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Irréversible, en inversion intégrale

2021-01-14T00:00:00+01:00

Qui n’a pas vu Irréversible de Gaspar Noé (également typographié IЯЯƎVƎЯSIBLƎ) ne peut pas comprendre le choc visuel de ce long-métrage de 2002.

De cette histoire d’une soirée qui finit mal, avec Monica Bellucci et Vincent Cassel dans les rôles principaux, le cinéaste français a construit un film violent et virtuose.

Virtuose car le choix a été de monter les scènes dans un ordre non-chronologique : la conclusion de l’histoire démarre le film.

S’il y a une actualité d’Irréversible 18 ans plus tard c’est que le film ressort en DVD dans deux versions : l’une de 2002, et l’autre telle qu’elle a été présentée en 2019 à Venise, en "inversion intégrale", pour reprendre l’expression du réalisateur.

Dans ce nouveau montage inédit, le temps révèle tout. "Beaucoup de spectateurs n’avaient pas compris certains aspects du récit" dit Gaspard Noé. Avec les scènes dans le bon ordre, le film présente ici un nouveau visage, et dépeint avec plus de clarté la virtuosité des plans-séquence et l’ironie d’un scénario noir et fulgurant. L’impact n’en est que plus fort.

Irréversible, drame de Gaspard Noé, avec Monica Bellucci, Vincent Cassel et Albert Dupontel, 2002, 2020, 97 mn, Inversion intégrale + version originelle, en DVD et Blu-Ray, avec des bonus
https://www.letempsdetruittout.net

Voir aussi : "Le commerce des vivants"

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Dujardin au frigo

2020-05-25T12:00:00+02:00

C'est au cinéma hexagonal que L’‎Œil du frigo rend hommage cette semaine, avec un focus sur le grand Bernard Blier et le non moins immense Jean Dujardin. Oui, le premier à diriger le second dans l'inimitable Le Bruit des Glaçons, sorti en 2010, soit un an avant le chef d'oeuvre qu'est The Artist. Il n'y avait que Blier pour raconter avec sa verve inimitable l'histoire de cet écrivain en dépression face à son cancer. En dépression mais aussi alcoolique. D'où la présence d'un frigo. Voilà, on y est.

Le bruit des glaçons de Bertrand Blier, présente une scène de frigo inédite. Pour une fois un homme met complètement la tête dans le frigo et jubile. Il faut dire qu'il a de quoi. Il est suivi par Albert Dupontel qui lui colle aux basques comme un cancer dont on n'arrive pas à se débarrasser... Ah, mince ! C'est son cancer. Il lui parle, le critique et lui fait des réflexions de cancer : tout un film là-dessus... Pensez-vous qu'un cancer puisse comprendre la perte d'un amour ? Celui qu'on tient comme la sève de sa vie ? Non un cancer n'y entend rien et il se demande bien pourquoi Charles Faulque (Jean Dujardin), en peine de coeur, s'est amouraché d'un frigo.

Alors, l'explication est simple : une chaise, en admiration devant cette porte qui s'ouvre vers des abîmes abyssaux. Il est temps de tutoyer les anges, de toucher à la sève de toutes ces bouteilles qu'un vieux frère frigo tient au frais. Dujardin y met la tête, sourit avec ses yeux, s'y noie... "J'avais la tête dans le frigidaire." Il remplace sa sève rouge sang, gorgée d'amour pour sa femme, par de la blanche, translucide et hautement alcoolisée. L'oeil de Dujardin pétille et son cancer se noie à son tour.

Un être humain peut il être ami avec un frigo? Que ceux qui n'ont jamais été fous d'amour s'assoient devant leur frigo et l'imaginent rempli de bibine à vous faire péter une durite. Plus besoin de cancer, d'amour, de ciel bleu : mettez la tête dans un frigo rempli d'alcool et vous atteindrez le paradis, les danseuses légères et les effluves des aventures perdues. Jean Gabin le décrit mieux que moi dans Un singe en hiver d'Henri Verneuil en refaisant le monde avec Belmondo : "Dis-toi bien que si quelque chose devait me manquer, ce ne serait plus le vin, ce serait l'ivresse !". Jean-Paul Belmondo n'est pas en reste : "Je m'étais fait hier, je crois, la tête de l'homme qui boit. Demain de quoi sera-t-il fait ?" (Un singe en hiver, 1962, écrit par Michel Audiard).

Vous remarquerez aussi au passage que si le frigo n'y suffisait pas, il est aussi entouré d'autres bouteilles, histoire de s'assurer que Dujardin pourra bien tout boire. C'est très gentil à lui de prendre soin des peines de coeur de son personnage. Soigner un chagrin d'amour en se foutant la tête dans le frigo, vous me dire qu'il y a peut être plus original. Mais cela a au moins le mérite de laisser son cancer "coi".

Merci Blier pour cette leçon frigoristique. A voir donc, et surtout revoir Un singe en hiver. Immenses.

Le Bruit des glaçons, drame français de Bernard Blier
avec Jean Dujardin, Albert Dupontel, Anne Alvaro et Myriam Boyer
2010, 87 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Le Bruit des Glaçons Frigo"

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Le commerce des vivants

2018-08-31T18:16:00+02:00

Grand roman sur la guerre, cinglante satire sociale et portraits croisés d’anti-héros flamboyants, Au revoir Là-haut a réussi le tour de force de réconcilier grand public, critiques et milieu littéraire, qui ne s’est pas trompé en lui décernant le Prix Goncourt.

Nous étions en 2013 à la sortie du livre de Pierre Lemaitre et les commémorations du centenaire de la Grande Guerre n’avaient pas commencé. Quatre ans plus tard, à quelques mois de la célébration du centenaire de l’armistice du 11 novembre, il n’est pas trop tard pour lire ou relire Au revoir Là-haut, d’autant plus que l’adaptation de et avec Albert Dupontel nous rappelle la force d’une histoire aussi simple que géniale.

