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Remise à niveau (english) #198

2026-01-12T05:34:00+01:00

Le saviez-vous ?

2025-06-05T23:07:00+02:00

87% des "petits éditeurs" finissent Témoins de Jéhovah et enlisés dans la neige !

Je suis un être humain

2025-03-28T00:00:00+01:00

Quel contraste entre Eraserhead, le premier long-métrage surréaliste et un brin foutraque du tout jeune David Lynch et cet Elephant Man, son deuxième film, acclamé par le public et la critique, sans toutefois avoir récolté les récompenses qu’il aurait mérité – aucun oscar, pas même celui du meilleur maquillage, prix qui ne sera créé du reste qu’un an plus tard…

Or, à y réfléchir de plus près, cet homme éléphant n’est pas aussi éloigné que le bébé difforme et monstrueux d’Eraserhead. On oserait presque dire qu’il semble en être un prolongement. Ajoutons aussi que les deux films ont été tournés en noir et blanc, un noir et blanc somptueux pour Elephant Man grâce au travail de Freddie Francis.

Que de différences entre le long-métrage de 1980, Grand Prix du festival d’Avoriaz et César du meilleur film étranger, et Eraserhead ! A sa sortie, le scénario linéaire, chronologique et clair d'Elephant Man fait taire de nombreuses critiques échaudées par son précédent opus indépendant surréaliste et psychanalytique.

Pour Elephant Man, le réalisateur américain a choisi de s’intéresser à l’histoire vraie de John Merrick (en réalité Joseph Merrick), joué par John Hurt, recueilli par le docteur Frederick Treves (Anthony Hopkins). Être né difforme, Merrick est exhibé dans des foires, très populaires à la fin du XIXe siècle. L’homme éléphant trouve asile dans l’hôpital où travaille Treves, en dépit des critiques de ses pairs. Très vite, Merrick s’avère ne pas être le monstre qu’il paraît. Il est aimable, d’une grande gentillesse et très cultivé. Bientôt, il devient une célébrité, s’attirant la sympathie d’une actrice renommée.

Un être sensible, doux comme un agneau, cultivé, artiste et aussi malheureux

Qui sont les monstres ? Voilà la question qui traverse ce film devenu un grand classique du cinéma. Cet homme que la nature a rendu physiquement difforme ? Son propriétaire qui l’exploite sans vergogne ? Les spectateurs - on oserait même ajouter ceux du film - qui viennent contempler le "monstre" pour goûter à une peur excitante ? Ou bien le Dr Treves, comme il le dit lui-même ? C’est pourtant à ce dernier que l’homme éléphant doit une nouvelle existence presque normale, entouré de médecins, d’aides-soignantes dévouées et d’admirateurs et admiratrices. Lorsque ce dernier, pourchassé dans le métro, clame cette phrase devenue culte, "Je ne suis pas un animal, je suis un être vivant !", il fait face à une horde de passants devenus eux-mêmes monstrueux. Le spectateur ne découvre l'apparence physique de l'homme éléphant qu’au bout de 25 minutes, suite à l’intrusion d’une aide-soignante dans sa chambre. La jeune femme hurle de peur, peur partagée par l’homme monstrueux.

Finalement, seule la comédienne Madge Kendal, jouée par la superbe Anne Bancroft (Miracle en Alabama, Le Lauréat), et devenue son amie, apparaît comme la seule personne pure du film – avec John Merrick lui-même.

John Merrick, aussi effrayant qu’il soit (bravo au maquillage ahurissant de Christopher Tucker !), est d’abord un être sensible, doux comme un agneau, cultivé, artiste et aussi malheureux. L’abandon de sa mère est d’ailleurs le nœud de sa souffrance, sans doute autant que les humiliations et les coups de sa vie de bête de foire.

Le soulagement final de cette triste existence ne viendra que dans les dernières minutes, avec quelques plans oniriques – une marque de fabrique de Lynch – et la voix consolatrice de la mère de Merrick : "Rien ne meurt jamais", murmure-t-elle à son fils dans ce dernier moment devenu une délivrance.

Elephant Man, drame de Lynch David, avec Anthony Hopkins, John Hurt, Anne Bancroft,
1980, 124 mn, StudioCanal
https://store.potemkine.fr/dvd/5053083211769-elephant-man-lynch-david

Voir aussi : "Tête effaçable"

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Comme dans un rêve

2025-03-22T00:00:00+01:00

Chef d’œuvre de David Lynch, Mullholland Drive, sorti en 2001, figure pour beaucoup de critiques comme l’un des 10 meilleurs, sinon le meilleur film de ce premier quart du XXIe siècle. Inimitable, surréaliste, au scénario sophistiqué et malin, esthétiquement magnifique, sans compter la musique d’Angelo Badalamenti, le compositeur fétiche de Lynch. Tout fait de la ce film remarqué au Festival de Cannes 2001 une pure merveille (il n'obtiendra cependant pas - et c'est injuste - la Palme d'Or).

Mulholland Drive est une vraie expérience de cinéma qu’un premier visionnage peut désarçonner. Quitter le film avant la fin condamne le spectateur à passer à côté d’une histoire à la fois bouleversante et pathétique.

Sur les hauteurs de Mulholland Drive, une limousine se fait arrêter par une voiture d’où sortent des malfrats. Leur cible est la passagère, Rita, en tenue de soirée. Elle échappe aux hommes de main grâce à un accident opportun. En fuite, elle trouve son salut en se réfugiant dans une maison désertée par sa propriétaire. La lumineuse Betty, venue tenter sa chance à Hollywood, débarque quelques heures plus tard dans cette grande demeure que lui a prêtée sa tante. Envoûtée par la mystérieuse fuyarde, Betty propose son aide à Rita qui est devenue amnésique suite à l’accident. Dans le même temps, Betty tente sa chance dans la ville du cinéma en courant un casting et un plateau qui doit lui apporter la gloire.

Un couple d’actrices Naomi Watts / Laura Harring devenu légendaire

Le spectateur doit accepter de se laisser guider par un David Lynch qui n’a sans doute jamais été aussi inspiré. Pendant les trois premiers quarts d’heures du film, les événements se succèdent, tour à tour grotesques (les tueurs à gage maladroits), surréalistes (la scène du monstre sur le parking d’un bar), tragiques ou surprenants. Les personnages secondaires sont à l’avenant, à commencer par le réalisateur falot Adam (Justin Theroux) ou la sympathique Coco qui a droit à un traitement différent dans le dernier quart d’heure du film.

Chaque visionnage du film permet de s’arrêter sur des détails – qui n’en sont pas – et des scènes a priori anodines : la scène du café trop amer, le casting de Betty ou encore l’apparition du monstre, l’une des plus marquantes sans doute dans la carrière de Lynch.

Et puis, il y a ce couple d’actrices, Naomi Watts et Laura Harring, devenu légendaire. Naomi Watts, en particulier, livre une interprétation formidable en incarnant une femme aux différents visages.

Pour toutes ces raisons, Mulholland Drive est un chef d’œuvre à voir, revoir, re-revoir, et cetera.

