Last posts on compositeur

Un èr de Paradis

2026-03-06T00:00:00+01:00

Un air de Paradis
A touch of Paradis
Ein Hauch von Paradis

Henri PARADIS
clarinettiste solo de la Garde républicaine

Alfred Viellot

2025-08-30T00:00:00+02:00

Joseph Alfred VIELLOT
Villeneuve-lès-Avignon ° 11/03/1851 † 26/04/1942
musicien, compositeur, chef d'orchestre
époux de Marguerite Marie CORNIER
domiciliés 9 place Crillon à Avignon

Achille REY, Les Tablettes du Soir, 28 avril 1942

Le directeur des Tablettes qui est mon meilleur ami m'a interviewé pour me demander d'expliquer au lecteur de cette revue-journal le sujet de « la Revanche de Sganarelle », pièce en un acte que j'ai signée pour les paroles, — je n'ose pas dire les vers — et dont le compositeur Alfred Viellot, toujours jeune malgré ses 82 ans, a fait la musique. (…)
Cette action fleurie est bercée par une délicieuse musique d'Alfred Viellot, qui coule une vieillesse heureuse tout près d'Avignon, au Vieux Moulin, où il a écrit une partition d'une belle venue, alerte, comme il l'aurait écrite à 20 ans. (…)
C'est M. Delaigue qui conduira l'orchestre pour cette soirée en l'honneur du maître Vieillot qui a si bien servi l'art lyrique en Avignon. (…)
Achille REY, Les tablettes d'Avignon et de Provence, 24 décembre 1932

Liszt à-n-Avignoun un 6 de mai

2025-05-06T00:00:00+02:00

Liszt à-n-Avignon un 6 mai
Liszt in Avignon on a May 6
Liszt in Avignon ein 6. Mai

Lettre adressée à Joseph d'Ortigue, sur l'amitié et sur Lamennais.

https://www.aguttes.com/catalogue/160382?sort=num&num=131

Enri Paradis

2024-12-13T00:00:00+01:00

Henri Paradis

Henri PARADIS
°Avignon 13/12/1861 - †Trouville 06/03/1940
Compositeur de plus de 70 œuvres
clarinettiste solo de l'Opéra de Paris
et de la Garde républicaine

Wikipedia — B.N.F.

Merci à Gérard Brunner.

Franck Marchal, le sorcier des synthés sort le clip Amniotic Ecstasy

2024-09-04T15:11:15+02:00

Franck Marchal poursuit ses explorations électro avec Amniotic Ecstasy, une ballade psychédélique au son des synthés vintage, à retrouver sur son dernier album Maeltröm Metronomy.

Après Bot Sadness et INK, Franck Marchal nous présente le clip d'Amniotic Ecstasy qui clôt le disque.

Franck Marchal est un producteur, compositeur et sound designer, il signe depuis de nombreuses années des bandes son pour la Publicité, le Cinéma, les films Grands Formats, la Télévision, la Muséographie. Il a crée sa propre société de production nommée Comptoir du Son. Compositeur de musiques de films pour le cinéma, la pub et la télévision, Franck Marchal est également membre du groupe de musique électronique et de rock alternatif Batz (LP « Red Gold Rush » sorti en Octobre 2023). Amniotic Ecstasy est comme une plongée abyssale dans l’extase amniotique, cette vie avant la vie où tout est en devenir, en création, où les sons se font ouate et où tout n’est qu’ordre et beauté, luxe calme et volupté.

Voici Amniotic Ecstasy et son clip officiel à voir sur Youtube :

En marge de son groupe Batz avec Seb Moreau, Franck Marchal dévoile aujourd'hui un EP six titres appelé Maelström Metronomy. L’enregistrement de l’EP s’est fait d’une traite, entre Bretagne sud (au Studio Birdland, qui comprend de nombreuses machines Vintage) et Paris. La sortie est soutenue par trois clips vidéo à découvrir sur Youtube pour les singles Bot Sadness, INK et Amniotic Ecstasy

Lien officiel

Peyman Yazdanian, compositeur à découvrir d'urgence avec Just About Cinema

2024-08-01T16:47:57+02:00

Peyman Yazdanian est un compositeur qui a notamment œuvré pour les bandes originales de films d’Abbas Kiarostami, Asghar Farhadi ou Mohammad Rasoulof ! On le retrouve avec Just About Cinema qui rassemble onze de ses musiques de films, et c'est splendide.

Peyman Yazdanian compile ses plus belles musiques de film sur l'album Just About Cinema à découvrir sur toutes les plateformes digitales pour passer un été parfait en musique.

Peyman Yazdanian excelle dans la création de compositions émotionnelles et sensibles qui capturent les nuances des personnages et des situations. Sa musique peut être poignante, mélancolique ou inspirante selon les besoins du film. Il est capable de créer des mélodies qui transportent le spectateur dans l’univers du film. Que ce soit un drame intense, une romance subtile ou un suspense palpitant, sa musique contribue à établir l'ambiance et à renforcer l'immersion du public.

Ecoutez Travelling sur Youtube :

Le compositeur iranien a composé la musique de nombreux films comme Qu’est ce qui relie Le vent nous emportera d’Abbas Kiarostrami (Grand Prix du Jury à Venise en 1999), Nuit d’Ivresse Printanière de Ye Lou (Palme d’or à Cannes en 2009), Un homme intègre de Mohammad Rasoulof (Prix Un Certain Regard en 2017) ou Climbing Iran de Francesca Borghetti (Prix du Public Trento Film Festival 2021).

Ecoutez A Man of Integrity sur Youtube :

Qu’est ce qui relie Le vent nous emportera d’Abbas Kiarostrami (Grand Prix du Jury à Venise en 1999), Nuit d’Ivresse Printanière de Ye Lou (Palme d’or à Cannes en 2009), Un homme intègre de Mohammad Rasoulof (Prix Un Certain Regard en 2017) ou Climbing Iran de Francesca Borghetti (Prix du Public Trento Film Festival 2021), sinon l'immense talent de Peyman Yazdanian qui a composé la musique de plus de 70 films ?

tracklisting :

1 – Wind Will Carry Us

2 – A Man of Integrity

3 – Days and Days

4 – Travelling

5 – A Sunny Day

6 – Absurdity of Death

7 – The Dream of Childhood

8 – A piece of Bread

9 – Reward of Silence

10 – Spring Fever Part 5

11 – A Prayer for You

Lien digital officiel

Gustav Mahler : Mon temps viendra

2024-07-07T19:12:00+02:00

« Mon temps viendra », avait coutume de dire Mahler. Chef d’orchestre unanimement célébré, il n’eut pas la même chance avec ses œuvres jugées vulgaires. C’est le film Mort à Venise (1971) de Visconti qui marque le début de l’engouement pour ses symphonies.

Gustav Mahler est né le 7 juillet 1860 à Kalište, ville tchèque alors sous domination autrichienne. Sa carrière musicale est encouragée par sa famille dès que celle-ci s’aperçoit des prédispositions de l’enfant en la matière. Mahler achève brillamment ses études musicales, principalement viennoises, en 1878.

Il gagne sa vie en tant que chef d’orchestre et directeur artistique, dans diverses villes, parmi lesquelles Prague, Budapest, et enfin Vienne. Son travail intense, qui l’empêche d’ailleurs parfois de composer (même si sa Première symphonie date de cette période), n’est pas forcément récompensé : en plus de rivalités ou de querelles, Mahler ne jouit pas d’une liberté artistique toujours suffisante à son goût. Toutefois, sa réputation s’accroît de manière à lui ouvrir la voie pour le poste prestigieux de directeur de l’opéra de Vienne, en 1897.

Cependant, au début du XXe siècle, Mahler se lasse des critiques et des conflits incessants au sein de l’opéra et décide de changer d’air. Il part donc pour les États-Unis pour diriger le Metropolitan Opera puis le Philharmonic de New York. En tant que chef d’orchestre vedette, il enregistre de nombreux succès, dont la première de sa Huitième symphonie en 1910. Le poste lui laisse d’ailleurs bien plus de temps pour composer. Mahler meurt à Vienne, le 18 mai 1911.

Source Symphozik et Classik R

Gustav Mahler en 10 dates :

1860 : naissance à Kalistē (Bohème)
1880 : débuts de chef d’orchestre
1888 : composition de la Symphonie n° 1
1897 : devient directeur de l’Opéra de Vienne
1901 : épouse Alma Schindler
1907 : mort de sa fille aînée
1908 : première saison au Met de New York
1910 : succès de la Symphonie n° 8 à Munich
1911 : mort à Vienne
1912 : création de la Symphonie n° 9 par Bruno Walter

Aujourd'hui, la Toussaint.

2022-11-01T01:49:00+01:00

Gaston Litaize (1909-1991) : un extrait de la messe de la Toussaint par l'organiste Marie-Ange Leurent.

#Toussaint #chrétien #christiancottetemard

Simple et basique

2022-01-21T00:00:00+01:00

Un seul mouvement pour cette œuvre de Jürg Frey, I Listened to the Wind Again, d’un peu plus de 43 minutes, mais ne nous y trompons pas : derrière cette apparente simplicité, jusque dans l’orchestration ramassée (une voix, un violon, un alto, un violoncelle et des percussions), se cache en réalité une création d’une grande densité et aux multiples variations.

Il y a quelque chose d’organique dans cet opus écrit en 2017 et proposé aujourd’hui en enregistrement par la Louth Contemporary Music Society. Le compositeur suisse Jürg Frey fait le choix d’une ligne musicale épurée et infiniment lente, au service d’une plainte qui n’en finit pas de mourir. Là, il semble que la musique concrète rejoigne des sons primitifs, comme s’il était autant question de temps lointains que de futur. Une voix féminine vient se superposer à cette première ligne, dans une incantation éthérée et presque religieuse. La soprano Hélène Fauchère vient apporter cette humanité et cette féminité dans une œuvre qui se nomme, rappelons-le : I Listened to the Wind Again.

Au terme d’austérité, il faut sans doute préférer le terme de minimalisme dans ce chant méditatif et d’introspection qui semble se dérouler dans un paysage désolé, reflet d’une âme en peine et de ces disparus.

Pour ses textes, le compositeur s’est appuyé sur des œuvres des poètes suisses Gustave Roud et Pierre Chappuis, du poète de la dynastie Tang Bai Juyi (VIII-IX siècle ap. JC) et de la poétesse américano-libanaise Etel Adnan.