Le 2 novembre 2018, à quelques jours de la fin des hostilités, le capitaine Henri d’Aulnay-Pradelle, un être "à la fois terriblement civilisé et foncièrement brutal," lance une charge aussi inutile que dangereuse contre les tranchées allemandes, moins pour son utilité tactique que pour sa gloriole personnelle. Parmi les victimes de l’attaque figurent Albert Maillard, un brave gars gentil, "de tempérament légèrement lymphatique," enterré vivant dans un trou d’obus avant d’en sortit miraculé, et surtout Édouard Péricourt qui deviendra une gueule cassée après avoir perdu la moitié de son visage. Une fois revenus parmi les vivants, le mutilé convainc Maillard de ne pas dévoiler son infirmité à sa sœur Madeleine et surtout à son père, l’homme d’affaire et millionnaire Marcel Péricourt. Aux yeux de tous, il doit figurer parmi les morts du conflit et tomber dans l’anonymat.

La guerre terminée, plus rien n’est comme avant. Fort de sa carrière d’officier, Henri d’Aulnay-Pradelle s’est enrichi grâce à l’appel d’offres de l’État sur les inhumations des poilus et les immenses cimetières. Il s’est également marié avec Madeleine Péricourt, ce qui ne m’empêche pas de la tromper sans vergogne. Pour Albert et Édouard, l’avenir est plus sombre : ils vivent dans une modeste pension, sans croire au lendemain. Alors qu’Albert traficote pour récupérer des fioles de morphine destinées à son ami, celui-ci s’évertue à cacher son visage défiguré à l’aide de masques aussi fantasmagoriques les uns que les autres. Un jour, Édouard dévoile à son ami un projet d’escroquerie qui doit les tirer d’affaire. Il met à profit ses talents de dessinateur pour mettre au point une supercherie sur le dos des morts de la Grande Guerre. Et contre toute attente, ce projet, aussi amoral et improbable soit-il, fonctionne au-delà de toutes les espérances.

Ces fameux masques, dadaïstes et surréalistes...

Pierre Lemaitre a écrit un roman brillant, facétieux et tragique. C’est en transportant le lecteur au tout début des années folles qu’il se fait le pourfendeur de toutes les guerres et tous les nationalismes. À y regarder de près, il n’y avait qu’Albert Dupontel pour rendre sur écran toute la verve de l’auteur et en faire une fresque grinçante et sombre. L’auteur de 9 Mois ferme a pris à bras le corps le pavé de 620 pages de Pierre Lemaitre, a resserré l’intrigue avec justesse sans trahir l’auteur – qui a d’ailleurs participé au scénario – et a enrichi l’histoire de cette escroquerie et de ces anciens soldats perdus de la Grande Guerre.

Qui d’autres que Dupontel pouvait interpréter le soldat Maillard, cet homme frustre, naïf mais courageux ? Laurent Lafitte, lui, excelle dans le rôle de cette fripouille qu’est Henri d’Aulnay-Pradelle. Quant à Nahuel Pérez-Biscayart, il campe un Édouard Péricourt brisé, muet mais capable de comportements audacieux. Gueule cassée condamnée à vivre en marge de son époque, et désireux de se couper de son père (Niels Arestrup), il devient paradoxalement la représentation vivante des années folles, cachant son visage cabossé et ses illusions tout autant détruites derrière des masques.

Parlons justement de ces fameux masques, dadaïstes et surréalistes... Cécile Kretschmar est la créatrice de ces accessoires à l’importance considérable. "Édouard ne les portait jamais deux fois, le nouveau chassait l’ancien qui était alors accroché avec ses congénères, sur les murs de l’appartement, comme des trophées de chasse ou la présentation de déguisements dans un magasin de travestis."

Citons enfin le personnage de Louise (la magnétique et toute jeune actrice Heloïse Balster) : celle qui devient la voix, les oreilles et l’assistante aux masques du fils Péricourt est intelligemment utilisée dans le film, jusqu’à devenir une protagoniste pleinement utilisée dans cette histoire de commerce des vivants sur les morts.

Roman proche de la perfection, Au revoir Là-haut – dont le titre est un hommage à la dernière phrase de Jean Blanchard, fusillé le 4 décembre 1914 – est aussi l’exemple d’une adaptation réussie à montrer dans toutes les écoles de cinéma. Un grand livre et un grand film. À voir et à lire, ou inversement.

Pierre Lemaitre, Au Revoir Là-haut, éd. Albin Michel, 2013, 620 p.
Au Revoir Là-haut, d’Albert Dupontel, avec Albert Dupontel, Laurent Lafitte, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Émilie Dequenne, Mélanie Thierry et Heloïse Balster,
2017, 115 mn

Voir aussi : "Aussies au front"

RETRO 2017 : OCTOBRE

2018-03-14T08:32:00+01:00

Pour cause d’inventaires et d’activités créatrices intenses, le blog Embarquements vous propose en ce début d’année 2018 une rétrospective de l’année écoulée. L’occasion d’ouvrir la malle à trésors de ce blog créé il y a tout juste 10 ans par Stéphane Dugast et de mettre en avant 12 post (un par mois) de l’année 2017. Dixième post et pleins feux sur un film signé Albert Dupontel et adapté d'un roman de Pierre Lemaitre : Au-revoir là-haut.

«Au revoir là-haut» : c’est un roman fleuve magistral signé Pierre Lemaitre, prix Goncourt 2013. C’est également une bande-dessinée réussie parue deux ans plus tard. C’est désormais un long métrage de et avec Albert Dupontel. Bref, c’est une œuvre à ne pas rater d’autant que l’intrigue nous plonge dans la « grande guerre » et ses traumatismes d’une manière très singulière.

L’HISTOIRE Novembre 1919. Deux rescapés des tranchées, l'un dessinateur de génie, l'autre modeste comptable, décident de monter une arnaque aux monuments aux morts. Dans la France des années folles, l'entreprise va se révéler aussi dangereuse que spectaculaire.

