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Grande rétrospective et œuvres récentes de Jacki Maréchal à Oyonnax du 13 juin au 31 juillet

2025-06-12T21:14:00+02:00

À l'atelier, Photo Marie Caredda

Expositions dans six lieux oyonnaxiens différents (galerie En dehors du cadre, librairie Buffet, musée du peigne et de la plasturgie, musée de la Grande Vapeur, Morphée literie et Mej tapisserie). Et aussi : festival Woua'art à Nantua du 4 au 6 juillet.

Un extrait du dépliant où l'on peut aussi lire un texte de Raymond Alcovère

À la galerie En dehors du cadre :

Œuvres récentes « Auprès de l'ailleurs » , 3 rue Brunet Oyonnax (09 88 50 11 47) mardi 15h -19h, mercredi 10h-12h / 15h-19h, jeudi sur rendez-vous, vendredi 10h-12h / 15h-19h, samedi 10h-17h.

Musée du peigne et de la plasturgie :

Rétrospective « Peinture et plastique » , 88B Cours de Verdun Oyonnax (04 74 81 96 82) du mardi au samedi 14h à 18h.

Musée de la Grande Vapeur :

Rétrospective « Ontologie urbaine » , 62 rue Anatole France Oyonnax (04 74 77 00 06) vendredi, samedi et dimanche de 15h à 19h.

Librairie Buffet :

Rétrospective « Possible Fields » 13 avenue Jean Jaurès Oyonnax (04 74 77 25 12) lundi 14h à 19h, mardi 9h-12h / 14h-19h, mercredi 9h-12h / 14h-19h, jeudi 10h-18h, vendredi 9h-12h / 14h-19h, samedi 9h-12h / 14h-19h.

Morphée literie :

Exposition complémentaire. 4 rue du premier mai, 01100 Arbent (04 74 77 11 36).

Mej tapisserie :

Fauteuils à base d'œuvres de Jacki Maréchal (06 21 13 69 41).

Woua'Art Nantua (du 4 au 6 juillet):

Exposition au festival Woua'Art de Nantua. 17 rue de l'Hôtel de ville, 01130 Nantua (04 74 75 20 55).

Jacki Maréchal a exposé dans des musées, des FIAC et des galeries dans la plupart des capitales européennes et dans le monde. Il a été cité comme un des 20 meilleurs peintres de la New York Affordable Art Fair 2014. Il est soutenu par d'importantes personnalités du monde de l'art.

À lire ici, Un texte de Jacques Rigaud, Directeur de cabinet au Ministère de la Culture, fondateur du Musée d'Orsay, Conseiller d'État.

Photos des premiers vernissages : ici , là et ici.

Avec Jacki à l'atelier, photo Marie Caredda

Ce qui est plus léger me porte

2024-11-06T01:12:41+01:00

Je vois mieux mon chemin en levant la tête

L'air me guide mon pas m'écoute

Le reflet me comprend

Mes yeux prennent appui

Le nuage ne m'égare pas

Je me joue des signes

Ce qui est plus léger que moi me porte

(En passant sous un mobile de Susumu Shingu installé au Parc des Nations à Lisbonne)

Texte : © Christian Cottet-Emard, extrait de l'ensemble intitulé Dédicaces

(Photos Christian Cottet-Emard)

Alexey Belyaev-Guintovt : L'empire malgré tout. Comment l'eurasisme change le monde

2023-12-05T13:47:00+01:00

Alexey Belyaev-Guintovt :

L'empire malgré tout. Comment l'eurasisme change le monde

Propos recueillis par Olga Andreeva

Source: https://vk.com/@alexeygintovt-alexey-belyaev-guintovt-empire-despite-everything-like-leuras?fbclid=IwAR3kQ9SCULCyAoj4t7mZYX1yACXBZHTzJwHkDHpDS7GDh04mOSeaaccUD4

Nous publions, à la demande de nos amis de Zavtra, l'entretien d'Olga Andreeva avec l'artiste russe Alexey Guintovt, représentant de l'école du Nouveau sérieux, apparue au début des années 1990 sur les rives de la Neva. Son imagerie puissante, à la manière moscovite, combine paradoxalement les traditions de la peinture d'icônes orthodoxes russes avec les tendances de l'avant-garde russe et du constructivisme, le classicisme totalitaire du grand style soviétique avec l'"artificialité" formelle du Pop-Art américain. Les œuvres de Guintovt, ancien lauréat du prix Kandinsky, sont exposées dans les plus grands musées du monde.

- Vous êtes un adepte du "grand style". De quoi s'agit-il ? Comment s'inscrit-il, ce "grand style", dans le postmodernisme ?

- Le "grand style" nie le postmodernisme de toutes les manières possibles. Le "grand style", c'est l'unité du paysage générateur avec le destin du peuple. C'est son acmé, le sommet de sa perception de soi, de son autoréalisation et de sa mission spirituelle. La négation totale de cela relève du postmoderne, c'est-à-dire de la négation de tout principe unificateur, de l'État, de la foi, du genre et, en fin de compte, de l'appartenance même à l'espèce humaine.

- Comment avez-vous réussi à coexister dans ces conditions ?

- Nous avons appris, nous nous sommes concentrés, nous avons subi des défaites et des succès occasionnels. J'ai miraculeusement survécu jusqu'à aujourd'hui. Tout au long de ce voyage magique, j'ai trouvé des professeurs, des soutiens, une vocation, la foi en l'avenir et, surtout, un optimisme eschatologique.

- Vous dites que vous êtes le seul artiste rouge de Dublin à Vladivostok. Qu'est-ce que cela signifie ?

- Le projet rouge est un grand style qui a visité notre nation et notre civilisation au milieu du 20ème siècle. Il a laissé des traces comme les peintures d'Hubert Robert: des petites gens, des bergers et leurs chèvres dispersés parmi les ruines de temples et de statues colossales. Rassembler, peut-être sur une autre base, les fragments restants du "grand style", telle est la tâche, telle est l'exigence à l'égard du temps et de l'espace. C'est pourquoi je parle si souvent de l'espace, parce que je suis eurasien depuis longtemps et depuis toujours, et que nous attachons une grande importance, voire une importance dominante, à la formation du paysage.

- Que dit l'espace russe ?

- Tout d'abord, il est sans limite. Il ne s'agit pas du tout d'une caractéristique quantitative, mais d'une caractéristique qualitative. Les personnes générées par cet espace marchent, elles ne flânent pas, elles ne papillonnent pas au sens européen du terme, mais elles marchent, elles sont en mouvement. Ce sont des vagabonds enchantés en route vers l'infini, ou des cosaques en quête de bienveillance, ou des corps expéditionnaires envoyés aux frontières de l'empire pour l'étendre autant que possible. Notre peuple est dans le paysage qui lui a été donné. Il est magique depuis le début, comme il l'était, l'est et le sera, et cela aussi est une caractéristique qualitative. Ces deux propriétés - l'absence de limite et une magie donnée - exigent l'inédit. Heydar Dzhemal a consacré une étude à cette préordination dans le destin de la Russie. Il a montré que notre espace est destiné à la révolution. C'est une rupture dans une gigantesque chaîne de maîtres du discours et l'insoumission du grand peuple, son désir fou de liberté dans l'esprit condamne définitivement notre territoire à la révolution, entendez par là une révolution conservatrice.

- En 2008, vous avez remporté le prix Kandinsky pour votre tableau "Frères et Soeurs". Cela a conduit le public libéral à le qualifier de "fasciste" et à le mettre hors-la-loi. Qu'adviendra-t-il maintenant de la culture libérale ? Notre pays s'est développé à partir du rejet du projet libéral. Avez-vous un espoir de vaincre l'artefact narratif ?

- Qu'est-ce qui devrait être considéré comme une victoire ? La transformation est nécessaire de fond en comble. La plupart de mes concitoyens ont perçu la libération de l'Ukraine comme la libération d'une petite Russie. Elle deviendra grande après la réunification. C'est ainsi que j'ai compris ce qui se passait: abolition des frontières et moratoire sur la propriété privée. L'Ukraine est l'occasion de se purifier, de poser enfin et irrévocablement la question du destin. Ce n'est pas un pays, mais une belle partie d'une civilisation complète - russe, orthodoxe et eurasienne. La tradition et la justice sociale sont l'idéal imaginé d'une grande nation. J'essaie d'imaginer ce qu'elle sera dans mes fantasmes plastiques.

- Selon Douguine, la base du projet eurasien est "un nouveau partenariat stratégique avec l'hémisphère oriental, mobilisant le développement économique". Est-ce exactement ce qui se passe aujourd'hui ?

- La mobilisation est une demande de temps et d'espace. Rien ne semble plus excessif. Jusqu'aux armées de travailleurs et aux salaires sous forme de rations renforcées. Qui sait ce qui se passera demain ? La gravitation des masses du nord-est de l'Eurasie vers l'ascétisme est irrévocable. La preuve en est le succès phénoménal de l'Union soviétique. On pourrait énumérer à l'infini les codes numériques de ces victoires, mais le mystère du socialisme ne s'explique pas par des chiffres. Il est né ici, il vit ici, il reviendra sûrement. Je ne parle pas d'un socialisme dogmatique, marxien, mais d'un socialisme organique, communautaire, inhérent aux masses orthodoxes et islamiques de nos compatriotes.

- Le projet soviétique était lié au concept de "bonheur différé". La Russie est-elle prête aujourd'hui ?

- Une fois expliqué, ce projet est capable d'un miracle. La question est de savoir quand, qui et comment il sera expliqué. Depuis plus de 30 ans, le mouvement eurasien international dirigé par Alexandre Douguine présente diverses manières actuelles et intemporelles de réaliser le grand projet. La justice sociale et la fidélité à la tradition sont toujours au cœur de ce projet. Les gens sont irrévocables, les hommes et les femmes sont assurés de rester des hommes et des femmes, la foi est irrévocable. La Russie est la terre du salut. Depuis l'époque d'Ivan le Terrible, tout le monde a eu cette chance - au cours de la vie, d'avoir le temps de réaliser l'essentiel, mais un tel projet est assuré d'entrer en conflit avec l'hégémonie de l'Occident libéral. Une fois de plus, la question est de savoir s'il faut être ou ne pas être. Au degré du siège, l'Occident semble prêt à s'aventurer dans l'inédit. Nous sommes prêts à faire de même.

- L'âge d'or de l'Eurasie: de quoi s'agit-il ?

- L'âge d'or de l'Eurasie ne vit pas dans le temps, mais dans l'espace de la victoire sur la mort. Un peuple qui a émergé ne doit pas disparaître de l'histoire. Il est là une fois pour toutes. La séquence de l'histoire dans la conception libérale est la suivante: ethnos, c'est-à-dire une somme de tribus, puis une nation, puis une communauté d'individus, des détenteurs de passeports, puis une société civile comme degré extrême d'individualisme et la fin du monde. L'Eurasien pense dans une perspective inversée, sans pour autant nier les avancées technologiques. Notre monde est à peu près décrit par Ivan Efremov.

- Pendant la guerre en Ossétie du Sud, vous avez écrit : "Pour la première fois dans ma vie consciente, je suis d'accord avec presque tout ce qui concerne les politiques menées par notre pays". Existe-t-il aujourd'hui une telle confluence entre le peuple et le pouvoir ?

- Oui, c'est le cas. Avec l'arrivée de Vladimir Poutine, le peuple et les autorités se sont rapprochés. Mais je souhaiterais personnellement et nous souhaiterions tous beaucoup plus. La grande majorité de nos compatriotes ont voté pour le maintien de l'Union soviétique en 1991. Et je suis sûr qu'après 30 ans, les statistiques donneraient plus ou moins les mêmes résultats. Oui, les événements de ces derniers jours requièrent une toute autre intensité d'attention et un nouveau degré de clarté dans les déclarations des dirigeants du pays. Le projet doit être présenté, il est désormais impossible de vivre sans lui. Son essence et son objectif déclaré sont l'établissement des frontières inviolables de notre civilisation, une économie planifiée et un nouveau partenariat en Eurasie, en Afrique et en Amérique latine.

Je parle tous les jours à un grand nombre d'étrangers sur les réseaux sociaux et ils pensent tous la même chose. Ils attendent toujours quelque chose de nous. Nous ne pouvons pas tromper ces attentes.

- Quelle relation le projet impérial entretient-il avec la démocratie ? Est-ce la Grèce? Est-ce Rome ?

- La Grèce antique opposait la monarchie à la tyrannie, l'aristocratie à l'oligarchie et la politeia à la démocratie. Pour Platon, la démocratie est la pire chose qui puisse arriver à la société. L'empire est organiquement inhérent à nous qui vivons ici. Sa disparition est perçue comme une grande catastrophe cosmique. L'empire ou la mort !

- Qu'en sera-t-il sur le plan politique ?

- Un empire en forme de hérisson, comme le dit Kuryokhin. Gentil et affectueux envers les siens et hérissé d'aiguilles envers l'ennemi, l'Occident.

- Selon l'ancienne conception, la tyrannie est bonne pour la guerre, mais la démocratie pour la paix.

- C'est incontestable, mais les temps ont changé et la polis et le demos aussi. Le mot démocratie est le même, mais le contenu a changé.

- Qu'est-ce que la quatrième théorie politique de Douguine ?

- D'après ce que j'ai compris, il s'agit de l'existence organique du peuple en tant qu'arbre, qui grandit, qui vit de manière significative dans l'histoire. Un peuple est une unité de pensée. L'eidos de Platon existe avant, en dehors et à part de l'homme. L'homme vit sa courte vie, il semble avoir des idées. Mais ce n'est pas tout à fait vrai. Les idées, l'eidos, étaient et resteront après lui. Le but de la vie humaine est d'avoir le temps de devenir un paladin de ces eidos, un chevalier de l'Esprit.

- L'empire doit être hiérarchique, autoritaire et totalitaire.

- Totalitaire est un mot de l'arsenal lexicologique de l'ennemi, bien que le concept de totus - universel - ne contienne aucune signification négative. L'empire a un but et un sens, une destination; il est en mouvement constant à l'intérieur de lui-même, conscient de l'infinité du logos impérial, et se déplace vers l'extérieur, s'efforçant de sauver, de venir en aide à d'innombrables autres peuples. L'empire vient toujours d'en haut.

- Depuis 2014, vous vous êtes souvent rendu dans le Donbass. Pourquoi ?

- Depuis 1991, notre mouvement ne reconnaît pas l'existence de l'Ukraine. Nous savions d'avance que l'Ukraine désoviétisée ne pouvait devenir qu'anti-russe. La première chose qui a été interdite en 2005 après l'usurpation du pouvoir en Ukraine par Youchtchenko, c'est le Mouvement eurasien international. Beaucoup de nos membres se sont retrouvés en prison, beaucoup ont disparu sans laisser de traces.

Fin mai 2014, mes camarades et moi nous sommes retrouvés avec Alexander Borodai, alors premier ministre de la DNR, à l'épicentre des événements. Il a déclaré l'état d'urgence à Donetsk en notre présence le 25 mai 2014, et une heure plus tard, Kiev a réagi de la même manière. Le lendemain, l'aéroport a été pris d'assaut. Voilà ce qui s'est passé. Tout notre mouvement était activement impliqué dans ce qui se passait - modélisant les buts et les objectifs du projet "Printemps russe", transportant des volontaires, fournissant de l'aide humanitaire. A un moment donné, on m'a demandé de présenter une image plastique du projet Novorossiya. Pendant trois heures, j'ai répondu aux questions de spécialistes de différents domaines. Nous sommes partis du principe qu'il s'agit d'un pays de rêve, d'une république de philosophes. La pensée revenait aux philosophes, le pouvoir aux guerriers. Dans les premières années, je me suis souvent rendu dans le Donbass, j'étais correspondant de guerre, j'apportais de l'aide humanitaire. J'ai visité Donetsk à toutes les périodes de l'année, et une chose qui est restée constante, c'est son bombardement constant.

- Novorossiya est-elle proche de votre idéal ?