Au terme d’austérité, il faut sans doute préférer le terme de minimalisme

La musique du compositeur suisse, essentielle dans tous les sens du terme, propose des jeux de nuances les plus infimes. L’immobilité est toute relative durant les 43 minutes, grâce à ces respirations, à la voix bouleversante d’Hélène Fauchère et aux subtiles ruptures de rythme, à l’instar de ces percussions cristallines ponctuant le chant douloureux ou encore à la domination des cordes à partir de la seconde moitié du morceau.

Si l’on veut parler de références et d’inspirations, impossible de ne pas citer, notamment pour le dernier quart de l’opus, la Troisième symphonie d’Henryk Górecki, dans sa version historique de Dawn Upshaw (1991).

Il faut bien entendu saluer les performances des interprètes, particulièrement pour des œuvres contemporaines exigeantes comme celle-ci : l’altiste Garth Knox, la violoniste Nathalie Chabot, la violoncelliste Agnès Vestermann, le percussionniste Sylvain Lemêtre et la clarinettiste Carol Robinson.

Pour Bla Bla Blog, I Listened to the Wind Again est une découverte passionnante que les amateurs de musique contemporaines ne devront pas manquer.

Jürg Frey, I Listened to the Wind Again, Louth Contemporary Music CGL, 2021, 44 mn
Avec Hélène Fauchère, Garth Knox, Agnès Vestermann, Sylvain Lemêtre, Carol Robinson et Nathalie Chabot
https://www.louthcms.org
https://www.juergfrey.com

Voir aussi : "Camille Pépin, sans coup férir"

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Concert / Florence Grasset (chant) et Lionel Desmeules (clavecin) au centre culturel Aragon (Oyonnax) jeudi 1er juillet

2021-06-15T10:59:00+02:00

Camille Pépin, sans coup férir

2020-06-21T00:00:00+02:00

En ce 21 juin, honneur à un genre musical discret mais particulièrement passionnant : le contemporain. Et pour cette chronique, je vous ai déniché non pas une mais deux œuvres de Camille Pépin, qui s’est imposée en quelques mois comme une compositrice incontournable, à la faveur de deux albums à découvrir : Chamber Music (2017) et The Sound of Trees (2020).

La musique contemporaine française était depuis des décennies prisonnière d’une image engoncée dans des théories et des habitudes : le sérialisme, l’aléatoire, le spectralisme, la méfiance pour l'harmonie et plus généralement les querelles de chapelle. Mais la voilà qui prouve avec Camille Pépin (mais aussi d'autres compositeurs et compositrices) que la musique contemporaine française peut être harmonique et immédiatement attachante, sans renier pour autant à son audace formelle (le jeu de sonorités, l’apport de cultures différentes, l’influence du courant répétitif américain) comme à la paternité revendiquée avec les grands compositeurs occidentaux – Mahler, Debussy, Ravel ou Messiaen sont les grandes figures qui viennent en tête de prime abord pour ces deux opus.

Camille Pépin avait 27 ans lorsqu’elle a proposé Chamber Music (NoMadMusic), des pièces de musique de chambre au souffle intense, et qui sont jouées par l’Ensemble Polygones, avec la mezzo-soprano Fiona McGown, la violoniste Raphaëlle Moreau et la violoncelliste Natacha Colmez-Collard.

L’album débute avec Lyrae, une œuvre dominée par des violons implacables et torturés. Un mouvement plus lent qui scinde le morceau en deux est marqué les influences du courant répétitif américain, renvoyant à Steve Reich ou aux œuvres de Philip Glass par le Kronos Quartet, mais avec ce lyrisme tout français.

La pierre angulaire de l’opus est Chamber music : 18 mouvements souvent très courts, ayant pour fil conducteur des cordes omniprésentes, un piano délicat et la voix mezzo-soprano de Fiona McGown, déclamant des vers de jeunesse de James Joyce (1909). Il y a une très grande cohérence dans ces pièces de Chamber Music qui sont des chants amoureux, mystiques et expressionnistes d’une très grande pureté.

Raphaëlle Moreau est au violon pour une autre pièce, Indra : place cette fois à une musique robuste et même brutale, soutenue par des cordes tendue et nerveuses. Tout aussi sombres, les trois mouvements de Luna (Luna, Aurora et Sol) sont des mondes à eux tout seuls : des cauchemars peuplés d’êtres mystérieux et fantomatiques (Luna), parfois aériens et féeriques (Aurora), mais toujours inquiétants, menaçants et brutaux (Sol). L’album se termine avec la pièce Kono-Hana, qui semble nous réveiller d’un mauvais rêve pour nous projeter dans un univers zen, grâce au violoncelle métaphysique de Natacha Colmez-Collard.

Compositrice incontournable pour les années à venir

C’est pour The Sound Of Trees que Camille Pépin a reçu en début d’année une Victoire de la Musique, dans la catégorie "Compositrice de l’année". Cette pièce a été enregistrée avec l’Orchestre de Picardie dirigé par Arie van Beek par NoMadmusic. Elle est sortie quelques jours seulement avant le Grand Confinement.

Pour cet album, à la fois audacieux, atypique et classique, Camille Pépin côtoie Claude Debussy et Lili Boulanger et s’installe déjà comme une compositrice incontournable pour les années à venir.

The Sound Of Trees, ce sont six mouvements qui sont des hommages à la nature et aux arbres, et dont les titres renvoient aux mille et une transformations des saisons : "Paisible, boisé", "Plus lumineux, irisé", "Céleste, planant", "Entêtant, tournoyant, hypnotique", "Apaisé, boisé" et "Mystérieux, flottant."

Autant naturaliste qu’expressionniste, Camille Pépin et l’Orchestre de Picardie, dirigé par Arie van Beek, nous entraînent dans un environnement à la fois proche de nous et féerique ("Paisible, boisé"). Mais c’est aussi un monde qui sait avoir sa part de violence ("Plus lumineux, irisé") ou de mystère ("Céleste, planant"). Olivier Messiaen avait su faire des chants d’oiseaux des pièces contemporaines merveilleuses, passionnantes et déroutantes. Camille Pépin, elle, donne vie aux arbres vivants, pluriels et colorés ("Entêtant, tournoyant, hypnotique"). The Sound Of Trees passionne par cette place laissée à la méditation ("Apaisé, boisé") et à une forme d’hommage grave à la nature ("Mystérieux, flottant").

L’album se termine avec trois morceaux classiques, très cohérents dans leur choix. Un Hommage à Rameau et un Mouvement tirés des Images pour piano de Claude Debussy d’abord, et deux mélodies de Lili Boulanger d’autre part (D’un soir triste et D’un matin de printemps). Camille Pépin entend ainsi marcher sur les traces de géants et de géantes de la musique. Voilà qui promet de futures œuvres passionnantes, sans coup férir.

Camille Pépin, Chamber Music, Ensemble Polygones, NoMadMusic, 2019
Camille Pépin, The Sound of Trees, Orchestre de Picardie,
direction Arie van Beek, NoMadMusic, 2020
https://www.camillepepin.com
https://www.facebook.com/camillepepincompositeure
https://www.nomadmusic.fr/fr/label/artistes/camille-pepin

Voir aussi : "Boulez, le maître au marteau"
"Joue-la comme Proust"

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ERNEST BLOCH

2018-07-22T19:11:00+02:00

Le compositeur, pédagogue et chef d’orchestre Ernest Bloch est une figure à part dans l'histoire de la musique au XXe siècle.

Il est né le 24 juillet 1880 à Genève (Suisse) et mort le 15 juillet 1959 à Portland (Etats-Unis)

Son œuvre se rattache au mouvement néo-classique, et est profondément inspirée par son identité juive. « Je suis, moi-même, un fossile absolument perdu en cette époque à laquelle je n’appartiens pas ».

Ernest Bloch commence ses études à Genève avec Emile Jaques-Dalcroze en solfège et Louis Rey au violon, il se perfectionne à Bruxelles auprès du maître Eugène Ysaÿe en violon et avec François Rasse pour la composition. En 1900, il poursuit sa formation en Allemagne avec Ludwig Thuille et compose sa première grande symphonie. Il s’installe ensuite une année à Paris, y rencontre Debussy qui l’influencera.
De retour à Genève, il commence à composer les grandes lignes de son œuvre Helvetia en hommage à sa patrie. Il débute dans la direction d’orchestre à Lausanne et à Neuchâtel.
Incompris en Europe, il émigre aux Etats-Unis. L’Amérique lui offre un premier engagement de chef d’orchestre en 1916, puis un poste d’enseignant en 1917 à la David Mannes School of Music de New York. Il adoptera la nationalité américaine en 1924.
Entre 1920 et 1952, il dirige différentes institutions musicales américaines, à Cleveland, à San Francisco et en dernière partie de vie, il enseigne à l’Université de Californie à Berkeley.
Il réunit autour de lui quelques disciples, Roger Sessions, George Antheil, Randall Thompson, Quincy Porter, Douglas Moore.
Durant les seize dernières années de sa vie, il s’installe dans l’Oregon à Agate Beach près des plages désertes, il fait de la photographie et ramasse des agathes qu’il polit.
En décembre 1957, le célèbre Yehudi Menuhin joue son Concerto pour violon à New York. Menuhin rencontre Bloch et lui commande deux Suites pour violon seul.
De son catalogue important, retenons quelques œuvres maitresses : Israel Symphony, Trois Poèmes juifs, Schelomo et le Service sacré, inspirés par la musique sacrée juive, en musique de chambre, 5 quatuors et 2 quintettes avec piano.

Son œuvre abondante révèle un solide métier ainsi que la richesse et la diversité des influences.

Ernest Bloch en 6 œuvres :

1910 : Macbeth, son unique opéra est créé à l’Opéra Comique
- 1917 : Schelomo, rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre, est créé à New York sous la direction du compositeur
- 1928 : achève son poème symphonique Helvetia, basé sur des motifs suisses
- 1933 : Service sacré pour baryton, chœur mixte et orchestre pour le rite libéral
- 1938 : Concerto pour violon
- 1956 : Quatuor à cordes n° 5

Ernest Bloch en 6 dates :

1906 : Il étudie la Bible
1909-1910 : débuts de chef d’orchestre en Suisse
1916 : 1er engagement sur le sol américain dans la direction d’orchestre
1924 : Il adopte la nationalité américaine
1927 : Sa symphonie America remporte un 1er Prix de concours d’œuvres symphoniques pour le magazine ‘Musical America’
1957 : Yehudi Menuhin joue à New York son Concerto pour violon

Takashi Yoshimatsu - Lullaby in Celestial Night

2017-09-26T07:27:00+02:00

https://www.youtube.com/watch?v=JtpVk_2RZyI

« Takashi Yoshimatsu est né à Tokyo, au Japon, et comme Toru Takemitsu, il n'a pas reçu de formation musicale dans sa jeunesse. Il a quitté la faculté de technologie de l'Université Keiō en 1972, et a rejoint un groupe amateur nommé NOA comme pianiste, imitant la musique des Pink Floyd. Il s'est intéressé au jazz et au rock progressif, en particulier en explorant les possibilités offertes par la musique électronique.

