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ART et DESTRUCTION selon Gilbert LASCAULT

2026-09-18T21:30:00+02:00

Dans les manifestations auto-destructives, l'art choisit la dépense, le luxe d'une vie extrême et qui ne calcule pas les conséquences d ses actes, un certain état orgiaque. Il cherche à éviter d'être rangé à une place précise par la société. Il veut (sans toujours y parvenir) échapper aux livres de comptes et aux archives, aux échanges monnayés et aux bénéfices, à cette "mesquinerie universelle" que, selon Georges Bataille, développe la société bourgeoise. Sans nihilisme, l'art brouille ainsi les cartes entre recettes et dépenses, ordre et chaos, vie et mort. Il ne cache pas la destruction dans les tombeaux ; il la transforme en un élément de la fête.

Gilbert LASCAULT, Écrits timides sur le visible, UGE, 1979

Giscard au Musée Fenaille

2026-08-07T12:28:00+02:00

J'ai récemment ressenti une drôle d'impression, en déambulant dans la dernière exposition temporaire du musée archéologique ruthénois, « La sculpture en Rouergue à la fin du Moyen-Age » (visible jusqu'au 22 novembre 2026).

Non, je n'ai pas croisé le fantôme de l'ancien président de la République (1974-1981), décédé en 2020. Cependant, au détour d'une salle, je suis tombé sur une sculpture (du XIVe siècle) qui a, je trouve, un petit air de ressemblance avec Valéry Giscard d'Estaing, tel qu'il était dans les années 1970-1980 :

Ladite sculpture faisait partie des réserves du musée, où elle était entreposée depuis une quarantaine d'années... soit depuis le premier septennat de François Mitterrand, qui avait battu VGE en 1981. Serait-ce une coïncidence ?

Quant à la ressemblance, ne serait-elle pas due à un lien familial ? La sculpture pourrait s'inspirer d'une personnalité rouergate du Moyen-Age, dont VGE serait un (très) lointain descendant... Rappelons que les membres de la famille Giscard (le père et l'oncle du futur président) ont obtenu, dans l'Entre-deux-guerres, de pouvoir ajouter la particule "d'Estaing" à leur nom, en prétendant descendre (de manière un peu détournée...) d'une cousine de l'amiral d'Estaing, dernier héritier mâle (légitime) de la lignée, qui fut guillotiné en 1794... (La commune d'Estaing se trouve dans l'Aveyron, à 30-40 minutes de route, au nord de Rodez.)

La réponse à ces palpitantes questions se trouve peut-être dans le descriptif de la statue, dont je peux vous dire qu'elle "trône" et qu'elle est accompagnée de deux animaux... Il faut aller au musée pour en avoir le cœur net !

Cette exposition est étonnante. Elle est composée en grande partie de "reliquats", de pièces rapportées. Soit elles avaient été soustraites à la vue du public (l'une d'entre elles était même dissimulée derrière un mur de briques, dans l'église Saint-Amans, dont ce n'est pas le seul secret...). Soit elles sont incomplètes (voire sont des fragments), victimes des affres du temps... ou de la violence révolutionnaire, qui a fait bien des dégâts, entre 1789 et 1795...

J'ai été ému par ces fragments de mains, exposés dans une vitrine du début de l'exposition. Ils font partie d'éléments retrouvés à l'occasion de travaux ou de fouilles, dans la cathédrale de Rodez, à la fin du XXe ou au début du XXIe siècle. Bien entendu, à l'origine, ces mains faisaient partie de corps sculptés. Mais les voir ainsi présentés, tels des membres amputés, a quelque chose de troublant.

Dans le florilège des pièces (presque) complètes, les figures féminines sont très présentes. Sans surprise, c'est la Vierge Marie que l'on rencontre le plus souvent, soit seule, soit dans un groupe, soit en compagnie de l'enfant Jésus. L'une des plus belles sculptures (en albâtre, datant du XIVe siècle) la montre avec l'enfant debout (sur son genou gauche), une rareté.

Mon coup de cœur va toutefois à une autre œuvre, une représentation de Sainte Foy datant du XVe siècle, extraite du Trésor de l'abbaye de Conques :

Le bois est recouvert d'argent. Admirez la finesse des traits, la précision des détails. Couronnée, la sainte tient dans sa main droite les instruments de son martyre (le gril et l'épée).

Une autre belle pièce risque d'attirer vos regards : un haut-relief représentant la descente de Jésus aux Limbes :

La gueule du Léviathan n'est pas sans rappeler celle qui figure sur le (magnifique) tympan de l'église abbatiale de Conques :

La différence est qu'à Conques, les démons font entrer les pécheurs en Enfer, tandis que Jésus essaie de sortir certains "élus" des Limbes.

Du côté masculin, outre le Christ, on croise à plusieurs reprises Saint Antoine, souvent accompagné d'un animal, sans doute un cochon... mais, si vous vous rendez sur place, vous réaliserez que l'identification n'est pas toujours évidente.

Très anciennes et dégradées par le temps ou la bêtise humaine, ces œuvres ont bénéficié de restaurations, dont les techniques sont expliquées par divers panneaux et vidéos. Située en sous-sol (la partie la plus fraîche du musée), cette expo mérite vraiment le détour.

Exposition / Jean-jacques Dalmais chez En dehors du cadre à Oyonnax (Ain)

2026-06-18T00:05:29+02:00

Site de l'artiste

C'était le 13 juin...

2026-06-13T17:10:00+02:00

1782.
Accusée de pratiquer la magie noire et ayant avoué sous la torture avoir conclu un pacte avec le diable, Anna Göldin, une servante du canton de Glaris, en Suisse, est publiquement décapitée, ses restes étant ensuite placés sous l'échafaud. Elle est la dernière femme exécutée en Suisse pour sorcellerie, et ne sera déclarée innocente qu'en 2008.

1794.
À Paris, la Commission temporaire des Arts arrête que "tous les tableaux et portraits représentant des individus de la race Capet seront détruits".

1816.
À Rome, le pape Pie VII rappelle que la lecture de la Bible est déconseillée aux catholiques, et va jusqu'à interdire aux laïcs d'avoir en leur possession un exemplaire de l'Ancien Testament rédigé dans leur langue nationale. "L'expérience a montré, déclare-t-il, qu'en raison de l'imprudence des hommes, les saintes Écritures, publiées dans la langue vulgaire, font plus de tort que de bien".

1865.
Naissance à Dublin de l'écrivain et poète irlandais William Butler Yeats.

1870.
Naissance à Soignies de l'immunologiste et microbiologiste belge Jules Bordet, prix Nobel de médecine en 1919 pour ses découvertes sur l'immunité. Il était par ailleurs un fédéraliste convaincu.

1900.
À Pékin, début de la révolte des Boxers. Lancée par la société secrète Yi Ho Tuan (la "Société des poings justes et harmonieux"), elle vise à rendre le trône impérial à un souverain chinois et à chasser les Occidentaux. Les légations étrangères sont prises d'assaut, tandis que les massacres se multiplient. La contre-offensive du corps expéditionnaire international du général allemand von Waldersee sera plus meurtrière encore.

1901.
Naissance de l'écrivain français d'origine normande Jean Prévost. Journaliste, historien et romancier, il trouvera la mort avec d'autres maquisards lors de la bataille du Vercors, à l'âge de quarante-trois ans.

1913.
Naissance à Diest de l'universitaire belge Jef van Bilsen. D'abord responsable du Verdinaso de Joris van Severen, puis résistant dans les rangs de l'Armée secrète, il publia en 1958 un "Plan de trente ans pour l'émancipation de l'Afrique belge" qui suscita de vifs débats.

1941.
Fondateur en 1901 du mouvement Wandervogel ("Oiseau migrateur"), Karl Fischer meurt à Berlin quasiment oublié.

C'était le 12 juin...

2026-06-12T17:05:00+02:00

Antiquité.
À Rome, sacrifices à Jupiter Invictus.

1219.
Amaury de Montfort, suivi de vingt évêques et 10 000 hommes, s'empare de la ville de Marmande, qui est aussitôt mise à sac. Comme à Béziers dix ans plus tôt, le massacre s'opère au nom de la foi.

1493.
Lucrèce Borgia, fille du pape Alexandre VI (Rodrigo Borgia), épouse Jean Sforza. Le mariage est célébré au Vatican.

1521.
Les écrits de Luther sont brûlés publiquement à Rome, sur la place Navone.

1787.
Un arrêt du conseil du Parlement de Rouen décrète qu'il est désormais interdit d'appeler "bourreaux" les "exécuteurs des jugements criminels". Deux ans plus tard, l'Assemblée nationale décidera de les appeler "citoyens exécuteurs". Début du "politiquement correct".

1815.
En Allemagne, fondation de la Urburschenschaft, corporation étudiante de l'université de Iéna.

1932.
Mort à Maartensdijk (Pays-Bas) de René De Clercq, écrivain et poète belge d'expression flamande.

1940.
Le Canada ayant déclaré la guerre à l'Italie, 500 immigrés italiens de la ville de Windsor sont arrêtés par la police montée et envoyés au camp de concentration de Pettawa, où ils resteront internés jusqu'à la fin des hostilités.

1941.
Mort à Lausanne de l'écrivain franco-suisse Guy de Pourtalès. Traducteur de Shakespeare, il écrivit des biographies de Nietzsche, Wagner, Liszt et Chopin, ainsi que des romans (La Pêche miraculeuse, 1937).

1945.
Le général de Gaulle écrit à Pierre-Henri Teitgen, garde des Sceaux, pour lui donner ses consignes en matière d'immigration : "Sur le plan ethnique, il convient de limiter l'afflux des Méditerranéens et des Orientaux qui ont, depuis un demi-siècle, profondément modifié la composition de la population française. Sans aller jusqu'à utiliser un système rigide de quotas, il est souhaitable que la priorité soit accordée aux naturalisations nordiques (Belges, Luxembourgeois, Suisses, Néerlandais, Danois, Allemands.)"

1947.
Le chef autonomiste alsacien Joseph Rossé est condamné à quinze ans de travaux forcés, vingt ans d'interdiction de séjour, frappé d'indignité nationale à vie et voit tous ses biens confisqués : en juillet 1940, il avait pris, à la demande des Allemands, la direction des éditions Alsatia. Il n'avait pourtant pas tardé à en faire un centre de résistance au nazisme. Entre 1940 et 1944, il avait fait imprimer plus de deux millions d'exemplaires d'ouvrages clandestins. En novembre 1940, il avait obtenu la libération de Robert Schuman et s'était opposé au recrutement d'Alsaciens par la Wehrmacht. À partir de 1943, il avait été en contact suivi avec les conjurés du 20 juillet 1944 (opération Walkyrie). Il mourra dans sa cellule de la prison d'Eysses, le 24 octobre 1951.

1999.
Un incendie criminel, dont les auteurs n'ont jamais été identifiés, détruit 300 000 des 450 000 livres de la bibliothèque universitaire de Lyon.

C'était le 11 juin...

2026-06-11T22:25:00+02:00

-323.
À Babylone, mort d'Alexandre, roi de Macédoine, vainqueur des Perses et conquérant de l'Asie. Il n'avait pas 33 ans. Ptolémée fera dérober sa dépouille, afin qu'elle repose à Alexandrie dans un cercueil en or.

1294.
Mort à Oxford du philosophe anglais Roger Bacon. Accusé de "magie", il avait été poursuivi comme "sorcier", puis emprisonné pendant dix ans sur l'ordre des tribunaux ecclésiastiques.

1700.
Fondation par Leibniz de l'Académie des sciences de Berlin.

1809.
Napoléon Ier ayant rendu un décret daté du camp de Vienne et déclarant la réunion des États pontificaux occupés militairement depuis 1805, le pape Pie VII lance contre lui un second bref d'excommunication.

1842.
Naissance à Berndorf (Thurnau) de l'ingénieur allemand Carl von Linde, inventeur des techniques modernes de liquéfaction des gaz par cryogénie.

1864.
Naissance à Munich du compositeur Richard Strauss.

1879.
Amnistié après avoir passé près de la moitié de sa vie en prison, Auguste Blanqui, âgé de 74 ans, quitte sa cellule de Clairvaux. Le révolutionnaire français consacrera la fin de sa vie à rédiger son journal, Ni Dieu, ni maître.

1886.
L'Assemblée nationale et le Sénat adoptent une loi disposant que "le territoire de la République française est et demeure interdit aux chefs des familles ayant régné en France et à leurs héritiers directs". Le comte de Paris s'embarque pour l'Angleterre. La loi d'exil ne sera abrogée qu'en 1950.

1937.
En Union soviétique, le maréchal Toukhatchevski, soupçonné de vouloir organiser un coup d'état, est arrêté sur l'ordre de Staline, qui nourrissait une animosité contre lui depuis la campagne de Pologne de 1920. Accusé d'espionnage et de trahison, le maréchal est condamné à mort et exécuté dans les quarante-huit heures. 40 généraux et 35 000 officiers subissent le même sort, au cours d'une purge massive liée à la lutte contre le "centre antisoviétique trotskyste". Les femmes et les enfants des condamnés sont expédiés en camps d'internement. Devant l'affaiblissement de l'Armée rouge qui en découle, Hitler pavoise : "Nous avons neutralisé la Russie pour au moins dix ans".

1944.
À Éclassan, dans l'Ardèche, le commandant Édouard de la Roque, ancien héros de Narvik, est enlevé à la sortie de la messe puis assassiné par des FTP. Il sera déclaré "mort pour la France" en juin 1952. Les auteurs du meurtre seront amnistiés un an plus tard.

1975.
Dans Le Figaro, Dominique de Roux écrit : "De droite par héritage, je suis sur bien des points de gauche par une sorte de révolte et de recherche permanentes [...] La droite, c'est la métaphysique, et c'est dans ce cas un peu dépassé. La gauche se paie de mots - et alors ce n'est pas très mûr".

2000.
Mort à Mannheim de l'industriel et militant politique allemand Willi F. Koerbel. Membre de la NSDAP depuis 1931, il avait été nommé en 1936 rédacteur en chef du journal de la SA, Der SA-Mann, qui fut interdit trois ans plus tard à la demande de Goebbels. Il devint après la guerre consul général du Ghana en Allemagne. Sa ville natale de Habsheim, en Alsace, le fit citoyen d'honneur en 1997, avant de revenir sur sa décison en 2022.

2002.
À Washington, la Chambre des représentants adopte une déclaration confirmant que l'ingénieur italien Antonio Meucci a bien inventé le téléphone en 1871, cinq ans avant que l'Américain Graham Bell ne dépose son propre brevet.

2010.
Mort à Batz-sur-Mer (Loire-Atlantique) du sculpteur français d'inspiration régionaliste Jean Fréour. Auteur de la statue d'Anne de Bretagne située devant le château des Ducs à Nantes, il adhéra en 1944 au mouvement artistique breton des Seiz Breur.

C'était le 10 juin...

2026-06-10T22:20:00+02:00

1190.
Mort en Anatolie de l'empereur Frédéric Ier de Hohenstaufen, dit "Barberousse".

1467.
Mort de Philippe III le Bon, duc de Bourgogne. Fils de Jean sans Peur, il s'allia après la mort de son père à Henry V d'Angleterre, qu'il reconnut comme héritier du trône de France, puis se réconcilia avec Charles VII en 1435. "Grand-duc du Ponant", il constitua un vaste état comprenant la Picardie, les Bourgognes et les Pays-Bas, et institua en 1429 l'ordre de la Toison d'Or.

1673.
Naissance à Saint-Malo du navigateur René Duguay-Trouin, dont la vie fut une longue succession de victoires navales et d'aventures amoureuses. Ses mémoires paraîtront en 1740, quatre ans après sa mort.

1794.
À Paris, la Convention décrète par la loi du 22 prairial que le Tribunal révolutionnaire ne pourra plus prononcer qu'une seule peine : la mort. Les accusés ne pourront plus citer de témoins ni se faire assister d'un avocat. L'instruction préalable est également supprimée. On recensera parmi les condamnés 8,5 % de nobles, 28 % de paysans et 31 % d'ouvriers.

1804.
L'ancien chef chouan Georges Cadoudal est condamné à mort pour avoir organisé contre Napoléon Ier le complot de la "machine infernale". Il sera guillotiné le 25 juin. Napoléon, après l'échec de la chouannerie, lui avait proposé de prendre un commandement dans l'armée républicaine.

1819.
Naissance à Ornans (Franche-Comté) du peintre Gustave Courbet.

1869.
Naissance à Almrich, commune de Naumbourg, de l'architecte et essayiste allemand Paul Schultze-Naumburg. Membre de la Révolution conservatrice, très apprécié à l'époque wilhelmienne comme défenseur de l'architecture néogermanique (Heimatschutzstil), il est aussi l'auteur de plusieurs ouvrages sur l'idéal nordique (Kunst und Rasse, 1928).

1912.
Dans L'Action française, Charles Maurras écrit : "Ni implicitement ni explicitement nous n'acceptons le principe de la souveraineté nationale, puisque c'est au contraire à ce principe-là que nous avons toujours opposé le principe de la souveraineté du salut public [...] qui est le point de vue antidémocratique par excellence".

1926.
L'architecte catalan Antonio Gaudi, âgé de 73 ans, trouve accidentellement la mort à Barcelone, sous un tramway. Il sera inhumé dans la crypte de l'église "néogothique" de la Sainte-Famille, qu'il avait construite à partir de 1883.

1947.
Parution à Paris du premier numéro de l'hebdomadaire monarchiste Aspects de la France.

1976.
À Lyon, Georges Marchais, secrétaire général du PCF, prononce un "discours historique" dans lequel il souligne la "nécessaire collaboration" des communistes et des chrétiens.

2012.
Mort à Boulogne-Billancourt du peintre français Georges Mathieu, considéré comme le père de l'"abstraction lyrique". Qualifié de "premier calligraphe occidental" par André Malraux, on lui doit notamment l'emblème de La Nation française, hebdomadaire monarchiste fondé par Pierre Boutang.

C'était le 5 juin...

2026-06-05T08:50:00+02:00

574.
L'évêque Boniface (Wynfrieth) est tué, près de Dokkum (Pays-Bas), par des Frisons païens qu'il tentait d'arracher à la foi de leurs ancêtres.

1568.
Le duc d'Albe fait exécuter à Bruxelles les comtes d'Egmont et de Horn, qui s'étaient élevés contre l'établissement de l'Inquisition aux Pays-Bas.

1887.
Le peintre allemand Hans von Marées, l'un des plus marquants représentants de l'école "germano-romaine", est assassiné à Rome. Il en avait décoré de nombreux monuments, ainsi qu'à Munich.

1898.
Naissance à Fuente Vaqueros, près de Grenade, du poète espagnol Federico Garcia Lorca.

1905.
Henri Poincaré soumet à l'Académie des sciences une note "Sur la dynamique de l'électron", dans laquelle sont énoncés pour la première fois les principes fondateurs de la théorie de la relativité.

1921.
Mort à Rueil-Malmaison de l'auteur dramatique français Georges Feydeau. Resté célèbre pour ses vaudevilles (La Dame de chez Maxim, Occupe-toi d'Amélie), il aurait été le fils illégitime du duc de Morny, demi-frère de Napoléon III.

1926.
L'Elsass-Lothringer Heimatbund, mouvement autonomiste alsacien, publie un manifeste en faveur du bilinguisme et de l'"autonomie législative et administrative dans le cadre de la France". Ses 102 signataires demandent la création d'un pouvoir exécutif siégeant à Strasbourg et d'une "assemblée représentative" élue par les Alsaciens. Des sanctions contre eux sont aussitôt annoncées par Pierre Laval, ministre de la Justice.

1964.
Le Vatican annonce la levée de la sanction d'excommunication frappant les catholiques incinérés après leur mort.

1967.
Début de la guerre des Six-Jours. Dès le lendemain, les Israéliens, sous le commandement de Yitzhak Rabin, atteignent le canal de Suez. Le 21, la France fait savoir qu'elle "condamne l'ouverture des hostilités par Israël" et "ne tient pour acquis aucun des changements réalisés sur le terrain par l'action militaire".

1968.
À Los Angeles, Robert Kennedy est visé par un attentat. Il décédera le lendemain.

1981.
Aux États-Unis, le centre de recherche médicale d'Atlanta annonce la découverte d'une nouvelle maladie virale, baptisée syndrome d'immuno-déficience acquise : le monde devra désormais vivre avec le sida.