- Novorossiya est un déclencheur. Une fois que l'on appuie sur la gâchette, tout se transforme. Elle n'a pas réussi à l'époque. Les événements actuels sont une tentative irrévocable. Il s'agit à nouveau de savoir si notre civilisation existe ou non. Si elle échoue, elle peut être techniqueme

Des estampes pour garder nos âmes légendaires

2023-07-04T16:44:11+02:00

Des estampes pour garder nos âmes légendaires
Par Frédéric Andreu
"Je travaille à la trame des temps et je tisse la robe vivante des dieux".
Goethe.
Il fut un temps où les oiseaux du ciel étaient les messagers des dieux, un temps mythique où le langage des Hommes était encore amarré aux rivages de la poésie, et où la mort n'était qu'un rêve. Gravées au burin d'une mystérieuse rhétorique, les estampes d'Aude de Kerros gardent peut-être quelque chose de ce temps hors du temps qui persiste confusément dans le matin profond de notre mémoire. On se souvient de ce mot de Goethe : "je travaille à la trame du temps et je tisse la robe vivante des dieux.",mais aussi et surtout de cet autre mot, de Charles Maurras : "Il n'y a que le vers pour tenir dans ses griffes d'or l'appareil éboulé de la connaissance", l'un comme l'autre deviennent viatiques en des temps que nous traversons, obombrés par la "haine du secret".
Une audace certaine est requise pour exposer un art de l'"apparaître" en ces temps du "paraître", un art du pays réel quand règnent concept et propagande sociétale du "pays légal". Nous savons depuis Charles Maurras que le second n'a pour but que de détruire le premier, mais sans toujours prendre la pleine mesure de cette lutte à mort.
Miroir et réplique - au sens sismique du terme - des tréfonds de la société, le théâtre de l'art rend visible cette lutte à mort. L'art conceptuel (dit aussi "AC") projette dans le champs du visible dans nos places et musées publices, les images spectrales du "pays légal". A l'autre extrémité, les gravures realisées par Aude de Kerros, disent lorsqu'on les écoute avec les yeux, quelque chose des héritages buissonniers et des orées tremblantes du "pays réel". Saluons donc cette initiative non conformiste de Rosie Barbanegra.
Entreprendre la critique de l'oeuvre de Aude de Kerros est une démarche non moins audacieuse. Dans un passé récent, je m'y suis pourtant risqué, mais sans grandes percées heuristiques. Mon œil, exercé aux arts figuratifs, trouve peu d'ancrage aux arts qui le sont moins. Pour être tout à fait honnête, l'oeuvre "kerrosien" me laisse le plus souvent sans voix - mais non sans voie. Ces estampes nées des amours du métal et de l'âme, qui ont la faveur d'une exposition parisienne, semblent se suffire à elles-mêmes.
"On circonscrit, on ne définit pas", ce mot de Dominique le Roux nous indique sans doute une balise sur cette autre voie dégagée des tentations livresques et présomptueuses, à laquelle l'art singulier de Aude de Kerros nous appelle.
Écoutons les ressacs de sens qui en jaillissent, mais aussi l'art et la manière de voir du prêtre romain face à son "templum", découpe sacrée du ciel, en quête de signatures divines. Oui, contemplons les estampes de Aude de Kerros en augure !
Les estampes où apparaissent feuillage doré sur fond de ciel bleu qui n'est pas sans évoquer ce "bleu préféré des abeilles" cher à Dominique de Roux. Et que lit-on d'autre ? Le nom d'une artiste, Aude de Kerros, celui d'une galiériste, Rosie Barbanegra, et quoi d'autre ? Le nom d'un hôtel parisien, et une adresse postale : le 13 rue "Payenne".
Curieux nom de rue ! homonymie où passe plus d'une épiphanie "païenne", plus d'un dieu "païen" au devant de notre espérance chrétienne. Quant aux jours de l'événement - mercredi 28 et jeudi 29 juin 2023 - ne sont-ils pas jour de Mercure, dieu du commerce et jour de Jupiter, dieu suprême des Romains ?
Sous cette double égide, souhaitons de fastes heures à cette exposition qui honore l'art comme il se doit, pour le seul bien de nos âmes, ressourcées à leurs légendes natives.
"Je me réchauffe au feu d'une estampe. Crépitement de parole et de pitance. J'ai prié le Très Haut pour qu'il me donne le "pain de ce jour" ; il m'envoie le jour de ce pain en échange, miettes de silence tombées dans le cœur".
Contact : audedekerros@yahoo.fr

Lundi 12 juin 2022

2022-06-15T10:50:46+02:00

Souvent j’entends "Il n'y a rien qui m'inspire", rien ne me donne en vie de dessiner, comment faire alors ? Nous cherchons un sujet qui nous plait. Quand nous regardons les tableaux de nombreux artistes, aurions-nous pris les sujets qu'ils ont choisis. Toutes les photos dans l'album juin 2022
Quand nous voyons les meules de Renoir, aurions-nous vu la beauté de ces meules en circulant dans la campagne, avec la pensée de l'époque sur le travail paysan. Quand je regarde les peintures d'intérieur de Bonnard, je suis surprise de voir "l'insignifiance" des sujets, c'est juste une scène d'un quotidien que tout un chacun peut connaître. Je me demande comment des artistes comme Bonnard, Vuillard, et même Matisse avec ses poissons rouges, arrive à regarder leur quotidien comme une peinture.

Pour moi, utiliser des pistes de regards permet de dessiner dans tous les lieux où nous nous trouvons. Prendre le temps d'observer le lieu où nous nous sommes installés, en utilisant des critères graphiques, de composition... chercher celui qui s'adapte le mieux à ce que nous avons sous les yeux. Il faut aussi faire avec le matériel que l'on a à sa disposition et les techniques que l'on aime pratiquer. Il y a le rendu de la matière, les intensités de couleurs et de valeurs, les espaces vides, les différents contrastes (petit-grand, clair-foncé, lignes droites-lignes sinueuses ou courbes, lourd-léger,...), ....
Nous travaillons sur le thème des sinueuses. Cela a permis de voir le rythme des lignes de ces canisses qui protègent les plantes. Il y a les sinueuses réalisées par l'ombre portée des horizontales du support métallique. Il y a également le contraste des droites et des sinueuses, le contraste clair foncé, il y a la répétition des carrés qui en même temps ne sont pas toujours réguliers...
On voit que Do. a su trouver dans son espace de nombreux sujets possibles, et nous donne à percevoir l'ambiance du lieu, ceci autant à l'extérieur qu'à l'intérieur. Il y a juste la porte de cette bâtisse de pierre et sa végétation. La similitude entre les formes géométriques des pierres, du revêtement du toit et du décor de la porte est un sujet en soi. Deux versions, une tonique, pleine de vie, avec un léger bruissement en arrière-plan, l'autre douce, invitant à rentrer dans le bâtiment, le blanc en premier plan, nous donne un calme méditatif.

Les croquis-collages des scènes d'intérieur nous donnent un aperçu de l'ambiance de la maison qui invite au voyage. C'est bien la succession des croquis qui nous donne cela.
Il y a les dessins qui nous proposent un monde racontant une histoire . Il y a ceux qui vont utiliser ce qui nous est donné à voir pour traduire une vision du monde, ceux qui nous décrivent avec le plus de précision possible l'élément que l'on a choisi. On peut être étonné par un élément du paysage qui nous entoure et partager notre surprise... Le dessin nous permet tant de chose.
En voyant la première version du dessin de Cl. j'ai été frappée par l'ambiance, j'y voyais le décor de vie d'un mulot. Merci d'avoir exaucé mon rêve. C'est fascinant de voir qu'avec un papier et un crayon, il est possible de créer un monde aussi poétique racontant tant de choses. Toujours cherchant les sinueuses, j'ai fait un petit croquis rose sur la photo.

Délicatesse du sujet, rendue par la sélection des fleurs et des tiges.

En choisissant de dessiner ce que l'on aperçoit entre les branches, la figuration disparait partiellement pour nous présenter un monde un peu mystérieux.

Prolongation de l'observation de cette plante épiphyte avec sa délicatesse et ses matières différentes.

Travail sur le jeu des contrastes avec la lumière qui apparaît au lointain. On peut voir que le choix des couleurs nous donne des rendus très différents, où la profondeur est plus ou moins apparente. Parfois les lignes dominent, parfois ce sont les aplats.

Les couleurs ont leur propre langage. Le dessin en rose, sans le contraste de vert, semble trop sucré, presque à l’écœurement. C'est intéressant de voir ce rendu. Nous sommes habitués à chercher l'esthétisme dans nos dessins, nous souhaitons qu'ils nous plaisent. Il peut être intéressant d'obtenir des réalisations qui expriment des sensations, des sentiments négatifs.

De quoi l'art contemporain est-il le nom? - Le « big reset » a déjà eu lieu en 1917!

2021-05-04T09:19:27+02:00

De quoi l'art contemporain est-il le nom?
Le « big reset » a déjà eu lieu en 1917!
par Frédéric Andreu-Véricel
Il est vain de vouloir trouver un sens « caché » ou « métaphysique » à cet art contemporain («AC») qui s’expose dans nos places publiques sans y être invité. En revanche, l'AC interroge en tant que « symptôme ». Mais un symptôme implique alors une pathologie esthétique et sociale. Laquelle ?
En écrivant cette phrase, sans doute justifiable sur le fond, j’ai volontairement commis trois erreurs. Si elles ne sautent pas aux yeux du lecteur, c’est qu’un travail suffisamment subversif dans la langue a déjà fait son œuvre.
Le but de ce modeste article consiste à montrer pourquoi les termes employés ordinairement sont trompeurs pour parler de l’«AC». Je corrige donc, sans esprit de réaction, mais plutôt de mise au point, les termes suivants :
1 : l’AC n’est pas contemporain.
2 : l’AC n’est pas un art.
3 : l’AC ne s’ « expose » pas, mais s’ « impose ».
1- L’erreur la plus commune : « contemporain » appliqué à l’AC est une usurpation sémantique désormais connue de n’importe quel amateur d’art. L’AC ne peut en aucun cas être qualifié de « contemporain », car il est daté. Il ne suit pas une « évolution », une cadena aurea, comme par exemple l’Impressionnisme, mais une rupture. Il y a une différence entre un éboulement de terrain et une saison. Or une rupture n’a pas d’histoire, mais s’identifie à une date, la voici : 1917, Marcel Duchamp expose le bidet R. Mutt. Le terme « contemporain » est donc impropre à désigner ces artefacts exposés dans nos villes, car ces derniers sont en fait la répétition à l’infini d’une rupture sémantique, épistémologique, initiée par Marcel Duchamp. L’ « art contemporain » est un terme usurpé, car il s’agit en réalité d’un courant de l’art exclusif de tous les autres courants. Aude de Kerros parle d’hypervisibilité de l’AC occultant la diversité de la création. La seule contemporanéité qui doit être soulevée avec l’AC, c’est la Première Guerre mondiale. Avec un siècle d’avance sur le « grand reset » de la civilisation dont nous parlons aujourd’hui, Duchamp, génie narcissique, invente le «grand reset» esthétique, préfigurateur de tous les autres.
2 - Le deuxième terme est plus difficile à cerner, car polysémique. Il appartient à un champ plus large. Le mot « art » est un mot englobant, peu défini pourtant, associé traditionnellement au beau, lui même relié au vrai. C'est ce sentiment commun que je prends ici en compte et non le concept décortiqué par les philosophes. Ce sentiment m’autorise à avancer les arguments suivants : sans beauté, élévation et tradition, (voire, le « métier »), il est à mon avis très difficile de parler d’« art ». Lorsque l’art ne parle pas splendidement à l’âme, mais à la réaction émotive, à l’instar du feu rouge, du panneau de sens interdit, je pense en effet que le terme « art » est largement usurpé. Pourquoi donc continuer à employer un mot totalement inapproprié même avec des guillemets ? L’ AC n’est tout simplement pas de l’art ni de l’ « art ». C'est un slogan ou autre chose.
Lorsque nous employons le mot « miel », nous n’employons pas le mot « sucre ». À moins de considérer que le miel sécrété par les abeilles soit la même chose qu’un carré de sucre de l’industrie sucrière, on ne peut pas dire qu’un de ces « artefacts » soit de l’art. Le squelette de cheval suspendu sur le tombeau de Napoléon n’a rien à voir avec de l’art. Quel mot employer pour le qualifier ? C’est selon. Une « expérience » ? Une provocation ? Un contre-art ? Tout ce que l’on voudra, mais pas un art.
Une œuvre parle à l’âme ou non ; elle entre en résonance avec votre mémoire profonde ou non ; elle est transfiguratrice ou non ; incandescente ou non, fait rêver ou non. Or le squelette en plastique du tombeau de porphyre (qui lui est de l’art) ne parle pas à l’âme, elle n’est ni incandescente ni onirique. Il s’agit en l'espèce d’une prise d’otage esthétique, mais pas de l’art.
En l’occurrence, signalons que les nazis ont respecté le tombeau de Napoléon. En 1941, l'Occupant transférait à la France la dépouille de l'Aiglon jusque là inhumé à Vienne. Ce que l’Occupant n'a pas fait, l'AC l'a fait : la profanation d'un lieu identifié à la « grandeur française ». J’ajoute une réflexion personnelle sur l’Histoire : si le retraite de Russie marque la fin de l’aventure française dans le monde, le squelette marque l’enterrement de cette aventure. Il porte en effet l'auto-dénigrement d'une nation, car une nation est aussi faite d’ « un rêve tramé dans l’étoffe des songes » (William Shakespeare) et non d’un squelette en plastique. Le squelette entérine la pire des défaites qui soit : le renoncement à être. À mon sens, le squelette n'est donc pas de l'« art », car sinon il faudra qualifier le viol d’une jeune fille par le terme amour ; il faudra dire : « une fille a été aimée dans le métro par trois personnes qui l'on aimée » au lieu de : « une fille a été violée dans le métro par trois malfrats ». C’est à mon avis exactement le même contre-emploi subversif des mots.
De manière générale, l’AC nous rend « étranger » à nos villes, à nos squares, à nos quartiers : il est l’expression de la non-limite, de la standardisation globalisée. Une sorte de mendicité coûteuse qui s'impose à tous. Un art standardisé qui passe outre le génie national, régional, un art hors sol où les nations sont réduites en provinces et considérées comme des hôtels à citoyens. La France des Bourbons, de Napoléon et même de la République a toujours tramé ses lois et ses principes d’oeuvre d’art. Napoléon envoyait les plans des monuments alors qu’il était sur les champs de bataille. Aujourd’hui, le Young Leader Macron entérine la fin de l’aventure française par la conjonction des lois sociétales et de l’AC. Il est en outre intéressant de constater que parmi les membres des Young Leaders se trouvent un certain nombre de promoteurs de l’AC (Magda Danyz, Chen Yun, etc).
L’art est la manifestation d’un manque ontologique. (« L’homme est un être de manque » dit Arnold Gehlen). L’AC est, lui, la validation qu’il n’y a pas d’être. Sans chercher une définition académique de l’art, il me paraît essentiel de souligner que l’art touche parce qu’il contient des éléments de l’ordre cosmique, la feuille de Corinthe de la colonne éponyme, etc. Cela veut dire que la simple vision d’un balcon historié d'un immeuble en marchant dans une rue parle directement à l’âme. L’âme reconnaît ce langage et peut voyager avec tel ou tel élément cosmique vers des ailleurs qui lui sont propres. Sans cette reconnaissance directe et innée de l’âme, il est à mon avis difficile de parler d’art. Comme il est difficile de faire du miel sans pollen. Or, l’AC tourne le dos au cosmos, à l’éternité pour entrer dans l’ordre transparent du nombre et du concept. C’est un logo du vide : il nous dit qu'il n’y a plus d’aventure humaine et historique. L’art suppose la dimension de l’éternité ; l’AC, le temps médiatique. L'art suppose la verticalité de l'image ; l'AC, l’horizontalité du concept. C’est cette « définition » profonde de ce qu’est l’art qui m’autorise à dire que l’AC n’est tout simplement pas.
3 - On ne peut pas non plus parler d’exposition stricto sensu à l’endroit de l’AC, mais bien plutôt d’im-position ou de kidnappage. On n’a pas demandé à croiser dans son champ de vision un squelette en achetant un ticket d’entrée pour les Invalides. Le nounours géant de l’esplanade de Marseille, dit « ours jayet », est du même ordre. Il s’impose à vous comme une affiche publicitaire. Et comme lui, il cherche à vendre. Une publicité de dentifrice vise à vous faire acheter un tube de dentifrice ; un nounours géant vise à vous faire croire à une idéologie. Et je dirais même, plus une « astralité » qu’une idéologie. L‘AC fait selon moi partie de la « Forme-Capital », cette expression lancée par Gérard Glanel pour voir dans le libéralisme autre chose qu' un simple modèle économique. Le libéralisme est aussi une forme qui vous impose une manière unique de penser : un monde où il ne reste que l’individu et l’économie, à l’exclusion de toutes les autres dimensions de la vie. Désigné judicieusement par Christine Surgens par l’acronyme « AC », je propose que les deux lettres désignent aussi « artefact concept » ou «astralité conceptuelle ».
Il y a par ailleurs un moyen très simple de comprendre pourquoi l’AC s’impose et ne s’expose pas. Tout d'abord parce qu' elle reflète une idéologie qui, elle aussi, s'impose dans nos vies, la Forme-Capital. En outre, qui aurait envie de payer une entrée pour voir des poubelles fondues, des squelettes en plastique ? C’est une raison toute simple, mais elle vous montre pourquoi l’AC n’est pas de l’art : les âmes ne sont tout simplement pas attirées par lui.
Je précise enfin que je ne dénigre absolument pas toutes les innovations en matière d’art, y compris en matière d’art contemporain. Je peux même dire que la muséographie du Kolumba Museum de Cologne est l’une de celle qui m’a le plus interpellé ces dernières années. Dans la salle du KM, se faisaient face une icône médiévale et une œuvre contemporaine ; j’ai trouvé cette rupture avec la chronologie linéaire très stimulante. C’est un lieu où l’esprit de Mac Luhan souffle. On avait l’impression, en visitant les salles, de voyager dans deux spirales temporelles. La visite s’est poursuivie par les vestiges archéologiques du sous-sol. Le musée, qui est construit sur la base d'une église médiévale bombardée pendant la guerre, montre que l’on peut innover et même révolutionner les schémas de pensée, sans effacer les traces du passé.
L’AC est basé sur le postulat contraire, et quel que soit le nom qu’on lui donne, il n’a donc aucun avenir.
Frédéric Andreu-Véricel
fredericandreu@yahoo.fr

ARTS PLASTIQUES : MONTRER 2 REALITES EN 1 IMAGE...

2021-04-28T17:42:00+02:00

... En utilisant un miroir. Tel était le sujet de Sacha.
Moment de complicité très intéressant et amusant ;)

Le Nounours géant de Marseille, oeuvre d'art ou ”logo” idéologique?