Il était un fan des Walker Brothers et des Ventures quand il avait 13 ans, mais à 14 ans, il a été fasciné par les symphonies de Beethoven et de Tchaïkovski. Il a commencé à composer de nombreuses pièces avant de se faire un nom en 1981 avec « Threnody for Toki » marqué par le sérialisme. Peu de temps après, il s'est éloigné de la musique atonale, et a commencé à composer dans un style néo-romantique libre avec de fortes influences du jazz, du rock et de la musique classique japonaise, renforçant sa réputation avec son concerto pour guitare de 1984. En 2007, Yoshimatsu avait composé cinq symphonies, des concertos pour basson, violoncelle, guitare, trombone, saxophone alto, saxophone soprano et pour les instruments traditionnels japonais, ainsi que deux concertos pour piano (un pour la main gauche seule et un pour les deux mains), un certain nombre de sonates, et diverses pièces plus courtes pour les ensembles de différentes tailles. Ses « Atom Hearts Club Suites » pour orchestre à cordes rendent explicitement hommage aux Beatles, aux Pink Floyd et Emerson, Lake & Palmer.

Il a publié des essais sur la musique classique. Il aime dessiner et illustre lui-même ses livres. »

(From wikipedia)

Piano Concerto in la mineur, Op.16 (1868), d’August Winding

2017-05-08T07:22:00+02:00

https://www.youtube.com/watch?v=0fyFRKKDZbg

Inconnu et pourtant brillant et romantique, Auguste Winding est un pianiste et compositeur danois (1835 – 1899). Certes sa musique est conforme aux thèmes de l’époque et a des ressemblances avec celle de Beethoven (2^ème mouvement : andantino). Mais est-ce une raison pour l’oublier ?

Frédéric Chopin

2015-12-05T11:46:00+01:00

Compositeur et pianiste franco-polonais (Żelazowa Wola, 1810 - Paris, 1849)

Pianiste virtuose, Chopin libère le piano des influences symphoniques et chorales traditionnelles, et développe, parallèlement à Franz Liszt, la notion d’instrument soliste. Il est un compositeur surtout connu pour ses préludes, scherzos, mélodies populaires polonaises et ballades, où se mêlent ferveur et mélancolie.

Le père de Frédéric Chopin, Nicolas Chopin, est originaire de Lorraine, et est professeur de français à Varsovie. Il y rencontre sa femme Justyna Krzyzanowska qui chante et joue des mélodies populaires au piano. Les quatre enfants du couple reçoivent une éducation musicale, mais Chopin se démarque très vite par ses dons. Il prend ses premières leçons de piano avec Adalbert Zywny, puis avec Joseph Elsner.

Paris étant une capitale culturelle incontournable au 19ème siècle, Chopin s’y installe à partir de 1831. Il y rencontre l’écrivain George Sand, sa compagne durant sept ans.
Contrairement à Liszt, Chopin n’est pas un amateur de joute pianistique, préférant l’ambiance des salons organisés par ses amis dans lesquels il rencontre Delacroix, Berlioz, Camille Pleyel et beaucoup d’autres personnalités influentes du monde artistique.
Jusqu’à la fin de sa vie (il décède le 17 octobre 1849) et malgré la maladie qui le ronge, il partage sa vie de compositeur avec celle de professeur en dispensant des cours de piano. Il conçoit et enseigne une nouvelle technique du toucher pianistique : respiration grâce au rubato, multiplication des silences dans ses partitions, mouvement souple du poignet.

Ses compositions sont majoritairement consacrées à son instrument de prédilection, avec toutefois quelques œuvres pour musique de chambre ainsi qu’un recueil de mélodies en polonais.

Chopin en 6 dates :

• 1829-1831 : séjour à Vienne
• 1831 : rencontre Rossini, Cherubini et Paër
• 26 février 1832 : premier concert parisien dans les salons de Pleyel. Il se lie avec Liszt, Hiller, Mendelssohn, Berlioz et Auguste Frachomme
• 1836 : rencontre Aurore Dupin, connue sous le nom de George Sand
• 1848 : tournée en Angleterre et en Ecosse
• 16 avril 1848 : dernier concert à Paris dans les salons Pleyel

Chopin en 6 œuvres :

• 1828-29 : Trio avec piano en sol mineur, op.8
• 1829 : 24 Etudes, op.10
• 1830 : Concerto pour piano en mi mineur, op. 11
• 1831-35 : Ballades, op.23
• 1835 : Fantaisie – impromptu en ut dièse mineur, op.66
• 1845-46 : Sonate pour violoncelle et piano en sol mineur, op.65

Biographie de la documentation de Radio France

Johannes Brahms

2015-10-30T19:32:00+01:00

Compositeur, pianiste et chef d'orchestre allemand (né à Hambourg le 07 mai 1833 - mort à Vienne le 03 avril 1897 ) Johannes Brahms est un compositeur qui se situe à la charnière entre le classicisme et le romantisme : il compose une musique romantique dans son expression, mais reste attaché aux grands maîtres préclassiques et classiques dans la structure solide de son écriture.

Issu d’un milieu modeste, Johannes Brahms reçoit ses premières leçons musicales de son père, contrebassiste. Il travaille ensuite le piano et la composition avec le célèbre pédagogue Eduard Marxsen, qui lui fait découvrir les grands maîtres du passé, parmi lesquels Jean-Sébastien Bach. Les séjours à la campagne sensibilisent Johannes Brahms au folklore de différentes ethnies des pays germaniques, et notamment à la musique populaire hongroise.

Ses premières expériences professionnelles lui permettent d'acquérir aussi une solide connaissance de l'écriture chorale et chambriste. Très sollicité comme professeur, pianiste ou chef d’orchestre à la fois dans son pays et à l’étranger, il ne réussit pas, à son grand regret, à obtenir un poste stable dans sa ville natale et se fixe alors définitivement à Vienne en 1862, où il passera toute sa vie.

CENT VINGT CINQ VIES POUR L'HUMANITE

Diego DIAZNombre de pages : 13220 €

Format(s) : Papier EPUB PDF

Son oeuvre couvre tous les genres, sauf l'opéra. Sa vie est marquée par les rencontres avec les musiciens (Joseph Joachim, Antonin Dvorak, Wagner ou les époux Schumann) avec qui il noue des amitiés souvent très profondes. Ainsi le soutien de Schumann dans sa carrière est-il d'une importance cruciale.

Attaché comme Schubert à la thématique populaire, possédant le sens du lyrisme d’un Schumann ou encore héritier de Beethoven par la nature structurée mais bouillonnante de sa musique, Johannes Brahms défend la musique pure, à la fois orientée vers l'avenir et impregnée du passé.

Johannes Brahms en six dates :

1853 rencontre le violoniste Joseph Joachim (futur dédicataire du Concerto pour violon en ré majeur) qui sera un ami fidèle toute sa vie et l’introduit auprès de Liszt et les Schumann

1856 la mort de Schumann affecte Brahms profondément

1865 décès de sa mère avec laquelle il était très lié ; Brahms lui rend hommage dans Un requiem allemand

1864 rencontre Richard Wagner, pour lequel il éprouve un profond respect

1872 nommé directeur de la célèbre Wiener Gesellschaft der Musikfreunde (association des amis de la musique de Vienne), il programme les compositeurs anciens : Haendel et Bach, Mozart, Haydn et Beethoven

1896 la mort de Clara Schumann met fin à une complicité musicale et humaine de plusieurs décennies

Johannes Brahms en six oeuvres :

1859 Concerto pour piano n° 1, créé à Hanovre sous la direction de Joachim

1868 Un requiem allemand, créé à Brême sous sa direction (le titre fait référence à la langue allemand qui est utilisé en lieu et place du latin en usage traditionnellement dans la messe des morts)

1869 deux volumes des Danses hongroises pour piano à 4 mains

1873 Variations sur un thème de Haydn, la création est assurée par Otto Desoff et l’Orchestre philharmonique de Vienne

1883 Double concerto pour violon et violoncelle

1893 Klavierstücke op. 119

Sources France Musique

FARRENC LOUISE

2015-09-15T12:49:00+02:00

Elle a sans doute été l'une des plus grandes musiciennes du 19e siècle avec les Allemandes Fanny Mendelssohn et Clara Schumann. Mais si l’on parle encore de la sœur du génial Félix Mendelssohn et de l’épouse du tourmenté Robert Schumann, la Française est, quant à elle, tombée dans un oubli presque total, y compris sur le territoire national. Une indéniable injustice..

Née à Paris le 31 mai 1804, morte à Paris le 15 septembre 1875.

Elle est la fille du sculpteur Jacques-Edmé Dumont, et sœur du sculpteur Auguste Dumont. Sa mère Marie Elizabeth Louise Courton est apparentée aux peintres Coypel.

Elle reçoit ses premiers cours de piano d'Anne Elizabeth Cécile Soria qui fut une élève de Clementi. Elle aurait eu aussi (selon Fétis) Hummel et Moscheles comme professeurs.

En 1819, elle étudie l'harmonie et la composition avec Reicha (1770-1836) alors professeur au Conservatoire de Paris. Elle interrompt momentanément les études quand elle se marie en 1821 avec le flûtiste, compositeur et éditeur de musique Aristide Farrenc (1794-1865).

Sa fille unique Victorine naît en 1826. Elle est une excellent pianiste. Elle décède tuberculose en 1858

Louise Farrenc reprend ses études avec Reicha. Sur la recommandation d'Halévy, elle est professeur de piano de la duchesse d'Orléans en 1842, la même année 1842 elle est nommée professeur de piano au Conservatoire national de Paris.

Elle se ne se produit plus que rarement et se consacre à la composition.

Son mari cherche à faire jouer ses oeuvres, et ils projettent ensemble une monumentale anthologie de musique pour piano en 23 volumes couvrant le répertoire du XVI^e siècle au milieu du XIX^e siècle, Le Trésor des pianistes qu'elle achève seule après la mort d'Aristide Farrenc en 1865.

