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Diderot et ”les arts bruts”, retour sur la première utilisation du terme...

2023-05-29T13:10:00+02:00

C'est ici l'occasion de renvoyer les lecteurs, surtout nouvellement arrivés, et n'ayant pas (encore) eu l'envie ou le loisir d'explorer le passé de ce blog vieux de seize années, vers une note vieille, elle, de dix ans, due à Emmanuel Boussuge, qui possède, entre autres centres d'intérêt, la passion du XVIIIe siècle chevillée au corps. Cette note répondait à une question que je lui avais soumise en privé, concernant l'utilisation par Diderot du terme "art brut" dans un de ses textes de 1765 ou de 1767, utilisation qui avait été relevée par la chercheuse d'art brut Céline Delavaux dans son livre L'art brut, un fantasme de peintre, paru chez Palette en 2010. Voici cette note en lien.

Il se trouve que le camarade Emmanuel vient de voir la même note enfin éditée, avec un retard conséquent, dans un recueil de contributions diverses intitulée Lumières, ombres et trémulations. Hommages au professeur Jacques Wagner (Hermann, 2022 ; cette date étant fictive puisque le livre n'est sorti que tout récemment, en 2023 donc). Elle est quasiment identique dans ce livre à la note de ce blog. On peut s'en convaincre en la lisant ici, dans un autre lien, cette fois vers le fichier en PDF. Pour des besoins de "dynamisme" dans la conduite de son étude, Emmanuel m'y campe en curieux qui pourrait se révéler "déçu" en découvrant les distinctions qu'il opère entre l'art brut de Dubuffet et les "arts bruts" qu'envisageait deux siècles plus tôt le philosophe bien connu, auteur entre autres de l'Encyclopédie.

Or, je ne l'ai été nullement, "déçu.".. Lisant Delavaux, j'avais trouvé normal d'interroger un dix-huitièmiste distingué sur ce premier rapprochement de "brut" avec "art" dans l'histoire de l'art, sans rien attendre, forcément, de spectaculaire en retour. Juste un peu d'éclaircissement.

J'éprouve cependant aujourd'hui le besoin de faire retour sur le distingo boussugien. Si je comprends que les arts bruts, dont parle Diderot, sont vus par ce dernier comme une phase mal dégrossie du langage artistique premier, qui doit mener par paliers à un art raffiné de grand goût classique, que le philosophe paraît priser, je constate qu'Emmanuel dans la suite de son texte paraît infléchir sa réflexion, au point d'établir comme un double début de contradiction concernant la vision de Diderot, et surtout vis-à-vis de la conclusion qu'en tire Emmanuel.

En effet, Diderot, d'une part, critique le maniérisme, qui surgit peu à peu après le règne du goût classique (maniérisme qu'Eugenio d'Ors (1881-1954), bien plus tard, dans dans son livre Du Baroque (1935), verra lui, au contraire, positivement, y associant les arts et coutumes populaires¹, tandis que les illustrations du livre, en 1968, y rattachèrent le Palais Idéal du Facteur Cheval), car il y voit une "décadence", une "mauvaise imitation" due à des "singes appliqués à copier des modèles ayant perdu toute vigueur", ce qui le rapprocherait, selon Emmanuel, de Dubuffet conspuant les arts culturels. Donc, se dit le lecteur, Diderot aurait été à cet endroit, proche de Dubuffet (passons sur le fait que Dubuffet ne conspuait pas la "mauvaise" imitation, mais toute imitation en réalité). Première contradiction avec le distingo initial d'Emmanuel. Mais une deuxième contradiction s'ajoute alors à la première dans la suite de l'étude de l'ami Boussuge. Il nous apprend en effet que Diderot ne répugnait pas à souligner que "la poésie veut quelque chose d'énorme, de barbare et de sauvage" ( et, ici, on croit véritablement entendre le Dubuffet de l'Honneur aux valeurs sauvages !), nécessaire pour lutter contre "l'affadissement généralisé" dû "au conformisme moutonnier et à la fausse originalité" de la période maniérée. Et c'est sans doute pourquoi Diderot, comme le signale encore Emmanuel, dans un passage étonnant de sa petite réponse à ma modeste question de 2016, s'intéresse à un sculpteur autodidacte, originaire de Langres, et passablement déséquilibré, qui modelait des figurines en argile qu'il balançait du haut de ses fenêtres, au fur et à mesure qu'il les trouvait réussies (il avait reçu "un coup de hache", comme dit le philosophe, employant là une expression dont notre "frappadingue" dérive sans doute, ainsi que l'expression "pète au casque" proposée par l'Aigre de Meaux dans les commentaires de notre note d'il y a dix ans).

Et Emmanuel de conclure tranquillement, après nous avoir répété que décidément Diderot et Dubuffet n'ont rien à voir, que "la caractérisation du personnage nous amène bien du côté de l'art brut".

Alors? Certes, la notion d'art brut au sens de Dubuffet, art sans nom produit en dehors de la culture artistique par des personnes restées obscures (au début...), n'a pas été inventé dès le XVIIIe siècle, mais on peut tout de même raisonnablement voir en Diderot un précurseur, sur la voie de la problématique des arts hors culture savante qui allaient nous ravir aux XXe et XXIe siècles. Il alla même assez loin en rapprochant les mots "art" et "brut", pour la première fois dans l'histoire de l'art. On sait que cette géniale invention terminologique a été pour beaucoup dans le succès sans cesse grandissant de l'art brut.

Qui sait si Dubuffet n'avait pas lu Diderot? Ce ne serait pas tellement étonnant étant donné le fin lettré qu'il était (plus fin lettré qu'homme du commun, rôle auquel il aurait aimé faire croire au début de l'aventure de son art brut) ! Pas pour inventer la notion, mais le terme d'art brut!

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¹ Voici un passage intéressant du livre d'Eugenio d'Ors : "Chansons populaires, costumes régionaux, mœurs locales charmantes, parurent (...) une chose séculaire, immémoriale pour mieux dire. En réalité, information prise, tout ceci date de la civilisation baroque. Du XVIIIe siècle surtout, de cette heure historique où, simultanément, parut l'Encyclopédie et se fixa le Folklore."

Václav Beránek, une présentation par Emmanuel Boussuge (1ère partie)

2019-12-09T23:47:00+01:00

Un naïf de première classe :

le peintre tchèque Václav Beránek

Portrait de Václav Beránek dans le livre d'Anatole Jakovsky, Les Peintres naïfs, Basilius press, Bâle, 1976.

C’est dans le petit appartement de Pavel Konečný, dans une barre d’immeuble d’Olomouc, que j’ai découvert l’œuvre de Václav Beránek. Sa plus grande toile, son chef-d’œuvre, La Reine des eaux et les naufragés, couvre en effet presque un mur du salon du collectionneur.

Pavel Konečný a trouvé des créations étonnantes à travers toute l’ancienne Tchécoslovaquie, mais aussi en Italie ou en Croatie, depuis les années soixante-dix. Art brut, art populaire, art naïf, Pavel a eu l’excellente idée de ne pas privilégier un champ unique et de laisser s’étendre sa curiosité dans diverses directions, sans segmenter outre mesure les domaines. L’ensemble qu’il a réuni, de par sa variété, possède une fraîcheur tout à fait particulière.

Pavel Konečný est un des plus actifs zélateurs des créateurs marginaux sans formation académique (quelle que soit leur étiquette) de toute la République tchèque et sans doute d’Europe centrale. On lui doit notamment un guide, l’Atlas des arts spontanés¹, absolument indispensable quand on voyage en République tchéque. Il a organisé de nombreuses expositions et aussi un petit festival de cinéma qui promeut les films dédiés à l’art brut. C’est à l’occasion de cette manifestation que nous avons visité Pavel avec toute une délégation française aussi peu officielle que possible. Il y avait Rémy Ricordeau qui présentait Bricoleurs de Paradis (bien connu des lecteurs de ce blog), Lilin Chen, ainsi que Katrin Backes et Sylvain Tanquerel.

Nous avons tous été estomaqués par La Reine des eaux, toile splendide qui défie les lois de la perspective. Les registres s’y entrechoquent de manière parfaitement inattendue. À la surface, le monde des hommes est celui des catastrophes, un naufrage en mer en l’occurrence. Sous les eaux, c’est toute une mythologie personnelle qui se déploie. La reine des mers est entourée de sirènes et de nombreux animaux marins, hiératiques comme sur des gravures de zoologie ou bien en mouvement – les deux cas se présentent. C’est le moment de l’inventaire du monde. L’Eden se ressource grâce aux merveilles de la science illustrée et se caractérise par une dimension érotique lumineuse. Deux femmes nues sont couronnées au fond des eaux : une est blonde et se tient à cheval dans un équilibre bien improbable sur une baleine, l’autre est brune, tient un poisson entre les mains et est dotée du trident de Neptune. Je me demande bien laquelle des deux est la Reine des eaux².

Václav Beránek, La Reine des Eaux, 1972 (collection et © photo Pavel Konečný).

Les mondes de la surface et celui des profondeurs communiquent puisque les sirènes vont sans hésitation à la rescousse des naufragés³. Cette représentation d’un sauvetage en mer n’est pas sans faire penser à la tradition des ex-voto répandue sur de nombreux continents mais étonne quand même un peu en Tchéquie, où les rivages sont passablement éloignés. Un rocher et une curieuse construction (un palais ?) sur la gauche de la toile dote le tableau d’un point de stabilité graphique qui tranche avec les mouvements de la mer. Mais sommes-nous sur le rivage ou sous la mer ? Il est absolument impossible de trancher. Dans le monde onirique de Beránek, les deux positions ne s’opposent nullement. De même, flotter, nager, voler, tout se déroule sur le même plan.

(Fin de la 1ère partie, à suivre...)

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¹. Pavel Konečný, Šimon Kadlčák, Atlas spontánního umění. Textes de Pavel Konečný, Šimon Kadlčák et Roberta Trapani. Composition graphique : Petr Hrůza, Marcela Vorlíčková. Artmap, Praha 2016. Les notices sont toutes bilingues, en tchèque et en anglais. Grand merci à Pierre-Jean Brachet et Delphine Beccaria de m’avoir mis entre les mains cette carte aux trésors.

². Pavel Konečný a répondu à ma question. Dans un premier temps, Beránek avait pensé faire de la reine brune, non pas une reine mais un roi, puis il a changé d’avis. Il y a donc deux reines sur le tableau. [Ou bien deux moments de cette reine ? Note de l’animateur du blog].

³. Cependant, si l’on se tourne vers un autre folklore attaché aux sirènes marines, il serait possible de voir ici, au rebours d’un sauvetage, comme une capture de naufragés, devenus les proies des sirènes. Anatole Le Braz dans son roman Le Sang de la Sirène, l’évoque fort bien, quand il parle des malédictions qui s’attachent aux sirènes d’Ouessant. Note de l’animateur du blog.

Václav Beránek, une présentation par Emmanuel Boussuge (2e partie)

2019-12-08T23:46:00+01:00

On sait que les sirènes sont une des obsessions tenaces du tenancier de ce blog, qui est aussi fort féru de naufrages¹. La toile de Beránek pouvait donc se retrouver ici en pays familier, mais c’est bien sûr d’abord parce que Beránek lui-même mérite grand intérêt, alors qu’il est très méconnu en France, qu’il faut en parler.

Václav Beránek, La Reine des Eaux, (détail), 1972 (coll. et phot. Pavel Konečný).

C’est comme peintre naïf qu’il obtint une certaine reconnaissance à la fin des années soixante. C’était un naïf très original, dénué de la mièvrerie que l’on accole bien trop automatiquement à cette catégorie. L’Encyclopédie mondiale de l’Art naïf (Edita, 1984), dit de lui qu’il est un « des cinq plus fascinants peintres naïfs de la Tchécoslovaquie ».

Václav Beránek, femmes dans un paysage, œuvre reproduite dans l’Encyclopédie mondiale de l’art naïf (sous la direction d’Otto Bihalji-Mérin et Nebojša-Bato Tomašević).

D’autres publications polonaises ou tchèques lui ont consacré quelques pages². Ses œuvres ont été exposées à Montréal (1967), Brno (1968), Lugano (1969) ou Bratislava (1969), et la dernière exposition de son vivant eut lieu à Olomouc en 1981, organisé par Pavel Konečný. Quelques-unes de ses toiles ont été acquises par des musées ou institutions. Il faudra un jour se renseigner sur les œuvres que possède la galerie nationale slovaque de Bratislava ou le fonds Max Fourny en France.

Les six pièces conservées au musée de Bohême du nord à Litoměřice méritent le détour car elles sont tout à fait remarquables. Deux films lui ont encore été consacrés. Le premier, tout spécialement difficile à voir (mais on ne désespère pas), date de 1972. Réalisé par Eugen Šinko, il est consacré aux artistes cheminots³. L’autre, bien plus récent, a été tourné en 2006 par Antonín Jiráček. Il dure 13 minutes et c’est une mine de renseignements, avec notamment les témoignages de la femme et du fils du peintre.

À partir de ce film et des quelques notices qui lui ont été consacrées, on peut retracer la biographie de ce personnage vraiment très attachant.

Václav Beránek est né le 7 juillet 1915 dans une famille paysanne du tout petit village de Bezděkov, en Bohème orientale, le dernier d’une fratrie de quatre. Son père meurt alors que Beránek n’a que sept ans. La famille avait été jusque-là relativement prospère, mais l’incident la plonge dans une grande précarité. Les privations exposent le jeune Václav Beránek à une forme de rachitisme. Cependant, ses frères et sœurs, bien plus âgés que lui, prennent soin de l’enfant et il est le seul d’entre eux à faire des études prolongées au-delà de l’école primaire. Il acquiert d’abord une formation de menuisier, puis entre à l’École Technique de Hradec Králové. À la sortie de l’établissement, il est embauché dans les Chemins de fer tchèques.

D’abord employé à Prague, dans le quartier de Bubeneč, il déménage après la guerre dans un autre coin de la ville, aux ateliers de Nymburk, où il rencontre sa femme et se marie avec elle six mois plus tard. Le couple s’installe rapidement à Děčín, près de la frontière allemande. Le traitement d’une maladie de la thyroïde l’amène cependant à rentrer dans sa région natale, la Vysočina. Il travaille alors à Jihlava, puis à Havlíčkův Brod, où il prend sa retraite. En dehors de son travail, il consacre son temps à cultiver les arbres et les roses de son jardin. Il possède aussi dix ruches. Si la mécanique et les chemins de fer semblent n’avoir absolument aucun écho dans son œuvre, ce n’est pas le cas de ses hobbies favoris.