2021-04-25T13:25:28+02:00

Le Nounours géant de Marseille, oeuvre d'art ou "logo" idéologique?
par Frédéric Andreu-Véricel
Un ourson géant pour rassurer les gens en cette période incertaine, voici le motif officielle d’une œuvre exposée depuis quelques jours en plein milieu de l’esplanade piétonne de Marseille. Un projet drapé des intentions les plus louables mais qui contient aussi, comme tout ce qui est porté par l’art, plusieurs niveaux d’interprétations. D’ailleurs - insiste l’artiste - l’ours est conçu comme un Janus «biface», une face tournée vers le passé incertain et l’autre vers le futur souriant et libérateur. (L’idéologie du progressisme faite œuvre, serions-nous tenté d’ajouter...).
Au-delà des motivations (feintes ou non) à l’origine, bref la mythographie explicative, elle capte aussi « l’air du temps » en cela qu’elle manifeste le non-manifesté (voire le non-dit?) d’une époque et d’un lieu. Les anthropologues diraient que se juxtaposent dans l’œuvre le discours «etic» (construit à partir d’un point de vue) et le discours « emic ». Le lieu choisi n’est pas non plus anodin : Marseille, ville où le virus n’est pas plus létal qu’ailleurs, est la ville du controversé professeur Raoult.
L’œuvre exprimerait donc deux « niveaux de fréquence », celle de l’artiste et celle de la société façonnée par une époque particulière dont elle serait une sorte d’ « image reflet ».
Le site internet de l’artiste regorge de photos et d’anecdotes sur l’œuvre: « J’étais accro aux ours en chocolat Haribo et je le reste» mais à côté de ces révélations d‘une importance vitale, l’œuvre exprime autre chose, les lignes de forces psychiques de l’époque libérale que nous traversons; j’aime à ce propos le mot du sculpteur Maxime Descombin: «l’œuvre est centrale d’énergie psychique».
Pour capter cette image-reflet, il arrive (parfois) que la première impression soit la bonne. Regardez l’œuvre et demandez-vous ce qu’elle dérange immédiatement en vous. Pour moi, l’aspect de cet ours exprime la logique libéral du « logo », de la marque à l’air de la reproductibilité sérielle, soit le contraire de ce qu’elle prétend être : les systèmes n’ont rien de rassurant, ils sont au contraire mécaniques et s’imposent à tous et en tous lieu. Vous trouverez le même ours dans plusieurs grandes villes du monde. Mais l’artiste joue très habilement sur les signifiants : la peluche môle mâchonnée par l’enfant se transforme ici en sculpture géante de béton mais conserve les mêmes traits formels du nounours : une grosse tête ronde avec des petits yeux, les traits enfantins et les bras grands ouverts. La couleur orange criarde est celle, dit-il, du soleil, pourquoi pas ? mais c’est aussi la couleur de synthèse de la chaîne de restauration rapide Mac Donald ou celle de la firme de téléphonie éponyme. A noter également que le nom de l’œuvre «ours jayet» est le nom de l’artiste, écrit sans majuscule, et dont le prénom est inconnu...
Bref, une entreprise de com., au demeurant très réussie, qui joue sur les signifiants captatifs de l’enfance selon des procédés éprouvés de la publicité. Devant cette statue, on se retrouve tous fils putatifs de Edward Bernays, neveu de Sigmund Freud. A l’endroit de l’ours jayet, je préfère parler de slogan habillé en art plutôt que d’art habillé en slogan.
Pourquoi ? Parce qu’il ne suffit tout simplement pas à un objet exposé dans l’espace public, désigné comme une œuvre d’art, pour en être. L’art est une sécrétion subtile captée par une société et non pas un produit marketing reproductible. L’art parle d’abord - et mystérieusement - à l’âme, à l’affect ensuite, à la raison enfin et éventuellement.
Il y a une différence entre une œuvre d’art et un slogan, comme il y a une différence entre le miel secrété par les abeilles et un carré de sucre issu de l’industrie sucrière. De même, il y les sucres lents contenus dans les légumes et les fruits et les sucres rapides contenus dans les sodas.
A y voir de plus près, cette œuvre biface qui nous promet des lendemains meilleurs, a aussi un côté effrayant, voire obscure. Même si le nounours est le symbole du monde de l’enfance, il est l’ « objet transitionnel » du rapport à la mère selon l’interprétation connue de Winnicott - ici objet transitionnel au grand marché ouvert ? mais l’ours est aussi l’animal de la force brutale. En cela, il reflète parfaitement l’ère du macronisme intégral : à la fois l’immaturité politique et la force répressive contre les Gilets Jaunes et autres «français réfractaires».
Bref, si l’ours jayet exprime quelque chose, c’est peut être aussi l’astralité du libéralisme régnant de notre époque : Nous maintenir dans l’infantilisme d’un côté et nous matraquer de l’autre. Voici, pour moi, les deux faces cachées de ce gentil ourson marseillais.
Frédéric Andreu
fredericandreu@yahoo.fr

Ce qui est plus léger que moi me porte

2021-01-24T01:02:42+01:00

Je vois mieux mon chemin en levant la tête
L'air me guide mon pas m'écoute
Le reflet me comprend
Mes yeux prennent appui
Le nuage ne m'égare pas
Je me joue des signes
Ce qui est plus léger que moi me porte

(En passant sous un mobile de Susumu Shingu installé au Parc des Nations à Lisbonne)

Texte : © Christian Cottet-Emard, extrait de l'ensemble intitulé Dédicaces
(Photos Christian Cottet-Emard)

Max Jacob : réponse du berger à la bergère

2021-01-13T11:12:00+01:00

À propos de quelques portraits
ou Max Jacob & C^ie scrutés par Eddy du Perron

Au cours des années vingt du siècle passé, l’écrivain Eddy du Perron a été à maintes reprises portraituré, en particulier par l’Espagnol Pedro / Pere Creixams (1893-1965) (1) et le Hollandais Carel Willink (1900-1983) (2), mais aussi par le Grec Constantin Florias (1897-1969), le Suisse Oscar Duboux (1899-1950) (3), le Flamand Valentijn van Uytvanck (1896-1950), le Français Pascal Pia (1903-1979), l’Écossais d’origine juive russe Saul/Paul Yaffie/Jeffay (1898-1957), ainsi que par l’une de ses passions, la Belge Clairette Petrucci (1899-1994), jeune femme très courtisée qui l’a initié, si ce n’est aux plaisirs de la chair aristocrate, à certains auteurs français tout en lui permettant de rencontrer des représentants du monde littéraire et artistique du Paris et de la Bruxelles de l’époque (4). Dans un premier temps, Du Perron a d’ailleurs estimé que cette ravissante marquise était plus douée que son ami Creixams, lequel, sans être encore célèbre, pouvait toutefois déjà se prévaloir d’une certaine renommée.
La rencontre avec Pedro Creixams (photo) à la mi-mars 1922 du côté de Montmartre – et le même jour, semble-t-il, celle avec Pascal Pia – ne doit cependant rien à cette muse qu’il a lui-même, à quelques reprises, croquée sans guère chercher à la flatter (5). Pour ce qui est du registre du dessin ou de la peinture, relevons d’autre part que, comme beaucoup d’hommes de lettres, le futur auteur du Pays d’origine a fait l’objet de quelques caricatures. Enfin, lui qui, dans ses livres, s’est très souvent portraituré en s’attachant – une fois les pseudonymes abandonnés – à se masquer le moins possible, n’a pas manqué, à l’occasion, de crayonner sa bobine tantôt fine, tantôt poupine.

Eddy du Perron, par Max Jacob (1922)

Une petite page d’histoire littéraire entre France et Hollande porte sur l’un des portraits les plus amusants de l’auteur en herbe, celui réalisé par personne de moins que Max Jacob. Cette esquisse fait en effet l’objet d’un passage du roman Een voorbereiding qu’Eddy publie en 1927 ; dans ces pages inspirées de la réalité, le poète apparaît sous les traits de Clovis Nicodème (6) et le jeune Du Perron sous ceux de Kristiaan Watteyn. La rencontre a lieu place du Tertre, durant la première moitié du mois d’avril 1922, dans l’établissement À la Mère Catherine, « maison fondée en 1793, le restaurant dont la carte présente un sans-culotte qui tient en l’air, telle une lanterne, la tête de Lemoine, l’aubergiste, surnommé ‘‘père la Bille’’ ». Une conversation portant sur la poésie contemporaine se déroule entre les protagonistes attablés dont fait partie Jeffery Dowd, alter ego de Saul/Paul Yaffie/Jeffay, ainsi sans doute que le double de Gen Paul. Le propos se porte à un moment donné sur les vers de Pierre Bicoq (alias Jean Cocteau) : comme Kristiaan se réclame, non sans facétie semble-t-il, de ce poète, Nicodème avance que celui-ci lui doit pour ainsi dire tout comme un fils doit plus ou moins tout à son père. Et de poursuivre :
Eddy et Paul Jeffay
« Pourquoi ? Vous écrivez des vers à la Bicoq ?
- Je ne sais pas si je le fais bien, je ne m’y suis mis que depuis quelques jours. Dans un premier temps, j’écris des vers fluides et réguliers ; ensuite, j’entreprends de trancher. Je leur coupe bras et jambes, dans la plupart des cas aussi une partie du tronc sans oublier à chaque fois la tête. J’ai l’impression qu’ils commencent à montrer des similitudes avec ceux de Bicoq.
- Composer des vers réguliers, répond Clovis Nicodème avec bonhommie, ça n’a rien d’original.
- Je ne peux m’empêcher de penser, rétorque Kristiaan de façon pédante, que la véritable originalité transparaît sous chaque forme quelle qu’elle soit. L’originalité d’une énième nouvelle forme me paraît une maigre nouveauté qui bien vite s’essouffle. »
Les yeux de M. Nicodème sont remplis d’un éclat de chaleureuse moquerie. La tablée entière prête attention à Kristiaan. Docile, celui-ci reprend : « Bien entendu, vous me trouvez d’une stupidité consommée. C’est que je n’ose pas fabuler ; je vous confesse tout.
- Non, non, proteste son interlocuteur d’un clappement des lèvres, je ne vous trouve pas du tout stupide. Je vous trouve… charmant. »
Au dos du menu, Clovis Nicodème se met à crayonner le portrait de Kristiaan. Il lève la tête en le scrutant à chaque fois, entre ses lunettes et un sourcil en crochet, d’une pupille bleue.
« Les yeux d’un ange, murmure-t-il pour lui-même. Les yeux purs d’un ange. La bouche… la bouche d’une danseuse. »
Le portrait passe de main en main. Nicomède a prêté à Kristiaan une trombine ronde de gamin, ponctuée, en guise de quinquets, de deux raisins secs où se lit de la curiosité. On trouve le portrait très réussi. Clovis Nicodème se lève et, d’un large geste en direction de Kristiaan, lance : « Baudelaire enfant ! »
Puis il prend congé. Tous de rire. Dowd est même pris d’un hoquet de contentement. Le trait d’esprit de M. Nicodème a déçu Kristiaan. Hugo n’a-t-il pas dit de Rimbaud : « Shakespeare enfant ! » ? Il se demande si le grand homme s’est payé sa tête ou s’il lui a fait la cour.

Eddy face à Du Perron (portrait double, trucage, 1918)

Max Jacob, Eddy va partager sa compagnie à d’autres reprises. Ainsi du 20 juin de la même année – à l’époque où ce dernier travaille à son Manuscrit trouvé dans une poche – avant de passer un moment à s’entretenir avec Blaise Cendrars : « Je travaille toujours à ma tentative d’être moderne. Ça ne doit pas durer plus que 15 jours, je serais complètement fou. Travaillant comme je le fais, avec un je m’enfichisme complet pour le résultat et en m’amusant malgré l’effort que ça me coûte malgré tout, ça va ! J’ai revu hier soir Max Jacob, après lui Blaise Cendrars, qui m’a raconté de très amusantes histoires concernant son ami Chagall. C’est curieux, en les voyant plus, c’est Cendrars que je préfère de beaucoup à l’autre. Il est énergique, causeur amusant sans faire trop d'esprit, et simple. » (7). Au cours des années qui suivent, le Hollandais et l’auteur du Cornet à dés échangeront quelques lettres (8), le Français n’étant sans doute pas insensible au charme du jeune homme au teint et aux traits exotiques. Dans Een voorbereiding, Du Perron propose d’ailleurs quelques développements sur l’homosexualité qui font manifestement allusion au futur oblat.
Eddy, par Clairette Petrucci (1922)
Même si Eddy n’est pas forcément convaincu par le portrait esquissé par Max Jacob, il va en tirer parti en quelque sorte, tant comme séducteur que comme auteur. Multipliant les avances auprès de Clairette (photo ci-dessous), il le lui montre et se propose peu après de lui en adresser une reproduction : « comme vous semblez préférer les bonnes têtes d’enfant, ou les têtes de bons enfants, que sais-je ? (‘‘que scais-je ?’’ comme écrivait M. de Montaigne, que vous devez bien aimer) – j’ai fait photographier le dessin de Max Jacob, que vous trouvez ‘‘charmant’’ et vous enverrai une épreuve, si vous voulez. Mais comme moi je préfère les belles têtes anglaises, selon votre maman, voulez-vous faire photographier le dessin que moi j’ai fait de vous ? Sans amour-propre : c’est ce que je préfère de tout ce que j’ai fait de vous, avec kodak ou crayon » (9). Quelques jours plus tard, il tient sa promesse, non sans brosser, par écrit, un portrait assez savoureux du libertaire Henri Chassin (1887-1964), dont il vient de faire la connaissance à Montmartre, alors qu’il était en compagnie du peintre Marcel Leprin (1891-1933) : « […]

Hommage à Pierre-Yves Trémois

2020-10-02T00:29:00+02:00

Hommage à Pierre-Yves Trémois
Perles de Culture n°267 - TVL

Chaîne officielle TVLibertés

Aude de Kerros, elle aussi peintre et graveur, célèbre la mémoire d'une des figures les plus importantes du monde artistique au XXème siècle. Pierre-Yves Trémois laisse une œuvre immense qui en a fait un artiste honoré jusqu'au Japon et qui est mort dans la discrétion la plus absolue.

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Pierre-Yves Trémois, un grand illustrateur de Montherlant

2020-08-28T08:13:00+02:00

Pierre-Yves Trémois, un grand illustrateur de Montherlant
Ex: http://www.montherlant.be
“Le burin m’a appris la simplicité et la simplicité est terrible.”
(Trémois)
“Trémois, un grand artiste cosmique.”
(Montherlant)
“Il y a une allégresse de la tragédie. Je pense que l’éprouvent tous les poètes tragiques.
Derrière leur masque à la bouche retombante, il y a un visage qui rit.
Je pense que Trémois jubilait en jettant d’un trait sûr et fort ses têtes coupées,
ses mains sanglantes, ses Jeanne Moreau coiffées d’aigles et ses hommes.”
(Montherlant)
Biographie de Trémois
Pierre-Yves Trémois est né en 1921 à Paris. Il est peintre, graveur et sculpteur.

Il suivit des études à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il fut Grand Prix de Rome de Peinture en 1941. Il est membre de plusieurs Académies, dont l’Académie des Beaux-Arts, à l’Institut de France (1978).
Il a réalisé de somptueuses illustrations d’éditions de grand luxe originales de Montherlant, soit trois ouvrages de théâtre : en 1953 Pasiphaé, en 1960 Le Cardinal d’Espagne, et en 1964 La Guerre civile.

“Trémois, c’est la pureté et la décision du trait, le contraste entre la rigueur du graphisme et la liberté de l’imagination. Le trait, défi violent et sensuel qui domine la technique au point de la faire oublier, pas d’ombre, pas de couleurs, pas de sentiments, une précision diabolique, presque clinique.

Il est un des plus grands graveurs de son époque. Son œuvre est en partie érotique. Il représente les corps dans une irrésistible passion, dans des enlacements très sensuels. Il se désigne d’ailleurs comme un “érotographe”. Mais nulle pornographie, nulle laideur dans ces corps nus magnifiques.

Trémois écrit ceci : “L’érotisme est grave, un des moments les plus intenses de l’existence. On me traite parfois d’érotique. La morale en art n’existe pas. Elle n’existe pas non plus chez les animaux, elle n’existe pas non plus dans l’érotisme.”

Car Trémois est fasciné aussi par les animaux, (les batraciens notamment, et les insectes). II était très apprécié par le savant Jean Rostand qui était aussi un admirateur de Montherlant.

Trémois a illustré notamment Claudel, Jouhandeau, Jean de La Fontaine, Jean Rostand, Ovide, Giono, Verlaine, Nietzsche.

Il a exposé dans toute la France, en Belgique et au Japon depuis 1962.
Trémois et Montherlant
Voici ce que Montherlant écrit de lui, en février 1971 :
“Le matador doit entrer l’épée dans le taureau “court et droit” : c’est la formule consacrée. Le graveur doit entrer le burin dans le cuivre “pur et sûr”. Les œuvres de Trémois, qu’elles soient peintures, dessins, monotypes ou gravures, étonnent l’écrivain habitué aux tripotages infinis ; nous autres nous n’avons pas besoin de ce jet infaillible et irrévocable.

La pornographie, telle qu’elle est exploitée commercialement et industriellement de nos jours, rend vulgaire et assommante la chose la meilleure, la moins vulgaire et la plus vénérable du monde, qui est l’acte érotique.
Trémois nous rend cet acte dans sa pureté. Double pureté : celle du trait ; celle de l’intention, comme lui, nette.
“Le monstre biforme, la grande rose humaine, se détacha et s’envola dans la nuit.” J’ai écrit cette phrase bien avant de connaître Trémois. Elle pourrait être une de ses légendes. Quand elles ne sont pas lovées dans des conques, ses érotiques vaguent dans un univers de soleils, de rayons, de planètes, mêlés à des pieuvres et à des médrapores. C’est l’infini intérieur dans l’infini sous-marin et stellaire.

Et puis les insectes nets, compliqués, avisés. Et les difformes, chéris sans doute de la nature, qui les multiplie à satiété.

Le monde animal attire Trémois, et le monde humain. Mais plus que tout, les planches où s’accouplent les deux règnes touchent l’auteur de Pasiphaé. On les dit “troubles” alors qu’elle sont limpides, et “inquiétantes” alors qu’il y a une paix sublime dans les deux règnes réconciliés par un bonheur commun.