1992.
Mort à Saint-Pétersbourg de l'ethnologue et historien russe Lev Goumilev. Fils de la poétesse Anna Akhmatova, ses thèses sur la "passionarité" (l'énergie vitale des groupes ethniques) développées dans L'Ethnogenèse et la biosphère de la Terre, ainsi que ses travaux sur les peuples de la steppe, furent l'une des principales sources d'inspiration du mouvement néo-eurasiste.

Humour. Les dit.es intellectuel.les/philosophes en 2026 ? ? ? !

2026-06-05T01:10:15+02:00

QUE RACONTENT-IELLES ? ! A part l’idée qu’il est temps de faire plus attention ? ! Mais en n’annonçant rien de tangible ! Ou alors : « Qu’on est à minuit - 1minute avant la catastrophe ! » CE QUI NE CHANGE RIEN ! Puisqu’aucune solution crédible n’est percevable

Puisque tant que l’addiction qui est l’essence du capitalisme sera opérationnelle, rien ne pourra évoluer !

1) La preuve, n’est-elle pas palpable ? !

Tout ne continue-t-il pas à se dégrader, voire se désagréger ? !

S’il me semble que ces quelques remarques suffisent à clore le débat dans la mesure où tout ce qui se produit, tous les raisonnements, se déroulent dans une sorte de boîte ou sphère fermée où on ne peut que se mordre la queue !

[[[Si on voulait faire semblant de prendre la hauteur, ne serait-il pas simple d’évoquer Einstein :
Le monde que nous avons créé est le résultat de notre niveau de réflexion, mais les problèmes qu'il engendre ne sauraient être résolus à ce même niveau.
Un problème créé ne peut être résolu en réfléchissant de la même manière qu'il a été créé.
La folie, c'est se comporter de la même manière et s'attendre à un résultat différent.
Il est plus facile de désintégrer un atome qu'un préjugé.
Nous aurons le destin que nous aurons mérité.]]]

MAIS ! AVEC UN PEU D’ORIGINALITÉ ! ! !
2) Revenons à la réalité « vraie » ! Par le chemin de l’art !

Ce paquet était prêt à servir, je l’ai gardé. Mon intention était de signaler que L’Urinoir de Deschamps était plus que réaliste !

En 1917, Marcel Duchamp expose un urinoir inversé qu'il intitule « Fontaine ». Pour beaucoup, cet acte provocateur marque la naissance de l'art contemporain.
Duchamp. La Fontaine ou l’Urinoir Œuvre la plus influente du XXe siècle

« En 2004 "Fontaine" a été désignée comme l’œuvre la plus influente du XXe siècle par des artistes, galeristes, critiques et des conservateurs de musée anglais. Le sondage, réalisé à l’occasion du Turner Prize en Grande-Bretagne, avait pour objet de "départager les œuvres fondatrices de l’art moderne en interrogeant un panel de 500 artistes et experts en la matière" »

Le Parisien, en 2016, prend position au 1er degré !
Les grands scandales de l'art : l'urinoir, c'est de l'art ? - Le Parisien
www.leparisien.fr/culture-loisirs/l-urinoir-c-est-de-l-art-18-08-2016-6048959.php

18 août 2016 - Au sens littéral. Son urinoir, Duchamp le retourne de haut en bas, et l'appelle « Fontaine ». Il le signe à la peinture noire, malicieusement et ...

Adolescent, Dès que j’ai aperçu cet urinoir, je l’ai identifié comme la synthèse de notre société !

Pour moi, l’art est formidable dans le sens où il est en avance sur les événements, il prévient ou anticipe !
N’exprime-t-il pas une autre version des prises de conscience de Freud et de ses collègues ? !

Ces 4 œuvres (De Soulages, Munch <Le Cri>, Miro, Duchamp) n’illustrent-elles pas notre période.

3) Il me semble que des tas de peintures étalant la « déstructuration » sont bien plus intuitives /hyperréalistes !

[[En passant, je n’élimine pas Fontana, qui vivait en marge, dépensait beaucoup, avait saisi que « ces fentes » se vendaient bien ! Dès qu’il manquait d’argent, il fabriquait une ou quelques fentes qui le renflouaient ! ! !

<Fontana est une valeur sûre. Historique. Pas une vente à Londres et à New York - plus rarement à Paris -, sans l'une de ses fameuses fentes, icônes tant prisées, car immédiatement identifiables au mur. Épilogues de sa carrière, elles semblent toutes pareilles et sont pourtant toutes différentes. Leurs estimations sont toujours dépassées : plus du double, avec une vente à 2,3 millions d'euros, pour l'une d'elles, 60 par 60 cm, en février dernier chez Christie's. « La demande est internationale et reste supérieure à l’offre », observe Stefano Moreni, directeur du département art contemporain de Sotheby's France>.

N’était-il pas intelligent ? ! ]]]

Plus sérieusement ou moins commercialement !
Le noir et l’ultra noir, du peintre Soulages, ne signifient-t-ils qu’une expression de la lumière ? !

connaissancedesarts.com › arts-expositions › art-moderne › soulages-au-musee-du...

Soulages : 6 chefs-d’œuvre incontournables du maître de l’outrenoir

Comment expliquer ces panneaux monochromes où coexistent l'ombre et la lumière, le mat et le brillant, le lisse et le rugueux ? Quelle logique, quels enjeux esthétiques, voire métaphysiques, guidaient Pierre Soulages ? Réponse en ……………. ! V. Internet. !

Le Cri de Munch, dès que je l’ai vu, m’a également fait penser à notre société.

Les peintures de Miro sont plus calmes, relax !

(Personnellement, c’est Chagall qui est proche de ma subjectivité !)

Voici une production, (La première trouvée sur Internet) pour moi figurative, aussi réaliste que l’Urinoir, exprimant la décomposition des normes, de nos repères ! Et un aperçu de la vision de la vie que perçoivent les plus jeunes, les non-cultivé.es ou les démuni.es, notamment ceux aux couteaux !

Les riches, n’achètent et ne vendent-ils pas n’importe quoi dans le seul but de faire du profit ? !
Les intellectuel.les « évéillé.es » et-et donc déabusé.es, ne se rabattent-ielles pas aussi sur l’art contemporain, puisqu’ielles ne le dénigrent pas ? !

Banksy s’autodétruit à Sotheby’s

Par Stéphanie Aubert — 6 octobre 2018 à 13:55 (mis à jour le 7 octobre 2018 à 10:14)

La destruction de «la Fille au ballon» en pleine vente aux enchères, un coup prémédité de longue date par le street artiste anonyme.

L'œuvre de Bansky s'est auto-détruite après sa vente. Sotheby's

Acheteurs, curieux et commissaire de vente se sont affolés – ou se sont bien marrés, c’est selon – hier lors de l’adjudication de la Fille au ballon (2006) du street artist anonyme Banksy, dernière vente de la soirée à Sotheby’s Londres.

Ce n’est ni le bruit du coup de marteau marquant la fin des enchères, ni la somme exorbitante à laquelle le tableau a fini par s’adjuger – 1,042 million de livres (1,2 million d’euros euros), un nouveau record pour l’artiste –, qui les a sonnés mais un bruit de sirène concomitant à l’autodestruction de la toile, s’abaissant soudain dans son cadre et ressortant sous forme de bandelettes.

Dans un communiqué publié tout juste après l’incident, la maison d’enchères ne pouvait que constater avoir été «banksy-ée»: «La toile a commencé à passer à travers une broyeuse dissimulée dans le cadre. [...]

C’est la première fois dans l’histoire des enchères qu’une œuvre s’autodéchiquette à peine adjugée », poursuit le communiqué. Alex Branczik l’un des directeurs de Sotheby’s a précisé au Financial Times communiquer avec l’acheteur sur les

«Drôle, intelligent, spectaculaire! Du pur Banksy!» s’est enthousiasmé le street artist français Invader. «Magicien», «génie», «légendaire»... réagissaient de leur côté les nombreux followers (2,6 millions d’abonnés) de Banksy, qui joue avec malice entre strict anonymat et maîtrise hors-pair de la com et des réseaux.

Les dérives du monde de l’art est l’un des motifs réguliers d’énervement et de combat du street artist.

Une charge certes salutaire mais venant du street artist le plus coté dans la rue comme sur le marché, charrie son lot d’ambiguïtés.

Même si lors de ventes aux enchères comme celle de Sotheby’s, c’est bien le vendeur, souvent collectionneur, qui empoche les enchères et évidemment pas l’artiste.

Quelques semaines plus tôt, Banksy dénonçait avec humour toujours sur son compte Instagram, une exposition montée à Moscou sans autorisation, ni même apparemment sans qu'il en ait été informé

Dans ce sens philosophique, n’existe-t-il pas une autre cheffe-d’œuvre ! LA BANANE SCOTCHÉE ? !

Vol au Centre Pompidou-Metz : comment une banane scotchée s’est imposée comme œuvre d’art
Par Elisa Brinai
Publié le 1 juin 2026 à 15h51 Lecture : 3 min

Le Centre Pompidou-Metz a porté plainte dimanche 31 mai 2026 après le vol de Comedian, la célèbre banane scotchée de l’artiste italien Maurizio Cattelan.

Dérobée discrètement samedi, cette œuvre conceptuelle a été victime de plusieurs incidents depuis sa première présentation en 2019, qui ne font qu’accroître sa renommée………..

Le fruit a aussitôt été remplacé. Une habitude, puisque la banane scotchée par le ruban adhésif gris est de toute manière renouvelée tous les trois jours, comme le stipule son strict protocole d’installation. « La valeur de l’œuvre réside dans son certificat d’authenticité et dans le protocole qui régit sa présentation plutôt que dans son élément périssable », a précisé le Centre Pompidou-Metz dans un communiqué.

Sur un mur blanc, une véritable banane, bien mûre, est scotchée par un épais et vulgaire ruban adhésif gris.

En dessous figure un titre, Comedian, et le nom de l’artiste, l’Italien Maurizio Cattelan, Et surtout, un prix dément : 120 000 dollars (plus de 100 000 €).
Ce qui est vendu lors de cette foire n’est pas la banane elle-même mais le concept de l’œuvre et son cadre artistique.

Trois « éditions » de l’installation sont proposées à la vente : les acheteurs peuvent faire l’acquisition de certificats d’authenticité, accompagnés d’un protocole d’exploitation, où figurent des instructions précises pour l’installation (hauteur, angle, remplacement du fruit, etc.). Les deux premières éditions trouvent très vite acquéreur pour 120 000 dollars et la troisième pour 150 000 dollars (environ 135 000 €).

Dès le départ, le fruit connaît un immense succès. « Des foules ont commencé à se former devant Comedian. Il a fallu faire appel à la sécurité, et mettre en place des files d’attente officielles. Les visiteurs devenaient… fous »….

Un premier incident survient lors de cette présentation originale, venant fonder la légende naissante de cette œuvre contemporaine. « Au plus fort de la fréquentation, un homme s’est approché de l’œuvre… et a mangé la banane.

Tranquillement. Il l’a décrochée, en a croqué une bouchée comme si de rien n’était », se remémore Élise Taylor. Cet homme n’est autre que l’artiste contemporain David Datuna, qui revendique une performance artistique.

En 2023, elle est une nouvelle fois mangée par un étudiant à Séoul. Un an plus tard, c’est l’acheteur de l’œuvre, l’homme d’affaires chinois Justin Sun, qui mange lui-même la banane, après avoir fait l’acquisition de Comedian pour 6,2 millions de dollars (environ 5,3 millions d’euros).

Au Centre Pompidou de Metz, la banane scotchée a encore de beaux jours devant elle, puisqu’elle restera accrochée jusqu’en février 2027.

Comedian côtoie d’autres œuvres subversives de l’artiste italien, comme La Nona Ora (1999), une représentation du pape Jean-Paul II terrassé par une météorite ou encore Him (2001), figurant un Adolf Hitler repentant agenouillé en prière.

QUE LES DIT.ES INTELLECTUEL.LES/PHILOSOPHES EN 2026, QUI NE SONT PAS SEULEMENT DES HOMO FABER NON MERCANTILIS, EXPLIQUENT LES AUTRES VALEURS CACHÉES DE CES ŒUVRES GÉNIALES QUI, pour moi, ANNONCENT LE QUINTERNAIRE !

Définition de l’homo mercantilis de Laborit notée dans « Biologie et structure ».

La vraie mutation, le début de l’ère nouvelle que certains nous chantent, apparaîtra le jour où le stade de l’homo faber que nous n’avons pas encore dépassé, même complété par celui de sa symbiose avec l’homo mercantilis qui domine actuellement la planète, fera place au stade de l’homo sapiens que nous n’avons point encore atteint.

Nous ne l’avons point encore atteint parce que, jusqu’ici, trop occupés à consommer, nous n'avons pas point encore appris à penser.

Pierre Payen (Dunkerque)

Comme Coluche, je me marre toujours plus !

N. B. Un ajout destiné aux dit.es intellectuel.les/philosophes en 2026

L’une des grandes découvertes du 21ème siècle, n’est-ce pas que l’ancienne notion de symétrie, contrairement à notre mentalité « fractale », a évolué ? !

Le figuratif et l’abstrait ne se rejoignent-ils pas souvent ? ! Comme le vrai et le faux ? !

Quand on apprend en lisant, écoutant, une information, peut-on encore se fier à celle-ci au 1er degré ? !

Quand on voit une photo, Le contenu correspond-il à la réalité ? ! Même examen pour une voix !
J

adis, on croyait que nous étions des sortes de chefs-d’œuvre de l’Univers. Depuis 2005, on sait que nous sommes des sortes de chimpanzés boostés ! Que notre génome s’en distingue seulement d’environ 1 à 4 % ! ! !

Je n’ai pas précisé cette addiction qui est l’essence du capitalisme !

Je présume que vous l’avez immédiatement reconnue !
Sinon, c’est l’addiction « Toujours plus » ! Oui / Non ? !

Ce n’est celle de la position zen !

Une ajout ! Depuis 2005, ne doit-on pas tenir compte que notre génome se distingue de celui du chimpanzé d’environ 1 à 4 % ! Que Xyzabcd ou Pierre Payen

C'était le 21 mai...

2026-05-21T19:05:00+02:00

337.

Installé depuis sept ans à Byzance, qu'il a renommée Constantinopolis, l'empereur Constantin le Grand meurt subitement près de Nicomédie.

1471.
Naissance à Nuremberg (Bavière, Allemagne) du peintre, graveur et mathématicien Albrecht Dürer.

1559.
Autodafé solennel à Séville : en présence du prince Don Carlos et de la princesse Jeanne, quatorze personnes sont jetées vivantes dans les flammes. Les archevêques de Séville et de Santiago bénissent les 200000 personnes qui assistent à la "cérémonie".

1639.
Le philosophe italien Tommaso Campanella, auteur de La Cité du soleil, meurt après vingt-sept ans de réclusion dans un cachot de l'Inquisition. Né à Stilo (Calabre) en 1568, il avait combattu la scolastique et préconisé la méthode expérimentale.

1793.
Âgé de 25 ans, François-René de Chateaubriand arrive à Londres, où il rejoint le milieu des émigrés. Trois ans plus tard, il publiera son Essai sur les révolutions.

1854.
Au château de Font-Ségugne (Châteauneuf-de-Gadagne, Vaucluse), sept jeunes poètes provençaux, dont Frédéric Mistral, fondent le Félibrige. Le mouvement, dont le but initial était de restaurer la langue provençale et d'en codifier l'orthographe, étendra bientôt son action à l'ensemble des pays de langue d'oc.

1855.
Naissance à Saint-Amand, près d'Anvers, du poète flamand d'expression française Émile Verhaeren. Son premier livre, Les Flamandes (1883), fit scandale en raison de sa truculence et de sa verdeur. Ses poèmes symbolistes exaltent les travailleurs et les écoliers, dans l'esprit d'un socialisme parfois proche de l'anarchisme.

1871.
Aux ordres de Mac-Mahon, l'armée versaillaise de Thiers pénètre dans Paris par la porte du Point-du-Jour. Le 23, elle s'emparera de Montmartre, le 27 des Buttes-Chaumont et du Père-Lachaise. La Semaine sanglante se soldera par une répression féroce de l'insurrection communarde. On dénombrera plus de 10 000 morts, auxquels s'ajouteront 13 000 condamnations, dont 7 500 déportations.

1905.
Naissance à Florence de l'écrivain, poète et mathématicien italien Berto (Roberto) Ricci. Anarchiste, antibourgeois et anticlérical dès sa jeunesse, il fonde en 1931 la revue L'Universale, qui scandalise rapidement les gardiens de l'orthodoxie fasciste. Néanmoins adhérant du parti fasciste à partir de 1934, il y représente une tendance critique "de gauche", hostile au capitalisme et au cléricalisme. En 1935, il se porte volontaire pour combattre en Éthiopie, avant de trouver la mort en 1941, en Cyrénaïque, sous la mitrailleuse d'un avion anglais.

1916.
Principal dirigeant du mouvement étudiant flamand, ancien animateur de la revue De vlaamsche Vlagge, Firmin Deprez, jeune Belge de 25 ans, est tué à Noordschote, sur le front de l'Yser, au cours d'un raid de nuit. Devenu un symbole, son corps sera inhumé en 1932 dans la crypte de la tour de l'Yser.

1960.
Le soldat Minakawa Bunzo, de la 328ème Compagnie d'artillerie de l'armée impériale japonaise, est capturé dans l'île de Guam. Ignorant que la guerre avait pris fin, il attendait depuis quinze ans qu'on vînt le relever. Quelques jours plus tard, l'un de ses compagnons, Ito Masashi, est arrêté à son tour. De retour au Japon, les deux hommes y reçoivent un accueil triomphal.

2013.
L'écrivain et historien français Dominique Venner se donne la mort à Notre-Dame de Paris. Il laisse une note expliquant des raisons de son suicide : "Mon geste incarne une éthique de la volonté. Je me donne la mort afin de réveiller les consciences assoupies [...] À défaut de posséder une religion identitaire, nous avons en partage depuis Homère une mémoire propre, dépôt de toutes les valeurs sur lesquelles refonder notre future renaissance en rupture avec la métaphysique de l'illimité, source néfaste de toutes les dérives modernes".

C'était le 2 mai...

2026-05-02T19:30:00+02:00

Antiquité.
Dans l'ancienne Rome, fin des Jeux floraux, institués par les édiles curules en l'honneur de la déesse Flore, divinité des fleurs et du printemps.

381.
L'empereur Théodose Ier enlève aux "chrétiens apostats", c'est-à-dire aux Romains revenus au paganisme, le droit d'hériter de leurs parents.

1519.
Mort de Léonard de Vinci au château de Clos-Lucé (Amboise), où l'avait fait venir François Ier.

1576.
Après dix-sept ans de procès, le confesseur de Marie Tudor, Bartolomé de Carranza, poursuivi pour hérésie par l'Inquisition, est finalement acquitté par le pape. Il meurt quinze jours plus tard.

1764.
Naissance à Breslau du publiciste et homme politique allemand Friedrich Gentz. Il se fit connaître en traduisant des écrits contre-révolutionnaires, dont les Considérations d'Edmund Burke, puis s'installa à Vienne, où il devint l'un des collaborateurs de Metternich. Il fut l'un des premiers grands théoriciens du conservatisme allemand.

1860.
Naissance à Budapest du journaliste et écrivain austro-hongrois Thedor Herzl. Hostile à l'assimilation et convaincu de la nécessité pour le peuple juif d'obtenir un "foyer national", il publia Der Judenstaat en 1896 et fonda le mouvement sioniste l'année suivante au congrès de Bâle.

1886.
Naissance à Mansfeld (municipalité de Putlitz, Brandebourg) du poète allemand Gottfried Benn.

1888.
Naissance à Paris du sculpteur français Maxime Real del Sarte. Fondateur avec Maurice Pujo des Camelots du roi, il perdit un avant-bras sur le front de Verdun et participa toute sa vie aux combats de l'Action française. On lui doit notamment plusieurs statues de Jeanne d'Arc.

1919.
Arrêté à Munich après la chute de la seconde République des Conseils, Gustav Landauer, fondateur en 1908 du Sozialistischer Bund (Alliance socialiste), est exécuté dans la prison de Stadelheim.

C'était le 30 avril...

