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Spectacle musical Strasbourg

2011-12-14T11:50:00+01:00

Concerts à Strasbourg

Du Zénith au vieux Palais des Congrès

Décor sur scène

fauteuil baroque de l'artiste

Ariane

2011-11-30T12:18:00+01:00

Le personnage mythologique d’Ariane a inspiré de nombreux auteurs, et musiciens. Parmi ces derniers, citons Richard Strauss avec Ariane à Naxos ou Paul Dukas avec Ariane et Barbe Bleue. Martinu –puisque nous sommes encore en compagnie de ce compositeur tchèque- n’échappe pas à la règle. En 1958, soit un an avant sa mort, il compose un opéra en un acte, Ariane, adapté d’une pièce de son ami Georges Neveux, Le Voyage de Thésée.

Martinu séjourne alors à Schönenberg, en Suisse. Il y écrit un grand opéra, La Passion grecque qui lui prend toute son énergie. L’écriture d’Ariane va le délasser et le reposer. Ce n’était pas la première fois que Martinu adaptait une œuvre de Neveux pour le lyrique : quelques années auparavant, il avait composé Juliette ou la clef des songes à partir d’une pièce du même Neveux. Ariane était la seconde incursion de Martinu dans le monde de rêve des héros de son ami et inspirateur. La fantaisie très libre de ces deux ouvrages a exercé un puissant attrait sur le compositeur qui a ainsi pu développer des scènes riches en significations symboliques.

Si Les larmes du couteau appartenaient résolument au dadaïsme, l’univers d’Ariane est plutôt celui du surréalisme. Georges Neveux, dramaturge français né en Russie en 1900 et mort en 1982 a appartenu au groupe des surréalistes lorsqu’il s’est installé à Paris au début des années 20. Il s’en éloignera vers la fin de cette décennie, mais restera marqué par cette incursion dans ce mouvement qu’André Breton définira comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l'absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale [...] Le surréalisme repose sur la croyance à la réalité supérieure de certaines formes d'associations négligées jusqu'à lui, à la toute-puissance du rêve, au jeu désintéressé de la pensée. Il tend à ruiner définitivement tous les autres mécanismes psychiques et à se substituer à eux dans la résolution des principaux problèmes de la vie. » Pour Breton, l’analogie entre le rêveur et le poète, que l’on trouve chez Baudelaire par exemple, est dépassée. Le surréalisme est la recherche de l’union du réel et de l’imaginaire. « Je crois à la résolution future de ces deux états, en apparence si contradictoires, que sont le rêve et la réalité, en une sorte de réalité absolue. »

Le mouvement dada était déjà antibourgeois, antinationaliste et provocateur. Les surréalistes vont continuer sur cette voie subversive. Ainsi déclarent-ils dans le tract La Révolution d’abord et toujours : « Nous n'acceptons pas les lois de l'Économie ou de l'Échange, nous n'acceptons pas l'esclavage du Travail, et dans un domaine encore plus large nous nous déclarons en insurrection contre l'Histoire. » Principes qui vont entraîner pour certains un engagement politique, plus ou moins temporaire, notamment au sein du Parti Communiste Français.

On ne trouve pas trace d’engagement politique dans Ariane. Par contre, le livret exhale une forte odeur de surréalisme. Neveux était passé maître dans l’art de la suggestion et chaque phrase, aussi banale soit-elle, semble porteuse d’un message clef. Lorsque Thésée tue le Minotaure, Ariane chante « je savais qu’il te ressemblait » ; de même, ce Minotaure que personne n’a jamais vu, Thésée découvre qu’il s’agit d’un autre lui-même, son double. Malgré les évidentes allusions à la mythologie, malgré ce que le texte peut cacher de symboles, le dramaturge ne s’est pas laissé emporter par son imagination dans un univers où le réel n’existerait plus : les personnages restent constamment en contact avec la réalité du monde.

La lamentation finale d’Ariane, délaissée par Thésée, revendique ouvertement sa filiation avec le premier modèle du genre, l’Ariane de Monteverdi. Elle est l’expression bouleversante de la souffrance d’une femme abandonnée. Martinu a lui-même adapté le texte de Neveux pour en faire son livret et si ce dernier est en rapport direct avec la mythologie grecque, la musique rapproche l’œuvre du domaine de l’opéra baroque naissant, du moins dans sa conception : trois entrées instrumentales (3 Sinfonias) et trois scènes autonomes (trois tableaux, aria finale).