LE LIVRE « Au revoir là-haut » de Pierre Lemaître. 566 pages - 22,50€ (Albin Michel). EN SAVOIR +

LA BD « Au revoir là-haut ». Scénario Pierre Lemaître. Dessin Christian De Metter. 176 pages - 22,50€ (éditions Rue de Sèvres). EN SAVOIR +

LE FILM « Au revoir là-haut » de et avec Albert Dupontel. Avec Nahuel Perez Biscayart, Albert Dupontel, Laurent Lafitte, Niels Arestrup, Emilie Dequenne. Dans les salles le mercredi 25 octobre 2017.

MA CRITIQUE Adapter un roman à succès (prix Goncourt de surcroit) n’est jamais une mince affaire. Avec « Au-Revoir là-haut », Albert Dupontel s’en sort avec brio.

Rien n’a été évidemment laissé au hasard : scénario solidement ficelé, casting de choix, mise en images très dynamique, dialogues économes et percutants, décors et costumes (dont les masques) travaillés…

Albert Dupontel a non seulement puisé la matière première dans l’œuvre éponyme magistrale de l’écrivain Pierre Lemaître mais il a su la transformer pour tisser une fable haletante, mêlant tragédie, comédie, burlesque et poésie.

Cruauté, tendresse, humanisme, outrance, humour noir ou humour tout court … La palette des émotions dans « Au revoir là-haut » est totale créant d’emblée une empathie chez le spectateur littéralement transporté par cette fable.

Un long-métrage pour faire tomber les masques !

Stéphane Dugast
Visuels © Albin Michel / Editions Rue de Sèvres / Gaumont distribution

Au revoir là-haut (Dupontel)

2017-11-04T17:21:00+01:00

Le dernier film d’Albert Dupontel soulève les foules enthousiastes. Cela faisait longtemps qu’un film français « commercial » n’avait réconcilié public et critique. Il faut dire que cette adaptation du prix Goncourt 2013 de Pierre Lemaitre est d’une grande ambition formelle. Le travail de la caméra, la photographie, la musique, les décors et costumes ont fait l’objet d’un grand soin. Sa sophistication formelle place le film à plusieurs coudées au-dessus de la production française. Au moins, le spectateur en quête de réel cinéma ne se paie pas un énième téléfilm à la photo moche, reposant seulement sur la performance de ses acteurs.

A la veille de l’armistice qui va mettre fin à la guerre 14-18, Edouard (Nahuel Perez Biscayart) et Albert (Albert Dupontel) échappent de peu à la mort, au cours d’une bataille inutile initiée par l’affreux Capitaine Pradelle (Laurent Lafitte). Hélas pour lui, après avoir sauvé Albert, Edouard se retrouve invalide de guerre, salement amoché. Albert et Edouard doivent survivre dans la France de l’après-guerre. Albert est un brave type, français modeste acceptant des petits boulots pour s’en sortir. Edouard, fils de Péricourt (Niels Arestrup), homme richissime, refuse de retrouver ce père qui lui a toujours dénié sa vocation d’artiste. Albert étant le dernier à avoir connu Edouard, passé pour mort, il est introduit chez les Péricourt. Il accepte de travailler pour le vieil homme qui a pris Pradelle comme gendre. Dans un pays aux mains d’affairistes et de patriotards, les deux rescapés montent une arnaque aux monuments aux morts, façon de régler leurs comptes avec cette France qui les envoyés à la mort.

Richesse en sujets et en guimauve

Condamnation de la boucherie guerrière, tendresse pour les petits contre les puissants, célébration de l’Art contre l’Argent, réquisitoire contre la cupidité. Je n’ai pas lu le roman de Pierre Lemaitre. A la vue de son adaptation, on devine qu’il a fallu élaguer l’histoire de ses nombreux sujets. Du point de vue formel, le film reflète cette richesse thématique en se voulant un hommage multiforme aux grands du cinéma. On voit donc le Kubrick des Sentiers de la Gloire dans les tranchées, un hommage à Chaplin et à Buster Keaton transplanté dans le Paris d’après-guerre, une esthétique visuelle renvoyant aussi au cinéma fétichiste de Jean-Pierre Jeunet. Il y a ce goût de la photographie sépia, des masques très élaborés et souvent magnifiques, créant le contrepoint poétique d’une époque sordide.

Hélas, cette attention forcenée à la joliesse et aux mouvements de caméra sophistiqués se fait au détriment de l’intrigue et de l’épaisseur des personnages. Quand même, ce n’est pas rien de monter une arnaque aux monuments aux morts dans la France des anciens combattants de 1918 ! Dupontel en fait juste une mauvaise farce alors qu’il y avait de quoi produire un brûlot anarchiste bien saignant. Il a voulu associer profusion poétique et récit plus réaliste mais le côté mignon l’emporte sur l’arnaque grinçante. Tout cela est trop chargé en guimauve. Comme par hasard, Au revoir là-haut est excellent jusqu’à ce que ses personnages quittent la vie militaire. Difficile de faire dans le gnangnan dans les tranchées !

Personnages réduits à des marionnettes

Parlons des personnages. Pradelle est un sale type qui se fait de l’argent sur la récupération des dépouilles de soldat. Le rôle écrit pour Laurent lafitte est mince, c’est un juste un salaud, rien de plus à comprendre. Les rôles féminins, tenus par Mélanie Thiery et Emilie Dequenne sont à peine plus intéressants. On dira qu’ils sont décoratifs. Quant à Niels Arestrup, il reproduit son éternel numéro de paternel écrasant, sans surprise. Dans un film où la plupart des personnages sont réduits à des marionnettes, on ne s’étonnera pas que le meilleur rôle soit celui d’Edouard, pantin masqué et sans voix, incarné avec grâce par Perez Biscayart. Ce manque d’épaisseur fait que les séquences intimes, sans visée spectaculaire, sont ratées et prévisibles. Que se passe-t-il quand Albert est invité pour la première fois chez Péricourt ? Rien qui ne soit surprenant : il est gauche, un point c’est tout. Simple, me direz-vous ? Non, simpliste.

Mais voyons, je n’ai rien compris ! C’est une fable poétique ! Bien sûr et même un beau spectacle mais la volonté de Dupontel de faire fabuleux, gentil, onirique à chacun de ses plans inhibe le film. Trop d’effets...