2026-04-30T19:00:00+02:00

65.
Le poète et historien romain Lucain (Marcus Annaeus Lucanus), auteur de La Pharsale, s'ouvre les veines sur l'ordre de Néron, contre lequel il avait comploté. Âgé de 25 ans, il meurt en récitant des vers qu'il avait écrits pour dépendre la mort d'un soldat.

1803.
La France vend la Louisiane aux États-Unis pour la somme de quinze millions de dollars.

1863.

Dans le bourg mexicain de Camerone, 3 officiers et 62 soldats de la 3ème compagnie du 1er Régiment Étranger résistent pendant neuf heures aux assauts de 2000 Mexicains. Chaque année, la Légion étrangère célèbre leur héroïsme.

1883.

Mort à Paris du peintre Édouard Manet.

1919.
Tandis qu'à Munich la dictature des Conseils vit ses derniers jours, sept membres de la Société de Thulé, pris en otages par des révolutionnaires bolcheviks, sont massacrés dans la cour du lycée Luitpold par un peloton de gardes rouges. Parmi eux se trouvent la comtesse Hella von Westarp, le sculpteur Walter Nauhaus, le prince Gustav von Thurn und Taxis et le chevalier Friedrich Wilhelm von Seidlitz, arrière-petit-fils d'un général de Frédéric le Grand.

1945.
Luisa Ferida et Osvaldo Valenti, couple vedette du cinéma italien, sont fusillés à Milan par des partisans. Alors qu'ils avaient jusqu'alors marqué un complet mépris pour la politique, ils s'étaient mis par pure bravade au service de la République de Salò. Luisa Ferida était enceinte. Cette tragédie inspirera en 1984 une pièce de théâtre d'Alain Ravennes, La Couronne de fer.
À Savone, en Ligurie, une écolière de 13 ans, Giuseppina Ghersi, fille des commerçants Giovanni Ghersi et Laura Mongolli, enlevée cinq jours plus tôt, est torturée, violée et tuée d'une balle dans la tête par des communistes. Son corps est jeté sur un tas de cadavres au cimetière de Zinola. On lui reprochait d'avoir fait l'éloge de Mussolini dans un devoir rédigé à l'école.

1947.
Le premier roman de Raymond Abellio, Heureux les pacifiques, sort des presses aux éditions du Portulan.

1975.
Mort à Paris du peintre et dessinateur expressionniste français Eugène Paul, dit Gen Paul. Gravement blessé pendant la Première Guerre mondiale, il fut l'un des proches amis de Louis-Ferdinand Céline, dont il illustra Voyage au bout de la nuit et Mort à crédit. Marcel Aymé fit de lui l'un de ses personnages du Passe-muraille, et Jean Gabin s'en inspira pour interpréter le rôle de Grandgil dans La Traversée de Paris.

C'était le 15 avril...

2026-04-15T17:20:00+02:00

1719.
Mort à Saint-Cyr de la marquise de Maintenon, petite-fille d'Agrippa d'Aubigné. Née dans la religion calviniste, elle épousa par nécessité le poète Scarron, puis, ayant supplanté Madame de Montespan dans les faveurs de Louis XIV, parvint à épouser secrètement ce dernier.

1789.
L'armée française pénètre à Genève, dont les habitants se voient imposer un traité de réunion. Plusieurs cantons suisses s'insurgeront contre le projet de constitution révolutionnaire qui leur est imposé. Le 9 septembre, la population du Nidwald ayant pris les armes, la répression s'abat sur la petite ville de Stans, où 386 habitants, dont 102 femmes et 23 enfants, sont massacrés. La ville est ensuite incendiée.

1832.
Naissance à Wiedensahl, dans le Hanovre, du dessinateur et humoriste allemand Wilhelm Busch, créateur de Max und Moritz, qui inspirera l'Américain Rudolph Dirks pour sa bande dessinée The Katzenjammers Kids, publiée en France sous le titre Pim Pam Poum.

1857.
Naissance à Wambeek (Belgique) du poète, écrivain et folkloriste Pol De Mont, futur cofondateur avec Albrecht Rodenbach du mouvement étudiant flamand.

1858.
Naissance à Épinal du sociologue Émile Durkheim. Fondateur de l'école française de sociologie, il enseigna à Bordeaux et à Paris et créa en 1898 la revue L'Année sociologique. Dans ses ouvrages (De la Division du travail social, 1893, Règles de la méthode sociologique, 1895, Le Suicide, 1897, Les Formes élémentaires de la vie religieuse, 1912), il montra les faiblesses de l'individualisme méthodologique et jeta les bases d'une analyse en profondeur des réalités sociales.

1877.
Naissance à Waldheim, en Saxe, du sculpteur allemand Georg Kolbe.

1883.
Création, dans l'Allemagne de Bismarck, de la Sécurité sociale ouvrière.

1927.
Mort à Nice du romancier populaire français Gaston Leroux, inventeur des personnages de Rouletabille, de Chéri-Bibi et du "Fantôme de l'Opéra". Ses deux romans les plus célèbres, Le Mystère de la chambre jaune et Le Parfum de la dame en noir, tous deux adaptés au cinéma dès 1913-1914, suffirent à assurer sa renommée.

1942.
Mort à Genève de l'écrivain et dramaturge autrichien Robert Musil. Témoin d'une civilisation à l'agonie, car désenchantée, il est l'auteur des Désarrois de l'élève Törless (1906), porté à l'écran par Volker Schlöndorff, et de L'Homme sans qualités (1930-1933).

1946.
L'organisation clandestine Dahm Y'Israel Nakam, créée quelques mois plus tôt à Francfort-sur-le-Main, empoisonne à l'arsenic de la nourriture destinée à 15000 officiers et soldats allemands internés par les autorités alliées au camp de Nuremberg-Langwasser. Sur 4300 hommes intoxiqués, 750 mourront quelques jours plus tard.

1984.
Mort à Rome de l'éditeur conservateur italien Giovanni Volpe. Fils de l'historien Gioacchino Volpe, il fonda notamment les revues La Torre et Intervento.

1986.
Mort à Paris de l'écrivain et poète français Jean Genet (Notre-Dame des Fleurs, 1943, Journal du voleur, 1949).

Arts brut

2026-04-15T16:55:18+02:00

Musée international Arts brut

La collection

Montpellier

présentation Frédéric Allamel

Association pour le Développement de l'Art Brut et Singulier

Bientôt dix ans d'existence ! Au fil des ans ses collections se sont étoffées !

L'art brut atteint un public non spécialisé.

La création autodidacte est dans l'air du temps.

"Fatigué par des performances toujours plus intellectualisées un nouveau public apparait qui a faim d'émotion authentique."

"Instinctif, spontané, visionnaire, ouvert sur la vie intérieure, l'art brut est un art primal, élémentaire qui touche par les vertus de sa simplicité"

Ce catalogue présente l'esprit des lieux, les créateurs, les expositions temporaires.

Un voyage onirique parmi les oeuvres d'art.

Amours et Fleurs

2026-04-08T07:43:00+02:00

Mlle Alice, pouvez-vous nous raconter votre rencontre avec Amours et Fleurs ?

"Après mon joli coup de coeur pour les deux opus précédents, Ciel et Forêt, je ne pouvais qu'être à l'affût de ces nouveaux titres et j'ai eu la chance de les recevoir de la part des éditions la Martinière Art."

Dites-nous en un peu plus sur son histoire...

"C'est au tour de l'amour et des fleurs d'être mis en avant ici, en quelques pages, à travers différents tableaux et citations...

Mais que s'est-il exactement passé entre vous ?

"Sans surprise, le résultat est tout aussi plaisant à parcourir que pour les précédents. De sublimes tableaux sur un thème donné, accompagnés de jolis citations, j'adore toujours l'idée. Malgré tout, un changement a été introduit dans ces nouvelles parutions et je n'y adhère pas complètement. Dans les premiers, la préface reprenait l'histoire du sujet et la chronologie de son apparition dans la peinture, par exemple, la représentation des ciels au fil du temps... Ici, Béatrice Fontanel, change un peu d'angle en nous décrivant et nous détaillant certains tableaux représentés ici. Alors, ne vous méprenez pas, le propos est toujours aussi passionnant, mais comme aucune indication de page ne vient accompagner ces explications, on passe notre temps à chercher l'oeuvre dans les pages qui suivent, à revenir en arrière, puis en avant et cela fait tout simplement exploser la bulle dans laquelle la contemplation nous avait plongé et rend la lecture moins fluide et moins agréable."

Et comment cela s'est-il fini ?

"Quoi qu'il en soit, les deux prochains opus sont déjà annoncés, il s'agit de Mers et Enfance et j'ai bien l'intention d'être au rendez-vous."

Mlle Alice, merci, et à samedi prochain...

Retrouvez toutes mes chroniques sur la collection Mini Art, ICI

Alors, vous craquez pour "Amours" et "Fleurs" ?

C'était le 7 avril...

2026-04-07T19:25:00+02:00

1346.
Fondation de la première université d'Europe centrale à Prague, par Charles IV, roi de Bohême et empereur du Saint Empire romain germanique. Cette université, fondée sur le modèle de celle de Paris, regroupait quatre facultés : arts libéraux, droit, médecine et théologie.

1614.
Mort à Tolède du peintre espagnol d'origine crétoise Dhominikos Théotokopoulos, dit El Greco.

1795.
Adoption en France du système métrique, étendu aux poids et capacités. Le principe en avait été retenu dès 1790, à l'initiative de Talleyrand.

1805.
Création à Vienne de la symphonie "Héroïque" de Beethoven. Le compositeur, qui avait voulu la dédier à Napoléon Bonaparte, y renonça lorsque celui-ci se fit couronner empereur.

1842.
Richard Wagner quitte Paris pour rentrer en Allemagne. L'appartement qu'il occupait est alors loué à un certain Pierre-Joseph Proudhon.

1868.
Naissance à Vase de l'eugéniste suédois Bernhard Lundborg. Il sera nommé en 1922 directeur de l'Institut d'État de biologie raciale créé par le gouvernement suédois.

1880.
Le républicain Jules Ferry, ministre de l'Instruction publique, ordonne aux jésuites et aux enseignants des congrégations catholiques non autorisées de quitter l'enseignement dans les trois mois. Plus de 5 000 congrégationnistes seront expulsés.

1915.
L'auteur de La Guerre des boutons (1912), l'écrivain français Louis Pergaud, âgé de trente-trois ans, est tué sur le front lors d'un assaut nocturne près de Marchéville-en-Woëvre. Son corps ne sera jamais retrouvé.

1929.
Mort à Paris de l'écrivain et poète alsacien Édouard Schuré. Il contribua à faire connaître en France l'œuvre de Wagner, prôna le "celtisme" et publia des ouvrages d'inspiration ésotérique (Les Grands Initiés, 1889).

1942.
Werner Mölders, l'un des as de la chasse allemande, remporte sa 3000e victoire aérienne.

1945.
Le cuirassé japonais Yamato appareille en direction d'Okinawa. Ses soutes ne contiennent du mazout que pour l'aller : l'équipage a décidé de périr en portant un coup fatal à l'ennemi.

C'était le 25 mars...

2026-03-25T08:00:00+01:00

1191.
Mort du pape Clément III. Saladin ayant repris Jérusalem en 1187, il tenta sans succès de lever une nouvelle croisade. Obligé de traiter avec le sénat de Rome, il abandonna à la ville un tiers des impôts, mais établit la "dîme saladine", par laquelle chaque particulier devait donner à la papauté un dixième de ses revenus.

1199.
Par la décrétale Vergentis in senium, le pape Innocent III crée l'Inquisition. La procédure du "recours à la question" sera mise au point vers 1250 par l'inquisiteur Bernard Gui.

1252.
Naissance à Wolfstein (Rhénanie-Palatinat, Allemagne) de Conrad V, dit "Conradin", le dernier des Hohenstaufen. Roi de Sicile et de Jérusalem, il sera supplicié à l'âge de quinze ans sur l'ordre du pape Clément IV.

1767.
Naissance à Labastide-Fortunière (aujourd'hui Labastide-Murat), dans le Quercy, du militaire français Joachim Murat. Fait maréchal d'Empire par Napoléon Ier, il épousa Caroline Bonaparte et régna sur Naples de 1808 à 1815.

1801.
Mort à Weißenfels du poète et philosophe allemand Novalis (Friedrich von Hardenberg), auteur des Hymnes à la nuit et de nombreux ouvrages lyriques qui lui valurent d'occuper une place centrale parmi les représentants du premier romantisme. "Plus une chose est poétique, disait-il, plus elle est réelle".

1820.
Expulsion des jésuites de Pologne et de Russie.

1844.
Mort à Copenhague du sculpteur danois Bertel Thorvaldsen. Ami du conteur Hans Christian Andersen, il s'installa par la suite à Rome, où il s'imposa bientôt comme l'un des maîtres du classicisme.

1867.
Mort à Paris de Jakob Ignatz Hittorf, architecte et archéologue français d'origine allemande. On lui doit les plans de la place de la Concorde, la construction de l'église Saint-Vincent de Paul, de la gare du Nord et du théâtre de l'Ambigu.

1876.
Naissance à Parme du chef d'orchestre italien Arturo Toscanini.

1914.
Mort, dans sa ville natale de Maillane, de l'écrivain et lexicographe provençal Frédéric Mistral.

1918.
Mort à Paris du compositeur français Achille-Claude Debussy.

1919.
Le sculpteur allemand Wilhelm Lehmbruck se donne la mort à Berlin. Il avait vécu dans les années 1910 à Paris, où il avait fréquenté Maillol, Rodin, Brancusi et Modigliani.

1943.
Emprisonné de 1933 à 1938 par le régime hitlérien, le socialiste allemand Carlo Mierendorff, membre du Cercle de Nassau, mouvement de résistance au nazisme animé par Helmuth James von Moltke et Peter Yorck von Wartenburg, est tué par une bombe alliée lors d'un bombardement de la population civile de Leipzig.

1954.
Mort à Gadderbaum (Bielefeld) de la militante féministe et femme politique allemande Gertrud Bäumer. Députée de 1919 à 1932, rédactrice de 1916 à 1944 au journal Die Frau, cofondatrice du Parti démocrate allemand avec Friedrich Naumann, elle fut en 1904 la première femme à obtenir un doctorat en Allemagne. Hostile au nazisme, elle accepta néanmoins des compromis avec le régime qui lui valurent d'être considérée avec suspicion après 1945.

C'était le 21 mars...

2026-03-21T18:05:00+01:00

1098.
Fondation par Robert de Molesmes de l'abbaye de Cîteaux, d'où sortira l'ordre cistercien. Le moine bourguignon Bernard de Fontaine, futur abbé de Clairvaux, y entrera en 1112. Devenu le prédicateur de la seconde croisade, il déclarera : "Le chevalier du Christ tue en conscience et meurt tranquille ; en mourant, il travaille pour lui-même ; en tuant, il travaille pour le Christ." Il fut canonisé en 1174.

1665.
Naissance à Madrid de l'architecte et sculpteur espagnol José Churriguera. Il fut l'architecte le plus représentatif du règne de Philippe V et créa le style churrigueresque, caractérisé par ses décors exubérants et tourmentés.

1685.
Naissance à Eisenach (Thuringe, Allemagne) de Jean-Sébastien Bach. Sa postérité comptera toute une lignée de musiciens réputés. À la fin de sa vie, il dira : "J'ai rudement travaillé".

1763.
Naissance à Wunsiedel du poète romantique allemand Jean-Paul (Johann Paul Friedrich Richter). On lui doit des œuvres de première importance, telles que Le Titan ou Hesperus.

1793.
La Convention adopte un "décret de surveillance des étrangers", prévoyant la création dans chaque commune d'un comité de douze citoyens chargé de surveiller les allées et venues des étrangers et d'ordonner éventuellement leur expulsion. Le texte prévoit que les étrangers en situation irrégulière qui refuseront d'être expulsés seront punis de dix ans de détention et que "tout étranger saisi dans une émeute" sera exécuté.

1884.
Le Parlement français adopte la loi Waldeck-Rousseau, abrogeant la loi Le Chapelier et autorisant la création de syndicats.

1899.
Naissance de l'écrivain et journaliste Jean Fontenoy. Anarchiste puis communiste après le congrès de Tours, il part à Moscou en 1924 comme correspondant de l'agence Havas et en Chine trois ans plus tard. À son retour en France, il publie une série d'ouvrages inclassables (L'École du renégat, Cloud ou le communiste à la page, Shangaï secret), milite au Parti Populaire Français de Doriot jusqu'aux accords de Munich (1938), puis fait la guerre en Finlande contre les Russes, dans une section de skieurs d'assaut. Cofondateur en 1940 du Mouvement social-révolutionnaire lié à la Cagoule, il participe à la création de l'hebdomadaire collaborationniste Révolution nationale et s'engage dans la Légion des Volontaires Français contre le Bolchevisme (LVF). Devant la défaite de l'Allemagne nazie, il se tire une balle dans la tête à Berlin le 27 avril 1945.

1908.
Parution du premier numéro de L'Action française.

1946.
À la caserne de la gendarmerie d'Ixelles, l'écrivain catholique et royaliste belge José Streel, ancien théoricien du mouvement rexiste (avec lequel il avait rompu en 1943), est fusillé.

1947.
Mort à Paris du commissaire français Xavier Guichard. Ancien directeur de la Police judiciaire, il apparaît chez Simenon comme le protecteur de Maigret. Ses travaux sur la géographie sacrée (Eleusis Alesia. Enquête sur les origines de la civilisation européenne, 1936) furent admirés par René Guénon.

1968.
La ville jordanienne de Karamé est détruite par l'armée israélienne. Le bilan est de 1 000 morts et 30 000 sans abri.

1986.
L'ancien banquier sicilien Michele Sindona, impliqué dans les scandales de la banque Ambrosiano et de la loge P2 après avoir été nommé conseiller financier du Vatican par le pape Paul VI, est retrouvé mort dans sa cellule de la prison de Voghera. On avait placé du cyanure dans son café. Le monde des affaires respire.

1987.
Mort à Berlin du philosophe, sociologue et spécialiste des études juives de langue allemande Jacob Taubes. Grand lecteur de Carl Schmitt, avec qui il entretint une longue correspondance, son œuvre "eschatologique" a marqué des auteurs comme Jean-François Lyotard, Jan Assman ou Peter Sloterdijk.

C'était le 5 février...

2026-02-05T15:55:00+01:00

1794.
Présentant son rapport "Sur les principes de la morale politique" devant la Convention, Robespierre déclare : "La terreur n'est autre chose que la justice prompte, sévère, inflexible, elle est donc une émanation de la vertu ; elle est moins un principe particulier qu'une conséquence du principe général de la démocratie, appliqué aux plus pressants besoins de la patrie."

1807.
Mort à Londres de Pascal Paoli, héros de l'indépendance de la Corse. Élu "général de la nation", il avait gouverné l'île en 1755. En 1769, il avait dû s'exiler, au lendemain de la défaite des milices corses contre les troupes de Choiseul à Ponte-Novo, l'année même de la naissance de Napoléon Bonaparte. Ce dernier, âgé de vingt ans, lui avait écrit en 1789 : "Je naquis quand la patrie périssait."

1848.
Naissance à Paris de l'écrivain français d'origine flamande Joris-Karl Huysmans. Fonctionnaire au ministère de l'Intérieur, successivement naturaliste (Les sœurs Vantard, 1879), symboliste et décadentiste
(À Rebours, 1884), il se ralliera finalement à un mysticisme chrétien quasi médiéval (Là-bas, 1891) sans jamais se défaire d'un style halluciné.

1920.
Fondé quatre ans plus tôt à Zurich, le mouvement Dada organise sa première manifestation artistique parisienne au Grand Palais, à l'initiative de Tristan Tzara (Samuel Rosenstock). Créé par l'écrivain allemand Hugo Ball (qui fut proche de Carl Schmitt), le dadaïsme connaîtra son apogée avec Man Ray, André Breton, Paul Éluard et Philippe Soupault.

1937.
Mort à Göttingen (Allemagne) de l'écrivain Lou Andreas-Salomé. Tour à tour amie, muse et inspiratrice de Friedrich Wilhelm Nietzsche, Rainer Maria Rilke, Gerhart Hauptmann et Sigmund Freud, elle dut toute sa vie durant affronter les calomnies que suscitait sa vie "scandaleuse".

