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Promising young woman (Emerald Fennell)

2021-06-12T12:33:00+02:00

On se voudrait spectateur d’une comédie cynique, un very bad truc de plus, un délire plein d’humour noir mais ce n’est pas vraiment le cas. Même si elle en emprunte la forme et les décors, l’histoire de Cassandra « Cassie » Thomas (Carey Mulligan), fille désabusée de la classe moyenne américaine, ne provoquera pas de grands éclats de rire. Le dialogue est émaillé de lignes drôles, l’ensemble est grinçant mais c’est à du drame auquel on a affaire. Cassie a abandonné ses études de médecine suite au viol collectif de Nina Fischer, une amie d’enfance morte depuis. Désespérant ses parents, elle végète dans un boulot de serveuse. La nuit, elle se déguise en fille facile et feint d’être saoule pour aimanter les mâles et les humilier.

Ecrit par Emerald Fennell, comédienne et scénariste (la série Killing Eve, pas vue), le film dévie habilement d’une trajectoire toute tracée. S’évertuant à attirer de jeunes hommes tous plus connards les uns que les autres, il fallait bien un moment que Cassie rencontre l’âme sœur et qu’elle se plie aux conclusions d’une comédie romantique. Si elle rencontre bien un homme qui a l’air un peu meilleur que les autres, Ryan (Bo Burnham), on verra que la gente masculine ne peut échapper au réquisitoire intégral que la scénariste a élaboré. Les critiques parlent d’un film « programmatique », « didactique », c’est indéniable et on pourrait ajouter démonstratif mais c’est totalement assumé. Promising young woman est un film féministe. Fennell illustre séquence par séquence les mécanismes sociétaux qui engendrent et perpétuent les viols et agressions sexuelles. S’il fallait une incarnation de ce qu’on veut dire par « culture du viol », on pourrait utiliser ce film.

Parler de viol c’est d’abord parler de victimes que beaucoup se sont empressés d’oublier et rappeler le mal qui leur a été fait. Cassie porte en elle la mémoire de sa copine Nina. On regrettera toutefois que son personnage phagocyte la figure de la victime, une incarnation de Nina (sous forme de flashbacks ?) aurait permis d’atténuer le côté artificiel du récit. Parler de viol, c’est garder comme femme et amie le regret de ne pas avoir été plus solidaire et plus solide pour affronter les violeurs. Parler de viol, c’est évidemment exposer crument la bassesse, les insultes, le mépris et la violence des hommes, prompts à briser le consentement mais toujours solidaires les uns des autres quand il s’agit de se défendre ou de s’exonérer de toute responsabilité. C’est là où le film fera débat : tous les hommes ou certains hommes ? Le spectateur est invité à s’identifier à Cassie et à comprendre sa subjectivité. Le traumatisme est là, le monde est pour elle rempli de prédateurs masculins. Si le personnage de Ryan demeure sympathique, le film ne se prive pas d’accentuer la laideur de certains hommes – cf. Christopher Charles Mintz-Plasse en pseudo-écrivain veule et visqueux.

Outre son visage ridée ayant perdu l’innocence de la jeunesse, ce qui saute aux yeux dans l’excellente interprétation de Carey Mulligan, c’est la solitude de son personnage, le fait qu’elle ne croit plus au bonheur alors que le mariage lui tend les bras. Elle a sous les yeux l’exemple de ses parents mais quelque chose nous dit que ça n’a rien de flamboyant. Fennell utilise bien la largeur de son format d’image qui écrase ses personnages. Les intérieurs de la maison familiale, sanctuaire du « bonheur » conjugal, sont terriblement kitsch et suscitent l’amusement. Etre une bonne épouse comme la mère de Cassie, c’est entretenir un intérieur laid et plein d’ennui, difficile pour Cassie d’endosser une telle vie. Le film est aussi une critique sociale acerbe : la classe moyenne américaine, sous des dehors respectables et proprets, préfère le confort et l’oubli à la dénonciation de situations inacceptables.

Le film suit son scénario didactique sur un rythme lancinant qui est plus celui du drame que de la comédie. Accablée par la mémoire de sa copine, Cassie scénarise sa vengeance et Fennell nous propose sur la fin une sorte d’anti Very bad trip pas très subtile. Même si je l’ai trouvé convaincant sur la longueur grâce à son actrice et à certains choix de mise en scène, le principal défaut du film est de tout plier à sa démonstration. Difficile de prendre en pleine face la description d’un monde aussi toxique, il n’est jamais aisé d’accepter ce genre de dévoilement, même s’il a des allures factices.

