tout génial, créateur polymorphe : paysages, portraits, natures mortes, scènes de genre, gravures, sculptures, il fut, par ailleurs, critique d’art et écrivit des romans et pièces de théâtre.

Le « Nabi étranger », ainsi le surnommaient à ses débuts ses amis du groupe des Nabis, ces peintres avant-gardistes auquel il appartint durant une dizaine d’année : Vuillard, Bonnard, Maurice Denis et quelques autres, qui présentaient une vision moderne de l’art.

L’œuvre originale, inclassable, de Vallotton fait dire, en 1924, au critique André Thérive : « On ne pense jamais devant un tableau de lui : « Voici du Vallotton ».

Je montre ci-après, une sélection, la plus exhaustive possible, de quelques toiles de l’artiste qui m’ont paru les plus représentatives de son œuvre.

Mes coups de cœurs sont trop nombreux. Qui puis-je, j’ai aimé…

Pureté de la ligne

Contrairement à beaucoup de ses contemporains, chez Vallotton, le dessin l'emporte sur la couleur. Celle-ci n'intervient qu'en complément de la ligne qui reflète ses sentiments.

Félix Vallotton - Le repos, 1911, The Art Institute, Chicago

Admirateur du peintre Ingres, au salon d’automne de 1904, Vallotton a les larmes aux yeux en contemplant le « Bain turc » de celui-ci. Il s’en inspire par une toile à la sensualité exaltée par les formes et les volumes.

Félix Vallotton - Le bain turc, 1907, musée d'art de Genève

Misia est l’épouse de Thadée Natanson le cofondateur de la « Revue blanche » dont Vallotton était l’illustrateur. L’artiste semble s’être glissé dans le cabinet de toilette de celle que l’on considérait à cette époque comme la muse des Nabis.

Félix Vallotton - Misia à sa coiffeuse, 1898, musée d'Orsay, Paris

En blanc et noir

Vallotton se tourne vers la xylographie à l’automne 1891. Il est le rénovateur de la gravure sur bois : le bois tendre est taillé au canif ou au burin ; à l’impression, les parties en creux restent en réserve et constituent les zones blanches, tandis que les parties en surface, encrées, forment les zones noires.

Entre 1892 et 1899, la reconnaissance du talent de graveur de Vallotton lui assure une renommée internationale. Il marche vers le succès, sa foisonnante production lui donne un statut important dans la scène artistique de Paris.

Félix Vallotton - A Paul Verlaine, 1891, musée d'art moderne, Strasbourg

Félix Vallotton - La paresse, 1896, BPK, Berlin

Félix Vallotton - Le coup de vent, 1894, BNF, Paris

Félix Vallotton - Le bain, 1894, BNF, Paris

Félix Vallotton - L'exécution, 1894, BNF, Paris

Félix Vallotton - L'émoi, 1894, musée des beaux-arts, Besançon

A partir de 1899, ayant tout dit en matière de gravure, conscient d’être parvenu au sommet de son art, Vallotton va désormais se tourner vers la peinture où il veut, comme pour la gravure, se faire un nom comme peintre. Il retourne à son ambition initiale, celle qui l’a conduit à Paris adolescent : égaler « les grands peintres qui à 15 ans étonnaient le monde ».

L’écrasement de la perspective

Je rêve d’une peinture dégagée de tout respect littéral de la nature ». L’aplatissement systématique de la perspective, hérité de ses bois gravés, se retrouve constamment dans la peinture de l’artiste.

Félix Vallotton - Femme nue assise dans un fauteuil rouge, 1897, musée des beaux-Arts, Grenoble

Il s’agit presque d’une œuvre symboliste. Les couples enlacés s’envolent dans un poudroiement coloré. A quoi rêve la femme dont on aperçoit le visage extatique au premier plan tout en bas ? Un quart de siècle plus tard, Ravel considèrera, somptueux hommage, que cette valse fait littéralement toucher la musique.

Félix Vallotton - La valse, 1893, musée d'art, Le Havre

Ce monde mystérieux parait sans vie. Il dort. La lune illumine par instant les formes féminines des nuages et de l’eau.

Félix Vallotton - Clair de lune, 1895, musée d'Orsay, Paris

Les pins parasols, comme des girafes, allongent leurs cous devenus rouge vif sous les feux des derniers rayons de soleil.

Félix Vallotton - Les pins parasols, 1911, musée des Beaux-Arts, Quimper

Félix Vallotton - Coucher de soleil, 1911, collection particulière

Scènes de genre

Félix Vallotton a toujours eu de l’admiration pour les « maîtres absolus et parfaits » du 17^ème siècle hollandais. Il observe la vie domestique, scénettes intimes où se mélangent des éléments réels et des réminiscences d’art ancien comme des scènes d’intimité ou des enfilades d’espaces clos à la Peter De Hooch ou Vermeer.

Félix Vallotton - Scène d'intérieur, 1900, musée d'Orsay, Paris

Félix Vallotton - Cinq heures ou Intimité, 1898, collection particulière

Félix Vallotton - La visite, 1899, Kunsthaus, Zurich

Félix Vallotton - Intérieur avec femme en rouge de dos, 1903, Kunsthaus, Zurich

Vallotton se représente de dos, imposant, il est le beau-père de la petite fille qui lui fait face. Sous la lumière crue de la lampe, celle-ci lui jette un regard haineux. Une allégorie de sa famille ?

Félix Vallotton - Le dîner, effet de lampe, 1899, musée d'Orsay, Paris

A quoi peut bien penser ce couple dont l’on aperçoit à peine les visages ?

