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Sans pitié

2017-08-15T14:48:20+02:00

T’as de beaux bleus, tu sais

SANS PITIE (BULHANDANG) - Sung-Byung Hung

Bancal, le film sud-coréen projeté à Cannes ? Certes, mais bien plus réjouissant que tous les blockbusters américains de ces derniers temps. Il suffit parfois de quelques biceps, de costards et d’attitudes classes et de beaucoup, beaucoup de sang, pour convaincre.

Le film de Sung-Byung Hung peut soulever une certaine déception dans les portraits qu’il érige des milieux policiers et mafieux. Sans-pitié se construit selon un affrontement entre les deux entités, affrontement qui se cristallise au travers de la collaboration entre le vétéran Jae-ho (Kyung-gu Sol) et le jeune Hyun-su (Si-wan Yim) Le scénario révèle que ce dernier est, malgré son attitude de chien enragé, une taupe au sein du groupuscule mafieux où Jae-ho agit. Les deux personnages se rencontrent en prison, espace forcé de cohabitation où les duperies s’enchaînent, entre deux confessions intimes. Les volte-face incessants à coups de flash-backs auraient pu épuiser et vite dégonfler la tension comme un ballon de baudruche. Seulement, la dynamique du montage, l’interprétation charismatique de nos deux beaux mecs en affrontement - qui sont au-delà représentatifs de deux générations actoriales différentes - ainsi que le plaisir visible de l’entreprise réjouissent de bout en bout.

En revanche, et c’est là le second levier mal enclenché de Sans pitié, la lecture pessimiste des relations de pouvoirs n’emmène pas sur des terrains de réflexion très éloignés. Que ce soit d’un côté ou de l’autre, on cherche le prestige et on fait face aux soubresauts des trahisons comme des corruptions. Rien de bien inattendu dans le tissu des intrigues secondaires ou dans le portrait de ces conflits de gangsters et policiers. Le film se révèle bien moins pertinent que d’autres de ses compagnons cinématographiques en terme de thriller policier. Des productions récentes comme Veteran (Seung-wan Ryoo), Asura (Sung-su Kim) ou Inside Men (Min-ho Woo) présentaient, sur des toiles de fond similaire, une fusion plus élaborée, plus perturbante et engagée entre le divertissement du spectacle cinématographique et l’inéluctable violence terrifiante des conflits entre le système et ses détracteurs. A l’inverse, Sans pitié se réfugie dans une vision plus anthologique et classique de la mafia comme de la police.

Néanmoins, balayé le souci d’y trouver une quelconque lecture plus profonde, Sans pitié embrasse avec cette belle énergie propre au blockbuster sud-coréen les facettes qui garantissent son succès. Scènes de combat, rarement doublées, à l’inventivité jouissive, passage toujours troublant de l’affrontement burlesque à la sourde cruauté, humour noir et attitudes de gentleman en contraste avec les réactions enragées des personnages. Les nombreuses duperies du film, en ce sens, servent totalement cette antithèse inhérente aux protagonistes des films d’action sud-coréens. Le physique impeccable, digne d’un top-modèle, la chemise immaculée et le costard sur mesure soutiennent une première façade d’élégance classe… vite détruite par une folie furieuse, une cruauté sourde où les poings s’abattent sans se soucier du sang qui s’étale sur les habits. Cohabitation souvent douloureuse, héritière du yakuza japonais, fortement incarnée dans les premiers films de Chan-wook Park (le méchant d’Old Boy) ou de Jee-woon Kim (les interprétations de son acteur fétiche Byung-hun Lee dans A Bittersweet Life ou J’ai rencontré le Diable).