Mulholland Drive, thriller indépendant américain de David Lynch, avec Naomi Watts, Laura Harring,
Justin Theroux et Ann Miller, 2001, Studiocanal, Les Films Alain Sarde, DVD, 146 mn
https://www.arte.tv/fr/videos/037068-000-A/mulholland-drive
https://www.canalplus.com/cinema/mulholland-drive/h/40659667_50889

Voir aussi : "Insensé"

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Blier-Lynch

2025-01-22T13:00:51+01:00

Le mystère de Twin Peaks - Derrière le surréalisme des films de David Lynch

2025-01-21T17:15:06+01:00

Le mystère de Twin Peaks

Derrière le surréalisme des films de David Lynch

Alexander Douguine

J'ai récemment participé à un programme consacré à David Lynch dans le cadre du « projet Decameron », dans lequel plusieurs personnalités dialoguaient en ligne, racontant différentes histoires et discutant de différents films. L'émission s'intitulait « Guide to Kulchur ». J'ai été invité à parler de David Lynch. L'animateur et moi avons eu une conversation très intéressante. Je vais vous en raconter les principaux détails.

Bien que Lynch soit considéré comme un postmoderniste, un réalisateur populaire parmi les hipsters et les libéraux, l'organisateur du projet Guide to Kulchur, un conservateur de droite (Fróði Midjord) a déclaré qu'il aimait Lynch (se mettant ainsi probablement en opposition avec la plupart de ses propres partisans). J'ai répondu que j'étais un conservateur russe, mais que j'aimais aussi Lynch.

Mon collègue a remarqué que dans Twin Peaks, toute l'action se déroule dans une petite ville américaine sans bourse ni migration, où vivent des Américains ordinaires et classiques, et où tout ce qui leur arrive a le charme de la tradition aux yeux des Américains modernes. Twin Peaks est une sorte d'utopie conservatrice. Les gens marchent lentement, tout le monde se connaît, ils sont familiers avec les particularités de chacun ; même si les relations sont parfois exotiques et surréalistes, il s'agit de relations humaines. Elles ne font pas partie de la machine urbaine. C'est une utopie rurale américaine.

Je n'avais pas envisagé Twin Peaks sous cet angle, mais j'ai été heureux de le soutenir. Peut-être que pour les Américains avec leur culture spécifique, Twin Peaks est l'Amérique profonde, une vision de l'Amérique défendue par ceux qui ne sont pas d'accord avec la mondialisation, le libéralisme de gauche, la société civile, Soros, Obama, Clinton.... En quelque sorte, l'électorat de Trump, ou les gens ordinaires.

Il est intéressant de constater que lorsque Lynch montre les habitants de Twin Peaks comme des personnes extrêmement étranges vivant au bord de la folie, impliquées dans les perversions les plus profondes et se tenant au seuil de l'au-delà (qui envahit de temps en temps leur vie) - il s'agit toujours d'un monde idéal, pastoral et positif comparé au cauchemar que représentent les grandes villes américaines - paysages urbains, Art nouveau américain, l'opposé du backwoods.

Si la schizophrénie surréaliste d'une petite ville américaine est une antithèse positive (aux yeux de certains conservateurs) de l'Amérique urbaine, de Wall Street et des grandes entreprises, cela en dit long sur la société américaine. Il ne m'est jamais venu à l'esprit de voir Twin Peaks comme Macondo dans « Cent ans de solitude » de Marquez... Comme un monde idéal, une utopie. Et pour les Américains, peut-être une perspective possible...

Ensuite, nous avons parlé de la vraie Amérique, celle des petites villes comme Twin Peaks. J'ai noté comment Lynch reconstruit subtilement la structure à trois niveaux de l'image traditionnelle du monde. Avec de l'ironie, des rebondissements ironiques... Mais en fait, ce qui est étrange dans Twin Peaks, c'est que l'action se déroule sur trois niveaux à la fois.

Aussi étrange que cela puisse paraître, il s'agit d'une caractéristique traditionnelle du théâtre classique, où, outre les actions dans le monde du milieu, deux dimensions supplémentaires sont impliquées. Dans Twin Peaks, il s'agit de la Black Lodge et de la White Lodge. Elles sont en contact avec le monde de Twin Peaks - nous n'entendons pratiquement pas parler de la Loge Blanche, mais beaucoup de la Loge Noire. L'invasion de la vie mesurée de Twin Peaks par la Black Lodge crée des tourbillons, des distorsions de la vie spatiale et existentielle qui sont l'essence même du récit de Lynch.

En fait, Lynch reconstruit une ontologie tridimensionnelle, qui relève de la tradition classique du christianisme, des mythologies indo-européennes, des traditions non chrétiennes, grecques, etc.

Nous vivons dans l'une des dimensions, qui est conditionnellement au centre, et au-dessus et au-dessous de nous, il y a d'autres mondes. La Black Lodge de Lynch correspond à la mythologie classique, étant composée de nains ou de géants. Tous deux sont des types post-anthropologiques limites, entre lesquels nous trouvons l'humain. Les géants et les nains représentent des figures limitrophes nécessaires qui rappellent à l'homme la relativité de ses positions. De même, la présence de la Black Lodge et de la White Lodge souligne les limites de la compétence humaine. Là où commence la sphère d'influence de la Black Lodge, là explose la frontière de la compétence humaine. En particulier, Twin Peaks traite de l'invasion de Bob venu du monde inférieur, qui s'empare de Leland, le meurtrier, puis de Dale Cooper lui-même. C'est alors que la vision tridimensionnelle de la structure du monde change complètement d'accent: le surréalisme de Lynch cesse alors d'être dénué de sens comme il peut sembler l'être à première vue.

Lynch lui-même nous a dit que sa façon de faire un film n'est pas un scénario tout fait, mais plutôt un scénario qui est tourné et créé pendant qu'il est filmé. Ils savent seulement où ils vont - ils dessinent leur récit au fur et à mesure qu'ils se développent. Et parce qu'ils sont sensibles à l'influence des dimensions parallèles (en particulier la dimension inférieure), ils sont capables de reproduire brillamment l'atmosphère de suspense, les attentes.

Non seulement les spectateurs sont surpris par les rebondissements de l'intrigue, mais Lynch lui-même ne les connaît pas à l'avance. Il présente l'opportunité, et le film se tourne de lui-même. Cette attention aux dimensions supplémentaires (dont Lynch lui-même parle souvent) est le secret de la crédibilité de son film. Et Lynch lui-même est humble - il dit qu'il n'y a pas de réponse exacte. Qui a tué Laura Palmer ? En général, il ne voulait pas que le public discute de l'identité du meurtrier, mais la banale conscience américaine exigeait une fin heureuse, et les financiers étaient obligés d'accuser le père de Laura Palmer d'un crime irrationnel. Et ce, même si, dans la troisième saison, Lynch a ramené Laura Palmer à la vie, comme pour dire : « Vous pensiez avoir tout compris ? Vous n'avez rien compris. On ne comprend rien à Twin Peaks. Pour comprendre Twin Peaks, il faut vivre dans Twin Peaks, il faut entrer dans ce monde, il faut passer derrière les oscillations des invasions étranges qui, par une logique incompréhensible, sans l'algorithme habituel, se retrouvent dans la vie de la population, des citoyens de Twin Peaks, dont l'un parle avec son propre pied, l'autre - avec une bûche...