AU REVOIR LA-HAUT : BAS LES MASQUES !

2017-10-23T16:19:00+02:00

«Au revoir là-haut» : c’est un roman fleuve magistral signé Pierre Lemaitre, prix Goncourt 2013. C’est également une bande-dessinée réussie parue deux ans plus tard. C’est désormais un long métrage de et avec Albert Dupontel. Bref, c’est une œuvre à ne pas rater d’autant que l’intrigue nous plonge dans la « grande guerre » et ses traumatismes d’une manière très singulière.

LE LIVRE « Au revoir là-haut » de Pierre Lemaître. 566 pages - 22,50€ (Albin Michel). EN SAVOIR +

LA BD « Au revoir là-haut ». Scénario Pierre Lemaître. Dessin Christian De Metter. 176 pages - 22,50€ (éditions Rue de Sèvres). EN SAVOIR +

LE FILM « Au revoir là-haut » de et avec Albert Dupontel. Avec Nahuel Perez Biscayart, Albert Dupontel, Laurent Lafitte, Niels Arestrup, Emilie Dequenne. Dans les salles le mercredi 25 octobre 2017.

MA CRITIQUE Adapter un roman à succès (prix Goncourt de surcroit) n’est jamais une mince affaire. Avec « Au-Revoir là-haut », Albert Dupontel s’en sort avec brio.

Albert Dupontel a non seulement puisé la matière première dans l’œuvre éponyme magistrale de l’écrivain Pierre Lemaître mais il a su la transformer pour tisser une fable haletante, mêlant tragédie, comédie, burlesque et poésie.

Un long-métrage pour faire tomber les masques !

Stéphane Dugast
Visuels © Albin Michel / Editions Rue de Sèvres / Gaumont distribution

Fauteuils d'orchestre

2012-11-08T07:21:00+01:00

Film : Fauteuils d'orchestre (2006, durée 1h46)

Réalisatrice : Danièle Thompson

Jessica (Cécile de France), Catherine Versen (Valérie Lemercier), Jean-François Lefort (Albert Dupontel), Valentine Lefort (Laura Morante), madame Roux (Suzanne Flon), Jacques Grumberg (Claude Brasseur), Frédéric Grumberg (Christopher Thompson), Claudie (Dani), Valérie (Annelise Hesme), Brian Sobinski (Sydney Pollack), Marcel (François Rollin), le chauffeur de taxi (Ahcène Nini)

Frédéric Grumberg : Tu traînes dans la rue, la nuit. Sans trop entrer dans les détails, t'en es où ? Tu trouves ?

Jessica : Trouver quoi ?

Frédéric Grumberg : J'sais pas, tu cherches quoi ?

Jessica : J'veux une bonne place à l'orchestre, ni trop près, ni trop loin.

Frédéric Grumberg : Et à côté, y'a un siège de libre ?

Claudie : Voilà, "j'aurais voulu être un artiste" comme disait la chanson. Mais... j'avais pas assez de... pas de talent du tout, quoi. Alors j'ai voulu vivre avec les artistes. Et ça, j'ai réussi. Grâce à eux, grâce à vous, j'ai réussi ma vie.

Valentine Lefort : C'est trop facile, des déclarations de guerre, des déclarations d'amour, tout en même temps ! C'est trop facile !

Jean-François Lefort : Ca, c'est quoi, c'est une lettre d'amour ou une lettre d'adieu ?

Valentine Lefort : Qu'est-ce que tu préfères ?

Jean-François Lefort : Je veux qu'on soit ensemble. T'es ma femme, mon soldat. Ma guerre, elle est pas contre toi, Valentine.

Valentine Lefort : Mais je te préviens, la maison au bord d'un lac, c'est...

Jean-François Lefort : C'est une maison au bord de la mer, on essaie ?

Valentine Lefort : Il fait froid.

Jean-François Lefort : Allez, viens, on rentre.

Valentine Lefort : C'était un beau concert. Tu as très bien joué le deuxième mouvement de l'Empereur.

Le bruit des glaçons, ça freeze la mort !

2010-09-10T13:20:00+02:00

Dans un chaud froid réjouissant, Bertrand Blier est de retour, et se renouvelle. Il a de la bouteille et ça se voit ! Le bruit des glaçons, c’est deux mesures de dérision, une dernière de vérité humaine, le tout « shaké » en mode désillusion. Le bruit des glaçons normalement associé aux festivités est ici synonyme de la longue dégradation d’un homme fâché avec la vie. La mort va donc frapper à sa porte, et le surprendre.

Un jour, on ouvre sa porte à la maladie. On ne sait pas pourquoi. Ici c’est une tumeur qui sonne. On résiste, on fuit, on se bat, mais elle s’incruste. C’est Albert Dupontel et grand forme lui aussi, et bien trop rare au cinéma, qui se charge de donner à la tumeur un tempo, un souffle humanisé, un bruit dans l’oreille d’un Jean Dujardin, écrivain désenchanté, à qui le Goncourt a souri, mais dont l’inspiration trop arrosée, a fait fuir femme et enfant. Le décor est planté non pas en studio, mais dans une villa du sud de la France, isolée, fermée. Le huit clos douzième degré peut démarrer, et il ne nous déçoit pas, tout en finesse, de beaux dialogues, une interprétation parfaite, le nouveau duo du cinéma français fonctionne. Ce nouveau cocktail, décapant, c’est les « Du-Du », pour Dujardin et Dupontel. Nous ne sommes pas proches des De-De (Depardieu et Dewaere), mais on n’en est pas si loin que ça. Les valseuses planent, il y a comme une odeur de Buffet froid, et les Combien je t’aime fusent. Aucune comparaison n’est possible avec le Blier des années 70, et 80. Mais cette sauce là a du corps, et un petit fond de blanc, qui nous empêche de broyer du noir pendant une heure de demie. On ne sent pas la maladie, on la visite !