1953.
Iuliu Maniu, ancien président du Conseil des ministres du royaume de Roumanie, président du Parti national paysan, meurt dans sa cellule de la prison de Sighet, où il était incarcéré depuis 1947 dans des conditions abominables.

1966.
À Berlin, une manifestation étudiante contre la guerre au Vietnam marque l'apparition en Europe d'un phénomène politique nouveau, d'origine américaine : le gauchisme universitaire.

1976.
Prenant la parole à Montpellier au nom du mouvement viticole, Emmanuel Maffre-Baugé lance un appel à la mobilisation occitane et déclare : "Est-il une phrase plus raisonnable que de dire : « nous voulons vivre au pays » ?"

1982.
Mort à Leerbeek, dans le Limbourg néerlandais, du poète flamand Wies Moens. Défenseur de l'idée pan-néerlandaise ("thioise"), condamné en 1920 à quatre ans de prison pour "activisme", il fut le fondateur de l'hebdomadaire De Vlag et participa en 1931 à la création par Joris Van Severen du Verdinaso (Ligue des nationaux-solidaristes thiois).

2023.
Mort à Lillebonne du militant régionaliste Didier Patte, fondateur en 1971 du Mouvement normand, né de la fusion de l'Union pour la Région normande et de la Fédération des Étudiants de Rouen. Il œuvra toute sa vie en faveur de la réunification de la Normandie.

C'était le 20 janvier...

2026-01-20T15:30:00+01:00

1565.
Mort à Rome de Diego Laínez, second supérieur général des jésuites. Ayant succédé en 1558 à Ignace de Loyola, il avait fait auprès du pape Paul IV une démarche visant à faire attribuer à son ordre le droit d'avoir ses propres prisons.

1654.
Naissance à Dunkerque du poète et dramaturge flamand Michel de Swaen, l'un des plus grands représentants, avec Edmond de Coussemaker et Maria Petyt, de la culture néerlandaise en France. Il se vit attribuer en 1687 le titre de "Prince de la rhétorique". Dunkerque fut rachetée par Louis XIV à l'Angleterre en 1662, mais la majorité de ses habitants continuèrent à parler le flamand jusqu'à la fin du XIXème siècle.

1739.
Dans le Nord de la France, abolition des 57 articles de la coutume du pays de Lalloeu (ou pays de l'Alleu). La révision des coutumes d'Artois marque la victoire du pouvoir absolu.

1767.
Mort au château de Bry-sur-Marne du philosophe français Étienne de Silhouette, contrôleur général des finances de Louis XV. Son nom désigna par la suite une manière de faire des portraits de profil, tracés puis découpés selon l'ombre.

1775.
Naissance à Lyon du physicien André-Marie Ampère. Il édifia la théorie de l'électromagnétisme, imagina le galvanomètre et inventa le premier télégraphe électrique. Il contribua aussi au développement des mathématiques et de la chimie.

1793.
À la veille de l'exécution de Louis XVI, le député Louis Legendre, exerçant dans le civil la profession de boucher, demande au Club des Jacobins que le corps du "tyran" soit partagé en quatre-vingts morceaux, afin d'en envoyer un dans chaque département.

1813.
Mort à Weimar du poète et philosophe Christoph Martin Wieland. Éditeur du Deutsche Merkur, il fut l'aîné des membres du cercle de Goethe à Weimar. On lui doit des traductions de Shakespeare et d'auteurs antiques en allemand, ainsi que le poème romantique Oberon.

1848.
Correspondant à Paris du journal anglais Northern Star, Friedrich Engels commente en ces termes la capture d'Abd-el-Kader : "C'est très heureux, à notre avis, que ce chef arabe ait été capturé. La lutte des Bédouins était sans espoir et, bien que la manière brutale avec laquelle les soldats comme Bugeaud ont mené la guerre soit très blâmable, la conquête de l'Algérie est un fait important et heureux pour le progrès de la civilisation".

1900.
Mort à Coniston (Cumbrie) du critique anglais d'origine écossaise John Ruskin. Partisan déclaré du mouvement préraphaélite, il fut avec William Morris le fondateur en 1861 du mouvement "Arts & Crafts", dont les communautés d'artisans entendaient libérer l'homme de la laideur moderne et promettre au prolétariat de se réapproprier ses moyens de production.

1944.
Fait prisonnier par l'Armée rouge, le pasteur allemand Kurt Reuber, auteur de la célèbre "Madone de Stalingrad", un dessin au fusain réalisé durant la bataille de Stalingrad, aujourd'hui exposé à l'église du Souvenir de Berlin, meurt au camp de prisonniers de guerre de Yelabuga.

1977.
Élu président des États-Unis, Jimmy Carter prononce le discours inaugural de son mandat. Plaçant son entrée à la Maison Blanche sous le signe de l'"humilité biblique", il réaffirme néanmoins sa conviction que les États-Unis ont l'"obligation" de promouvoir un "ordre mondial" égalitaire, qui attestera que "le système démocratique américain est un modèle". Il insiste également sur un "devoir tout particulier" : celui de "remplir des obligations morales qui, lorsqu'on les a assumées, semblent coïncider toujours avec nos intérêts".

1987.
Mort à Düsseldorf de l'architecte allemand Hermann Giesler. Il construisit les Ordensburgen de Sonthofen et de Chiemsee et reçut en 1937 le grand prix de l'Exposition universelle de Paris pour sa contribution au pavillon allemand. Sous le IIIe Reich, ses goûts architecturaux l'opposèrent fréquemment à Albert Speer. Emprisonné par les Américains, il ne fût relâché qu'en 1952.

Remettre la beauté dans la cité: une condition pour une société bonne

2025-12-19T15:30:09+01:00

Remettre la beauté dans la cité: une condition pour une société bonne

Pierre Le Vigan

Etre conservateur ? Voire. Tout ne doit pas être conservé de notre monde. Il y a des choses contre lesquelles il nous faut réagir. Et des révolutions sont nécessaires, comme les non conformistes des années trente l’avaient déjà bien vu. Mais il serait fou de ne pas vouloir conserver ce qui fait que nous avons été un peuple grand et créateur. Une certaine conception de la beauté. Conserver : c’est prendre sous sa garde et c’est servir. Conserver intelligemment, c’est d’abord pérenniser.

Mais si le mot d’ordre « il faut conserver la beauté » parait simple, il ne l’est pas. Il suppose que la beauté soit un bien commun, donc partagé. Ce n‘est pas une évidence, ou plutôt, ce n’est plus une évidence. Nous sommes dans une époque de subjectivisme: de « tout à l’ego », dit Rémi Brague. Qui définit la beauté ? Et comment définir la beauté ? Ces questions touchent à ce qui nous unit, ou à ce qui devrait nous unir. Car nous sommes malheureusement dans une société de déliaison. La beauté est donc une notion à repenser. Il ne s’agit pas ici de philosopher une fois de plus avec la beauté, ou de « philosopher avec l’histoire de l’art » (Audrey Rieber) mais de clarifier cette notion de beauté et d’esquisser un programme de son bon usage. N’oublions pas que délibérer vient de « soupeser » et que la pensée est elle-même toujours une « pesée ». Que pèse la beauté et comment la soulever, la manipuler, en faire quelque chose ? Si l’Idée est dans le ciel, elle nous sert, comme une étoile, de point de repère quand nous marchons, et nous marchons sur la terre.

Levons tout d’abord une hypothèque. La beauté concerne l’art mais pas seulement. Peinture, architecture, musique: tout cela a à voir avec la beauté. Mais la nature aussi est concernée par la question de la beauté. C’est ce que l’on appelle la beauté naturelle. Elle nous est donnée. Encore faut-il que nous la voyons. C’est une montagne, un lac, un simple cheminement dans la nature, ou c’est une vieille ville dans laquelle, pourtant, la raison première des constructions n’a pas été de « faire du beau » mais de remplir des fonctions utiles. Tout cela peut relever de la beauté. Elle est donc question de perception. Mais quelles sont les raisons de cette perception ?

C’est là que les choses se compliquent.

Une théorie nous dit que des choses sont perçues comme relevant du beau pour des raisons internes à la chose. Et ce dans le domaine du regard (peinture, sculpture, architecture), comme dans celui de l’audition (musique). Ce sont des qualités intrinsèques à la chose qui la font paraitre belle : des proportions, une harmonie, un équilibre, etc. Le sculpteur grec Polyclète avait déjà dit que la beauté était question de proportion. L’harmonie comme critère du beau : c’est ce qu’avait dit aussi Pythagore. De son côté, Edmund Burke nous dit : « L’ordonnance des édifices religieux est fondée sur la “symétrie”, dont les architectes doivent respecter le principe avec le plus grand soin… Aucun temple ne peut effectivement présenter une ordonnance rationnelle sans la ‘’symétrie” ni la ‘‘proportion”, c’est-à-dire si les composantes n’ont pas entre elles une relation précisément définie, comme les membres d’un homme correctement conformé. » (Recherche philosophique sur l'origine de nos idées du sublime et du beau, 1757). Tout est question de proportion : « La proportion consiste en la commensurabilité des composantes en toutes les parties d’un ouvrage. », nous dit encore E. Burke. Bien avant Burke, à la Renaissance, Luça Pacioli, moine et géomètre, avait développé la théorie du nombre d’or: 1/1,618 (De divina proportione, 1509). La beauté vient donc de la chose même et d’abord des proportions. Telle est la première hypothèse sur le pourquoi de la beauté.

Mais tout le monde ne partage pas ce point de vue. Une deuxième théorie voit le beau dans un facteur externe à la chose même. Le beau relèverait de la subjectivité de chacun, de la perspective de chacun. Le regard, l’ouïe de chacun serait à l’origine du beau. C’est donc une affaire personnelle et surtout une affaire de perspective, une question de point de vue. A chacun son idée du beau: en peinture, en musique, en architecture, en danse, etc. En ce sens, dans cette théorie, il n’y a plus de beau en commun. Il peut être une simple affaire de statistique : nous sommes peut-être nombreux à trouver belle telle œuvre ou tel paysage, mais il n’y a pas pas de critère autre que subjectif.

La beauté vient-elle donc des choses mêmes ou de l’effet que nous font certaines choses en fonction de ce que nous sommes et de notre état d’esprit présent ? Ce sont les deux théories qui se confrontent.

* * *

Pendant très longtemps, la théorie du beau comme interne à la chose a été privilégiée. « De là, la raison se dirigea vers les œuvres des yeux et, embrassant la terre et le ciel, se rendit compte quelle n’aimait rien d’autre que la beauté, et dans la beauté les figures, dans les figures les proportions, dans les proportions les nombres », dit Saint Augustin. Dieu a créé le monde beau, et dans ce monde, il a créé les choses belles. La raison fait ce constat. La beauté est interne au monde car Dieu l’a mis dans le monde. Pour Alberti (1404-1472), nature, raison et beauté forme un ensemble. La beauté est une affaire de convenance, une « harmonie réglée par une proportion déterminée, qui règne entre l’ensemble des parties du tout auquel elles appartiennent » (L’Art d’édifier). La beauté est « l’accord et l’union des parties d’un tout auquel elles appartiennent ». On retrouve les mêmes règles pour la peinture, la sculpture et même l’éloquence. Quant à l’origine même des choses, elle est, comme le suggère le trytique évoqué plus haut, dans la nature même.

La vision d’Alberti est ici conforme à ce que dit Aristote : « en général les choses adviennent absolument, les unes par changement de forme, par exemple une statue, d’autres par addition, par exemple les choses qui croissent, d’autres par soustraction, par exemple l’Hermès à partir de la pierre, d’autres par composition, par exemple une maison, d’autres par altération, par exemple les choses qui changent du point de vue de la matière » (Physique, I, 7, 190 b trad. Pierre Pellegrin). Il en est de même pour les choses prétendant à l’art, c’est-à-dire, pour les Anciens, visant à la beauté. Pour Léonard de Vinci (Traité de la peinture, notes prises à partir de 1490), la peinture relève des proportions et est ainsi liée aux mathématiques. Là encore, nous sommes là dans une conception de la beauté comme intrinsèque aux choses. Les choses belles sont celles qui répondent à des critères internes de beauté. C’est une beauté objective. Un plafond peint est objectivement beau pour des raisons de proportion, d’harmonie, d’équilibre entre les masses, les couleurs, etc, et dans le mesure où il répond à ces exigences d’harmonie.

David Hume remet cela complètement en question. Selon lui, la beauté est subjective, elle relève du goût et de la jouissance que nous procure quelque chose : un tableau, un paysage, une musique. « La beauté n'est pas une qualité inhérente aux choses elles-mêmes, elle existe seulement dans l'esprit qui la contemple, et chaque esprit perçoit une beauté différente. » (De la norme du goût, 1757). Le beau est affaire de goût. Pour autant, ce goût, s’il est subjectif, n’est pas arbitraire. Il est façonné par des règles et celles-ci trouvent leur origine dans l’expérience. « Le fondement de ces règles est le même que celui de toutes les sciences pratiques, l’expérience. Elles ne sont que des observations générales sur ce qu’on a vu universellement plaire dans tous les pays et à toutes les époques. » (Essai sur la règle de goût, 1757). Chacun se dirigera vers ce qui lui procure du plaisir, mais il ne faut pas y voir un hédonisme primaire : ce qui procure du plaisir à un tel peut être la rigueur, l’exactitude, la vertu. On peut jouir de l’austérité des formes, des volumes, des couleurs.

Kant propose une théorie qui tente la synthèse des deux premières : la beauté intrinsèque aux choses et la beauté comme relevant des goûts subjectifs. Pour Kant, la théorie des goûts subjectifs concerne l’agréable et non pas le beau. L’agréable est relatif à l’expérience de chacun, il est parfaitement subjectif, en matière de cuisine ou d’odeur. Mais le beau relève par contre d’une certaine objectivité. « Le beau est ce qui plait universellement sans concept. » (Critique de la faculté de juger, 1790). Universellement. Dés lors, il est peut-être subjectif mais il plait à tous, ce qui veut dire qu’il y a des critères universels au beau. « Ce qui est simplement subjectif dans la représentation d’un objet, c’est-à-dire ce qui constitue sa relation au sujet et non à l’objet, c’est sa nature esthétique » (Introduction à la Critique de la faculté de juger, 1790).

L’esthétique est, conformément à son étymologie grecque, ce que nos sens perçoivent, ou encore ce qui affecte nos sens. Pour Kant, le beau existe objectivement comme objet mais nous le percevons subjectivement. Bien que le jugement de goût, dont relève le beau, ne soit pas un jugement de connaissance (contrairement à un jugement tel que « le chat est un félin »), ce n’est pas pour autant un jugement purement subjectif. «Le beau est représenté sans concept comme objet d’une satisfaction universelle.» Cette satisfaction n’est pas exactement l’agréable, elle est le respect. En ce sens, si le beau ne relève pas de la raison pratique, c’est-à-dire du devoir-faire, il y a tout de même une notion de devoir qui intervient, qui est le devoir admirer. Une forme de convenance sociale, voire de décence sociale qui ne se réduit pas à la théorie de la distinction qui sera celle de Pierre Bourdieu. C’est le respect d’un en-commun et le respect d’une transmission.

Le beau ne se confond donc pas ce qui donne du plaisir, nous dit Kant. Il est par ailleurs strictement désintéressé, ce qui renvoie à sa distinction d’avec l’agréable. « La satisfaction qui détermine le jugement de goût est désintéressée » (Kant, Critique de la faculté de juger, 1790). On ne trouve pas beau un tableau parce que on va se l’offrir, et/ou parce que c’est un bon placement. Le beau n’a aucune utilité. Il doit « plaire sans intérêt ». En ce sens, le beau dans la nature est plus authentiquement beau que le beau humain, celui de l’art, car un tableau est fait pour être vu, pour obtenir au moins un succès d’estime, de même qu’une pièce de musique est faite pour être jouée, et si possible devant un public choisi, de qualité, de même qu’un discours est fait pour susciter les applaudissements, etc. On verra que c’est le contraire du point de vue de Hegel, pour qui le seul vrai beau et le produit de l’homme.

Le beau a aussi des limites hautes pour Kant : ce qui est au-delà. Ce qui est trop beau pour rester simplement beau. C’est le sublime – une notion qui a été développée avant Kant par Edmund Burke (Recherche philosophique sur l'origine de nos idées du sublime et du beau, 1757), et que l’on trouvait déjà chez différents auteurs, tel Nicolas Boileau. Or, le beau n’est pas le sublime, car le sublime excède l’entendement. Le beau et le sublime touchent, certes, tous deux l’âme, mais le sublime le fait avec violence. Il est « trop beau » pour être raisonnable. Le sublime est mélé d’effroi. Il est inévitablement violent. « (…) le beau et le sublime ne donnent-ils lieu qu'à des jugements particuliers, mais qui s'attribuent une valeur universelle, quoiqu'ils ne prétendent qu'au sentiment de plaisir, et non point à une connaissance de l'objet. Mais il y a entre l’un et l’autre des différences considérables. Le beau de la nature concerne la forme de l’objet, laquelle consiste dans la limitation ; le sublime, au contraire, doit être cherché dans un objet sans forme, en tant qu’on se représente dans cet objet ou, à son occasion, l’illimitation. » (Kant, Critique de la faculté de juger, II, 23). Le sublime ouvre sur un gouffre, à la différence du beau. Le sublime est ce qui déborde. « L'esprit se sent mis en mouvement dans la représentation du sublime dans la nature, en revanche, dans le jugement esthétique sur le beau dans la nature, il est dans une calme contemplation » (Critique de la faculté de juger). Kant dit encore : « Le sublime émeut, le beau charme » (Observations sur le sentiment du beau et du sublime, 1770).

Le beau est par définition ce qui plait universellement (on peut toutefois se demander dans quelle mesure Kant prenait en compte l’existence de civilisations non européennes). Mais cet universel reste néanmoins subjectif à sa façon. Il n’est pas un jugement de connaissance comme « Un chat a des vibrisses ». Le beau qui croit parler d’une chose, - comme la phrase « Cette montagne est belle » - ne nous dit en fait rien de cette montagne (s’agit-il du Mont Blanc, du Puy de Sancy, du Ballon de Guebwiller?). Mais cette phrase dit quelque chose de celui qui est affecté par le spectacle de la montagne. Elle dit cela et seulement cela. Il (le sujet) a trouvé cela beau, que cela soit une grande montagne ou une petite montagne. Pour autant, ce subjectif, ce jugement personnel vise à une universalité. Quand l’un d’entre nous dit d’un paysage : « C’est beau », il pense que cette affirmation est non seulement audible par autrui, mais raisonnablement partageable. L’art, le beau et la sensibilité sont liés (Alexander G. Baumgarten, Esthétique, 1750).

Il est entendu que ce serait rompre une sorte de pacte social implicite que ne pas trouver belle la vue du Pic du Midi, ou beau un tableau de Degas ou de Cézanne. En ce sens, il y a une universalité subjective que David Hume lui-même, pourtant subjectiviste et donc théoriquement individualiste, reconnaissait puisqu’il estimait que certaines œuvres sont amenées, en fonction de l’acquisition par chacun d’un « bon goût » esthétique à être appréciées par tous et à différentes époques. L’approche subjectiviste et nominaliste du beau trouve ses limites quand on affirme que par l’éducation, tout le monde doit se retrouver d’accord pour trouver belles certaines choses ou certaines œuvres.

1969

2025-11-05T00:00:00+01:00

En vente par Maître Bruce Roelens, Soissons
le 11 novembre 2025 à 20h, lot n°60
Interenchères

Catalogue de l'exposition en vente (cher) chez abebooks.

Anatomie de la beauté...

2025-10-10T16:00:00+02:00

Les éditions Boleine viennent de publier un essai de Christine Sourgins intitulé Anatomie de la beauté. Historienne de l'art ayant œuvré dans plusieurs musées, dont le Louvre, et exerçant des responsabilités pédagogiques et culturelles en milieu associatif, Christine Sourgins collabore par ailleurs à diverses revues. Elle a notamment publié Les mirages de l'Art contemporain (La Table ronde, 2005).

