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Critique de Petite Maman

2021-07-18T22:55:00+02:00

PETITE MAMAN (2021) – Céline Sciamma

D'où vient l'ennui délicat, comme flottant sur le lac, qui me saisit à la vision du cinquième long-métrage de Céline Sciamma ? Dans cette découverte pas à pas du deuil chez une enfant, la simplicité patiente du film, dont chaque plan semble faire sens et où chaque frétillement de lumière simule la recherche personnelle, aurait pu mener au jaillissement de l'émotion. Mais celle-ci, trop contenue, trop prudemment contournée, parfois escamotée, nous place en-dehors de son secret forestier.

Peu de temps après la vision du film de Céline Sciamma, je me suis rappelée un premier long-métrage japonais aux thèmes similaires, réalisé par Okuyama Hiroshi en 2019, Boku ha Iesu-sama ga kirai (僕はイエス様が嫌い Jesus). Comme la forêt automnale, la province enneigée du film d'Okuyama était le terrain de jeu d'un enfant solitaire, et le repaire des souvenirs dissimulés du réalisateur. On se laissait peu à peu absorber par ce paysage silencieux, doux et hivernal, avant d'être surpris par le drame, à la fois banal et brutal, qui surgissait au dernier quart du récit. Chez Sciamma, ce fameux drame du quotidien éclate dès les premiers plans, alors que la petite fille en est à peine au début du processus de deuil. C'est tranquille qu'elle aide une vieille dame, dont la chambre est voisine de celle de sa grand-mère disparue, à remplir les cases de ses mots croisés. Cette ouverture parfaite agit comme une fausse piste, l'échange dans la chambre voisine se faisant double spectral de ceux avec la défunte parente, et montre d'emblée que Nelly, bien qu'elle sache et comprenne, n'éprouve pas pour autant la réalité de l'absence.

Boku ha Iesu-sama ga kirai

Les séjours solitaires dans la forêt, puis le départ soudain de la mère, lui rappellent cette réalité. Lorsqu'elle passe dans le couloir, Nelly tâtonne le mur, à la recherche de l'ouverture de l'armoire camouflée, comme si elle soulevait d'elle-même le pan de ce nouveau quotidien. Dans cette maison aux détails symboliques, le deuil paraît caché, tapissé sous les murs, incrusté dans les recoins. L'absence n'est pas un tabou au sein de la famille, mais elle se manifeste par à-coups, dans les silences et les sous-entendus ; une situation que restitue parfaitement le film, même du point de vue de son petit personnage. Dans cet invisible se niche un autre secret, celui de la rencontre fantastique avec la mère redevenue enfant.

Chez Okuyama, le paysage, comme la miniature religieuse imaginée par le garçon, nous distrayaient innocemment des sentiments, plus bouillonnants qu'en apparence, du garçon filmé. Dans Petite Maman, le paysage fait littéralement naître l'impossibilité de ce dialogue palliant la cruauté du décès. Alors que Nelly joue dans la forêt, regrettant la disparition de sa mère, elle entrevoit sa jumelle au lointain. Dans un doux accouchement de cet ersatz d'un passé imaginé, le plan d'ensemble nous révèle une petite mère enfant et double de l'héroïne. L'idée est belle et émouvante, certes, mais tient-elle suffisamment sur le long-métrage ? Elle survit en tout cas pour un temps, notamment par la grâce de la lumière, celle de Claire Mathon, qui signale le passage entre les temps comme l'éclaircie du cœur tour-à-tour alourdi et espérant.

Mais la fragilité de la proposition se heurte à un univers et des personnages peu étoffés. Tout d'abord, cette maison de la grand-mère ne paraît pas assez « habitée ». Dans l'évolution de la relation, la simplicité claire et symbolique exigée par le projet ne suffit plus et laisse place à une certaine précarité dans le contenu. Même si l'aspect microcosmique aurait pu venir du point de vue de l'enfant, la trop grande rigueur du cadre et de l'écriture peinent à nous emmener dans un vécu plus sensible de cette expérience. En outre, une fois passée la surprise d'une gémellité à la fois temporelle et physique, Sciamma paraît être arrivée au bout de son projet. Les péripéties ne surgissent pas, les scènes se répètent et les dialogues se heurtent au vide du récit. La pièce théâtrale montée par les deux fillettes le prouve : microscosme parmi le microscosme, elle pourrait apporter une nouvelle dimension au film, mais n'en constitue au final que le banal prolongement double, l'artificialité en plus et la force en moins.