The Dig

2021-02-01T18:10:00+01:00

The Dig

Ce film lancé sur la plate-forme Netflix avant-hier retrace la découverte du trésor de Sutton Hoo à la veille de la Seconde Guerre mondiale. Une découverte faite sur les terrains d'Edith Pretty qui avait engagé l'archéologue amateur Basil Brown pour entreprendre des fouilles dans des monticules.

Ce qui m'a immédiatement frappée dès les premières images, c'est la lumière. La lumière du soleil qui accompagne Ralph Fiennes/Basil Brown lors de sa première entrevue chez Carey Mulligan/Edith Pretty. La lumière qui éclaire les traits de l'actrice. La lumière qui illumine les champs et magnifie les paysages.

Ode à la nature, ce long métrage se fait aussi le récit d'un chantier archéologique. Des débuts avec Basil Brown à la prise en charge par le British Museum, toutes les étapes sont ainsi retracées. Entre exaltation, accident, patience, conflits d'influence, joie, recherche de prestige et tranches de vie. Le tout interprété par des acteurs si talentueux.

A commencer par Carey Mulligan que j'ai trouvée encore une fois remarquable. Dans le rôle de cette veuve, à la santé chancelante, si forte et si fragile à la fois, elle excelle.
Et j'ai tout simplement adoré les scènes qu'elle partage avec le si juste Ralph Fiennes. Notamment celle dans la cabane où ils partagent leur amour du savoir et leurs rêves d'études brisés. Il s'instaure entre eux à cet instant précis un lien fort. Et chacune de leurs séquences après garde cette vibration de complicité. Même quand il s'agit simplement de regards au loin.

D'ailleurs, je retiendrai également de ce film le poids des regards. Regards de soutien, regards de désirs naissants, regards d'enfant, regards tristes...Comme si la caméra avait su épouser au plus près toute la valse des émotions.

Ce jeu sur les regards est souligné par un rôle. Celui du cousin d'Edith qui dans l'attente de son enrôlement à la RAF vient aider sur le chantier et prendre en photo toute son évolution. A la fois acteur et révélateur de tout ce qui se joue. Regard porté sur les autres. Mise en abyme du rôle du réalisateur.

Un protagoniste, incarné par Johnny Flynn, qui introduit aussi une idylle dans le scénario et permet de rendre encore plus palpable l'arrivée imminente de la Guerre. Avec cette lumière qui va se faire crépusculaire et même devenir nuit dans plusieurs des derniers plans.

Mais, même dans la nuit, subsistent des rêves d'enfant. Royauté de ces rêves qui permettent à une reine de voler sous les yeux d'un petit garçon si attendrissant et d'un archéologue. Poésie dérobée au destin en marche.

Bref, vous l'aurez compris : un film émouvant et fort autour d'un épisode que je ne connaissais pas du tout.

The Dig, un film de Simon Stone avec Carey Mulligan, Ralph Fiennes, Lily James, Johnny Flynn

Loin de la foule déchaînée

2015-06-02T23:06:00+02:00

Loin de la foule déchaînée

un film de Thomas Vinterberg

d'après le roman homonyme de Thomas Hardy

Bathsheba Everdene vient d'emménager chez sa tante. Lors d'une de ses promenades, elle fait la connaissance de Gabriel Oak, un jeune fermier un peu plus âgé qu'elle et, qui, à force de sacrifices et de travail, a réussi à monter dans la hiérarchie sociale.

Il tombe sous le charme de Bathsheba et la demande en mariage. Malgré cette proposition avantageuse, elle refuse. En effet, elle ne veut pas perdre sa liberté au profit d'un homme.

Quelque temps plus tard, elle apprend qu'elle hérite de la ferme de son oncle. Direction donc Weatherbury. Elle y recroise Gabriel Oak que le destin a frappé et qui doit louer ses services comme berger.

Désormais, plus rien n'est possible entre eux. Mais d'autres hommes gravitent autour de la jeune femme...Et il se pourrait bien qu'elle donne son cœur à l'un d'eux...