Cet héritage est palpable chez Hyun-sun et son visage ravageur de bébé. La star Si-wan Yim propose une interprétation fort convaincante du jeune “chien enragé”, jamais poussive ni convenue. Face à lui, le personnage de Jae-ho est encore plus ambigu. Il faut dire que la profondeur de ce dernier tient pour beaucoup à la présence de Kyung-gu Sol, acteur culte qui a traversé tout le cinéma de ces deux dernières décennies, embrassé tous les genres et types de rôles - il est notamment le puissant interprète des premiers films de Chang-dong Lee (Peppermint Candy, Oasis). Parce qu’il se retrouve dans la peau d’un des archétypes du thriller sud-coréen, ce monument d’acteur lui donne une ambivalence nouvelle et surprenante. Les intentions réelles de Jae-ho ne font que s’opacifier au fur et à mesure du récit, en dépit des commentaires frivoles, en dépit des comportements puérils.

L’ambivalence porte également la relation entre Hyun-sun et Jae-ho, à multiples niveaux. La complicité des acteurs met en place un curieux duo, puisqu’ils sont à la fois synchrones, à la fois totalement en décalage. Choix judicieux de réunir deux personnalités très différentes - l’un est emblématique du cinéma sud-coréen, notamment indépendant, des années 1990 et 2000 ; l’autre fait parti de la génération des jeunes pop-idols versés dans le drama - pour mieux faire ressortir la méfiance, les actes de confiance comme de trahison. Tour-à-tour, Tae-ho et Hyun-sun incarnent l’équilibre du gangster et du policier, du mentor et du disciple ; amis ou rivaux, jaloux l’un de l’autre, attirés l’un par l’autre ?

Au vu des intentions suggestives de certaines scènes, Sans pitié est-il un film de baston ou une histoire d’amour ? Ou les deux à la fois ? En tout cas, lors du premier échange entre le vieux vétéran et le jeune rageux, la traduction française s’est, de manière inconsciente, calquée sur la célèbre réplique de Jean Gabin. T’as de beaux bleus, à défaut de beaux yeux. Le duo calque ses origines entre le buddy movie et la bromance. Rien d’étonnant, c’est l’adage des films d’action asiatiques d’aujourd’hui, un adage qui floute encore plus les rapports entre deux personnages.

Au cours du film, certaines ombres cinématographiques apparaissent. Johnnie To, dans ce buddy movie/bromance et dans l’élégance des scènes d’action nocturne. Mais aussi Tarantino par les éclats vifs de vengeance cynique, aussi présents dans Asura l’an dernier. Mais il est une référence surprenante, et bien plus intrigante, qui est convoquée lors d’une scène sur la plage. La troupe de sous-fifres de Jae-ho passe du bon temps, avant le dernier tiers ravageur du film, à traîner sur le sable. Les gangsters impitoyables deviennent soudain fous comme des gamins, s’amusent puérilement avec des feux d’artifice et perdent leur condition de mafieux le temps d’une scène. Evidemment, cet espace d’oisiveté pure dresse un parallèle frappant avec Sonatine de Takeshi Kitano. On doit au moins à Sans pitié d’avoir réussi à laisser filtrer, entre deux scènes de combat amusantes ou quelques répliques d’un feuilleton de vengeance, quelques pointes de mélancolie.

Critique du Jour d'après

2017-07-11T14:48:00+02:00

Cette capacité à oublier

LE JOUR D’APRES (GEU-HU) - Hong Sang-soo

D’une confusion délicieuse, le dernier film de Hong Sang-soo repousse avec malice les frontières du vaudeville et charme par ses patients jeux de subversion des tons. Il laisse en outre transparaître, à travers ce vaudeville à quatre, son éclatant amour pour l’actrice Kim Min-hee.

