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Douleur et gloire (Pedro Almodovar)

2019-06-02T22:16:32+02:00

A l’heure de la reconnaissance – on diffuse son film Sabor à la filmoteca de Madrid – le cinéaste Salvador Mallo (Antonio Banderas) revoit les images de son enfance et croise les personnes qui ont compté dans sa vie. Grâce à Salvador, Pedro Almodovar fait son introspection douloureuse. L’homme est seul, fatigué et hypocondriaque. Des médicaments soignent ses douleurs physiques et morales. Filmé au fond de la piscine, il est littéralement au fond du trou. Il écrit un peu mais n’a plus la force de tourner.

Almodovar déploie toujours ses couleurs, le rouge notamment, mais le rythme de son film en contredit constamment l’éclat. Douleur et gloire pourrait être le titre d’une œuvre extravagante comme une telenovela mais il n’en a ni le kitsch ni l’énergie. Il faut prendre le dernier film de Pedro Almodovar au premier degré : c’est l’histoire d’un type usé et au plus mal, qui revisite ses souvenirs. Le passé ressurgit avec Alberto (Asier Etxeandia), son acteur de Sabor, et l’héroïne, drogue qu’Alberto consomme régulièrement et propose à Salvador. Les images reviennent dans une bouffée narcotique. Elles impriment au film un rythme lent, contemplatif, sans véritable pic de tension. L’héroïne est après tout un antalgique, ce qui convient à Salvador, dont l’existence est une longue suite de douleurs physiques. La drogue est omniprésente dans le film, légale comme les médicaments qu’on écrase et ingère en grande quantité ou illégale comme cette dose qu’on va chercher dans un quartier dangereux. La seule qu’on ne voit pas mais qui a sans doute pris une grande part de sa vie, c’est la cocaïne, drogue de la puissance et du sentiment de gloire. La douleur, on l’observe constamment dans ce film mais où est la gloire ?

L’âge d’or de l’enfance

Le passé revisité est-il douloureux ? Traumatique ? On serait tenté de dire non quand il s’incarne dans la douceur maternelle de Jacinta, sa mère, jouée par Penelope Cruz. L’un des premiers souvenirs est cette scène simple et d’une grande beauté, au bord d’une rivière, où les femmes chantent une chanson après avoir lavé le linge. La caméra s’attarde de loin sur cette scène idyllique. Salvador était d’une famille pauvre, vivant dans une maison sous terre mais jamais son enfance ne semble sinistre. C’est au contraire à un âge d’or qu’il nous convie. L’enfance a été pour lui un âge heureux. Il est aimé de sa mère, il découvre l’art et le cinéma, il a la chance de recevoir une instruction et de pouvoir la transmettre. Le choix est tranché et surprenant : l’âge d’or, les jours heureux, c’est avant l’adolescence, avant la vie de jeune homme. Alors qu’il revoit Federico, son amant pendant les années 80, aucun flashback ne met en scène cette période brûlante et créative. L’héroïne et son pouvoir apaisant font ressurgir l’enfance. Aurait-il fallu de la cocaïne pour revisiter les années de gloire ?

L’exercice n’est pas neuf chez les grands du septième art. Fellini a convoqué dans Huit et demi les créatures de son œuvre et Woody Allen en a copié le principe dans Stardust memories (1980). On pense aussi et surtout à All that jazz de Bob Fosse (1979), dans lequel un chorégraphe névrosé revoit son passé et ses amours ratés. Son addiction aux amphétamines accentue la nervosité et la confusion du récit qui entremêle passé et présent. Dans cette lignée de grands films, Douleur et gloire est un film pudique, cotonneux et introspectif, qui ne cherche pas à impressionner ni à baratiner le spectateur (« voyez comme je suis névrosé et en proie à mes démons intérieurs qui font de moi un génie » !). Almodovar ne cherche pas à nous vendre son œuvre pour plus grande qu’elle n’est. Son personnage va même jusqu’à donner un de ses récits à Alberto pour qu’il le mette en scène, sans que son nom soit mentionné. Le moteur de Salvador n'est pas la gloire mais le travail. Son souci constant est de trouver l'énergie de créer et de tourner.

Ce qui compte finalement est de donner au spectateur les clés de son œuvre, de lui faire contempler ce passé qui dit tout du présent. Quand tout d’un coup la caméra dévoile la preneuse de son au-dessus des personnages de Salvador enfant et de sa mère, le visage de Salvador apparaît. Il s’est soigné et a repris le travail, en faisant sans doute la paix avec son passé et avec sa mère, personnage omniprésent de ses souvenirs. Film sans éclat dramatique, sans passion violente, Douleur et gloire peut être loué pour sa douceur et sa grande modestie, qui se reflète dans le jeu délicat d’Antonio Banderas.