En 1861 et en 1869 elle reçoit le Prix Chartier de l'Académie des Beaux-Arts

En 1870, elle organise avec ses élèves un concert avec les oeuvres de l'anthologie au programme.

Contrairement à l'air du temps elle n'écrit pas d'œuvres lyriques. Elle compose de la musique de chambre, beaucoup pour le piano. Des quatuors, des quintettes. Elle a à son actif trois symphonies. Certaines de ses oeuvres sont publiées sous le nom de son mari, ce qui rend les identifications difficiles.

Son Air russe varié pour le piano, opus 17, suscite une critique positive de la part de Robert Schumann. Sa Seconde Ouverture est créée sous la direction d'Habeneck par la Société des Concerts du Conservatoire. Sa Première symphonie opus 32 est donnée avec succès le 23 février 1845 à Bruxelles et au Conservatoire de Paris le 17 avril de la même année, on entend également au Conservatoire la deuxième symphonie le 3 mai 1846 et la troisième le 22 avril 1849. Son plus grand succès est la nonette en mi bémol majeur opus 38, donnée à la Salle Erard le 19 mars 1850.

Partitions de Louise Farrenc dans l'IMSLP

Variations pour le piano sur un thème d'Aristide Farrenc, opus 4
Variations pour le piano sur un the de Cenerentola, opus 5
Variations pour le piano sur l'air O ma tendre musette, opus 6
Air suisse varié pour le piano, opus 7
Trois Rondeaux originaux, opus 8
Rondeau sur un chant d'Il Pirato, opus 9
Variations sur un Rondo du Colporteur d'Onslow, opus 10
Rondeau sur les thèmes d'Euryanthe de Weber, opus 11
Variations sur une Galopade Hongroise, opus 12
Rondeau sur un the de Zelmira de Carafa, opus 13
Les Italiennes, trois cavatines favorites de Bellini et de Carafa variées, opus 14
Variations sur une cavatine d'Anna Boléna, opus 15
Les Allemands, des mélodies allemandes variées, opus 16
Air russe varié pour le piano, opus 17
La Sylphide, rondo-valse sur un motif de Masini, opus 18
Souvenir des Huguenots, opus 19
Variations pour piano et violon sur un air suisse, opus 20
Jours heureux, quatre petits rondeaux, opus 21
Six fugues, (inédit)
1^re Ouverture en mi mineur (inédite)
2^e Ouverture en mi b majeur (inédite)
Grande Fantaisie et variations pour piano et orchestre ou quintette, sur un the du comte Gallenberg, opus 25
Trente grandes études pour le piano dans tous les tons, opus 26
Hymne russe varié pour le piano, opus 27
Variations sur un the allemand, opus 28
Air martial des Capuletti pour piano à quatre mains, opus 29
Air martial des Capuletti pour piano à 2 pianos (inédit)
1^er Quintette en la mineur pour piano, 2 violons, alto, violoncelle, opus 30
2^e Quintette, opus 31
1^re Symphonie en do mineur pour grand orchestre, opus 32 (inédit)
1^er Trio en mi bémol majeur pour piano, violon et violoncelle, opus 33
2^e Trio en ré majeur pout piano, violon et violoncelle (inédit)
2^e symphonie en ré majeur opus 34
3^e symphonie en sol mineur opus 36
1^re sonate en do mineur pour violon et piano, opus 37
Nonette en mi bémol majeur pour violon, alto, violoncelle, contrebasse, hautbois, clarinette, cor et basson, opus 38 (inédit)
2^e Sonate pour violon et piano, opus 39
Sextuor en do mineur pour clarinette, piano, flûte, hautbois, cor, basson, opus 40
Douze études brillantes pour le piano, opus 41
Vingt études de moyenne difficulté pour le piano, opus 42
Mélodies pour piano, opus 43
Trio en mi bémol majeur pour piano, clarinette et violoncelle opus 44 (inédit)
Trio en mi mineur pour piano, flûte et violoncelle opus 45
Sonate en si bémol majeur pour piano, flûte et violoncelle, opus 46
Scherzo pour piano, opus 47
Valse brillante pour piano, opus 48
1^er Nocturne pour piano, opus 49 (Paris, Leduc)
Souvenir d'Orient pour piano (Paris, Frommel)
La Grand'mère, première rondelette pour piano
Naples, rondelette pour piano
Troisième rondelette pour piano avec accompagnement de flûte et violon
Trois rondeaux
Pastorale, Savoyard et Valse
Trois airs variés sur des thèmes de Brugnère et de Panseron
Le Berger fidèle, romance
La Tourterelle, romance
Je me taisais, romance
L'École du pianiste (Paris, Leduc)
Méthode de piano (Paris, Bernard de Viguerie)
Clementi, La Babillard, édition corrigée
Traité des abréviations (signes d'agréments) employées par les clavecinistes des XVII et XVIII^e siècles (Paris, Leduc 1895)

Sources Musicilogie

Rétro music... (28)

2015-05-16T05:00:00+02:00

”Qu'est-ce exactement que [le] public ?” [2]

2014-12-23T22:32:58+01:00

Première partie ICI

[J'aurais évidemment dû intituler autrement la seconde et dernière partie de cet extrait, qui concerne moins le public que les conditions mêmes de la création artistique... et par là, je sous-entends volontiers que ce que l'auteur dit de la musique de son temps vaut manifestement pour une grande part de ce qui se crée aujourd'hui, dans la littérature, le théâtre, etc. J'avoue même que ce sont les analogies avec la condition de nombre d'auteurs dramatiques de mon temps, dont j'ai un temps parlé sur ce blog, qui m'ont amené à reproduire ici ce texte écrit entre 1945 et 1954, date de décès de l'auteur.]

Mais, en profondeur, c'est-à-dire à la longue, il est bien démontré que le public ne peut être vraiment influencé. On l'intimide facilement, on peut lui faire perdre la claire conscience de son jugement : il se replie alors silencieusement sur lui-même. Mais lui faire trouver belles des choses qui ne lui plaisent pas, cela paraît à l'expérience impossible. Car le public juge d'instinct - ceci d'après des lois qu'il porte inconsciemment en lui.

Ce que le musicien doit souhaiter : une désirable communion d'amour avec le public, ne peut être obtenu par la force, par une mise en tutelle, ni au moyen de théories, quelles que soient leurs tendances. La distance qui sépare l'actuel musicien d'avant-garde et le véritable grand public n'a pas diminué au cours de ces dix dernières années. Les rares exceptions confirment la règle. Ce n'est pas un hasard si, depuis le début de la période atonale on n'a plus écrit d'opéra ayant aussitôt le caractère d'une œuvre de répertoire - tel que l'a encore, par exemple, Le Chevalier à la Rose.

Lorsque nous interrogeons ceux qui observent l'ensemble de cette question, c'est-à-dire les historiens de la musique, nous n'obtenons pas d'éclaircissements. Certes, il faut généralement attendre un certain temps pour que se dégage une vue claire et valable, car, le plus souvent, les historiens de la musique contemporaine risquent de se laisser trop facilement impressionner par les mots d'ordre du jour.

L'idée de "relativité historique" devient peu à peu une des armes essentielles de la propagande idéologique actuelle. Elle est tout de suite prête, passant au-dessus de toutes les différences possibles, à cataloguer Bartok et Hindemith comme les "classiques des modernes", en leur attribuant pour notre temps une influence égale à celle que Mozart et Beethoven exercèrent sur le leur... Cependant, il s'écoulera encore un certain temps avant qu'une véritable histoire de la musique de ce demi-siècle puisse être écrite.

L'irruption soudaine de l'atonalité, l'affranchissement des liens de la tonalité tout à coup considérée comme une contrainte gênante, datent à peu près du début du siècle. Arnold Schönberg, avec sa découverte de la composition dodécaphonique, à la nouveauté et à la hardiesse riches de conséquences, fut le premier à donner le signal. Il ne s'agissait pas là, comme cela peut en avoir d'abord l'apparence et comme de nombreux musiciens même le crurent, d'un développement nouveau à partir d'éléments déjà existants: c'était quelque chose de spécifiquement neuf qui était apporté au monde de la musique. Cette nouveauté-là (la résolution de consonances et de dissonances et, conséquemment et nécessairement, une ordonnance nouvelle du matériel tonal) bouleversa le processus de la création musicale. Ce processus avait été, jusque là, déterminé par le sentiment auquel se superposait la raison, le sentiment conservant toujours la primauté. Il s'y ajouta un caractère spéculatif qui avait essentiellement pour but de s'affranchir des contraintes tonales, qui avaient été naturelles auparavant.

Pour cette raison, en même temps que, d'une part, les composantes de l'expression musicale se transformaient et que l'auditeur se trouvait placé devant une tâche nouvelle et tout à fait inhabituelle - d'autre part on était en présence d'une méthode de travail qui donnait au compositeur l'impression d'une liberté nouvelle, un sentiment soudain d'indépendance vis-à-vis de la "dictature" de la tonalité. Cela lui procura comme une sensation d'ivresse et l'on peut comprendre qu'alors la prise en considération des possibilités de réception du public fut considérée seulement comme un obstacle sans valeur ; ceci d'autant plus que l'on possédait, dans le système idéologique édifié par les historiens de la musique, un remarquable moyen de propagande.

Mais, avant tout - et ceci fut l'essentiel [...] - la composition redevint facile... comme au temps de Mozart ! Il n'est donc pas étonnant que le mouvement ait pris son essor avec une extraordinaire rapidité : dès les années qui suivirent la première guerre mondiale, nous pouvons voir avec les débuts de Hindemith et Krenek, l'orientation atonale. La plus grande révolution de l'histoire de la musique, faisant surgir, comme je l'ai dit, quelque chose d'entièrement neuf, se joua dans un espace d'à peine dix années.

C'est un fait caractéristique que la portée de cette révolution ne pouvait être mesurée que par celui qui lisait les journaux. C'était une révolution de la "publicité"; cette publicité changea de position vis-à-vis des compositeurs contemporains. Auparavant, la vie n'était pas facile pour le compositeur. Il devait participer à cette "lutte pour la vie" qui règne dans toute la nature et qui fait que seul le plus fort survit et l'emporte. Le public, qui est par essence une masse paresseuse, était attaché à ce qu'il connaissait et aimait déjà et restait opposé aux nouveautés. Restaient à l'écart des productions nouvelles, non seulement le public, mais aussi les gens de métier et la presse (qui était alors beaucoup plus en contact qu'aujourd'hui avec le public et s'en faisait l'écho). La façon dont furent accueillies bien des œuvres reconnues plus tard comme des chefs d'œuvre le montre bien. Mais quand une œuvre, un homme parvenaient à triompher, ils ne devaient leur triomphe qu'à eux-mêmes. Ce qui assurait cette victoire, ce n'était pas la propagande, mais l'adhésion du public que le créateur avait su convaincre, malgré sa paresse légendaire, et avec lequel, à sa façon, il avait établi une nouvelle communion.