Václav Beránek s’est lancé dans la peinture lorsque ses collègues lui demandèrent de faire l’affiche et de fournir plusieurs lots colorés pour une tombola, ce qui me fait immanquablement penser au film si drôle et cruel de Miloš Forman, Au feu les pompiers!, qui date à peu près des mêmes années. Loin d’être une catastrophe comme au cinéma, le succès rencontré lors de ces réjouissances professionnelles encouragea Beránek à persévérer et, bientôt, il multiplia les peintures. D’abord sur des panneaux et non sur des toiles et sans utiliser de cadre. «Tout au moins cher», comme dit son fils.

Beránek devient alors un autodidacte à l’inspiration impérative. « Il peignait dans la cuisine pendant que je faisais à manger, dit sa femme. Quand il avait une idée en tête, il peignait toute la nuit jusqu'au matin. Il se réveillait même quelquefois pour rendre en urgence une idée venue pendant son sommeil. Ses plus grandes toiles pouvaient prendre absolument toute la place en travers de la cuisine. Certaines de ses peintures lui prenaient trois mois, mais il en avait toujours plusieurs en cours ».

Photo de Václav Beránek, transmise par P. Konečný.

Beránek ne vendait jamais ses toiles. Il les donnait volontiers en revanche. Il peignait beaucoup. Un jour, un collectionneur vint le voir qui voulait lui acheter plusieurs peintures mais, fidèle à sa ligne de conduite, Beránek préféra lui en donner une. Quand il apprit que le collectionneur l’avait ensuite revendue, il fut vert de colère. Cependant, quand il repassa le voir, il se contenta de lui proposer ses nouveaux travaux mais pour quelques millions de couronnes, sans ergoter une minute de plus avec ce malappris.

Beránek défendait un monde de générosité sans mélange, centré sur ses peintures, son jardin, ses ruches. Il donnait toutes ses productions avec immense plaisir, qu’il s’agisse de tisanes ou de créations picturales. Il ne buvait pas du tout mais n’en faisait pas moins un savoureux vin de cassis qu’il offrait à ses visiteurs.

C’était un peintre visionnaire qui n’imitait personne et ne peignait jamais sur le motif. C’était exclusivement un peintre d’intérieur. Il utilisait toutefois une documentation pour peindre les animaux ou bien sûr les villes où il n’était jamais allé.

Il devint relativement connu mais ne changea jamais de manière de peindre. Certains le pressaient d’apporter telle ou telle modification mais il leur répondait : «Si un jour vous peignez, vous ferez les choses à votre manière. Moi, je les fais à la mienne ».

Beaucoup de gens venaient le voir. Le plus célèbre de ces visiteurs est le peintre Jan Zrzavý (1890-1977), un peintre inclassable, à l’inspiration extrêmement originale, très injustement méconnu en dehors de son pays. Zrzavý avait rencontré son collègue autodidacte en voisin et il prit l’habitude de le visiter une ou deux fois par an.

Son fils garde une image radieuse de son père, un homme sans détestation, sans colère, un père qui ne donnait jamais de punition.

Les choses se passaient cependant quelquefois plus rudement avec sa femme, qui n’avait pas accueilli sa passion avec enthousiasme et qui était même un peu jalouse (elle l’avoue) de cette activité envahissante. L’érotisme naïf de ses compositions l’exaspérait aussi quelque peu. « Toutes ces femmes nues aguicheuses, ce n’est pas de l’art », disait-elle et elle lui fit une petite guerre qui l’amena à en couvrir certaines, heureusement pas toutes et souvent d’un vêtement fort peu opaque. Ouf !

Václav Beránek, les fées attendent la nymphe, huile, 62,5 x 72,5cm, 1970 (œuvre reproduite dans le catalogue d'Insita 4, la triennale d'art "insitic" (voir note 3 ci-dessous) à Bratislava en 1972).

Dessin de Václav Beránek, Danseuses, 1977, reproduction transmise par P. Konečný.

Au total, Beránek réalisa peut-être deux cents peintures. Elles sont dispersées pour la plupart sans que son fils sache où elles peuvent maintenant se trouver. Avant 1975, Beránek n’a fait aucune liste de ses travaux. Seules quelques photos dans des albums familiaux témoignent de l’existence de quelques-unes de ses toiles non-localisées. Et comme nous l’avons déjà dit, Beránek donnait volontiers ses œuvres, quelquefois à de parfaits inconnus.

Václav Beránek, Le Spectre d'un moine de Strahov, 1966, 35 x 30 cm, passé en vente en 2018 et repéré par Jimmy Virani (merci).

Pavel Konečný avait pris en photo un certain nombre des peintures de Beránek, on en voit aussi plusieurs dizaines dans le film d’A. Jiráček, qu’elles appartiennent à la collection familiale ou à celle du musée de Litoměřice. Quelques toiles sont aussi passées en vente. Bref, on connaît peut-être un quart ou un tiers de la production de Beránek, ce qui laisse de bonnes perspectives pour des trouvailles enthousiasmantes.

Beránek a peint quelques villes, de nombreux bouquets et beaucoup de femmes plus ou moins vêtues (quelquefois de simples fils en relief) et souvent accompagnées de fleurs. Il illustre aussi des anecdotes locales ou personnelles et surtout revisite avec grand bonheur la mythologie tchèque. Sa plus vaste série est dédiée à l’histoire des amours tragiques de la Roussalka, fille de l’Esprit du lac, aussi mise en musique dans le célèbre opéra de Dvořák. Beránek lui a consacré pas moins de 24 tableaux dont plusieurs sont à Litoměřice. C’est aussi un dessinateur captivant et il a encore constitué un extraordinaire jeu de tarot complètement personnel, à usage de divination domestique.

Beránek est un type épatant et l’idée de rester encore un moment sur ses traces me plaît beaucoup.

À suivre, donc.

Václav Beránek, Russalka amie des oiseaux, 1968, 91,5 x 106 cm (Musée des beaux-arts de Bohème du Nord, Litoměřice, photo Emmanuel Boussuge).

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¹. Je ne me crois pas particulièrement obsédé par les naufrages… Même si en effet les sirènes viennent régulièrement onduler entre ces "pages". Ces dernières ne sont, cela dit, pas la seule raison pour laquelle j’accepte cet article. C’est que Beránek est avant tout un Naïf qui illustre parfaitement ma défense de l’art naïf de qualité (Note du « tenancier » du blog).

². Ksawery Piwocki, Dziwny świat współczesnych prymitywów (Le Monde étrange des primitifs contemporains), Varsovie, 1975, p. 182-183 ; Eva Matyášová, Naivní malířství (La Peinture naïve), Prague, 1986, p. 12-13. Ajoutons que l'on trouve une minuscule notice sur Beránek dans le livre d'Anatole Jakovsky, Les Peintres Naïfs (déjà cité en légende de notre première illustration de la première partie), et une reproduction d'une autre toile (non encore relevée par Emmanuel) dans le catalogue de la triennale d'art "insitic" (art enraciné, art inné) de Bratislava, "Insita 4", en 1972 (voir la reproduction de cette peinture ci-dessus ; Note de l'animateur du blog).

³. Malované uhlím (Peinture au charbon). Selon Pavel Konečný, pendant les cinq minutes du film qui lui sont consacrées, on voit Beránek en train de peindre La Reine des eaux ; par ailleurs, le catalogue d’une exposition de 2015 à Litoměřice présente une notice et une reproduction d’une toile de 1980 avec deux femmes au milieu de fleurs géantes : Art brut a naivní umění – Spontánní umění ze sbírky Poetické galerie [Art brut et Art naïf. Art spontané de la Collection du « Musée Poétique »], exp. du 9 octobre au 22 novembre 2015, Antonín Jiráček, Alena Beránková, etc., p. 32-33.

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Remerciements

Info-Miettes (33)

2019-05-22T11:30:00+02:00

"Zoographie", sur l'animal dans l'art, à Fontcouverte (Aude)
Jean-Louis Bigou, l'animateur du blog sur "l'Art Improbable dans l'Aude et ses alentours" (voir en particulier sa note de mars dernier sur les poupées de Mme Ska présentes au musée du Jouet à Figueras en Espagne que l'on avait pu admirer pendant une expo sur "les Poupées" à la Halle St-Pierre il y a quelques années), annonce une expo sur un bestiaire illustré par de "l'art brut", art actuel (pour ne pas dire art contemporain?), art ethnique (pour ne pas dire "art primitif"), pour réfléchir sur les rapports entretenus par l'homme avec l'animal, longtemps considéré comme une machine, incapable de sensibilité et de capacités cognitives, voire d'une certaine forme de conscience. Cela dit, miam c'est bon, le cochon.
De l'individualisme dans l'art populaire, un article d'E.Boussuge dans la revue L'Autre Côté
Sommaire du n°4 de la revue L'Autre Côté.
Emmanuel Boussuge, dans le n°4 de cette revue qui se consacre à remettre en question une certain nombre de penseurs français consacrés (Foucault, Deleuze, Badiou, etc.), auxquels elle reproche un certain goût pour le vocabulaire abscons et des théories critiquables, a synthétisé deux notes qu'il avait naguère publiées sur ce blog (voir ici et là). Il illustre ses propos comme sur ce blog par des exemples pris dans les croix de chemin, les linteaux du Cantal et les sculptures de François Michaud, tailleur de pierre que j'ai, on s'en souviendra, maintes fois défendu.
Pour prouver l'individualisme présent dans l'art populaire (et remettre en cause la thèse selon laquelle ce dernier doit être envisagé comme une masse de signes culturels codifiés uniformes, il serait peut-être plus convaincant de rassembler – dans une somme dont la diversité ferait de fait davantage autorité – d'autres cas d'individualistes créatifs et populaires, pris dans d'autres secteurs de l'art populaire, et pas seulement dans les croix de chemins et autres linteaux.
Par ailleurs, on ne peut pas non plus passer sous silence qu'il y a bien de l'uniformité pour une grande part de l'art populaire, en raison de la pression sociale, des habitudes, des règles de l'artisanat, de l'habitude de copier les uns sur les autres, et sur les artistes de la ville que l'on démarquait en les réduisant naïvement... Au sein de la culture artistique populaire, les individualistes, à mon avis, restent des êtres d'exception (Nicolas Bouvier le met particulièrement en lumière dans son livre sur l'art populaire suisse – voir son édition chez Zoé) qui se détachent au milieu d'une production populaire respectueuse de divers "cahiers des charges" (pas nécessairement ennuyeuse du reste, malgré son "uniformité").
Ces individualistes, présents dans différentes catégories d'art populaire, il faut les recenser, avant de passer à la polémique...

Les 40 ans du sauvetage du Manège de Petit Pierre à la Fabuloserie, le 25 mai prochain à Dicy

La Fabuloserie à Dicy (Yonne) communique:
Pierre Avezard (1909-1992) dit Petit Pierre – atteint d'une maladie génétique qui déforme son visage et rend toute communication orale très difficile – quitte très tôt l'école et travaille comme garçon de ferme. Bricoleur de génie, il crée son Manège avec du bois, de la tôle découpée, des objets de récupération et l'anime grâce à un ingénieux système de courroies et d'engrenages. Le dimanche, le public était accueilli sur le terrain pour découvrir ce chef d’œuvre de l'art populaire. Vieillissant, Petit Pierre ne peut plus en assurer l'entretien et le Manège est en danger.
Après de nombreuses péripéties, il est accueilli à La Fabuloserie en 1987 par Alain Bourbonnais, qui en entreprend le patient démontage et transport, avec une équipe de bénévoles. Il décède malheureusement l'année suivante et ne verra pas le résultat de ces efforts. En 1989, reconstruit à l'identique et restauré, le Manège est inauguré dans le parc du musée.
Pour célébrer cette aventure, La Fabuloserie propose une exposition photographique des grands moments de l'épopée et vous invite bien entendu à admirer le manège en activité avec une animation toutes les heures.
Par ailleurs, le spectacle "Petit Pierre", mis en scène et joué par Maud Hufnagel, se déroulera dans la salle polyvalente du village (10€/adulte ou 5€/enfant en sus à régler sur place avec réservation obligatoire par mail à lafemme@loeilabarbe.fr).
Enfin, la collection permanente de plus de 1000 œuvres a fait l'objet d'un nouvel accrochage, avec la mise en avant de superbes dessins de Jaber dans le "Tunnel".
Pour clôturer la journée de façon conviviale, une collation sera offerte aux visiteurs par l'équipe du musée.
Autocar Paris - Dicy
Samedi 25 mai:
Départ 10h30 Porte d'Orléans (derrière station Total)
retour à Paris vers 20h30.
Réservation obligatoire sur fabuloserie89@gmail.com
Chèque 30€/personne (trajet+visite)
à l'ordre de: La Fabuloserie
à adresser :52 rue Jacob 75006 Paris

Si l'on vient par ses propres moyens à l'heure du repas, il faut prévoir son pique-nique (solution de repli à l'abri en cas de mauvais temps). Un autocar depuis Paris est prévu (voir ci-contre), mais je ne sais s'il reste encore des places.
Pascale Roux et Sarah V. chez Alain Dettinger à Lyon
Alain Dettinger est un grand défenseur des artistes féminines, comme on sait. J'ai reçu deux nouveaux cartons illustrant ce fait. L'un reproduit un dessin à l'encre sur carton intitulé "Santa Rata penada" (Sainte rate punie?) de Pascale Roux, faisant partie d'une expo sur le thème de "l'amour à mort", curieuse image semblant représenter une sorte de chauve-souris aux ailes tatouées de silhouettes masculines (d'anciens amants?), des enfants la flanquant de part et d'autre, un autre lui sortant par le bas...
Pascale Roux, Santa Rata Penada, 100 x 70 cm, encre sur carton, 2018.
L'autre, me plaisant davantage, reproduit comme une vulve sublimée par des couleurs vaporeuses, résultant d'un dessin aux crayons de couleur, cependant intitulé "Ventre glacier"... Là, l'expo a deux thèmes: "Vierges ouvrantes" et "traversées". Tout un programme...
Sarah V., Ventre glacier, 34 x 34 cm, crayons de couleur sur papier, 2018.

Du samedi 8 juin au 29 juin 2019, 4 place Gailleton, Lyon 2e ardt, tél 04 72 41 07 80.
Une grande exposition de plasticiens contemporains et singuliers à la Coopérative Collection Cérès Franco à Montolieu, "Croqueurs d'étoiles"
Vue extérieure de la Coopérative Collection Cérès Franco, photo © Jacques-Yves Gucia.