Ici on donne dans l’efficacité, Albert Dupontel, tel un ressort désopilant, et presque trop vivant se livre à un corps à corps avec sa proie. En costume trois pièces, hirsute, il est l’énergie alors que Jean vise le mou, le triste. Cela dit, les deux protagonistes se déshabillant et finissant en caleçon frôlent une égalité virile remarquable! Et on ne vous dit rien sur tout ce qui se passe dans le lit..

Pas une minute de répit pour cette victime d’une tumeur maligne qui ne pense qu’à libérer ses métastases et bien faire son travail. Que nous reste-t-il quand la maladie nous ronge ? L’amour, la famille, un dernier combat ? L’amour c’est Louisa, interprétée par la formidable Anne Alvaro*, on est très loin du cliché sexy habituel de la bonne. Ici tout est maturité, dévotion, sentiments secrets et regards en biais. Louisa sera la rémission sentimentale, et s’opposera de toutes ses forces à la mort. On ne vous dit rien sur la bataille. La famille c’est un fils (Emile Berling), qui revient embrasser un père pour la dernière fois, le dernier combat, c’est tordre le cou à la tumeur, et au destin.

Nous voici à l’opposé d’une Rencontre avec Joe Black, où Brad Pitt poursuit Antony Hopkins, et manie la crise cardiaque mieux que personne, exhibant un regard d’ange, et seulement. Nous sommes dans une fable où les vérités sont toutes bonnes à dire et où la tumeur n’est pas celle qu’on croit. Quant à Jean Dujardin, la mort lui va si bien !

Les phrases qui tuent :

« C’est très bien de tuer des gens, moi par exemple, imaginez si je reste vivant, qu’est ce que je vais devenir, un vieux connard, un trou du cul, bon pour l’Académie ! »

« Des emmerdes oui, mais pas toutes les emmerdes ! »

« Parlez poliment sinon je vous fais un pancréas, c’est très rapide un pancréas ! »

Un petit concours de titre ?

Saluons au passage le titre de la critique de Thomas Sotinel dans Le Monde :

« Le bruit des glaçons, plus oportun, tumeur »

Commençons :

Le bruit des glaçons : un chaud froid irrésistible

Le bruit des glaçons : plus fatal, tumeur

Le bruit des glaçons : la mort cul sec

Le bruit des glaçons : ça refroidit

Le bruit des glaçons : tumeur ou pas ?

Chers internautes d’autres titres à proposer ? A vous de jouer.

Le bruit des glaçons, de Betrand Blier

Avec Jean Dujardin, Albert Dupontel, Anne Alvaro, Myriam Boyer, Emile Berling, Audrey Dana

* Souvenez-vous de Anne Alvaro, actrice de théâtre et de cinéma. Bel hommage à cet immense talent fait par Biler. Anne Alvaro, c’est la délicate et profonde prof d’anglais de Jean Pierre Bacri dans Le goût des autres de Agnès Jaoui.

Deux jours à tuer

2010-02-09T20:40:00+01:00

C’était un soir d’octobre 2003 à l’Olympia, un tabouret au centre de la scène et Serge Reggiani qui susurre ses succès comme un adieu. Ca aurait pu être pathétique mais c’était juste émouvant. Le temps qui reste est compté et les paroles de cette chanson prennent un sens tout particulier. Alors quand Jean Becker la choisit pour illustrer Deux jours à tuer, je me dis que le film a des chances d’effleurer des sujets qui me touchent.

Deux jours à tuer est une adaptation du roman de François d'Epenoux dans lequel on retrouve les valeurs universelles et les thèmes chers à Jean Becker, la vie au contact de la nature, l'émotion des petits riens, la fragilité et la profondeur des liens humains.
Antoine est un publicitaire reconnu, heureux en famille et en amitié. Un jour comme les autres, pourtant, sa vie bascule. Il commence par saboter un rendez-vous avec un client puis, en l’espace d’un week-end, il se met à détruire tout ce qu’il a construit pendant des années. La crise de la quarantaine ? Un excès de folie ? Qui sait …. ? La réponse à ces questions est censée se trouver à la fin du film dont l'écriture évente un petit peu l'effet de surprise mais le mystère de son comportement m’a tenue jusqu’à la dernière minute. Preuve que ce n’est pas dans le suspens que réside l’essence du film.

Le première partie est brutale, dérangeante, nerveuse, jouissive parfois car on porte tous en soi cette envie de dire un jour à notre entourage, professionnel, familial ou amical, ses quatre vérités, au-delà de toute convention, de tout respect. Si le film commence comme une comédie (la belle-mère hautaine face au gendre excédé), celui-ci vire vers un malaise de plus en plus palpable, notamment lorsque le personnage s'en prend à ses enfants. C’est le tableau d’un homme qui, avant de partir, souhaite laisser l’image d'un type détestable qu'on ne regrettera pas avec le temps. La seconde moitié est portée par la plénitude qu’inspirent les paysages irlandais. Une approche qui porte l’empreinte de son réalisateur, personnelle et contemplative, sur les rapports entre un père ermite et son fils qui se retrouvent après des années de silence. Peut-être emporté par sa propre histoire, Becker rationalise un peu trop la fin du périple… mais ce qui réunit ces deux ambiances, c’est l’appétit de la vie et les questions qu’elle soulève.

Sur quoi construit-on sa vie ? Comment en être les acteurs ? Comment gérer la peur du vide ? Combien de temps nous reste-t-il pour accomplir nos rêves ? Comment pardonner ? La vie est un jeu de dupes pour qui se laisse duper…
Un Albert Dupontel qui incarne le personnage plus qu’il ne l’interprète (nominé aux césars), des seconds rôles sobres mais entiers, des dialogues ciselés parfois trop maîtrisés mais souvent jubilatoires, une émotion tendue et maîtrisée qui ne tombe pas dans le pathos (la fin abrupte, comme si l'essentiel venait d’être dit, évite de justesse le sentimentalisme)… voilà sans doute les ingrédients d’un film qui m’a touchée et dont l’émotion s’étire dans les mots de Reggiani en générique de fin.