J’ai essayé maintes fois de convaincre Colette et Gide d’aborder ce profond et sublime sujet, soutenus par leur autorité d’écrivains : je leur fournirais une documentation invraisemblable. Tentés, sentant bien que cela était important et entièrement nouveau, ils prenaient peur et se dérobaient. Un grand artiste cosmique comme Trémois s’honorerait en traitant plus loin qu’il ne l’a fait cette fusion des espèces, juste un instant, avant qu’elle ne fut rejetée avec haine dans la fosse dantesque où grouillent les préjugés.” (Février 1971, texte de Montherlant dans l’ouvrage Pierre-Yves Trémois, aux éditions Jacques Frapier, Paris 1971)
En 1927, déjà, interviewé par Frédéric Lefèvre, (Une Heure avec Henry de Montherlant dans Les Nouvelles littéraires du 15 octobre 1927), Montherlant insistait déjà sur la nécessité de ne pas être choqué par un “totalisme” érotique, selon lui, naturel. Il n’aura jamais renié cette vision du monde, originale et audacieuse, mais choquant les esprits encadrés par la morale judéo-chrétienne.

Il faut garder à l’esprit la pensée naturellement rebelle, totalement individualiste, de Montherlant en matière de mœurs.
Et cet autre texte de Montherlant : “J’écrivais en 1931 sur La Rose de sable, sans connaître encore
Trémois : “Ce qu’il voulait, c’était une ligne pure, et avant de la tracer, il avait de l’inquiétude, la bouche entrouverte comme un équilibriste qui se dispose à exécuter un saut périlleux.” De ce trait infaillible et irréversible, Trémois cerne les êtres et les êtres surtout dans l’instant de leur magnificence amoureuse.

Puis, il y a les bêtes encornées ou ailées, ou coruscantes, ou corsetées, fixées elles aussi dans leurs magnificences.
Puis il y a les femmes griffues ou aquilifères, et les hommes à torsades de serpents. (…)
Dans l’œuvre de ce grand artiste chacun comme de raison voit ce qu’il est soi-même, ou croit être, ou veut être. Pour moi, le burin cruel qui incruste au cuivre des visions fantastiques et des grimaces de cadavres me rappelle que, avec la force, la clarté et la précision sont les trois vertus théologales de l’art.
Détails sur les œuvres de Montherlant illustrées par Pierre-Yves Trémois :
Pasiphaé, le chant de Minos
de Henry de Montherlant.
Format 30 x 40 in-quarto.
Tirage à 225 exemplaires.
Avant-propos inédit de l’auteur.
Les 29 eaux-fortes et burins originaux ont été tirés sur les presses de R. Lacourière par J. Frélaut sur vélin spécialement fabriqué et filigrané “à la tête de taureau”.
Cet ouvrage a été achevé d’imprimer par les soins de P. Bouchet à Paris en 1953.
En outre les éditions L. C. L “Les Peintres du livre” éditaient en 1967 une nouvelle forme de l’ouvrage tirée à 3000 exemplaires et comprenant la reproduction au format 21 x 22 de certaines planches de l’édition originale.
Le Cardinal d’Espagne
Edition originale de Henry de Montherlant.
Format 33 x 42.
Tirage à 250 exemplaires.
Les 34 eaux-fortes et burins originaux, ainsi que le texte calligraphié par l’artiste des extraits du texte de Montherlant, ont été tirés sur les presses de R. Lacourière par J. et R. Frélaut.
Cet ouvrage a été achevé d’imprimer par les soins de P. Viglino pour H. Lefebvre à Paris en 1960.
Les exemplaires ont été signés par l’éditeur et l’artiste.
En plus de cette édition, un exemplaire unique a été constitué en 2 volumes grand in-folio, le premier contenant un des premiers exemplaires sur Japon, le second comprenant : 34 Monotypes
peints à l’encre d’imprimerie par l’artiste formant les “originaux”, tirés par Trémois sur les presses de R. Lacourière ; le manuscrit autographe de H. de Montherlant.
La couverture a été gravée au burin par l’artiste.
La Guerre civile
Edition originale de Henry de Montherlant
Format 32 x 44 grand in-folio.
Tirage à 200 exemplaires.
Les 25 eaux-fortes et burins originaux dont certaine planches doubles à rabat, ainsi que le texte calligraphié par l’artiste des extraits du texte de Montherlant, ont été tirés sur les presses de R. Lacourière par J. et R. Frélaut.
Cet ouvrage a été achevé d’imprimer par les soins de D. Viglino pour H. Lefebvre à Paris en 1964. Tous les exemplaires ont été signés par l’éditeur et l’artiste.
La couverture, et la page de titre, ont été gravées par l’artiste au burin et à l’aquatinte.
Sources
Pierre-Yves Trémois, avant-propos de Louis Pauwels, textes de Henry de Montherlant et de Jean Rostand, gravures monotypes, Editions Jacques Frapier, 1971
OR, catalogue imprimé en mars 1972 à l’occasion de l’exposition de Trémois à la Galerie Maurice Garnier
Monographie sur Pierre-Yves Trémois, imprimée en Octobre 1974 sur les presses de la S. M. I à Paris
Catalogue sur Pierre-Yves Trémois, imprimé en octobre 1974, sur les presses de la SMI à Paris

Pierre-Yves Trémois : le génie du trait et la passion des corps

2020-08-27T13:56:29+02:00

Pierre-Yves Trémois : le génie du trait et la passion des corps
par Michel Thibault
Ex: https://rebellion-sre.fr
Mort le 16 août à l’âge de 99 ans du dessinateur, graveur, peintre et sculpteur Pierre Yves Trémois… Artiste d’un immense talent, nous avions consacré cette article à l’exposition qu’il avait réalisé sur l’ensemble de son oeuvre.
Le 11 Avril 2013 s’ouvrait à Paris, au réfectoire des Cordeliers, une exposition intitulée : « Traits de Passion » – où sur toile et en noir et blanc, Pierre-Yves Trémois nous dévoilait avec sa puissance d’expression, l’univers passionnel qui accompagne l’homme depuis les origines, avec en ouverture la passion du Christ, acte fondateur et sacré, décrite avec toute sa cruauté, mais aussi porteuse d’espérance. Corps suppliciés, criants, hurlants ou érotisés dans l’acte d’amour, accompagnés de commentaires calligraphiés, Pierre-Yves Tremois dont l’esthétique a marqué le siècle, nous rappelait à 92 ans qu’il demeure le plus grand dessinateur et graveur de son temps.
Le parcours de l’artiste est celui d’un homme discret pour ne pas dire secret, même si les honneurs et la reconnaissance ont été très tôt au rendez-vous. Pierre-Yves Trémois est né le 8 Janvier 1921 à Paris ; en 1938, il entre à l’école des beaux arts, et grave ses premières plaques en 1942. En 1943, il obtient le grand prix de Rome de peinture et participe à sa première exposition à la bibliothèque nationale. En 1945, il se fait connaître comme illustrateur en gravant des eaux- fortes pour l’ouvrage de Paul Vialar La Grande Meute, qui connaît un fort succès. C’est le début pour Trémois d’une enrichissante collaboration avec des auteurs, dont beaucoup deviendront des amis : Montherlant, Giono, Claudel, Jouhandeau etc. – Au total, plus de 40 ouvrages illustrés – En 1957, de la rencontre avec le biologiste Jean Rostand va naître une œuvre commune, Bestiaire d’Amour, qui traite des relations amoureuses chez les animaux, illustré de 22 planches ; une deuxième édition sera augmenté de 200 dessins. Rostand et Trémois partagent la même fascination pour le monde animal – pour le savant : « Dans l’animal, on se heurte au mystère de la vie à l’état pur. Tout l’essentiel de l’homme sans l’homme. » – et l’artiste de répondre : « J’ai autant de plaisir à dessiner des crapauds accouplés que des humains dans le même exercice. ».
Désormais batraciens et singes vont devenir des éléments récurents dans l’œuvre de Trémois, comme une interrogation permanente sur les origines de l’homme et la théorie de l’évolution. En 1963, Trémois lors d’un séjour en Bretagne rencontre Catherine, celle qui deviendra sa femme, sa muse et sa complice. Peu d’artistes osent pratiquer la gravure, car le burin qui prolonge la main n’a pas droit à l’erreur, le tracé doit refléter fidèlement l’esprit du créateur, la plaque de cuivre ne connaît pas la gomme. Le trait idéal, épuré, simple et complexe à la fois, Trémois l’a entrevu dans les estampes et la peinture japonaise, c’est une quête perpétuelle qui traverse les siècles, de Lascaux à nos jours. Trémois, en habitué de la culture asiatique, a choisi le trait noir, régulier et affirmé, sur fond blanc, le Yin féminin et le Yang masculin, dualité et complémentarité. Ce trait qui nous est familier aujourd’hui, s’est épanoui dans l’œuvre sensuelle et érotique, qui reste le fondement de l’inspiration de l’artiste : « Le désir de dessiner, de peindre, de graver, de sculpter des images de l’amour – c’est le seul sujet existant et excitant qui puise envahir l’existence d’un artiste. ». Trémois ignore superbement la « théorie du genre », dans ses créations la nudité définit les sexes, qui s’accouplent pour la plus saine des jouissances, corps sublimés par le génie de l’artiste ; sur ce « champ de bataille » la chair n’est jamais triste. Pierre-Yves Trémois est un créateur total, un alchimiste, aucune matière, aucun domaine ne lui est étranger, il travaille la toile mais aussi l’or, le bronze et la céramique : réalise des affiches, timbres, bijoux, tapisseries, médailles etc.
En 1978 il est reçu à l’académie des beaux-arts, son épée est un sabre de samouraï, avec une lame du XVème siècle, ornée de deux plaques d’or sur lesquelles il a gravé ces mots : « La ligne est mon partage ». Les photos de l’événement montrent un homme élégant dans son habit vert, à la silhouette élancée et au visage d’une beauté grecque. Dans son discours en hommage au dessinateur Paul Lemagny, Trémois fait l’éloge du nu et dénonce la destruction des formes dans « l’art contemporain » : « Le nu, qui pendant des siècles, a été le prétexte de l’art, s’est peu à peu désacralisé ; il a même été tourné en dérision, pantin distordu du néant. Ce corps glorieux, en son jardin d’Akadêmos, ne reçoit plus, que des pierres gauchement lancées. ». Critique sur la voie où s’engage l’art moderne, il égratigne en 2008 l’ « Art officiel » et les « installations », lors de sa nomination dans l’ordre de la légion d’honneur, à quelques pas des colonnes de Buren.
Passionné par les rapport entre l’art et la science, Trémois est redevable après Galilée et Newton à Albrecht Dürer, artiste et mathématicien allemand, pour ses recherches sur la perspective et la divine proportion ; cette dette, il l’honore en 1981 par une série d’estampes intitulée Hommage à Dürer. En 1997 il expose à la galerie Victoria à Paris des sculptures où, outre son génie de la matière, on retrouve résumés ses thèmes de prédilection : le singe savant, les crapauds accouplés, l’étreinte amoureuse, ainsi qu’un saisissant portrait de Salvador Dali.
Aujourd’hui Pierre-Yves Trémois, dévoué à l’art – et non au marché de l’art- se remet sans cesse en cause et poursuit sa quête d’excellence en solitaire, tel un moine zen, après 70 ans de créations. Comblé, honoré, son génie reconnu, il reste humble et déclare avec humour : « Si le Moi est haïssable, que dire du Très-moi ? ». Un dernier souci pourtant, trouver un lieu où déposer ses œuvres, car l’artiste qui a révolutionné l’art figuratif n’a toujours pas de proposition de musée permanent. Cela est d’autant plus révoltant que la ville de Nice est revenue sur un accord, qui prévoyait l’ouverture d’un musée Trèmois en 1992, dans un bâtiment construit par l’architecte japonais Kenzo Tange, avec une donation de 200 œuvres et une collection d’art japonais. Il n’est pas trop tard pour réparer cette injustice. Il y a deux types de génies : ceux que l’on admire et respecte, et ceux que l’on admire, respecte et aime. Pierre-Yves Trèmois appartient à ces derniers.
Michel Thibault
A lire : Yvan Brohard, « Trèmois, catalogue raisonné », Editions Monelle Hayot, 600 pages et 2500 illustrations pour découvrir l’oeuvre de l’artiste.

Retrospectieve Maurits De Maertelaere / Rétrospective Maurits De Maertelaere

2020-08-14T09:51:00+02:00

Retrospectieve Maurits De Maertelaere
Rétrospective Maurits De Maertelaere
Tentoonstelling Beeldhouwkunst
Exposition de sculptures
Sporen van Maurits De Maertelaere
Traces de Maurits De Maertelaere
Van 26 september t/m 18 october
Info
Waar? Où?
Artmut
Pareipoelstraat 3
2800 Mechelen
Hoe geraak ik hier? / Comment s'y rendre?
Het Schone sterker dan steen
Door Wido Bourel
Maurits De Maertelaere (1927-2014)
Ik heb dat beeldje in Maurits z’n atelier altijd weten staan. Een verfijnd, slank naakt, gekapt uit wit marmer van Carrara. Toen hij, na een mooi leven vol noeste arbeid, de deur van zijn atelier achter zich dichttrok, gaf Maurits me het kleinood mee.
Bijna veertig jaar geleden, ontmoette ik Maurits De Maertelaere voor de eerste keer. Het klikte meteen tussen ons. Mijn bezoeken aan zijn atelier koester ik als de meest dierbare herinneringen. In Kalken kon het jachtige leven even tot rust komen. Overpeinzingen over de vrienden, het leven, en de bandbreedte van de strijd. Ze konden tot in de late avonduren duren. ‘En zo, of zo’ beaamde Maurits, filosofisch.
Maurits kende in heel Europa de goden en klein Pierke. Overal gaf hij present met zijn beeldhouwwerk, van Zuid-Vlaanderen tot Occitanië en van de Oost- tot de Noordzee. Een kunstenaarsleven, soms ondankbaar, dat hij in zijn stijlvolle, trotse eenvoud volwaardig beleefde.
Een voldaan leven
Maurits de Maertelaere is na een voldaan leven voorbije zomer heengegaan. Wat blijft is zijn beeldhouwwerk, uit steen en hout gewekt tot leven. Het Schone zoals Maurits het zag. Ze zijn uit ons huis niet weg te denken: een moeder die haar kindje omarmt, dansende jongen en meisje, heidense figuren elkaar omhelzend, drie kinderen van Moeder Aarde die de sterren aanreiken als op een gravure van Dombrowski.
Ik kijk ook naar de adelaar boven het haardvuur. Maurits was de vriendenhand uit het gedicht die de adelaar uit nobele eik sneed: “het dubbele hoofd strak en trots geheven naar ginds en naar ginds”.* Symbool van 1.200 jaar Europese geschiedenis waarover hij zoveel kon vertellen.
En dan is er nog dat beeld uit wit marmer van Carrara. Vorige week viel het toch wel in stukken op de grond. Het kon niet waar zijn. Tekenen vanuit het hiernamaals zijn niets voor mij. Ik verzamelde dus zorgvuldig de brokstukken en, zonder hoop, haastte me naar een handige Harrie. En het onmogelijke gebeurde: geen sporen van restauratie. Het beeld kreeg ik heel terug.
De achtergelaten boodschap van beeldhouwer Maurits De Maertelaere: het Schone is sterker dan (gebroken) steen.
*Uit het gedicht De Adelaar van Paul-Hendrik Leenaards ( 1924-1988)
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Le futurisme contestataire