Le petit gant blanc de la dame, plus vivant que les personnages, forme une tache lumineuse au milieu de la toile dont notre regard ne peut se détacher.

LES SEANCES CINE DU GRAND PALAIS : HOMMAGE A EDWARD HOPPER

2013-01-18T10:45:00+01:00

Savez-vous que le Grand Palais c'est aussi un cinéma ?

Dans le cycle Edward Hopper, allez donc faire une promenade avec les réalisateurs Wim Wenders ou Terrence Malick (réservez ici en ligne), tous deux très Hoppériens. Tout comme Alfred Hitchcock, le saviez-vous? Je vous en dirai plus dans l'article sur Hopper.

Dépêchez-vous c'est ce soir, le 18, ou le 25 janvier.

Tous au ciné l'Auditorium, entrée gratuite, dans la mesure des places dispo !

Infos sur le blog art du Grand Palais, Grand Format.

Et n'oubliez pas, vous avez encore une chance de voir l'expo, si vous êtes patient et noctambule :

L'exposition EDWARD HOPPER est prolongée jusqu'au 3 février 2013
Ouverture du 26 au 31 janvier de 9h à 23h et du 1er au 3 février jour et nuit

Revue de presse BD (26)

2012-11-15T12:30:00+01:00

Ill. E. Hopper

+ Au peintre américain Edward Hopper (1882-1967) s'applique la formule d'Apollinaire : "la publicité, c'est la poésie moderne !" Non seulement à cause du battage autour de l'exposition des oeuvres de Hopper au Grand Palais, mais parce qu'elles ont le charme d'une vieille réclame ou d'un décors de cinéma. L'expo montre que Hopper commença d'ailleurs une carrière d'illustrateur publicitaire (médiocre), avant d'apprendre la peinture impressionniste en France. Tout le talent de Hopper est de rendre la langueur ou la monotonie du "rêve américain", dont il savait mieux qu'un autre l'artifice ; en un mot, Hopper est un publicitaire raté, et c'est ce qui donne à son art un supplément d'âme (A. Warhol tint lui aussi un discours légèrement décalé par rapport au discours publicitaire dominant.)

En dépit que quelques remarques absurdes, comme l'affirmation d'une volonté réaliste (?) dans l'art américain, on pourra suivre avec intérêt le commentaire par Didier Ottinger de trois toiles exposées.

+ Dans une précédente revue de presse, je faisais mention des obstacles quasiment insurmontables à la création de titres de presse indépendants (notamment en raison du coût prohibitif de la distribution en kiosques), et saluai l'audace de "Zélium"/"Z-Minus" pour se lancer dans l'aventure sans parachute. Quelques mois plus tard, cette association accuse plusieurs milliers d'euros de pertes, comme on peut lire dans le communiqué de presse de "Zélium". Le moins qu'on puisse dire, c'est que la liberté d'expression subit, elle aussi, les effets des méthodes industrielles de production.

+ De l'engouement extraordinaire des Français pour les blogs vient la cérémonie des "Golden blog awards" qui décerne depuis quelques années des récompenses (aussi virtuelles que les blogs, précisent les organisateurs) aux meilleurs blogs français dans différentes catégories. C'est le blog "Macadam Valley" qui a reçu cette année le "golden blog award" dans la catégorie BD, parrainée par les éditions du Chêne.

+ Le dessin de la semaine est une linogravure du Britannique Alan Rogerson, parmi celles montrées sur son site "Baggelboy", et intitulée "Faire partie de la masse".

Bords de rêves (avec Edward Hooper)

2012-10-16T09:07:00+02:00

Comme à chaque retour, il me faut passer un moment à regarder la mer . Mais sans doute suis-je encore - et pour longtemps- imprégné mentalement des œuvres vues au Grand Palais.

Et si le sujet d’Edward Hopper n’était pas cela, l’Amérique, mais la lumière ? Pas la lumière d’Amérique, la lumière tout court écrit Renaud Legrand dans la revue AD Magazine.

Rooms by the sea, Edward Hoper, 1951

Huile sur toile 74X102 - The Yale University Art Gallery, New Haven

Et que la lumière était belle ce lundi dans le dépouillement d’une plage en automne.

Promenade de la Mer, Cagnes le 15 octobre 2012 - Photo Louis-Paul Fallot

Ambivalence

2012-10-07T12:19:00+02:00

Y aurait-il un art américain de l'ambivalence ? nous avions déjà eu l'occasion de relever l'ambiguïté d'un tableau de Burt Silvermann représentant une femme assise (voir ici). L'exposition consacrée à Edward Hooper au Grand Palais illustre de nouveau cette Amérique fascinante par ses contradictions et paradoxes. On peut, par exemple, prendre une autre femme assise de Hooper et entrer un peu dans le tableau. Comme souvent chez Hooper, les personnages lisent. Pied de nez à l'Europe littéraire et à cette Amérique réputée sans tradition ? désir d'évasion ? puissance de l'imagination dans un pays qui s'est auto-engendré ? il faudrait aller y voir de plus près, et notamment s'interroger sur ce que lisent ces figures solitaires. Ici, l'on sait par les notes d'Hooper qu'il s'agit d'un indicateur des chemins de fer.