Le chat potté - Concours Dreamworks

2011-11-18T20:13:00+01:00

Le plus félin des aventuriers débarque au cinéma !

Le chat Potté a pris sa revanche sur Shrek et débarque dans les salles obscures avec un film éponyme le 30 novembre prochain.

Avant sa rencontre avec Shrek, le Chat Potté a eu une jeunesse pleine de surprises...Découvrez l'histoire du plus félin des aventuriers. Miaou!

Infos :

http://www.facebook.com/LeChatPotte.film

" La plupart des gens regardent les choses comme elles sont et se disent : pourquoi ?
Moi, je regarde les choses
comme elles pourraient être
et je me demande : pourquoi pas ? "

John Fitzgerald Kennedy

C'est fini les vacances....

Visite du Mémorial de Montluc. C’est gratuit et intéressant !

Quel destin ! Prison militaire (construite en 1923) puis prison vichyste, puis prison allemande (enclave, territoire allemand à Lyon) pour, après sa libération redevenir une prison « normale » de Lyon… où des femmes ont été internées jusqu’en 2009.

Bref un lieu qui fout la chair de poule, on entend parler de guillotine, d’exécutions sommaires, de cruauté inouie, de massacres... On a du mal à imaginer 7 ou 8 détenus dans une cellule de 4 m2, sans hygiène, faisant des courses de punaises pour s’occuper…

C’est pas bon pour le moral, cette petite descente aux enfers….

Pour me changer les idées, on m'invite au ciné : le dernier Almodovar « La piel que habito » !

J’aime le cinéma de ce réalisateur ! Ce devrait être un bon moment ! Et ce le fut ! même si....

Au début, cela ressemble à un Hitchcock… j’attend la suite.

Je suis sous le charme d’Antonio Banderas (qui vieillit particulièrement bien), même si, sa folie et son diabolisme est insupportable. Et que dire de la beauté irrésistible d'Elena Anay ! Comme d'habitude une galerie d'écorchés "vifs" et ce n'est même pas un euphémisme !

Il est, là aussi, question, de cruauté, de quête d’identité, d’humiliation, de soumission, de haine, de vengeance, de mutilation, d’emprisonnement, d’avilissement….

Oups, c’est quand le bonheur, les petites fleurs, les oiseaux qui chantent, les papillons, la chaleur du soleil, le bonheur, l’Amour, la douceur, la tendresse ?

Présentation de « La Piel que habito » (La Peau que j’habite) de Pedro Almodovar – Compétition officielle du Festival de

2011-04-22T23:10:00+02:00

Après « Le Gamin au vélo » de Jean-Pierre et Luc Dardenne et « The Tree of life » de Terrence Malick, aujourd’hui gros plan sur « La Piel que habito » de Pedro Almodovar avec Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes (qui avait d’ailleurs évoqué ce film et son travail avec Pedro Almodovar lorsque je l’avais rencontré pour la sortie du film « Les Yeux de sa mère » de Thierry Klifa) et qui avait alors évoqué ce film comme « plus complexe » que les précédents du cinéaste.
Il s’agit d’une adaptation de « Mygale » de Thierry Jonquet, paru en 1995 (une adaptation très libre néanmoins). Un film dont la cruauté le placerait aux frontières du film d’horreur et qui a bien failli ne pas être sélectionné, en raison essentiellement du perfectionnisme du cinéaste.
Pedro Almodovar revient donc à Cannes en compétition deux ans après le très beau « Etreintes brisées » (voir ma critique ci-dessous) pour lequel il était reparti bredouille. Cette année, il présentera son 18^ème long-métrage avec pour objectif la palme d’or qu’il regrettait parait-il de ne pas avoir obtenu pour « Volver ». Le tournage a duré trois mois et a emmené l’équipe du film à Madrid, Pazo de Oca et Tolède.
Alors, Pedro Almodovar créera-t-il le choc de l’édition 2011 avec son 4^ème film en compétition annoncé comme dérangeant, cruel et sombre et obtiendra-t-il « enfin » la palme d’or, après le prix de la mise en scène pour « Tout sur ma mère » en 1999, le prix du scénario pour « Volver » en 2006 (sans oublier le prix d’interprétation collectif pour ses actrices) ? Réponse dans trois semaines…