Sur un sujet proche, je ne peux m’empêcher de rappeler Ma vie sans moi d'Isabel Coixet, un des plus beaux films que j’ai vus et dont la subtilité poignante donne une sensation de la vie, pleine et entière.

N'EST PAS « VILAIN » QUI VEUT !

2009-12-14T23:40:00+01:00

La comédie haletante « Le Vilain » d'Albert Dupontel (AD), actuellement distribuée dans toute la France par StudioCanal (sortie en salle le 25 novembre dernier), est d'une durée de 1h26. « Le Vilain » (interprété par AD) est un braqueur de banques en fuite. Poursuivi par une bande qui veut sa peau, il revient après vingt ans d'absence se cacher chez Maniette, sa vieille mère (la superbe Catherine Frot, magnifiquement métamorphosée en mamie pour l'occasion). Elle, naïve et bigote, ne sait rien du passé brulant de son fils. C'est donc la planque parfaite pour notre bandit ! Mais, voilà cette mère, là, n'est pas si naïve qu'elle veut le laisser paraître, surtout après qu'elle ait découvert la vraie nature de son fils... Sans tarder, investie d'une mission divine, elle décide de remettre « ce rejeton », devenu adulte, dans le « droit chemin ». Le duel à la vie à la mort qui va alors opposer la mère et le fils sera impitoyable. On se souvient des nombreuses et excellentes réalisations d'AD ("Désiré" 1993, "Bernie" 1996, "Le Créateur" 1999, et "Enfermés Dehors" 2006), ainsi que des rôles déjantés qu'il a servis constamment avec un réalisme délirant, comme dans « Monique » de Valérie Guignabodet en 2002, où il joue un Alex abandonné par sa compagne tombant amoureux transis d'une poupée en silicone faite sur mesure... « Le Vilain » c'est de la vilenie à l'état brut, entremêlée de loufoquerie, un rôle sur mesure pour AD. Dupont... Dupont... Dupontel, bien sûr !

La mère conduit progressivement son fils vers la rédemption...

LE VILAIN GRAND DUPONTEL

2009-11-16T22:15:00+01:00

C'est vilain et ça peut faire mal.. vous croyez?

C'est Vilain, c'est même méchant, c'est le dernier film d'Albert Dupontel. Tika a vu la bande annonce ciné, et c'est si décoiffant (n'est-ce pas mère grand !) qu'elle ne peut résister à vous faire partager un teaser, mais ça ne vaut pas la salle sombre ! Allez-y les yeux fermés, Catherine Frot, comme vous ne l'avez jamais vue, Dupontel, très en forme (il rajeunit ou quoi) ! Un post, promis, dès que je l'ai vu , en vrai.. Grrrr.

Deux jours à tuer

2008-08-19T17:27:00+02:00

Bien que j’aie vu ce film dès sa sortie, attendue avec impatience, je n’en ai alors pas parlé ici.

Non que j’aie été déçue, mais parce que je ne savais pas comment l’aborder sans en dévoiler le thème, si éloigné de ce que j’avais imaginé en visionnant la bande-annonce.

Albert Dupontel est un artiste pour lequel j’ai une affection ancienne et particulière. C’est mon frère qui me l’a fait connaître dans ses one-man shows à la fois cyniques et tendres. Je préfère Dupontel en acteur plutôt qu'en réalisateur; je n’avais pas accroché avec « Bernie ».

En revanche, dans « Irréversible », le personnage posé, moral, qui glisse dans la violence aveugle, m’a interrogée – et pour longtemps - sur la part d’animalité et les instincts qu’on a tous en nous.

"Deux jours à tuer", l’histoire d’un quadra à qui tout a réussi - femme, enfants, argent - et qui envoie tout valser en un week-end.

La scène du dîner avec les amis, où Antoine est absolument odieux, met mal à l’aise. Au début, pourtant, j’ai souri. Qui n’a pas rêvé au cours d’un repas de famille bien pesant – mes amis, je les choisis - de rentrer dans le lard d’un tel ou telle qu’on a jamais pu saquer mais qu’on subit parce que « tu comprends, c'est la famille, quand même » ?

Mais dans cette fameuse scène, quand Antoine en vient aux mains, que sa femme et ses amis pleurent devant l’inconnu qu’il est devenu, on comprend que quelque chose de grave est arrivé.

Le malaise s’accentue au fur et à mesure qu’Antoine s’enfonce dans l’autodestruction. Et puis, Antoine se barre et prend un ferry pour … l’Irlande. Putain, encore elle ! Le choc quand j’ai reconnu les paysages du Connemara ! Je les ai sillonnés si souvent, sous la pluie ou le soleil, avec ma sœur, mon frère, mes amis.

Et là, devant ces paysages sauvages, à couper le souffle, j’étais accrochée à mon fauteuil avec une boule dans la gorge et une envie soudaine de m’attabler devant un panier de crab claws et une pinte de Guinness bien fraîche, dans un pub surplombant les lacs. Je me suis souvenue des après-midi à jouer aux fléchettes, simplement, au son d’une cornemuse, en papotant avec les papis du coin, tout burinés. De l’eau fraîche et cristalline qui filait entre mes doigts. Des murets de pierre et des moutons badigeonnés de peinture avec lesquels on se trouve nez à nez, au détour d’une route.

J’ai eu mon petit coup de cafard, quoi, et le secret d’Antoine, qu’on apprend là, au cours d’une partie de pêche, n’a fait que donner une dimension plus dramatique à ces paysages sauvages et somptueux, où le sentiment de solitude peut être si écrasant et exaltant.

La scène finale du film, si elle m’a mise en colère contre Antoine, ne m’a pas surprise. Je l’ai trouvé terriblement égoïste, cruel, et donc tellement humain. L’être humain est ainsi fait qu'il veut qu’on l’aime, quoi qu’il en dise, et Antoine n’a pas assumé sa décision jusqu’au bout.

Ca faisait longtemps que je n’avais pas pleuré au cinéma. Je m’étais même demandé si je ne devenais pas insensible, avec l’âge. Mais là, j’ai pleuré des rivières, et la chanson du générique de fin, « Le temps qui reste », par Serge Reggiani, n’a fait que redoubler ma tristesse.