Edward Hooper - Chambre d'hôtel - 1934

Les valises au pied du mur, la chambre d'hôtel, tout nous signale le transitoire. Cette femme est de passage. Le dos voûté, le corps sans tonicité semblent souligner une fatigue que la nuit ne réparera pas. La consultation des horaires de chemin de fer, et surtout le fait de voyager avec un tel ouvrage, laisse penser que le voyage est une errance. Le tableau pourrait illustrer cette chanson des gardes suisses que Céline plaça en exergue du Voyage au bout de la nuit :

Notre vie est un voyage

Dans l'hiver et dans la nuit

Nous cherchons notre passage

Dans le ciel où rien ne luit

Hooper serait-il le peintre du désenchantement ? le contrepoint du rêve américain et le rappel à la réalité, souvent moins glorieuse que l'épopée des pionniers, des self-made men et de la terre de tous les possibles ? oui mais pas seulement. Car tout voyage est un nouveau départ, tout départ est une volonté, et la solitude est une manière de se rencontrer soi-même qui peut être un préalable à la rencontre d'autrui. Cette femme, manifestement, n'est pas une voyageuse, ses chaussures n'y résisteraient pas. Et pourtant elle a entrepris ce voyage, ses valises sont ordonnées, et elle s'apprête à choisir sa nouvelle destination. Derrière l'apparence de la désespérance, surgissent les marques d'une volonté. Les marques de notre ambivalence.

Découvrir Edward Hopper...

2012-09-30T09:27:00+02:00

Edward Hopper, Manhattan Bridge Loop, 1928, Addisson Gallery of American Art, Philipps Academy, Andover, Massachussets

Il en sera toujours ainsi, d'Edward Hopper ou d'un autre, de la difficulté que nous avons à comprendre un ensemble dont nous ne voyons le plus souvent qu'une évocation émiettée. Peut-être serais-je passé à côté, c'est-à-dire à travers, s'il n'y avait pas eu l'inattendue rencontre au musée Thyssen de Madrid en juillet. C'est aussi simple que cela. Or, tel est justement l'agacement, temporaire (parce qu'au fond on finit par oublier qu'on a été terriblement aveugle), de celui qu'une telle maladresse surprend : qu'il s'en fallût d'un rien...

Ces quelques lignes pour dire que l'exposition Hopper au Grand Palais, si elle reprend, espérons-le, la modestie muséographique et la clarté du discours qu'on pouvait admirer à Madrid, est à voir absolument.

Exposition Hopper, Grand Palais, du 10 octobre 2012 au 28 janvier 2013.

Ne vous déballonnez pas! Visitez la biennale

2012-09-20T15:10:00+02:00

Envie d’un plan classe? Ne vous déballonnez pas. La Biennale des antiquaires est tout indiquée. Vous avez jusqu’à l’automne (dimanche 23 septembre 2012) pour musarder dans la scénographie lagerfeldienne du Grand Palais. Idéal avant de dîner en ville.

On se croirait dans un éco-musée avec reconstitution d’un quartier commercial de province. Pavés imprimés sur la moquette des «rues» et «boutiques» discrètes à l’extérieur, fastueuses à l’intérieur.

Même si vous n’aimez pas la jonquaille, que les beaux meubles vous laissent froid(e)s, ça manque pas de choses à voir. Il y a même des libraires.

Sur le catalogue de Bernard et Stéphane Clavreuil dont la couverture par le graveur-architecte-paysagiste François Houtin me rappelle quelque chose, j’ai noté un carnet autographe de Charles Baudelaire.

Plus spontané tu meurs.

Question peinture, c’est le point fort. Satisfaction garantie avec gros bataillons de Renaissance et d’art moderne entrelardés parfois de sculptures africaines traditionnelles et de pièces archéologiques.

D’art brut point. Faut pas rêver : il n’a pas encore pénétré ce cœur de cible à Montgolfière. Tout de même, il pousse sa corne. Avec Jean Dubuffet en tête de pont.

Sa présence est récurrente sur maints stands et celui de la Galerie Zlotowski lui est même entièrement dédié.

Avec la salle Séraphine consacrée par la Galerie Patrice Trigano à la madone de Senlis.

En cherchant bien vous trouverez autre chose mais attention, il faut plus de temps que prévu.

J’ai dû sauter le salon d’honneur. On m’attendait rue Surcouf pour l’apéro au Petit Bordelais.

Pour mémoire, le Grand Palais en 1909 (1er salon de l'aéronautique)

”La France en relief” au Grand Palais à Paris

2012-01-29T19:00:00+01:00

Le Grand Palais à Paris accueille l'exposition "La France en relief" jusqu'au 17 février. Une quinzaine de maquettes de villes fortifiées réalisées à des fins militaires y sont exposées. Elles ont été fabriquées du règne de Louis XIV jusqu'à la fin du XIX ème siècle.

Ces maquettes, aux dimensions spectaculaires, permettent d'apprécier l'évolution et la fixation des frontières, la guerre de siège et de fortification, la cartographie, la transformation de l'urbanisme et des paysages.

Le Grand Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 PARIS - Plein tarif: 5 euros. Tarif réduit: 2,50 euros. Gratuit pour les moins de 26 ans - Ouverture tous les jours de 10h à 20h sauf le mardi

LES LAPINS CRETINS AU MUSEE

2011-12-05T17:10:00+01:00

Danse avec les lapins crétins

On connaît Danse avec les stars, Danse avec les loups, maintenant c'est Danse avec les lapins crétins au Musée. Dans le cadre de l'expo Game Story au Grand Palais, Orange vous propose une expérience de réalité augmentée inédite en France. Vous pouvez danser avec les lapins crétins, leur faire mal, et dieu sait qu'ils aiment ça, vous amuser dans la réalité, et augmenter votre QC, Quotien Crétin. Le Quotien Crétin c'est vous, en plus fun, en augmenté quoi..