Françoise Monnin, par ailleurs rédactrice en chef de la revue Artension, est commissaire d'exposition à Montolieu (Aude) pour une expo réunissant 86 artistes sur le thème du voyage dans la Lune (nous sommes à 50 ans de l'arrivée de l'homme sur la Lune en 1969 ; une autre expo, très différente, et il faut bien le dire, bien moins vivante, est aussi montée sur le même thème au Gand Palais à Paris), conçu de manière extensive, tourné davantage sur l'évocation imaginaire et métaphorique de l'astre. L'expo est intitulée "Croqueurs d'étoiles". Car l'adage ne le dit-il pas, les artistes ont la tête dans les étoiles...
Il y a à boire et à manger dans ce rassemblement, mais si l'on se fonde sur la mosaïque affichée sur le site web de la Coopérative, l'ensemble reste fort stimulant. Voici un tout petit choix (on se réfère au lien à la ligne précédente pour en découvrir plus) :
Art populaire mexicain, sans titre, bois peint, Collection Cérès Franco.
Mirabelle Dors, Consensus, Plâtre et pâte fixés sur bois, 38 x 45 x 2 cm, 1975, Collection Cérès Franco.
Eli Malvina Heil (il me semble que cet artiste a été montré au Musée de la Création franche de Bègles, me trompé-je?), sans titre, peinture vinylique sur toile, 55 x 73 cm, 1974, Collection Cérès Franco.

Jeannine Mongillat, Sans titre, collage et papier mâché, 24 x 34 x 9cm, 1990, Collection Cérès Franco.

On y aperçoit en particulier un large panorama des nouvelles créations d'André Robillard, qui, à l'évidence, ne sont plus de son seul fait, et bénéficient de l'aide souterraine du collectionneur qui le mécène. Robillard, ce n'est plus de l'art brut, mais une nouvelle forme d'art contemporain ayant couché avec l'art brut, quelque chose d'hybride. Le langage autonome de Robillard se brouille dans ces réalisations un peu trop maîtrisées, je trouve.
André Robillard (et autres?), OVNI Fusée martienne, 15 x 39 cm, 2012, collection particulière.

André Robillard (et autres?), Soucoupe volante, 150 x 350 x 350 cm, feutres sur bois, 2008, collection particulière.
André Robillard (et autres?) et une partie de ses assemblages, 1999-2019, collection particulière photo © FL-Alain Machelidon
"Les Croqueurs d'étoiles", Coopérative collection Cérès Franco, Montolieu, du 20 avril au 3 novembre 2019.
Jano Pesset à l'Atelier-Musée Fernand Michel à Montpellier tout l'été
Paris avait pu admirer certaines de ses oeuvres il n'y a pas si longtemps à la
Disparition de Mme Meurdefroid, née Chaud... La Montagne du 11 mai 2017, nécrologie repérée par un ami de St-Flour d'Emmanuel Boussuge ; Cette dame avait-t-elle choisi son époux, M. Meurdefroid, par désir d'un contre-aptonyme? ; à noter aussi le nom de la commune, pas usurpée en l'espèce.

Joseph Vaylet et la ”poésie de la liste”, selon Emmanuel Boussuge

2014-11-21T01:05:00+01:00

Joseph Vaylet, un art spontané de la poésie de listes

Joseph Vaylet en tenue de félibrige, image du site du Musée Joseph Vaylet.

       La petite ville d’Espalion en Aveyron dispose d’une richesse de musées à faire pâlir de bien plus grandes cités. Outre la chapelle des pénitents transformée en petit musée d’art religieux, elle compte trois autres lieux consacrés à la présentation de collections muséales : le musée des mœurs et des coutumes (poteries, cuivres, archéologie, art religieux)¹, un improbable musée du scaphandre et surtout le musée Joseph Vaylet. Ce dernier personnage (1894-1982) a réuni la plus hétéroclite des collections. L’intérêt de nombreux objets est un peu difficile à percevoir, mais de magnifiques pièces issues de la verve créative des bergers locaux et quelques autres chefs d’œuvre d’art populaire justifient plus qu’amplement le voyage. Presque vingt ans avant moi, Bruno Montpied avait visité ce réjouissant bric-à-brac et je renvoie à sa Petite promenade dans l’art populaire du Rouergue (Gazogène, n°14-15) pour plus longue description du lieu. C’est un autre aspect de l’activité de Joseph Vaylet dont je vous propose l’éloge.

« Le député de la Montagne » œuvre d’un artiste espalionnais ; début du 20^ème siècle. Sculpture en bois polychrome, hauteur 90 cm (d’après la légende d’une carte postale en vente au Musée J. Vaylet, photo P. Saillan).
      Outre son activité de collectionneur tous azimuts, Joseph Vaylet était aussi poète occitan, folkloriste et encore un ethnologue autodidacte à la curiosité toujours en éveil. Je ne garantirais pas la scrupuleuse exactitude de tous les détails faisant la matière de ses opuscules, il est indéniable en revanche que ce personnage haut en couleurs illustra la poésie de la liste avec un sens du disparate presque sans égal, de même nature que celui qu’il déploya pour constituer sa collection.
    On sait que la poésie de la liste repose sur un subtil dosage de l’analogue et du dissemblable. Prévert a illustré le genre d’une manière flamboyante, les auteurs de l’Oulipo dans un tout autre style, Joseph Vaylet, lui, est le type même du poète de la liste spontanée, guidé par un sens de l’hétérogène qui pourrait paraître inné. Jugez d’abord par cet extrait de sa bibliographie telle qu’elle figure dans un de ses ouvrages :
« Lou Martiri de sant Hilarian (hors commerce)
L’Alh (L’Ail). Étude folklorique en langue d’oc, 1940, rare – 13 F.
Heures Ferventes. Recueil de poésies sentimentales, 1972, 25 F.
Proverbes et dictons rabelaisiens, 1260 dictons, 264 pages, 1^er vol. – 45 F.
Presics de l’abat Badaruca (avec traduction fr.) – 27 F.
Flors d’Aubrac (poèmes d’oc avec traduction) – 35 F.
Rêveries normandes (poésies).
Le Tribunal de Commerce de Saint-Geniez (rectification d’une erreur historique)
Étude folkloriques :
- Le bâton dans le folklore
- La croix dans le folklore
- La dent dans le folklore
- L’âne dans le folklore
Histoires gaies (Humour et cure thermale) (sous presse [en 1977]) ».
        Humour et cure thermale, comment résister ?
       J’ai mis de côté deux ouvrages dont la table des matières offre elle-même exemple extraordinaire de fantaisie raisonneuse mise en liste. Voici donc le plan de La Bouse dans le folklore (Éditions Imprimerie du Sud-Ouest, Toulouse, 1977) :
« Préambule
Chapitre premier – Divers emplois de la bouse.
A. La bouse dans la médecine.
B. Recettes magiques.
C. Emplois de la bouse dans la science vétérinaire et en botanique.
1. Dans la science vétérinaire.
2. En botanique.
Chapitre II. – Emplois domestiques de la bouse.
A. En Rouergue.
1. Le bousage de l’aire (plan de la ferme et cliché de l’aire).
2. Le four, les plafonds, la toiture, carreaux cassés.
3. Teintureries, peintres, poterie.
4. Utilisation par les bergers.
B. Dans d’autres régions.
1. En Vendée.
2. La fête des Bousats de l’île de Noirmoutier.
Chapitre III. – La bouse dans quelques pays.
A. En Inde.
B. En Australie.
C. Aux États-Unis.
Chapitre IV. – La bousetière, le lisier, le bousier.
Chapitre V. – Anecdotes.
Chapitre VI. – Proverbes et dictons.
Superstitions.
La bouse dans la Bible.
Chapitre VII. – Le coin pour rire.
Le mot de la fin. »
     La table des matières de son étude posthume sur la mythologique chemise conjugale (Imprimerie Rigal, Espalion, 1985) est moins développée. Elle figure intégralement sur la page de couverture du petit livre. L’occasion pour nous d’admirer aussi un art de la composition typographique charmant de désuétude :

Coll. E. B.

Emmanuel Boussuge

Exemple de "chemise conjugale" que Doisneau et Dubois dans leur livre Les Auvergnats (Ed. de La Martinière) considèrent comme d'une authenticité douteuse, ce qui n'est pas du tout l'avis d'un Michel Valière par exemple (voir commentaire ci-après)
______
¹ Le musée des mœurs et coutumes dont parle Emmanuel Boussuge dans cette note s'appelait à l'époque (1996) où je consacrai un texte à l'art populaire à Espalion dans Gazogène n°14-15, le "musée départemental du Rouergue". (Note du Sciapode)

Une exposition fort intéressante à Mauriac cet été: ”Pierrot Cassan aurait 100 ans”...

2013-07-23T00:20:00+02:00

Ne vous y trompez pas, il ne s'agit nullement d'une expo "d'artistes" comme le dit l'affiche de l'expo, des "artistes" cantaliens qui seraient issus du terroir (on pourrait l'inférer à voir cette image d'homme au béret en filigrane, en réalité un portrait de Pierrot Cassan), avec des expressions traditionnelles propres à l'art folklorique ; non, il s'agit plutôt d'une sélection – autour de la figure centrale de ce créateur autodidacte génial qu'était Pierrot Cassan, dont les peintures satiriques et truculentes ont été heureusement conservées par la commune – de quelques figures moins connues de la création populaire autodidacte régionale, se situant toutes aux limites de l'art modeste et de l'art brut

    Du 15 juillet jusqu'au 25 août 2013, vient de commencer à Mauriac une fort stimulante exposition de plus d'une centaine d'œuvres de Pierrot Cassan, ce peintre autodidacte original, régional de l'étape, dont j'ai déjà parlé sur ce blog à l'occasion d'une expo plus ancienne (2007) qui s'était déjà tenue dans cette même petite ville cantalienne située non loin de Bort-Les-Orgues (jolis coins où aller passer ses vacances si l'on abhorre comme moi les foules de consommateurs se dorant au soleil sur les plages dans l'espoir de pouvoir briller à la rentrée parmi ses congénères de bureau...).

Pierrot Cassan, Pour l'amour d'une poule combat de coq à Mauriac ("Assassin...", "Porc...", "Mon chéri..."), peinture sur carton, expo centenaire de Pierrot Cassan au musée de Mauriac, ph. Ghislaine Staelens
Pierrot Cassan, Vive les rois et vive les reines (galette des rois), dimanche le 8 janvier 1978, expo du musée de Mauriac en 2013, ph. GS
P. Cassan, Notre ami Paulin avec son ACCORDEON et ses grelots aux pieds au Café Martin en 1927..., expo du musée de Mauriac 2013, ph. GS
Vue de l'accrochage des œuvres de Pierrot Cassan au musée de Mauriac, photo GS

     L'expo, organisée par Laurence Bodin avec l'assistance active du couple d'artistes singuliers Sylvain et Ghislaine Staelens (notamment responsables d'un accrochage fort soigné), ainsi que d'Emmanuel Boussuge, est centrée sur Cassan, mais pas seulement. Emmanuel Boussuge, qui collabore souvent à ce blog, et est par ailleurs l'un des animateurs de la revue Recoins éditée non loin à Clermont-Ferrand (où il publie régulièrement des articles sur les arts populaires méconnus), a ainsi amené quelques-unes de ses propres découvertes, le fabricant de girouettes de Pierrefort, Antoine Rouchès, et les sculptures de ciment et bois de François Aubert, qui était l'auteur d'une maison singulièrement décorée à Antignac, village non loin de Mauriac.

Girouette d'Antoine Rouchés, coll Emmanuel Boussuge, exposée au musée de Mauriac, 2013 (derrière on devine des dessins de René Delrieu), ph. GS
François Aubert, un de ses animaux en ciment (un chien?) transporté hors de son lieu d'origine, expo Musée de Mauriac 2013, ph GS
La maison et les sculptures de François Aubert à Antignac, leur lieu d'origine, avant qu'elle soit vendue et les statues dispersées, ph. Bruno Montpied, 2003
François Aubert, une sculpture sur bois peu connue de lui qui prouve que le monsieur ne se débrouillait pas mal avec une gouge, expo musée de Mauriac 2013, ph. GS
François Aubert, Shadok et gibi, excentricité de l'expression... expo musée de Mauriac 2013, ph GS

      Sont de plus présentés pour la première fois, hors du proche musée du Veinazès dont Emmanuel, et moi-même (plus centré sur René Delrieu), avons récemment parlé sur ce blog, six dessins de René Delrieu (sur les dix que conserve le musée en question), ainsi que quelques sculptures de ce dernier, provenant comme celles de François Aubert de l'environnement en plein air où elles se trouvaient primitivement (quelques-unes ont été sauvées au musée du Veinazès). C'est aussi Emmanuel Boussuge qui s'est fait en l'occurrence l'intermédiaire entre le Veinazès et le musée de Mauriac.

René Delrieu, silhouettes découpées et peintes sur métal, et dessin représentant une "bourrée auvergnate", coll. Musée du Veinazés, expo du musée de Mauriac, 2013, ph. GS ; toujours la fête, grand thème d'inspiration pour René Delrieu

      Un autre créateur populaire de la région est aussi à découvrir, plus proche de la sculpture naïve, mais pas moins poétique, Jean Delprat, dont on expose deux petits bas-reliefs taillés dans le bois et peints, une Vénus et un évêque (je préfère comme de juste la Vénus – voir reproduction ci-contre – le paganisme de son inspiration ayant moins plombé la sculpture que dans le cas de l'ecclésiastique plus convenu).
     Par contre, puisqu'on parle de convenu, on déplorera une erreur de casting avec la participation dans le cadre de cette ambitieuse expo perdue au coeur du Massif Central d'une certaine Ginette Aubert (Auber...ginette, les parents se sont amusés à sa naissance, on dirait) dont les compartimentements, les peintures, etc, louchent plus du côté du fadasse que de l'art proprement naïf. Là aussi le christianisme étalé de son inspiration ne doit pas y être pour rien...

Ginette Aubert (rien à voir avec le François du même nom), La recherche de la source de vie... bla-bla... Ph GS

"PIERROT CASSAN AURAIT CENT ANS"
Musée de Mauriac, Rue Emile Delalo
15200 MAURIAC
Tel. : 04 71 67 35 81
( 10:00-14:00 / 12:00-18:00 )
Lire également sur cette expo le point de vue du blog de Jean-Michel Chesné

René Delrieu (1930-2008), passage d'un inspiré du Cantal

2013-06-15T18:10:00+02:00

     C’est personnellement par une notule due à Nicolas Galaud, autre émérite (et discret) chercheur d’inspirés du bord des routes, dans l'Auvergne Insolite¹, que je suis tombé sur l’existence du site de sculptures naïves en métal peint de René Delrieu à Ally, à l'ouest du Cantal (non loin de Mauriac au nord et de la Corrèze à l'ouest). M. Galaud dépeignait ce dernier comme « maréchal-ferrant, réparateur de machines agricoles et fabricant de cuves à lisier ». Je ne fus pas long à signaler cette notule à notre correspondant cantalien, Emmanuel Boussuge (voir l'écho mis en ligne juste avant cette note) qui fit le nécessaire comme moi (prendre vite des clichés avant toute disparition).