Durée : 2 heures
Synopsis : Depuis que sa femme est morte carbonisée dans un accident de voiture, le docteur Robert Ledgard, éminent chirurgien esthétique, se consacre à la création d’une nouvelle peau, grâce à laquelle il aurait pu sauver son épouse. Douze ans après le drame, il réussit dans son laboratoire privé à cultiver cette peau : sensible aux caresses, elle constitue néanmoins une véritable cuirasse contre toute agression, tant externe qu’interne, dont est victime l’organe le plus étendu de notre corps. Pour y parvenir, le chirurgien a recours aux possibilités qu’offre la thérapie cellulaire. Outre les années de recherche et d’expérimentation, il faut aussi à Robert une femme cobaye, un complice et une absence totale de scrupules. De toute façon, les scrupules ne l’ont jamais étouffé, il en est tout simplement dénué. Marilia, la femme qui s’est occupée de Robert depuis le jour où il est né, est la plus fidèle des complices. Quant à la femme cobaye… Au fil des ans, des dizaines de jeunes gens disparaissent de chez eux, souvent de leur plein gré. L’un d’eux se retrouve à partager avec Robert et Marilia la splendide demeure d’El Cigarral. Et ce, contre sa volonté…
Films déjà présentés à Cannes par Pedro Almodovar
2009 - LOS ABRAZOS ROTOS (ETREINTES BRISEES) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
2006 - VOLVER - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
2004 - LA MALA EDUCACIÓN (LA MAUVAISE EDUCATION) - Hors Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
1999 - TODO SOBRE MI MADRE (TOUT SUR MA MERE) - En Compétition Réalisation, Scénario & Dialogues
Le Palmarès de Pedro Almodovar à Cannes
2006 - Prix du scénario - VOLVER - Long métrage
1999 - Prix de la mise en scène - TODO SOBRE MI MADRE (TOUT SUR MA MERE) - Long métrage
Membre du Jury
1992 - Sélection officielle – Membre
Filmographie de Pedro Almodovar :
1978 : Salome (court métrage)
1978 : Folle, folle, folleme Tim ! (court-métrage)
1980 : Pepi, Luci, Bom et autres filles du quartier (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón)
1982 : Le Labyrinthe des passions (Laberinto de pasiones)
1983 : Dans les ténèbres (Entre tinieblas)
1984 : Qu'est-ce que j'ai fait pour mériter ça ? (¿Qué he hecho yo para merecer esto?)
1986 : Matador
1987 : La Loi du désir (La ley del deseo)
1988 : Femmes au bord de la crise de nerfs (Mujeres al borde de un ataque de nervios)
1989 : Attache-moi ! (¡Átame!)
1991 : Talons aiguilles (Tacones lejanos)
1993 : Kika
1995 : La Fleur de mon secret (La flor de mi secreto)
1997 : En chair et en os (Carne trémula)
1999 : Tout sur ma mère (Todo sobre mi madre)
2002 : Parle avec elle (Hable con ella)
2004 : La Mauvaise Éducation (La mala educación)
2006 : Volver
2009 : Étreintes brisées (Los abrazos rotos)
2009 : La Conseillère anthropophage (La Concejala antrópofaga) (court-métrage)
2011 : La Peau que j'habite (La piel que habito)
Critique d' "Etreintes brisées" de Pedro Almodovar

Lorsque vous voyez un film dans l’effervescence du Grand Théâtre Lumière, dans l’euphorie cannoise, de surcroît à côté de l’équipe du film, votre avis est forcément vicié et imprégné de cette atmosphère excessive, c’est pourquoi j’ai tenu à retourner voir « Les Etreintes brisées » quelques jours après l’avoir vu sur la Croisette. Inutile de spécifier à quel point c’est étrange de voir un film dans une salle quasiment vide, qui ne réagit donc pas, après l’avoir vu quelques jours auparavant en présence de l’équipe du film avec un public particulièrement réactif. Alors ? Alors, même loin de l’agitation cannoise, certes « Les Etreintes brisées » n’est pas le film le plus fou, le plus extravagant, le plus délirant de Pedro Almodovar mais il n’en demeure pas moins remarquable à de nombreux points de vue… et l’un de ses meilleurs films, peut-être même le plus maîtrisé. En tout cas, l’un de mes favoris de cette compétition cannoise 2009 avec, notamment « Inglourious Basterds » de Quentin Tarantino (que Pedro Almodovar, en cinéphile, est d’ailleurs allé voir en séance du lendemain).

Synopsis : Il y a 14 ans, dans un violent accident de voiture dans l’île de Lanzarote, un homme (Lluis Homar) a perdu la vue mais aussi la femme de sa vie, Lena (Penelope Cruz). Sa vie se partage alors en deux parties à l’image de ses deux noms : Harry Caine, pseudonyme ludique sous lequel il signe ses travaux littéraires, ses récits et scénarios ; et Mateo Blanco, qui est sonnom de baptême sous lequel il vit et signe les films qu’il réalise. Après l’accident, il n’est alors plus que son pseudonyme : Harry Caine. Dans la mesure où il ne peut plus faire de films, il s’impose de survivre avec l’idée que Mateo Blanco est mort à Lanzarote aux côtés de Lena.