Game Story , une histoire du jeu au Grand Palais, galerie sud est

jusqu'au 9 janvier 2012

On vous recommande le site Internet de l'expo, réalisé par la RMN, une navigation digne d'un jeu, de l'info, des vidéos, dans un style très "années 80", donc très tendance.

Les Lapins Crétins en réalité augmentée par Orange par Orange_Jeux

JOS DE GRUYTER & HARALD THYS (Galerie Micheline Szwajcer- FIAC)

2011-10-21T22:54:00+02:00

Untitled (Skeletten), Photographie, 2009

"Sans l'ombre qu'on est soi-même et sans les poteaux du télégraphe, on serait aussi embarassé qu'un pierrot dans un four." A. Rimbaud

JOS DE GRUYTER & HARALD THYS

sont deux artistes dont les installations vidéos oscillent entre le rire et la terreur primitive.

Scène saugrenue que ce psychologue dressant le portrait d'un serial killer, dans une salle qui ressemble à une cantine, face à des auditeurs dont on ne connait pas le métier. "Il devrait récidiver sur un homme." Nous voilà rassurés.

Un personnage psalmodie devant un buste de plâtre. De la pensée magique? Vous êtes deux et vous souriez, vous êtes seul et l'angoisse vous grignote.

Enfin, deux hommes transpercent une statue avec une gestuelle mécanique. On a mal pour elle.

Sinon, quand ils ne filment pas des figurants étranges qui clignent des yeux, ils mettent en scène des photos qui intègrent des pièces issues de leur propre création, schmilblicks magnifiés par les jeux de lumière et par la beauté fracassante du Grand Palais.

Ouf.

Many thanks to the artists and the gallery for allowing us to employ the picture, and special thanks to Caroline Dumalin.

Expo ”Matisse, Cézanne, Picasso... L'aventure des Stein”

2011-10-04T11:30:33+02:00

Le Grand Palais à Paris propose l'exposition "Matisse, Cézanne, Picasso... L'aventure des Stein" du 5 octobre 2011 au 16 janvier 2012.

Gertrude Stein, écrivain, et son frère Leo, quittent les Etats-Unis au début du XXème siècle et s'installent à Paris. Ils sont les premiers acheteurs de Matisse et de Picasso et accueillent chez eux toute l'avant-garde artistique. Leur frère aîné Michael et sa femme Sarah viennent aussi s'installer à Paris. Tout au long de leur vie les Stein vont constituer une collection d'art moderne peu banale qui comprend de véritables trésors. Parmi les oeuvres présentées, outre les Matisse, Cézanne et Picasso, des toiles de Renoir, Picabia, Bonnard ou encore Laurencin. Une occasion unique de les découvrir.

Grand Palais - 3 avenue du Général-Eisenhower, 75008 PARIS - Ouvert du vendredi au lundi de 9h à 22h, le mardi de 9h à 14h, le mercredi de 10h à 22h et le jeudi de 10h à 20h; pendant les vacances scolaires ouvert tous les jours de 9h à 23h (y compris le mardi); fermeture exceptionnelle à 18h les 24 et 31 décembre. Fermé le 25 décembre - Tarif: 12 euros. Tarif réduit: 8 euros.

Expo Anish Kapoor à Paris

2011-05-13T09:30:00+02:00

Le sculpteur anglais d'origine indienne Anish Kapoor présente une oeuvre monumentale dans la nef du Grand Palais à Paris jusqu'au 23 juin 2011. Sculpture inédite - Leviathan - qui allie le gigantisme au minimalisme. Un énorme boyau rouge à travers lequel transperce la lumière accueille les visiteurs. Une oeuvre intéressante pour les photographes...

Le Grand Palais - avenue Winston Churchill, 75008 Paris - Ouvert tous les jours de 10h à 22h, les mardis jusqu'à 14h et les jeudis jusqu'à 20h. Pendant les vacances ouvert de 9h à 23h y compris le mardi. Fermeture à 18h les 24 et 31 décembre. Fermé le 25 décembre. Plein tarif: 5 euros. Tarif réduit: 2,50 euros. Gratuit pour certaines personnes.

FRANCE 1500, UNE EXPOSITION MAGISTRALE

2011-01-08T12:14:00+01:00

Au Grand Palais, France 1500 est une exposition à voir, qui se termine le 10 janvier. Son attrait est son originalité sont la valorisation de la créativité artistique de la fin du XVème siècle en France. Un moment de grâce et de charme.

Dans un quotidien ponctué de vitesse, d’Internet, et de mobilité, il est bon de s’arrêter, et de se plonger dans l’histoire. Il y a quelques centaines d’années, l’art était un outil de pouvoir, et les célébrités étaient des peintres, sculpteurs, tailleurs d’images, ou imagiers. La vision que l’on a des arts au Moyen-âge en France est souvent fausse, elle est souvent dirigée sur la renaissance italienne, mais néglige la grandeur de la créativité artistique de notre pays. Tel est le but de l’exposition. Il s’agit de la première exposition consacrée à la période charnière constituée par le règne de Charles VIII (1483-1498), et de Louis XII (1498-1515). Période inconnue par la plupart d’entre nous, ou qui paraît non significative. La visite de l’exposition ravira même les plus récalcitrants.

A cette époque le mécénat est religieux, royal, princier, ou bourgeois, et les arts picturaux, la peinture de chevalet, le vitrail, le livre enluminé (naissance des premiers livres imprimés), la peinture sur émail, fleurissent aux côtés de la sculpture ou de la tapisserie. Les commandes se multiplient et les croisements d’influences et de techniques prospèrent entre la France, les pays nordiques et l’Italie.