Ancien atelier de René Delrieu à Ally, sur la clôture, une scène de chasse par des Peaux-Rouges, ph. Bruno Montpied, 2007

     Comme beaucoup d’autres, il avait commencé ses sculptures en tôle galvanisée à la retraite apparemment (soit vers 1994, il avait alors 64 ans), les sortant entre son atelier et la route en été, les rentrant en hiver (la saison est rude dans ces coins-là). M. Galaud ajoute dans sa petite description qu’il s’était « représenté en maréchal-ferrant sur la façade de sa maison et [s’était] inventé un bonheur conjugal autour du cantou, sur la porte de son atelier ».

Le maréchal-ferrant au boulot, ph.BM, 2007

     Comme me l’a appris Bernard Coste qui s’occupe avec son père du musée du Veinazès à Lacaze (le Cantal toujours, mais plus vers le sud, en dessous d'Aurillac, pas loin de l'Aubrac), qui se voue à préserver la mémoire des outils et des machines agricoles d’autrefois, ainsi que des créations populaires de divers autodidactes de la région, il existait aussi des dessins dans l'œuvre de René Delrieu qui paraît s’en être servi comme croquis en vue de futures sculptures. Le style naïvo-brut de ces œuvres est tout à fait remarquable et me fait personnellement beaucoup penser aux dessins de Gaston Mouly, autre autodidacte bien connu dans le monde des amateurs d'art brut ou singulier, originaire quant à lui du Quercy voisin. Les dessins de Delrieu mériteraient amplement d’être exposés. En voici un ci-dessous, reproduit grâce à l’amabilité de Bernard Coste.

René Delrieu, (distractions le soir au coin du feu), dessin aux crayons de couleur, coll Musée du Veinazés, Lacaze, photo Emmanuel Boussuge
       Delrieu aimait à présenter ses assemblages et sculptures sur des fonds peints où l’on discerne divers détails (pots de sucre, café, farine, etc.) comme dans la scène conjugale autour du feu ci-dessus. Je parle d’assemblages parce que plusieurs de ses œuvres sont réalisées par juxtaposition de plaques de métal peint et assemblage de formes en deux et trois dimensions ce qui est assez osé (voir son joueur de pétanque, par exemple, composé de divers morceaux rivetés permettant sans doute l’animation du personnage, des changements d’attitude comme pour certains pantins articulés).

René Delrieu, trois silhouettes en tôle peinte exposées au Musée du Veinazès sur un fond de planches peintes en blanc, documentation du musée, ph. JPB, 2013

         Le musée du Veinazès a du reste réalisé à l’exemple de Delrieu une présentation de certaines de ses silhouettes en métal sur un fond de planches peintes en blanc.

Vue d'une partie de l'espace consacré aux silhouettes de René Delrieu au Musée du Veinazès à Lacaze ; on reconnaît (?) à droite Johnny Halliday, à côté d'un accordéonniste et en dessous de ce dernier d'un joueur de pétanque, ph. JPB, documentation du Musée du Veinazès 2009 ; ces personnages se trouvaient à l'origine à la belle saison installés à l'extérieur de l'atelier d'Ally

      Une autre audace de Delrieu consista à installer en plein air, dans une région où le climat est souvent peu propice à ce genre de démonstration, des objets en métal susceptibles de s’abîmer assez vite, même si la galvanisation (un bain de zinc dans lequel sont trempées les pièces en fer) a pour but de retarder les phénomènes de corrosion (ce qui prouve, je le dis au passage, que Delrieu n’était pas totalement insensible aux problèmes de longévité de ses œuvres qu’il exposait à l’air libre).
       Delrieu ne s’arrêtait pas à ce genre d’audace, il animait au moyen de mécanismes assez simples (des contrepoids) certaines autres de ses saynètes comme les pêcheurs ci-dessous.

Les pêcheurs de René Delrieu encore en place sur son terrain en 2007, ph. BM

      Il est important d’établir pour ce genre de créateur l’inventaire de ses réalisations. Bernard Coste s'y emploie depuis quelque temps :
   « A ma connaissance, on trouve trois sortes de travaux pour René Delrieu :
    - Les sculptures animalières et ornithologiques. Il s'inspirait de revues pour les réaliser. Ce travail est très réaliste.
   - Les sculptures singulières qu'il imaginait. Elles s'attachent à ses centres d'intérêt et ses coups de cœur : Johnny Halliday (le guitariste), l'accordéoniste, le joueur de pétanque.
    - Les sujets animés du "bricoleur" : le Tour de France, le tiercé, la bourrée (qui était à l'origine sur un élément de mobile-girouette (1999) puis a été actionnée par un moteur et une courroie avant de se retrouver sur son établi en vue d'une future modification). »

Autre espace consacré à des scènes de course hippique, de trot attelé, des scènes de chasse... Musée du Veinazès, ph JPB ; ce sont ces pièces-là qui me paraissent lee plus réussies personnellement

      Tout en se tenant facilement en retrait lorsqu’on le visitait (il était rare de le voir apparaître, et personnellement je ne le vis pas lorsque nous passâmes près de son terrain d'exposition en bordure de route, Régis Gayraud et moi-même en 2007, peut-être nous observait-il caché derrière les murs de son garage ; ce désir de rester caché m'en rappelle un autre, André M. dans le Morbihan, l'homme qui assemble des souches et des branches au Bar du Mont Salut), tout en restant donc en apparence réservé, René Delrieu ne semblait pas détester la musique traditionnelle, les bourrées, puisque ses dessins et sculptures campent des musettes, des guitares et des accordéons, et ne paraissent pas dédaigner les ambiances festives.
Note sur le devenir du site:
     Le site est démantelé désormais, la propriété ayant été revendue deux fois depuis le décès du créateur. Seules deux saynètes sculptées en métal peint de l’ancien atelier de M. Delrieu trônent encore sur la clôture de la propriété (en 2013). Une dizaine de pièces en trois dimensions, plus diverses œuvres en deux dimensions (dont des dessins) ont été cependant sauvegardées au Musée du Veinazès dans le village de Lacaze par la famille Coste. Des oiseaux de Delrieu ont également été conservés par la Ligue de Protection des Oiseaux de la région Auvergne. Quelques autres personnes, anciens voisins du créateur ou membres de sa famille en ont également mis de côté. On a sauvé ces œuvres entre autres grâce à la clairvoyance de la sœur de René Delrieu, Mme Justeau-Delrieu.

Portrait photographique de Delrieu mis en regard d'une de ses tôles peintes, ph JPB, documentation du Musée du Veinazès, 2009
_____
¹ L’Auvergne insolite, petit guide pataphysique, sous la direction de Pascal Sigoda, Au Signe de la Licorne, Tusson, 2002.
² Le musée du Veinazès en a conservé une dizaine ; d’après Bernard Coste, ils décoraient la cuisine-séjour des Delrieu. On peut voir un de ces dessins, en dehors de celui que je reproduis ici, dans la précédente note d'Emmanuel Boussuge "Un chouette musée à la campagne". On retrouvera dans cette même note les renseignements relatifs à la visite du musée.
Merci à Emmanuel Boussuge pour sa médiation vers les Coste du Musée du Veinazès.

Un chouette musée à la campagne, par Emmanuel Boussuge

2013-06-14T23:55:00+02:00

      Cela faisait longtemps que je voulais saluer (merci au Poignard de m’en donner l’occasion) le petit musée du Veinazès dans la Chataigneraie cantalienne, un musée familial constitué en toute indépendance des institutions. On y trouve surtout des outils et machines du mode rural. Amené par son métier à vider de nombreuses maisons, Raymond Coste supportait très mal le grand gâchis d’objets que ses voisins se sentaient obligés d’offrir en holocauste à la modernité conquérante et qu’il était souvent chargé d’amener vers leur destruction.
      Un jour, il se décida à les récupérer et il en emplit un, puis plusieurs hangars. Il y a dix ans, la retraite venue et aidé par sa famille, il bâtit un musée où montrer une partie des innombrables pièces mises en réserve. Ateliers d’artisans reconstitués avec rigueur ou machines maintenues en état de marche (avec notamment une collection de tracteurs parfaitement huilés à faire pâlir tous les amateurs), Raymond Coste fait visiter sa collection et tourner ses machines en donnant toutes les explications nécessaires, selon les principes d’une pédagogie rustique, joviale et passionnée.

Raymond Coste et Cécile C., démonstration de tracteur, photo E. B., juillet 2009

       Depuis quelque temps, le musée s’est aussi tourné, sous l’impulsion de Bernard Coste, son fils, vers diverses formes de création populaire. « Singuliers, bruts, hors-les-normes, outsiders, naïfs, cela importe peu », nous dit un panneau. « Le musée du Veinazès est très heureux d’accueillir ces œuvres qui, au travers d’une inspiration foisonnante et d’une imagination surprenante, traduisent le mot LIBERTÉ ». Bien doué lui aussi du talent familial pour la préservation, Bernard a ainsi pu mettre à l’abri plusieurs éléments du site réalisé à Ally, au Nord du Cantal, par René Delrieu, site qui avaient toutes les chances de disparaître sans laisser de traces (hors quelques rares pages comme celles de l’Auvergne insolite de Pascal Sigoda) quand ce dernier est mort en 2008. Rien de plus évident à mon sens que la présence des sculptures métalliques qui peuplaient le jardin de ce « mécanicien sur machines agricoles » au musée du Veinazès. Je mettrai ma main au feu qu’il aurait apprécié le geste.
      Ajoutons qu’outre les pièces qui étaient bien visibles devant la maison d’Ally, la conservation concerne des dessins d’une facture originale que l’on pourra aussi découvrir cet été au musée de Mauriac, lors d’une exposition qui fera la part belle à quelques-uns des plus étonnants parmi les créateurs populaires cantaliens.
     Petit avant-goût :

Dessin de René Delrieu, ph. E.B., août 2009
   Le musée du Veinazès expose d’autres productions locales plus ou moins excentriques (maquettes, aquarelles, dessins), ainsi que quelques pièces dénichées à Paris.

Robert Goudergues, maquettes de maisons des rives de la Jordanne, ph. E.B., juin 2013

   Certaines découvertes faites par Bernard dans sa Chataigneraie (à Saint-Etienne de Maurs ou Lafeuillade) mais qui ne sont pas encore exposées paraissent extrêmement alléchantes. Un énigmatique meuble acheté dans une brocante à Mauriac (c’est la seule indication de provenance) figure aussi dans la collection. Il mélange stylisation populaire et thème aristocratique, avec heaume et blason que deux hommes patibulaires, vêtus d’un simple pagne (des hommes sauvages ?) soutiennent. Je serais, ma foi, bien curieux d’avoir l’avis expert des lecteurs du blog sur cette pièce difficile à qualifier et à dater.

Ph. E.B., juin 2013
     Me reste à donner les informations utiles pour se rendre à ce musée plébéien, et fier de l’être, qui réserve sans doute de belles surprises au fur et à mesure que la part (encore assez réduite) réservée à la création populaire marginale va s’étendre, selon le vœu de ses animateurs.

Musée du Veinazès, Lacaze, 15120, Lacapelle del Fraisse (entre Aurillac et Montsalvy), tél. : 04 71 62 56 93 - 04 71 49 25 81. Le musée se visite en été tous les après-midis.
Emmanuel Boussuge

Le pape des Recoins chez Song of Praise ce lundi 3 juin

2013-06-03T09:54:00+02:00

   Comment, comment? J'apprends à la dernière minute que Mister Boussuge va parader sur les tréteaux radiophoniques sur Radio-Aligre ce soir même. Pourtant toute l'Auvergne qui compte (Régis Gayraud, Bruno Montpied) était également présente en ce moment à Paris. Heureusement que Cosmo Hélectra fait encore suivre :
   "C'est avec tout l'aplomb du Cantal que nous recevrons ce lundi Emmanuel Boussuge pour la sortie du nouveau numéro de la revue Recoins, la seule revue "art, belles lettres et rock'n roll" annuelle qui parait tous les deux ans !

   Au plaisir de vous croiser sur les ondes et que les moines restent au moins !

   Cosmo
   http://songsofpraise.hautetfort.com/
   Lundi 3 juin, 19h30 / 21h Aligre FM 93.1 "
   "L'aplomb du Cantal", tu ne crois pas si bien dire, cher Cosmo...

Aubrac, photo Emmanuel Boussuge, 2004

Diderot inventeur de l'art brut ? par Emmanuel Boussuge

2013-05-18T15:31:00+02:00

Diderot inventeur de l’art brut ?