Est-ce un drame, est-ce une comédie ? Est-ce un souvenir, est-ce le temps présent ? Ces deux axes ne cessent de troubler le spectateur tout au long du film. Dès les premiers plans, le cinéaste sud-coréen s’amuse avec les suppositions et les fausses pistes, puisqu’il introduit son personnage Bongman (Kwon Haehyo), seul, se levant puis prenant son petit-déjeuner à table, l’air morose. Intervient dès lors cette fameuse utilisation du zoom, marque de fabrique chère au réalisateur. Le cadre s’élargit et laisse apparaître la femme du personnage. La mélancolie du début est soudainement brisée et le protagoniste homme change soudainement de visage : de célibataire en vague à l’âme, il passe au statut de mari bien installé mais secrètement insatisfait. Séquence qui s’instaure comme synecdoque du cinéma d’Hong Sang-soo, et où le mouvement technique déconstruit en un plan les apparences pour révéler l’inconstance des êtres. De la même manière, l’utilisation d’une mélodramatique musique de film à plusieurs reprises perturbe aussi l’interprétation des événements. Cette fois-ci, il s’agit de renforcer, presque de manière abusive, la tragédie des scènes, comme celle des lamentations du couple en crise. Mais cette exagération comporte également ses pointes de cynisme et indique par saillies la lâcheté du protagoniste masculin, qui se perd en mensonges auprès de ses différentes compagnes.

La première partie est par ailleurs d’une précision fine et habile dans l'enchevêtrement des flash-backs comme du temps présent. Longuement, on ne sait où se situe la réalité du moment et les deux femmes qui interviennent dans la vie de Bongman paraissent se confondre ou se faire écho. La croisée des temps renvoie à la croisée des sentiments, mais aussi à l’éphémère de l’intensité des relations. Chez Hong Sang-soo, il y a cette tendance à oublier les promesses du passé, à contredire les mots proférés auparavant. De fait, le doute persistant du film établit un constant besoin de remise en contexte des événements. Celui-ci se transcrit dans ces longues conversations qui lient réflexions profondes à constatations triviales et quotidiennes, et qui deviennent vite, sous la plume acérée du cinéaste et l’incarnation puissante des acteurs, prémisses des actions à venir ou révélateurs subtiles des vérités cachées.

Par rapport aux précédents films que j’ai pu découvrir du cinéaste, les choix de Hong Sang-soo me parurent plus marqués qu’auparavant. Un noir et blanc stylisé et prononcé, qui aime à souligner la force d’un hiver froid et tragique, mais comportant ses pointes de merveilleux. Celles-ci seraient-elles liées à Kim Min-hee, compagne et muse du cinéaste ? Le personnage de l’actrice est en tout cas le plus intéressant du Jour d’après. Elle est le quatrième morceau involontaire d’un triangle amoureux, celle qui remet en question les sentiments et les décisions du héros masculin, qui débarque à l’improviste, qui fait figure de substitution au mauvais moment. Regard décalé sur ce qui se passe, figure de la raison, femme de passage qui démêlera un tout petit peu la fausseté des sentiments de Bongman.

Ce n’est guère un hasard si le thème de la religion fait son apparition dans Le Jour d’après. Car les accents du miracle surgissent à travers le discours du protagoniste féminin, mais encore plus dans ses quelques apparitions. La profession de foi du personnage se veut une résistance contre cette tendance à oublier la tragédie. Au final, c’est la seule qui se souvient des quiproquos et des douleurs de chacun des trois autres protagonistes. Dans cette logique, le plus beau plan du film demeure celui de l’actrice dans le taxi. Cadré très serré, il laisse filtrer de manière presque pudique la passion du cinéaste. Nous sommes loin d’un scepticisme dans ce plan, qui se range définitivement du côté d’un éblouissement spirituel.

Compte rendu détaillé et palmarès du Festival de Cannes 2017

2017-05-28T23:45:00+02:00

Chaque année, depuis 17 ans, à la même période, je me retrouve prisonnière volontaire d’un labyrinthe délicieusement inextricable dont les frontières sont délimitées par les confins d’une ville appelée Cannes qui, pendant douze jours, devient le centre du monde. Ou du moins nous en donne la troublante illusion et s’en enorgueillit. Là où bat le cœur exalté et insatiable du cinéma. Là où jours et nuits, réalité et fiction s’imbriquent et se contaminent étrangement. Du moins est-ce le centre du monde pour ceux qui y évoluent et qui, parfois, pourtant, oublient le privilège que représentent ces journées vécues au rythme du cinéma, à voyager immobiles dans les cinématographies du monde entier, à regarder la réalité du monde, âpre souvent, confortablement installés à l’abri de ses tumultes.