Mais progressivement, dans la conversation avec son pied, nous trouvons une référence à la philosophie du parlement des organes dans le post-moderne, la conversation d'une femme avec la bûche - ontologie orientée objet, quand la bûche est un certain sujet, ou même un objet radical qui supprime la complexité et l'intensité de la présence humaine dans le monde. Les visites périodiques de Lynch à la Black Lodge (on parle moins de la White Lodge - elle existe aussi, mais son influence est insensible, surtout dans le monde moderne) deviennent de plus en plus lumineuses et, dans un sens, on peut considérer la création de Lynch comme une chronique de l'invasion infernale, lorsque des entités intracorporelles pénètrent dans notre monde et commencent à l'influencer activement. Mais même si elle rencontre une certaine résistance, même la vie américaine traditionnelle est incapable de construire une véritable forteresse face à la Black Lodge, qui devient de plus en plus sûre d'elle, s'emparant de différents vecteurs, et nous entrons progressivement dans le domaine des miracles noirs.

La troisième saison, à mon avis, est beaucoup plus sombre que les précédentes - quelque chose a changé dans l'ontologie des Américains eux-mêmes, ou peut-être de chacun d'entre nous. La résurrection de Laura Palmer et son dernier cri (lorsqu'elle est morte et qu'il s'avère qu'elle ne l'était pas) sont comme le miracle noir de l'Antéchrist - c'est comme le miracle de la résurrection, mais il n'a pas de suite. Le noir ne signifie pas le fait d'être noir, mais un manque total de signification. Pour Laura Palmer, cette résurrection noire sans l'aide des forces de la lumière est une parodie fondamentale des temps récents.

En ce sens, Lynch dépeint l'invasion globale de ce qui se trouve sous la ligne de fond de la réalité humaine. En ce sens, son œuvre peut être considérée comme une preuve précieuse. Elle peut être interprétée comme postmoderne, mais le manque de sens de Lynch n'est pas une exploitation. C'est un point important, une hypothèse que j'ai émise au cours de cette conversation. Lynch est à égale distance de ceux qui ne comprennent pas ce qui se passe dans le monde moderne ; il peut les aimer, les inspirer ou les effrayer, les attirer, mais il n'est pas l'un d'entre eux.

Ce qui le distingue des maîtres de la falsification et du codage à Hollywood, c'est qu'il n'exploite pas l'idiotie des masses (il ne libère pas les masses de l'idiotie, mais il ne les exploite pas non plus). Il est exactement à mi-chemin entre les révolutionnaires (les films d'art et d'essai, qui deviendront un cinéma culte, révélant toute la vie et la profondeur de la chute) et les masses (bien qu'il n'exploite pas les goûts de la foule). En cela, je pense qu'il est plus proche de Tarantino, car il est sur le fil. Il ne fait pas un pas ni vers les masses, ni pour les sortir de ce rêve.

Cette ambiguïté, cette dualité du propos cinématographique de Lynch crée l'ironie. En grec, « ironie » signifie dire une chose et en signifier une autre. C'est le sens d'une rhétorique basée sur la courbure d'un énoncé direct et logique.

Le langage et l'art de Lynch déforment la réalité de manière à ce que quelqu'un puisse voir une chose dans un énoncé tout en sous-entendant l'autre. Mais ce n'est pas tout à fait ainsi que cela fonctionne dans le cas de Lynch. J'aimerais beaucoup que les gens essaient d'interpréter ce que dit Lynch. Il dit « A » - nous comprenons qu'il veut dire quelque chose d'ironique, une autre lettre, une lettre que personne ne connaît. Mais ce qui est intéressant, c'est que Lynch ne la connaît pas non plus. C'est la dualité et l'ironie métaphysique profonde de ses films.

David Lynch s’en est allé: un chaman du cinéma et un expérimentateur surréaliste

2025-01-20T18:56:22+01:00

David Lynch s’en est allé: un chaman du cinéma et un expérimentateur surréaliste

Le réalisateur de Dune et Twin Peaks est mort à 78 ans d’un emphysème

par Giovanni Balducci

Source: https://www.barbadillo.it/118442-se-ne-va-david-lynch-sciamano-del-cinema-e-sperimentatore-surrealista/

David Lynch s’en est allé : réalisateur, acteur, expérimentateur dans le domaine de la peinture, musicien, écrivain, un artiste aux multiples facettes. Jeune homme, il voyagea en Europe pour rencontrer les derniers représentants des avant-gardes du 20ème siècle. Après des années passées comme peintre et réalisateur de courts-métrages, il fit ses débuts dans le cinéma américain en 1977 avec son premier long-métrage, Eraserhead. Ce film, avec sa vague électrique sombre – qui deviendra la marque de toute son œuvre – éblouit la scène cinématographique mondiale.

Humour noir et frisson métaphysique, les recoins secrets de la psyché (et son empire sans limites, comme dans Inland Empire), l’obsession et la folie (mais aussi la terreur d’être père, dans Eraserhead), la perversion et l’aspiration au ciel (admirablement exprimées dans l’épopée de Twin Peaks à travers l’ange/démon Laura Palmer), l’Amérique profonde avec ses collines verdoyantes et ses sombres mystères (qui servaient déjà de décor à Poe et Lovecraft), mais aussi l’univers tourbillonnant d’Hollywood (comme dans Mulholland Drive), les femmes fatales (comment oublier l’iconique Audrey Horne (photo), avec ses yeux félins et ses mouvements de déesse égyptienne) et le cabaret (on pense à l’envoûtante Isabella Rossellini – longtemps sa compagne – dans Blue Velvet), les danseuses, les nains… et les géants, les campus universitaires avec leurs reines de beauté et leurs brutes en cabriolet : toute l’épopée américaine, en somme, entre Gatsby le Magnifique et le capitaine Achab, se retrouve chez Lynch.

Le suspense du polar aux résonances ésotériques (pensons à l’agent du FBI aux pouvoirs ESP Dale Cooper, interprété par son acteur fétiche Kyle MacLachlan, ou à l’agent Gordon, qu’il incarnait lui-même dans Twin Peaks), les figures de puissants corrompus, liés à Bob, incarnation du Mal ontologique, et à la non moins terrifiante Jody ; la Loge noire et la Loge blanche, anges et démons, bons et méchants. Comme dans Dune, où l’on cherchait l’“Épice”, les entités errant autour de Twin Peaks préfèrent la “Garmonbozia” : une ambroisie extraite de la douleur humaine, tandis que ces mêmes humains se font la guerre pour de l’argent.

Tout cela, et bien plus encore, a été représenté par ce puissant “rêveur” qui vivait “à l’intérieur de son rêve”, pour reprendre l’expression de notre “Monica nationale” (Bellucci, ndlr).

À 78 ans, Lynch avait déjà révélé en 2024 la maladie dont il souffrait: un grave emphysème diagnostiqué après une vie passée à fumer des cigarettes (une habitude qu’il aimait autant que boire son “café noir”). Cette maladie l’empêchait probablement de reprendre une caméra hors de chez lui. Sa famille a annoncé son décès dans un post sur les réseaux sociaux, écrivant : « Il y a un grand vide dans le monde maintenant qu’il n’est plus avec nous. Mais, comme il le dirait lui-même : “Garde les yeux sur le donut, pas sur le trou.” »

Palme d’Or au Festival de Cannes, quatre fois nommé aux Oscars, Lynch a reçu un Oscar d’honneur pour l’ensemble de sa carrière en 2020, l’année de la pandémie, où il divertit son public avec des prévisions météorologiques improbables.