"Mais qu’est-ce que la beauté ? Ne sommes-nous pas, collectivement et depuis longtemps, installés dans l’indifférence à la beauté et, pour certains, dans son déni ? Si, aujourd’hui, nombre d’historiens d’art, surtout les spécialistes d’Art dit contemporain, récusent la notion même de beauté, l’histoire nous en a suffisamment appris pour pouvoir la reconnaître. Or notre société technicienne, bien qu’elle se flatte d’être relativiste et sceptique, exige soudain du beau une stricte définition ! Si l’on peine à le définir (mais pas à le discerner) c’est que le beau est moins marchandise ou abstraction qu’il n’est vivant. Rebelles aux désirs de mainmise, beau ou beauté se jouent du « genre » : cette Anatomie de la beauté explore donc ses liens organiques avec l’universel, la subjectivité, le vrai, le bien, l’éphémère, le durable etc. Alors, se dégagent six constantes de beauté, ses conditions de possibilité, de vie."

Déplier le mystère du beau, avec Christine Sourgins

2025-10-02T12:40:51+02:00

Déplier le mystère du beau, avec Christine Sourgins

Propos recueillis par Frédéric Andreu

Historienne d’art et blogueuse, https://www.sourgins.fr, Christine Sourgins publie aux éditions Boleine Anatomie de la Beauté. Si son blog affirme que « Sans l’art, la vie serait une erreur », son livre semble inverser la proposition: « Sans la beauté, l’art serait une erreur »… Pour mieux comprendre son approche du beau, nous l’avons interrogée à travers cinq questions essentielles.

- Une couverture qui interroge. Dès la couverture, une image intrigue : une muse antique, hiératique, tenant dans ses mains un objet énigmatique. Quelle est la signification de cette figure, et quel rôle joue-t-elle dans l’économie symbolique du livre ?

La couverture reprend une fresque de Pompéi: la figure ailée porte un trépied utilisé dans le culte antique, ce qui fait de cette “Victoire” une figure moins guerrière qu’une servante du divin, rôle que la beauté a longtemps endossé ! Oui, la beauté est mystérieuse mais il ne faut pas en user pour se défausser: ce n’est pas un mystère dont on ne peut rien dire mais un mystère (comme ceux de la théologie) que l’on n’a jamais fini d’approfondir…

- Anatomie de la Beauté : un titre doublement parlant. En effet, le titre met déjà en tension deux registres, le scientifique et le poétique. Comment ces mots s’articulent-ils pour former la clef de lecture de l’ouvrage?

« “Anatomie” est aujourd’hui utilisé pour signifier une analyse, ce qui est le cas. Ce terme est en usage à la fois dans le monde médical et artistique, en particulier dans la représentation des nus. Dans les deux cas, il y a allusion à la présence d’un corps, et c’est bien ce que j’entends restituer, l’aspect organique d’une notion constamment attaquée et déconstruite depuis 50 ans. Certains en ont fait un empilement de concepts desséchés ou d’oukases mortifères d’un autre âge (les fameux “canons artistiques”) mais le livre décrit au contraire une physiologie du beau, son métabolisme, sa vitalité. »

- Qu’est-ce que le beau ? Une question philosophique. Le sous-titre de l’ouvrage pose la question de façon frontale. L’auteure se rattache-t-elle à un courant précis ou navigue-t-elle entre traditions philosophiques ?

« La philosophie s’est intéressée au beau dès Platon et régulièrement nombre de philosophes l’ont embarqué dans leur système, mais la beauté est toujours singulière et les concepts philosophiques, eux, visent des généralités d’où beaucoup de quiproquos. Je fais donc à la philosophie, comme à la sociologie, une place, certes, mais prudente.

Je distingue d’emblée l’Idée de Beauté (avec majuscule), abstraction intellectuelle, de la beauté artistique, celle que l’on peut appréhender avec ses sens, et qui est une expérience sensible et existentielle.

Le sous-titre est plus pratique que vous ne le pensez car beaucoup de nos contemporains ont perdu le beau comme d’autres le Nord: le beau est refusé car restreint à une dogmatique ou alors toléré mais réduit cette fois au grand n’importe quoi “des goûts et des couleurs dont on ne discute pas”. Mensonge, on en a toujours discuté car s’il y a une part de subjectivité dans la beauté, et c’est heureux, si elle est un mystère, elle n’est pas non plus un délire ! »

- La beauté et la dimension sacrée. La beauté n’est-elle pas aussi porteuse d’une dimension sacrée ? Peut-on parler d’une expérience « eucharistique » comme le suggère Aude de Kerros ?

« Il y a effectivement des voies spirituelles du beau, j’aborderai cet aspect dans un troisième livre sur Les bienfaits du beau. Anatomie de la beauté, le premier livre, c’est en quelque sorte la reconstruction des “murs porteurs”, sera suivi, au mois d’octobre, par une Géographie du beau qui détaille les climats et terroirs où la beauté peut s’épanouir ou pas: l’harmonieux, le sublime, le joli, l’étrange, etc. Puis viendra, en 2026, Les bienfaits du beau, “les beautés singulières” (celles qui posent problème, comme la beauté des nus ou la beauté du mal, etc.) et enfin Guerre à la beauté! expliquera pourquoi et comment on a mené bataille contre le beau. »

- Une rencontre marquante avec la beauté. Parmi toutes les œuvres que vous avez contemplées, si vous deviez en retenir une seule, laquelle vous a bouleversée ?

« Beaucoup d’exemples sont donnés dans ce livre, j’aborde principalement la beauté artistique car c’est la plus attaquée (sans se priver d’allusions à la beauté de la nature, les deux étant souvent liées). Les exemples tirés de la Peinture, ceux que j’utilise le plus souvent, ont l’avantage, grâce à Internet, d’être faciles à retrouver et le lecteur peut alors vérifier par lui-même. Cela permet d’avoir un livre à petit prix, ce qui ne serait pas le cas s’il fallait financer les droits à l’image. »

Anatomie de la beauté aux Éditions Boleine : https://editions-boleine.fr/catalogue/105-anatomie-de-la-beaute.html

Conférence-dédicace de l'auteur:

L’auteur donnera une conférence-dédicace, illustrée de projections, le mercredi 8 octobre à 17h30. Gratuite mais sur réservation. Réserver votre place par mail à cap-aristee@orange.fr

Le Musécolier

2025-09-01T00:00:00+02:00

PUGNACITÉ

En restant fidèle à l'âme d'Avignon,
Avignon, qui reçoit et qui donne.
Ici chaque jour l'Histoire et l'Art se rencontrent.
Légende. Une capacité d'invention introuvable ailleurs et d'exigeantes valeurs humaines.
Son climat correspond à son statut, à ses richesses culturelles et patrimoniales, et ses contrastes l'agrémentent,
confrontation de bellicismes et d'accords singuliers.
Partout sont des témoignages d'un autrefois somptueux, d'un aujourd'hui rayonnant, et nous en sommes témoins, cœur battant-esprit lucide.

Avignon, d'Art et de Cuture.
Pérennité.

Christian Jauréguy in Le Musécolier 2016.

Le fonds Christian Jauréguy aux Archives départementales de Vaucluse

Le livre

Biographie

Le christianisme faustien

2025-06-04T12:51:27+02:00

Le christianisme faustien

Carlos X. Blanco

Les anciennes sociétés « patriarcales » pouvaient considérer la femme comme un « morceau de viande », si elle était belle, comme un objet à consommer (tout comme les éphèbes, ces jeunes garçons désirables en Grèce ou dans le monde musulman). De même, ces sociétés – différentes et antérieures à la faustienne – avaient tendance à considérer la femme comme une simple reproductrice, comme un système végétatif et passif.

Selon Spengler, en revanche, la culture faustienne procède à une hyper-spiritualisation de la femme. Au-delà des questions théologiques, la Vierge Marie apparaît symboliquement comme la reine des cieux et la dame de l'univers, symbole profond de la continuité (en tant que Mère, Mère de Dieu et Mère des hommes). Cette projection de la Vierge vers les cieux et vers les profondeurs les plus lointaines est un élément symbolique essentiel du catholicisme (germano-latin), inconnu sous d'autres latitudes et à d'autres époques (le christianisme primitif de la pseudomorphose, encore « magique » et non faustien, le christianisme d'Orient, etc.).

L'intronisation de Marie, sa projection céleste, son élévation au-dessus des anges et sa condition divinisée, « très proche » du Christ et de Dieu le Père lui-même, sont des aspects clés pour comprendre la culture classique qui, dans sa vigueur juvénile, se développe dans le nord de l'Espagne et de l'Europe peu avant l'an 1000:

« Dans l'art religieux occidental, il n'y a cependant pas eu de thème plus sublime que celui de la mère avec l'enfant. Le gothique naissant transforme la Marie Theotokos des mosaïques byzantines en Mater dolorosa, en mère de Dieu, en mère par antonomase. Dans le mythe germanique, la mère apparaît — sans doute pas avant l'époque carolingienne — sous les figures de Trigga et Frau Holle. Le même sentiment réapparaît dans les belles expressions des minnesinger, telles que Frau Sonne, Frauwelte, Frau Minne.

Une émotion maternelle, attentionnée, résignée, plane sur le monde de l'humanité gothique ; et lorsque le christianisme germanique et catholique prend pleinement conscience de lui-même, avec la conception définitive des sacrements et, simultanément, du style gothique, il ne place pas au centre de son image cosmique le Sauveur souffrant, mais la mère qui souffre.

En 1250, dans la cathédrale de Reims, grande épopée de pierre, la place d'honneur au milieu du portail principal n'est plus occupée par l'image du Christ, comme à Paris et à Amiens, mais par la Vierge mère. Et à la même époque, l'école toscane d'Arezzo et de Sienne — Guido da Siena — commence à insinuer dans le type byzantin de la Theotokos l'expression de l'amour maternel. Viennent ensuite les Madones raphaëliennes, qui servent de transition vers le type baroque, ce mélange de l'aimée et de la mère que l'on retrouve chez Ophélie et Marguerite, dont le secret est révélé dans la transfiguration, à la fin du deuxième Faust, dans la fusion avec la Marie gothique. » [DdO, I, 385-386].

La beauté féminine de la statuaire antique est d'un tout autre genre. On pourrait même dire qu'elle ne rivalise pas avec la beauté masculine, presque laissée de côté, travaillée de manière si impressionnante et éphémère par la sculpture hellénique du nu :

« L'imagination hellénique, en revanche, a créé des déesses qui étaient soit des Amazones comme Athéna, soit des hétaïres comme Aphrodite. Tel est, en somme, le type antique de la féminité parfaite, qui trouve ses racines dans le sentiment fondamental d'une fertilité végétative » [ibid.].

Spengler considère que le nu classique « antique », symbole très puissant, est incompatible avec l'art faustien, spiritualisé à son plus haut degré. Dans la sculpture gothique, qui peuple abondamment nos cathédrales, le nu est purement accessoire, imposé par le thème traité (Ève au Paradis, les âmes des défunts, etc.). C'est un nu qui sert de symbole et d'allégorie d'une réalité différente de lui-même : la chair comme symbole de l'âme, le corps comme péché, l'innocence face à la vie artificielle du monde, etc. Au contraire, le nu hellénique est lui-même un symbole. Ses statues (mais aussi les vases peints) exposent directement une culture : ces corps nus ne renvoient pas à quelque chose de transcendant ; ils nous disent simplement : c'est ainsi que nous voulons être.

La beauté de Marie dans l'art chrétien faustien est une beauté spirituelle : un visage doux et noble qui protège et regarde avec amour l'Enfant, mais aussi tous ces enfants que sont les hommes mortels, les croyants qui aspirent non seulement à la protection d'une grotte, comme celui qui rentre chez lui par une nuit d'orage et remercie les toits de sa maison de le protéger des éclairs déchaînés. Ce n'est pas la « grotte » de l'âme magique, mais l'infinité d'un ciel bleu qui, au-delà des nuages déchirés et dramatiques (tels sont souvent les nuages du Septentrion, contrairement aux nuages cotonneux de la Méditerranée), est peuplé d'étoiles.

Selon Spengler, il n'existe pas un seul christianisme. Dans les régions d'Europe occidentale, alors que celle-ci se défendait encore farouchement contre les musulmans, en Asturies et dans l'Empire carolingien, une protestation sourde et cachée contre le christianisme « magique » a commencé, une sorte de rédemption spirituelle des peuples germaniques et celtiques. Le royaume d'Oviedo accueille les Mozarabes qui portent encore en eux des gouttes de sang gothique et des instincts pré-faustiens, mais sous la domination des Maures, ceux qui se sentent déjà « magiques » comme eux décident de rester. A partir de Tolède vers le sud, dans les deux tiers de l'Espagne, restent les chrétiens « magiques » de la pseudomorphose, de plus en plus arabisés, soumis à une acculturation croissante, victimes de moqueries et condamnés à disparaître. Les implacables chevaliers asturiens, quant à eux, les premiers hommes faustiens d'Espagne, finiront par passer au fil de l'épée - au fil des siècles - non seulement les Berbères, les Syriens et les Arabes - envahisseurs - ou leurs descendants, mais aussi les anciens frères hispaniques, anciens chrétiens de la pseudomorphose et à l'âme « magique », depuis longtemps renégats et convertis. Dans l'Empire également, les Carolingiens avaient affaire à des survivances « arabes » dans le Midi qui, sous des apparences dualistes ou strictement unitaristes, presque mahométanes, résistaient à recevoir l'air froid et nouveau du Nord. Un nouveau Dieu s'imposait dans les cœurs.

« Le christianisme occidental est au christianisme oriental ce que le symbole de la perspective est au symbole du fond doré. Et le schisme définitif se produit presque simultanément dans l'Église et dans l'art. Le paysage commence à être conçu comme fond de scène ; et simultanément, les âmes religieuses commencent à comprendre l'infinité dynamique de Dieu. Et lorsque les fonds dorés disparaissent des tableaux religieux, disparaissent également des conciles occidentaux ces problèmes ontologiques, magiques, concernant la divinité, ces problèmes qui ont profondément ému tous les conciles orientaux, celui de Nicée, celui d'Éphèse, celui de Chalcédoine. » [LDO, I, 365].

Une âme dynamique, la faustienne, a cherché un Dieu dynamique. Et elle l'a trouvé. La scolastique, avec ses précieuses réflexions sur l'infinité de Dieu, a préparé le terrain à l'infinité mathématique et cosmologique que l'on retrouvera plus tard chez Nicolas de Cues ou Leibniz. L'« infinité dynamique de Dieu », et non l'Être éternel et statique « qui est », s'impose dans la chrétienté germano-catholique.

Le Dieu du chrétien faustien est irreprésentable. Mais il ne l'est pas au sens iconoclaste de l'Orient (Byzance, Islam), par crainte du blasphème, par crainte de sa lumière aveuglante, par le caractère même, terrible – et pas seulement fascinant – de la divinité (Rudolf Otto: mysterium tremendum et fascinans). Il est irreprésentable en raison de l'infinité dynamique de l'Être qui est Lui-même son Être. Nous « avons » tous un être (participé de Dieu), mais Lui est l'Être et est puissance infinie :

« La pluralité des corps dans lesquels se manifeste et s'exprime le cosmos antique exige un monde de dieux qui lui soit égal ; tel est le sens du polythéisme antique. En revanche, l'espace cosmique unique, qu'il s'agisse de l'univers comme caverne ou de l'univers aux amplitudes infinies, exige un Dieu unique, celui du christianisme magique ou celui du christianisme faustien. Athéna et Apollon peuvent être représentés par une statue. Mais la divinité de la Réforme et de la Contre-Réforme ne peut se « manifester » — cela fait longtemps que cela se ressent — que dans la tempête d'une fugue pour orgue ou dans l'exécution solennelle d'une cantate ou d'une messe. » [LDO, I, 280].

Par « correspondance » ou analogie, nous pouvons trouver cette mutation de l'âme dans les arts: les figures plastiques en relief de la civilisation antique se retrouvent dans l'idolâtrie catholique médiévale: les processions « de saints » (généralement sculptés dans le bois) typiques de l'Espagne pendant la Semaine Sainte ne sont en aucun cas faustiennes. La mystique musicale du Maestro Guerrero ou de Tomás Luis de Victoria l'est. La Summa de Saint Thomas et l'Escorial de Philippe II sont du même côté, du côté faustien, que le Walhalla, la quête du Graal ou les tableaux de Friedrich.

Ce n'est pas que la mythologie et la sensibilité nordiques se soient christianisées, comme on le dit si souvent. Une autre idée se dégage du livre de Spengler: le christianisme germanique catholique et le « paganisme » nordique sont les fruits d'une même époque et d'une même âme. Les mêmes sensibilités, intuitions et aspirations habitent les récits et les dogmes bénis par l'Église que la poésie et l'art transmis par les troubadours et les bardes. Intérieurement, on peut parler d'opposition entre la cathédrale et le château, mais c'est la même âme faustienne qui vibre gravement lorsqu'elle s'adresse à Dieu, chantant en latin d'Église, ou qui le fait de manière mondaine lorsqu'elle s'adresse au destin, dans un ancien dialecte germanique.

Cependant, l'Europe a perdu de sa cohérence théologique: sa quête de « la nuit » (magnifiquement exprimée dans le romantisme) a représenté une nouvelle ère iconoclaste.

« La hiérarchie céleste magique, que l'Église a maintenue dans le domaine de la pseudomorphose occidentale avec tout le poids de son autorité et qui, depuis les anges et les saints, s'élève jusqu'aux personnes de la Trinité, perd peu à peu de sa consistance, de ses couleurs. Insensiblement, le diable, cet autre grand protagoniste du drame gothique de l'univers, disparaît également des possibilités du sentiment faustien. Le diable, sur lequel Luther jeta autrefois son encrier, est depuis longtemps l'objet d'un silence embarrassé de la part des théologiens protestants. La solitude de l'âme faustienne ne s'accorde pas avec un dualisme des puissances cosmiques. Dieu lui-même est le Tout » [LDO, I,278].

L'Europe méridionale a conservé plus longtemps son caractère charnel en matière théologique et métaphysique : le culte des saints (« sortis » en procession idolâtre), les reliques, ainsi qu'une adoration régressive de la Vierge, aimée parfois à la manière des anciennes déesses païennes. L'âme de l'Europe protestante, avec son rigorisme iconoclaste, est restée plus solitaire dans cette aspiration à l'infini, comme un naufragé dans l'océan sans repères, et tout cela pour avoir éliminé les médiateurs après la Réforme: ni image, ni prêtre, ni Marie. Il n'est pas étonnant que, ayant perdu ou oublié l'infini théologique, cette Europe soit retombée dans une version judaïsante du christianisme: un Dieu sans intermédiaire, un Dieu lointain et sévère, un Dieu moraliste. Une sorte de maître d'école aigre, toujours prêt à abattre sa baguette sur la chair de l'élève indiscipliné. Le vrai Dieu infini, dynamique, l'Être qui est Lui-même son être, le Dieu catholique faustien a disparu d'Europe. Dans le sud, on l'a paganisé. Dans le nord, on l'a judaïsé.

Le modernisme russe au risque de l'idéologie - Analyse d’un naufrage

2025-05-05T21:23:45+02:00

Le modernisme russe au risque de l'idéologie

Analyse d’un naufrage

Claude Bourrinet

De Mallarmé à Malevitch, ou d'une aporie l'autre

La révolution esthétique se manifesta d’abord comme une révolte contre la forme sclérosée, mimétique, répétitive, d’un monde faux et trompeur, qui cherche à faire passer pour réels des arrière mondes, alibis à la médiocrité bourgeoise, à l’adhésion abjecte à des valeurs niveleuses et hypocrites. La déconstruction d’une esthétique issue d’une tradition fondée sur le dogme de la mimésis est l’une des plus radicales de tous les temps. Elle cherche à redonner aux sens une innocence originelle, et à l’art une maîtrise complète de son destin, pareille au pouvoir exercé sur la matière sonore de la musique, qui ne renvoie qu’à elle-même, et qui devient le paradigme des bouleversements artistiques. Au-delà de la provocation des gestes extrêmes lancés par les écoles en –isme – symbolisme, cubo-futurisme (1), rayonnisme (2), suprématisme (3), constructivisme, productivisme etc. – c’est le changement des perceptions de l’homme qui est visé, donc, en dernière instance, la construction d’un homme nouveau, la réalisation d’une utopie, d’une « autre dimension », dira Eisenstein. Dès lors va s’instaurer une dialectique entre mouvement infini de remise en cause des éléments structurels de l’œuvre d’art (forme et matière, pour reprendre la terminologie aristotélicienne) et le champ sociopolitique, lieu des conflits dont l’homme est l’enjeu.