     Céline Delavaux ayant repéré chez Diderot une occurrence ancienne où était associé l’adjectif « brut » au substantif « art »[1], l’ami Bruno Montpied m’a demandé ce que j’en pensais, avec sans doute cette question derrière la tête : se pourrait-il que Diderot ait eu quelque chose à voir avec l'invention du terme d’art brut ?
    Se reporter au texte permet d’emblée de répondre par la négative. Diderot ne parle pas d’art brut mais des « arts bruts » au pluriel et ce qu’il entend par là est bien éloigné de ce que Dubuffet placera sous le vocable, n’importe quelle définition ou non-définition donnée par lui que l’on considère. Voilà la proposition dans laquelle se trouve l’expression :
    « À l’origine des sociétés on trouve les arts bruts, le discours barbare, les mœurs agrestes »[2]
     Elle se trouve dans un fragment de ses œuvres esthétiques intitulé De la Manière, que l’on associe généralement au Salon de 1767 (quelquefois à celui de 1765). A travers ses divers écrits, Diderot distingue deux emplois du terme de « manière », un neutre et un péjoratif, mais dans le tout début de ce texte, là où figure notre citation, seule l’acception dépréciative, qui fait du mot l’équivalent de « maniérisme », est envisagée. Comme l’a bien remarqué Céline Delavaux, la vitupération de cette manière maniériste par Diderot n’est pas sans analogie avec les invectives de Dubuffet sur le même sujet.
     Evoquant le moment historique correspondant au développement de ce funeste maniérisme, Diderot écrit :
    « Bientôt les mœurs se dépravent ; l’empire de la raison s’étend ; le discours devient épigrammatique, ingénieux, laconique, sentencieux ; les arts se corrompent par le raffinement. On trouve les anciennes routes occupées par des modèles sublimes qu’on désespère d’égaler. On trouve des poétiques. On imagine de nouveaux genres. On devient singulier, bizarre, maniéré. D’où il parait que la manière est un vice d’une société policée où le bon goût tend à la décadence »[3].
       Comme chez Dubuffet, la mauvaise imitation est ici conspuée et ses tenants font figure de « singes »[4] appliqués à copier des modèles ayant perdu toute vigueur. Une grande différence éloigne cependant la perspective de Dubuffet de celle de Diderot. Chez le premier, l’art brut s’oppose de façon binaire aux arts culturels. Chez Diderot, les « arts bruts » s’inscrivent dans un processus à trois temps. L’énergie qu’ils manifestent s’oppose certes heureusement aux maniérismes des périodes entrées en décadence sur les plans esthétiques et moraux par excès de raffinement, mais ils ne sont qu’un premier moment précédant et préparant le moment le plus important, celui d’une apogée correspondant à une forme de classicisme. Le tout est intégré à une conception cyclique de l’histoire où une fois le processus de civilisation engagé, phases d’aboutissement et phases de décadence se succèdent inexorablement. Citons maintenant notre première phrase dans son intégralité :
      « A l’origine des sociétés on trouve les arts bruts, le discours barbare, les mœurs agrestes ; mais ces choses tendent d’un même pas à la perfection, jusqu’à ce que le grand goût naisse. Mais ce grand goût est comme le tranchant d’un rasoir sur lequel il est difficile de se tenir. Bientôt les mœurs, etc. »[5]
      Le grand goût dépasse donc le pur primitivisme des « arts bruts ». Il relève d’une élaboration liée à l’imitation d’une belle Nature et exprime le Vrai par cette médiation. Un pas de plus vers la sophistication et le grand goût dégénère : on n’imite plus alors la Nature, mais les chefs d’œuvre qui l’ont d’abord copiée avec bonheur, puis les imitations de ces copies, etc. On décompose bientôt le processus de création en préceptes qu’on livre sous formes de recettes desséchées (dans les poétiques par exemple). Les artistes n’ont plus que deux voies devant eux, deux voies également déplorables : celle du conformisme moutonnier ou celle d’une fausse originalité se démarquant de règles purement formelles et perdant toute référence au monde extérieur.
       Face à l’affadissement généralisé qui en résulte, Diderot apprécie comme un puissant antidote l’énergie primitive prêtée à l’état antérieur à la séparation des fonctions sociales. « Les arts bruts » correspondent à l’expression de ce moment historique premier, qu’il ne faut jamais complètement perdre de vue. « La poésie veut quelque chose d'énorme, de barbare et de sauvage » (Discours sur la poésie dramatique, 1758), dit une de ses formules les célèbres. Dans les Essais sur la peinture (1766), il réclame encore « quelque chose de sauvage, de brut, de frappant et d’énorme »[6] pour les arts d’imitation. On voit bien quelles affinités il y a là avec la conception romantique de la création, qu’une telle position annonce et dont la notion d’art brut dérive in fine, après bien des étapes. Les différences avec ce dernier, sans grande surprise à presque deux siècles de distance, sont aussi nettement apparentes sans qu’il soit nécessaire, je crois, que j’insiste au-delà. Il y aurait là de quoi te décevoir, cher Bruno, mais, mais, mais… attends un peu.
       Il y a un autre point qui mérite sans doute ton attention et qui n’a pas été, je crois, relevé jusqu’ici. Si Diderot n’est pas l’inventeur de l’art brut, il nous a en revanche donné une des premières descriptions de la production d’un créateur que l’on peut ranger sans problème du côté de l’art brut ; peut-être est-ce même la première description d’un créateur bien individualisé (quoiqu’on ne connaisse pas son nom) de ce type[7]. En 1759, en séjour dans sa ville natale de Langres, Diderot évoque en effet un sculpteur extrêmement original :
      « Nous avons ici un prodige, écrit-il à son ami Grimm, à comparer à votre découpeur de Genève [Jean Huber (1721-1786), célèbre pour ses charmantes découpures en silhouette[8]]. C’est un jeune homme de mes parents qui sans leçon, sans dessein, sans principe, s’est mis de lui-même à modeler. Vous verrez ce qu’il sait faire ! Tous vos statuaires de Paris fondus ensemble n’imagineraient pas les mines qu’il exécute ; et ces mines, sont, comme il lui plaît ou comiques, ou voluptueuses, ou nobles. Ce sont ou des satyres, ou des chèvres, ou des vierges. Mais il a le coup de hache. Quand il a passé quinze jours à façonner un morceau d’argile avec les bâtonnets qui lui servent d’instruments, il le regarde, il s’applaudit et le jette par la fenêtre. J’en ai ramassé deux que je vous porterai à Paris si je puis. Je ne crois pas me tromper, ils sont charmants, mais si délicats que je ne me promets guère, quelque précaution que je prenne, que de vous en montrer des morceaux »[9].
       Malheureusement, on ne sait pas si les sculptures récupérées par Diderot sont arrivées à bon port, encore moins ce qu’elles auraient pu ensuite devenir. Mais la caractérisation du personnage nous amène bien du côté de l’art brut. Sans aucune culture artistique institutionnelle comme il se doit, le jeune homme semble aussi avoir un grain. C’est précisément le sens de l’expression « avoir le coup de hache », que les dictionnaires de l’époque définissent ainsi : « on dit figurément et familièrement qu'un homme a un coup de hache à la tête, et simplement, qu'il a un coup de hache, pour dire, qu'Il est un peu fou »[10]. Il n’est pas jusqu’au dédain du sort des productions par le créateur et les dilemmes relatifs à leur conservation en résultant qui ne nous rappelle le champ de l’art brut (et formes apparentées) et les débats que cultivent ses amateurs.
       Trouvera-t-on quelque obstiné chercheur qui se lancera à la recherche de ce grand ancêtre ? Il serait vraiment extraordinaire que la moindre production du jeune Langrois au coup de hache ait été conservée, mais maintenant que l’on a identifié sa piste, on peut toujours creuser et sait-on jamais...

Emmanuel Boussuge

[1] Céline Delavaux, L'Art brut, un fantasme de peintre. Jean Dubuffet et les enjeux d'un discours, Paris, Palette, 2010, p. 196.
[2] Diderot, Œuvres complètes, t. XVI (Beaux-arts III), Hermann, 1990, p. 529.
[3] Ibid., p. 530.
[4] Le mot apparait aussi bien dans le texte de Diderot (ibid., p. 530) que chez Dubuffet, « Honneur aux valeurs sauvages » (1951), cité par C. Delavaux, p. 197.
[5] Op. cit, p. 529-530.
[6] Hermann, 1994, p. 56.
[7] C'est peut-être la "première description" d'un cas de création autodidacte proche de ce que l'on appellera au XXe siècle l'art brut, mais il faut souligner qu'existèrent plusieurs cas de créateurs atypiques bien avant ce sculpteur langrois. Par exemple au XIV^esiècle un dessinateur étrange s'illustra en composant un codex délirant, conservé de cette époque jusqu’à aujourd’hui à la bibliothèque vaticane à Rome. Il s'agissait d'un moine italien vivant à la cour des papes en Avignon, Opicinus de Canistris, qu’un ouvrage du Docteur Guy Roux et de Muriel Laharie, Art et Folie au Moyen Age (éditions Le Léopard d’Or) a fait amplement connaître en 1997, bien après l’étude américaine d’Ernst Kris de 1952 qui elle-même suivait un livre de R.Salomon de 1936, qui semble la première occurrence où apparut le dit Opicinis. Dans ce même XVIIIe siècle, existait également l'extraordinaire sculpteur aux expressions frénétiques Franz-Xaver Messerchmidt dont un livre de R.Nicolai vers 1770 évoqua la maladie mentale. (Note Bruno Montpied)
[8] Jean Huber n’est pas à proprement parler un artiste populaire. Nicolas Bouvier montre bien cependant la parenté entre ses productions qui ravissait « la société patricienne, lettrée et cosmopolite » de la cité genevoise du XVIII^e siècle et celles des découpeurs de lettres d’amour, ses contemporains plébéiens, ou « la magnifique floraison de papier découpé, cinquante plus tard, dans le pays d’Enhaut (Vaud) » (L’Art populaire en Suisse, Zoé, Carouge-Genève, 1999, p. 186-203.
[9] Lettre du 12 août 1759, Correspondance (éd. Georges Roth), Éditions de Minuit, t. II, 1956, p. 208-212 ; p. 211 pour la citation.
[10] Dictionnaire de l’Académie, 1762. Littré indique un autre exemple de Diderot intéressant à mettre en parallèle : « Les grands artistes ont un petit coup de hache dans [ou à selon les variantes] la tête » (Salon de 1765, Hermann, 1984, p. 178). Artistes et folie, un bien vieux couple !

La Cellule d'Écoute

2013-05-14T17:14:00+02:00

Emmanuel Boussuge, taulier (avec DJ bonjour) du blog La Cellule d’Écoute a fait un clin d’œil aux Beaux Dimanches via une note musicale où il est question d’alphabet (Abécédaire : Rag Mop par Pee Wee King).
Ses goûts et son humour (calendrier de l’avent, plagiats par anticipation…) et ses destinations musicales ont tout pour me (vous ?) séduire.
La Cellule d’écoute a désormais son lien permanent colonne de droite rubrique On ne s’en passe plus.
Si sa programmation ne m’est pas totalement inconnue c’est sans aucun doute grâce à l’émission de radio de le l’Université de Montréal 12’’ dans l’jazz. Cette émission de 2 heures hebdomadaires est disponible en baladodifusion (comme on dit là-bas) et les playlists depuis 2005 sont accessibles sur le blog dédié.
Et si la Cellule est à l'écoute alors je me permets ces deux morceaux.
Mustafa Ozkent guitariste turc avec Üsküdara Giderken de 1973
Et le colombien Lito Barrientos sur l'excellente compilation Colombia! de SoundWay Records

Sortie nationale de ”Recoins” n°5...

2013-04-05T10:49:00+02:00

    Ah, ça faisait longtemps qu'on l'attendait ce nouveau numéro des amis de l'Auvergne absolue. Art, belles-lettres et rockn'roll doivent être toujours au programme, I presume...? Je "présume" parce que le silence a été bien gardé jusqu'ici sur la statue qui ne paraît pouvoir être dévoilée que le jeudi 11 avril prochain à la Cale Sèche (je ne sais même pas ce que c'est que cette Cale Séche, où je présume, là encore, que cette cale ne reste pas longtemps séche et qu'il faudrait plutôt l'appeler la Rue de la Soif...) à partir de 19h... au 18 de la rue des Panoyaux dans le XXe arrondissement à Paris. Voir l'affiche ci-dessous.

     Qu'y aura-t-il au sommaire? Eh bien, je présume, je présume, qu'il y aura au moins ma contribution, un article développé sur le site d'art brut étourdissant de Madame C. en Normandie, auteur décédé en 2009 qui a laissé un jardin étrange entourant une villa aux terrasses barricadées de voiles de ciment et autres silex et nains de jardin incrustés, tapissé en son for intérieur de murs ressemblant aux parois d'une grotte en dentelle de plâtre et papier mâché (on en a parlé dans Bricoleurs de paradis et dans Eloge des Jardins Anarchiques). Et il y aura sans doute aussi la suite du texte fort énigmatique de Régis Gayraud dont il avait entamé la publication dans le numéro 4. Et à part ça? Mystère et boules de gomme... François Puzenat est toujours l'émérite maquettiste de cette revue discrète et prometteuse. Emmanuel Boussuge et Franck Fiat en sont toujours quelques-uns des animateurs assoiffés. Rendez-vous jeudi donc pour en découvrir davantage...

Drôles de billes (un complément d'Emmanuel Boussuge)

2012-02-29T19:20:00+01:00

         Le jeu de piste à la recherche des œuvres populaires signées par leurs créateurs dans la superbe vallée de Brezons (Cantal) évoqué dans le texte Art populaire et affirmation individuelle: deux maîtres-maçons de la vallée de Brezons (note publiée sur ce blog le 17 février 2009) s’est prolongé. J’ai repéré depuis une nouvelle croix sculptée attribuable à l’admirable tailleur de pierre naïf nommé Chanssans (ou Chassang ou Chanson…). Et c’est ma préférée.

Le Bourguet, ph. Emmanuel Boussuge, 2010
         La croix se trouve au bas du hameau du Bourguet près du pont qui enjambe le Brezons. La figuration de l’avers est très similaire à celle de la croix plus haut dans le village ou à celle de Liverninx. Au revers, une croix en relief toute simple. Mais surtout, si on s’approche, on aperçoit quatre petites boules posées sur les bras de la croix.

Le Bourguet, ph. EB, 2011
         Et sur ces boules, un visage très élémentaire : deux yeux, un nez, une bouche. Je suis presque sûr que le tailleur s’est inspiré des putti, ces angelots qu’on trouve quelquefois sur les croix à partir de l’époque baroque. Mais voilà, en simplifiant radicalement son objet, ces créatures ailées sont devenues des billes souriantes.
Le Bourguet, ph. François Puzenat, 2010
         Je ne sais pas vous, mais, moi, ça me plaît bien que ce soit un mec au fin fond d’une vallée auvergnate, à la fin du XVIIIe siècle, qui ait inventé Pacman¹.
         Emmanuel Boussuge
         (PS : Cette notule est dédiée aux promeneurs avec qui j’ai arpenté à plusieurs reprises la vallée sur la trace du sieur Chanssans : Didier, Pascale, Emmanuelle et Clio Kahn, François Puzenat et Doudou).
_____
¹ Pacman est le nom de cette boule vorace connue des amateurs de ce jeu vidéo primitif des années 80.

Singuliers à l'écart, une exposition virtuelle

2012-02-29T04:49:00+01:00

      Cela fait longtemps que je souhaite établir mon propre rassemblement de créateurs que je range dans mon for intérieur sous le qualificatif, fourre-tout je m'en avise volontiers, de "singuliers". Singuliers, mais à l'écart alors, et d'abord à l'écart des singuliers pluriel qui s'affichent – contradictoirement, parce que très exhibitionnistes finalement, et de plus très identiques les uns aux autres avec leurs tics graphiques et plastiques tirant du côté du Chaissac mal digéré, de la Tête à Toto déclinée industriellement – qui s'affichent dans les festivals dits "d'art singulier" comme ceux de Banne, de la biennale hors-les-normes de Lyon, la galerie Singul'Art de la Croix-Rousse, etc, etc. Comme sous-titre de mon exposition virtuelle, je pourrais mettre "autodidactes marginaux, imaginistes, intimistes et visionnaires".