Enfin, même si la maturité de la petite fille est évidente, la relation entre Nelly et ses parents se révèle trop peu ébauchée pour qu'on la comprenne, ou qu'on l'approche avec plus de subtilité. A la simplicité succède ainsi le portrait neutre et lisse d'une famille, sans gestes ni habitudes incarnés. Il n'y a qu'un seul moment, bref et inséré timidement au montage, où les deux jumelles gloussent en cuisinant. Le naturel dans leurs échanges et leur cocasserie maladroite apparaissent en décalage avec le reste du long-métrage, comme si elles avaient été filmées hors caméra. A force de trop filtrer, le filtre atemporel délicat de Petite Maman mène à cette peur d'un éclatement trop fort du deuil, chassant dès lors tout sentiment plus profond.

DES NOUVELLES DE FRANCE

2020-03-03T09:00:00+01:00

1 – Lors de la soirée des Césars, si Adèle Haenel, Céline Sciamma, Virginie Despentes, Florence Foresti, Vanessa Springora et quelques autres djihadistes du féminisme avaient eu une guillotine, on aurait vu quelques têtes de messieurs rouler dans la sciure. Fini la justice : l'heure qui voit triompher la « sororité » est à la vengeance. A mort les salauds de mecs ! VENGEANCE !

2 – Pendant que les médias dégorgent à force d'être bourrés de la catastrophe coronavirale et nous serinent leurs conseils de méfiance, l'épidémie normale de la grippe normale continue à éclaircir en silence les rangs silencieux des personnes normalement vulnérables. Et pendant que le vacarme coronaviral occupe l'attention des Français, le gouvernement d'Edouard Philippe et Emmanuel Macron fait passer la réforme des retraites à grands coups d'article 49 alinéa 3 de la Constitution.

Il faut dire que les olibrius de l'opposition fanatisée sous la houlette de l'Olibrius en chef Jean-Luc Mélenchon ont tout fait pour discréditer la notion même de débat parlementaire, en déposant, entre 40.000 autres reformulations sans doute aussi subtiles, un amendement remplaçant dans le texte "annuel" par "chaque année".

Mais les olibrius de l'opposition ont tout à fait raison de répliquer que les bonimenteurs du gouvernement n'avaient qu'à pas commencer par les provoquer en demandant que soit examinée en "procédure accélérée" (pas de navette, mais un aller-retour entre les deux Chambres) une loi horriblement complexe à mettre en application, et qui concernera TOUS les individus français. Une loi au surplus que les bonimenteurs ont méticuleusement fait semblant de préparer en "concertation", mais qui, selon les avis les plus avisés (Dominique Rousseau, constitutionnaliste), souffre d'une IMPRÉPARATION congénitale.

Elle est pas belle, la France éternelle, dans le miroir des médias ?

Portrait de la jeune fille en feu (Céline Sciamma)

2019-10-05T19:20:00+02:00

Le film commence lorsqu’à son cours de peinture, on demande à Marianne (Noémie Merlant) qui est la jeune femme en feu sur un des tableaux de son atelier. Marianne se souvient alors de son séjour sur une île de Bretagne, en 1770. Héloïse (Adèle Haenel) a été sortie du couvent par sa mère la comtesse (Valeria Golino) pour épouser un riche milanais. Il faut envoyer au futur marié le portrait de sa promise mais celle-ci refuse de se laisser peindre. La comtesse imagine un subterfuge : faire venir Marianne, peintre de son état, et la faire passer pour dame de compagnie auprès de sa fille. Isolées et sans homme autour d’elles, avec Sophie comme servante (Luàna Bajrami), Marianne et Héloïse finissent par s’aimer. Héloïse accepte de poser.