Quant à la bravoure que suppose la partie d’Ariane, elle est due, d’après la femme du compositeur, à l’admiration que portait Martinu à Maria Callas et est étroitement liée à l’art d’interprétation de la Diva.

Contrairement aux Larmes dont le livret français a été traduit en tchèque, Martinu a conservé la langue originale et c’est donc en Français qu’Ariane doit être interprétée. La première de cet opéra dont l’audition ne dépasse pas quarante cinq minutes (et environ dix minutes sont consacrées au seul lamento d’Ariane) a eu lieu en 1961 à Gelsenkirchen et à Brno, soit deux ans après la mort du compositeur.

ARGUMENT : A Cnossos, en Crète, ville du Minotaure.

Sinfonia 1 – Prologue : Le veilleur annonce l’arrivée de Thésée et de ses compagnons à Cnossos.

Scène 1 : Thésée cherche en vain le Minotaure et rencontre Ariane. Au cours d’une étrange conversation, ils vont sembler s’éprendre l’un de l’autre mais en fait Ariane est amoureuse du Minotaure, qu’elle n’a jamais vu. Le Vieil homme aux cheveux blancs, qui fait office de tambour de ville, annonce que la fille du roi doit épouser un étranger. Ariane révèle qu’elle est la fille du roi et que Thésée est l’étranger. Elle lui demande son nom.

Sinfonia 2 – Scène 2 : Bouroun, un des compagnons de Thésée est excédé par l’engouement soudain de Thésée pour Ariane ; il ne pense plus à tuer le Minotaure. Bouroun décide de le faire lui-même et se fait tuer par le Minotaure (hors scène) lequel apparaît enfin sous les traits de Thésée dont il est le double. Le Minotaure demande à Thésée « qui oserait lever le bras et se frapper à mort soi-même ? ». Pourtant, Thésée le tue. Ariane entre, découvre le Minotaure : « Je savais bien qu’il te ressemblait » dit-elle.

Sinfonia 3 – Scène 3 : Thésée et ses compagnons quittent Cnossos en abandonnant Ariane. L’opéra s’achève sur le lamento de l’héroïne.

VIDEO 1 : Scène 4 entre Thésée et le Minotaure avec intervention d’Ariane.

VIDEO 2 : Scène finale : le départ de Thésée et le lamento d’Ariane : Celina Lindsley est Ariane.

O vous, mes bien-aimés!...

2011-11-23T16:21:00+01:00

O vous, mes bien-aimés, les bénis de mon Père, vous qu'il a choisis pour continuer ma Passion parmi les hommes, laissez-moi vous soutenir dans le rude combat que, pour me rester fidèles, me rendre témoignage, vous menez contre les puissances infernales et leurs alliés de ce monde, En vous persécutant, c'est moi qu'ils veulent atteindre .

Je suis avec vous, mes frères chrétiens des pays musulmans, poursuivis parce que vous voulez garder votre foi. Je suis avec vous quand vous êtes emprisonnés, torturés, je fais mienne votre souffrance et l'offre à notre Père, dans mon sacrifice Rédempteur. Quelle abondante profusion de grâces se répand sur le monde, alors! Vous êtes les canaux de la Miséricorde!... Dans l'univers invisible, la horde satanique recule, mais redouble de rage, elle perçoit sa défaite...

Je suis avec vous, mes frères chrétiens défenseurs de la vie, risquant votre réputation, votre sort, pour protester contre la mort de petits êtres, victimes de l'égoïsme des modernes rois Hérode. Je suis avec vous, lorsque, vers le Ciel, s'élèvent vos Ave, couverts par les cris haineux du serpent diabolique, sa tête est écrasée sous le talon virginal de l'Immaculée, dont il connaît la victoire certaine.

Je suis avec vous, ardente jeunesse, qui défendez mon honneur souillé par des spectacles infâmes; je suis avec vous lorsque vous êtes ridiculisés, matraqués, emmenés par des policiers aux ordres de gouvernants aveuglés par leurs vils intérêts. Je suis avec vous, lorsque sur vous tombent des cris de réprobation, les mêmes que poussaient, ce vendredi sanglant, ceux qui, contre moi, choisissaient Barabas!

Je suis avec vous, je suis votre persévérance! Redressez-vous! Levez la tête car votre délivrance est proche (Luc 21/28).

À découvrir...

2011-10-14T21:35:00+02:00

(Nous ne cautionons aucunement l'encart publicitaire apparaissant en haut de page).