Explorer au-delà du théâtre des conventions humaines et de la banalité du quotidien les forces, matrices, signes et esprits d’un univers où tout est esprit, scrutant les profondeurs de la conscience humaine : tel était le cinéma de Lynch. Telle était la force qui animait Lynch. Un chaman et un métaphysicien hors norme. Le dernier des surréalistes.

Giovanni Balducci

Un poète perdu dans le monde du cinéma

2025-01-17T11:38:00+01:00

David Lynch : Mon histoire vraie

En 2007, j'avais écrit ce petit texte sur David Lynch. En le remettant en ligne aujourd'hui, j'ai hésité à remplacer « poète » par « écrivain » ou « littéraire » (en raison des connotations négatives que m'inspire désormais le mot « poète ») mais finalement, je laisse ce texte en son état d'origine :

Béotien en cinéma (je compte les films qui m'ont marqué - soyons généreux - sur les doigts des deux mains) j'ai pourtant recopié sur mon carnet, en 2001, quelques propos extraits d'un entretien avec David Lynch paru dans la presse :  « J'aime rester assis sur une chaise et rêver. Je ne me force pas à imaginer quelque chose, mais j'accompagne mes pensées le plus longtemps possible. Petit à petit, elles me mènent vers de nouveaux lieux. » 

Ces trois phrases correspondent parfaitement à ma manière de laisser se préciser les contours d’un poème ou d’une fiction et elles sont d’un cinéaste.  Et voilà qu’en 2007, dans un nouvel entretien, trois autres phrases de David Lynch me sautent aux yeux :  « Quand j’étais enfant, mon univers se limitait à deux pâtés de maisons. Tout semblait stable. Pourtant, j’avais l’impression que quelque chose de menaçant restait caché sous la surface. » 

Le plus étonnant n’est pas pour moi d’avoir éprouvé le même sentiment dans l’enfance mais de trouver une telle correspondance de pensée dans les propos d’un cinéaste. Pour couronner le tout, je me suis presque endormi devant un de ses films, Mulholland Drive (honte à moi). 

Et puis cela encore, qui me fait penser à mon expérience de la publication en ligne :  « la possibilité qu’offrent les nouvelles technologies de commencer à filmer dès qu’on a une idée, sans rien demander à personne, c’est tout simplement merveilleux. J’ai enfin pu le faire pour Inland Empire, grâce au numérique. » 

À l’évidence, c’est ce que dit, note et écrit David Lynch qui m’intéresse. Il est sans doute un poète perdu dans le monde du cinéma.

Un artiste, un vrai

2025-01-17T07:31:59+01:00

- Tu lis des trucs, en ce moment ?
- Je te rappelle qu’on me paie des millions de dollars pour ça.
- Tu lis quoi ?
- Entre autres, l’étrange bio de David Lynch.
- T’apprends des trucs ?
- Plein.
- Par exemple ?
- Qu’on lui a proposé de tourner « Le retour du Jedi » juste avant qu’il fasse « Dune ».
- C’est dingue. Ça aurait tout changer au Star Wars VI !
- Les Ewoks auraient eu une autre gueule.
- Même que c’est pas Dorothée qu’aurait chanté leur chanson !
- Voilà où je voulais en venir.

Dune (Denis Villeneuve vs David Lynch)

2021-10-14T21:19:07+02:00

A ce stade, l’exercice de comparaison est délicat. Alors que la version de David Lynch de 1984 dure 2H17, celle de Denis Villeneuve ne couvre que la moitié du récit et prend 2H35. Il me manque donc le second épisode qui sortira sans doute dans un an. De plus, je n’ai pas lu le roman de Frank Herbert et je n’avais en mémoire que quelques images furtives du film de Lynch avant de le revoir. Le Dune de Villeneuve me fait redécouvrir une saga futuriste, en l’an 10191, présentée comme une lutte de pouvoir entre maisons rivales. Sous le règne de l’empereur Padishah Shaddam IV, la planète Arrakis passe sous le contrôle de la maison Atréides. Leurs rivaux Harkonnen se retirent mais c’est en fait un piège qui se referme sur les Atréides. La planète est stratégique pour l’empire car elle est la seule où s’exploite l’Epice, une substance permettant d’augmenter les capacités cérébrales et de pouvoir faire de la navigation spatiale à travers l’imperium intergalactique. Celui qui consomme l’Epice voit son regard bleuir intensément.

Les deux films sont centrés sur le personnage de Paul Atréides (Timothy Chalamet et Kyle MacLachlan) qui est désigné comme l’Elu. Le héros est l’objet d’une prédestination exceptionnelle. On comprend qu’il est appelé à renverser l’ordre établi et que le peuple autochtone des Fremen va jouer un rôle important dans ce destin. Alors que Villeneuve et ses scénaristes ont dessiné un personnage aseptisé à la Luke Skywalker, messie en attente de révélation qui fait des rêves prémonitoires, le Paul Atréides de 1984 est davantage immergé dans sa vie mentale, dans les rêves et les images qui le traversent. Kyle MacLachlan donne plus de fragilité et d’intériorité au personnage que ne le fait Timothy Chalamet. Non seulement, Lynch utilise la voix off pour faire entendre les pensées qui animent ses personnages mais il ponctue couramment leurs visions d’images fortes comme cette main filmée en gros plan - résonne alors le célèbre mantra « le dormeur doit se réveiller ». Le Dune de 1984 est marquant par sa dimension mentale qu’on dit fidèlement tirée du roman. Ses images font apparaître une lutte entre Atréides et Harkonnen dépassant largement l’enjeu du pouvoir temporel. Leur guerre est celle de l’esprit contre la chair. Quand le héros se répète que « la peur tue l’esprit », on comprend sa lutte intérieure contre le pure instinct animal qui fait perdre courage et maîtrise de soi.

Alors que les Atréides sont décrits comme gens de hauteur aristocratique travaillant leur pouvoir mental et leur capacité télépathique à prendre le pouvoir sur les individus (cela fait partie de la formation du jeune Paul), les Harkonnen sont des personnages grotesques et animaux. Chez Lynch le baron (Kenneth McMillan) est une masse flottant comme une baudruche. Son visage est cruel et enlaidi de pustules. Il semble s’adonner aux plaisirs de la torture et du cannibalisme. Ses sbires sont de gros bonhommes roux et tonsurés et à l’image de Sting (Feyd-Rautha Harkonnen) qui interprète le neveu du baron ils ressemblent à d’affreux jojos punks. Les costumes et maquillages chez Lynch donnent une patine kitsch et désuète qui participe aussi du côté culte du film pour ceux qui l’aiment. Ceux qui détestent ne manqueront pas de souligner certains aspects ridicules ou mal faits comme la dégaine risible de Brad Dourif ou ces yeux au bleu trop prononcé, signes d’une palette graphique mal maîtrisée. En termes esthétiques donc, le film de Lynch est davantage attaquable que celui de Villeneuve, plus neutre, dont le défaut technique majeur est cette musique informe et assourdissante de Hans Zimmer, absolument sans intérêt. Je préfère la musique et les thèmes de 1984, composés par Toto et Brian Eno.