En soi, un jeune compositeur n'avait encore aucun crédit "officiel". On ne se sentait d'aucune manière avoir vis-à-vis de lui des devoirs sociaux. S'il ne plaisait pas, c'est-à-dire si son œuvre n'avait pas de succès, il pouvait se considérer comme bon à jeter au fumier.

Quelle différence avec ce qui se passe aujourd'hui ! Déjà, par principe, le jeune compositeur est dorloté et choyé comme un "garant" de l'avenir, on est vraiment aux petits soins pour lui. Mais à une condition : qu'il donne satisfaction à l'idéologie contemporaine, que l'on puisse considérer son œuvre comme "progressiste", qu'elle soit orientée vers l'avenir. Il sera alors admis dans les rangs de ceux qui vont de l'avant. Comme il y a aujourd'hui beaucoup de compositeurs de cet ordre, on voit se formuler une sorte de sentiment de responsabilité sociale : on doit assurer à la jeunesse la possibilité de vivre et de travailler : elle est notre avenir , et en raison de cela, nous devons nous efforcer, autant qu'il est possible, d'adoucir les difficultés de sa dure route.

Ainsi, il ne s'agit plus en aucune façon de prendre position dans l'intérêt de notre avenir artistique en général, dans l'intérêt de l'avenir de l'homme moderne. Non, ce qui importe, c'est d'assurer la possibilité de composer ; c'est de servir les intérêts d'un groupe précis, fournir une hypothèse de travail, une méthode pour professionnels. Le public passe donc en seconde ligne; l'homme moderne doit comprendre que la musique n'est pas là pour "parler à son âme" : c'est une idée qu'il faut considérer comme passée, erronée, romantique...

Vraiment, quelle différence de situation pour le compositeur débutant - autrefois et maintenant ! Je ne parlerai pas du sort de ceux qui n'ont pas la chance d'être considérés officiellement comme les garants de l'avenir, et qui se contentent d'écrire de la musique - peut-être de la très bonne musique. Ils sont aujourd'hui - c'est eux qui l'ont voulu - plus morts que des morts ; il ne paraît pas nécessaire de perdre du temps à écrire quoi que ce soit à leur sujet. Mais les autres sont favorisés dans la mesure où ils témoignent de la "vision du monde" en vigueur.

Si nous considérons leur position avec bon sens, il nous apparaît que cet encouragement a un effet tout autre que ne voudraient le croire ceux qui participent à cet état de choses et qui l'entretiennent, eux-mêmes plein de bonne volonté et de conviction intérieure.

Le fait que, si le compositeur doit toujours se légitimer devant le public, ce n'est plus par le moyen de ses œuvres, mais qu'il suffit d'être engagé dans une certaine tendance pour être pris au sérieux et pour être exécuté, crée pour les musiciens une atmosphère de "serre" amollissante et artificielle qui, à la longue, comme cela s'est démontré, devient asphyxiante. Il en est d'eux comme des lièvres qui vivent dans des réserves d'où leurs ennemis - l'aigle, le renard - ont été chassés ; ils perdent de plus en plus leurs possibilités de vigilance et d'élan dans la lutte pour l'existence - et dégénèrent.

Nous voyons aussi, sur toute la ligne, que sous l'influence de la publicité actuelle avec tous ses moyens de protection en faveur des pauvres compositeurs, leurs résultats devant le public ne deviennent pas meilleurs, mais pires.

Le groupe prend soin du compositeur : il devient donc plus important pour celui-ci de prouver son appartenance à ce groupe et de satisfaire son idéologie - que de faire ses preuves devant un public qu'il ne reconnaît en général comme digne de lui qu'avec la plus grande réserve.

Or, quand nous regardons l'histoire de la musique d'autrefois, nous constatons que ce sont toujours des isolés qui se sont imposés à l'humanité et ont remporté la victoire : Mozart, Beethoven, Wagner, Schubert, n'appartenaient à aucune tendance. Aujourd'hui, l'artiste isolé recherche la protection du groupe. - Ce n'est pas sans une certaine fierté que Thomas Mann a affirmé n'avoir jamais appartenu à aucune clique, ni sacrifié à une doctrine artistique solidement organisée; il trouvait du prix à ce splendide isolement. En tout cas, les artistes qui par leur œuvre sont encore vivants parmi nous, ont tous été des isolés.

Wilhelm Furtwängler, Musique et Verbe

”Qu'est-ce exactement que [le] public ?” [1]

2014-12-21T01:28:00+01:00

On ne peut contester en tout cas que la relation musicien-public ne se soit modifiée au vingtième siècle, à peu près depuis le début de la période "atonale". Ceci est reconnu par le grand public, mais aussi par les intéressés directs, c'est-à-dire par les musiciens.

Demandons-nous d'abord : Qu'est-ce exactement que ce public ?

Dans le sens où nous posons cette question, le public est avant tout une partie du "Toi", du grand "vis-à-vis" auquel le créateur s'adresse par son œuvre. que ce public soit composé de bourgeois ou d'ouvriers, peu importe - de même que la nationalité à laquelle il appartient. (Même un peuple aussi éloigné de nous que les Japonais se montre aujourd'hui ouvert à la musique européenne.) Ce qui est important, c'est que ce soit un "public", et non un simple agrégat d'individus. Il doit être composé de gens qui se sentent d'une même communauté et réagissent en communauté. Car il y a une différence à souligner: il est souvent constaté par les gens de métier à quel point les opinions d'un individu pris isolément peuvent être fausses et même absurdes - et de quelle façon logique et judicieuse l'ensemble d'un public se comporte.

Ce que signifie le "grand public" dans la vie musicale et d'un point de vue commercial, est évident. Nous nous rendons moins compte du sens qu'il a pour les musiciens. A l'égard de ceux-ci, il représente l'auditeur "imaginaire" auquel l'auteur adresse son message. Depuis Bach, ce public a été pour les compositeurs quelques chose comme la "dernière instance"; ils le considèrent comme donnant l'orientation, la mesure, la norme à suivre. C'était le partenaire auquel ils s'adressaient. - Quand des gens de métier ou des esthéticiens parlent aujourd'hui de "lois artistiques" qu'ils dégagent des œuvres de Bach, Beethoven, Schubert, Brahms ou Wagner, ces lois ne sont pas concevables sans l'existence d'un lien avec le public. Ce sont des indications que le compositeur donne à ses auditeurs imaginaires, et qui résultent de la question suivante: "Comment faire pour m'adresser à ces gens de façon si parfaitement claire qu'ils puissent me comprendre complètement et véritablement?" - De ce fait, on peut presque dire que ce public, quel qu'il puisse être en réalité, est ainsi créé en grande partie par les Maîtres compositeurs.

On sait que Beethoven formulait toujours beaucoup de critiques à l'égard du public qui assistait à ses concerts à Vienne. Et pourtant Beethoven est celui qui par ses œuvres, particulièrement par ses symphonies, a influencé de la façon la plus décisive le développement des concerts publics au XIXème siècle et a participé à leur création. Mais il est certain que ce rapport de confiance sous-jacent unissant le public et les musiciens - qui malgré toutes les discussions, toutes les divergences d'opinion, a maintenu sa souveraineté au cours du XIXème siècle - est bien ébranlé aujourd'hui. Se sentir lié au public dans une communion idéale, s'en remettre à lui avec confiance, comme le firent encore Wagner et Strauss [Richard, note du copiste], est une chose qui ne se rencontre plus guère dans notre temps. Le musicien moderne se présente devant ses auditeurs avec de grandes exigences. Il ne se soumet pas à eux : au contraire, il veut que le public soit soumis à sa dictature; il n'est plus dans la communauté, mais au-dessus d'elle; il ne cache pas le moins du monde le peu de cas qu'il fait du public. La relation idéale et universelle s'est ainsi transformée en un rapport intéressé. Le musicien cherche à influencer le public, dont il a besoin pour des fins "commerciales", - mais ceci dans le sens d'une intimidation, en pratiquant, pourrait-on dire, une sorte de terrorisme. Une marée de propagande en faveur du compositeur moderne (avec tous les procédés spectaculaires que l'on sait utiliser maintenant) déferle sur le public. N'y a-t-il pas au fond de cela une surprenante modestie de la part du compositeur moderne ? Peut-il vraiment croire qu'il y a succès, lorsque la propagande fonctionne et ferme la bouche au public? Attache-t-il vraiment plus d'importance à ce qu'il y a dans les journaux qu'à ce qui se passe au fond des cœurs des auditeurs? S'en remettre à une propagande consciente et organisée, cela a-t-il quelques chose à voir avec l'Art?

Wilhelm Furtwängler, Musique et Verbe

La suite ICI

Léonard COHEN

2014-11-23T12:55:00+01:00

Zoom sur Rémy Yulzari, contrebassiste, compositeur et concertiste

2013-09-16T17:09:00+02:00

À voir et à écouter

ici : http://www.musiqueengraves.com/index.php/Data/divArtiste/50

et là : http://www.akadem.org/concert/festival-jazz-n-klezmer-2010-8-concerts-/trio-klezele-08-02-2011-12146_4357.php

et encore là : http://www.youtube.com/watch?v=mDgwtmT1X6s

Yann Destal, le compositeur enchanteur

2013-06-05T17:56:38+02:00

C'est au sein du duo Modjo, à la grande époque de la French Touch et avec le tube Lady que le songwriter Yann Destal a fait son entrée sur la scène de la pop française. Après un premier album en solo The Great Blue Scar en 2013, Yann Destal revient en 2013 avec Let Me Be Mine, un disque important où le songwriting perfectionné de Yann Destal frappe autant par sa science que par sa diversité.