Telle une visite de cathédrale, nous sommes invités dans une suite de salles où les œuvres presque en lévitation sortent des murs de tentures bleues, vertes, comme des joyaux hâlés de lumière toute religieuse. Ici tout n’est pas « calme, luxe et volupté », mais paix, harmonie et prière. Même si l’on est pas passionnée par cette période de l’histoire, comment ne pas être ému face aux sculptures Sainte Marie L’égyptienne, ou Notre Dame de Grâce, ou aux peintures de Jean Hey de Suzanne de Bourbon. Notre dame de Grâce a été sculptée il y a 500 ans ! Notons que l’exposition réunit pour la première fois depuis 1904 le plus grand nombre de peintures françaises de la fin du XVéme, et du début du XVIème siècle.

France 1500 est une exposition en dehors du temps, où la modernité de certains visages peints est troublante, où l’on se dit que ces œuvres sont malheureusement vouées à disparaître avec le temps, si le savoir-faire des restaurateurs se perd, lui aussi avec le temps. Alors on se félicite en 2011 de pouvoir encore voir ces œuvres, magistrales et au final assez intemporelles..

Rappel : Dans cette période allant de 1485 à 1512, c'est-à-dire en une vingtaine d’années seulement, des œuvres majeures et fondatrices sont créées : Boticelli La naissance de Vénus, Léonard de Vinci La Cène, La tenture de la Dame à la licorne, Maître de Moulins (Jean Hey) fait de nombreux portraits et rayonne à cette période.

France 1500 aux galeries nationales du Grands Palais, jusqu’au 10 janvier 2011

Exposition organisée par la RMN, et l’Art Institute of Chicago, elle sera présentée à Chicago du 26 février au 29 mai 2011

Le site de l’exposition : France 1500, site très ludique avec images et vidéos.

Le dossier à lire : N°178 Dossier de l’art, France 1500, entre Moyen Age et Renaissance. Plus d'infos sur http://www.dossier-art.com/

Crédits photos : metmuseum.org ; rmn.fr (Notre Dame de Grâce) ; dossier-art.com (couverture du mag)

Hommage à Claude Monet

2010-11-21T14:22:00+01:00

Claude Monet – La Grenouillère, 1869, Metropolitan Museum of Art, New York

Claude Monet est à l’honneur ces temps-ci à Paris où plusieurs expositions temporaires sont consacrées au chef de file du mouvement impressionniste français. Louvre-passion a d’ailleurs parlé récemment de celle qui a lieu actuellement au musée Rodin : "Monet-Rodin".

On peut d’ailleurs contempler en permanence les toiles du peintre toute l’année à Paris aux Musées d’Orsay, Marmottan, et de l’Orangerie dont les Nymphéas sont la grande fierté.

Je me suis rendu le mois dernier à la superbe exposition qui se tient jusqu’au 24 janvier prochain au Grand Palais à Paris : "Claude Monet (1840-1926)".

Je ne peux que conseiller à ceux qui peuvent s’y rendre d’y courir sans tarder. Les salles regroupent 175 œuvres qui permettent de revoir en l’espace de deux bonnes heures, voire plus si on aime... toute l’œuvre du peintre : du Déjeuner sur l’herbe de ses débuts, en passant par ses Cathédrales, ses Parlements de Londres dans le brouillard, les côtes normandes, les paysages d’Argenteuil, sans oublier les reflets mêlant l’eau et le ciel des bassins de Giverny. Du grand spectacle !

Claude Monet – Terrasse à Sainte Adresse, 1867, Metropolitan Museum of Art, New York

Je prépare en ce moment un récit en plusieurs épisodes parlant des premières années de la carrière de Claude Monet à travers l’image de sa femme, la compagne des années difficiles : la douce et discrète Camille.

Celle-ci était son modèle préféré. Elle est représentée dans une grande quantité de tableaux de Monet, des plus célèbres aux moins connus. Elle inspira souvent des amis du peintre comme Manet ou Renoir.

Je pense pouvoir publier le premier épisode de cette histoire vers le début du mois de décembre. Tiens c’est la période des fêtes !

A bientôt.

Alain

Peut-être ces quelques mots supplémentaires paraîtront déplacés à la suite de ma note du jour.

J'ai éprouvé de l'émotion en apprenant le décès de Myriam qui était l'auteur du blog Bleu de Cobalt. Comme je le dis à son mari, je percevais dans ses mots une femme de coeur et d'esprit.

Je ne sais si elle a eu le temps de voir l'exposition Monet du Grand Palais dont elle parlait le mois dernier et qui l'aurait certainement passionnée.

J'ai toujours pensé que l'art nous permettait de nous élever... d'aller plus loin... Un ailleurs qu'elle a dû atteindre.

Moyen Age et Renaissance

2010-10-16T06:30:00+02:00

On dirait que les musées parisiens se sont donnés le mot pour m'appater !!

Après L'art en Slovaquie au Musée de Cluny, c'est l'expo France 1500, entre Moyen Age et Renaissance qui s'est ouverte au Grand Palais. J'ai passé un grand moment sur le site de l'expo, les photos sont magnifiques. Et puis, pour faire durer le plaisir, j'ai acheté le hors série de Télérama.

Bon, ben y'a pas à tortiller, on se trouve une date pendant les vacances de Noël, des billets prem's, et à nous la capitale !!!