Le combat entre esprit et chair apparaît peu chez Villeneuve. Son univers est à la fois plus neutre, plus monumental et minéral. Il travaille sur de grandes matières filmées en plan large : béton, pierre, sable, roche. Il s’est appliqué à gommer les aspérités et effets kitsch de cet univers mythique pour en exploiter les éléments spectaculaires comme les vers géants qui peuplent le désert. A contrario, Lynch utilise lui les ressources du studio, de la toile peinte et des machines bricolées, portant plus attention aux détails signifiants. Son film se rapproche de ces productions hollywoodiennes des années 50 fabriquées en studio comme La conquête de l’espace de Byron Haskin. Comme c’est une production Dino de Laurentiis, les mauvaises langues diront qu’il est kitsch comme Flash Gordon ou Conan le Barbare produits aussi par l’italien ! Il a plus de charme mais des défauts plus voyants. On constatera à regret que son héroïne Fremen Chani n’a aucune consistance ni intérêt. De manière incompréhensible les personnages féminins sont sabotés dans le film de 1984.

Le réalisateur canadien est lui focalisé sur l’ampleur et la fluidité de son récit. Bien que plus solennel, son film coule mieux, a plus de rythme, plus de maîtrise hollywoodienne. Il est découpé en grandes séquences lisibles pour le spectateur. Alors que Dune de 1984 devait durer 3H ou plus mais a été amputé, celui d’aujourd’hui pourra compter sur 5 heures de récit en tout. La réussite programmée du film de Villeneuve va se jouer dans sa seconde partie. Ce n’est pas garanti mais le cinéaste va devoir passer du survol de la planète de sable à une entrée dans ses secrets et ses profondeurs. Il s’agira alors de briser la belle transparence de son héros et de le faire passer d’enfant à adulte. Il s’agira aussi de donner consistance à cette épice psychédélique qui n’est pas un minerai mais une source de puissance et de connaissance. Comment va-t-il incarner la transformation spirituelle de Paul Atréides ? Va-t-il insuffler la dose de mysticisme et d’esprit qui manque à son premier épisode ? Comment va-t-il dévoiler la culture du peuple Fremen et donner consistance à son héroïne Chani (Zendaya) ? Même si son film est plus lisse, j’avoue avoir envie de voir la suite. Cela aurait aussi le mérite de combler les lacunes de celui de 1984 qui dès lors que Paul est adopté par les Fremen comme Madhi (il prend aussi les noms d’Usul et Muad’Dib) suit un parcours rectiligne qui semble dû aux coups de ciseaux de ses producteurs ! Les séquences de reconquête de Dune s’enchaînent comme dans un rêve mais perdent toute espèce d’enjeu et de tension. Le cinéma de Lynch s’amoindrit pour devenir une série B plaisante mais maladroite. Le résultat global a de la poésie et des bribes d’étrangeté mais son souffle épique tourne court comme s’il fallait arriver rapidement à la fin.

Alors que Jodorowsky avait préparé son Dune de 1973 à 1977, que Moebius et H. R. Giger devaient contribuer à la production artistique, que Pink Floyd, Magma et Gong devaient réaliser la musique, on se dit que si ses producteurs n’avaient pas reculé, on aurait peut-être devant les yeux une adaptation mystique et psychédélique du livre d’Herbert. Mais l’époque a changé et on ne croit plus à la possibilité d’une œuvre spirituelle. Si Villeneuve réussit où Lynch a raté, on aura au moins une version épique et peut-être plus profonde qu’elle n’est dans sa première partie. Pour l’instant le Dune de 2021 est une promesse.

Ma vidéothèque idéale : Elephant Man (David Lynch)

2020-07-06T00:56:00+02:00

On se plaint du peu de films intéressants en cette période post-confinement mais on a la chance de découvrir Elephant Man sur grand écran, 40 ans après sa sortie. Je ne l’avais vu qu’à la TV et je mesure la chance de regarder le deuxième film de David Lynch dans une copie restaurée 4K de toute beauté, magnifiant le noir et blanc du chef opérateur Freddie Francis. Mes souvenirs se rattachaient à des moments déchirants, de pure mélodrame, mais l’histoire de John Merrick, être difforme découvert dans un cirque ambulant, est autrement plus riche et bouleversante qu’un spectaculaire tire-larme.

L’histoire, tirée du livre biographique de Frederick Treves, est véridique. C’est en 1884 que le Dr Treves (Anthony Hopkins) découvre « l’homme éléphant », dénommé John Merrick (John Hurt) dans une foire de Londres. Il est exploité par Bytes (Freddie Jones) qui l’exhibe à un public friand de sensations bon marché. Treves est fasciné par les déformations corporelles de cet homme, et l’emprunte à Bytes pour les besoins de son séminaire d’anatomie. Mais ce qui ne devait être qu’un monstre, sans doute idiot, n’est-il pas un être humain sensible et intelligent ?

Les premières images convoquent un passé traumatique. Le visage d’une femme se confond avec des têtes d’éléphants. La succession de fondus sur fond de barrissements fait penser à un rêve ou bien à un conte archaïque. Dans un décor exotique, quelque chose d’affreux est né de la rencontre d’une femme et d’éléphants furieux. Un nuage blanc dissipe ce cauchemar pour nous emmener dans Londres en 1884, ville en pleine expansion industrielle. Le récit prend la forme d’un conte de fée puisqu’en découvrant Merrick et en l’enlevant à Bytes, Treves le « sauve » et le fait passer en peu de temps de monstre à être humain. Quand Treves fait répéter ses paroles à Merrick pour tester son intelligence, on se croirait dans My fair Lady de Cukor : le brillant chirurgien use de ses talents de pygmalion pour faire accepter le phénomène de foire à la bonne société et tout va pour le mieux. Mais la réalisation de David Lynch et le scénario du film démentent tout optimisme.

Ce qu’en 1884 on appelait civilisation en occident et qui désignait l’industrie, les machines, la ville moderne, est décrit de manière terrifiante dans Elephant Man. La bande-son restitue jusqu’au crépitement étrange des lampes à gaz qui éclairent les rues ou les couloirs de l’hôpital accueillant Merrick. La révolution industrielle est en plein essor avec ses tuyaux sombres, son charbon, ses cheminées qui crachent, ses machines qui grondent à tous les coins de rue. Multipliant les images de cet environnement monstrueux, Lynch a créé un monde hostile et dur, peuplé de gens fourbes et cruels pour la plupart. Le montage souvent percutant nous fait quitter la fausse quiétude de l’hôpital pour l’enfer naturaliste des rues glauques. Le « monstre » dont tout le monde craint la face hideuse est par contraste un être innocent et sensible. On pourrait reprocher à Lynch la candeur de Merrick, l’exagération qu’il met à peindre sa sensibilité d’artiste, elle fait surtout ressortir la laideur du monde moderne. Dans l’Angleterre victorienne et partout ailleurs, on se fait de l’argent misérablement, en exploitant ce qu’il y a de plus laid chez l’homme. La société étant tragiquement inégalitaire, tout est bon pour gagner de l’argent ou de la reconnaissance. La composition subtile d’Anthony Hopkins suinte la gêne et la mauvaise conscience. Ce brillant docteur ne doit-il pas sa réussite au fait qu’il trimballe Merrick dans le beau monde ? Je parlais de mélodrame au début de la chronique mais la première partie du film est d’une grande froideur, à l’image de la curiosité scientifique de Treves. Ce qui l’intéresse d’abord, c’est de montrer à ses pairs médecins la difformité anatomique de Merrick.