Pedro Almodovar, habitué de la Croisette et de la compétition cannoise (juré en 1992, en compétition pour « Tout sur ma mère » en 1999- prix de la mise en scène -, pour « La mauvaise éducation » en 2004 –présenté hors compétition- ; pour « Volver » en 2006 –prix du scénario et d’interprétation collectif-) est, cette année reparti bredouille pour un film dont la mise en scène d’une impressionnante beauté et maîtrise, le scénario impeccable et l’interprétation remarquable de Penelope Cruz auraient pourtant pu lui permettre de figurer au palmarès, à ces différents titres.

Aussi invraisemblable que cela puisse paraître certains cinéastes ne sont pas des cinéphiles (j’aurais bien des exemples mais je m’abstiendrai) mais au même titre que Picasso maîtrisait parfaitement l’histoire de la peinture, condition sine qua non au renouvellement de son art, il me semble qu’un cinéaste se doit de connaître et d’être imprégné de l’histoire du cinéma, comme Pedro Almodovar qui, dans ce film, en plus de témoigner de sa cinéphilie livre une véritable déclaration d’amour au cinéma (il rend notamment hommage à Hitchcock, Antonioni, Malle, Rossellini… ). Et à Penelope Cruz qu’il sublime comme jamais, en femme fatale, brisée et forte, à la fois Marylin Monroe, lumineuse et mélancolique, et Audrey Hepburn, gracile et déterminée.

« Les Etreintes brisées » est un film labyrinthique d’une grande richesse : un film sur l’amour fou, le cinéma, la fatalité, la jalousie, la trahison, la passion, l’art. Un film dans lequel, à l’image du festival de Cannes, cinéma et réalité se répondent, s’imbriquent, se confondent.

La mise en abyme, à l’image de tout ce film, est double : il y a d’une part le film que réalise Harry Caine mais aussi le making of de son film. Harry Caine est lui-même double puisque c’est le pseudonyme de Mateo Blanco. Il meurt doublement : il perd la vue, la cécité étant la mort pour un cinéaste ; il perd la femme qu’il aime, une étreinte brisée qui représente la mort pour l’homme amoureux qu’il est aussi. Un film morcelé à l’image de ces photos en mille morceaux de Lena, d’une beauté tragique.

Et puis que dire de la réalisation… Flamboyante comme ce rouge immédiatement reconnaissable comme celui d’un film de Pedro Almodovar. D’un graphique époustouflant comme ce film que Mateo Blanco réalise. Sensuelle comme ces mains qui caressent langoureusement une image à jamais évanouie. Son scénario joue avec les temporalités et les genres (film noir, comédie, thriller, drame) avec une apparente facilité admirable.

Peut-être la gravité mélancolique a-t-elle désarçonnée les aficionados du cinéaste qui n’en oublie pourtant pas pour autant sa folie jubilatoire comme dans ce film dans le film « Filles et valises », hommage irrésistible à « Femmes au bord de la crise de nerfs ».

Un film gigogne d’une narration à la fois complexe et limpide, romantique et cruel, qui porte la poésie langoureuse, la beauté mélancolique et fragile de son titre, un film qui nous emporte dans ses méandres passionnées, un film pour les amoureux, du cinéma. Un film qui a la beauté, fatale et languissante, d’un amour brisé en plein vol… Un film qui a la gravité sensuelle de la voix de Jeanne Moreau, la beauté incandescente d’une étreinte éternelle comme dans « Voyage en Italie » de Rossellini, la tristesse lancinante de Romy Schneider auxquels il se réfère.

Penelope Cruz, d’une mélancolie resplendissante, pour cette quatrième collaboration, aurait de nouveau mérité le prix d’interprétation et sa prestation (mais aussi celles de tous ses acteurs et surtout actrices auxquels il rend ici hommage, parfois juste le temps d’une scène comme pour Rossy de Palma) prouve à nouveau quel directeur d’acteurs est Pedro Almodovar qui sait aussi, en un plan, nous embraser et embrasser dans son univers, immédiatement identifiable, la marque, rare, des grands cinéastes.

Un film empreint de dualité sur l’amour fou par un (et pour les) amoureux fous du cinéma… le cinéma qui survit à la mort, à l’aveuglement, qui sublime l’existence et la mort, le cinéma qui reconstitue les étreintes brisées, le cinéma paré de toutes les vertus. Même celle de l’immortalité… Un film par lequel je vous recommande vivement de vous laisser charmer et enlacer…