Préparez-vous à un voyage qui emmène très loin, un périple grandiose et coloré qui contient des clins d’œil à Ennio Morricone, David Bowie, Michel Polnareff, Fleetwood Mac, et les Beatles dont le titre Oh ! Darling est repris ici. Influencé par les musiques des années 60 et 70, l’album Let Me Be Mine dévoile des ambiances très rock, d’autres presque psychédéliques et des constructions harmoniques élaborées qui révèlent tous les talents du multi instrumentiste et chanteur Yann Destal dont on écoute le premier extrait Walk with Me.

www.yanndestalmusic.com

ROGER TABRA, LECTURE DU POEME ”SEUL” DE YVON JEAN

2013-03-05T03:56:00+01:00

ROGER TABRA

LECTURE DU POEME "SEUL"

DE YVON JEAN

Lecture du poème par Roger Tabra, célèbre compositeur des textes pour Éric Lapointe, Dan Bigras,Luce Dufault, Diane Dufresne,France d'Amour,Bruno Pelletier,Marie-Hélène Thibert,Marie-Chantal Toupin,Sylvain Cossette, Marie Carmen et plusieurs autres interprètes québécois de renom.

Il a également publié un récit ''La folitude'' aux Éditions Michel Brûlé.

Dans ce vidéo, Roger Tabra prête généreusement sa voix et sa sensiblité à la magnifique poésie de Yvon Jean.

Ce poème intitulé ''Seul'' de Yvon Jean est extrait de son recueil ''Noires poésies'', publié chez Teichtner.

Makin' me wonder par Dave Berg

2013-02-15T08:53:36+01:00

INTERVIEW DE NICK GRAVENITES SUR LA PERSONNALITE DE JANIS JOPLIN

2013-01-22T19:09:00+01:00

INTERVIEW DE NICK GRAVENITES

SUR LA PERSONNALITE DE

JANIS JOPLIN

Nocturne

31/08/1995 - 03min31s

Interview de Nick GRAVENITES, musicien et compositeur. Il parle de la personnalité de Janis JOPLIN, toujours portée par ses émotions lors de ses concerts, de sa communion avec le public, du fait qu'elle donnait toujours beaucoup d'elle-même, qu'elle ne s'économisait pas. Il évoque ensuite les conversations "philosophiques" qu'ils avaient souvent lui et Janis sur le sens de la vie et la conception radicale de l'existence qu'avait la chanteuse.

Générique

participant:

Gravenites, Nick

présentateur:

Vacher, Jeanne Martine

INTERVIEW DE NICK GRAVENITES QUI PARLE AVEC EMOTION DE JANIS JOPLIN

2013-01-20T23:50:00+01:00

INTERVIEW DE NICK GRAVENITES QUI PARLE AVEC EMOTION DE JANIS JOPLIN

Nocturne

01/09/1995 - 03min57s

Interview de Nick GRAVENITES, musicien et compositeur, qui dit avoir toujours été impressionné par la voix de Janis JOPLIN, parle de la nouveauté de cette voix, cassée, diphonique, intensément dramatique. Puis il dit son désir de contribuer à installer Janis JOPLIN au panthéon des chanteurs et musiciens mythiques.

Générique

participant:

Gravenites, Nick

présentateur:

Vacher, Jeanne Martine

Christophe...

2013-01-17T05:00:00+01:00

- le chanteur Christophe (avril 2011)--chante le..

I Believe par John Karl

2012-12-20T11:05:06+01:00

Paul ELUARD ET GALA: Musiques au coeur

2012-12-16T21:52:00+01:00

Paul ELUARD ET GALA

Musiques au coeur

13/05/1994 - 03min40s

Gonzague Saint Bris, auteur du livre "Les égéries russes", raconte la rencontre et la relation Eluard / Gala. BT photographies (noir et blanc) de Gala, Eluard, de Gala et Eluard ensemble. BT lettre de Gala écrite à Eluard.

Production

producteur ou co-producteur:

France 2

Générique

réalisateur:

Adriani, Ariane

participant:

Saint Bris, Gonzague

présentateur:

Ruggieri, Eve

WALLY EN SPECTACLE ”SALLE DE LA COMMANDERIE” POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE)

2012-11-28T01:51:00+01:00

WALLY EN SPECTACLE

"SALLE DE LA COMMANDERIE"
POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE)

Le 22 NOVEMBRE 2012

Celui-ci, c'est quelqu'un!

Auteur, compositeur, interprète et par ailleurs humoriste dans l'âme...
Il est multi-instrumentiste (guitare, accordéon, piano, et d'autres choses encore) il s'est médiatiquement fait connaître par la création, tout à fait spécifique, de ce qu'il nomme lui-même des "Chansons Courtes".

Celles-ci sont en effet le résultat de quelques fragments de phrases subtilement, ou pas, choisies et accompagnées de quelques accords de guitare et...

Le meilleur, comme dans la quasi majorité des cas, se déroulant sur scène, s'il passe près de chez-vous n'hésitez pas à aller à sa rencontre pour passer un décontractant moment en sa compagnie. C'est ce que nous avons ce soir-là Dame-Soleil et moi!...

WALLY EN SPECTACLE: ”SALLE DE LA COMMANDERIE” POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE) Le 22 NOVEMBRE 2012

2012-11-27T01:27:00+01:00

WALLY EN SPECTACLE

"SALLE DE LA COMMANDERIE"
POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE)

Le 22 NOVEMBRE 2012

Celui-ci, c'est quelqu'un!

Celles-ci sont en effet le résultat de quelques fragments de phrases subtilement, ou pas, choisies et accompagnées de quelques accords de guitare et...

WALLY EN SPECTACLE ”SALLE DE LA COMMANDERIE” POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE)

2012-11-26T01:53:00+01:00

WALLY EN SPECTACLE

"SALLE DE LA COMMANDERIE"
POUCHARRAMET (HAUTE-GARONNE)

Le 22 NOVEMBRE 2012

Celui-ci, c'est quelqu'un!

Celles-ci sont en effet le résultat de quelques fragments de phrases subtilement, ou pas, choisies et accompagnées de quelques accords de guitare et...

2e édition de l'échange musical et littéraire au Château d'Orion

2012-09-30T10:33:00+02:00

Du 2 octobre au 30 novembre 2012, le Château d'Orion accueille en résidence de littérature l'auteur Sabine Appel et en résidence de musique le compositeur Uwe Henkhaus. Ils agit de la deuxième édition d'un échange entre le Château d'Orion (Aquitaine) et le Château Hallenburg (Schlitz, Hesse), initié en 2011 par L'Institut Heinrich Mann, l'Académie de musique et du Conseil littéraire du Land de Hesse.

	Sabine Appel vit aujourd'hui comme écrivain à Ludwigshafen/ s. Rhin. Ses genres préférés sont les biographies historiques. Elle est l'auteur entre autre de biographies de Schopenhauer, d'Élisabeth Ire d'Angleterre, Madame de Stael, Nietzsche et Goethe.
	Uwe Henkhaus, musicien, compositeur et dirigeant de plusieurs chorales, est enseignant-chercheur aux Archives de musique de la Philipps-Universität de Marburg et Maître de conférence à l'école de formation de dirigeants de chorales. Lire l'article "Uwe Henkhaus komponiert im Schatten der Pyrenäen"
	En contre-partie, le compositeur et accordéoniste français Jésus Aured séjournera dans le cadre de cet échange artistique au Château Hallenburg à Schlitz.

Jean Pacalet (1951-2011) : Concert d'adieu / Abschiedskonzert

2012-08-03T15:09:00+02:00

Jean Pacalet, accordéoniste et compositeur d'exception, est décédé le 7 juillet 2011, il y a un an.
Pour tous ceux qui souhaitent partager quelques moments avec Jean et être près de lui ces jours-ci, voici l´enregistrement du concert d'adieu qui a eu lieu à le 4 septembre 2011 à l'église St. Bartolomé de Berlin.

Jean Pacalet, Komponist und Akkordeonist, ist vor einem Jahr am 7. Juli 2011 verstorben.
Alle, die ihm in diesen Tagen noch einmal nah sein wollen, können die Aufzeichnung des Berliner Abschiedskonzertes am 4. September 2011 in der St. Bartholomäuskirche Berlin anschauen.

Version française

Deutsche Fassung

Jean Pacalet, par Jo Jastram (Bildhauer, 1928-2011)

Mitwirkende/participants : Manfred Domrös (Pfarrer/ curé), Philippe Braz (Autor/ auteur), Bernard Mangiante (réalisateur), Aurora Lacasa (Sängerin/ chanteuse), Wilhelm Bartsch (Schriftsteller/ écrivain), Barbara Thalheim (Sängerin/ chanteuse), Michael Vogt (Komponist, compositeur), Christian Trompler, David Delgado, Eric Krüger, Jens Naumilkat (Streichorchester / quatuor à cordes), Christine Paté (Akkordeon, accordéon), Matthias Badczong (Klarinette), Arno Schneider (Orgel/ orgue), Jan Ruben Moya (Gitarre/ guitare), Gabriele Wennemer (Übersetzerin/ traductrice).

Contenu/ Inhalt : Landschaft unter dem Meer/ paysage sous la mer (Jean Pacalet), Fuge über BACH (Jean Pacalet), Extrait du film "Naissance d'un opéra" de B. Mangiante sur Ce soir, on tue le cochon / Ausschnitt des Films "Eine Oper entsteht" über "Heute abend töten wir das Schwein", Das Zimmer des abwesenden Gauklers (Jean Pacalet), Der Schmetterling (Jean Pacalet), Infinito J.P. 7.7.2011 (Michael Vogt), Les feuilles mortes, Quartett-Satz c-Moll, op. posth. (Franz Schubert), Irgendwo in Thüringen / Quelque part en Thuringe (Jean Pacalet)

Site internet Jean Pacalet

LES BEST OF JD : « KEL TALENT ! »

2012-06-21T17:51:00+02:00

Auteur-compositeur-interprète et guitariste, KEL était en concert intimiste devant une quarantaine de personnes à Metz, le 4 juin dernier, à 20h30, à la salle de spectacle « Le Relai » de la MCL, qui comme l’indique son nom, était un ancien relai du XVIIIe Siècle, connu, notamment, pour sa magnifique cheminée...