Photo empruntée au site de la Réunion des Musées Nationaux
Jean Hey, L’annonciation (détail), 1490-1495, The Art Institute of Chicago, Collection Mr & M^me Martin A. Ryerson
© photography The Art Institute of Chicago 2010

Du temps où le Roi avait des lettres

2010-10-08T01:04:00+02:00

Imagine-t-on geste plus doux d'un amoureux envers l'aimée ? la personnification de la puissance, de l'histoire qui se fait et de l'autorité peut-elle avoir attitude plus délicate, bienveillante, attentionnée, en un mot amoureuse ? d'ailleurs la barbe du vieil homme n'est-elle pas soyeuse chevelure de femme ? Comme les indiens le faisaient avec les biches qu'ils tuaient, François 1er se penche sur Léonard pour aspirer son dernier souffle afin que vive l'esprit en lui. Et ce faisant, le regard du souverain exprime l'obligeance du pouvoir à la connaissance, l'humilité de l'épée devant la plume, le respect que le corps triomphant doit au cerveau qui le guide. Le tableau d'Ingres est un chef d'oeuvre que l'on peut admirer depuis le 6 octobre au Grand Palais à l'occasion de l'exposition "France 1500". Et au-delà du thème, vous pouvez simplement faire abstraction de tout et ne regarder que les mains présentes dans le tableau : elles vous content l'histoire.

Ingres - François 1er reçoit les derniers soupirs de Léonard de Vinci - 1818

L'admiration dans laquelle François 1er tenait les artistes, il l'exprimait ainsi : "Je peux faire un noble, je ne peux faire un grand artiste". Qui a un tel culte de la création doit nécessairement s'affranchir des entraves formelles. François 1er n'était pas très respectueux du protocole et, à l'annonce du partage des nouveaux mondes entre Espagnols et Portugais, il eut cette phrase qui pourrait nourrir toute les révoltes, qui comme chacun sait ne peuvent véritablement être qu'individuelles: "Je voudrais bien voir la clause du testament d'Adam qui m'exclut du partage du monde". N'y a-t-il pas dans cette déclaration royale la plus belle affirmation démocratique qui soit si toute femme ou tout homme se l'appropriait ? Certes si François 1er fut le promoteur des bibliothèques, il n'en fut pas moins censeur. Mais il faudrait perdre l'habitude de vouloir tout blanc les individus à qui l'on trouve quelques vertus. Constatons qu'il y a 500 ans, un Roi était l'ami des lettres et que l'on retrouve son cousin, Jacques de Savoie-Nemours, dans la Princesse de Clèves. Tout était-il donc différent d'aujourd'hui ? et oui, sauf peut être sur un point : François 1er aussi creusa les déficits.

NDLA : petit rectificatif, le tableau n'est pas présenté au Grand-Palais, il faut traverser l'avenue et se rendre au Petit-Palais pour pouvoir l'admirer.

Une leçon de simplicité.

2010-09-30T00:13:01+02:00

Je n’ai pas pour habitude de raconter ma vie sur ce blog, mais je vais faire ce soir une petite entorse pour vous raconter une anecdote que j’ai vécue en direct cet après-midi et dont vous tirerez toutes les conclusions que vous voulez sur ce que j’ai intitulé « une leçon de simplicité ».

Ma petite dernière, 10 ans, était inscrite à une visite de l’exposition MONET, au Grand Palais, suivie d’un atelier pratique. Je l’ai accompagnée et l’ai attendue sur place.

Lorsque la conférencière est venue les accueillir, elle s’est présentée, a échangé avec eux sur l’artiste, leur a demandé de se présenter à leur tour, des petites filles entre 8 et 12 ans et un jeune garçon. La conférencière les a informés qu’elle venait d’apprendre qu’une Princesse visitait l’exposition et a conclu qu’elle-même avait la chance d’accompagner un groupe « de jeunes princesses… et un petit prince »!

Quand le groupe fut parti, je me suis attendue un moment à un climat d’excitation générale, de foule, de présence policière…Comme on le voit chez nous au moindre déplacement qu’il soit officiel ou seulement officieux.

Rien de tout cela. J’ai oublié et me suis replongée dans mon livre. Il y avait des groupes qui entraient et sortaient régulièrement. C’est ainsi qu’à un moment j’ai levé les yeux vers la porte et que je l’ai vue. Pas de foule, pas de bruit, pas de flash, des gardes du corps sans doute…une dizaine de personnes autour d’elle, souriante, accompagnée de son mari. Après la visite de l’exposition, elle quittait le Grand Palais comme tout le monde ou presque. C’était Victoria, la princesse héritière de Suède.

Dominique Baud

Une leçon de simplicité.

2010-09-30T00:02:35+02:00

Ma petite dernière, 10 ans, était inscrite à une visite de l’exposition MONET, au Grand Palais, suivie d’un atelier pratique. Je l’ai accompagnée et l’ai attendue sur place.

Dominique Baud

Un culte immergent

2010-02-18T07:46:00+01:00

Comment peut-on faire et vivre un culte de manière à impliquer le visiteur? Par l'accueil, le chant, la prédication? Quelle est la place du visuel et de l'émotion, qui sont traités de manière très variée d'une église à l'autre.

Henri Bacher, interpelé par une exposition du Grand Palais à Paris qui propose une oeuvre originale de Christian Boltanski intitulée «Personnes», nous oriente vers d'autres choses. Article "Plaidoyer pour des cultes « immergents »", à lire sur le blog de la FREE: http://lafreeblog.wordpress.com/

29. Boltanski au Grand Palais

2010-01-24T05:59:05+01:00

Actuellement se tient l'exposition de Christian Boltanski , intitulée "Personnes", dans le magnifique Grand Palais à Paris. Un cadre impressionnant pour cette œuvre éphémère qui suscite bien des questions ! À chacun d'y apporter une éventuelle réponse.