Baudelaire et Rimbaud avaient engagé cette transformation du verbe et de l’esthétique. Mallarmé allait mettre en question les principes mêmes de l’art occidental. L’art n’a fait que maquiller la vérité, que notre vie est un non-sens. Les ingrédients de toute littérature, le sujet, les anecdotes, les images, occultent l’art absolu, qui est par là même impossible. Sa saisie ne s’effectue qu’au moment où l’œuvre accepte l’anéantissement, qui est aussi son assomption. L’art refuse toute compromission avec la contingence humaine. Il est, comme la mort, un soleil qu’on ne saurait regarder en face sans devenir aveugle. La création passe par le chemin suicidaire de la négation hégélienne. Il faudrait soit régresser, et accepter la réalité odieuse, soit la rejeter en un défi incessant de remise en question du monde construit par la création artistique.

Gérard Conio (4), dont je m’inspire de près pour mener cette étude, insiste sur la dimension mystique, spirituelle de cette quête du Graal. Elle est l’expression d’une nostalgie de l’origine, du désir de retrouver une langue transparente, d’un Verbe purificateur capable de restaurer l’harmonie entre l’homme et le monde, la voie gnostique qui accorderait le secret fondamental, qui susciterait l’envol vers l’Idée, mais aussi le suprême désespoir : le lieu de l’art, son topos, est toujours au-delà, fuyant, éphémère, glissant de l’instant insaisissable au moment où l’on pense le saisir. L’art est donc un drame, la mise en scène d’un sacrifice propitiatoire, au bout duquel ne subsiste que la page blanche, lieu vide et plein, lavé des scories de la subjectivité, oméga où se résolvent deux infinis, la mémoire de l’origine, et la création eschatologique d’un monde neuf.

Cette nouvelle conception de l’art comme rupture et quête intransigeante se veut aristocratique, laissée au seul initié, au maudit, à l’exilé, à l’anormal, au yourodivyi (fol en Christ). L’artiste crée son ordre contre l’ordre d’un monde qu’il honnit. De là, un ton apophatique, négateur, doublé d’un accent inquisitorial, d’une tendance à traduire toute prise de position en geste moral.

La Russie du début du XXe siècle, selon Gérard Conio, était particulièrement apte à comprendre la vision mallarméenne, bien plus que l’Occident, émoussé par son sens de la mesure. Les héritiers du nihilisme, la disposition traditionnelle du peuple russe à des élans mystiques, son anarchisme résurgent, allaient radicaliser ce message.

La suppression du sujet (au double sens du terme : le je et le thème) est aussi la disparition du signifié au profit du signifiant, que l’on dépouille jusqu’à la plus simple expression de sa matérialité, le point et la tache. Le procédé est « mis à nu », l’accent est déplacé sur le matériau. Dans le travail des « zaoumniki » (5), le verbe poétique est réduit à ses composantes minimales, la représentation est déconstruite, la figure est supprimée. Le roman, chez Victor Chlovski, devient reportage, documentaire, montage.

L’esthétique, science du Beau (qui ne signifie plus rien) se transforme en sémiotique, science du signe (qui peut être n’importe quoi).

En 1915, dans son premier écrit théorique, Malevitch porte le négativisme jusqu’à l’adieu à la représentation, manifesté par son carré noir sur fond blanc. Puis avec son tableau blanc sur blanc, en 1919, il renonce tout à fait à la peinture, se vouant dès lors à l’écrit, au commentaire. Le geste est répété avec Le dernier tableau, monochrome rouge, que Rodtchenko expose en 1921 pour en finir avec la peinture de chevalet, et avec l’art tout court, inaugurant la période productiviste. L’art était devenu impossible. Comme toutes les valeurs auxquelles on accordait de l’importance, il était désormais réduit à l’égal du zéro.

Face à l’affirmation triomphale d’un art absolu, le scandale de la réalité se dévoile, toujours contingente, toujours banale. D’où naît un déchirement.

Il s’agit alors de purifier le monde par le Verbe, de retrouver l’Eden disparu, d’accéder à la dimension cosmique de la création. Pour Khlebnikov, la « zaoum » (langue phonique) tente d’édifier une langue universelle, une langue « stellaire ». Le Beau doit aussi être l’expression du Vrai et du Bien. Malevitch évoque par le blanc le dieu du Zohar. Il a peut-être été influencé par le philosophe néo-platonicien contemporain Piotr Ouspenski. Maïakovski, en 1918, dans Le Journal des futuristes, en s’élevant contre le mercantilisme bourgeois, recherche une révolution de l’esprit.

En même temps, cette quête mystique redouble une mise en mémoire du passé russe, dans l’origine archaïque par exemple de la corrélation entre l’écriture et la peinture, identification désignée par le mot « pisat ». On retrouve aussi l’art populaire et la religion de la Russie ancienne, la culture « rodnaïa », « maternelle », qu’on met en parallèle avec l’instinct créateur des enfants, des peintres naïfs, des poètes fous… Larionov organise une exposition néo-primitive d’icônes et de loubki (images populaires gravées sur bois (6)) en 1913 – la « Queue d’âne » (7) – qui regroupe Malevitch, Tatline, Chagall, Filonov, Le Dentu, Zdaniévitch, tous artistes novateurs. Un rêve messianique, naturel en Russie, s’attache à l’art.

Pour Kandinsky, le « mur » de l’art devient limite et support. L‘enjeu se déplace de l’extérieur vers l’intérieur, ouvrant la voie à une phénoménologie de la perception artistique, que les contre reliefs de Tatline vont illustrer. On passe d’une esthétique de la contemplation à une esthétique de la réception. Dès lors, tout devient possible, le matériau vidé de son sens acquiert sa valeur du choc qu’il produit.

Le constructivisme est une réponse à l’impasse proclamée de l’art. Le groupe de l’« Inkhouk » de Moscou proclame qu’il faut transformer le « byt », le mode de vie, la vie. Le productivisme tentera de réaliser ce projet.

Maïakovski et Eisenstein: l'exil intérieur

Le premier se donna la mort en 1930 et le second continua son œuvre cinématographique sous la tutelle sourcilleuse de Staline.

Maïakovski (portrait, ci-dessous), en cassant le vers traditionnel, en y mêlant les vocables familiers du peuple, a redonné à la poésie une puissance redoutable, la ramenant brutalement sur terre, une terre rude, parfois vulgaire. Certes, il collaborait à ses heures avec l’appareil policier, mais c’était un authentique poète. « Pro èto » (« De ceci ») est un cri de détresse. Maïakovski appartenait à ces bolcheviks de gauche qui seraient écrasés par le secrétaire du parti. Comme beaucoup, il a vu avec angoisse la liberté de création se réduire sous la pression idéologique du régime. Il a perçu dans sa chair la contradiction entre ses aspirations vers une révolution permanente de la vie, et la sclérose qui paralysait les corps et les esprits, la société soviétique entière, pour aboutir au gel, à la mort.

Eisenstein a connu aussi sa descente aux enfers. Mais il ne s’est pas tué, du moins physiquement. Il connut cependant des crises sérieuses, qu’il résolut au prix du renoncement.

La première lui était commune avec d’autres créateurs. Il s’agissait de surmonter l’aporie qui menait l’art dans l’impasse du non-sens, une fois la mimesis rejetée. Comment lier l’art à la vie ? On sait que le constructivisme subsuma les deux termes sous le projet unitaire de l’utopie, l’utopie que l’on réalise ici et maintenant (ce qui revenait en fait à subordonner l’art à la vie). Eisenstein va utiliser le montage, le travail sur le matériau cinématographique, et singulièrement la synecdoque, la valorisation de la partie pour le tout, apte à toucher l’affect des foules (le cinéma étant l’art des masses par excellence).

La seconde crise fut résolue au début des années trente, en plein stalinisme triomphant. On peut résumer le constat auquel il parvint : « L’art est régressif par sa forme et progressif par son contenu. » Mais en art, la forme prime, et conditionne le contenu. Eisenstein s’aperçoit alors que l’art, c’est le Mal.

La découverte de la « plongée dans le sein maternel », dans les archétypes, à partir des travaux des psychanalystes Ferenczi et Otto Rank, ainsi que les expériences des contre reliefs de Tatline, l’amènent à définir la « Méthode », ou le « Grundproblem » (le « problème fondamental »). Pour lui, l’objectif de l’artiste est l’extase. L’Empreinte (« Eindruck ») désigne les traces du trauma originel et le mode de superposition appelé à constituer le montage des attractions et à susciter de l’organique à partir du mécanique. Son cinéma mêle archaïsme et modernisme, pensée sensorielle et pensée conceptuelle, Apollon et Dionysos, futur utopique et origine.

Du constructivisme à la "construction du socialisme"

La première exposition d’ « Obmokhou » (« Association des jeunes artistes) en mai 1920, inaugurée par Lounatcharsky, présente des manifestations d’agit-prop, destinées à montrer comment utiliser les activités artistiques à des fins de publicité révolutionnaire.

L’exposition « 5x5=25 » constitue un tournant décisif. Il s’agit de briser les mentalités « archaïques ». L’action se place sous l’angle de la lutte contre l’aliénation. Les productivistes reprochent à l’esthétique formaliste de l’objet (« viéchisme ») de substituer à la reproduction de la nature la reproduction de la machine. Pour Maïakovski les artistes sont des « artisans chargés de réaliser la commande sociale ». Le savoir-faire des poètes, leur métier (masterstvo) livre à la séduction étatique les masses désarmées. La fonction poétique est remplacée par la fonction de communication. Les artistes sont passés de la « dissonance » dont parlait Koulbine à l’ « harmonie », synonyme de mort. L’affirmation de Rodtchenko, selon laquelle « l’art littéraire » est destiné à débarrasser la vie des « enjolivures », pour légitime qu’elle soit dans le domaine esthétique, prend une résonance sinistre dans l’ordre politique.

Comment l’art, se voulant autonome, a-t-il pu servir d’instrument à un Etat totalitaire ? Cette question est d’autant plus cruelle que c’est justement par la manifestation de la plus haute vie que l’œuvre de mort a procédé, comme si l’art se révélait être un pharmakon, capable d’empoisonner dans la mesure même où il se présente comme un salut. On peut essayer d

le 9ème art raconte l'histoire de la peinture

2025-04-30T08:33:00+02:00

L'histoire de l'art en BD
Marion Augustin, Bruno Heitz
éditions Casterman

Plaisants, faciles à lire, sept petits livrets, quatre par périodes , de la préhistoire à l'art moderne, en passant par la Renaissance et l'art classique, et trois pour des artistes qui ont marqué leur temps : Léonard de Vinci, Claude Monet et Vincent Van Gogh. Peut-être Picasso aurait pu avoir droit, lui aussi, à son livret rien que pour lui ?

L'Enigme Vélazquez

2025-03-16T10:26:00+01:00

   Producteur (entre autres) de L'Ombre de Goya (que j'ai vu en 2022 au festival de cinéma de La Rochelle), Stéphane Sorlat a décidé de passer à la réalisation, pour se consacrer à un autre peintre ibérique, emblématique du Siècle d'or espagnol.
   Le documentaire mêle biographie, aspects esthétiques et filiation culturelle. Les vues de tableaux sont assez nombreuses, mais avec, au final, peu d'analyses de détail (avec très gros plans). Quand cela se produit, c'est passionnant. Mais, la plupart du temps, les tableaux sont associés à des commentaires de spécialistes (européens ou nord-américains), en général contemporains, mais parfois plus anciens. (Concernant Les Ménines, on attend évidemment les propos de Michel Foucault, mais l'extrait qui nous est proposé est décevant.) J'ai trouvé cela globalement trop verbeux.
   Le film n'apporte pas beaucoup d'informations précises sur les modèles de Vélazquez. On pense que certaines œuvres de Léonard de Vinci l'ont inspiré, tout comme celles du Titien et du Tintoret, qu'il a découvertes soit à la Cour d'Espagne, soit lors d'un voyage en Italie... soit par l'intermédiaire de copies de Rubens.
   Le documentaire s'attarde davantage sur l'influence que Vélazquez a eue sur des peintres ultérieurs : Goya et Picasso principalement, mais aussi Édouard Manet (et, globalement, les impressionnistes), dans une séquence fort bien faite. Mais je dois reconnaître que j'ai surtout été marqué par l'irruption de Salvador Dali. On le voit peu, on l'entend peu, mais il emporte tout. En comparaison, les autres interventions paraissent fades.
   Au niveau de la technique, le film évoque notamment les jeux d'ombre et l'utilisation du noir. Il trace une filiation entre une série de peintres, jusqu'au XXe siècle... mais, curieusement, ne prolonge pas jusqu'à Pierre Soulages.
   J'ajoute qu'on a cherché à tout prix à relier certaines œuvres de Vélazquez à des thématiques plus contemporaines. C'est loin d'être toujours convaincant.
   L'ensemble mérite toutefois le détour, si l'on aime la peinture et si l'on veut profiter d'un visionnage sur très grand écran.

Quand Victor Hugo entrevoit l’horreur architecturale

2025-03-04T13:21:35+01:00

Quand Victor Hugo entrevoit l’horreur architecturale
Nicolas Bonnal
L’horreur architecturale s’est reproduite partout sur notre pauvre terre, la recouvrant de tours de Babel. Plus aucune ville n’est reconnaissable, toutes se flattant de reproduire le squelette du business cosmopolite. On attend que Tom Cruise en fasse l’escalade dans ses missions pas possibles, et puis on est content à Dubaï ou à Shanghai pendant qu’au pied du débris minéral se serrent les cohortes des fourmis motorisées qui rêvent de retrouver leur télé ou leur caisse de supermarché.
En relisant Notre-Dame de Paris je me suis toutefois consolé : la catastrophe avait eu lieu bien avant Manhattan ! On se souvient que Hugo se lance dans une de ses digressions philosophiques dont il a le secret, et qui nous ouvre un pan de pensée sur l’infini. Dans le chapitre Deux du livre Cinquième il explique que l’architecture était jusqu’à la fin du moyen âge le grand livre de l’humanité. Et que c’est pour cela aussi que l’on construisit autant d’églises au moyen âge : elles étaient des lieux d’expression, voire de contestation !
« La pensée alors n’était libre que de cette façon, aussi ne s’écrivait-elle tout entière que sur ces livres qu’on appelait édifices….
Aussi n’ayant que cette voie, la maçonnerie, pour se faire jour, elle s’y précipitait de toutes parts. De là l’immense quantité de cathédrales qui ont couvert l’Europe, nombre si prodigieux qu’on y croit à peine, même après l’avoir vérifié…
De cette manière, sous prétexte de bâtir des églises à Dieu, l’art se développait dans des proportions magnifiques. »
Il est vrai que l’on peut passer des heures dans une église médiévale, dans une cathédrale, même s’il faut se munir des guides savants ou des livres d’alchimie…
Mais vient l’imprimerie. Et c’est le chant du signe, si j’ose dire. Et ici Hugo que l’on présente toujours comme le grand progressiste de service se fait pessimiste, comme tant d’écrivains catholiques de haute époque (Bloy, Bonald, Bernanos…). On est en 1830, avant le verbiage humanitaire. Mais savourez ces tours et pensez à nos châteaux Louis XIII-Louis XIV etc. si tristes finalement :
« Aussi voyez comme à partir de la découverte de l’imprimerie l’architecture se dessèche peu à peu, s’atrophie et se dénude. Comme on sent que l’eau baisse, que la sève s’en va, que la pensée des temps et des peuples se retire d’elle ! »
La fin du moyen âge suppose ici pour Hugo une fin du génie national et un début de la mondialisation de l’horreur architecturale. C’est le retour au préjugé classique, comme disait Guénon, celui de l’empire niveleur romain ou alexandrin. Ici il rejoint Burckhardt, Schuon et même Spengler qui tape si fort sur la renaissance.
« Mais, dès le seizième siècle, la maladie de l’architecture est visible ; elle n’exprime déjà plus essentiellement la société ; elle se fait misérablement art classique ; de gauloise, d’européenne, d’indigène, elle devient grecque et romaine, de vraie et de moderne, pseudo-antique. C’est cette décadence qu’on appelle renaissance. »
Oublié le génie du moyen âge. Et le jeune auteur des géniales Orientales va encore plus loin :
« L’architecture se dépouille, elle s’effeuille, elle maigrit à vue d’œil. Elle est mesquine, elle est pauvre, elle est nulle… Elle appelle des manœuvres à défaut d’artistes. La vitre remplace le vitrail. Adieu toute sève, toute originalité, toute vie, toute intelligence. »
Le génie national et médiéval disparu (Hugo préfère le gothique au roman, à la fois pour des raisons politiques et esthétiques, il ne reste à l’artiste qu’à constater la montée de la géométrie qui enchantait les Grecs (Nerval dénoncera notre préjugé classique et notre oubli celtique).
« À partir de François II, la forme architecturale de l’édifice s’efface de plus en plus et laisse saillir la forme géométrique, comme la charpente osseuse d’un malade amaigri. Les belles lignes de l’art font place aux froides et inexorables lignes du géomètre. Un édifice n’est plus un édifice, c’est un polyèdre. L’architecture cependant se tourmente pour cacher cette nudité. »
La transformation de l’édifice en polyèdre, c’est aussi – et le pauvre Hugo n’est pas là pour le voir – la transformation de l’Europe en bric-à-brac d’infrastructures et règlements, et aussi la transformation progressive de la France en hexagone. Le squelette mathématique pétrifie le monde depuis les ingénieurs de la Renaissance et l’horreur de leur architecture. Et le peuple des cités ou des condominiums a remplacé celui des bâtisseurs de cathédrales. On comprend l’hommage romantique au Moyen Age.
Cliquer pour accéder à hugo_victor_-_notre-dame_de_paris.pdf

Ce mois X...

2025-01-15T22:24:00+01:00

Derrière la porte

Kafka, Fiches

2024-11-24T05:00:00+01:00

61.
Celui qui dans le monde aime son prochain ne commet ni plus ni
moins d’injustice que celui qui dans le monde s’aime lui-même. Ne resterait plus que la question : la première proposition est-elle possible ?

63.
Notre art est un éblouissement causé par la vérité : la lumière sur le visage grimaçant qui recule est vraie, rien d’autre.

67.
Il court après la faits comme un débutant en patinage, qui, de plus, s’exerce là où c’est interdit.

77.
Fréquenter des êtres humains induit à l’auro-observation.

Kafka, Fiches, traduction Robert Kahn, éditions NOUS, 2024.

Exposition de sculptures

2024-11-16T17:50:00+01:00

Pour cette fin d'année 2024,
j'ai le plaisir de vous inviter au vernissage de ma prochaine exposition
qui se déroulera, le samedi 7 et dimanche 8 décembre 2024
de 14 h à 18 h
6 avenue des merles à Montfermeil 93370
TEL :06 35 28 26 73

L'ART selon Charles PENNEQUIN

2024-09-24T21:30:00+02:00

L'art parle. Il est au présent. L'art nous parle au présent. Le présent n'est pas dans notre regard. le présent n'est pas notre vue. Il n'est pas dans la bouche. Toutes les bouches du présent sont fermées. les bouches et les yeux ne parlent ni ne voient le maintenant. Mais ils sont le présent. C'est un vieux maintenant qui parle.
...

Charles PENNEQUIN, Poésie du Louvre, Seghers 2024

Dédicace

2024-09-17T22:54:15+02:00

Le peintre Pierre Béjoint dédicacera son livre Tronches de vies que j'ai eu le plaisir de préfacer samedi 21 septembre de 14h à 16h à la galerie En dehors du cadre à Oyonnax.