Il y a des films magiques. De ceux dans lesquels on plonge immédiatement, une fois la lumière éteinte et le générique lancé. De ceux qui nous font voyager. De ceux qui nous enthousiasment. De ceux qu'on veut revoir bientôt.

Et Loin de la foule déchaînée appartient à cette catégorie.

Parce que Bathsheba Everdene est une héroïne éprise de liberté et d'indépendance dans cette Angleterre victorienne où les femmes sont enfermées dans des carcans.

Parce que cette volonté de non-soumission et cette fierté parfois mal placée dans son comportement envers les hommes guident toute sa conduite au fil des années.

Parce qu'on la voit se tromper, se relever, se battre, rêver, hésiter, espérer.

Parce que Carey Mulligan l'incarne à la perfection. Dès les premières images. Dès ce moment où elle monte à cheval de façon si osée.

Parce qu'elle montre toutes ses contradictions, cette oscillation incessante entre force et fragilité.

Parce que son chemin croise celui de Gabriel Oak. Un héros comme je n'avais pas rencontré depuis longtemps. Un homme fou amoureux. Un homme à la fois viril et prêt à s'incliner devant la loi de sa bien-aimée. Un homme interprété avec beaucoup de talent par Matthias Schoenharts, d'une sensibilité rare dans ce rôle.

Parce qu'autour d'eux, on retrouve toute une galerie de personnages tour à tour tragiques, savoureux et drôles.

Parce que cette intrigue se déroule dans des paysages anglais magnifiques.

Parce que Thomas Vinterberg, pourtant bien éloigné de cet univers, a su très bien lui rendre hommage. Par le jeu des caméras. Par celui des lumières. Par le souffle qu'il a donné à certaines scènes. Par cette attente qu'il a construite au fil des dialogues...et qui trouve sa réponse dans la dernière séquence.

Parce que les costumes sont superbes et, néanmoins, très modernes.

Parce que la bande-son vaut vraiment le détour.

Parce que cela faisait longtemps que je n'avais pas autant vibré devant un period drama.

Parce que, désormais, j'ai envie de découvrir toute l’œuvre de Thomas Hardy.

Parce que...

Bref, vous l'aurez compris: ce film est un vrai coup de coeur et je vous conseille d'aller l'admirer dès demain dans les salles obscures.

Billet dans le cadre du mois anglais organisé par Titine, Cryssilda et Lou.

Avertissement : ceci n'est pas le dernier Marc Lévy !

2012-04-24T20:15:00+02:00

Avec un titre comme Auprès de moi toujours, je me demande ce qui a pû m'attirer dans ce film au premier abord. Sans aucun doute le trio d'acteurs bien en vue sur la jacquette : Kiera Knightley, Carey Mulligan (vue dans le fabuleux Drive) et Andrew Garfield (le co-fondateur de Facebook dans The Social Network).

Kathy, Ruth et Tommy sont 3 enfants élevés à Hailsham un pensionnat (orphelinat ? mais où sont leurs parents) plus que spécial, où tout est fait pour favoriser leur épanouissement intellectuel, créatif et physique. Les enfants du pensionnat sont très spéciaux, on ne cesse de leur répéter, et leurs "Gardiens" s'évertuent à leur faire comprendre l'importance de leur santé dans le rôle qu'ils auront à jouer plus tard au sein de la société. Ces enfants sont là pour faire le bonheur des uns et leur propre malheur, puisque dès l'adolescence ils commenceront à donner un organe, puis 2, puis 3... pour sauver un inconnu. Et mourirront très certainement au bout du troisième don. Sauf qu'ils veulent vivre même si le jeu est clair : ils ne vivront pas. Ils veulent faire l'amour, aimer, devenir acteur, travailler, voyager... mais on a décidé à leurs places. Alors lorsque Kathy aime Tommy qui lui a une relation avec Ruth, tout s'emmêle alors que ces gamins qui n'ont pas le droit de vivre veulent sauver leur peau. Le film a une dimension atemmporel puisque les vêtements des personnages datent des années 70 mais que manifestement le clonage est déjà une réalité scientifique ! La question est : pourquoi cette dimension hors du temps ? Parce que ça rappelle qu'on ne peut pas choisir à la place des autres, et que oui, la bioéthique en médecine n'est pas une donnée atemporelle et toujours respectée malheureusement.