Lynch a l’intelligence de créer des contrastes vertigineux dans cette atmosphère inhumaine. Merrick est un enfant emprisonné dans un corps atroce. La vie ne lui a jamais procuré ni amour ni compassion d’aucune sorte. C’est l’être le plus misérable qu’on puisse trouver sur Terre. Il y a des moments déchirants, à pleurer, quand cet homme réalise qu’il peut y avoir de la beauté et de l’espérance dans l’univers. Les scènes les plus bouleversantes sont celles où il affirme son irréductible humanité. John Hurt nous secoue quand la voix de Merrick s’extraie du tréfonds des souffrances. A travers un hommage à Freaks de Todd Browning (1932), le cinéaste rappelle l’humanité et la beauté des « monstres » (nains, siamois, handicapés…) contre la laideur des gens « normaux ».

La grande comédienne Madge Kendal (Anne Bancroft) donne son amitié à Merrick et le film ne nous dira pas clairement si c’est sincère ou par goût de la transgression. Elle inspire du désir à Merrick et le scénario a suffisamment de perversité pour nous rappeler que son appareil génital est tout à fait normal ! S’il y a donc des humains capables d’accepter et de sublimer les « aberrations », ce seraient les artistes. Mais ne sont-ils pas eux-mêmes des anormaux ? En l’affublant de talents de maquettiste et de dessinateur, d’une grande sensibilité artistique et spirituelle, on présume que l’artiste Lynch s’identifie en partie à Merrick, homme exceptionnel situé à contre-courant de la société mercantile.

Bien qu’il soit ancré dans une époque précise et qu’il porte la critique du monde moderne, Elephant Man est bien plus puissant et métaphysique qu’un conte social, grâce à ses symboles et ses images poétiques. A l’égal de Merrick, les artistes sont des aberrations, des accidents de l’univers, ils sont nés du chaos de forces obscures et contraires. Balançant entre rejet et fascination, la société moderne les célèbre et les exploite comme des monstres. Elle en tire le meilleur parti avant de s’en débarrasser. Mais n’est-ce pas notre condition humaine que de naître et de vivre ainsi ? Quelque chose naît du chaos et du hasard mais se régénère ensuite. « Nothing will die » nous dit-on à la fin comme une leçon universelle à méditer.

Oubliez les quelques demi-films qui peuplent cette morne rentrée dans les salles obscures. Elephant Man est un conte philosophique et un moment de cinéma unique, toujours aussi beau 40 ans après. Dire que Lynch n’a plus rien sorti au cinéma depuis Inland Empire en 2006 !

Du lieu où l'on parle

2020-06-19T14:30:00+02:00

"There is no way ! There is no way !" hurle, indigné, Adam Kesher, à qui, dans les bureaux de la production, on veut imposer l'actrice principale. There is no way. Il n'y a pas moyen. Impossible. Niet.

Évidemment, il pliera et les frères Castigliane, tout mafieux parodiques qu'ils sont, auront le dernier mot.

Il n'y a pas moyen. Mulholland Drive forme le troisième pilier fascinant, avec Jean-Luc Godard et Wenders, de ce regard âpre des cinéastes sur le monde dans lequel ils essaient de croire, celui d'un autre monde auquel ils voudraient que nous croyions.

Mais c'est déjà étrangement passé et dépassé, comme étouffé dans l'œuf. Le spectacle n'est pas sur l'écran (bien que si, en abyme...) mais dans l'arrière-cour, dans les cuisines. Le film est beau de cela : rien ne se crée, tout se négocie, sans quoi la sortie de route est imparable. Beau et forcément un peu désarmant, plus désarmant encore que de savoir où et comment débute le scénario. C'est une autre histoire. Celle qu'on peut se raconter, ensuite, et qu'aucun producteur ne peut, cette fois, nous arracher.

Et pour commencer la dérive, la musique même du film, d'Angelo Badalamenti (qui, au passage, joue l'un des deux frères Castagliane) : fausse torpeur...

Confinage Laurapalmerien #9

2020-04-26T17:15:59+02:00

Confinage Laurapalmerien #8

2020-04-24T11:05:43+02:00

Confinage Laurapalmerien #7

2020-04-21T05:24:00+02:00

Confinage Laurapalmerien #6

2020-04-19T06:49:28+02:00

Confinage Laurapalmerien #4

2020-04-13T12:05:00+02:00

Confinage Laurapalmerien #2

2020-04-09T04:47:00+02:00

Confinage Laurapalmerien #1

2020-04-01T04:03:00+02:00

Plutôt que de vous infliger des extraits de mon journal de confinement, partager avec vous quelques images volées de la "mère de toutes les séries", pas revue depuis vingt-cinq ans… La dernière fois, c'était en version française et sur la Cinq de Berlusconi ! Il était temps de m'y remettre.

Et vous savez quoi ? C'est encore meilleur que dans mon souvenir.

J'espère que le Covid19 n'aura pas la peau de David Lynch.

Sous le sapin...

2017-12-24T07:50:00+01:00

David Lynch et sa trompette

et un autre cadeau qui ne sera pas revendu dès le 25 sur "leboncoin"...

Le retour de Laura Palmer

2017-05-29T00:00:00+02:00

Dans le dernier épisode de la deuxième saison de Twin Peaks, diffusée en 1991, Laura Palmer donnait rendez-vous à l’agent Dale Cooper dans 25 ans. Les fans de la série réalisée par David Lynch espérait sans trop y croire que cette invitation surnaturelle ne faisait pas partie des pieds-de-nez dont le réalisateur est coutumier.

25 ans plus tard, la promesse de la célèbre victime est respectée : Twin Peaks est de retour pour une troisième saison. Bien entendu, les personnages ont vieilli et le monde a changé. Mais les fans retrouveront la patte de David Lynch et les ingrédients qui ont fait le succès d’une œuvre élevée au rang de mythe.

L’agent Dale Cooper reprend donc du service, aiguillonné par une prémonition de la femme à la bûche. Le célèbre flic, complètement métamorphosé, est accompagné de quelques personnages des deux saisons précédentes, de retour 25 ans plus tard : Lucy Moran, Andy, Shelly Johnson, le docteur Lawrence Jacoby ou encore Bobby Briggs. Sur les pas de Laura Palmer, David Lynch prend un malin plaisir à poser les bases d’une histoire sombre, avec son lot de crimes, de surnaturel, de fantômes et de rêves.

Cette fois l’intrigue de Twin Peaks explose les frontières de la petite ville. Pour le reste, les fans seront en terrain connu : personnages inquiétants aux gestes lents et hiératiques, intrigue se jouant du temps et la réalité, décors glaçants, mise en scène soignée, couleurs chaudes et bien entendu la musique d’Angelo Badalamenti. Tous les ingrédients des deux premières saisons de Twin Peaks sont là, au service non pas d’une histoire préchauffée et resservie mais dans un nouveau cycle fidèle à l’univers lynchien.

"Est-ce que c’est le futur ou est-ce que c’est le passé ?" demande l’un des personnages dans le deuxième épisode. Nous répondrons : l’un et l’autre. Twin Peaks a su se renouveler avec une richesse qui, pour l’instant, ne déçoit pas, tout en restant fidèle à l’ADN d’une série qui a révolutionné l’histoire de la télévision.