Moi aussi, pourtant, je me dis chaque année que ce sera celle de mon dernier Festival de Cannes et puis une nouvelle édition approchant, l’envie de cinéma, de cette atmosphère si particulière qui nous laisse rêver que cela durera toujours, la perspective de ces journées effrénées baignées de septième art, finissent toujours par l’emporter sur cette phrase écrite par l’ancien Président du Festival de Cannes, Gilles Jacob, une phrase que je ressasse toujours, parce que Cannes, ce sont aussi ses exigeants irascibles, ses harassés harassants, ses fiers intransigeants, ses aveugles à l’autre : « Cannes n’est pas un paradis pour les âmes sensibles ». Mais cela demeure un paradis pour les amoureux fous du cinéma. Alors tant pis pour les bleus à l’âme et ce sentiment chaque année, à la fin du festival, de repartir grisée et légèrement désenchantée…

Cette année, du premier au dernier jour, de la première à la dernière montée des marches a régné un soleil insolent qui a encore renforcé ce sentiment d’irréalité, de vivre dans une bulle voluptueuse, coupés du reste du monde. L’indispensable sécurité, omniprésente, nous rappelait pourtant constamment que le monde extérieur au labyrinthe avait basculé dans l’insensé et l’impensable. Et c’est sans doute ce qui me marque et me désarçonne toujours autant à Cannes. Même après 17 ans. Ce décalage, parfois ludique, parfois effarant. Ces contrastes et paradoxes saisissants. Cette chaleur accablante à l’extérieur et cette réalité souvent glaçante sur les écrans. Cet enivrant oubli de l’ailleurs et du lendemain et cette fenêtre ouverte sur le monde. Ces festivaliers qui s’émeuvent et s’offusquent des drames mis en lumière sur l’écran mais qui sont totalement insensibles à ceux qui se produisent au même moment, dans l’ombre, au-delà des frontières du labyrinthe. Et qui pourraient vous piétiner, et leur orgueil avec, pour une invitation.

Contraste entre l’euphorie et la mélancolie. Cannes qui célébrait ses 70 ans quelques heures après l’attentat de Manchester. Contraste entre tous ces films qui, cette année, mettaient en scène les écrans. Ceux, des smartphones, principalement, qui nous hypnotisent, nous capturent, nous captivent, nous rendent insensibles et imperméables à la réalité, qui instaurent une distance entre elle et nous, barricadant nos émotions, nous conduisant à privilégier l’image idéalisée et édulcorée de la réalité à l’instant présent. Ceux sur lesquels se précipitent les festivaliers pour donner leur avis en 140 caractères à peine la projection terminée. Cela a d’ailleurs été le sujet récurrent des films en lice. Ce monde narcissique, autocentré, dans lequel on converse avec soi-même, (ad)mire son propre reflet. Des cris dans le silence, aussi. Des bavardages vains. La difficulté à communiquer, à exprimer ses sentiments tout en les galvaudant. Contrastes et paradoxes que résumait si bien le titre ironique du film d’Haneke. Happy end.

Contraste entre cette photo de moi posant, souriante, tenant mon premier roman, avec son sujet : l’évocation d’ un deuil et d’un hiatus entre le festival et le drame intime, l’indifférence à celui-ci vécue par la protagoniste en plein Festival de Cannes, notamment dans la suite "Mélodie" (inspirée du film "Mélodie en sous-sol") où je posais ce jour-là, ironiquement entre les deux acteurs pour lesquels je partageais une grande admiration avec l’être cher dont l’intolérable disparition est à l’origine de l’écriture de ce livre. Valse étourdissante entre la réalité et la fiction. « Le festival ne fait que jouer son rôle de miroir dans lequel se reflètent nos zones d’ombre mais aussi de lumière» a ainsi déclaré la maîtresse de cérémonie de cette 70ème édition. Merci au passage à l’équipe de l’hôtel Barrière Le Majestic pour les coups de projecteur sur le roman pendant le festival, mon article ici.