C'est les dangers du clonage mais c'est émouvant, beau et c'estune magnifique adaptation du roman de Kazuo Ishiguro.

Drive (Winding Refn): le style fait tout

2011-10-13T01:40:00+02:00

Drive de Nicolas Winding Refn est la preuve qu’il n’y a pas de bon polar sans style. C’est même le style qui fait tout. Donnez au réalisateur danois le script d’un Julie Lescaut et il en fera cette chose lumineuse et irréelle qu’est Drive. Car l’histoire est banale pour un film noir. Celle d’un type qui en voulant protéger une jeune femme et son fils se retrouve entortillé dans une sale affaire, une affaire de mafieux.

« There's a hundred thousand streets in this city. If I drive for you, you give me a time and a place, I give you a five minute window. Anything happens in that five minutes, then I'm yours, no matter what. Anything happens a minute either side of that, and you're on your own. Do you understand? » Driver (Ryan Gosling) est cascadeur le jour, chauffeur pour braqueurs la nuit. Un as du volant et de la mécanique. Un solitaire. Le type de créature cinématographique née d’une ville, Los Angeles, où conduire aide à survivre. Cette ville n’est qu’un labyrinthe de routes et de voies rapides. Elle ne semble vivable et belle qu’en voiture. On se remémore Collateral de Michael Mann, la lumière des highways et des buildings survolés en hélicoptère. On écoute la musique 80s qui sort de l’autoradio. On regarde l’écran avec fascination.

Le personnage de Driver est la double face de Los Angeles, ville de divertissement et ville de crime. L’air benêt et transi quand il contemple et embrasse Irene (Carey Mulligan) puis glacial quand il fracasse sauvagement le crâne d'un malfrat. Dans cette ville, romance et violence sont siamoises, cinéma et mafia aussi: avant d’être dans les affaires, Bernie Rose (Albert Brooks) a produit des « films de merde » dans les 80s.

A force de dérouler le fil de signifiants du film, on se dit que Nicolas Winding Refn se fout bien d’avoir un scénario original et des personnages profonds. Il est dans la ville du cinéma, il avait besoin d’un driver pour la traverser, pour la visiter, la filmer. Il nous en fait le portrait, à sa façon de metteur en scène européen qui arrive et se sert avec délectation. Il a à sa disposition toute la boîte à jouets pour faire un film noir, tous les décors: club de striptease, garage, fast food, pawn shops, tout est là. Il a les gueules aussi, comme celles de Ron Perlman, le mafieux juif ou de Brian Cranston, l’employeur éclopé de Driver. Il n’a plus qu’à multiplier pour son plaisir et le nôtre les références cinéphiles. Hommages à James Dean, à Brando (Gosling et son blouson marqué du signe du scorpion), à Scarface (De Palma) et sa sanguinolente scène de salle de bains, à Verhoeven et ses showgirls, à Friedkin et son Police Federal Los Angeles (To live and die in LA, 1985), à Kitano et sa violence sidérante (Aniki mon frère), à Lynch aussi tant les personnages semblent évoluer dans un rêve, à Michael Mann évidemment.

Avec sa rigueur de plan et ses personnages mutiques, Drive fait même penser à du Kaurismaki parachuté à Los Angeles. Son « homme sans passé » pourrait être le titre du film, caractérisant parfaitement le héros sans attaches qu’est Driver. Pour autant, le film n'est pas un catalogue de références et le réalisateur ne cherche pas le second degré complice avec le spectateur. Winding Refn opère un travail d'hybridation esthétique. Il nous embarque dans une histoire très simple et « premier degré » à laquelle son traitement formel et ses références au genre confèrent une puissante originalité. Drive frappe par la beauté de ses plans nimbés de lumière, par sa bande-son pénétrante. Son formalisme est une réussite tant il aspire les sens, nous fait caresser la surface de cette ville, entendre le bruit du moteur, sentir le soleil californien.

On pourra m’objecter le jeu à la droopy de Ryan Gosling, le traitement superficiel des personnages et l’embrouillamini de l’histoire mafieuse. Le film creux. La série B habilement torchée. J’ai envie de dire « oui mais quel style ! » Drive tient pour moi du plaisir graphique et coupable qu’on peut avoir à lire une BD où un héros mutique doit tuer pour survivre et venger la femme qu’il aime. Point. Pas de psychologie. De l’action, de l’atmosphère. Un polar peut avoir du style et une histoire de merde, le contraire ne tient pas.