Si j'étais critique d'art, je dirais probablement que dans cette méta-installation, l'imaginaire virtuel conceptualise significativement le pensé signifiant à travers un discours très linéaire.

Ou bien encore, que dans cette structure, l'espace construit organise symboliquement une œuvre subjective par-delà une sensibilité exarcerbée.

Et enfin que, dans ce concept, le factuel hyperbolique dissèque spatialement l'imaginaire implicite au moyen d'une immense simplicité formelle.

Bon, mais je ne suis pas critique d'art contemporain, je vais donc me contenter de mes pauvres mots : en voyant cet amoncellement de vêtements, j'ai simplement songé aux tas de fripes que l'on voit régulièrement dans les entrepôts d'Emmaüs et où de pauvres bougres (rien de péjoratif dans mes mots) viennent se vêtir à moindre coût !

Actualité du peintre Jacki Maréchal

2009-11-03T19:45:00+01:00

- À Paris, au Grand Palais, du 3 au 9 novembre 2009 (Art en Capital) sous le patronnage du ministre de la culture. Suivre : Comparaisons, groupe « Signes et traces » .

- À Lyon, au Grand Dôme de L’Hôtel-Dieu, à l’occasion du 111 des Arts 2009, du 11 au 22 novembre 2009. Une dizaine de tableaux de la série « Les Familles française » .

Pierre-Auguste Renoir - Expo au Grand Palais

2009-09-23T06:35:00+02:00

Visite chez Renoir
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Centrale nucléaire disparue !

2009-08-27T17:07:00+02:00

Nom de D... ! Ils l'ont eue. En miettes la centrale nucléaire. Hop, passée à la trappe ni vu ni connu : ça faisait un moment que je la cherchais, et à chaque fois, je ne la trouvais pas ! J'ai compris ! ils l'ont virée. Il y avait au Palais de la Découverte une réplique aussi sympa que fidèle d'une centrale nucléaire dans la salle de l'énergie atomique. Jeune, je me souviens d'en avoir fait le tour avec amusement. J'escomptais que mes enfants en connaîtraient les contours. C'est raté ! Au nom du Grand Palais, on a depecé le Palais de la Découverte. Je m'en faisais l'écho le 25 avril dernier, sauf que je n'avais pas compris clairement de quel hall il s'agissait. Je trouvais juste que la réfection de la salle de l'énergie nucléaire durait drôlement. Un ami qui travaille au Palais m'a confirmé la disparition définitive de la centrale (que Rue 89 avait évoqué en avril dernier).

Mais il n'y a pas que la maquette qui a disparu. Voici ce que j'ai pu lire sur la page du Palais de la Découverte consacrée à la physique :

Jusqu'en janvier 2009 , le Palais de la découverte disposait d'une salle entière, de plusieurs centaines de mètres, consacrée à la physique du noyau atomique et des particules. S'y trouvait notamment un accélérateur de particules permettant de réaliser des expériences didactiques tout public de fusion, fission, activation et transmutation nucléaires : cette installation, unique au monde pour un établissement de ce genre, permettait de familiariser les visiteurs avec des notions souvent ardues de physique atomique et nucléaire. L'accélérateur ainsi que de nombreuses autres dispositifs expérimentaux ont dû être retirés et stockés, consécutivement à la cession de plus de 1000 mètres carrés de surfaces d'expositions au Grand Palais.Certains de ces dispositifs sont provisoirement présentés en salle optique.

Il me semblait bien, en effet, que quelque chose manquait. Et ensuite, on entend le même concert de pleureuses hypocrites se lamenter parce que les jeunes Français ne s'intéressent pas aux sciences. Il faudrait peut-être commencer par ne pas leur retirer la becquée de la bouche en sacrifiant, comme d'habitude, le fond aux apparences.

Le temps du regard

2009-07-04T21:34:19+02:00

L'exposition "Une image peut en cacher une autre" se tenait au Grand Palais jusqu'au 6 juillet 2009. On pouvait y observer un manège étrange : les visiteurs scrutaient chaque tableau avec une attention particulière, prenaient le temps de l'observation, traquaient les détails, s'approchaient du tableau pour mieux voir, ou au contraire s'en éloignaient pour déterminer la bonne distance qui allait révéler le mystère de la peinture, de la photographie ou de la sculpture proposées à leur regard. Mais où donc se niche la chouette ? quel rocher figure une tête humaine ? quel paysage est un corps nu de belle endormie ? quel est le double de cet homme au chapeau ? ah oui, un lapin ! Que représentent ces 80 animaux taxidermisés ? le couple de leurs assembleurs.

Tim Noble / Sue Webster - British Wildlife - 2000

Spectacle inhabituel dans les expositions où la foule est souvent un flot continu qui défile devant les tableaux regardés avec plus ou moins d'attention, voire carrément oubliés comme la belle ferronière qui ne voit que le profil des visiteurs du Louvre qui cherchent la Joconde. Mais ici, le visiteur était prévenu : il faut regarder, le spectacle est invisible au premier abord, il faut en percer le mystère pour en jouir, le regard quotidien ne saisit que la surface des choses. Reste à ne pas oublier la leçon en sortant de l'exposition.

Roller où ? Au Louvre ???? non au GRAND PALAIS !