C’est pourtant aussi pour ces contrastes et paradoxes, ses excès et ses contradictions, que j’aime ce festival. Ces retours, le soir, sur la Croisette, portée par la force et la beauté d’un film, avec l’impression d’être dans son prolongement ou dans le plan-séquence d’un long-métrage de Fellini où se côtoieraient les êtres les plus élégants et les dégaines les plus improbables. Ces rencontres et ces instants magiques qui procurent la sensation d’avoir traversé l’écran. Comme ce jour-là où par hasard j’ai retrouvé mon premier roman choisi pour orner le décor d’une soirée où j'ai eu le plaisir d'évoquer Claude Sautet avec l'affable et généreux Pierre Gagnaire (avant d'avoir le privilège de déguster sa succulente cuisine) qui avait choisi le « cinéaste de la dissonance » comme thème de ce dîner, lui aussi passionné par le cinéma du réalisateur français. Les tables étaient ornées de citations de « César et Rosalie ». Il manquait juste ma préférée qui, tout le dîner, m’a accompagnée comme une douce mélopée : « Ce n’est pas ton indifférence qui me tourmente, c’est le nom que je lui donne : la rancune, l’oubli. David, César sera toujours César, et toi, tu seras toujours David, qui m’emmène sans m’emporter, qui me tient sans me prendre et qui m’aime sans me vouloir… ». Pour le récit de ce dîner, cliquez ici.

C’est aussi pour ces soirées hors du temps. Comme ce soir-là dans un décor digne du « Guépard » sous les ors du Carlton mais dans une ambiance qui lorgnait plutôt du côté des dîners conviviaux de Claude Sautet grâce à un agréable voisinage à la table de l’ancien et irremplaçable président du Festival de Cannes (toujours président de la Cinéfondation, objet du dîner ce soir-là) qui lui a transmis son élégance, qui manque parfois désormais, si rare en tout cas. Et puis le Carlton, légendaire, dont l’Histoire est un film. Qui nous donne la sensation de jouer notre rôle dans le long-métrage qui s’y écrirait jour après jour. Pour moi, le Carlton c’est à jamais « La Main au collet ». Hitchcock. Grace Kelly. Cary Grant. D’autres élégants irremplaçables. Ou peut-être ce soir-là l’ambiance était-elle Woodyallenienne. Midnight in Cannes. Il manquait juste l’air de jazz pour nous accompagner et achever de nous convaincre que nous avions remonté le temps.

C’est aussi assister à cette passionnante master-class de Clint Eastwood qui a répondu avec application et avec humour souvent à des questions parfois laborieusement lues. Robert Kincaid. Quel bonheur d’entendre l’acteur/réalisateur d’un de mes films préférés « Sur la route de Madison » (même s’il n’avait pas l’air très enthousiaste, et c’est un euphémisme, en évoquant Meryl Streep).

Et puis il y a tous ces plans de films inoubliables qui à eux seuls valaient le voyage, les derniers plans souvent, ceux des films d’Haneke, de Kiarostami, de Campillo, de Zvyagintsev. Gravés dans ma mémoire. Avec la force des souvenirs de ma propre existence.

Cette exaltation en découvrant un film à la première projection de 8H30. Cette émotion chaque année renouvelée en pénétrant dans le Grand Théâtre Lumière, antre du septième art, réminiscence de celle éprouvée il y a 17 ans, lors de mon premier Festival de Cannes. Me rappelant à chaque fois aussi l’enfant que j’étais qui regardait tout cela par le prisme de l’écran de télévision comme un univers mystérieux et inaccessible. Impressionnée. Ce moment où la salle retient son souffle avant de découvrir les premiers plans qui nous happent dans un nouvel univers. Cette impression que tout y est possible, que cela ne s’arrêtera jamais. Que la vie, c’est du cinéma. Qu’on peut parler de cinéma à toute heure du jour et de la nuit. Ou demander à son interlocuteur ce qu’il a pensé du film qu’il vient de voir avant de lui demander comment il va. Le pouls du cinéma.