Le Baroque: un art sacré contre la modernité

2024-09-07T21:15:30+02:00

Le Baroque: un art sacré contre la modernité
Joan Montcau
Source: https://septentrionis.wordpress.com/2024/09/06/el-barroco-un-arte-sagrado-contra-la-modernidad/
« Le baroque est une culture de l'image, où tous les arts s'unissent pour créer une œuvre d'art totale, avec une esthétique théâtrale et scénographique, une mise en scène qui met en valeur la splendeur du pouvoir dominant (Église ou État), avec quelques touches naturalistes, mais dans un ensemble qui exprime le dynamisme et la vitalité. L'interaction de tous les arts exprime l'utilisation du langage visuel comme moyen de communication de masse, incarné dans une conception dynamique de la nature et de l'espace environnant ».
Antonio Martínez Ripoll
«Le héros baroque est un être en guerre contre le monde, comme Don Quichotte de la Manche, parce qu'il ne s'y reconnaît pas et qu'il aspire à lui rendre la belle figure qu'il a perdue ou dont il rêve comme d'un futur lointain».
Luis Sáez Rueda
Après l'effondrement de l'œcuménisme médiéval, avec le triomphe des subversions humanistes lucifériennes et protestantes des 15ème et 16ème siècles, deux révolutions anti-traditionnelles ont ouvert la voie à la tyrannie actuelle, déjà clairement contre-traditionnelle et anti-christique, avec la mondialisation, la postmodernité et le transhumanisme, un nouvel âge des héros, un nouveau cycle héroïque a vu le jour en Europe, héritier dans une large mesure de la romanité classique et du médiévalisme gibelin, les deux cycles héroïques qui l'ont précédé : le Saint Empire romain germanique, en particulier dans sa phase d'apogée au cours de ce que l'on appelle le « Siècle d'or espagnol », véritable révolution traditionnelle au sein d'un catholicisme qui, à partir du 14ème siècle, s'acheminait déjà lentement mais sûrement vers sa décomposition.
L'art baroque, né à la fin du 16ème siècle en Italie, fut précisément élevé au plus haut niveau du baroque par l'Empire espagnol, grand défenseur du catholicisme et de la Contre-Réforme à une époque de dégénérescence et de dissolution généralisées après des luttes épuisantes contre les hérésies protestantes et sarrasines, criminelles et envahissantes (ainsi que contre la trahison française du catholicisme...). ), qui ont porté cet art sacré à son expression et à sa splendeur maximales, surtout dans son caractère constructif, même dans sa décadence et sa dégradation après la paix de Westphalie en 1648, et même après l'avènement calamiteux des Bourbons au trône d'Espagne au début du 18ème siècle, le siècle détestable de l'Encyclopédie, du Rationalisme et des Lumières, précisément les ennemis déclarés du Baroque...
Face à la brutalité iconoclaste et maladivement totalitaire de la folle subversion protestante, le catholicisme, à travers l'art baroque, encouragea la construction de temples avec une grande profusion de sculptures de Vierges, de Christs, de Saints, d'Anges, de Martyrs ; façades, retables, mobilier, etc. , chargés d'un grand symbolisme religieux, voire métaphysique ; un art caractérisé par le réalisme, les couleurs fortes et intenses, les lumières et les ombres, et dont la mission transcendantale était d'introduire les fidèles dans les Mystères de la Foi, en leur montrant la Gloire Céleste à laquelle ils pouvaient aspirer selon leurs œuvres, selon leur « grâce suffisante et efficiente ».
A une époque de guerres incessantes et de luttes fratricides pour la restauration de l'Ordre, l'Art Baroque est à l'opposé du repos et du pancisme bourgeois et endoctriné : fureur de vivre, sagesse active, sens du mouvement, dynamisme et tension spirituelle. L'art baroque rompt avec l'odieux humanisme de la Renaissance et son néo-paganisme parodique et de bas étage, mais il tente aussi, bien que tardivement - du moins en ce qui concerne l'art - de se restaurer ou de revenir à l'âge du centre, à l'âge de l'être ?
Le grand Eugeni d'Ors a défini le baroque comme une forme d'art transhistorique en faisant la distinction entre le classicisme et le baroque : "Les deux aspirations [classicisme et baroque] se complètent l'une l'autre. Il y a un style d'économie et de raison, et un autre qui est musical et abondant. L'un est attiré par les formes stables et lourdes, l'autre par les formes arrondies et ascendantes. De l'un à l'autre, il n'y a ni décadence ni dégénérescence.
Ce sont deux formes éternelles de sensibilité. Les paradigmes de l'art baroque, en général, tournent autour du souci de la fugacité de la vie, du mépris du « bruit mondain » (Fray Luis de León), de la simple apparence, du désenchantement, de la banalité d'une existence purement mondaine et vide ; précisément les aberrations caractéristiques de ce monde crépusculaire qui menace déjà la ruine pure et simple : « MEMENTO MORI », SOUVENEZ-VOUS QUE VOUS MOURREZ...
FORCE, HONNEUR ET TRADITION
Joan Montcau

Magie renversée, recueil d’Isabelle Lévesque et Sabine Dewulf

2024-08-13T23:18:00+02:00

Magie renversée, poèmes d’Isabelle Lévesque et Sabine Dewulf, peintures de Caroline François-Rubino (préface de Florence Saint-Roch), Les Lieux-Dits, coll. Duo, 2024
Il y a sans doute plusieurs manières d’aborder ce livre. Celle que j’ai envie de choisir serait en marge des approches littéraires destinées à penser un événement-livre. Mais justement celui-ci s’inscrit dans des marges qui autorisent des lectures décalées. Un premier constat concerne Sabine Dewulf. Car quand on lit ce qui s’exprime de son univers on ne peut que remarquer que sa créativité emprunte une voie qui n’est pas que poésie. En créatrice de jeux qui sont des propositions invitant à traverser la frontière des apparences, à accepter de lâcher une rationalité plus conforme pour laisser advenir une attention à des parts cachées du réel et de soi. Elle s’intéresse aux oracles, aux clés qu’ils délivrent afin de voyager dans un autre espace du temps. Et si ce livre est un dialogue poétique cela permet de supposer que cet aspect de son univers est reconnu par Isabelle Lévesque, et qu’elle-même a ses propres entrées dans ce lieu d’une pensée ouverte à d’autres trajectoires de la conscience, ce que l’ouvrage confirme. Elles entrent donc à deux dans l’aire du regard autre. À trois, car les peintures de Caroline François-Rubino soutiennent ce déplacement du visible à ce qui lui est sous-jacent.
Magie renversée... Le titre engage à percevoir une mise en abyme à l’intérieur du mot magie, car renverser ouvre à ce qui est contenu, et contenu encore : la magie dans la magie, infiniment. Renverser a deux sens, vertical et horizontal. Donc d’abord, renversement vertical, le haut basculant en bas, et inversement. Mais aussi, renversement horizontal, comme une feuille tournant sur elle-même, droite et gauche interverties. J’en retire deux interprétations.
Verticalité retournée, ou le rappel du message de la Table d’émeraude, verset 2, ce qu’on suppose être la pensée fondatrice du mythique Hermès Trismégiste, qui serait le créateur de l’alchimie, mais texte qui est peut-être d’Apollonius de Tyane, mage et auteur du Livre des secrets de la création. Voici ce verset : « Ce qui est en bas est comme ce qui est en haut et ce qui est en haut est comme ce qui est en bas, pour faire les miracles d’une seule chose ». On peut voir la composition du recueil en quinze moments, comme les phases successives d’un processus divinatoire pour déchiffrer ces « secrets de la création », en accord avec cette parole. Sous le titre intérieur de la partie 14, Magie renversée, la peinture de Caroline François-Rubino représente exactement le parallélisme entre les deux réalités du bas et du haut. Son tableau est divisé par un horizon qui semble séparer ciel et terre. Mais la clarté d’un ciel gris, miroir d’une terre de marron doux, se dilue en noirceur tout en haut, et au premier plan, tout en bas, en ombres foncées. Deux brèches se répondent. Ce qui serait un nuage blanc, en haut, et une tache en reflet de lumière, sur la terre. Le tableau traduit ce renversement du visible.
Mais le renversement horizontal ? C’est celui des pages. Celle qui est à droite pourrait être à gauche, et inversement. Non que les écritures soient semblables. Mais un mot renvoie à son écho, le même est interrogé d’un texte à l’autre, face à face, bascule du sens sur lui-même. À droite c’est l’une, puis l’autre. Celle qui lance les mots, ouvrant une séquence, un chapitre, sera celle qui répondra dans la suivante, alternance systématique. Effacement du Je en Tu, renversement en Nous.
Les nombres... Quinze parties aux titres brefs : noms, groupes nominaux, infinitif (Saigner bleu), et quelques chiffres (6 mots, 5 gouttes, 10 pétales). Quinze parties. Pourquoi ce 15 (noté XV, titré Ailé) ? Je ne crois pas que ce soit par hasard. Le 15 est un nombre à forte charge symbolique. Ternaire (3 fois 5), il peut figurer les trois niveaux de l’être (corps, conscience mentale ou esprit, conscience spirituelle ou âme) et trois dimensions du monde (espace, temps, infini cosmique). Donc donner à lire un chemin du 1 au 15, de spiritualisation de soi et de sa connexion au monde (terre et cosmos). Justement, après avoir inscrit la Magie renversée (14, noté XIV) l’une et l’autre écrivent un aboutissement (qui n’est pas un achèvement) : « Que ferons-nous de l’axe / cosmique (...) ? Puis « l’amplitude nous embrasse » (S.D.), et « cheval ailé contre / l’augure du conte » puis « il faut / accroître la vasque », celle qui contient leurs « potions hirsutes » (I.L.), rites mentaux ou gestes ouvrant des portes. Clore le livre avec un cheval mythique psychopompe, guide des âmes (des vivants et des morts) et selon des légendes guide des poètes, c’est lui emprunter ses ailes et le suivre vers « l’altitude » (I.L.).
Nombres. Il y a aussi le 4. Quatre poèmes pour chaque parie, deux chacune. Là aussi il y a une signification. Les peintures carrées, et le carré symbolique du 4. Ce nombre qui représente une totalité, et rejoint, selon Jung, l’archétype du Soi. Volonté, ici, de poser du plein contre le vide. Importance des chiffres, c’est dit plus loin (dans le IX, 10 pétales) : « Pour écrire le poème, / amalgamer / l’algèbre à l’alphabet » (I.L.), et, réponse, « l’alphabet est algèbre » (S.D.).
Si le titre autorise à penser alchimie, le premier ensemble (6 mots) le suggère déjà. Je ne peux que remarquer la mention de l’or, trois fois, dans le premier poème (I.L.). Puis de nouveau, écho, dans le second, « ton sigle est chiffre d’or » (S.D.). Mais « L’or porte l’ombre » (I.L.). Pour l’alchimiste l’or est l’aboutissement d’une transfiguration personnelle, la fin d’un processus qui transforme la lourdeur des ténèbres inconscientes en or de lumière. Ici la fleur qui fait voir l’or de sa couleur (I.L.) met le symbole au commencement, comme un rêve de ce qui peut être, après. C’est pourquoi la réponse paraît vouloir protéger d’un danger, d’une hâte, tout en mesurant la profondeur d’une intuition : « Ton conte est le récit / de notre vie profonde », mais « Laissons s’affûter l’ombre gardienne ». (S.D.). Pour que le renversement ne soit pas le risque d’une inversion du processus, l’or alchimiste contemplé trop vite. Cependant, dans le VII, L’éden, Sabine Dewulf cite Isabelle Lévesque qui écrivit « Ce qui cesse commence ». Alors cet or augural peut être le résultat d’un autre renversement, ce qui pourrait être à la fin du livre se trouvant au début, en conscience.
Épines, donc douleurs. Quand l’une écrit « talisman acide » (S.D.) l’autre répond « leurre acide » (I.L.). Mais toutes deux voient dans le chagrin une promesse de guérison, et mettent le poème sous la lumière des astres.
Concordance des univers des deux poètes autour de la pluie, du bleu « qui n’est plus » (I.L.), « Bleu oublié » (S.D.), et du langage. Ces trois éléments, présents dans ce cycle de poèmes (5 gouttes), sont liés symboliquement. La pluie, donc l’eau, cette eau signifiante des alchimistes, pour l’œuvre au blanc qui suit l’œuvre au noir et permet la spiritualisation du corps, figurée dans les textes par le vol, processus ascensionnel, et paradoxale inversion : « l’homme déployé (...)/ pieds vers la cime : / retournement » (S.D.). C’est la carte du tarot du « Pendu », où on peut voir le lâcher-prise, l’abandon à ce qui dépasse... La pluie, autre sens, c’est, comme pour Hildegarde de Bingen, une force vitale, autant pour la terre que pour l’humain, et l’âme de l’humain. On a en tête celle qui créa potions et philtres, univers évoqué dans ces pages, allusion aux savoirs ancestraux des femmes, en magiciennes ou sorcières guérisseuses. La signification du bleu, couleur du ciel d’où vient aussi la pluie, c’est l’infini, les dimensions spirituelles. S’il est « oublié » c’est que les humains perdent le contact avec leur centre et l’infini. Alors le langage, un certain langage, peut aider à retrouver ce lien. Elles le pensent : « Passagers immobiles, gardons dans nos voix / les fluides de la fable / qui inventa l’alphabet occulte, / toile infinie de l’énigme. » (I.L.) Et : « Les hiéroglyphes prédisaient / la toile invisible des êtres » (S.D.).
Mais ce bleu signifiant il est aussi dans certains tableaux. Notamment les deux peintures qui encadrent le V (Spectres). Car si les poèmes évoquent la mort (double champ lexical qui liste spectre, crânes, charnier, cadavres, fossile... et signes de la fin des éphémères : sécheresse et poussières) c’est pour interroger impermanence et sens : « Derrière existe-t-il ? » (S.D.). Bleu du mystère qui n’est pas su. Écrire c’est aussi penser le vide et le néant.
Présence des arbres. Le bois, l’écorce, la verticalité, les blessures : « la hache d’un bourreau » (I.L.). Arbres : orme, saule, coudrier, hêtre... Et le bleu dans le titre pour les poèmes sur cet hêtre au centre bleu, Saigner bleu. Tableau bleu, aussi. Toucher l’’arbre connecte à une connaissance qui relie à la transcendance : « Aussitôt ma paume rayonne / d’une science inconnue » (S.D.), et « Pour célébrer, je joins le geste / au corps du ciel » (I.L.).
La nature, le réel, c’est aussi la pierre, le minéral (XI, Pierre blanche). La pierre et le feu associés dans les mêmes poèmes. J’y vois le soufre de l’œuvre au rouge, fin indépassable : « La bouche rouge du géant » (S.D.). Et « Nul ne peut aller plus loin » (I.L.). Car ce serait l’au-delà de la dissolution de l’ego, plus que la mort alchimique, pour une « métamorphose » pressentie dans les textes.
Le livre est un parcours, partant d’une fleur et de quelques mots, pour aboutir à la connexion à l’immense, en passant par des processus initiatiques : « Que ferons-nous de l’axe / cosmique ? » et « L’amplitude nous embrasse » (S.D.). Mais c’est une étape, reste le mystère du non-su : « Tant que l’âpre secret / ne nous est pas révélé / le livre n’est pas fermé » (I.L.). Et donc l’écriture est à poursuivre..
Recension © Marie-Claude San Juan
LIEN...
Leur démarche (descendre un peu sur la page, c’est le deuxième livre, chacune s’y exprime). Terre à ciel… https://www.terreaciel.net/Collection-DUO-Editions-Les-Lieux-Dits

Óumage

2024-08-03T00:00:00+02:00

Hommage
Tribute
Tribut
Exposition dans différents endroits du palais des papes
encore jusqu'au 5 janvier 2025 !!!

Exposition / Jean-Noël Grivat à la Grande Vapeur (Oyonnax, Ain)

2024-07-19T15:33:40+02:00

Les sculptures de Jean-Noël Grivat semblent en germination continuelle, comme si la forme cherchait dans l’inquiétude et la force à s’extraire de la pierre et du bois. Parfois, il ajoute à l’impulsion naturelle qui fait l’aspect d’une racine ou d’une écorce sa propre intervention, non moins riche et tourmentée. Il lui arrive également de concentrer toute cette énergie qui cherche frénétiquement son cours dans la silhouette trapue d’un être qui paraît se préparer à bondir brusquement pour se dévoiler alors dans une sérénité que l’artiste donne l’impression de poursuivre sans parvenir à l’atteindre.
Mais dans son mystère, la pratique d'un art ne saurait se limiter à la quête d'une improbable sérénité. Ce qui conduit le geste d'un sculpteur tel que Jean-Noël Grivat consisterait peut-être à devenir non pas le créateur mais l'instrument de son œuvre, ce qu’à mes yeux il a réussi en un lent processus d’alliance avec les rythmes de la nature, notamment ceux des arbres, frênes, tilleuls, poiriers, épicéas, d'où surgissent les figures humaines dans toute leur animalité et les silhouettes rêvées de demi-dieux dans leur sauvage élan entre terre et ciel, en cet espace intermédiaire, celui de toute vie, d'où nous parlent ces créatures en mouvement entre le rêve de la réalité et la réalité du rêve.
Christian Cottet-Emard
Exposition à la Grande Vapeur, 62 rue Anatole France, Oyonnax (Ain).
Du mardi au samedi de 15 h à 19 h jusqu’au 31 août.
Entrée gratuite.

Ce tout autre qu'est l'art conceptuel - Réponses à Patrick Burandelo, artiste engagé

2024-06-27T20:18:15+02:00

Ce tout autre qu'est l'art conceptuel
Réponses à Patrick Burandelo, artiste engagé
par Frédéric Andreu
Il m'a fallu bien des lectures avant de comprendre, au sens plein du terme, ce que cache l'art conceptuel. Pour moi, l'histoire de l'art n'apporte qu'un faible éclairage sur l'art conceptuel. L'anthropologie permet d'entrevoir autrement la question de l'AC. L'art conceptuel s'inscrit en fait dans un sillon bien antérieur à Marcel Duchamp et son célèbre bidet. Il recycle en réalité le dispositif inscrit dans les religions monothéistes. La suprématie très française de « AC » par rapport aux autres courants d'art - seul art officiel - m'a donné la puce à l'oreille.
Il est en effet révélateur que le Conceptual Art refuse les autres courants de l'art. Yahve rejette, par essence, les dieux multiples. C'est toute l'histoire de la Bible. Ce dispositif, et son appareil argumentatif, n'est donc pas nouveau. Nous n'en avons pas fini avec ce processus sous sa forme sécularisée. En fait, tout est contenu dans la formule de Marcel Gauchet : « A mesure que le christianisme recule comme religion instituée, il triomphe comme idéologie ». L'AC marquerait donc l'aire d'un triomphe idéologique, la Société du Spectacle et ses idoles cultuelles et médiatiques.
L'AC reflète un pouvoir oligarchique, financier et étatiste
Oui, tout cela a été montré avec précision notamment par Aude de Kerros. Notons que ce n'est peut-être un hasard si l'Art Conceptuel apparaît dans un contexte impérial : celui du néolibéralisme mondialisé. Ses liens avec les États-Unis ne sont plus à démontrer. Le sans-frontiérisme cherche à inventer de nouvelles normes comportementales et des valeurs dites « sociétales ». Le Wokisme. En fait, tout ce qui peut subvertir et remplacer les anciennes valeurs sous l'horizon du « monothéisme » du Marché.
La religion chrétienne est apparue, elle aussi, dans un contexte impérial. L'Empire est une échelle politique hors norme, au delà des nations, des tribus, des clans. Il a besoin d'une religion politique pour s'imposer. Le but de l'empereur Constantin était politique, créer une unité religieuse dans l'Empire en proie à l'éclatement. En imposant notamment le Culte Impérial.
C'est pourquoi critiquer l'Art Conceptuel avec les catégories esthétiques traditionnelles n'est pas seulement vain, c'est aussi tomber dans un piège sémantique. Redoutable piège dans lequel le critique est toujours perdant.
En fin de compte, l'art conceptuel serait-il d'essence monothéiste ?
Il s'agit plus exactement d'une « monolatrie », empreinte de messianisme. Un calque du judaïsme. La question simple que je pose est : le monothéisme est-il le meilleur moyen de lutter contre un autre monothéisme ? A mon sens, une réponse complexe, ne peut être positive. Le « polythéisme » contient davantage de profondeurs et de richesses. La plupart des opposants à l'AC le rejette au nom d'un autre monothéisme, d'un passéisme, d'autre clergé, alors qu'il existe une autre réponse dont les ressorts se trouve dans notre tradition. Précisons qu'il ne s'agit aucunement de dresser des temples à Zeus ou Vénus, mais de recourir à la conception antique du monde. La nature comme socle, la beauté comme horizon ! Est vrai et bon, ce qui est beau.
En outre, le polythéisme célèbre la diversité, sceau du réel. Les dieux sont des puissances symboliques du dévoilement, du vrai par degrés, ce qui reflète au mieux le processus créateur de l'artiste. L’œuvre d'art, dit Heidegger, contient un reliquat de tradition archaïque.
L'idée que l'homme est créé en créant. Démarche que l'on retrouve au cœur de toutes créations véritables. Au rebours de cette antique sagesse, c'est la planification qui fabrique l'AC, pas la création. Cette planification est étrangère à l'alétheia grecque. L'AC est un produit hors-sol, un produit surgelé sans vie. Il appartient au même logiciel subliminal que les valeurs sociétales, le climat, la transition de genre, qui cherchent à s'imposer comme autant de vérités révélées.
L'essence remplaciste de l'AC
Autre point commun avec le monothéisme, l'AC occupe bien souvent les lieux dévolus à l'art. La grande salle du château de Versailles occupée par un homard géant de Koons. Cela indique l'essence hautement remplaciste de l'AC. Exactement comme la technique n'est technique qu'en remplaçant la nature, l'AC n'est AC que par remplacement.
L'AC est un double subliminal de l'art, le double de tous les doubles. Il est hors lieu mais aussi hors temps, tel que le monolithe insolite dans 2001 l'Odyssée de l'Espace.
Une parabole du futur de l'Humanité : des primates découvrent un monolithe. Dans ce temps, l'IA aura remplacé l'Humanité. Mais elle aura crée son artefact conceptuel.