2020-07-30T18:47:12+02:00

Le futurisme contestataire
par Maurice Cottaz
Ex: http://terreetpeuple.com
« Une automobile rugissante, qui a l'air de courir sur de la mitraille, est plus belle que la Victoire de Samothrace». Filipo Tommaso Marinetti l'affirme dans un manifeste, publié, le 20 février 1909, dans « Le Figaro».
Pour   lancer   cette   proclamation,   qui condamne   « l'immobilité   pensive»   et exalte   « le mouvement   agressif...,   le pas gymnastique,   le saut périlleux,   la gifle et le coup de poing», le poète italien     a     choisi     Paris.     Son     pays, estime-t-il, ne convient pas à une telle entreprise.
Choix     paradoxal,     puisque     l'auteur entend bien demeurer essentiellement italien, et donner au « futurisme», dont il   expose   les   principes,   un   caractère national. Paris   est alors   la   ville accueillante à toutes les créations littéraires et artistiques. Naturalisme, impressionnisme, symbolisme, orphisme, nabisme, fauvisme, cubisme y ont suscité des curiosités inlassables et des débats passionnés.
L'Italie, au contraire, demeure soumise aux disciplines classiques. Dans le Nord, son développement industriel paraît requérir toutes ses énergies.
Marinetti n'est qu'un homme de lettres, mais un an (presque jour pour jour) après son manifeste, cinq peintres italiens qui ont adopté ses principes en publient un à leur tour, Ils se nomment Boccioni, Carra, Russolo, Baila, Severini.
En Italie, cette déclaration de principes fait, selon l'un de ses signataires, « l'effet d'une décharge électrique».
Au mois d'avril suivant, les «cinq» publient un nouveau document : le « Manifeste technique de la peinture futuriste».
La prééminence du dynamique sur le statique y est affirmée. La nouvelle peinture traduira dans son langage « la vie moderne fragmentaire et rapide».
« II faut mépriser toutes les formes d'imitation». Le mouvement et la lumière doivent anéantir la matérialité des corps. Le nu, encore triomphant dans les salons, est déclaré aussi nauséeux en peinture que l'adultère en littérature. Les futuristes exigent sa suppression totale pour dix ans.
L'absolutisme même des allégations futuristes ne facilite pas, en 1910, l'approbation des théories nouvelles par l'opinion italienne. Aussi est-ce à Paris que, grâce à Gino Severini, qui est venu y résider, la première grande exposition futuriste peut avoir lieu. Elle se tient en février 1912 à la galerie Bernheim-Jeune.
Soixante et un ans après cette manifestation historique, c'est encore Paris qui présente, au Musée d'art moderne, une rétrospective de ce mouvement.
Près   de   quatre-vingt-dix   peintures, sculptures et dessins, et de nombreux documents, permettent de mesurer le chemin parcouru depuis la proclamation de ces audaces. Il apparaît aujourd'hui qu'elles ne se sont pas soustraites à une permanence plastique de bon aloi : les peintres futuristes sont d'abord des peintres ; le « faire » italien s'y distingue. C'est en vain qu'ils s'élèvent contre la culture classique. Ils sont conditionnés par un savoir séculaire, qu'ils enrichissent des recherches picturales de leur temps.
Celles-ci leur fournissent les moyens techniques d'exprimer la lumière et le mouvement. Le divisionnisme de Seurat, en particulier, permet la conversion des formes en vibrations lumineuses et en perceptions animées.
Le futurisme, qui doit tant au cubisme, s'oppose ici à lui. Alors que le cubisme, soucieux de constructivité, tente de rétablir un ordre classique par la recomposition synthétique des formes, le futurisme tend à un éclatement, traduisant des « états d'âme plastiques».
En raison même de la liberté et de la souplesse de l'expression verbale, Marinetti apparaît cependant plus affranchi du formalisme traditionnel que ceux qui le suivront picturalement.
Cet Italien si indéfectiblement attaché à son pays est, en outre, de culture cosmopolite. Né à Alexandrie, en Egypte, en 1876, il a accompli à Paris la majeure partie de ses études. Il s'exprime aussi bien en français qu'en italien. Sa tragédie « Le roi Bombance », publiée en 1905, a même été écrite dans notre langue, et n'a été traduite qu'ultérieurement en italien, sous le titre « Re Baldoria». Son œuvre littéraire est alors désordonnée, baroque, voire saugrenue, mais brillante et riche d'inventions. En fait, ce novateur apparemment brouillon est très informé des diverses tendances qui contestent la culture de son temps. Il n'ignore pas les essais « unanimistes» de Jules Romains, dont « L'âme des hommes» a paru en 1904.
Si l'on ne peut lui refuser la paternité d'un mouvement qu'il a eu le mérite de définir et d'animer chaleureusement, on peut considérer que, curieux de littérature française, il a dû connaître les textes précurseurs de ce qui sera le futurisme.
Or il ne les a jamais évoqués. Et en conséquence, le même silence a été observé par ses biographes, et par les historiens du futurisme.
Compte tenu de l'évolution technique, la précellence de l'automobile de course sur la «Victoire de Samothrace» a pourtant des précédents. Dès 1852 (année de l'établissement du Second Empire) Louis de Cormenin blâmait, dans « Les fleurs de la Science», les «poètes à courte vue» qui estimaient incompatibles le machinisme et le lyrisme. La machine, certes, est encore imparfaite, écrivait-il, mais attendez, « et la locomotive sera aussi belle que le quadrige d'Agamemnon ».
En   1853,   la   «Revue   de   Paris» entreprenait une campagne en faveur de l'introduction du monde mécanique dans les lettres et dans les arts. Louis Ulbach, Achille Kaufmann se distinguaient dans cette tentative. Kaufmann décrivait habilement, en peintre pourrait-on dire, les sensations visuelles d'un voyageur en chemin de fer. S'adressant aux hommes de lettres, il leur disait : « Si vous ne sentez pas alors le grandiose et la poésie de l'industrie, vous n'avez pas besoin de chercher ailleurs des inspirations, vous n'en trouverez nulle part».
Deux ans plus tard, Maxime Du Camp faisait paraître ses « Chants modernes», dont la préface constituait, plus d'un demi-siècle avant Marinetti, un véritable manifeste futuriste. Du Camp dénonçait l'attachement à un archaïsme gréco-latin. On s'occupe encore, écrivait-il, de la guerre de Troie et des Panathénées, en un siècle « où l'on a découvert des planètes et des mondes, où l'on a trouvé les applications de la vapeur, l'électricité, le gaz, le chloroforme, l'hélice, la photographie, la galvanoplastie...»
Cormenin, Ulbach, Kaufmann, Du Camp avaient d'ailleurs, en Angleterre, un illustre prédécesseur: William Wordsworth, mort en 1850, à quatre-vingts ans. « Les découvertes du chimiste, du botaniste ou du minéralogiste, avait-il dit, seront, pour l'art du poète, des objets aussi convenables que ceux sur lesquels il s'exerce actuellement».
Même un romancier tel que Jules Verne ne dédaignait pas de recourir au vocabulaire scientifique pour ses descriptions poétiques. Ainsi ce lever de soleil : « Le luminaire du jour, semblable à un disque de métal doré par le procédé Ruolz, monta de l'océan comme s'il sortait d'un immense bain voltaïque».
Parmi les artistes disposés à passer de la novation littéraire à la novation plastique, Umberto Boccioni va se révéler l'un des plus résolus. Lorsqu'il fait la connaissance de Marinetti, en 1909, l'année du premier manifeste, il s'est déjà livré à des recherches tendant à soustraire les arts aux disciplines académiques alors en faveur. D'abord séduit par le néo-impressionnisme et le « Modem style», il s'intéresse, dès 1911, au cubisme. Sculpteur autant que peintre, Boccioni publie en 1912 le « Manifeste technique de la sculpture futuriste».
Sa condamnation de l'exploitation du classicisme y est catégorique. Prétendre créer « avec des éléments égyptiens, grecs, ou hérités de Michel-Ange, est aussi absurde, assure-t-il, que de vouloir tirer de l'eau d'une citerne vide au moyen d'un seau défoncé».
Les tableaux actuellement exposés au « Musée national d'art moderne» démontrent l'efficacité de ses recherches quant à l'expression du mouvement. Sans aucune détermination précise des cavaliers et de leurs montures, sa «Charge des lanciers» impose le sentiment vertigineux d'une force convergeant irrésistiblement sur un même point.
D'un tempérament moins doctrinaire que Boccioni, Carlo Carra prétendra avoir découvert la notion picturale du mouvement en se trouvant mêlé à une manifestation populaire. Sa fréquentation des milieux ouvriers, socialistes et anarchistes, contribuera évidemment à de telles découvertes.
Il s'efforce cependant d'aller au-delà de la traduction du mouvement, et d'exprimer aussi les sons et les odeurs, afin d'obtenir une « peinture totale». Ses conceptions en cette matière sont pour le moins originales. « Nous n'exagérons guère, écrit-il en 1913, lorsque nous affirmons que les odeurs peuvent à elles seules déterminer dans notre esprit des arabesques de formes et de couleurs constituant le thème d'un tableau et justifiant sa raison d'être.»
« Les funérailles de l'anarchiste Galli», «Ce que m'a dit le tram», «Poursuite», présentés à Paris, sont des œuvres qui expliquent les aspirations de l'artiste. Carra y renoncera plus tard, après avoir rencontré Chirico, et pratiquera, au sein du groupe « Novecento », la peinture figurative qu'il avait dénoncée en sa jeunesse.
Luigi Russolo n'est pas seulement peintre, il est aussi, et avant tout sans doute, musicien. Aussi ne peut-on pratiquement pas isoler ses recherches plastiques de ses recherches musicales.
— Nous prenons infiniment plus de plaisir, a-t-il dit, à combiner idéalement des bruits de tramways, d'autos, de voitures et de foules criardes qu'à écouter encore, par exemple, l'« Héroïque» ou la « Pastorale».
La machine musicale (« Intonarumori ») que Russolo construisit, avec le peintre Ugo Piatti, n'apparut cependant pas convaincante. Après la guerre, où il fut blessé, son inventeur vint à Paris, où il se livra, lui aussi, à la peinture figurative.
Doyen des signataires des manifestes de 1910, Giacomo Balla aura été essentiellement peintre. Encore qu'il se soit formé à peu près seul, il fait toujours au début du siècle, figure de maître. Il compte parmi ses élèves Boccioni et Severini.
Ses études de la décomposition de la lumière et du mouvement doivent beaucoup au divisionnisme. Mais il se propose de donner à celui-ci un caractère plus général, et d'en faire, en quelque sorte, l'instrument d'une esthétique nouvelle.
Son « Lampadaire» a pour objet principal de « démontrer que le romantique clair de lune est écrasé par la lumière électrique moderne». Ses « interpénétrations» préfigurent les recherches d'abstraction géométrique.
Si Gino Severini est, en France, le plus connu des artistes futuristes italiens, c'est qu'il s'établit très jeune à Paris, où il demeurera pratiquement pendant soixante ans. Compagnon d'Apollinaire, Max Jacob, Modigliani, Picasso, Braque, Delaunay, il épouse en 1913 la fille de Paul Fort.
A ses débuts, la peinture de Seurat exerce sur lui une influence décisive. Mais très tôt il est acquis aux principes du futurisme, qui répond à ses goûts modernistes pour la machine et la vitesse, qui, croit-il, doivent permettre à l'homme de dominer la matière. Il va même jusqu'à s'initier au pilotage aéronautique.
Plusieurs de ses œuvres exposées ont été inspirées par la vie parisienne : « L'autobus», « La danse de l'ours au Moulin-Rouge», « Rythme plastique du 14 juillet», « Danseuse au bal Tabarin». L'artiste a lui-même expliqué le sens du tableau «Nord-Sud»

En 1958, Salvador Dali et ses réponses étonnantes sur sa vie et son oeuvre

2020-06-18T09:08:00+02:00

En 1958, Salvador Dali et ses réponses étonnantes sur sa vie et son oeuvre

archivesRC

Entrevue hors de l'ordinaire, en français, avec Salvador Dali qui parle de ses succès internationaux et sa place dans l'art de son époque versus la place de Pablo Picasso. Il fait une critique de son oeuvre et de la peinture moderne et parle du personnage qu'est Salvador Dali, il parle de ses inspirations, de son travail au cinéma, de Khrouchtchev, de l'art soviétique, de ses plus grands artistes, l'Espagne, la politique, la religion, l'argent et de ses moustaches.
Source : Carrefour, 27 mai 1958
Animateur : Wilfrid Lemoine
Encore plus de nos archives : https://ici.radio-canada.ca/archives/...

Ce qui est plus léger que moi me porte

2019-01-29T02:14:00+01:00

Je vois mieux mon chemin en levant la tête
L'air me guide mon pas m'écoute
Le reflet me comprend
Mes yeux prennent appui
Le nuage ne m'égare pas
Je me joue des signes
Ce qui est plus léger que moi me porte

(En passant sous un mobile de Susumu Shingu installé au Parc des Nations à Lisbonne)

Texte : © Christian Cottet-Emard, extrait de l'ensemble intitulé Dédicaces
(Photos Christian Cottet-Emard)

Zum 300. Geburtstag des »ersten Kunsthistorikers«: Johann Joachim Winckelmann

2017-12-26T12:25:14+01:00

Ikone des Klassizismus
Revolutionäre Kunst-»Gedanken« – Zum 300. Geburtstag des »ersten Kunsthistorikers«: Johann Joachim Winckelmann
Harald Tews
Ex: http://www.preussische-allgemeine.de
Die Griechen als Vorbild für Europa? Diese Vorstellung käme heute einem Witz gleich. Im 17. Jahrhundert aber konnte Johann Joachim Winckelmann die Kunst der alten Griechen noch unbekümmert zum Kunstideal erklären. Er setzte damit die Stilrichtung des deutschen Klassizismus in Gang und machte sich zum ersten Kunstwissenschaftler überhaupt.

Kleines Literaturquiz: Wie heißt der französische Autor solcher berühmter Romane wie „Rot und Schwarz“ oder „Die Kartause von Parma“? Richtige Antwort: Stendhal. Es war das Pseudonym von Marie-Henri Beyle, der sich in der französisierten Form nach der Stadt in der Altmark nannte, aus der sein großes Vorbild stammte.

In Stendal wurde am 9. Dezember 1717 Johann Joachim Winckelmann geboren, der mit einer einzigen Phrase schlagartig berühmt wurde und der einen nicht zu unterschätzenden Einfluss auf eine Kunstepoche hatte, die von Deutschland aus ganz Europa erfassen sollte und das Rokoko ablöste.

Das Winckelmannsche Idiom von der „edlen Einfalt und stillen Größe“ als Merkmal alter Kunst war bald ähnlich in aller Munde, so wie heute rätselhafte Werbebotschaften zum Allgemeingut geworden sind: „Haribo macht Kinder froh“ oder „Yes, we can“. Man muss Slogans nur oft genug wiederholen, damit sie sich ins kollektive Gedächtnis einprägen.

Winckelmann verstand es aus der Not heraus, Werbung in eigener Sache zu machen. Sein kurzes Traktat „Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst“, in dem er seinen originellen Einfall von der „edlen Einfalt“ wie ein Leitmotiv wiederholte, war im Prinzip ein Bewerbungsschreiben für eine Bibliothekarsstelle beim Kardinal Archinto in Rom. Den päpstlichen Nuntius hatte Winckelmann in der Bibliothek eines Gönners bei Dresden kennengelernt. Nachdem ihm der Kardinal die Stelle schmackhaft gemacht hatte, konvertierte Winckelmann sogar zum Katholizismus.

Für den Sohn eines Flickschusters, der erst ziellos Theologie, dann Medizin studiert hatte und sich als mittelloser Hauslehrer durchschlug, war Rom eine einmalige Chance. Das Interesse für die Kunst nahm er womöglich nur als Vorwand. Nachdem einer seiner Schüler ihm untreu geworden war, hoffte er, in Rom seine homoerotischen Neigungen, die ihm später zum Verhängnis werden sollten, frei ausleben zu können.
Doch das Stellenangebot zog sich hin. Um seinem Wunsch Nachdruck zu verleihen, schrieb er 1755 seine kurzen „Gedanken über die Nachahmung“, veröffentlichte es in nur 50 Exemplaren, fügte ein „Sendschreiben“ hinzu, in dem er unter der Maske eines Kritikers sein eigenes Werk angreift, um mit den kurz danach erschienenen „Erläuterungen“ seine Thesen zu verteidigen.

Mit Erfolg. In Windeseile verbreitete sich die Kunstauffassung von der „edlen Einfalt und stillen Größe“, die der Autor als das „allgemeine vorzügliche Kennzeichen der griechischen Meisterstücke“ hält, und zwar „sowohl in der Stellung als im Ausdrucke“. „Einfalt“ hat hier noch die positive Bedeutung von „einfach“, „geradlinig“. Dieses Ideal der klaren Formen, das Winckelmann vor allem in der Figurengruppe des mit einer Riesenschlange kämpfenden Laokoons sah, empfahl er allen Künstlern zur Nachahmung.

Das war insofern revolutionär, da noch im Barock die Gelehrten und Dichter am Latein festhielten und die römische Antike als Vorbild sahen. Winckelmann kam zugute, dass er, aus einfachsten Verhältnissen kommend, nicht „verbildet“ war, als er die Kunstschätze am barocken Dresdener Hof betrachtete. Statt in schwärmerische Verzückung zu geraten, richtete er einen idealisierenden Blick auf die ihm rätselhaften mythologischen Heldenfiguren, von deren nackten, muskulösen Körpern er sich wohl auch erotisch angezogen fühlte.

Die unbekümmerte Sicht des Autors, der nicht Nachbildung im Sinne von simplen Kopien forderte, sondern freie künstlerische Nachahmung, setzte unter Künstlern enorme Kräfte frei. Der Klassizismus in der Architektur und die Klassik in der Dichtkunst waren das Resultat. Die Dichter nahmen sich wie Klopstock bereits im „Messias“, Johann H. Voss in seiner Homer-Übersetzung oder Hölderlin in vielen Oden das griechische Versmaß Hexameter vor. Der Winckelmann-Biograf Goethe wandte sich wie im Drama „Iphigenie auf Tauris“ griechischen Mythen ebenso zu wie Wieland in seinen Romanen. Und Lessing verfasste mit der ästhetischen Abhandlung „Laokoon“ eine Art Anti-Winckelmann, in der er als einer der Ersten die Thesen des Aufklärers aus Stendal zur Vergleichbarkeit von Malerei und Poesie in Frage stellte.

Winckelmanns „Gedanken“ brachten ihn letztlich nach Rom, wo er sich gewissenhaft mit antiker Kunst und mit Archäologie beschäftigte. In seinem Hauptwerk „Geschichte der Kunst des Altertums“ erfasste er 1764 erstmals systematisch antike Kunstschätze. Das Werk gilt als Geburtsstunde der Kunstwissenschaft. Biografien von Künstlern wie durch Vasari gab es schon seit der Renaissance. Doch Winckelmann schrieb jetzt quasi eine Biografie der Kunst, die für eine ganze Epoche Maßstäbe gesetzt hat, da er darin den klassischen Stilbegriff geprägt hat. Das ist so, als würde einer in der Musik mit einer überzeugenden Botschaft wie „edle Eintönigkeit und große Stille“ die Peking-Oper zum idealen Stilprinzip erklären und damit die Abkehr vom dominanten angelsächsischen Pop einleiten. Es wäre ein Paradigmenwechsel.

Winckelmann wurde mit seinem bahnbrechenden Werk europaweit wie ein Rockstar gefeiert. 1768 erwartete man ihn von Rom kommend zu Besuch in der frischen Klassik-Metropole Weimar. Doch in Regensburg brach er seine Reise ab. Die deutsche Kultur deprimierte ihn. Er machte noch einen Abstecher nach Wien, wo er von Maria Theresia empfangen wurde, die ihm ein paar Gold- und Silber-Medaillen schenkte. Auf dem Rückweg nach Rom endete seine Reise am 8. Juni 1768 in einem Gasthaus in Triest. Winckelmann ließ einen hübschen Koch in sein Zimmer, der dessen Wiener Preziosen rauben wollte und ihn nach dessen Gegenwehr erdolchte.
Der gewaltsame Tod verbreitete sich wie ein Lauffeuer. „Wie ein Donnerschlag bei klarem Himmel fiel die Nachricht von Winckelmanns Tode zwischen uns nieder“, schrieb Goethe später über den von vielen empfundenen Schock. Heute erinnert die Stadt Stendal mit einer jährlich vergebenen Winckelmann-Medaille an den großen Sohn. Außerdem gibt es dort das Winckelmann-Museum, das aber ausgerechnet im Jubiläumsjahr geschlossen ist und erst am 26. März wiedereröffnet werden soll. Die edle Einfalt erwacht dann endlich wieder in stiller Größe.
Harald Tews
Ausstellungstipp: In der Vertretung des Landes Sachsen-Anhalt beim Bund, Luisenstraße 18, 10117 Berlin, präsentiert die Stendaler Winckelmann-Gesellschaft noch bis zum 30. Juni 2018 die Schau Johann Joachim Winckelmann Archäologe – Aufklärer – Wissenschaftsbegründer. Zwei Lektüretipps: Zum Jubiläumsjahr sind bei J.B. Metzler von Martin Disselkamp und Fausto Testa das Winckelmann-Handbuch: Leben, Werk, Wirkung (374 Seiten, 99,95 Euro) und im Verlag Philipp von Zabern der von Friedrich-Wilhelm von Hase herausgegebene Band Die Kunst der Griechen mit der Seele suchend: Winckelmann in seiner Zeit (144 Seiten, 39,95 Euro) erschienen.