Plus tard, je me suis souvenue que j’avais imaginé, il y a des années, que quelque chose de similaire m’arrive. Je m’étais alors juré de faire comme Antoine. En serais-je capable aujourd’hui ? La réponse est non. J’ai des défauts mais je ne suis pas orgueilleuse.

« Deux jours à tuer », si vous l’avez vu, vous en avez pensé quoi ?

PS : J’ai volontairement omis de révéler le secret d’Antoine, pour ne pas gâcher le plaisir de ceux qui n’auraient pas encore vu ce film de Jean Becker, tiré du roman éponyme de François d’Epenoux.

PS2 : Allez, pour finir sur une note gaie, je vous remets un sketch d’Albert …. vous pourrez en trouver d'autres là.

Deux jours a tuer (jean becker -2008)

2008-05-04T04:39:00+02:00

On Connaît la qualité de Jean Becker pour les adaptations littéraires rapellons les excellents films que furent "l'été meurtrier "(adapté de sebastien japrisot en 1983) 'les enfants du marais" (d'après georges Montforez en 1994 ou encore "Effroyables jardins " tiré du roman de Michel Quint en 2003) et c'est sans aucune crainte que je décidai de voir "Deux jours a tuer " son dernier film tiré du livre de françois d'Epenoux .

La présence d'Albert Dupontel au générique s'imposait comme une garantie supplémentaire pour un film réussi , Dupontel etant a mon avis l'un des acteurs les plus complets du cinéma français , des rôles de déglingués mémorables ("Bernie", "enfermés dehors") aux personnages fragilisés ("l'ennemi intime "-" un long dimanche de fiançailles" - "fauteuil d'orchestre ") il nous a toujours enthousiasmé et souvent bluffé.

Malheureusement ce film qui trouvera certainement son public par la force de son message ne m'a pas totalement séduit car il pose a mon sens une question cruciale et essentielle a savoir : 'le fait d'être condamné par la maladie donne t'il tous les droits? car c'est bien la le sujet du film et même si le scénario tente de brouiller les pistes par une histoire banale d'adultère ou de crise de la quarantaine on sent très vite qu'il se cache quelque chose de plus profond , de bien plus grave derrière le personnage tourmenté d'Antoine, .

Antoine a réussi professionellement ;il a une jolie femme (marie josée Crozeformidable un role pourtant assez ingrat) une belle maison , deux enfants adorables , des amis , un chien , de l'argent et pourtant le temps d'un week end il va tout remettre en question , tout balayer , tout quitter sans y mettre les formes sans donner d'explications mais plutôt avec violence et fracas. Si 'deux jours a tuer ' n'est pas un mauvais film ' j'en suis ressorti déçu car je n'ai pas adhéré a la philosophie du personnage d'antoine je n'y ai vu ni courage ; ni noblesse mais plutôt une certaine forme de vengeance personnelle cruelle et lâche . De plus l'interprétation de Dupontel souvent irréprochable par le passé m'a semblé dans ce film un peu inégale et parfois approximative , j'aurai préfèré voir ce rôle confié a un comédien plus étoffé plus crédible dans ses colères et ses tourments ( Depardieu ou Auteuil auraient étés formidables) .Il y a certes de jolis moments (notamment l'arrivée d'antoine en irlande) mais d'autres séquences sont totalement clichés et a mon sens un peu faciles (la scène avec l'auto stoppeur, le règlement de comptes au dîner d'anniversaire , la scène de la jaguar) bref au bout du compte un film qui ne m'a pas emballé et qui m'a laissé de marbre .A noter que "deux jours a tuer " se termine par une chanson terrible et sublime de serge Reggiani 'le temps qui reste ' une chanson qui par sa puissance et son impact ,vous donne le frisson et vous cloue sur place .

Deux jours à tuer : film de Jean Becker

2008-05-02T09:49:22+02:00

Un publicitaire (Albert Dupontel) d’une quarantaine d’années, marié avec une femme délicieuse (Marie-Josée Croze) dont il a deux enfants bien gentils, des amis dentiste ou avocat, bref une vie bourgeoise bien confortable où tout lui sourit. Pourtant, un vendredi, tout bascule, il plaque son boulot (savoureuse scène avec l’industriel qui commandite une campagne de pub pour ses yaourts) sa femme car elle croit qu’il la trompe et ses amis après un mémorable dîner où il pète les plombs. Personne ne comprend quelle mouche l’a piqué et jusque là le film est assez agréable à suivre. La dernière partie du film où le pestiféré part en Irlande retrouver son père (Pierre Vaneck) qui l’avait abandonné quand il avait treize ans, si elle explicite son comportement est assez simpliste. Un film très moyen finalement, avec de très bonnes scènes (le vendeur de Jaguar, l’autostoppeur etc.) mais basique pour ne pas dire inexistant quant à la psychologie des personnages, alors que c’était l’élément clé pour la réussite du projet. Tous les acteurs sont parfaits, Dupontel a le regard noir de l’homme résolu car désespéré, Marie-Josée Croze est discrète mais charmante au possible. Ne manque qu’un scénario plus fouillé, plus subtil. Dommage.

Deux jours à tuer film de Jean Becker durée : 1h25 avec Albert Dupontel, Marie-Josée Croze, Pierre Vaneck

Chrysalis : attention OVNI !

2007-11-06T00:45:00+01:00

Je reviens juste du Gaumont Parnasse, où j'ai assisté, en compagnie de Curriculum et Vitae, à la projection de Chrysalis. Lorsque le générique de fin est apparu, je suis resté prostré sur mon siège, la tête encore emplie d'images rémanentes, les circonvolutions de mes méninges encore pleines de visions subliminales, l'esprit encore captif de ce film-OVNI, qu'il faut voir absolument, ne serait-ce que pour s'en faire une opinion, puisqu'il agite actuellement les conversations des dîners mondains. Évidemment, Dupontel est excellent, mais cela n'est pas vraiment une surprise, il se bonifie même avec le temps, il va finir par trouver LE rôle qui va l'établir une bonne fois pour toute dans l'Olympe des très grands comédiens. J'ai personnellement beaucoup aimé sa partenaire, Marie Guillard, assez craquante, mélange de force et de séduction subtile.