2009-06-22T09:26:43+02:00

Pour les rolleux qui hantent encore la lettre de mh, dans le but d'y trouver quelques photos ayant trait à leur discipline préférée, je vous avertis : Vous allez être gâté.
Le Grand Palais vous ouvre ses portes !
Cela ne durera pas huit jours, juste un week-end, ce n'est pas si mal.

La randonnée du vendredi devrait y faire sa pause.

Il y aura, le reste du temps, des cours pour les débutants.(oui je sais, ça rime, c'est dans ma nature)

Et mention spéciale à l'expo photo de Claire.

Exposition photo « Paris, capitale du roller » .
Présentée à l'Hôtel de Ville de Paris à l'automne 2008, l'exposition dévoile l'histoire du roller, la vie des associations, les personnalités de la discipline.
Au programme : exposition le samedi et le dimanche de 12h à 18h. Accès libre.

Pour plus de renseignement aller faire un tour ici.

Profitez-en !
La prochaine fois, c'est dans la grande galerie du Louvre :-))

Mh, ancienne rolleuse ???

Allez je cite

Vendredi 26, Samedi 27 et Dimanche 28 juin, le Grand Palais ouvre gratuitement ses portes au public et accueille les associations de roller.
Initiation pour tous, perfectionnement, animations, démonstrations, musique, expo, venez apprendre, découvrir ou simplement rencontrer le monde du roller tout le WE.

Les temps forts à ne pas manquer :

Vendredi 26 juin :
- 22h30 : la rando traverse la nef sur toute sa longueur !
- 23h15 : profitez des 13500m² de la nef pendant la pause de la rando
Dimanche 28 juin :
- 16h00 : la rando Roller & Coquillage fait sa pause dans la nef du Grand Palais

97. Le tag au Grand Palais

2009-03-25T21:00:39+01:00

Du 27 mars au 26 avril se tient une exposition consacrée aux tags et graffiti dans le cadre prestigieux du Grand Palais à Paris. Voilà pour moi une bonne occasion de vous ressortir mes photos de graffiti !

Tout d'abord une série photographiée à Berlin en août 2001. Ces dessins ont été réalisés par des artistes venus du monde entier au moment de la chute du Mur de Berlin et chacun a illustré cet évènement. Il y a fort à parier que ces dessins ont aujourd'hui disparu du Mur.

Andy Warhol au Grand Palais

2009-03-23T08:19:00+01:00

Mercredi j’ai vu Andy, Debbie et Jackie aussi… Enfin, ça c’est la version courte (et en-i).

L’histoire, la voici : le Grand Palais, haut lieu culturel de Paris, acceille le grand monde d’Andy Warhol depuis le 18 mars dernier.
Il y a quelques semaines, je reçois un mail de mon Chouchou qui me propose un petit déj aux aurores, un mercredi de mars sur les Champs. Le magazine Elle nous a donc invité à découvrir, durant les dernières heures avant l’ouverture au public, l’expo de la star du Pop Art.

Ce mercredi 18 mars, il faisait beau, et c’est escortée du soleil éclatant que je rejoins Tom devant l’entrée Clémenceau, on s’attable pour un café et des brochettes de fruits frais et on suit (presque sagement) le conférencier qui explique tout bien pendant la visite. Ainsi, je n’ai plus de doute sur le procédé de la sérigraphie cher à l’artiste et j’ai appris l’existence du Factory du Monsieur, tout ça. Je ne connais que les pièces cultissimes d’Andy, l’expo est donc riche en surprises : le papier peint Mao et vache, Jackie à l’enterrement de JFK, le crâne d’un certain Philip, etc.

Mon moment préféré ? L’escalier du grand palais baigné par le soleil, le mur couvert de Unes warholiennes vintage où l’on s’amuse à reconnaître Isabelle Adjani, Brigitte Bardot, Mick Jagger, Diane Von Furstenberg et autres VIP figés pour l’éternité par l’œil d’Andy. Mes pièces favorites ? Le Debbie Harris (aka Blondie) et le Clint Eastwood (bien avant ses 102 ans).

L’expo m’a plu parce que j’étais bien accompagnée, et évidemment parce que découvrir l’univers d’Andy Warhol avec un conférencier intarissable en décodeur ça aide. Si je transpose en version 2H de queue, 10€ de tickets et personne pour m'expliquer rien, ben d'un coup je suis moins sûre d'aimer... Mais pour les fans, y'a pas de raison de ne pas aller découvrir une fois encore ce lieu sublime qu'est le Grand Palais.

Neige au Palais

2009-02-03T16:16:00+01:00

Lundi 02 février 2009 | Il re-neige sur Paris, cette fois-ci sans alerte idoine, et la conséquence de cela est qu'il n'y a AUCUN ORLYBUS pour aller à l'aéroport éponyme, où je bosse les lundis et jeudis... Je dois donc prendre un RER B qui reste bloqué à quai pendant un quart d'heure, puis me faire racketter de payer 7,5 euros pour utiliser le ORLYVAL (d'où j'ai pris la photo ci-dessous), géré par une boîte privée, et qui n'accepte conséquemment pas le PASS NAVIGO ! ARGH, j'ai bien cru que j'allais pêter un plomb dès ce début de semaine !!! Heureusement, le traffic ORLYBUS sera rétabli dans l'après-midi, me permettant de me rendre sans encombres au Grand Palais pour visiter, en compagnie de ma Bergère, l'expo de Yann Arthus-Bertrand, qui vaut le coup d'oeil de part l'humanité qu'elle dégage.