De haut en bas, et de gauche à droite, des œuvres de Jean Branciard, Andrée Acézat, Géral Stehr, Bruno Montpied, Ruzena et Monique Le Chapelain
      En attendant de pouvoir trouver l'espace d'exposition matériel adapté (on a un peu d'espoir), je commence par un espace virtuel ici même et dans ma colonne de droite du blog consacré aux albums. Le nouvel album que je commence aujourd'hui, et qui sera évolutif en fonction des découvertes, des rencontres à venir, et aussi des lassitudes, des rectifications, des changements d'avis, devrait contenir pour le moment 46 créateurs. Voici les noms (dans l'ordre alphabétique des patronymes): Acézat, Marie Adda, Pierre Albasser, Jean-Christophe Belotti, André Bernard, Michel Boudin, Emmanuel Boussuge, Jean Branciard, Jean-Louis Cerisier, Thierry Chanaud, les créateurs de l'atelier La Passerelle (Béatrice B., Lydie B., Kevin R., Cyrille A., Monique M.), Caroline Dahyot, Gabrielle Decarpigny, Joseph Donadello (Bepi Donal), Jean Estaque, Noël Fillaudeau, Yves-Jules Fleuri, Alain Garret, Régis Gayraud, Guy Girard, Armand Goupil, José Guirao, Pascal Hecker, Emilie Henry, Hérold Jeune, Laurent Jacquy, Monique Le Chapelain, Stéphanie Lucas, Gilles Manero, Pierre-Louis Martin, Bruno Montpied, Huub Niessen, Serge Paillard, Jean-Pierre Paraggio, Marilena Pelosi, Jean-Christophe Philippi, Sylvia Katuszewski, Marcel Katuchevsky, Ruzena, Lino Sartori, Chrsitine Sefolosha, Petra Simkova, Gérald Stehr, Thibaud Thiercelin, Bernard Thomas-Roudeix.

Noms prédestinants toujours, une histoire de soif

2011-11-06T11:50:00+01:00

       En matière de noms prédestinants, les Auvergnats ont le vent en poupe en ce moment. Voici que, parallèlement à Régis Gayraud, Emmanuel Boussuge nous a adressé d'autres patronymes ayant eu de fortes influences sur l'activité de leurs propriétaires. Cela a aussi comme mérite de nous renseigner sur les lieux de prédilection de nos deux Arvernes. Si l'un s'intéresse plus au manger, l'autre à l'évidence a plutôt soif. Voici les photos d'Emmanuel.
Photos Boussuge, 2011
    Ces appellations sont authentiques d'après Emmanuel. A noter que le "Domaine Marsoif" aurait pu être appelé autrement car on entend "marre de la soif" dans son nom, ce qui pourrait être perçu par certains comme peu avenant, or l'appellation a été gardée. C'est que, quand on en a marre d'avoir soif, le meileur moyen de résoudre le problème, c'est de l'étancher.

Les 12 travaux de Pascal Leforestier

2011-02-05T23:19:00+01:00

Dans Pif le chien, moi ske j’préfère c’est Hercule.
Son côté mal léché, sparadrap sur le nez, sans doute. J’ai un faible, que voulez-vous, pour les matous malicieux et malchanceux.
Je les préfère à ces jolis toutous au petit ventre rond qui n’arrêtent pas de donner des leçons de morale dans la vie comme dans la bédé d’Arnal.
Aussi me suis-je jetée à la vitesse de Guy l’Eclair sur Les 12 travaux d’Hercule de Pascal Leforestier, un mince (mais très pêchu) album de dessins en couleurs réalisés par un monsieur qui fréquente l’Atelier de La Passerelle à Cherbourg.
J’avais déjà été en contact mailographique avec Romuald Reutimann, son animateur mais jusqu’à présent je n’avais pas été très convaincue par les images qu’il présentait, notamment sur le blogue du dit atelier manchois.
La Passerelle est un atelier d’arts plastiques inauguré il y a 20 ans, dans le cadre d’un service d’insertion sociale, s’adressant à des adultes qui travaillent pour la plupart dans des CAT (non, pas des minous !).
Malgré tout le respect que m’inspire le social et les Centres d’Aide par le Travail, je me gêne pas pour juger les travaux d’art sur pièces. Le charity business c’est pas mon truc.Tout de même, je reste attentive à ce qui vient de ces personnes travaillant dans ce type d’ateliers. Personnes dont les capacités peuvent se révéler, sur certains plans, si supérieures aux nôtres alors que, sur certains autres, ils se montrent si fragiles qu’ils doivent être entourés, protégés, encouragés.
C’est le cas, semble-il de Pascal Leforestier auquel tous mes lecteurs font, j’en suis sûre, un petit coucou. On en apprend peu sur Pascal dans les deux courts textes d’Emmanuel Boussuge et de R. Reutimann qui accompagnent les dessins mais on les approuve d’avoir été discrets. Seulement qu’il est grand, qu’il avait 38 ans quand il a réalisé la série herculéenne, «tranquillement», trois jeudis durant. Et qu’il sourit «d’un air moqueur» quand on lui propose un projet, en relevant le défi d’un simple «Ben oui». On aimerait bien savoir s’il aime les carambars ou s’il préfère les fraises tagada (comme moi) mais, bon, c’est déjà pas mal.
L’album reproduit les dessins sur des fonds sable ou coquille d’œuf qui, si je comprends bien, reproduisent des échantillons de papier peint qui ont servi de support à l’origine.
En vis à vis, une page noire, imprimée en blanc relate les divers épisodes de la légende qui ont été grosso modo expliquées à Pascal par l’équipe de l’atelier qui a su, visiblement, se limiter au coup de starter minimum. C’est tout et c’est très bien.
En chichiteuse pourave que je suis, je regrette un peu la blancheur éblouissante des pages de titre et de préfaces mais cette publication de Recoins et Cie est la meilleure de celles (les livraisons d’une revue, en fait) sorties sous ce label.

Lundi 17 janvier, Recoins sur Aligre FM

2011-01-16T15:15:00+01:00

       J'ai oublié... Demain a lieu une réunion au sommet de votre serviteur avec Emmanuel Boussuge, et Cosmo Hélectra, assisté de ses camarades de l'émission Songs of Praise sur Aligre FM (93.1), pour causer du dernier numéro 4 de Recoins. L'émission se tient de 19h30 à 21h, tous les lundis (elle peut être réécoutée par la suite sur le site d'Aligre FM). On va pouvoir entendre la musique dont nous parle Emmanuel et ses amis de la revue (Franck Fiat, Bastien Contraire, etc.) un peu plus concrètement qu'en lisant les pages de cette stimulante et attachante revue, où j'ai publié pour ma part en pré-publication un article sur Pierre et Yvette Darcel, qui se retrouvera dans mon livre, L'Eloge des Jardins Anarchiques.
(L'émission peut être écoutée en suivant ce lien vers un téléchargement: http://songsofpraise.hautetfort.com/)
     A noter aussi que la situation financière de cette radio associative est actuellement "au plus mal" pour citer les mots de Cosmo, "mettant en péril son avenir". Si vous pensez qu'il faut soutenir cette radio, faisant partie des lieux d'expression alternatifs qui nous sont précieux face aux grands médias décervelants, envoyez donc un chèque de soutien à Aligre FM, 42, rue de Montreuil, 75011 Paris.
Photo Emmanuel Boussuge, 2010

Papier Gâché contre Recoins, tout contre (et non pas Recoins contre Tumbélé), samedi, rue de la Fontaine au Roi

2010-12-10T00:42:00+01:00

    Titre mystérieux, n'est-ce pas? Un peu moins si l'on se réfère à ma note du 2 décembre, et encore moins si on a déjà eu l'audace d'aller compulser fiévreusement le n°4 de la revue Recoins-Coins dans les deux seules librairies parisiennes à l'avoir (La Halle Saint-Pierre et Bimbo Tower). Il contient un article que je n'avais pas évoqué, en dépit de la légitime curiosité qu'il avait fait naître en moi, qui traitait de la musique antillaise d'avant le zouk, dont l'auteur de l'article, Emmanuel Boussuge, nous disait que la réputation était envahissante (je suis bien d'accord, le zouk me gonfle très vite). EuBé attire l'attention dans cet article sur les racines de la biguine (pour résumer vite, comme il dit), racines qu'on appelle Tumbélé, musiques faisant l'aller-retour entre rumba congolaise et biguine. Cette musique que je suis allé consulter sur le site de l'éditeur de la compil (Soundway Records, label britannique) que l'article cherche à nous faire découvrir paraît en effet tout à fait excitante. Qu'on en juge avec cet extrait en libre écoute sur le site en question:
Extrait de la compil d'Hugo Mendez de musique Tumbélé parue chez Soundway Records
La compil en question
     C'est assez agréable, hein? Et puis le créole est si fascinant... Eh bien, une occasion va peut-être être donnée d'entendre plus de disques en rapport avec ça (ou autre chose) au cours d'une réunion intitulée "Papier Gâché Party vs Recoins  Tumbélé" et programmée à 20h pour demain samedi 11 décembre. Ce sera au "Un Do/ Re-Do", 75, rue de la Fontaine-au-Roi, Paris XIe ardt. On y mangera, boira et écoutera des disques, paraît-il. Papier Gâché est le nom d'un fanzine graphique où l'on retrouve un collaborateur de Recoins, Bastien Contraire.

Recoins n°4

2010-12-02T10:18:00+01:00

     Les recoins se sont agrandis, la revue, pour les besoins de ce n°4, a repoussé les murs comme on dit pour se donner un peu plus d'air (format 25x20cm). Si je n'arrive pas à me départir de l'impression que la revue par certains aspects de sa mise en pages tient un peu comme à distance les sujets qu'elle présente à ses lecteurs, du fait du corps des caractères qui reste encore trop petit pour mes yeux fragiles, je comprends par ailleurs qu'étant donné la richesse des matières traitées dans ce numéro, les rédacteurs (tous des passionnés et des bénévoles) aient été placés devant des choix cornéliens sur la question de la mise en pages. On retiendra donc avant tout la nette amélioration de cette dernière, ainsi que de la ligne éditoriale.

Pierre Darcel, danseurs bretons en ciment couvert de coquilles de moules, coques, berniques, coquilles Saint-Jacques, ph. (inédite) Bruno Montpied, 2010

     Il s'est passé en effet quelque chose de plus, la revue a basculé dans une autre ère il me semble. On est là face à un saut qualitatif indéniable. Un de ses plus grands mérites est son excellent équilibre en dépit de sa variété. Car le sommaire marie les environnements spontanés (c'est moi qui m'y recolle avec un article sur un site nouveau en Bretagne, de Pierre et Yvette Darcel, statufieurs et mosaïstes, du côté de St-Brieuc), à la boxe, le rock n'roll, le blues ou la country, voire la musique antillaise d'avant le zouk (tiens il y a aussi un texte de Cosmo Helectra sur la musique de ski nautique, Cosmo un habitué de nos parages et animateur de l'émission Songs of praise sur Aligre FM tous les lundis soirs). Le mixage continue avec des articles sur un auteur de livres anticléricaux du XVIIIe siècle, plus une très belle étude de Bertrand Schmitt sur un créateur tchèque Vladimir Boudnik (non, ni beatnik, ni spoutnik, quoique nom-valise on dirait, comme fait à partir des deux). Sont également convoqués deux très beaux textes de Régis Gayraud à thématiques contrastées (démontrant une fois de plus le grand talent du bonhomme, et je ne dis pas ça parce que c'est un ami, c'est plutôt le contraire, c'est parce qu'il crée aussi des choses de ce calibre qu'il est mon ami), une (trop) courte intervention d'Olivier Bailly sur Robert Giraud, une notice d'André Vers sur le Vin des Rues de Giraud, de l'art populaire dans les oratoires du Cantal,

des compte-rendus de divers livres, des aphorismes (d'Olivier Hervy, en petite forme, j'ai trouvé), des brèves de comptoir comme celle-ci:

"La fin du monde, c'est mieux à la campagne, tu te fais pas piétiner"
(Tirée d'une anthologie de Jean-Marie Gourio, concoctée par l'auteur à partir de propos tenus dans les bistrots, pratique certes antérieure à Gourio, mais mettant en relief l'indéniable esprit des rues, volatil, anonyme, difficile à fixer en littérature, une création littéraire immédiate en quelque sorte)

Sommaire de Recoins n°4
      Au sein de ce sommaire éclectique, et parce qu'il faut bien se limiter sur ce blog à quelques détails seulement, les deux interventions sur lesquelles j’ai tendance à focaliser sont celles de Régis Gayraud pour son texte « Méritoires d’outre-terre, feuilleton (1) », et l’étude de Bertrand Schmitt sur le poète, plasticien et théoricien tchèque Vladimir Boudnik.
     Du premier, on peut retenir son étourdissante habileté à plonger le lecteur dans un climat de pur onirisme qui a cette particularité de ne pas se cantonner au réveil - à cet entre deux où la conscience pas encore complètement extirpée du sommeil vacille entre deux mondes - mais bien plutôt à s’étendre progressivement, insidieusement à tout l’ensemble de l’activité diurne. Monde renversé, où la veille devient territoire du rêve, ce qui n’est pas sans laisser le lecteur au bord d’une certaine angoisse assez voisine de celle qui préoccupe un Roger Caillois par exemple dans les expériences qu’il relate dans son petit livre L’Incertitude qui vient des rêves. Régis l’a déjà écrit ailleurs (dans une enquête sur les rêves publiée naguère par le groupe de Paris du mouvement surréaliste –auquel soit dit en passant appartient Bertrand Schmitt), les rêves ont pour lui un autre aspect que celui de révéler des désirs enfouis et refoulés, selon la doctrine freudienne. L’activité onirique brasse les cartes des situations possibles, se prêtant ainsi à une véritable combinatoire des situations qui pourraient se produire. Ce qui explique qu’elle puisse prendre l’aspect d’un terrain propice aux prémonitions. Il semble que le texte de Régis publié dans ce nouveau numéro de Recoins joue quelque peu avec ce désir d’anticipation. Comme si l’auteur cherchait à diriger son destin, comme d’autres cherchaient à diriger leurs rêves.
Vladimir Boudnik, du cycle Variations sur le test de Rorschach, 1967 (extrait des illustrations de la revue Recoins)

     L'étude de Bertand Schmitt qui présente le fort peu connu Vladimir Boudnik (1924-1968) m'a fait l'effet d'une véritable illumination. J'ai reconnu en lui - comme certainement cela a été le cas pour la rédaction de Recoins (il faut repérer dans la revue les photos d'Emmanuel Boussuge qui comme moi s'intéresse de fort prés aux images créées par le hasard, figures anthropomorphes des ferrures de portes, piquets de clôture, taches diverses) - un précurseur, ou un continuateur, de la création immédiate. Ce poète, plasticien, et théoricien tchèque, instruit des ravages profonds induits dans l'âme des hommes par les désastres de la Seconde Guerre Mondiale, chercha à créer une nouvelle forme d'expression qu'il appela "l'explosionnalisme", qui consistait entre autres à pousser les individus dans la rue à projeter leurs inconscients à travers les traces existant sur les murs. "Armé de fusains, de craies, de graphites, il lit et interprète les vieux murs, fait surgir de la chaux des fantômes endormis". Ce que Bertrand nous apprend des actions et de la quête de Boudnik le montre assez parallèle avec les idéaux des membres contemporains du groupe Cobra, convaincus de la transfusion de l'art dans la vie quotidienne des classes populaires, ou d'un Dubuffet, également contemporain, qui découvrait à cette époque-là le génie populaire individualiste des oeuvres de ce qu'il appela "l'art brut". Il écrit les phrases suivantes, qui font indéniablement écho à l'illustration et à la défense de la poétique de l'immédiat que je cherche à promouvoir sur ce blog: "Un [...] appel à la création immédiate et concrète avait été exprimé dans le premier manifeste de l'explosionnalisme...". "Cette exhortation à la création collective, directe et populaire contient aussi une remise en cause du statut séparé de l'artiste professionnel". Et voici aussi cette phrase empruntée aux écrits de Boudnik: "Regardez autour de vous! Sur le mur sale, le marbre, le bois... Ce que vous voyez est ce qui est à l'intérieur de vous. Ne sous-estimez pas les taches. Faites-en le tour avec votre doigt, redessinez-les sur le papier... Saisissez votre monde intérieur." C'est la leçon de Léonard de Vinci proposée à l'homme du commun! Travaillant en usine, il va former des groupes de prolétaires à l'étude et à la création de formes inspirées d'images aléatoires comme les taches, les traces que l'on trouve communément autour de soi (les nuages, les signes sur les peaux de bananes, n'est-ce pas Bruly-Bouabré?...). Il organise des expositions dans les couloirs de son usine "au grand ébahissement des cadres et des ouvriers"...
Extrait d'un documentaire sur Boudnik sur You Tube (plusieurs oeuvres de cet étonnant expérimentateur sont ainsi visibles ici)

      Il expérimente à tout va (il fera ainsi une suite d'interprétations des tests de Rorschach), cherchant apparemment à ce que suggère Bertrand Schmitt dans son si éclairant article à partir en quête des secrets de la matière, de l'énergie génitrice présente au sein de celle-ci. Bref, on a là à l'évidence une étude tout à fait passionnante, et rien que pour ces textes-ci, la revue Recoins dans ce n°4, a déjà rempli son office d'illuminatrice. J'encourage naturellement tout un chacun à s'enquérir du reste de son contenu.