Ernst Jünger und die bildende Kunst

2017-06-13T20:00:00+02:00

Ernst Jünger und die bildende Kunst

ISBN: 978-3-8260-6152-3
Autor: Dietka, Norbert
Year of publication: 2017
34,80 EUR
ISBN: 978-3-8260-6152-3
Year of publication: 2017
Pagenumbers: 216
Language: deutsch

Short description: Mit dieser Publikation wird erstmalig der Versuch unternommen, systematisch das signifikante Verhältnis des Schriftstellers Ernst Jünger zur bildenden Kunst zu dokumentieren. Im Vordergrund steht, anhand von diversen Bildzeugnissen – Porträts von Malern, Bildhauern und Fotografen –, diese spezifische Kommunikationen zu thematisieren und, soweit es die Recherchen zuließen, Textzeugnisse (Briefe, Tagebücher und Aufsätze) hinzuzuziehen. In Form von kleineren Features werden auf der Grundlage des vorhandenen Materials ausgewählte Künstler und deren Erzeugnisse (in der Regel Jünger-Porträts) näher vorgestellt. Die Dokumentation kann schon wegen der äußerst umfangreichen, noch nicht ausgewerteten Brief-Konvolute nur ein vorläufiges Ergebnis generieren. Auch müsste kritisch hinterfragt werden, ob eine summarisch auf Vollständigkeit abzielende Bestandaufnahme eine exemplarische, nach inhaltlichen Gesichtspunkten ausgerichtete Untersuchung ersetzen kann. Allerdings wird mit dem hier vorgelegten Ergebnis eine Basis geschaffen, die weiterführende Arbeiten begünstigen soll.

Der Autor Norbert Dietka studierte Germanistik und Geschichte an der Universität Dortmund und wurde dort mit einer Arbeit über die Jünger-Kritik (1945–1985) 1987 promoviert. Dietka war bis 2013 im Schuldienst und versteht sich heute als freier Publizist. Der Autor hat mehrere Beiträge zur Jünger-Rezeption in der französisch-deutschen Publikationsreihe Les Carnets der „Revue du Centre de Recherche et de Documentation Ernst Jünger“ (Rédacteurs en chef: Danièle Beltran-Vidal und Lutz Hagestedt) veröffentlicht und war zuletzt mit einem Aufsatz am Projekt ,Ernst Jünger Handbuch‘ des Verlages J. B. Metzler (hg. von Matthias Schöning) beteiligt. 2016 veröffentlichte Dietka sein Buch Ernst Jüngers Versuch von der „Herrschaft und Gestalt des Arbeiters“ im Verlag Königshausen & Neumann.

James Ensor

2017-01-07T19:54:23+01:00

JAMES ENSOR
Il pittore belga che con la sua arte amava dissacrare il mondo

di Enrico Nadai
Ex: http://lintellettualedissidente.it
Anarchico, satirico e assolutamente incompreso, almeno fino al 1929 quando Re Alberto I scelse di nominarlo barone; da quel momento James Ensor, che aveva sempre fomentato critiche asprissime nei confronti della borghesia attraverso i suoi dipinti, decise di ritirare tutte le copie de “L’alimentazione dottrinaria”(1889), un’acquaforte su carta giapponese che rappresenta tutta la malsana pidocchieria dei potenti (il re e i suoi ministri) nell’atto di defecare sui sudditi (la massa) che nel frattempo accolgono l’offesa spalancando le fauci, pronte ad ospitare gli escrementi. Un ritratto ruvidissimo della società belga di fine Ottocento che vedeva sul trono Re Leopoldo II. Ma Ensor – che da socialista umanitario passò a coltivare posizioni di totale anarchismo – aveva ben compreso che gli uomini dovevano venir tutti malmenati a colpi di pennello, eccetto rari casi. Tra questi i possibili superstiti potevano essere gli artisti, ma per raggiungere un siffatto ambiziosissimo traguardo non bastava soltanto impugnare la tavolozza e il pennello, bensì “… essere ribelli alle comunioni! Per essere artisti bisogna vivere nascosti…”; ed è sicuro che Ensor non rinunciò a vivere in solitudine compiendo una crivellatura di tutte le sue frequentazioni, tanto che quando un giornalista francese volle visitarlo nella sua dimora con degli amici parigini, dovette subire nientemeno che un rifiuto da parte del servitore Auguste, fedelissimo al padrone, il quale comunicò ai visitatori l’impossibilità di incontrare il maestro, dicendo loro: “Impossibile, sta facendo i suoi bisogni”. Ensor non era certo uno studente modello, anzi, seguiva solamente la sua indole di pictor, non compresa dall’ambiente casalingo in cui viveva – influenzato da una preponderante presenza femminile – se non dal padre, un ricco borghese di origini inglesi considerato da tutti i cittadini di Ostenda (la città natale dell’artista) come un buonannulla: quest’ultimo finirà infatti corrodendo sé medesimo nell’alcol e favorendo cospicuamente il generale schernimento nei suoi confronti. La madre, invece, gestiva un negozio dove Ensor era solito recarsi fin da giovane per fornire aiuto o anche più semplicemente per acuire la sua sensibilità artistica attraverso l’osservazione degli oggetti in vendita. Malgrado questi vaghi accenni d’affetto, la situazione familiare del pittore restò sempre molto arida e lontana dal concedergli la forza d’animo di prendere le distanze dalla sua parentela. Da ciò emerge anche il rapporto ambivalente di Ensor con le donne: “Ah, la donna e la sua maschera di carne, di carne viva diventata per davvero maschera di cartone…”. Sempre la madre, per altro, non voleva che il figlio dipingesse dei nudi femminili attingendo direttamente da modelli in carne e ossa. Nell’evoluzione pittorica di questo autore si assiste ad una fase iniziale composta da vedute paesaggistiche ispirate all’impressionismo e ritratti realistici, come quello in cui mischia narcisisticamente la sua identità con quella dell’artista fiammingo del periodo barocco Pieter Paul Rubens: otterrà in tal caso un dipinto austero ed enigmatico, ma anche faceto per via del cappello di paglia corredato di fiorellini con differenti cromie (“Ensor con il cappello fiorito” 1883-1888). Giunse poco più tardi il periodo maggiormente produttivo per Ensor, quello collocabile tra il 1885 e il 1895, anni in cui si avvicinò brevemente al gruppo avanguardistico de “I Venti”, che proponeva un’educazione culturale spaziante dalle arti visive, alla musica, alla poesia. Proprio in questo decennio l’utilizzo delle maschere rappresentò la vera svolta dell’arte ensoriana, seppur non di quelle africane che appassioneranno diversi altri artisti nel corso di tutto il Novecento. Di queste ultime ebbe a dire: “Condanno senza remissione la maschera cresciuta male degli inferni d’Africa… Al diavolo i tratti e le attrazioni facili, e il vecchio gioco del feticcio negroide o gorillato”. Venerò piuttosto le maschere capaci di evocare atmosfere carnevalesche come quelle respirabili tutt’oggi al Carnevale di Binche, in Belgio, dove una moltitudine di Gilles compiono la loro sfilata tra le profusioni dionisiache della folla. E infatti lo stesso Ensor scrisse: “Bisogna essere degni dell’Arte di casa nostra, arte sana senza paura né rimproveri. Abbasso i leopardi di contrabbando! Forza ai nostri gilles e ai nostri leoni!”
A proposito di maschere, non può sfuggire l’opera monumentale dal titolo “L’entrata di Cristo a Bruxelles” (1889), capolavoro eloquente, uno dei tanti dipinti in cui Ensor, pur definendosi ateo, identifica la figura di Gesù Cristo come suo alter ego. Sempre rasentando la blasfemia, nel “Calvario” (1886 ) il critico d’arte Edouard Fétis infligge al Cristo/Ensor crocefisso un colpo di lancia sul costato. Questi capolavori sono testimonianze di una personalità per nulla convenzionale ed anche piuttosto arrogante nel porsi con toni critici verso la società, ma capace di rivendicare una propria autonomia intellettuale. Senza troppe pretese interpretative, si può affermare che l’inquietudine di Ensor sta, citando Gustave Le Bon che nel 1895 scriveva la “Psicologia delle folle”, “nell’anima collettiva” dove “le attitudini intellettuali degli uomini e, di conseguenza, le loro individualità, vengono annullate”. Nemmeno Cristo sarebbe capace di salvarsi dalla farsa arlecchinesca, secondo l’artista. L’opera de L’entrata di Cristo sarà esposta solo nel 1929, quarantuno anni dopo il suo definitivo compimento. La gloria giunta solo tardivamente, porterà a consacrarlo con dei funerali di Stato a cui partecipò tutto il paese, anche se già nel 1942 una radio belga aveva erroneamente annunciato la sua morte: lui che da quest’ultima era stato ossessionato per tutto il corso della sua esistenza, tanto da aver forgiato nella maniera più macabra possibile questo inevitabile fardello.
Ensor stesso del restoa veva affermato che avrebbe “anticipato tutte le tendenze moderne”! Nelle “Strane maschere”(1892), infatti, quella sorta di ridicolo pagliaccio al centro del dipinto è così mirabilmente simile a quell’altro clown, quello famosissimo… Ronald McDonald. Che sia una casualità?

Ma Question écrite de la semaine

2016-09-09T09:45:00+02:00

Question à Madame la Ministre de la Culture et de la Communication
Thème : conseil, arts plastique, comité Théodule
Date de publication au Journal Officiel : 13/09/2016

M. LIONEL TARDY interroge Madame la ministre de la culture et de la communication sur le décret n°2016-1154 du 24 août 2016 portant création du Conseil national des œuvres dans l’espace public dans le domaine des arts plastiques.
Il souhaite savoir si, conformément à l’article 2 du décret n°2006-672 du 8 juin 2006, la création de cette instance a bien fait l'objet d'une étude préalable permettant de vérifier que la mission qui lui est impartie répond à une nécessité et n'est pas susceptible d'être assurée par une commission existante. Si tel est le cas, il souhaite que lui soit communiquée une synthèse des résultats de cette étude, ne se limitant pas aux quelques éléments mentionnés dans la notice du décret.

Das Ideal der Schöpfung

2015-08-31T00:05:00+02:00

Das Ideal der Schöpfung
von Yannick Noe
Ex: http://www.blauenarzisse.de
Yannick Noe wandelte auf den Spuren von Arno Breker und verschaffte sich einen Eindruck von der Kunstausstellung im Schloss Nörvenich.
Arno Breker ist die umstrittenste Künstlerpersönlichkeit des 20. Jahrhunderts. Niemand polarisierte durch seine Werke mehr als dieser Künstler, der in der Zeit des Nationalsozialismus als Hitlers „Lieblingsbildhauer“ galt und vor allem durch überdimensionale Büsten, Skulpturen und Reliefs weltweite Aufmerksamkeit erregte.
Leitbilder für Kultur, Identität und das eigene Sein
Wer heutzutage Brekers Werke real erleben möchte, hat dazu nur wenige Möglichkeiten. Das Schloss Nörvenich bei Düren bietet laut dem eigenen Netzauftritt die „größte öffentlich zugängliche Sammlung von Werken des Bildhauers, Grafikers, Zeichners und Architekten“. Daher war es nur logisch dem Museum Arno Breker im Schloss einen Besuch abzustatten.
Vor den Toren des Schlosses fiel mir zuerst auf, dass die wohlbekannte „Promotheus“-Skulptur Brekers, sonst auf allen Bildern des Schlosses groß präsentiert, den Innenhof nicht mehr schmückte, nein, sie fehlte sogar gänzlich. Am Haupteingang, flankiert von den „Royalen Löwen“ empfing mich ein Mann, John Bodenstein, Besitzer des Schlosses und Sohn des Kunsthändlers Joe Bodenstein, der schon Verleger Brekers war und eine persönliche Beziehung zu ihm pflegte.
Nazikunst?
Er führte mich mit großer Begeisterung durch die Räume und Säle, zeigte mir seine Publikationen zu Breker und erklärte, dass er vor einigen Jahrzehnten noch große Probleme hatte, Kunst, die als Nazikunst gilt, auszustellen. Jetzt hätte sich aber die Denkweise geändert und selbst die Bundesrepublik wäre insgeheim interessiert, Brekers Werke ausfindig zu machen und zu sammeln. Aufgrund von Erbansprüchen der Kinder würden immer mehr Originale zurückgeführt werden, vieles hätte man verkaufen müssen, um Restaurierungen am Schloss durchführen zu können. Original-Zeichnungen Brekers, seine Reliefs wie „Du und Ich“, „Apoll und Daphne“, die „Hl. 3 Könige“ oder seine großen Büsten wie die von Salvador Dalí, Gerhart Hauptmann, Heinrich Heine, Konrad Adenauer oder sein Selbstbildnis können aber noch bestaunt werden.
Gerade die Reliefs sind beeindruckend, da sie in der Tradition klassischer Werke stehen und einen direkten Bezug zur Antike vorweisen. Das Werk „Du und Ich“ ist besonders imposant, obgleich es von Schlichtheit dominiert wird. Frau und Mann stehen sich vollkommen unbekleidet gegenüber und halten sich an den Händen. Diese kleine Geste ist ausdrucksstark und verkörpert mit geringem Aufwand die enge Bindung der beiden, ihre Liebe und die unglaubliche Intimität dieses Momentes.
Ein Europäer, dem das antike Erbe besonders wichtig war
Klare Formen, glatte Oberflächen und gut proportionierte, gepflegte Körper strahlen Stärke, Schönheit, Selbstbewusstsein und Identität aus. Kurz gesagt: Das Leitbild Brekers. Dieser sah sich selbst als Europäer, ihm war das Pflichtbewusstsein für das eigene Vaterland kein Fremdwort und so zog es ihn Anfang der 30er Jahre wieder heim von Paris nach Deutschland. Breker sprach sich in seiner Zeit immer wieder für ein Europa der Vaterländer aus und war strikter Verfechter der christlich-abendländischen Kultur mit antiker Prägung. Das Ideal der Schöpfung, der Spiegel des Seins bzw. der Blick zum Möglichen, das sind die wahren Dinge, die man in Brekers Werken sieht.
Auch heutzutage sind seine Werke für uns mögliche Leitbilder. Leitbild für Kultur, Identität und natürlich das eigene Sein. Wer sich auf Spurensuche begibt, die Werke Brekers hautnah erlebt, der wird wie gefesselt schauen, untersuchen und zur Reflexion angeregt. Mit der Reflexion wiederum stärken wir uns, sammeln Kraft, erhalten einen klaren Geist und sind bereit zu neuen Denkweisen und Taten. Auf diese Weise „kräftigt“ Arno Breker den Betrachter durch Ästhetik und Perfektion im Sein.
Wer von dieser Faszination etwas real erleben möchte, sollte damit nicht lange warten, da sich die Sammlung stetig verkleinert. Im Schloss Nörvenich werden zudem auch Vorlesungen, Konzerte und andere Veranstaltungen geboten, sodass sich ein Museumsbesuch hiermit sehr gut kombinieren lässt.

CYCLE DESSIN DE NU AVEC MODELE

2015-01-28T13:18:00+01:00

mardi 3 février : nouvelle séance avec modèle (féminin)
le cycle nu est encadré par YO
2 horaires au choix: 14H30 à 17H30 ou 18H à 21H
on commence par une heure d'exercices divers, sans le modèle. Puis avec le modèle pendant 2H
PROGRAMME DU 3 FEVRIER:
pauses rapides puis longues
plongée, contreplongée
détail de posture (pieds et mains, pose debout) choisis en fonction du travail en cours à l'atelier autour d'une peinture du XVIII eme siècle
exercices: ligne continue, dessin par le vide, dessin sans regarder
toutes infos et inscriptions auprés de Yo
tel: 04 71 50 93 40
ou 06 48 87 06 83
mail: yo.atelier@orange.fr

affiche
cliquer sur le pdf:affiche cycle nu 2014 2015, 2.pdf

Dalmais (Sculpture) - Maréchal (Peinture)

2014-09-11T00:41:48+02:00

EXPOSITION
du 13 septembre au 19 octobre 2014
CHAPELLE DE L'HÔTEL DE VILLE, VESOUL
Deux artistes autour du thème
"Matière noire et énergie sombre"
Installation
Jean-Jacques Dalmais (Sculpture) - Jacki Maréchal (Peinture)
Chapelle de l'hôtel de Ville 58, rue Paul Morel
VESOUL
Ouvert de 14h à 18h tous les jours sauf mardi et jours fériés
Vernissage de l'exposition
Samedi 13 septembre à 18h30

International website : http://jacki-marechal.eion.me/
Site en français : jacki-marechal.com
Site Dalmais : http://www.dalmais.net/

Ce qui est plus léger que moi me porte

2014-08-13T18:13:23+02:00

En passant sous un mobile de Susumu Shingu installé au Parc des Nations à Lisbonne
Je vois mieux mon chemin en levant la tête
L’air me guide
Mon pas m’écoute
Le reflet me comprend
Mes yeux prennent appui
Le nuage ne m’égare pas
Je me joue des signes
Ce qui est plus léger que moi me porte
Texte : © Christian Cottet-Emard, extrait de l'ensemble intitulé Dédicaces

Carnet / Truphémus à Saint-Claude et, toujours, le dîner au lac Genin.