C’est être fascinée devant un film hongrois et l’instant d’après, sur le toit du palais des festivals, regarder le soleil décliner, face à une vue à couper le souffle, tout en écoutant religieusement Michel Legrand réinterpréter magistralement avec une générosité et une énergie admirables la musique des « Parapluies de Cherbourg » sur différents tempos, nous procurant la sensation de nous envoler et de voltiger comme dans ledit film hongrois. Sublime. Inoubliable.

Alors, tant pis, je n’ai pas participé à cette course contre la montre qui consiste à donner son avis à peine la projection terminée. A ce jeu, je préfère celui des correspondances. Et prendre le temps de mettre un peu d’ordre dans ce kaléidoscope d’émotions et d’images. Le temps de voir celles qui résistent à son écoulement. Impriment et imprègnent ma mémoire. Je vous donnerai donc ici un avis global sur les films (moins nombreux cette année parce que l’objectif était pour moi avant tout de profiter de ma présence sur la Croisette pour communiquer sur ce roman et ce recueil qui me tiennent à cœur et qui évoquent d’ailleurs ma passion pour ce festival) avant de vous livrer mes critiques détaillées (souhaitant d’ailleurs revoir certains films au préalable mais aussi voir la palme d’or que j’ai manquée pour vous livrer des critiques dignes de ce nom). En attendant, voici mes premières impressions…

1/ MISE EN ABYME

Je réalise que j’ai souvent donné ce titre à mes bilans du Festival de Cannes, sans doute parce que les cinéastes, les grands cinéastes, affectionnent les parallèles, les enchevêtrements, les métaphores, le double jeu, l’évocation du cinéma (et l’Histoire du cinéma n’est pas avare de chefs-d’œuvre dans ce domaine). Je me souviens ainsi des ensorcelantes « Etreintes brisées » de Pedro Almodovar en 2009. Cette année-là, le président du jury du Festival de Cannes 2017, à nouveau, n’était pas reparti avec le prix, cette palme d’or qu’il aurait méritée tant de fois et qui ne figure toujours pas à son palmarès. Il n’avait d’ailleurs rien reçu pour ce film.

- « Les Fantômes d’Ismaël » d’Arnaud Desplechin (film d’ouver

Le programme du 70ème Festival de Cannes (conférence de presse du 13 avril 2017)