Recoins est disponible en écrivant et en s'abonnant 13, rue Bergier, 63000 Clermont-Ferrand. Adresse e-mail: revuerecoins@yahoo.fr
A signaler également ce jeudi soir 2 décembre au Kiosque/Images, 105, rue Oberkampf, la présentation de l'ouvrage Les 12 travaux d'Hercule, édité par Recoins et Cie, sur les dessins de Pascal, un des créateurs fréquentant le foyer d'arts plastiques La Passerelle à Cherbourg (voir les notes que j'ai consacrées sur ce sujet).
La revue est disponible également sur Paris à la librairie de la Halle Saint-Pierre (XVIIIe ardt), ainsi que chez Bimbo Tower, passage Saint-Antoine dans le XIe arrondissement. D'autres librairies seront bientôt pourvues à leur tour.

Un meuble énigmatique

2010-05-22T00:39:56+02:00

    Emmanuel Boussuge, notre correspondant émérite du Cantal, et accessoirement éditeur de la revue Recoins à Clermont-Ferrand, grand amateur d'art populaire et de rock'n roll, m'envoie l'image d'un meuble de 1812, sorte de placard, qu'il trouve - et moi itou - énigmatique. Il demande qu'on la mette sous les yeux de tout internaute un peu sagace qui saurait déchiffrer l'énigme qu'elle présente (s'il y a énigme). Pourquoi ces deux cadrans horaires aux heures différentes (trente minutes d'écart entre elles si ce sont les heures du milieu, ou de la fin, du jour)? Est-ce un naïf memento mori pour marquer le temps qui fuit, inexorable, et nous emmène tous vers le trou en bout de piste? Saurez-vous éclairer nos lanternes parisiennes et auvergnates?

Ph. Emmanuel Boussuge, 2010

Encyclopédie Des Figures

2010-01-06T10:33:00+01:00

"C'est la nouvelle année, embrassez votre installation électrique"

(Emmanuel Boussuge)

Mons de Virargues, ph. E.Boussuge, 30 déc 2009

Prédestinants d'Auvergne selon Emmanuel Boussuge

2009-09-26T00:33:00+02:00

       Aptonymes, c'est la rentrée. Et je pense à la collection de noms prédestinants du Poignard Subtil, à laquelle je joins ma petite récolte.  Prise dans les rues d'Aurillac, la devanture de la blanchisserie Propre, Alain Propre.

Photos Emmanuel Boussuge, 2009

          Et un cas à valeur historique une armoire spéciale que l'on peut voir au Musée de la Haute-Auvergne à Saint-Flour. Il s'agit d'une des plus vieilles armoires signées connues puisqu'elle date de 1679. Et dans le musée des aptonymes de haute époque, elle se pose là aussi :



       Remarquez ce qui est peut-être le plus intéressant : la façon de faire lettres et chiffres, selon une inspiration très géométrique, dont on ne connaît pas d'équivalent (moi en tout cas) à l'époque et qui fait de notre Planche, charpentier à Ussel en Planèze (à ne pas confondre avec celui de Corrèze), un précurseur des expérimentations typographiques du début du XX^e siècle.

     Emmanuel Boussuge

photos E.B., 2009

Art populaire et affirmation individuelle...

2009-02-17T23:07:00+01:00

ART POPULAIRE ET AFFIRMATION INDIVIDUELLE: DEUX MAITRES-MACONS DE LA VALLEE DE BREZONS

par

Emmanuel Boussuge

***

      On trouve au Bourguet, en haut de la vallée de Brezons, dans le Cantal, un curieux petit monument composite (1):

    Ses deux éléments constitutifs ne sont pas au même niveau, mais le tout est évidemment conçu comme un ensemble. La croix est datée : 1778 ; la scène sculptée aussi : 1805. On peut lire sous celle-ci : "PARVIDALVACHERMM^ON", c’est à dire : "[fait] par Vidal Vacher Maître Maçon" (2).

      En remontant la vallée, à Liverninx, un hameau situé un kilomètre plus loin, on tombe sur un autre croix très similaire à la précédente.



    Celle-ci présente la particularité très rare d’avoir un christ sur chaque face (3). On peut lire d’un côté "INRI", initiale de la formule courante qui désigne en latin "Jésus de Nazareth, Roi des Juifs", et de l’autre la date de 1784. Si l’on n’était pas encore convaincu par la très grande similarité du style des sculptures, la proximité des dates assure que les deux croix sont de la même main, qui signe d’ailleurs au bas de celle de Liverninx : "CHANSSANS", ce qui compte tenu de la variabilité de l’orthographe des noms propres au XVIIIe (notamment dans le cas d’un passage du patois au français), de l’alphabétisation peut-être sommaire du sculpteur et des noms usuels localement, peut correspondre à Chanson ou Chassang… Voilà le nom de celui qui notait seulement "Maître Maçon" au Bourguet identifié. Mais peu importe, ce qu’il faut noter, c’est que le sculpteur a l’habitude de signer son œuvre et qu’il faisait des croix en séries.

      Personnellement, je trouve sa fruste technique particulièrement émouvante et son sens de la figuration très satisfaisant pour l’esprit. Qui est ce bonhomme mis sur la croix ? C’est une représentation d’une humanité sans particularité comme celle d’une poupée sommaire ou d’un bonhomme en pain d’épice par exemple. Ce n’est pas en tout cas le Christ agonisant : il ne tient d’ailleurs pas grâce à des clous plantés dans ses membres, mais grâce à un petit piédestal plus confortablement mis sous ses pieds. Il ne faudrait pas croire pour autant à une quelconque intention antichrétienne, mais de même que pour les canons iconographiques savants, le sculpteur s’affranchit ici de tout canon théologique avec la parfaite innocence de l’ignorant et il atteint spontanément à une forme d’universalité inaccessible à ses collègues plus instruits.



    Si l’on descend la vallée et bifurque vers celle de Pierrefort maintenant, ce que l’on trouve ce sont des linteaux sculptés, très rigoureusement similaires à celui déposé à terre au Bourguet.



     Il peut y avoir un, ou deux serpents, les lions peuvent sembler remplacés par des singes comme à Gourdièges. On ne montre ci-dessus que les plus intéressants (ceux qui comportent une figuration), mais on peut d’ores et déjà recenser six autres linteaux attribuables à coup sûr à Vidal Vacher (même cadre cordé reconnaissable entre tous et dates similaires, entre 1800 et 1810).

    Des serpents affrontés à des lions, le thème de prédilection de Vidal Vacher est sans doute à rapporter à une valeur protectrice, une sorte de porte-bonheur allégorique où les forces maléfiques (les serpents) sont vaincues par des forces bénéfiques représentées par les lions. Le cas est un peu plus complexe avec les singes de Gourdièges (si ce sont bien des singes), le singe étant traditionnellement plutôt connoté négativement. Mais de toute façon, ce que l’on voit bien, c’est qu’il s’agit aussi d’une marque personnelle ayant peut-être bien avant tout une valeur publicitaire. Vidal Vacher paraît célèbre dans le secteur pour la finesse de ses linteaux, particulièrement ceux où sont représentés des animaux et celui qu’il a signé et qui nous permet de le connaître est un de ceux-là.

     En parcourant la très abandonnée vallée de Brezons, une des plus belles émotions pour le marcheur est de tomber sans cesse sur les traces des anciens habitants qui étaient étonnamment nombreux il y a encore si peu. Parmi ces traces, les sculptures de deux maîtres maçons indigènes sont des témoignages précieux qui engagent le curieux à un jeu de piste passionnant. A la place d’une confrontation avec des créations anonymes ressortant d’une indistincte tradition, on a devant soi des objets que l’on peut rapporter à un homme bien précis (de la chair, des os et des idées à soi, tout comme vous et moi), doué de goûts et de passions personnelles débouchant sur un style reconnaissable. Autant dire, même si c’est un truisme, que des éléments de décors populaires aussi typiques que linteaux et croix étaient bien sculptés par certains de nos congénères et ne sont donc pas l’expression automatique d’une tradition toujours identique à elle-même et indifférente à la personne qui le réalise. Ce n’est pas rien de signer ses œuvres et ce qui est vrai pour la Renaissance et ses prodromes italiens l’est aussi dans le domaine de l’art rustique (4). On a là l’expression d’un individu qui s’affirme et qui revendique ses préférences et ses choix plastiques (quel que soit leur aspect élémentaire). C’est bien cette sorte d’assurance que vont développer et cultiver ensuite les différents créateurs d’environnements spontanés dont le premier, dans l’ordre chronologique, que l’on peut citer est François Michaud (5), le maître maçon de Masgot dans la Creuse qui orna ses demeures successives et son jardin d’extraordinaires sculptures, où toute sa technique professionnelle est sollicitée pour conduire à quelque chose de totalement neuf.

Quatre dernières photos, sculptures de François Michaud à Masgot (Creuse)

   "Dans la mer trop souvent anonyme de l’art populaire", pour reprendre une image de Nicolas Bouvier, certains îlots minuscules mais clairement individualisés se détachent à peine de la surface de l’eau. Les découvrir en marcheur curieux et se soucier de reporter leur nom sur un nouveau type de portulan est en soi enthousiasmant. Ce ne sont pas les immanquables et majestueuses îles de grande singularité comme le sont les créations du facteur Cheval ou celles de l’abbé Fouéré, mais elles émergent sans doute d’un fond commun.

    Le tout est d’accorder à ces manifestations émouvantes l’attention qu’elles méritent. Pour finir et pour tirer la langue aux cloisonnements qui règnent trop souvent en la matière, voici un détail du linteau déposé du Bourguet.

Toutes les photos illustrant cette note, sauf mention spéciale, sont d'Emmanuel Boussuge (2009)

(1). Cette photo a été prise par Roger Besse (1907-1968), qui filma et photographia avec une formidable régularité le Sud du Cantal et ses habitants, amassant une documentation extraordinaire sur le monde rural des années 40 aux années 60. La richesse de ce fonds a donné lieu à un spectacle, puis à un DVD intitulé L’œil du pharmacien (L’Auvergne imaginée, 2005) mêlant images et musique et que l’on peut chaudement recommander. On remarque au passage que l’agencement du "monument" a plus de 40 ans. Merci à Pascal Besse de nous avoir communiqué la photo.

(2). Le premier à avoir évoqué le nom de Vidal Vacher est Jean-Claude Roc, mais je n’ai malheureusement pas la référence de son livre sous la main.

(3). Sur les croix, l’ouvrage de référence est celui de Pierre Moulier, Croix de Haute-Auvergne (Créer, 2003), qui se base sur un recensement local d’une ampleur inégalée toutes régions confondues.

(4). Voir Bruno Montpied, Petite promenade dans l'art populaire du Rouergue dans Gazogène, Cahors, 1996.

(5). Voir Bruno Montpied, Formes pures de l’émerveillement dans Masgot, l’œuvre énigmatique de François Michaud, éd. Lucien Souny, Limoges, 1993 et François Michaud et les autres, quelques exemples d’environnements sculptés avant le Palais Idéal du facteur Cheval, dans Création Franche, septembre 2007, pp. 16-20.

Le ”Salon de Bruno”, proposition d'Emmanuel Boussuge

2009-02-16T11:48:00+01:00

    Apparemment, en cette journée de grisaille absolue, quelques amis veillent dans les coursives et suivent la tentative marathonienne. Voici un exemple de ce que l'on m'a envoyé il y a très peu de temps...
Glen Baxter, dessin repris d'un numéro du Monde

    Je ne sais pas comment je dois l'interpréter... En tout cas, voici le commentaire envoyé en parallèle par le transmetteur du dessin, Emmanuel Boussuge (qui a une actualité créatrice sur laquelle je comptais revenir aujourd'hui même):
"On aimerait suivre au plus près l'effort du marathonien, l'encourager et lui passer une gourde au bon moment. Puisque l'on ne connaît ni l'horaire des interventions ni l'itinéraire, commençons par agiter les fanions au hasard et d'abord dans "le salon de Bruno"."

La revue qui vous attire dans les recoins

2008-12-12T00:29:00+01:00

    Dimanche 14 décembre à partir de 15 heures, à l'auditorium, la revue Recoins veut faire comme tout le monde, se présenter au public des amateurs d'arts populaires et buissonniers, ainsi qu'aux amateurs de littérature qui fréquentent pour alimenter leurs addictions la Halle Saint-Pierre, à Paris dans le XVIIIe ardt (rue Ronsard). Pour ce faire elle a prévu un petit programme avec un "diaporama" (assisté par ordinateur, espérons que ça ne ramera pas...) présenté par votre serviteur (nous avons collaboré au n°2 de la revue), balade dans des images fort variées qui doit servir à naviguer depuis les rives de l'art populaire du temps jadis jusqu'aux terres de l'art naïf insolite, de l'art brut, des environnements spontanés, avec l'espoir que l'on puisse à la faveur des 150 images prévues pour être montrées dégager la notion d'art immédiat...