2014-07-31T00:34:10+02:00

J’ai bravé le cafard que m’inspire Saint-Claude pour visiter l’exposition Truphémus au musée de l’Abbaye. Une fois à l’intérieur de ce musée récent qui vaut le déplacement, on arrive à oublier la ville.
Je n’ai jamais été un grand amateur de l’œuvre de Jacques Truphémus mais il eût été dommage de ne pas profiter de la proximité de l’exposition à vingt kilomètres de chez moi pour essayer, sinon de changer complètement d’opinion, au moins de porter un regard différent sur le flou et les tonalités blafardes qui caractérisent une part de sa manière.
Il est vrai que j’étais resté sur mon impression désagréable des années 80 et sur le souvenir d’une couverture de la revue littéraire Grandes Largeurs reproduisant un intérieur de ces cafés enfumés et chichement éclairés qui constituent l’un des thèmes récurrents de Truphémus.
Bizarrement, ce sont deux de ces intérieurs de cafés, l’un avec la silhouette d’un homme en pardessus au comptoir et l’autre avec la silhouette de la serveuse, qui ont retenu mon attention à Saint-Claude. Mais j’ai surtout apprécié le regain de la couleur dans les toiles récentes de cet artiste qui porte avec une robuste prestance et une incroyable sérénité ses quatre-vingt-douze printemps !
J’ai eu aussi la bonne idée de regarder le film dans lequel il parle longuement de sa vie et de son rapport à la fois simple et presque ingénu à l’art en partageant ma visite en deux séquences distinctes, la première d’après ma seule approche, la seconde après avoir vu et écouté cet homme dont je ne connaissais ni la voix ni le visage. L’exposition présente d’ailleurs un autoportrait de 2002 qui a retenu un assez long moment mon regard.
Ma perception de la peinture de Truphémus a certes évolué grâce à cette exposition mais mon aversion pour sa vision « cartonnée » des plages de la mer du nord demeure. Peut-être est-ce dû au fait que mon premier éblouissement maritime d’enfant fut, un jour de grand soleil, celui de la lumière d’Ostende ou de Coccyde.
Mardi soir, dîner à l’auberge du lac Genin, le seul endroit de la région où, depuis plus de quarante ans que je m’y attable, je trouve encore de la poésie au mauvais temps. Comme d’habitude, accueil adorable et moment chaleureux d’une délicieuse simplicité.
Je n’ai pas vu un tel mois de juillet depuis les années 80, sous l’eau et dans le brouillard excepté le jour où je me suis enfermé chez moi pour ne pas assister au lancer de Cochonou *. Mon épouse et moi avons la possibilité de partir en vacances hors saison mais je plains ceux qui comptaient sur deux ou trois courtes semaines pour vivre un peu et qui sont déjà obligés de reprendre le collier. Cette année, nous risquons fort de réaliser sans été la jonction entre le temps des crocus et celui des colchiques.
* Passage du tour de France cycliste à côté de ma maison.

Nuage d'inspiration(s) / Cloud inspiration(s)

2014-05-15T13:21:00+02:00

[English version follows.]
Il y a six ans, à la même époque de l'année, je publiais cette note consacrée à l'écriture d'un futur album. Cela me fait tout drôle de la relire aujourd'hui... Car depuis, le livre est paru - j'imagine que vous devinez lequel ? - et s'est mis à voyager. Non pas sur un nuage mais grâce à la magie des langues. Et ce n'est pas fini, paraît-il : après l'Allemagne, les pays anglophones et la Corée, il doit bientôt partir pour deux nouvelles destinations (et dans deux "alphabets" différents) ! @ suivre... :-)

En attendant qu'il arrive, je vous invite à découvrir les jolies choses que la version anglaise du livre inspire à ses lecteurs... Par exemple, Patty Palmer, professeur en Californie et spécialiste de l'enseignement des arts plastiques à l'école, l'a sélectionné parmi ses meilleurs livres-ressources et utilisé dans l'un de ses cours. It’s simply too great to pass up, écrit-elle ! WOW! Thank you Patty!
Les deux complices de Playing By The Book et The Crafty Crow donnent quant à elles plusieurs pistes d'après-lecture - de même que Julie Arnold de Five & One ! Elles ont même inventé un jeu de société ! Il y est question de nuages qui se déplacent de continents en continents... Et que de compliments, là encore : It’s a stunning book, wonderful to read, really lovely to look at and brimming with creative possibilities!

An Elephant over Havelock Island, Andaman, India. © Sugata Kuila
(Source : site de The Cloud Appreciation Society)

C'est assez fou, presque vertigineux pour moi, de mesurer le chemin parcouru durant toutes ces années, depuis ce premier moment où je rêvassais le nez en l'air et la tête dans les nuages à la recherche d'une inspiration chagallienne... ♥
Alors, il y a quelques mois, je suis allée faire un petit clin d'œil au maître des couleurs - ma façon à moi de le remercier pour tout ça ! ^^ Pas de nuages, ici... plutôt des ors et du velours ! Mais, là encore, j'aurais pu rester rêvasser des heures, toujours le nez en l'air ! ;-)
Le plafond de l'Opéra de Paris, Marc Chagall (1964).

*
Cloud inspiration(s)
Six years ago I published this note about writing a new illustrated book. So moving for me to go back to it today... The book I was referring to now exists! Have you guessed which one I'm talking about already? Well, that book actually started travelling. Not on a cloud, no, but through the magic of translation! And it looks as if it might just be the beginning: after Germany, English-speaking countries and Korea, my story is soon to reach two new destinations... with two different “alphabets”!
Until it does, I'd like to invite you to discover some of the lovely creations that stemmed from the English version of the book... For instance, Patty Palmer (an American elementary school art specialist) included it among her best books-resources and used it as part of one of her lessons. It's simply too great to pass up, she wrote! WOW! Thank you, Patty!
Top reading websites Playing By The Book and The Crafty Crow also made several great suggestions for reading extension activities, as did Julie Arnold from Five & One! In fact, they even invented a board game involving clouds travelling across the world... It's a stunning book, wonderful to read, really lovely to look at and brimming with creative possibilities! they wrote. (So proud! ^^)

I find it pretty crazy and almost dizzying when I consider how far things have gone in the past few years – since I first stared at the clouds in search of an idea sent by Chagall... ♥
And so, a few months ago I decided to go and pay my respects to the Master of Colours: my way of thanking him for everything! ^ ^ Not a cloud in sight ... just gold and velvet! But here I was once again, mesmerized... And I could have stayed for hours there, just dreaming and staring at the lovely skies! ;-)
Opéra de Paris, Marc Chagall (1964).

(Merci à Lise Morel pour sa super traduction :
rien de tel qu'une vraie professionnelle !)
*

Exposition Jacki Maréchal en Allemagne

2014-03-04T23:27:00+01:00

Jacki Marechal
GALERIE LAIK
KOBLENZ

Dates modifiées : 27 Mars au 3 mai 2014

Exposition de sa période
« Revisite des thèmes traditionnels de la peinture : Paysages, Portraits, nature mortes »

LA MELODIE COMME UN VISAGE

2013-11-23T09:00:00+01:00

PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1932
Les musiciens savants modernes, si l’on excepte quelques artistes héroïques, ont beaucoup œuvré à la disparition du visage mélodique dans la musique, au profit de constructions théoriques et d’emprunts parfois alambiqués au monde des bruits. Au profit, en fin de compte, d’un monde sonore indifférencié, où tout ce qui s’entend est d’autorité placé au même rang que tout le reste.
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1936
Cette disparition du visage dans la musique contemporaine, avec la haine des compositeurs pour la mélodie, a touché les autres arts. Ce qui me frappe, c’est qu’en peinture, il s’est passé exactement la même chose. Les artistes (je parle en général, cubistes, suprématistes et autres –istes) se sont ingéniés à exterminer tout ce qui pouvait rappeler la réalité telle qu’on la voit en général, et en particulier la figure humaine, pour faire de la matière même, du support, de l’espace autour, que sais-je, des conditions de réalisation, l’objet même de l’art.
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1945
Il fallait, dans la peinture aussi, détruire la représentation, d’où une haine féroce pour le trop bien nommé « figuratif ». Les Autoportraits de Pierre Tal-Coat sont à cet égard révélateurs de vérité : la figure humaine devient la grande absente. C’est lui, on sait que c'est lui, mais il n’est pas là, voilà tout. Il refuse de paraître. Que s'est-il passé ?
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1984
Je ne veux pas m’appesantir trop longuement, une fois de plus, sur ce qui s’est passé en poésie, et qui ressemble de très près à l’effacement de la mélodie en musique et de la figure en peinture. Depuis les symbolistes, parmi lesquels Mallarmé, le discours poétique s’est chargé de mystères et de significations obscures qui ont radicalement fait fuir le public pour lequel l’expression « sens commun » a encore un sens. Qui lit René Char ? Qui lit Philippe Jaccottet ?
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1984-1985
Je ne veux pas non plus donner à mon propos l’enflure de généralité brassée avec le vent qu’Edgar Morin sait si bien mettre dans son discours pour lui donner un aspect de profondeur mûrement réfléchie. J’observe juste que la musique, la peinture et la poésie font, à peu près au même moment, disparaître de leurs préoccupations le visage de l’individu, et que le 20^ème siècle a appelé ça la « Modernité ». Ou encore le « Progrès ».
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1984-1985
Et j’observe que tout ça coïncide avec les énormes progrès accomplis par l’industrie lourde dans les moyens mis en œuvre pour détruire le plus possible de vies humaines dans le minimum de temps (pas loin de 300.000 morts et disparus dans les rangs français pour le seul mois d’août 1914). On me dira que ça n’a rien à voir. Moi je dis : « Pas si sûr ».
PIERRE TAL-COAT, AUTOPORTRAIT 1985
Parce que finalement, de quoi s’agit-il ? Dans les arts (musique, peinture, poésie), c’est la mise en avant des « moyens techniques » qui devient l’objet, le but de l’activité. Pour le musicien sérialiste (école de Vienne, pour faire court), c’est le son, égal à tous les autres sons. Pour le poète, c’est le mot, voire la syllabe, quand ce n’est pas la lettre toute seule. Pour le peintre, c’est la couleur, la ligne et même la toile. Ce qui compte, ce n’est plus le monde que cherche à traduire l’artiste à destination de ses semblables, ce sont les moyens mêmes de la traduction qui deviennent le sujet principal.

Voilà peut-être ce que je ne supporte plus, finalement, que ce soit en peinture, en musique ou en poésie : que les moyens soient devenus la fin. Car en même temps que la technique est promue au rang de finalité ultime, le monde en général et l’homme en particulier disparaissent. L’homme est réduit à l’état d’instrument et de moyen, comme le montre le déchiquetage méticuleux de la chair humaine par une artillerie lourde de plus en plus performante.

Le 20^ème siècle a assuré le triomphe de la technique. Et je ne suis pas loin de penser, à la suite de Jacques Ellul, Bernard Charbonneau, Günther Anders, Hans Jonas et quelques autres, que ce triomphe est une défaite pour l’humanité, comme le montre la disparition du visage humain dans la musique et dans la peinture. Il y a dans tout cela un amoralisme radical.

Voilà ce que je dis, moi.

NB : Il va de soi que les propos ci-dessus manquent tant soit peu de nuances. Il conviendrait, en de tels sujets, de trancher autrement qu’à la hache. J’en suis d’accord. Il y a chez tout le monde, musiciens compris, des fondamentalistes, des modérés et des résistants.

Francis Poulenc, par exemple, eut connaissance de la musique dodécaphonique, mais resta avec une belle constance à l’écart. Je crois savoir que c’est le côté doctrinaire de la chose qui le rebuta. Boulez est un idéologue, un dogmatique. A son propos, j’ai même entendu « stalinien », c’est dire. Heureusement, certains adeptes de la « modernité » n’oublient pas, lorsqu’ils composent, que la musique est faite pour procurer un plaisir ou une émotion à celui qui écoute.

Actualité de Jacki Maréchal

2013-10-26T22:01:00+02:00

Jacki Maréchal à l'Embarcadère : « Summery lake » et « Around Morton Feldman »

2013-09-12T00:46:00+02:00

Ce jeudi 12 septembre entre 18h et 21h, rencontre avec Jacki Maréchal à l'occasion du nouvel accrochage de ses toiles à Nantua, Hôtel Embarcadère. 35 toiles sont réparties en trois salles.
Ce qu'en dit Frank Buffard, de la Gallery 555 (Cruseilles) :
« Ces dernières oeuvres sont les plus émouvantes et personnelles de Jacki Maréchal que j’ai vues à ce jour. Il a commencé ces séries " Summery lake " et " Around Morton Feldman " presque simultanément. Elles présentent des paysages abstraits qui semblent fusionner le lointain et le lumineux et rendent possible une mélodie picturale à la sphère émotionnelle à la fois sensualiste et avant-gardiste. Dans la série " Summery Lake " l’harmonie ressentie est heureuse mais continue de tenir presque à distance le monde extérieur, et paradoxalement, la richesse picturale des œuvres peut toujours inonder l’endroit où elles vivent, à tout instant. Une œuvre à voir, à connaître, à côtoyer avec jubilation. »
International website : http://jacki-marechal.eion.me/

Site en français : jacki-marechal.com

Jacki Maréchal, exposition solo « Un homme dans la foule »

2013-07-08T22:10:53+02:00

Du 9 juillet au 9 août 2013
La Maison vieille, vendredi au mercredi de 11h à 21h (fermeture le jeudi). Tatiana Tourjansky, Bruno Goffi, Roiron, 43800 Rosières.
Pour cette exposition, nous dit Jacki Maréchal, je passerai quelques jours sur la commune de Rosières en Haute-Loire à Roiron exactement, hameau perché et protégé par un versant sud et qui bénéficie d’un remarquable point de vue. En contrebas du village, la Maison vieille fait face à la nature ; elle est longée par un chemin bordé de hauts murs en pierre sèche qui monte de Rosières et se dirige vers le Chier blanc* (site classé). Cette exposition en oxymore de Paris et Genève, sera parfaitement insolite parce que dans un village de 15 habitants, un lieu tenu par des ex-parisiens et qui est connu pour ses très riches moments de partages culturels dans la ruralité. Un autre monde, dans cette partie de la France où les habitants, la nature et le silence seront sans doute ressource et inspiration.
Le soir du vernissage Florence Buti, la nouvelle administratrice générale du festival des « Lectures sous l’arbre » et éditrice à Cheyne, présentera la programmation du festival et lira des textes de quelques-uns des auteurs invités.

International website : http://jacki-marechal.eion.me/

site en français : jacki-marechal.com

Jacki Maréchal : exposition à Genève

2013-06-16T23:14:28+02:00

International website : http://jacki-marechal.eion.me/

site en français : jacki-marechal.com

Peinture : Chantal Roux, portrait par Raymond Livrozet

2013-06-11T09:25:00+02:00

À regarder ici sur A cause des causeuses.
Site de Chantal Roux, artiste plasticienne.

Mikhail Vrubel: Mystic Painter and Russian Symbolist

2013-04-17T00:05:00+02:00

Mikhail Vrubel: Mystic Painter and Russian Symbolist

Konstantin Korovin Retrospective in Moscow 2012

2013-04-16T00:05:00+02:00

Konstantin Korovin Retrospective in Moscow 2012

DE L'ENFANTIN EN ART

2013-03-26T09:00:00+01:00

Nous avons vu qu’en musique, le monde, au 20^ème siècle, est devenu une gigantesque cour de récréation, avec ses bacs à sable, ses coins « marelle » et ses mares aux canetons qui se prennent pour des cygnes. Mais les arts visuels, non seulement n’ont rien à envier aux arts de l’oreille, mais peuvent à juste titre leur en remontrer, même avec handicap au départ.

Car pour être juste, le petit merdeux (mettons, non, quand même, pas Boulez, Dutilleux ou Stockhausen, dont la statue intouchable trône désormais au milieu du paysage des « valeurs reconnues », mais Brice Pauset ou Ondrej Adamek, heureusement inconnus, mais que ça n’empêche pas d’avoir accès aux salles de concerts et aux antennes que Jean-Pierre Derrien, le snobinard de France Musique, Arnaud Merlin ou Anne Montaron sont toujours prêts à leur ouvrir, pardon pour la longue parenthèse, on reprend son souffle) qui s’exerce à faire du vent avec un aspirateur ou du tonnerre avec des casseroles, ne s’adresse en général qu’à un public très clairsemé, comme le fait entendre le nombre impair des  mains qui claquent à la fin, ou tout disposé à tourner le bouton du poste dès la première menace proférée.

Alors, les arts visuels, maintenant. Ce n’est pas la première fois que je me penche avec une sincère tendresse et un intérêt non dissimulé sur les jeux turbulents des garnements qui parcourent en tout sens la cour de récréation de l’ « art contemporain ».

C’est chaque fois, pour mon esprit amolli par la déliquescence d’une civilisation finissante, une occasion de se rafraîchir dans une authentique jouvence, et pour ma sensibilité saturée des mille sensations dont l’assaille un univers urbain jamais avare de sollicitations séduisantes, de se replonger dans les vivifiantes sources matricielles de l’émotion esthétique la plus pure. Et je me dis, tout pénétré d’une évidence quasi biblique : « Ah oui, elle sort bien de la main des enfants, la Vérité ! ».

Je dirais même que le 20^ème siècle artistique a fait entrer l’humanité dans un âge paradisiaque, que j’appellerai

« L’ÂGE DE L’ENFANCE DE L’ART »,

et qui n’est pas un paradis perdu, mais un paradis retrouvé, que dis-je : reconquis au nez de Dieu lui-même. Quand on regarde un enfant bassouiller (Balzac aurait dit « rabouiller ») dans une flaque d’eau pour faire traverser cet Atlantique à son paquebot de papier, on se dit que c’est lui qui a raison, que c’est lui qui mérite de guider l’univers sur la voie du salut.