Twin Peaks, saison 3, de David Lynch et Mark Frost,
avec Kyle MacLachlan, Dana Ashbrooks, Sheryl Lee, Sherilyn Fenn,
David Duchovny, David Lynch, Mädchen Amick
et Catherine E. Coulson, États-Unis, 2017,
sur Canal+, jusqu’au 30 octobre 2017

”Elephant Man” avec John Hurt

2017-01-28T20:02:13+01:00

Au-delà du miroir

2016-12-20T11:00:00+01:00

Peut-être serait-il bon de définir ce qu’est d’abord l’ouvrage de Nicolas Le Bault, La Fille-Miroir (éd. Réseau Tu dois) : un très bel objet d’art, le genre de livres gardé amoureusement dans sa bibliothèque et dont ont ne se séparerait pour rien au monde.

Dans un format traditionnel, avec couverture cartonnée toilée et impression sur papier épais (mais sans numérotation de pages), Nicolas Le Bault a produit un roman graphique d’une belle audace, publié par une maison d’édition parisienne, Réseau Tu Dois, spécialisée dans "la fabrication du livre d’artiste du XXIe siècle".

Sur environ 120 pages, l’écrivain et graphiste a construit un petit bijou artisanal : texte reproduit patiemment à la main d’une écriture cursive enfantines, aquarelles naïves, feuilles de classeurs scolaires insérées telles des pièces à conviction, reproductions de clichés photographiques, de pages de magazines, de coupures de presse ou de publicités kitsch.

La Fille-Miroir est littérairement à la croisée des chemins entre le conte pour adultes, le journal intime et le roman graphique. Le lecteur pourra être déstabilisé par un texte débordant d’imagination et s’enfonçant loin dans les labyrinthiques questions de l’identité, du genre, du fantasme et de la recherche amoureuse.

Hygiène Rose est un garçon que Pierre, dont il est épris, invite à un rendez-vous "dans la clairière aux secrets." Cette idylle se pare de tous les mystères et des jeux les plus étranges où le crime et la perversion ne sont jamais loin. Hygiène Rose est à la fois témoin et victime de scènes dignes de faits divers : "Avait-elle vu des horreur dans le bois creux ?" Les personnages charrient leurs lots de secrets, d’ambiguïtés (y compris sexuelle) et d’équivoques.

Le lecteur – comme le personnage principal – balance entre le rêve et la réalité ("Cela me semblait tellement… vrai…"). Il y a aussi du David Cronenberg dans cette manière qu’a Nicolas Le Bault de s’intéresser aux corps, de les malmener et d’en faire des artefacts inquiétants, tel le visage transfiguré de Léna dévoilant "sa nature perverse" : "Le visage de chairs, de pollutions et d’organes me disait tout ce qu’elle était, tout ce qu’elle nous cachait, et tout ce qu’elle étouffait en elle. Ou bien n’était-ce que le miroir de mon désordre, de ce que je m’éprouvais que trop moi-même… ?"

C’est sans doute cela aussi, cette "fille-miroir" : un voyage dans le mystère du genre et des règles sociales et morales enfreintes, les transgressions pouvant s’avérer fatales. Hygiène-Rose est au fil du conte une victime expiatoire, tourmentée tour à tout par Pierre (surnommé aussi "Pierre le Chien-Loup"), Léna ou l’inquiétant Léopold : "Hygiène était un être doux, sensible, et quelque peu erratique, d’une nature passive et gaie qui excitait à la cruauté. Il semblait souvent se perdre dans ses pensées ou se noyer dans ses émotions, et le mystère de ses sensations avait la profondeur d’un océan ou l’obscurité de la nuit. Insaisissable, il paraissait flotter, lui qui aimait tant le contact de l’eau sur sa peau, sombrer, s’immerger, mais dans quoi ?"

Dans La Fille-Miroir, les lieux les plus paisibles et les plus anodins deviennent des endroits inquiétants où peuvent sévir des maniaques et des tueurs en série : "Et c’est ainsi qu’Hygiène Rose, n’écoutant que ses passions, s’enfuyait vers son destin sous l’affreux rire des dieux. La bête immonde ricane dans ses entrailles et lui grignote le cerveau, mais les rumeurs de la ville qui l’appellent au loin derrière la brume, ne sont-elles pas chargées d’espoir ?"

Telle une Alice traversant le miroir, Hygiène Rose serait une lointaine héritière du célèbre personnage de Lewis Caroll, une créature nourrie par les influences d’Alfred Jarry, du surréalisme, de la culture punk, de l’androgyne Ziggy Stardust, de William Burroughs, de Serge Gainsbourg et des univers à la fois inquiétants et somptueux de Cronenberg et de David Lynch.

Aussi beau, onirique et inquiétant que le titre de Nike Cave et Kylie Minogue, Where The Wild Roses Grow, La Fille-Miroir est une des surprises artistique et littéraire les plus étonnantes de cette fin d’année. On y entre curieux et séduit et on en sort sonné et remué, preuve que ce livre OVNI a pleinement rempli son rôle.

Nicolas Le Bault, La Fille-Miroir, éd. Réseau Tu dois, 2016, 128 p.
http://nicolaslebault.com
http://www.reseautudois.com

Les films que vous ne verrez jamais

2015-07-26T00:00:00+02:00

L'histoire du cinéma est riche de ces films qui n'ont jamais vu le jour... Plus que dans n'importe quel art, il existe une histoire alternative et parallèle du cinéma qui a vu des passionnés s'intéresser à des films qui ne sont jamais sortis. L'ouvrage de Simon Braund, Les plus grands Films que vous ne verrez jamais, fait le point sur ces projets avortés.

Les raisons de ces œuvres inabouties sont diverses : décès du réalisateur, désaccords entre artistes et producteurs, contextes historiques et sociologiques, adaptations impossibles ou projets trop ambitieux pour être menées à bout.

En introduction, l'auteur rappelle avec justesse que la sortie d'un film est en soi un miracle, tant la difficulté est grande de voir un scénario prendre vie sur grand ou sur petit écran. Le long-métrage Les Dents de la Mer (1975) est cité en exemple : scénario mal ficelé, budget dépassé, metteur en scène inexpérimenté (Steven Spielberg n'en était qu'à son deuxième film), effets spéciaux défaillants, techniciens et acteurs peu motivés et instillant une ambiance délétère sur les plateaux. Et pourtant, au final, Les Dents de la Mer a connu le succès exceptionnel que l'on connaît et propulsé son réalisateur comme un artiste majeur.

Mais à côté de ce succès, ce livre répertorie ces films qui n'ont jamais vu le jour : le Napoléon de Charlie Chaplin (Return from St Helena), un Jésus de Carl Dreyer (1949), La Genèse de Robert Bresson (1963) - l'un des rares réalisateurs français cité dans ce livre avec Henri-Georges Clouzot pour L'Enfer (1964) -, La Tempête de Michael Powell (1975), Dune d'Alejandro Jodorowsky (1977), Night Skies de Steven Spielberg (1980), Moon Over Miami de Louis Malle (1982), Leningrad de Sergio leone (1989), Nostromo de David Lean (1990), Crusade de Paul Verhoeven sur lequel a également travaillé Arnold Schwarzenegger (1995), Superman Leaves de Tim Burton (1998), Batman: Year One de Darren Aronofsky (2000), To the white Sea des frères Cohen (2002), The Lady from Shangai de Wong Kar-wai (2005), Gladiator 2 de Ridley Scott (2006) ou Potsdamer Platz de Ridley Scott. Ce sont quelques-uns des titres de films qui ont failli voir le jour mais qui ont été abandonnés (provisoirement ou définitivement) par leurs créateurs.