2017-04-20T09:48:49+02:00

Hier matin avait lieu la conférence de presse du Festival de Cannes 2017 lors de laquelle a été annoncée la sélection officielle, comme chaque année un évènement très attendu des cinéphiles et festivaliers, a fortiori cette année puisque le festival célèbrera ses 70 ans. J’ai du mal à croire qu’il s’agira déjà de mon 17ème Festival de Cannes depuis ma première participation grâce au prix de la jeunesse en 2001. Je me souviens encore de mon émotion indicible lorsque j’étais entrée dans le Grand Théâtre Lumière la première fois. Depuis, à Cannes, tant d’autres émotions, tant de souvenirs inénarrables, tant d'incroyables découvertes cinématographiques. Je me souviens encore des mémorables festivités du 60ème et du 65ème…
Vous pourrez ainsi me suivre en direct du festival sur mes blogs Inthemoodforcinema.com et Inthemoodforfilmfestivals.com et bien sûr sur mon blog consacré au festival Inthemoodforcannes.com sur lequel vous pourrez d’ores et déjà trouver de nombreuses informations sur le festival. Vous pourrez aussi me suivre en direct du festival sur mes réseaux sociaux : twitter (@Sandra_Meziere /@moodforcannes), instagram (@sandra_meziere), et sur la page Facebook Inthemoodforcannes.com (http://facebook.com/inthemoodforcannes.com). Vous pouvez aussi d’ores et déjà plonger dans l’atmosphère du festival avec mon premier roman « L’amor dans l’âme » publié aux Editions du 38 et dont l’intrigue se déroule dans le cadre du Festival de Cannes et mon recueil de 16 nouvelles sur les festivals de cinéma « Les illusions parallèles » qui comprend aussi deux nouvelles sur Cannes, publié par le même éditeur. Ici, quelques critiques qui, peut-être, sauront vous convaincre de découvrir ces livres qui sont aussi et avant tout des déclarations d'amour au cinéma, aux festivals et évidemment au Festival de Cannes. Puisque de livres il est question, sachez également que pour sa 70ème édition, le festival publie "Ces années-là", l'histoire du festival racontée par des critiques de cinéma du monde entier. Un livre écrit sous la direction de Thierry Frémaux avec une préface de Pierre Lescure. A paraître le 10 mai 2017 aux Editions Stock.
Comme chaque année, devant un parterre de journalistes impatients et de toutes nationalités, c’est au délégué général du festival Thierry Frémaux et au président Pierre Lescure qu’est revenue la tâche de révéler la sélection officielle, depuis l'UGC Normandie, sur les Champs-Élysées.
Pierre Lescure a d’abord rappelé que ce festival serait comme toujours « un moment suspendu », cette édition ayant en effet lieu entre l’élection présidentielle et les législatives. « Ce sera un moment politique », a-t-il ajouté. « Cette 70ème édition va se trouver dans un contexte historique français et international intéressant ». Il a également souhaité une édition « stable, festive » tandis que Thierry Frémaux a prôné un festival 2017 « joyeux, collectif, humain ». A propos de politique, rôle et résonance qu’on attribue toujours au festival (et ce fut d’ailleurs à nouveau le cas avec la palme d’or 2016), Thierry Frémaux a tenu à préciser : « On dit souvent que le festival est politique. Ce n'est pas nous qui sommes politiques mais les auteurs qui le sont ». Le « Festival de Cannes reste dédié à l'art et au 7ème art. Mais c'est aussi une promesse du vivre ensemble » a également ajouté Thierry Frémaux.
Ce dernier a également évoqué le cornélien puzzle qu’a représenté la constitution de cette sélection officielle 2017. « Quand on construit une compétition avec une part non négligeable de gens habitués, quand ils sont moins nombreux, vous ne trouvez pas de quoi faire une compétition du niveau de celle de Cannes. » «Cette année, la compétition s'est dessinée tardivement » a-t-il également précisé ajoutant que « sont beaucoup évoqués dans les films l'exaltation et le manque du vivre ensemble ». « Ce festival, on avait l'intention qu'il soit sinon une parenthèse, au moins une respiration » a également insisté Pierre Lescure. Indéniablement, même s’il est chaque année une fenêtre ouverte sur le monde, même s’il se fait l’écho de ses drames, de ses blessures, de ses colères, parallèlement, le festival est aussi une parenthèse dans sa course effrénée.