Céline Sciamma et sa cheffe opératrice Claire Mathon ont composé nombre de plans larges picturaux utilisant les paysages de la côte bretonne. On note les éléments romantiques que sont les falaises fouettées par le vent et la mer brillant d’un bleu huileux. Dans les intérieurs moins éclairés, la lumière saisit la vérité des visages et des regards. La direction artistique vise le romantisme au sens littéraire : décor et nature reflètent les sentiments des personnages. Qu’en est-il des actrices ? Noémie Merlant semble faite pour ce type de rôle. Son visage, ses yeux, ses expressions expriment sans peine la passion amoureuse. Adèle Haenel est plus problématique dans ce registre. Par le passé, on l’a vue dans des incarnations si modernes qu’on a beaucoup de mal à l’associer à ce scénario. Sa diction est gauche et peu naturelle. Malgré ses qualités et sa présence réussie dans d’autres films, son choix peut être critiqué. Sa performance souffre du fait que le personnage de Marianne, artiste comme l’est Sciamma, est beaucoup plus investi que celui d’Héloïse. Alors que Marianne travaille et peut exercer sa liberté, Héloïse est totalement soumise à la volonté familiale. En tant que femme, elle est un objet, un ventre proposé à un homme qu’elle ne connaît pas. Sa situation est d’autant plus cruelle qu’elle remplace auprès du même homme sa sœur suicidée. Héloïse est vue à travers le regard amoureux de Marianne mais on ne sent pas la réciproque dans leur relation. Que veut Héloïse de Marianne ? Que ressent-elle ? Le film ne le dit pas.

Ce film casse certaines conventions…

Tous les éléments pour faire un grand film romantique « classique » sont réunis ici et pourtant il y a quelque chose de dissonant dans Portrait de la jeune fille en feu. Cette dissonance intentionnelle ne gênerait pas si l’œuvre était totalement aboutie. Marianne demande à Héloïse de rester sérieuse pendant la pose et lui explique qu’il y a des conventions en peinture. Or ce film casse justement certaines conventions. On contemple longuement le jeu des regards et des frôlements entre jeunes femmes. Dans la lenteur du rythme, on sent une retenue et une patience calculées. Est-il besoin qu’au bout d’un suspense artificiel, les corps se percutent et se frottent violemment ? semble nous demander Sciamma. Héloïse et Marianne se vouvoient même lorsqu’elles sont amantes, une distance continue à exister. Quelque chose ici ne veut surtout pas céder. Est-ce la volonté de la réalisatrice de ne pas tomber dans les conventions du regard masculin ? Eviter absolument le voyeurisme ? On imagine ce que le priapique Verhoeven aurait pu faire d’un tel scénario (langues baveuses ? doigts dans la bouche et chevauchements grognés?). On a également en tête Mademoiselle de Park Chan-Wook et ses suçons bruyants. Ici, il y a aussi de la salive mais c’est un mince filet filmé en gros plan, symbolique du lien fragile entre Héloïse et Marianne. Sciamma s’accroche à un registre délicat qui finit par être timoré. Certes, il faut accepter que cette passion ne soit pas brûlante, que le feu qui s’empare de la robe d’Héloïse soit éteint. Les hommes ne sont pas là mais l’idylle durable entre deux femmes quelles qu’elles soient est impossible à cette époque, dans cette société-là. Les femmes ne s’appartenant pas, il a dû sembler incongru à Céline Sciamma de pousser les feux de la passion au-delà du raisonnable. Plutôt que de se posséder l’une l’autre, elles se voient contraintes à garder chacune l’image mentale (souvenir) ou matérielle (un portrait) de l’autre. Néanmoins, on ne peut s’empêcher de trouver son film guindé et froid.

Espaces de liberté… trouée magique

De nombreuses idées et images originales traversent le film, comme ce plan de Marianne nue fumant la pipe, pratique réservée aux hommes. En l’absence de ceux-ci, des choses invisibles deviennent visibles. Les barrières sociales sont beaucoup moins fortes quand ils ne sont pas là. On ne sent pas de distance entre Héloïse et Marianne, non plus avec Sophie, sauf dans le vouvoiement qui paraît de convention. La scène du chant autour du feu ou celle de l’avortement montre qu’à cette époque très rigide pour elles, les femmes pouvaient créer des espaces de liberté où elles s’occupaient d’elles-mêmes. Ce sont des idées intéressantes, documentées et fondées historiquement mais il est dommage qu’elles nous soient présentées comme pures illustrations, moments symboliques trop courts pour contaminer le récit. Le chant latin « Fugere non possum » (« je ne peux pas fuir ») constitue une trouée magique dans le récit, une fuite justement, comme la chanson Diamonds dans Bande de filles mais c’est un interlude fugace qu’on voudrait plus long.

On l’avait constaté déjà dans Naissance des pieuvres ou Bande de filles, Céline Sciamma réussit davantage à illustrer des idées et à saisir des instants qu’à construire des récits qui se tiennent de bout en bout. Je trouve ses histoires toujours un peu molles et flottantes, il y a à chaque fois 20 minutes de trop. Beaucoup d’idées fortes nourrissent le film. Dommage que cette belle passion entre femmes paraisse si retenue et théorique.