UNE CARRIERE DEJA BIEN REMPLIE…

Originaire de Metz, Kel a commencé à faire de la musique en 1985, mais débute sa carrière dans les années 90, comme bassiste et chanteur dans des groupes punk et new-wave. Puis, il devient musicien professionnel et part intégrer une formation qui se produit dans les Grands Hôtels, les Clubs de Jazz et sur les bateaux de croisière, en Suède, Norvège, Danemark, à Chypre, au Groenland, aux Iles Canaries, etc. Pendant sept ans, il va apprendre toutes les ficelles du métier. De retour dans l’Hexagone, il explore la composition musicale et joue dans de nombreux bands. Rock, pop, blues, world music et reggae, rien ne lui échappe ! Il accompagne même à la basse des chanteurs français, des orchestres de variété, et enregistre plusieurs CDs avec eux. Puis, en pleine maturité musicale, il devient co-fondateur du groupe « Travel », avec lequel il enregistre un CD. En parallèle, dès 1995, toujours aussi avide d’apprendre, Kel fait l'apprentissage d’un autre métier, grâce auquel il commence à se sédentariser… Il monte son propre studio d’enregistrement et de « mastering ». Il se spécialise, alors, dans le montage sur « direct to disk », l’arrangement et l’habillage musical. Dès 1999, l’envie de faire un projet perso va se faire sentir... Aussi, en 2002, il vole, enfin, de ses propres ailes et sort son premier album. Il l’intitule « Ombres ». Il est produit (comme tous ses futurs albums) par le Record Label Indépendant, Maya Record, Editions Ressource Musiques. Entre 2003 et 2006, Kel est accompagné de trois musiciens et effectue plus de 100 concerts dans toute la France.

KEL SPECIAL GUEST STAR D’ALAIN CHAMFORT.

En novembre 2004, la notoriété venant, Kel fait la première partie d'Alain Chamfort à la Passerelle de Florange, en Moselle. Puis début 2006, il s’associe à la musicienne et chanteuse, Camille Lebourg, avec laquelle il commence à tourner en duo. Camille qui a sorti, entre autres, un CD quatre titres baptisé « Miss Guinguette ». Ils font ensemble dans la foulée appel à un metteur en scène et entrent en résidence à la MJC Pichon de Nancy afin d’écrire un spectacle.

En mai 2006, Kel assure la première partie de la chanteuse (mais aussi actrice) Sandrine Kiberlain au Festival de Chanson « Essey Chantant », organisé par la ville d’Essey-lès-Nancy, en Meurthe-et-Moselle. Puis, il rencontre Didier Begon, le musicien de la chanteuse Juliette, récompensée aux Victoires de la Musique 2006. Didier, grand créatif, s’investit dans le projet scénique et le deuxième album de Kel, « Les Gens », dont ce dernier vient de terminer l’écriture. Benjamen Cahen, contrebasse et chant, les rejoint ensuite. En septembre 2006, Kel débute l’important travail d’arrangement et d’enregistrement de l’album « Les Gens », avec la participation d’Olivier Baldissera, de Patrice Hue, de Jeff Gautier et de Sacha. Ce nouvel opus sort dans les bacs en Juin 2007. S’ensuivent de nombreux concerts en France. KEL assure, en février 2007, la première partie de Jacques Higelin (à la Passerelle de Florange). En mars 2008, il reçoit le Prix de la Création au Tremplin de la Chanson Française de Nancy. Enfin, le 02 août 2008, il fait la première partie de Pierre Perret, en concert à la Pépinière dans le cadre des « Nuits de Stan ».

Actuellement, KEL planche sur son troisième CD…

JULIETTE -

"The Single"

Juliette NOURREDDINE
Notre JULIETTE
Et son incroyable faculté d'auto-dérision à messages! Magnifique!

Grand prix de la chanson française à Sarrebruck

1990

Tremplin de la chanson des Hauts-de-Seine

prix du jury et du public : 1991

Victoires de la musique

révélation féminine de l'année : 1997

Victoires de la musique

artiste interprète féminine : 2006

François BERANGER: ”L'Etat de Merde!”

2012-04-21T23:00:00+02:00

François BERANGER: "L'Etat de Merde!"
Né le 28 Août 1937 à Amilly dans le Loiret, et décédé le 14 Octobre 2003, François BERANGER est un Chanteur/Compositeur libertaire porté par le souffle puissant des thèmes contestataires aux côtés, notamment de Dick ANNEGARN, Catherine RIBEIRO ou encore de l'Occitan Joan-Pau VERDIER.

Paroles de L'État De Merde:
Avant d'acheter ma carte Vermeil
Pour faire des voyages au soleil
Ou rentrer dans ma tour d'ivoire
Pour enfin jouir de mes avoirs,
Avant que ma tête soit ramollie,
Avant que mon corps ait trop vieilli,
Avant que les vers me ponctionnent,
Je voudrais qu'on éclaire ma route,
Que l'on m'explique
Une fois pour toutes
Comment l'État ça fonctionne,
Ce gros machin mystérieux
Qui fait que les gens sont pas heureux.
Je dis, avant que ma voix ne se perde:
L'État, l'État, c'est... L'État de merde.
Dire que l'État est scatologique,
C'est pas vraiment très sympathique
Pour la vraie fiente, le vrai crottin
Qui engraisse si bien nos jardins.
Comparer l'État à des tas
De bouse, de purin, de lisier,
C'est négatif comme postulat.
On est quand même les héritiers
De la Grande Révolution
Que le monde entier nous envie
Mais la pauvre vieille, pervertie,
Épuisée par la concussion,
N'a plus vraiment grand chose à perdre.
L'État, l'État, c'est... L'État de merde.
L'État après tout c'est virtuel.
C'est comme le Bon Dieu et ses saints.
Ça n'a pas d'existence réelle.
Ça sort de nos esprits malsains
Mais ça commande à la Justice,
Ça fait la loi et la police,
Ça joue avec le nucléaire,
Ça décide si on fait la guerre
Avec l'argent des citoyens.
Avouez que c'est quand même pas rien.
Faut croire qu'on a l'esprit patraque
Pour supporter de telles arnaques.
Masochistes, on aime bien marcher
Dans l'État, dans l'État de merde.
Ça fait soixante ans que je respire
Et plus ça va, plus ça empire.
Hier pour former ma jeunesse,
J'ai eu ma petite guerre coloniale
Et puis quarante de promesses,
Raisons d'État, discours moral,
Xénophobie et exclusion,
Gouvernés par des maquignons.
On se demande qui les a mis là...
Pardi c'est vous, c'est nous, c'est moi!
Demain l'Europe du Capital,
La flexibilité mondiale.
Désespéré, je m'asphyxie
Dans l'État, dans l'État de merde.
http://fr.wikipedia.org/wiki/Fran%C3%A7ois_B%C3%A9ranger

Carlos SANTANA -- ”Soul Sacrifice” (Woodstock 1969)

2012-03-30T23:03:00+02:00

Carlos SANTANA - "Soul Sacrifice" (Woodstock 1969)
Oui, je sais, la vidéo çi-dessus n'est pas d'une grande originalité! (Pour preuve, elle a déjà été visionnée 3 567 594 fois. Avec vous cela devrait facilement dépasser les....)

Carlos Santana est né au Mexique (il est devenu par la suite citoyen Américain) le 20 Juillet 1947.
Guitariste, compositeur et chanteur, il est considéré par d'aucuns comme un des créateurs du rock Latino et, également, précurseur de la "World Music".
Vous pouvez ajouter à cela cette réalité qu'il est probablement un des guitaristes contemporains le plus connu au monde.
Son incroyable musicalité assistée d'une technique instrumentale hors du commun et reconnaissable entre toute lui a ouvert de multiples horizons allant, par exemple du Rock-Psychédélique au Jazz-Rock quasi expérimental.
Cette grande omnivalence lui a fait jouer avec des musiciens divers et variés tels que John Mc LAUGHIN, Steven TYLER, Rob THOMAS, Herbie HANCOCK, Wayne SHORTER, ou encore Eric CLAPTON, John lee HOOKER ou, plus surprenant encore, Michael JACKSON.

Franz-Joseph Haydn -1732-1809- Compositeur autrichien Symphonie 94

2011-12-13T14:10:00+01:00

Dans la tête de Richard Wagner...

2011-10-29T16:11:00+02:00

Les éditions Fayard viennent de publier une énorme étude de Christopher Looten consacrée à Richard Wagner et intitulée Dans la tête de Richard Wagner - Archéologie d'un génie. Christopher Looten, compositeur et théoricien de la musique, a puisé dans les milliers de pages d'écrits du maître de Bayreuth pour présenter sa pensée et ses sources d'inspiration. Indispensable pour tous les wagnériens !

"Richard Wagner avait une opinion sur tout : de la mode à l’atome, en passant par la tragédie grecque, Schiller ou Darwin. Il vénérait Goethe et admirait Balzac, trouvait les vêtements des Allemandes indécents et vantait la nudité grecque. Shakespeare était à ses yeux le plus grand poète allemand et il se voyait lui-même comme le successeur d’Eschyle.
Rarement lus, les dix volumes des Œuvres en prose où Wagner expose ses opinions demeuraient jusqu’à aujourd’hui un domaine inexploré. Christophe Looten en a extrait les pensées du compositeur pour nous les offrir dans une nouvelle traduction. Les cent dix sujets de cette autobiographie intellectuelle sont enrichis de commentaires, de nombreuses citations du Journal de Cosima, ainsi que de passages de lettres inédites en français.
Il nous restitue une image fidèle d’un aspect encore méconnu du compositeur : l’homme de culture, le lecteur, le bibliophile, exemple même de l’artiste génial de la fin du XIXe siècle.
Ce voyage dans l’esprit d’un des plus grands génies de la musique nous fait entrer dans le monde de Richard Wagner. Guidés par l’un de ses meilleurs connaisseurs, nous allons à la rencontre d’un homme dont la musique exerce toujours une fascination incomparable."

Youpi c'est l'été !

2011-07-03T00:46:18+02:00

Antonio Lucio Vivaldi, né le 4 mars 1678 à Venise et mort le 28 juillet 1741 à Vienne, est un violoniste et compositeur italien. Vivaldi a été l’un des virtuoses du violon les plus admirés de son temps ; il est également reconnu comme l’un des plus importants compositeurs de la période baroque, en tant que principal créateur de concertos de soliste, genre initié par Corelli. Son influence, en Italie comme dans toute l’Europe, a été considérable, et peut se mesurer au fait que Bach a adapté et transcrit plus d’œuvres de Vivaldi que d’aucun autre musicien. Son activité s’est exercée dans les domaines de la musique instrumentale — particulièrement violonistique — et de la musique lyrique ; elle a donné lieu à la production d’un nombre considérable de concertos, sonates, opéras, pièces religieuses : il se targuait de pouvoir composer un concerto plus vite que le copiste ne pouvait le recopier.