De Zemmour à Malraux (le crépuscule culturel)

2024-06-14T13:37:52+02:00

De Zemmour à Malraux (le crépuscule culturel)
Nicolas Bonnal
On va reparler de la liquidation de la France sous De Gaulle. Et c’est Zemmour qui nous a montré la voie dans sa très bonne Mélancolie française que l’on pourrait ainsi définir : une fois qu’on a dépassé le stade de l’inépuisable mythologie française (Vercingétorix-Clovis-Jeanne-Richelieu-Louis-Napoléon-Général-etc.), que reste-t-il de concret ? Dans le même genre curatif il faut redécouvrir le livre d’entretiens de René Girard sur Clausewitz, qui dénonce le désastre napoléonien sur le long terme (Marx n’avait pas suffi…).
On commence par un rappel des extraordinaires Entretiens de Michel Debré: « une impulsion a été donnée pour permettre à Malraux de créer des maisons de la culture, moyennant quoi toutes les maisons de la culture, ou à peu près, sont des foyers d’agitation révolutionnaire (Entretiens, p. 145) ».
Merci de rappeler les origines réelles de mai 68 : elles sont essentiellement culturelles et non conspiratives. Souvent la culture mène au chaos en France (1789-1830-1848…).
Dans sa Mélancolie française, Éric Zemmour évoque courageusement le caractère méphitique de la politique culturelle de Malraux. Et cela donne, sur fond d’étatisme culturel-financier et de messianisme cheap (France, lumière du monde, terre de la liberté, etc.):
« En 1959, le général de Gaulle offrit à son « génial ami », André Malraux, un ministère de la Culture à sa mesure, sur les décombres du modeste secrétariat aux Beaux-Arts de la IVe République. Dans l’esprit de Malraux, la France devait renouer avec son rôle de phare révolutionnaire mondial, conquis en 1789 et perdu en 1917 ; devant en abandonner les aspects politiques et sociaux à l’Union soviétique et aux pays pauvres du tiers-monde, elle consacrerait toute son énergie et tout son talent à propager la révolution mondiale par l’art. »
France nouvelle URSS : un peu ironique, Éric ? Voyez donc :
« Nouveau Monsieur Jourdain, Malraux faisait du « soft power » sans le savoir. »
Et de rappeler le rôle prestigieux de ce pays (l’ancienne France donc) jusqu’alors sans « ministère de la culture » :
« La France ne manquait pas d’atouts. Dans la première moitié du XXe siècle encore, Paris demeurait la capitale mondiale de la peinture moderne ; le cinéma français fut le seul (avec l’allemand) à résister au rouleau compresseur d’Hollywood, et les grands écrivains américains venaient en France humer l’air vivifiant de la première puissance littéraire. « Il n’y a qu’une seule littérature au monde, la française », plastronnait alors Céline. Dans les années 1960 encore, la chanson française – Aznavour, Brel, Brassens, Ferré, Barbara, Bécaud, etc. – s’avérait la seule à tenir la dragée haute à la déferlante anglo-saxonne partout irrésistible par l’alliage rare de talents exceptionnels et de puissance commerciale et financière. »
J’en ai parlé de tout cela, notamment dans mon livre sur la comédie musicale américaine, genre qui vouait un culte à la ville-lumière : voyez deux chefs-d’œuvre comme Un américain à Paris ou Drôle de frimousse, sans oublier Jeune, riche et jolie, avec Danièle Darrieux. Tout cela disparait en…1958. Voyez aussi la Belle de Moscou de Mamoulian, qui se passe au Ritz. Paris meurt dans les sixties (voyez ici mon texte sur Mattelart).
Car les ennuis commencent sous De Gaulle :
« De Gaulle ne pouvait qu’être séduit ; il laissa la bride sur le cou à son glorieux ministre. Pourtant, le Général, par prudence de politique sans doute, sens du compromis avec les scories de l’époque, « car aucune politique ne se fait en dehors des réalités », amitié peut-être aussi, ne creusa jamais le malentendu qui s’instaura dès l’origine entre les deux hommes. »
Mais Zemmour souligne les différences :
« De Gaulle était, dans ses goûts artistiques, un « ancien » ; il écrivait comme Chateaubriand, goûtait la prose classique d’un Mauriac bien davantage que celle torrentielle de son ministre de la Culture ; il préférait Poussin à Picasso, Bach à Stockhausen. La France était pour lui l’héritière de l’Italie de la Renaissance, et de la conception grecque de la beauté. »
Malraux c’est autre chose :
« Malraux, lui, était un « moderne » ; hormis quelques génies exceptionnels (Vermeer, Goya, Rembrandt), il rejetait en vrac l’héritage classique de la Renaissance, et lui préférait ce qu’il appelait « le grand style de l’humanité », qu’il retrouvait en Afrique, en Asie, au Japon, en Amérique précolombienne. Il jetait pardessus bord la conception gréco-latine de la beauté et de la représentation, « l’irréel », disait-il avec condescendance, et remerciait le ciel, et Picasso et Braque, de nous avoir enfin ramenés au « style sévère » des grottes de Lascaux ou de l’île de Pâques. La révolution de l’art que porterait la France serait donc moderniste ou ne serait pas. »
Malraux (que plus personne ne lit) saccage le jardin à la française et va jeter les froncés dans les bras musclés de la sous-culture US :
« Loin de créer un “contre-modèle” solide et convaincant au marché capitaliste de l’entertainment, comme les gaullistes et les marxistes français l’espérèrent de Malraux ministre et de ses successeurs socialistes, la politique culturelle inaugurée par l’auteur des Voix du silence parvenu au pouvoir, en d’autres termes la démocratisation du grand art du modernisme, s’est révélée, au cours de son demi-siècle d’exercice, un accélérateur de cela même qu’elle se proposait d’écarter des frontières françaises : l’afflux d’une culture de masse mondialisée et nivelée par le bas et le torrent des images publicitaires et commerciales déracinant tout ce qui pouvait subsister en France, dans l’après-guerre 1940-1945, de vraie culture commune enracinée comme une seconde nature par des siècles de civilisation. […] »
On se rapproche de la phrase : « il n’y a pas de culture française » de Macron. Et Zemmour mélancolique cite alors Marc Fumaroli, auteur de l’Etat culturel :
« Pour Fumaroli, l’Amérique ne pouvait pas perdre ce duel autour de l’« art moderne », qu’elle incarnait presque d’évidence, par sa puissance industrielle, ses gratte-ciel, son vitalisme économique et scientifique. La France de Malraux, au lieu de rester sur ses terres d’excellence de l’art classique, des mots et de la raison (héritées de Rome), vint jouer sur le terrain de l’adversaire, des images et des noces ambiguës de la modernité avec l’irrationnel primitif, même rebaptisé « premier ». L’échec était assuré. »
Entre cette culture déracinée, les villes nouvelles, la société de consommation (voir Baudrillard-Debord…), les autoroutes, le métro-boulot-dodo et la télé pour tous (voyez la vidéo de Coco Chanel…), on se demande ce qui pouvait rester de français à la fin de la décennie gaullienne : les barricades et les Shadocks ?
Lectures complémentaires:
https://www.amazon.fr/M%C3%A9lancolie-fran%C3%A7aise-Eric-Zemmour/dp/2253157805/ref=sr_1_1?__mk_fr_FR=%C3%85M%C3%85%C5%BD%C3%95%C3%91&crid=1D7T0E2OM4BOR&dib=eyJ2IjoiMSJ9.uaB_qUb5jvCoia8yGA6UYFKUJY7C9R-Kgnn4lEoneU8.-hngm-l0yySe0Mys4Q-WRHhDuNRZku3CN2tANs6AMg4&dib_tag=se&keywords=ZEMMOUR+MELANCOLIE&qid=1715933337&sprefix=zemmour+melancolie%2Caps%2C156&sr=8-1
https://www.dedefensa.org/article/mattelart-les-jo-et-la-destruction-de-paris-sur-ordre-us
https://www.dedefensa.org/article/la-destruction-de-la-france-au-cinema
https://www.dedefensa.org/article/debre-et-le-general-face-au-kali-yuga-francais
https://www.amazon.fr/com%C3%A9die-musicale-am%C3%A9ricaine-symbolismes-dun/dp/B09L564WJL/ref=sr_1_1?__mk_fr_FR=%C3%85M%C3%85%C5%BD%C3%95%C3%91&crid=QWRXSAI5PT49&dib=eyJ2IjoiMSJ9.C07LACmPfGNAA6VcrT4kKCCsKDMQfXAwJzjlcZwbn5U.IquHRhr0uYxJ6DQirwgDJ_FR1BE_XrL6TVv2ovVh6v8&dib_tag=se&keywords=BONNAL+COMEDIE&qid=1715933315&sprefix=bonnal+comedie%2Caps%2C220&sr=8-1

Si vous avez plus de 5,5 M€ à dépenser… le collier Julia est pour vous (ou presque)

2024-05-13T19:22:00+02:00

Peut-être la pièce la plus précieuse de Boucheron vendue aux enchères ces derniers temps, le « collier Julia » est orné de 423 diamants et de 1 739 saphirs. La marque a créé ce collier unique en 2009 en collaboration avec le designer Marc Newson, qui a passé 1 500 heures à placer chaque pierre précieuse. Le design met en œuvre de nombreuses fractales mathématiques complexes, et le nom du collier est un hommage à Gaston Julia, un mathématicien français célèbre pour ses travaux sur les fractales.
En novembre 2021, le collier Julia est devenu le bijou le plus cher vendu en Pologne, lors d’une vente aux enchères privée organisée par Desa Unicum. On dispose de peu de détails sur le prix d’adjudication réel du collier, mais des estimations professionnelles lui attribuent une valeur de 20 à 25 millions de zlotys. Cela signifie que le collier aurait pu être vendu jusqu’à 4,7 millions de livres sterling, mais qu’il s’agit probablement de la vente aux enchères de Boucheron la plus chère, même si le prix n’est pas directement précisé.

Source : Top 10 des bijoux Boucheron les plus chers jamais vendus aux enchères à partir de 2023 - NEW BOND STREET PAWNBROKERS

Leissas tout esperanço, vous qu'intras

2024-04-18T00:00:00+02:00

Laissez toute espérance, vous qui entrez
Leave all hope, you who enter
Verlasse alle Hoffnung, du, der du eintrittst
Matisse MESNIL
Lasciate ogne speranza, voi ch'entrate (2022)
Fondation Lambert, hôtel de Montfaucon.

Wyndham Lewis: Vorticisme, avant-gardisme et politique

2024-04-01T20:21:43+02:00

Wyndham Lewis: Vorticisme, avant-gardisme et politique
Par Sara (Blocco Studentesco)
Source: https://www.bloccostudentesco.org/2024/03/25/bs-wyndham-lewis-vorticismo-avanguardia-politica/
Percy Wyndham Lewis: peintre, écrivain, révolutionnaire. Né en 1882 à Amherst et mort en 1957 à Londres, Lewis ne s'est jamais contenté d'être un simple observateur de son temps. En effet, il a bousculé les conventions artistiques avec ses peintures guerrières et son style féroce et déshumanisant.
Wyndham Lewis, dans la ferveur artistique du début du 20ème siècle, ne se contente pas de suivre les courants existants. Entre 1913 et 1915, animé par un désir de nouveauté et de critique, il forge le vorticisme. S'associant à Ezra Pound, il transforme son attirance pour le cubisme et son insatisfaction pour le futurisme en une synthèse explosive, créant un mouvement qui vise à capturer l'essence dynamique de la modernité sans en perdre la structure. BLAST, la revue vorticiste, est devenue la trompette de ce nouvel ordre artistique, attaquant avec véhémence les conventions et promouvant une vision radicalement nouvelle du monde.
L'une de ses premières œuvres les plus importantes s'intitule The Wild Body (1927; Le corps sauvage), un recueil de nouvelles qui se présente comme une déflagration contre le conventionnalisme, tant sur le fond que sur la forme. Dans The Wild Body, Lewis dépeint un panorama grotesque de personnages inadaptés, incarnations vivantes de l'impatience de l'auteur à l'égard de l'ordre social établi. Cet univers fictif est habité par des personnages qui, dans leur primitivité et leur nature prédatrice, représentent une célébration de l'élément sauvage de l'existence. C'est une rébellion contre la stérilisation de la vie moderne, un cri pour un retour à une énergie plus brute et vitale, considérée par Lewis comme fondamentale pour la régénération de l'esprit humain.
Tarr (1918) est considéré comme le chef-d'œuvre de Lewis. Situé dans le Paris d'avant-guerre, le roman explore la dynamique complexe entre les membres de la communauté artistique de Montmartre, en mettant l'accent sur les relations interpersonnelles et le contraste entre l'authenticité artistique et la prétention. L'histoire se concentre sur deux personnages en particulier, l'Anglais Frederick Tarr et l'Allemand Otto Kreisler, auxquels correspondent deux figures féminines Bertha et Anastasya. À l'intelligence lucide et authentiquement artistique de Tarr répond la finesse et l'intelligence sans préjugés d'Anastasya, tandis qu'à la fadeur du pseudo-artiste Otto répond la superficialité de la bourgeoise Bertha. L'histoire est menée avec sarcasme et ironie, stimulée par le rejet méprisant de Lewis du monde de l'art typiquement socialiste et freudien de son époque. Le personnage de Frederick Tarr, avec ses qualités "mécaniques" de froideur et de lucidité, transforme l'autodestruction moderniste en une force destructrice projetée vers l'extérieur, incarnant la tension nietzschéenne de l'impulsion vitale. En fait, Lewis, comme Tarr, rejette l'immersion dans l'introspection psychologique en faveur d'une exploration de l'extériorité, en utilisant une prose dure et "rugueuse" qui vise à déshumaniser et à objectiver les personnages afin de capturer leur essence à travers la tangibilité des objets plutôt qu'à travers une analyse interne.
Le ton de Revenge for Love (1937) est tout aussi méprisant : Lewis y dépeint avec mépris l'idéalisme abstrait des intellectuels anglais de gauche, qui s'ennuient et s'entichent du communisme, dans les années précédant le déclenchement de la guerre civile espagnole, au cours de laquelle se déroule le début du roman.
Parmi ses écrits les plus "controversés", on peut certainement citer Hitler (1931), qui témoigne de son adhésion, surtout dans les années 1930, à l'idéologie fasciste, consolidée plus tard par sa contribution au British Union Quarterly de Mosley. En 1936, il écrit également Left Wings over Europe : or, How to Make a War About Nothing dans lequel il s'oppose à la guerre en cours, arguant que la population britannique ne soutient pas la déclaration de guerre contre l'Allemagne.
À une époque qui récompensait le conformisme et la faiblesse, son art et ses mots étaient des grenades lancées dans les bons salons de l'intellectualité, scandalisant les bien-pensants avec ses idées toujours contre-culturelles. Son héritage ne réside pas tant dans le contenu qu'il a créé que dans le défi qu'il a lancé : oser, toujours. Maître du contrecoup culturel, sa figure reste un rappel vivant que l'art véritable ne cherche pas l'approbation, mais génère la discussion.

Exposition à Oyonnax

2024-02-08T01:14:08+01:00

Daaaaaali !

2024-02-07T20:44:00+01:00

Anaïs Demoustier
Edouard Baer
Jonathan Cohen
Pio Marmaï
Didier Flamand
Jean-Marie Winling
Romain Duris
Gilles Lellouche
Boris Gillot
   ... nous ravissent dans le dernier film de Quentin Dupieux. Outre la performance des acteurs (au premier rang desquels je place Jonathan Cohen et Edouard Baer), il faut signaler l'inventivité de la mise en scène et l'habileté du scénario, mieux ficelé que d'habitude. On a ainsi droit à des récits emboîtés, des scènes tournées à l'envers, de la mise en abyme, du non-sens, de l'incongruité... et pas mal d'humour.
   Outre celui de Salvador Dali, l'esprit de Luis Buñuel souffle sur ce film enlevé, qui se moque de tout sauf de son public et égratigne au passage aussi bien le marché de l'art que le vedettariat.
   Voilà l’œuvre qui aurait dû représenter la France aux Oscar !

Dins li pas d'Eva

2024-01-25T00:00:00+01:00

Dans les pas d'Eva
In Eva's footsteps
Auf Evas Spuren
Œuvre périscolaire inspirée du travail d'Éva Jospin exposée à l'hôtel de ville.

Série : les personnages de 2003

2023-12-04T19:30:00+01:00

N° d'inv. 390
Mars 2003

2003... Durant les quelques mois qui ont précédé sa mort, Yves Juhel a peint une vaste galerie de portraits, dans la lignée de toutes celles qu'il avait produites les années précédentes.
Cette série a intégralement été peinte à la gouache sur papier, en format 65x50. Plumets, feuillages, perles, œil unique, profil en forme de 2... Autant d'éléments récurrents, disséminés au fil des œuvres.
On compte ainsi près de 70 gouaches, pouvant être regroupées en trois sous-séries qui visuellement, présentent de grandes similitudes, mais que la chronologie et quelques nuances permettent de distinguer : une première peinte en mars 2003, compte 27 personnages référencés (dont deux non datés); une deuxième commencée en mai et qui s'achève en juin (seize œuvres); et une troisième (25 œuvres, avec les perles en plus et moins de plumes) en juillet, s'achevant le 25, soit quelques jours avant l'accident de l'artiste. Voici toutes celles que nous avons d'ores et déjà présentées sur ce blog. Il suffit de cliquer sur l'image pour retrouver la fiche complète...

N° d'inv. 436
Mars 2003

N° d'inv. 399
7 mars 2003

N° d'inv. 398
16 mars 2003

N° d'inv. 441
17 mars 2003

N° d'inv. 190
17 mars 2003

N° d'inv. 393
18 mars 2003

N° d'inv. 411
21 mars 2003

N° d'inv. 409
22 mars 2003

N° d'inv. 445
22 mars 2003

N° d'inv. 397
22 mars 2003

N° d'inv. 412
23 mars 2003

N° d'inv. 407
27 mars 2003

Deuxième sous-série : mai-juin 2003

N° d'inv. 379
18 mai 2003

N° d'inv. 401
29 mai 2003

N° d'inv. 402
29 mai 2003

N° d'inv. 404
30 mai 2003

N° d'inv. 373
Juin 2003

N° d'inv. 376
7 juin 2003

N° d'inv. 417
25 juin 2003

Troisième sous-série : juillet 2003

N° d'inv. 442
3 juillet 2003

N° d'inv. 427
9 juillet 2003

N° d'inv. 405
13 juillet 2003

N° d'inv. 420
13 juillet 2003

N° d'inv. 432
18 juillet 2003

N° d'inv. 431
20 juillet 2003

N° d'inv. 415
25 juillet 2003

N° d'inv. 400
Circa juillet 2003

Concert / Philip Glass interprété par Olivier Leguay (piano) à l'atelier En dehors du cadre à Oyonnax vendredi 1er décem

2023-11-27T12:31:00+01:00