Nous savions déjà que cette édition se déroulerait du 17 au 28 Mai 2017, que le cinéaste espagnol Pedro Almodovar en serait le président du jury (lui qui n’a jamais eu la palme d’or et l’aurait méritée tant de fois), que la tourbillonnante affiche mettait en scène la somptueuse et lumineuse actrice Claudia Cardinale, que Monica Bellucci sera la maîtresse des cérémonies du Festival, que Sandrine Kiberlain présiderait le jury de la Caméra d'or et Cristian Mungiu celui de la compétition des courts métrages et de la Cinéfondation (toujours présidée par Gilles Jacob qui l'a fondée, l'occasion de vous recommander son excellent livre "Un homme cruel"). Quant à la sélection de la Quinzaine des réalisateurs, elle sera annoncée le 20 avril et celle de la Semaine de la critique le 24 avril.
Le festival a reçu (et visionné) cette année 1930 longs-métrages parmi lesquels ont été sélectionnés 49 longs métrages provenant de 29 pays différents et 9 premiers films en sélection officielle. 12 réalisatrices figurent également dans la sélection, a précisé Thierry Frémaux, devançant les habituelles remarques à ce sujet.
Concernant les évènements liés à cet anniversaire, nous en saurons plus dans les jours à venir. Thierry Frémaux a d’ores et déjà annoncé que Cannes classics offrirait une programmation dédiée à des films et documentaires en lien avec l’histoire du festival…et vous savez à quel point j’aime cette section du festival. Cette année, je la couvrirai tout particulièrement. « Une grande partie des films sélectionnés pour Cannes Classics font partie de l'histoire du festival, à commencer par La bataille du rail », a également annoncé le délégué général du festival.
18 films seront en lice pour la palme d’or et pour succéder à « Moi Daniel Blake » de Ken Loach, des films réalisés par : Michael Haneke, François Ozon, Michel Hazanavicius, Jacques Doillon, Sofia Coppola, Fatih Akin, Noah Baumbach, Bong Joon-Ho, Robin Campillo, Todd Haynes, Hong Sangsoo, Naomi Kawase, Yorgos Lanthimos, Sergei Loznitsa, Kornel Mundruczo,Lynne Ramsay, Benny Safdie et Josh Safdie, Andrey Zvyangintsev.
Thierry Frémaux a d’abord annoncé que pour la première fois le festival programmerait un film en réalité virtuelle de quelques minutes, « Chair et sable », réalisé par Alejandro Gonzalez Inarritu. Cette technique emmènera le spectateur "vers des espaces imaginaires et des mondes différents" promet Thierry Frémaux. « À partir de faits bien réels, les lignes qui semblent habituellement séparer le sujet observé de son observateur se trouvent ici brouillées quand chacun est invité à se déplacer à l’intérieur d’un vaste espace, en suivant des réfugiés et en en vivant intensément une partie de leur périple. « CARNE Y ARENA » utilise ainsi de façon totalement inédite la technologie virtuelle la plus sophistiquée pour créer un espace infini de narrations multiples peuplé de personnages réels. Installation expérimentale et visuelle, « CARNE Y ARENA » est une expérience à vivre en solo pendant 6 minutes 30. Elle est proposée par Alejandro G. Iñárritu et son équipe de fidèles collaborateurs parmi lesquels son directeur de la photographie déjà récompensé de trois Oscars Emmanuel Lubezki, la productrice Mary Parent ou l’équipe de ILMxLAB. » Après « The Revenant », nous attendons avec impatience cette nouvelle réalisation qui promet d’être singulière.
Au programme également cette année, des séries avec d’abord « Top of the Lake » de Jane Campion, l’occasion de retrouver à Cannes la seule femme ayant obtenu la palme d’or (en 1993 pour "La leçon de piano"), mais aussi deux épisodes de la troisième saison tant attendue de « Twin Peaks » de David Lynch. «C'est parce que ces deux séries sont signées Lynch et Campion que nous montrons leurs films, c'est une façon de donner des nouvelles de quelques cinéastes qui nous sont chers», a ainsi déclaré Thierry Frémaux.
Thierry Frémaux a également annoncé des « séances plus spéciales », car liées au 70ème anniversaire parmi lesquelles un hommage à Wajda (avec notamment la présence de Lech Walesa), la présentation d’un film posthume d’Abbas Kiarostami. Kristen Stewart, quant à elle, montrera un court-métrage qu'elle a réalisé, intitulé « Come Swim ». Ces séances sont annoncées comme des événements du 70ème anniversaire ainsi que les séries précédemment évoquées.
C’est le nouveau film d’Arnaud Desplechin, « Les Fantômes d’Ismaël », avec Charlotte Gainsbourg et Marion Cotillard, qui ouvrira ce 70ème festival, hors compétition, après le réjouissant « Café Society » de Woody Allen l’an passé. Synopsis : Ismaël Vuillard fabrique des films. Celui qu’il invente en ce moment est le portrait d’Ivan, un diplomate atypique inspiré de son frère. Avec Bloom, son maître et beau-père, Ismaël pleure encore la mort de Carlotta, disparue il y a vingt ans. Aux côtés de Sylvia, Ismaël s’est inventé une nouvelle vie, lumineuse; mais un jour, Carlotta, déclarée officiellement mort