Avec Chrysalis, on en prend plein les mirettes !

Ce qui est véritablement bluffant, dans ce film, ce n'est pas tant la qualité du scénario, relativement bien ficelé ceci dit, mais bel et bien le rendu graphique de l'histoire, qui est censée se dérouler dans un futur plus ou moins éloigné, dans un Paris transfiguré. En tous les cas, au vu des deux magnifiques tours que l'on aperçoit lors d'un plan aérien, on sait que Delanoë n'est vraisemblablement plus Maire... On bave devant les 3 prototypes que Renault a prêté pour le film : une Talisman, une VelSatis et une Koléos, toutes trois aisément reconnaissables pour qui a un peu traîné au TechnoCentre du constructeur au Losange... L'aspect futuriste du film est bien travaillé, on salive devant les gadgets technologiques qui existent déjà mais dont le film use et abuse afin de nous projeter quelques années dans l'avenir. Et l'avenir n'est pas rose. Il serait plutôt bleu. Le film est tout entier nimbé d'un bleu froid, presque dé-réalistique, qui répond parfaitement à l'absence d'émotion. Près de 185 plans ont été truqués. Cet OVNI est un film qui court-circuite le cerveau limbique (cerveau émotionnel) pour cibler directement notre cortex, dont on sait qu'il n'éprouve aucune émotion. Le cortex, c'est un peu comme l'ordinateur qui décortique, qui analyse, qui utilise pour fabriquer des pensées élaborées le plus fantastique outil jamais inventé par l'homme : le langage. Et dans Chrysalis, peu de place aux sentiments, les acteurs sont aussi froids que les nombreux cadavres roides disséminés ça et là, les regards sont glaçants et hagards et l'amour est moins éperdu que perdu. Il faut bien chercher l'humanité, mais elle se loge paradoxalement davantage chez les personnages dont la mémoire a été effacée. À la fin, Dupontel dit qu'il préfère être ce qu'il est devenu, un individu sans mémoire, plutôt que ce flic dur et monolithique qu'il se soupçonne d'avoir été...

Avec Chrysalis, ça castagne sec !

Autre point fort du film, les scènes de baston, qui sont à la fois hyper chorégraphées, mais en même temps trop retravaillées à la palette graphique pour que l'on souffre avec les personnages. En revanche, lors de la scène d'ouverture du film, toute la salle sursaute lorsqu'une voiture vient emboutir le véhicule dans lequel se trouvent deux personnages clés de l'histoire. Quelques scènes choc comme celle-ci émaillent le film, assez violent par ailleurs, mais encore une fois, le côté propre, net, ultra travaillé des images, fait que le spectateur peut se sentir presque observateur de sa propre expérience cinématographique. Tout est calibré, formaté, pensé, et mis en scène avec la précision chirurgicale d'un scalpel, il n'est d'ailleurs guère étonnant qu'une partie de l'histoire se déroule dans une clinique. Le film, que j'ai choisi d'illustrer avec deux posters très symboliques, alterne les scènes glauques, sombres et délétères avec des scènes proprettes, lumineuses et à la blancheur médicale immaculée. Le réa alterne également les scènes caméra à l'épaule (scènes réalistes du noir polar) avec les longs travellings (scènes blanches à la clinique). Noir et blanc, ce n'est pas la première fois qu'on nous fait ce coup-là, mais ça marche toujours... Dupontel s'est entraîné à fond afin de ne jamais être doublé lors des scènes de bagarre. La toute première scène, une fusillade hyper réaliste, est un étalon du genre.

L'histoire ? Je ne m'en rappelle plus très bien !

Toute l'histoire est fondée sur une machine qui trifouille la mémoire des protagonistes, tant et si bien que Dupontel, à un moment donné dit : Tu sais le pire de tout ça, c'est que je ne me rappelle plus de la femme que j'ai aimé ; oui, dans ce futur pas si lointain, on efface la mémoire comme on démagnétiserait une vulgaire cassette VHS, et, comble du vice, on ré-implante des souvenirs virtuels. De ce côté-là, Chrysalis lorgne vers Total Recall, chef d'oeuvre du genre. Pour l'aspect futuriste, je citerais plutôt Minority Report ou I, Robot, deux modèles de films de science-fiction. Les effets spéciaux de la scène où Marthe Keller effectue une opération chirurgicale à distance rappellent en effet ceux de la scène de Minority Report au cours de laquelle Tom Cruise manipule un ordinateur virtuel... Du coup, comme l'histoire se passe dans une clinique de chirurgie esthétique, je vous laisse imaginer les combinaisons possibles ! Tel personnage non seulement change de visage, mais aussi de souvenirs ! Vertigineux. Le seul reproche que l'on puisse faire à Chrysalis, qui m'a vraiment beaucoup intéressé par ailleurs, c'est peut-être de ne pas avoir poussé assez loin l'aspect philosophique du ressort dramatique ; de peut-être ne pas avoir davantage serré les boulons du scénario, mais ces détails sont dérisoires en comparaison de l'expérience visuelle que l'on se prend dans la tronche.

Acteurs excellents dans le minimalisme formel qui sert à merveille le scénario, histoire suffisamment emberlificotée pour que le spectateur, une fois sorti de la salle, se pose encore quelques questions, atmosphère futuriste hyper réaliste, et surtout une esthétique bluffante, rarement aussi cohérente que dans ce film. Et puis, Julien Leclercq (dont on risque d'entendre beaucoup parler à l'avenir) signe là un premier long métrage absolument ambitieux, maîtrisé de bout en bout, rendons-lui cet hommage. Bref, allez voir Chrysalis, et oubliez toutes les mauvaises critiques qui ne rendent pas grâce à ce projet.

Chrysalis n'est pas un film que l'on aime, mais un film que l'on approuve ; Chrysalis, testé et approuvé par mon cortex !