    Emmanuel Boussuge, l'un des animateurs et des fondateurs de Recoins, revue basée à Clermont-Ferrand, viendra également nous parler des "irréguliers" qu'il déniche en Auvergne (nous lui avons signalé un site, dû à un certain M.Goldeman, toujours en cours d'évolution à St-Flour, que nous avions découvert au cours d'une randonnée il y a quelques années ; à son actif, il a découvert un autre site, peut-être plus intéressant, celui de François Aubert dans le village d'Antignac dans le Cantal ; il a du reste publié une étude à ce sujet dans le n°2 de la revue). Puis un autre collaborateur de Recoins, Franck Fiat, clôturera le programme en projetant un film réalisé par lui en compagnie de David Chambriard, Huile de Chien, tirée de l'excellente nouvelle fantastique de l'auteur américain Ambrose Bierce). Un pot pour les soiffards est prévu ensuite...

Intervention sur une maison à St-Flour (Cantal) par M.Goldeman, ph.Bruno Montpied, 2007

Fourneau de pipe fait dans un os avec yeux de verre, art anonyme ; une vue alternative à celle qui sera montrée dans l'ensemble des 150 images présentées par BM à la Halle St-Pierre ; trouvée par Philippe Lalane, ph.B.Montpied, 2008

Recoins n°2, Des fous de Tolbiac à Aubert d'Antignac

2008-06-24T22:54:00+02:00

    Vient de paraître juste avant la grande migration estivale le n°2 de la revue Recoins qui se consacre, comme il est dit dans son sous-titre, aux arts, belles lettres et rock'n roll. Enfin, pas tout à fait seulement à cela. Cette revue, éditée à Clermont-Ferrand, et qui se qualifie aussi de "revue moderne d'arrière-garde", outre de nombreux articles sur le rock, la publication d'une bande dessinée, quelque détour vers la boxe pratiquée dans les rues du New-York du XIXe siècle, publie cette fois-ci (voir la recension succincte que j'avais déjà faite du n°1 dans mon Billet du Sciapode dans Création Franche n°26) plus d'articles concernant les sujets qui nous sont chers, à savoir le surréalisme, les environnements spontanés de bord des routes, et la littérature tournée vers les moeurs populaires qu'elle soit liée aux plus fous ou aux plus champêtres des figures du peuple.

   Au chapitre du surréalisme, Anna Pravdova nous donne une présentation instructive de Tita, jeune surréaliste tchèque qui a fait partie du groupe surréaliste de La Main à Plume, groupe de jeunes gens qui eurent à coeur de poursuivre vaille que vaille l'activité surréaliste dans la France occupée, pendant que leurs aînés, plus connus, avaient fui ou se cachaient, poursuivis ou menacés qu'ils étaient par le régime vichyste. Ces jeunes gens commencent désormais à mieux émerger de l'ombre où on les a longtemps tenus. A noter qu'un n° spécial de la revue Supérieur Inconnu, dirigée par Sarane Alexandrian et Marc Kober, et publiée tout récemment (printemps-été 2008, n° consacré à "la vie rêvée"), évoque elle aussi un autre membre de La Main à Plume, Marc Patin, en publiant deux récits de rêve avec leur analyse par l'auteur. Marc Patin, dont Tita illustra de dessins deux plaquettes de poèmes. Anna Pravdova nous révèle dans cet article la fin exacte de la jeune peintre juive qui fut arrêtée durant la tristement célèbre rafle du Vél d'Hiv, et déportée à Auschwitz via le camp de transit de Drancy.

Une danseuse solitaire dans une guinguette de Champigny-sur-Marne, vue par B.Montpied en 1989 (pour s'associer avec l'évocation ci-dessous ; photo non éditée dans Recoins)

   "Quatre fous de Tolbiac", tel est le titre d'un texte absolument remarquable (et je vous prie de croire que ce n'est pas parce qu'il s'agit là d'un vieil ami que je dis cela) de Régis Gayraud sur des souvenirs (en réalité, plus que cela) relatifs à des figures de la rue parfaitement saisissantes, et angoissantes pour certaines d'entre elles. Il s'agit là, pour reprendre un terme cher à Mac Orlan et à Robert Giraud de pur fantastique social. Ecrit dans un style dépouillé (bien éloigné du style des années 80, que l'auteur qualifie lui-même de "maniéré", tout en phrases longues, et bourré d'excès divers, que je connais bien pour en avoir publié dans ma revuette La Chambre Rouge, vers 1984, quelques morceaux choisis, comme Faire chou blanc, plaquette tirée à part...), nous faisons connaissance avec quatre figures inoubliablement campées par Régis. Elles entrent de plein droit dans une longue tradition d'évocation littéraire des figures de la rue, qui nous est personnellement très chère.  Cela faisait fort longtemps que Régis Gayraud n'avait pas repris la plume de façon plus directement créative et surtout de façon publique. On le connaît en effet davantage comme traducteur de russe et essayiste, spécialiste du poète-éditeur Iliazd (comme le commentaire qu'il nous a laissé récemment le laisse deviner). On ignore -et c'est très dommageable- qu'il est un écrivain de première force, à la personnalité hors-norme et baroque, pourvue d'un humour parfois féroce... Ce texte à lui seul vaut l'achat de ce n°2 de Recoins.

La maison de François Aubert à Antignac, avec l'entrée du musée minéralogique derrière la porte à tête de mort, photo B.Montpied, 2003 (reproduite dans Recoins)

     Un autre texte vaut cependant également le détour, l'évocation documentée et fouillée par Emmanuel Boussuge (par ailleurs directeur de la publication) de la vie et de l'oeuvre du maçon créateur d'environnement spontané François Aubert à Antignac, dans le Cantal (agrémentée de quelques-unes de nos photos faites en accompagnant Emmanuel sur les lieux). Cette mini monographie, s'appuyant sur des souvenirs et des documents confiés par la fille de François Aubert, ainsi que des témoignages d'une érudite locale, Odette Lapeyre, restitue assez bien le cas Aubert. Ce dernier a laissé derrière lui une maison décorée de bric et de broc, avec des animaux en ciment armé de style naïf, un musée minéralogique (point commun avec le facteur Cheval qui comme on sait avait donné pour vocation à son Palais Idéal, dans les débuts, d'abriter un musée de pierres trouvées), une architecture employant des matériaux jurant les uns avec les autres, mariant l'intention farceuse au goût du désordre provocateur. Maison à vendre aujourd'hui et en péril (les statues ont été aujourd'hui cependant mises en lieu sûr, suivant la solution du "déplacement" -chère à Patricia Allio, voir le cas de Jean Grard- et sage décision si l'on se réfère à d'autres sites, comme ceux de Gabriel Albert en Charente, de Raymond Guitet en Gironde ou encore d'Emile Taugourdeau dans la Sarthe). Nous reviendrons personnellement, avec notre propre vision, sur le site de François Aubert à une autre occasion. Je renvoie pour l'heur les lecteurs à ce n°2 de Recoins décidément fort riche.

La maison de François Aubert, vue de la route, côté droit ; photo B.Montpied, 2003 (inédite)

Coordonnées pour acquérir la revue:

Sur Paris, on est sûr d'en trouver quelques exemplaires à la librairie incontournable de la Halle Saint-Pierre, rue Ronsard, 18e arrondissement. Sinon on la commande à Recoins, 13, rue Bergier, 63000, Clermont-Ferrand. (Contact e-mail: revuerecoins@yahoo.fr). Prix au numéro: 6€, abonnement 4 numéros: 20€ (+ toujours le "formidable cadeau"...).



Touslas, tout passe, tout casse? Que non pas!

2008-03-09T14:09:00+01:00

   Note dédiée à Emmanuel Boussuge et à Jean Branciard

   Voici quelque temps déjà que mon jeune camarade Emmanuel Boussuge m'a glissé malicieusement sous les yeux une carte postale ancienne relative à un "monument aux morts", bricolé de façon naïve, situé à Saint-Jean-de-Touslas dans le département du Rhône.

Monument aux morts en mosaïque et en rocaille, auteur abbé Pierre Cognet, vers 1919, carte postale d'époque, coll. Emmanuel Boussuge

    On se dit devant ces fragiles, quoiqu'évocatrices ô combien, traces de sites bâtis ou confectionnés par des autodidactes, dans un premier temps, que ces lieux n'appartiennent qu'au passé. Tant ce petit bout de papier jauni par le temps, par son côté hors d'âge, semble devoir enfermer son sujet dans une île spatio-temporelle à jamais isolé de nous, de notre présent. Or, il ne faut pas hésiter à interroger la possiblilté que ce lieu ait pu franchir le temps à travers une passerelle protégée.

    Je n'ai donc pas trop traîné avec le monument aux morts de Saint-Jean-de-Touslas. Depuis quelque temps, j'ai une connaissance dans la région lyonnaise, que les lecteurs de ce blog ont du reste rencontré en même temps que moi puisqu'il s'y est manifesté par un commentaire évoquant son oeuvre toute en assemblages forts et poétiques (que j'aurai bientôt l'occasion de présenter plus copieusement), j'ai nommé Jean Branciard. Plus besoin de se déplacer pour vérifier les lieux, je propose l'affaire à celui qui est le plus près dans la région,à savoir lui. Cela l'intéresse. Il se rend sur place, et il ramène de précieuses informations, que je vous livre à présent.

   Le monument existe toujours, sur la place du village, à l'encoignure de deux maisons (il est d'une taille beaucoup plus grande que sur la carte postale). Il est en bon état, on veille sur lui, l'auteur s'appelle l'abbé Cognet, qui a été curé à St-Jean de 1903 à 1932 (comme cela est signalé sur le site du Pays Mornantais). Il a bénéficié des bons soins d'un autre curé, le père Braichet, lui-même sculpteur, décédé voici une dizaine d'années, qui entretint les décors en mosaïque de l'abbé Cognet et qui y ajouta en de petis endroits ses propres oeuvres (voir les petites sculptures dans une niche au bas de la photo du monument actuel).

Le monument aux morts, état actuel (on rélève en inscriptions les mots "Bonjour, Amitiés" sur la partie inférieure du monument, partie qui correspond à la photo de la carte postale ancienne ; il est possible que ce monument ait été continué après la photo de la carte postale, voir l'auvent en tuiles...), photo Jean Branciard, février 2008

   Le site du Pays Mornantais indique que l'abbé Pierre Cognet a créé ses mosaïques entre 1905 et 1925. Il paraît s'être exercé sur trois zones principales dans l'espace de son village de St-Jean-de-Touslas: le monument aux morts, les murs extérieurs de la sacristie, cette dernière étant accollée à l'église du village, et enfin certains murs et corridors du presbytère, où ses interventions paraissent plus timides.



Sur les murs de la sacristie, il s'est amusé à représenter les différents châteaux de sa région dont il a incrusté les reproductions en mosaïque au milieu de compositions décoratives. Son monument aux morts, qui me paraît de tous ses décors le plus frais et le plus primesautier, reproduit les noms des six soldats de la commune morts à la Grande Guerre. Il est à souligner qu'il s'agit là d'un des rares monuments aux morts en France dûs à une initiative individuelle, de plus dans l'espace public. Un autre monument aux morts de style nettement plus pompier fut réalisé en 1929 à quelques distances de celui de l'abbé, la différence d'allure et de caractère des deux monuments saute aux yeux, selon ce qu'en m'en dit mon correspondant. L'existence de ces décors et leur préservation ont bien sûr été favorisés par le fait que leurs auteurs étaient des ecclésiastiques, et donc en tant que tels, personnalités généralement autorisées par la communauté des ouailles, les critiques ne venant généralement dans ce cas que de leur propre hiérarchie (comme ce fut le cas pour l'abbé Paysant avec son Eglise Vivante et Parlante de Ménil-Gondouin dans l'Orne, dont on sait que les interventions et le musée furent anéantis après sa mort, vers 1920, avant de réapparaître ces dernières années et d'être restaurés).

Intérieur du jardin du presbytère à St-Jean-de-Touslas, mosaïques de l'abbé Cognet; cet endroit conserve aussi des objets d'artisanat et de traditions populaires ; photo Jean Branciard, 2008

MASSIF EXCENTRAL (13): Quand André Breton était guérisseur en Auvergne

2008-01-16T22:15:00+01:00

    Je veux bien faire plaisir à mon correspondant auvergnat Emmanuel Boussuge qui a l'esprit fièvreux pendant cet hiver en Auvergne. Il m'envoie une dépêche en urgence depuis son Cantal adoré. Il a trouvé une trace inédite d'un passage énigmatique d'André Breton chez les Arvernes, l'image ci-dessous fixée sur une ancienne carte postale:

Carte postale consacrée à Maître Garenne, un fameux lapin...(de garenne, ouaf, ouaf)

    Il paraît que cet homme ressemblerait fort au poète. Si je lui trouve moi plutôt des similitudes avec les visages croisés du docteur Ferdière et de Jean-Roger Caussimon, m'en voudra-t-on? Cela dit, il est plaisant d'imaginer la carrière de Breton en guérisseur nous imposant les mains au fond de quelque Auvergne anonyme, quand on sait l'importance des gants dans sa vie en outre... Et puis oui, Breton est bien encore aujourd'hui, quelque part, une sorte de grand guérisseur.

Exposition éphémère de photos du Cantal: MASSIF EXCENTRAL (13)

2007-12-01T13:50:00+01:00

    "La peau sous le tricot des astres (photos du Cantal)", tel est le titre d'une exposition collective de photos (d'Emmanuel Boussuge, Ludochat, Franck Fiat et Isabelle Morange), annoncée par l'un des exposants comme "éphémère". Le même exposant m'invite, vis-à-vis du titre de cette expo, à jouer sur les mots avec "à peu près". Alors, puis-je proposer comme titres alternatifs: "La peau saoûle trinque au désastre", ou bien encore "La peau sous la trique, Ô désastre..."?



    Son vernissage est pour le 8 décembre en fin d'après-midi (samedi prochain donc). Cela se déroule chez Delphine Gigoux-Martin et Vincent Ravel, 2 bis rue des Châtaigniers, 63830 Durtol (commune limitrophe de Clermont-Ferrand). On aura noté au passage, du moins quelques rares "initiés", que l'on retrouve parmi ces exposants une partie du staff de la revue Recoins (dont on nous annonce la parution du n°2 pour février 2008...).



    Insérées dans cette note, quelques photos d'Emmanuel Boussuge, présentées plus "physiquement" à l'expo, semblent indiquer que le propos des photographes est une évocation sensible de la poésie des bâtiments rustiques...

Photos Emmanuel Boussuge, et ci-dessus, une tête sculptée sur ce qui dût être un cadran solaire