Prêtre catholique, sa chevelure rousse le fit surnommer il Prete rosso (« Le Prêtre roux »), sobriquet peut-être plus connu à Venise, que son véritable nom. Comme ce fut le cas pour de nombreux compositeurs du XVIIIème siècle, sa musique, de même que son nom, fut vite oubliée après sa mort. Elle ne devait retrouver un certain intérêt auprès des érudits qu’au XIXème siècle, à la faveur de la redécouverte de Jean-Sébastien Bach.

Bertrand BELIN

2011-06-23T00:02:00+02:00

Parce que c'est Bertrand BELIN
Parce que c'est Arte Radio
Parce que l'un et l'autre...

LOHEEM, la jolie découverte de mon samedi soir

2010-10-31T01:25:00+02:00

Ce soir, invitée par Laurent et Thien, j'ai vécu mon premier concert acoustique en appartement. Avec un chat qui mange tranquillement ses croquettes, quand assis sagement (qui en tailleur, qui adossé au mur, tels les enfants sages un soir de veillée) nous n'avions d'oreilles et d'yeux que pour la jeune femme à la guitare. Le premier titre résonne et je découvre en même temps la voix (sublime), l'univers (pop, folk avec un rien de country qui vibre) et les titres s'enchaînent, alternant l'anglais et le français mais racontant la même histoire.
En trois briques (pour rester dans le ton de la discussion de bord de mur à 3) je dirais de LOHEEM : touchante, vibrante, extra.
À écouter fissa, partout où tu pourras. Je te laisse pas comme ça va, tu n'es pas perdu, regarde : sa page Facebook, sa page Noomiz, et des titres à écouter plus bas pour te faire ton idée sur cette fille qui choisit aussi bien ses reprises (Bad Romance en acoustique, au top) que ses baskets adidas montantes grises et roses.
Crédit Photo : Benjamin Rinaldi*
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*Et dédicace à celui qui se reconnaîtra : ça ce confirme, TOUS les photographes s'appellent Benjamin (ok, presque)

Ferrat, nuit noire

2010-03-15T14:17:00+01:00

Aragon et l'exaltation amoureuse, la fraternité et les petites gens, mais aussi la révolte perpétuelle. Jean Ferrat (1930-2010) était tout cela à la fois. La fleur poétique au fusil, la nécessité de ne pas chanter idiot, la contestation des injustices à fleur de peau et un lyrisme toujours à portée de voix. Un cas d'école lu à l'école en somme autant parfois qu'un cri dénué d'écho dans la marche d'un monde qui n'a pas besoin qu'on lui rappelle trop ses incohérences et faits d'armes. Certes ennuyeux par moment, le répertoire de Ferrat a aussi ses beautés. Qui ne passent pas forcément par "C'est beau la vie". Mais plutôt par "Nul ne guérit de son enfance" ou ce "Nuit et brouillard" qui a fait coulé tant d'encre quelques années après le documentaire saisissant d'Alain Resnais. Des textes inscrits au fer rouge dans la chair d'un Ferrat dont le père a succombé à Auschwitz.

Pour mémoire et un au revoir donc:

Nuit et brouillard (Jean Ferrat, 1963)

Ils étaient vingt et cent, ils étaient des milliers
Nus et maigres, tremblants, dans ces wagons plombés
Qui déchiraient la nuit de leurs ongles battants
Ils étaient des milliers, ils étaient vingt et cent

Ils se croyaient des hommes, n'étaient plus que des nombres
Depuis longtemps leurs dés avaient été jetés
Dès que la main retombe il ne reste qu'une ombre
Ils ne devaient jamais plus revoir un été

La fuite monotone et sans hâte du temps
Survivre encore un jour, une heure, obstinément
Combien de tours de roues, d'arrêts et de départs
Qui n'en finissent pas de distiller l'espoir

Ils s'appelaient Jean-Pierre, Natacha ou Samuel
Certains priaient Jésus, Jéhovah ou Vichnou
D'autres ne priaient pas, mais qu'importe le ciel
Ils voulaient simplement ne plus vivre à genoux

Ils n'arrivaient pas tous à la fin du voyage
Ceux qui sont revenus peuvent-ils être heureux
Ils essaient d'oublier, étonnés qu'à leur âge
Les veines de leurs bras soient devenues si bleues

Les Allemands guettaient du haut des miradors
La lune se taisait comme vous vous taisiez
En regardant au loin, en regardant dehors
Votre chair était tendre à leurs chiens policiers

On me dit à présent que ces mots n'ont plus cours
Qu'il vaut mieux ne chanter que des chansons d'amour
Que le sang sèche vite en entrant dans l'histoire
Et qu'il ne sert à rien de prendre une guitare

Mais qui donc est de taille à pouvoir m'arrêter ?
L'ombre s'est faite humaine, aujourd'hui c'est l'été
Je twisterais les mots s'il fallait les twister
Pour qu'un jour les enfants sachent qui vous étiez

Vous étiez vingt et cent, vous étiez des milliers
Nus et maigres, tremblants, dans ces wagons plombés
Qui déchiriez la nuit de vos ongles battants
Vous étiez des milliers, vous étiez vingt et cent

Intermède Dirk Schäfer (1)

2009-12-02T02:55:00+01:00

Dirk Schäfer
Quintette pour piano, Op. 5 (1901)- Adagio patetico

Orpheus String Quartet
Jacob Bogaart, piano

Dirk Schäfer peint par Jan Toorop

Pianiste et compositeur hollandais né à Rotterdam (25 novembre 1873) et mort à Amsterdam (16 février 1931), Dirk Schäfer a suivi des cours de piano au conservatoire de sa ville natale avant de poursuivre ses études à Cologne entre 1891 et 1894 (Pauer : piano ; Wüllner : composition). Il a remporté en 1892 le prix Mendelssohn de Berlin. Une fois rentré en Hollande, il fit des tournées dans différents pays européens. Interprète doué, il s’est à un moment donné spécialisé dans l’œuvre de Chopin. Ses concerts « historiques », au cours desquels il donnait un aperçu des grands compositeurs – de Sweelinck à Schönberg –, sont restés célèbres. Ses pièces courtes proposent un idiome proche de celui d’un Chopin ou d’un Brahms ; outre des œuvres pour piano, il a laissé une Rapsodie javanaise, une Suite pastorale, une Quintette pour piano, une Sonate pour violoncelle, des sonates pour violon, des lieder et des œuvres pour chœur. Il a exposé ses conceptions sur l’art, l’interprétation et le piano dans de nombreux textes réunis en 1942 sous le titre Het klavier. Dirk Schäfer est considéré comme le patriarche de la tradition pianistique hollandaise.

Intermède Julius Röntgen (1)

2009-12-02T02:53:00+01:00

Julius Röntgen
Sonate pour piano et violoncelle (op. 41, 1900)

Godfried Hoogeveen, violoncelle
Edith Grosz, piano

Compositeur hollando-allemand, Julius Röntgen est né en 1855 à Leipzig d’une famille de musicien : son père de nationalité hollandaise était violoniste à l’orchestre du Gewandhaus et sa mère pianiste, fille elle même d’un violoniste du même orchestre. Julius fut un enfant prodige qui dès l’âge de onze ans consigna ses compositions dans un petit cahier, en dédiant souvent ses œuvres à des membres de sa famille. En même temps que la composition, il travailla le piano et le violon au point de devenir un excellent concertiste de ces deux instruments. En 1878, pour subvenir à ses besoins et avoir plus de chances d’obtenir la main de sa bien-aimée, Amanda Maier, violoniste et également compositrice, il accepte un poste de professeur de piano à Amsterdam. Ce fut le départ d’une carrière importante, comme interprète soit au piano soit au violon, comme organisateur de concert, chef de chœur et chef d’orchestre. (suite)

Des nouvelles d'un grand musicien ローラン・リュについて (II)

2009-08-24T20:07:00+02:00

Dans la note précédente, il était question de mon musicien contemporain préféré, Laurent RIOU. Eh bien, j'ai découvert que son site avait été mis à jour. On y trouvera quelques indications biographiques, des témoignages et de magnifiques mouvements musicaux en libre écoute. Enfin un peu de visibilité sur la Toile !

Jachet de Mantoue - Ave Regina Coelorum

2009-08-18T21:08:00+02:00

Jacques Colebault, dit Jachet de Mantoue, né en 1483 à Vitré en Bretagne et mort le 2 octobre 1559 à Mantoue, était un compositeur français de la Renaissance, qui a pratiquement passé toute sa vie en Italie. Il fut un membre très influent de la génération comprise entre Josquin des Prés et Palestrina , et est un bon représentant du modèle polyphonique transitoire entre ces deux compositeurs. Suite...

Le groupe vocal Jachet de Mantoue, reprenant le nom du musicien injustement oublié, est né en 2000 du désir commun de cinq chanteurs professionnels, (partenaires et complices de longue date au sein de nombreux ensembles prestigieux tels que A Sei Voci, Huelgas Ensemble, Doulce Mémoire), de transmettre leur expérience et leur amour pour la musique vocale européenne des XVe et XVIe siècles.

+ d'extraits gratuits

Disques disponibles à l'achat

C'est lors d'un concert dans l'église de mon village il y a quelques années que cet ensemble vocal m'a fait connaître la volupté de ses compositions semblant en connection Wifi avec le Royaume des cieux.

Je ne vous ai pas encore entretenu de mon ami Operma ...

2008-04-06T11:23:41+02:00

Operma est un ami discret, un compositeur de talent qui nous épatera dans les temps à venir .... et dès à présent sur son site ...

il est là : Operma

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Franck Marchal, le sorcier des synthés sort le clip Amniotic Ecstasy

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Après Bot Sadness et INK, Franck Marchal nous présente le clip d'Amniotic Ecstasy qui clôt le disque.

Voici Amniotic Ecstasy et son clip officiel à voir sur Youtube :

Lien officiel

Peyman Yazdanian, compositeur à découvrir d'urgence avec Just About Cinema

Peyman Yazdanian est un compositeur qui a notamment œuvré pour les bandes originales de films d’Abbas Kiarostami, Asghar Farhadi ou Mohammad Rasoulof ! On le retrouve avec Just About Cinema qui rassemble onze de ses musiques de films, et c'est splendide.

Peyman Yazdanian compile ses plus belles musiques de film sur l'album Just About Cinema à découvrir sur toutes les plateformes digitales pour passer un été parfait en musique.

Ecoutez Travelling sur Youtube :

Ecoutez A Man of Integrity sur Youtube :

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Gustav Mahler en 10 dates :

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