Une bonne partie de la population qui se range d’elle-même en ordre de bataille derrière l’étendard de l’ « art contemporain » a donc fait triompher, tout au long du 20^ème siècle, « l’esprit d’enfance ». Mais on me demandera ce que c’est, l’esprit d’enfance.

L’esprit d’enfance ? C’est la fraîcheur de l’attitude face aux matières qui constituent le monde naturel ou synthétique, de la plus triviale et brute à la plus noble et quintessenciée. C’est les trésors d’ingéniosité déployés pour associer le plus originalement possible des objets n’ayant rien à voir ensemble (« La poésie, c’est quand les mots se rencontrent pour la première fois », disait le vieil Algonquin, Tatanka Ohitika, alias "Rêve de la pierre sacrée").

L’esprit d’enfance ? C’est l’inépuisable capacité d’émerveillement devant les inépuisables beautés qu’offre la vie de l’homme (et de la femme) jusque dans ses détails les plus familiers et intimes. C’est l’art qui se dissimulait dans le moindre de nos objets les plus quotidiens, et que le gamin qui veille au fond de chaque « artiste contemporain » sait spontanément élever à la dignité d’œuvre d’art.

L’esprit d’enfance ? C’est finalement l’indéfectible et inaliénable pouvoir que possède l’enfant, de transmuter le vil plomb de la réalité en or massif imaginaire par la seule magie de la désignation : « Ceci est de l’art ».

N’est-il pas beau, ce délicieux caprice de l’enfant qui, quand il était môme chargeait ses poches (et celles des ses parents) de toutes sortes de cailloux au simple motif qu’ils brillaient, et qui, parvenu à l’âge où rester enfant résulte d’un choix mûrement réfléchi, décide que la roue voilée de sa bicyclette devient une immortelle œuvre d’art dès lors qu’elle est dûment assujettie au tabouret quadrupède qui fut celui du grand-père au coin de la cheminée. La Vérité dégouline de la main de l'enfant enfin resté enfant.

La commune d’Achères, aux environs de Paris, était connue au 19^ème siècle pour abriter les plus vastes « champ d’épandage » pour l’ « engrais humain », alors collecté par les « vidangeurs au tonneau ». Le complexe légumier d’Achères s’est enfin, au 20^ème siècle, démocratiquement étendu à tout l’espace humain disponible, transformé par la magie de l’ « esprit d’enfance », en un seul gigantesque, démesuré

CHAMP D'EPANDAGE ARTISTIQUE.
La réalité tout entière est devenue le réceptacle accueillant pour toutes les trouvailles, inventions, découvertes et expériences généreusement offertes à l’humanité par une foule de grands enfants qui s’amusent comme des fous à rivaliser d’imagination esthétique. C’est seulement à cette condition que l’humanité restera « à la pointe de la modernité ».

Voilà ce que je dis, moi.

Gabriel Guy (avril 1925-février 2013)

2013-02-18T18:45:57+01:00

En hommage à Gabriel Guy, récemment disparu, un des textes que j'ai eu le plaisir d'écrire à propos de sa peinture, en souvenir de ce grand artiste et de ce grand vivant.
Gabriel Guy
à la fenêtre de notre temps

L'apparition des objets dans la peinture de Gabriel Guy ne date pas d'hier. Depuis le printemps de l'oeuvre, ils peuplent l'espace de la toile, tour à tour complices, facétieux, énigmatiques ou inquiétants mais surtout peu enclins à se contenter, dans l'univers du peintre, d'un improbable statut de nature morte.
Gabriel Guy peint la vie ; et les objets, ceux du quotidien, la jalonnent. Mais il faut dire plus. Gabriel Guy peint la vie d'aujourd'hui, la vie de son époque, et qu'arrive-t-il en cette fin de siècle ? Un inquiétant prodige. Ce qu'on a d'abord considéré comme un progrès : un amoncellement d'objets, leur multiplication en série qui suscite désormais une vague stupeur.

La ronde familière d'objets parfois farceurs qui rythmait des tableaux déjà anciens s'est accélérée en une farandole puis en un tourbillon dans lequel l'homme perd peu à peu ses marques.

Spirale infernale ? Gabriel Guy, peintre du mouvement, ne pouvait passer à côté du thème. Il le traite certes depuis les premiers âges de sa peinture dans des toiles qu'on dit résolument "figuratives" où, par exemple, une motocyclette reste une motocyclette mais où, déjà, la peinture prend l'engin de vitesse pour n'explorer bientôt que son mouvement, son virage, sa trajectoire.

Dès cet instant, les colleurs d'étiquettes retournent leurs vestes. La peinture de Gabriel Guy deviendrait "abstraite" ! Ont-ils bien regardé ? La figure, le sujet et l'objet ne se sont point évaporés dans le désert d'un "monochrome" ou emberlificotés dans les filaments et les coulées d'un pot de couleur renversé... Ils sont toujours là, derrière des voiles et dans des circulations certes de plus en plus complexes mais toujours présents au regard ouvert et attentif.

Indifférent aux modes dans ce monde fou de normes, Gabriel Guy perturbe les embaumeurs de l'art, les très provisoires archivistes des nouveaux conformismes (je veux dire de certaines avant-gardes.) Il dérange aussi les geôliers d'un ordre ancien qui refusent d'autres avant-gardes quant à elles nécessaires.

Mais ne nous égarons pas plus longtemps dans cette éternelle querelle entre les cornacs d'une modernité aussi vite défraîchie qu'auto-proclamée et les sentinelles d'une tradition momifiée.

L'art de Gabriel Guy est, de toute façon, absent de ce terrain. Sachons le rencontrer là où il sépanouit et où il nous épanouit : dans l'univers que nous habitons, dans la plénitude et la dynamique de cet instant où l'espace d'un tableau particulier rencontre le temps universel, cet espace et ce temps où l'homme trace ses lignes.
Ces lignes de force, ces lignes de fuite ont traversé des paysages, des figures de femmes et d'hommes (oui, l'humain est aussi paysage) et le peintre, emporté dans sa course, est arrivé aux portes de la ville. En artiste aux prises avec son temps, il s'est engagé dans cet incontournable mouvement au coeur duquel il faut, pour reprendre ses mots échangés avec lui dans l'atelier, "avancer", "foncer". Il a peint les "Villes tentaculaires" telles qu'elles se dévoilent à notre fascination puis les autoroutes, les rocades et les échangeurs tels qu'ils s'enroulent autour de l'homme qui les a voulus et construits.

Où est-il, l'homme ? Il n'a pas disparu. Il a changé de place. Il a fait danser les objets et maintenant, ce sont les objets qui l'entraînent dans la ronde. Désormais, il fait corps avec eux. L'homme a mis le doigt dans l'engrenage et il a peur. Peur de devenir un objet.

L'histoire de ce siècle est liée aux objets. Les artistes la racontent et, souvent, la devancent. Gabriel Guy est l'un d'eux. Il nous raconte l'objet complice, l'objet qui nous échappe et l'objet qui nous submerge. Il nous raconte avec des lignes et des couleurs la folle histoire de l'objet que nous créons pour nous servir mais qu'aujourd'hui nous servons, emportés par les rouages d'un engrenage apparu dans les toiles les plus récentes.

Ce thème qui lui ouvre de vertigineuses perspectives succède de peu à des oeuvres accouchant d'une inquiétante créature : "l'homme-machine". Dans la vallée industrielle qu'il habite et dans laquelle il s'est donné les moyens d'un regard distancé, seule condition pour accéder à une vision synthétique de la réalité qu'il peint, Gabriel Guy sait de quoi il parle. "L'homme-machine" existe et il nous pose une question tout à la fois effrayante et brûlante d'espoir au milieu de nos chaînes, de nos engrenages et de nos voies dites de "communication", une question que Charlot posait déjà dans le film "Les temps modernes" par la seule grâce de ce qui fonde son humanité, autant dire son instinctive incapacité à se confondre avec la machine. Cette question recouvre aujourd'hui dans tous les domaines où l'homme agit, et plus encore dans celui de l'art, un enjeu crucial : comment rester un homme ?

Quelle joie violente peut nous apporter la réponse d'artistes de la trempe de Gabriel Guy, postés l'oeil neuf à la fenêtre de notre temps !
Illustrations 1 : Gabriel Guy dans son atelier en 2000. 2 : Une des « unes » que j'ai réalisées sur Gabriel Guy pour la presse quotidienne dans les années 80. 3 : Un de mes essais sur la peinture de Gabriel Guy (éditions Orage-Lagune-Express).

Christine Doucet à l'expo annuelle de la Palette carougeoise - mars 2013

2013-02-13T12:37:00+01:00

J’ai le plaisir de vous faire part de ma 4ème participation à l’exposition annuelle de la Palette carougeoise :

Fritz Klimsch: sculpture (2)

2013-01-23T00:05:00+01:00

Fritz Klimsch

Oslo: Parc Vigeland, août 2011

2013-01-21T00:05:00+01:00

Oslo: Parc Vigeland, août 2011

Parc Vigeland, Oslo, août 2011
Photographies de Robert Steuckers.

F. Klimsch: sculpture

2013-01-20T00:11:00+01:00

Fritz Klimsch

F. Klimsch: Junges Mädchen

2013-01-15T00:07:00+01:00

Fritz Klimsch
Junges Mädchen/Jong meisje
Jeune fille/Young girl

Fritz Klimsch: Sonnenbad/Bain de soleil

2013-01-10T00:05:00+01:00

Fritz Klimsch
Sonnenbad/Bain de soleil

Retour à l’intime, la collection Giuliana et Tommaso Setari, à la maison rouge

2012-12-28T07:41:00+01:00

L’opuscule qui nous est remis à l’entrée précise que cette neuvième collection est une étape hors des sentiers battus. J’ajouterai, pour être plus exact, que c’est un saut dans l’artefact au sens où l’artéfact est un effet (lat. factum) artificiel (lat. ars, artis). Le terme désigne à l'origine un phénomène créé de toute pièce par les conditions expérimentales, un effet indésirable, un parasite. Mieux même, « dans plusieurs domaines scientifiques, un artéfact est un phénomène ou un signal artificiel dont l’apparition, liée à la méthode utilisée lors d’une expérience, provoque une erreur d'analyse » (article Wikipedia). A lire l’opuscule et à voir les œuvres, c’est à peu près ce que l’on ressent.
Avant d’entrer dans la première salle, on voit au bout du couloir une glace sur laquelle est reportée une photographie, celle d’un homme des années 50. « Posé à même le sol pour être de plain-pied avec le spectateur, qui partage ainsi l’espace du tableau avec la silhouette anonyme de cet homme au tabouret. L’œuvre intègre à la fois l’espace (environnant) et le temps (les reflets successifs qui s’inscrivent sur sa surface) ». L’effet est intéressant, décoratif même, mais est-ce une œuvre d’art ?
Et je poursuis ma lecture de l’opuscule pensant trouver dans le texte ce que je ne vois pas. Le problème est qu’au fil des descriptions, je ne vois même pas de quelle description il s’agit. Je me rappelle un tableau abstrait de couleur fade, si fade qu’il semblait lavé à l’eau de mer. Mais où se trouve sa description dans le document. Après de nombreuses diversions, je finis par la trouver. « D’abord proche d’une abstraction informelle, elle se démarque à partir de 1965 par son utilisation de matière translucide, le Sicofoil, qui laisse passer la lumière, les motifs d’arabesques, infiniment répétées, que l’artiste rapproche elle-même de l’art islamique dans des couleurs vives… » Zut, cela ne doit pas être cela ! Ah, c’est peut-être cela : « L’énergie qui se dégage du tableau crée un contrepoint à la délicatesse chromatique des œuvre d’Ettore Spalletti…. La couleur prend un aspect velouté, aérien, grâce à une technique basée sur celle de la fresque ; les structures sont recouvertes de plusieurs couches de mélange de pigments poncées successivement, pour obtenir une surface poudreuse… Une impression d’harmonie et de sensualité se dégage de la simplicité formelle de cette installation. » Bon, bref, je ne sais où trouver la description de ce tableau.
Poursuivons ! « La vasque de verre de Lucialo Fabro (Iconografia Gandhi, 1975) rend hommage à des hommes ayant sacrifié leur vie pour leur cause. Le soin que l’œuvre réclame (l’eau doit toujours rester au même niveau) prend dès lors valeur de rituel, perpétuant la mémoire du grand homme, dont le nom est gravé sur le cylindre de verre. » Quel hommage : c’est une œuvre parce que la chaleur laisse évaporer l’eau !
Nous nous arrêterons sur cette description : « L’atmosphère est au recueillement dans cette salle que rassemble des œuvres autour de la thématique de l’absence et de la mort. L’italienne Vanessa Beecroft est essentiellement connue pour ses performances exposant, le temps d’une soirée ou d’un vernissage, des corps humains archétypiques, présentés dans une mise en scène aseptisée et artificielle. Ici toutefois, il ne s’agit pas d’un corps parfait, mais d’un corps meurtri. La fascination pour la beauté que Beecroft exploite d’habitude se mêle à une fascination pour le morbide. » Il s’agit d’une femme nue, offerte, mais couverte de plaies, effectivement morbide. Non, ce n’est pas elle, mais qui est-ce ? J’aurai dû noter chacune des œuvres !
Et plus on avance vers la sortie, plus les thèmes et leurs commentaires semblent dissociés. On se demande de quoi l’on parle ! Peut-on parler d’œuvres absconses ou de commentaires sur-élogieux ?
Oui, il s’agit bien d’artefact et non d’art de facto !

Le li

2012-12-15T07:44:00+01:00

Pour Zhu-Xi (1130-1200), adepte du néo-confucianisme, toute chose, donc l’homme également, est formée d’un principe ordonnateur, le li, et de la force vitale, le qi. L’apparence extérieure est définie par le qi. Le li détermine le caractère, la nature, l’être de la chose, des événements ou de la personne. Le qi façonne l’être tandis que le li détermine sa véritable nature. C'est un peu l'opposition entre le moi et le soi des hindous. Ce principe ordonnateur préexiste au monde et à tous les objets qu'il renferme.
La masse d’eau de l’océan symbolise bien ces deux concepts qui se côtoient en chacun d’entre nous. Sa surface met en évidence sa force, mais ses profondeurs restent inchangées quoi qu’il arrive et détermine sa véritable nature.
Une gravure conçue il y a longtemps, mais qui reste d’actualité.

Les Hivernales de Paris-Est : La dernière abeille par Jacki Maréchal

2012-12-09T01:14:00+01:00

Jacki Maréchal, exposition avec le partenariat du ministère de la culture : les Hivernales de
Paris-Est.
Auteur : Jacki Maréchal - Titre : "La dernière abeille" - Section : Installation
Descriptif : Triptyque 120 x 360. Polymères + Fer + Acrylique sur toile + composition musicale déclenchée par la présence humaine. Deux sculptures polymères + fer + bois Voir et écouter ici, œuvre élaborée avec le mécénat du GIP Franco Suisse MIND à Archamps (Genève).
Musique : composition Frédéric Louvet et Florence Grasset (chant et improvisation).

La plus importante célébration annuelle de la création internationale réunissant les artistes du monde entier

Rencontres artistiques internationales de Paris
LE PALAIS DES CONGRES DE PARIS-EST MONTREUIL ACCUEILLERA
ENTRE LES 12 ET 16 DECEMBRE 2012
SUR PLUS DE 12 000 m²
LE PLUS GRAND SALON
D'ARTISTES CONTEMPORAINS

les Hivernales de Paris-Est

du 12 au 16 décembre 2012

Vernissage le mercredi 12 décembre 2012
de 17h30 à minuit

Partenaires :

Liens :
www.culturecommunication.gouv.fr
www.lamaisondesartistes.fr
www.montreuil.fr
www.palaisdescongres-paris-est.com
miroirdelart.over-blog.fr
www.artension.fr
www.photo.fr
www.photographie.com
www.artactuel.com
www.atelier80.fr
www.avantmidi.fr
www.liquitex.com

Site : jacki-marechal.com

Danseuse

2012-11-30T07:05:00+01:00

La danseuse de fer s'exerce seule, longuement, , s'étire, se regarde dans la glace, jusqu'à l'extase. Le corps se sent à l'aise et l'esprit, progressivement, s'allège des peines et des tourments du jour.
Si nous pouvions être de fer, que ressentirions-nous?
Sculpture réalisée à partir de morceaux de moissonneuse. Jusqu'où va la transformation!

Parc Vigeland, Oslo

2012-11-25T00:06:00+01:00

Parc Vigeland, Oslo, 6 & 7 août 2011
Photos de Robert Steuckers
6 août, journée ensoleillée et torride, excellente lumière

Jacki Maréchal S O L O - E X H I B I T I O N - L Y O N

2012-11-23T00:23:00+01:00

« J'aime le plastique, mon amour... »

Du 29 novembre au 23 décembre 2012

GALERIE SAINT GEORGES
22, rue Saint Georges
Lyon 5e
Acrylique sur toile, anses de seaux, bâche plastique transparente peinte.

Vernissage le jeudi 29 novembre
à partir de 18h

Horaire : du mercredi au dimanche
de 14 à 18 heures
04 24 55 26 29
saintgeorgesgalerie@gmail.com

Parking à proximité :
Parking Saint-Georges

La galerie Saint Georges a longtemps été dirigée par Denise Mermillon célèbre galeriste qui ouvre ce lieu en 1960 avec une exposition de Georges Rouault.
Le lieu a été réinvesti en 2008 par un jeune brésilien de 24 ans Charles-Henrique De Oliveira et par Brigitte Maillard qui présenteront les oeuvres de Jacki Maréchal au cours de ce mois de décembre 2012 si dynamique à Lyon.
Jacki Maréchal profite de l'ardeur et de la jeunesse de ce lieu pour présenter ses toutes nouvelles recherches basées sur les polymères.

Partenaire :
Pour les oeuvres MECENAT BROPLAST
site : jacki-marechal.com

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