Carey Mulligan

2011-01-23T18:10:00+01:00

Comment ne pas parler de Carey Mulligan, qui en plus d'être une excellente actrice montante d'Hollywood, fut déjà par deux fois une formidable actrice austenienne. Je ne dirais pas que c'est courant, mais il est arrivé à plusieurs reprises que les mêmes acteurs jouent dans différentes adaptations des oeuvres de Jane Austen. Et pour notre plus grand plaisir, c'est le cas de Carey.

Jeune actrice anglaise de 25 ans, Carey est née à Londres mais a passé une partie de son enfance en Allemagne. C'est sans conteste une jeune femme déterminée puisque c'est en écrivant directement à la production du film qu'elle obtient son tout premier rôle de Kitty, dans "Orgueil et Préjugés" en 2005. Depuis, on arrête plus son ascension, et après quelques pièces de théâtre et apparition dans des séries telles que "Docteur Who", on la retrouve en irrésistible Isabelle Thorpe dans "Northanger Abbey" en 2007. C'est dans ce rôle que je l'aime particulièrement, je l'y trouve vraiment exquise de calcul et de perfidie, comme il se doit pour une Thorpe!

En 2009, elle apparaît dans "Public Ennemies" et "Borthers" puis dans "Une Education" qui lui vaudra le Bafta Award de la meilleure actrice et une nomination aux Oscars. Elle continue à cotoyer les plus grands comme Michael Douglas dans "Wall Street 2" et c'est avec grande impatience qu'on l'attend désormais dans "The Great Gasby" avec Leonardo DiCaprio, rien que ça, et réalisé par Baz Luhrmann, celui-là même a qui on doit "Roméo et Juliette" et "Moulin Rouge". Encore une actrice qui est faite pour les films en costume et moi je vous le dis, on a pas fini d'entendre parler d'elle, ni de voir son joli minois...

Wall Street

2010-11-26T10:00:00+01:00

Il y a 20 ans, Gordon Gecco (Michael Douglas), magnat incontournable de la finance, se retrouvait derrière les barreaux pour délit d'initié. Sorti de taule, il écrit un bouquin ("Is greed good ?") qui prédit un krach boursier imminent. Bien vu. Nous sommes en pleine crise financière aux USA (le film se passe en 2008) et le jeune et ambitieux courtier Jacob Moore (Shia Labeouf) découvre avec stupeur que son mentor (Frank Langella) vient de se suicider alors que la compagnie pour laquelle tous deux travaillent vient d'être coulée par un autre requin de la finance, Bretton James (impeccable Josh Brolin). Admirateur de Gecco, Jacob ira demander son aide pour se venger de James. Le contact entre les deux semble positif, surtout que Jacob est le compagnon de la fille de Gecco... Il aura donc fallu plus de 20 ans à Oliver Stone pour réaliser une suite à son opus de 1987. Le premier volet était décevant et le second l'est de même. Alors qu'on pensait avoir affaire à un véritable thriller financier, l'autre penchant du film - un drame familier - a très vite pris le dessus, ne laissant que des miettes à une analyse des magouilles financières et des aléas de la bourse US bien plus démonstrative qu'explicative et qui ne nous apprend pas grand chose qu'on ne connaisse déjà. C'est dommage car pour deux heures pleines, il y avait de quoi faire. Mais c'est oublier que l'ex-réalisateur controversé n'a cessé de rentrer dans le rang depuis ses nombreuses critiques d'une Amérique violente (1). Après une saga épique moyenne (Alexander, 2004), il rendait hommage aux secouristes new-yorkais (World Trade Center, 2006) avant de dépeindre un portrait plutôt sympathique de George W. Bush (W., 2008). Bref, Wall Street est une pseudo-satire divertissante. Sans plus.

Wall Street - Money never sleeps (Oliver Stone, USA, 2010, 125 mins). Avec Shia Labeouf, Michael Douglas, Josh Brolin, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Frank Langella, Austin Pendleton, Eli Wallach, Vanessa Ferlito.

(1) Platon (1986), Natural born killers (1994), Any given sunday (1999).