Parmi les auteurs maudits figure en bonne place Orson Welles dont les projets cinématographiques ont été, hélas, légion : It's all True (1942), Don Quixote (1969), Le Marchand de Venise (1969), The Other Side of the Wind avec John Huston et Dennis Hopper (1973) et The Cradle with Rock (1984)

Dans toute cette liste de films inachevés, très souvent de réalisateurs confirmés, il en ressort quelques-uns du lot, en raison de leur histoire légendaire.

Tout d'abord le Napoléon de Stanley Kubrick, sur lequel le réalisateur, réputé pour sa mégalomanie et son sens du détail, travailla à partir de 1969, et pendant des années, avant de jeter l'éponge, victime du budget colossal envisagé et des désaccords des studios. "Napoléon aurait été un film extraordinaire", soupire l'auteur (voir aussi notre Dossier spécial Kubrick qui fait notamment le point sur les autres films en projet du réalisateur américain).

Un autre film est entré dans l'histoire : Something's Got to Give de George Cukor avec Marilyn Monroe, décédée pendant le tournage (1962). 37 minutes ont été dévoilé au public en 1990 et l'auteur ne désespère pas que la magie des effets spéciaux numériques permettra un jour de voir le film terminé.

Les fans de Hayao Miyazaki seront sans doute surpris d'apprendre que le réalisateur japonais a eu pour projet en 1971 de réaliser une adaptation du classique Fifi Brindacier (La Fille la plus forte du Monde). Encore peu connu à l'époque, Miyazaki se voit déposséder de ses droits à l'adaptation par l'auteure elle-même, Astrid Lindgren. Cependant, ajoute Simon Braund, tous les films de l'animateur semblent s'inspirer de la célèbre fillette à la force surhumaine.

On ne peut pas passer non plus sous silence le projet de science-fiction A Princess of Mars de Bob Clampett (1936). Une adaptation sera finalement faite par les studios Disney sous le titre John Carter (2012), qui sera aussi l'un des plus grands bides de l'histoire du cinéma.

De tous les films répertoriés, il en est un qui un sort particulièrement du lot. Et paradoxalement, il s'agit d'un long-métrage qui a été terminé, existe en copie mais que le public ne verra sans doute jamais. Il s'agit de The Day the Clown Cried de Jerry Lewis. Tourné en 1972, ce drame interprété par Jerry Lewis lui-même, suit les pérégrinations d'un clown allemand pendant la seconde guerre mondiale, chargé de distraire des enfants que l'on conduit vers les chambres à gaz. Cette histoire a des points communs avec La Vie est belle de Roberto Benigni (1997). Mais elle en diffère par son traitement caricatural qu'en aurait fait le réalisateur et acteur (le conditionnel est de mise, tant sont peu nombreuses les personnes qui ont visionné le film de Lewis) : "Un film radicalement choquant au pathos et à l'humour déplacés" a t-on pu entendre au sujet de ce "film culte le plus extraordinaire que vous ne verrez jamais."

Concis et passionnant, l'ouvrage de Simon Braund nous gâte avec deux trouvailles éditoriales géniales. Tout d'abord, chaque film est illustré par des affiches conçues par des designers et des illustrateurs, donnant vie à ces projets qui n'ont jamais vu le jour (en illustration de cet article figure une représentation de The Lady from Shangai de Wong Kar-wai). Ensuite, l'auteur nous propose, sur une note de 0 à 10, la chance qu'a chaque film de sortir un jour.

On pourra certes critiquer l'aspect arbitraire et subjectif de ce choix mais il reste tout de même intéressant en ce qu'il nous propose quelques beaux projets à venir : Ronnie Rocket de David Lynch, Megalopolis de Francis Ford Coppola, The Captain And The Shark de Barry Levinson, White Jazz de Joe Carnaham, Black Hole de David Fincher (une adaptation de la BD de Charles Burns), The Trial of the Chicago Seven de Spielberg mais aussi Franck or Francis de Charlie Kaufman, qui "a plus de chances de sortir que n'importe quel autre film de ce livre."

À noter que depuis la sortir de ce livre (en 2013) le film satirique et "maudit" Nailed de David O. Russell devrait finalement sortir en 2015 sous le titre Accidental Love, avec comme réalisateur un certain Stephen Greene, alias David Russell qui a porté cette oeuvre contre vents et marées : un film qui ne devait jamais sortir et que finalement nous pourrons voir.

Simon Braund, Les plus grands Films que vous ne verrez jamais, éd. Dunod, 2013

Remix : Agnes Obel ”Fuel To Fire” (David Lynch Remix)

2014-09-02T21:58:00+02:00

La parution d'une version deluxe du second album d'Agnes Obel a été annoncée pour octobre. Voici le remix de l'un des titres par David Lynch paru pendant que je profitais d'un magnifique ciel gris pendant quelques jours de repos.

Remise à niveau (anglais) # 9

2014-01-08T18:14:32+01:00

David Lynch = Grandmother (part 3)

2009-05-31T19:20:00+02:00

David Lynch = Grandmother (part 2)

2009-05-31T19:05:03+02:00

David Lynch = Grandmother

2009-05-31T18:37:30+02:00

David Lynch = Six men getting sick (six times)

2009-05-31T18:31:00+02:00

Sesame Street Monsterpice Theater = Twin beaks

2009-05-31T18:18:15+02:00

Duplo Lynch = Twin Bricks (Lego Twin Peaks)

2009-05-31T18:11:00+02:00

David Lynch = A Goofy Movie

2009-05-31T18:06:54+02:00

David Lynch = Daily Weather Report

2009-05-31T18:02:01+02:00

David Lynch = Daily Weather Report

2009-05-31T18:00:30+02:00

David Lynch = Daily Weather Report

2009-05-31T17:59:01+02:00

David Lynch = Daily Weather Report

2009-05-31T17:57:51+02:00

David Lynch = Eraserhead Weather Balloon Report

2009-05-31T17:56:28+02:00

David Lynch = Weird Daily Weather Report

2009-05-31T17:46:00+02:00

David Lynch = Nissan Micra Ad

2009-05-31T17:44:00+02:00

David Lynch = PS2 Ad

2009-05-31T17:42:25+02:00

David Lynch = PS2 Ad

2009-05-31T17:41:07+02:00

David Lynch = PS2 Ad

2009-05-31T17:39:32+02:00

David Lynch = Gucci by Gucci Ad

2009-05-31T17:37:29+02:00

David Lynch = Calvin Klein Obsession

2009-05-31T17:33:54+02:00

David Lynch = Calvin Klein Obsession

2009-05-31T17:31:00+02:00

David Lynch = Calvin Klein Obsession, feat. Benicio Del Toro & Heather Graham

2009-05-31T17:29:00+02:00

David Lynch = Parisienne People

2009-05-31T10:29:49+02:00

David Lynch = Interview Project

2009-05-31T10:23:37+02:00

David Lynch = Dark night of the soul

2009-05-31T10:19:00+02:00