- Bienvenue en ces pages dédiées

à la résonance et à l'art de l'écoute -

- (Cliquer ici pour voir le plan du blog) -

- BELLE ANNEE 2012 ! -

(Pour en savoir plus concernant chaque article, cliquer sur l'image)

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NOUVELLE RUBRIQUE (colonne de droite) : TRAVAILLER LA PAROLE

Réflexions à partir de diverses étymologies, et quelques travaux d'écriture poétique de D. Bertrand

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Prochains ateliers "Chant des harmoniques" à l'église Notre-Dame du Liban ( Un lundi par mois de 20h à 22h):

- 16 Janvier, 06 Février, 12 Mars 2012 -

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PROCHAINE RENCONTRE "CHANT HARMONIQUE et YOGA DU SON" A NEUCHATEL (Suisse) 15 Janvier 2012

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Si cela vous chante, danse, violoncelle, piano, bols japonais, flûte shakuhachi, chorégraphie et impro, au Regard du Cygne Samedi soir 10 et Dimanche après-midi 11 Décembre.

détails :
http://germa.ouvaton.org/

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"ETINCELLES D'EVEIL " - CONCERT - SPECTACLE -

LE 08 NOV 2011 20h au Musée GUIMET 6, place d'Iéna 75116 Paris

participation 12 euros - RESERVATION : auditorium@guimet.fr ou 01 40 73 88 18 -

Première partie "Interrogations" de Yoshi Oïda, avec Y.Oïda et D. Bertrand

Deuxième partie : "On Zen" avec Stomu Yamashta et les moines du temple zen de Daïtokuji

(pour en savoir plus, cliquer sur la photo)

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Enregistrement audio d'un dialogue entre D. Bertrand et Alain Didier-Weill le 20 Décembre 2010 au Nouveau Théatre Mouffetard, à propos de l'Incommensurable. Première partie / deuxième partie

Un article (pdf) de D.Bertrand, du n°1 de la revue Insistance: LA PART DU DIABLE. (la dissonance en musique au cours des siècles)

- Interview vidéo de D.B. sur une page web (Hargonis) réunissant différents spécialiste des rapports entre la musique, le psychisme et la thérapie.

- Videos remarquables dans "APPRENDRE A ECOUTER": une conférence-concert d'Evelyn Glennie, musicienne sourde, qui nous enseigne de façon aussi magistrale qu'émouvante ce qu'écouter veut dire, et 12 vidéos (10 mn chaque) qui nous ouvre les portes du monde intérieur de cette artiste.

- UNE NOUVELLE ROUTE DU SON: La Musique du Cerveau. Ecouter la musique produite par le cerveau humain (en l'occurence celui de Dan LLOYD, auteur de l'expérience). Conférence de Daniel LEVITIN. Entretiens avec Oliver SACKS. Trois vidéos sur les performances incroyables des "Autistes de haut niveau", et cinq autres de Derek PARAVACINI, autiste aveugle et pianiste prodige..

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- ENREGISTREMENT AUDIO de la conférence du 16 avril 2010 lors de la JOURNÉE MONDIALE DE LA VOIX, organisée par le mouvement Insistance à l'Hôpital Ste Anne "Diffraction, car c'est d'une brisure que vient la voix". Une méditation à haute voix sur les paradoxes qui constituent la voix - considérée à partir de la diffraction harmonique et du silence - situant l'humain à l'articulation de l'invisible et du visible, de l'audible et de l'inouï ( cliquer sur l'image )

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- 2010 -

Colloque à Cerisy-La Salle du 11 au 18 Septembre 2010: l'Inconscient et ses musiques (cliquer pour le programme)

14 Septembre 2010 CONCERT à Cerisy-La-Salle

- "ILS CHEVAUCHENT LE VENT"

MUSIQUES DE L'ERRANCE: Troubadours du monde -

(Europe, Turquie, Inde, Mongolie).

Dominique Bertrand - Mitchélée

Concert le 14 Septembre lors du colloque à Cerisy-La Salle du 11 au 18 Septembre 2010: l'Inconscient et ses musiques, spectacle de D.Bertrand: Chants et lectures de textes poétiques de la tradition des troubadours d'Europe (Guillaume d'Aquitaine), de Turquie (Yunus Emre), du Bengale (Lalan Das Baul). Instruments (photos en bas de cette page): Mandole, luth Saz, vielle Esraj, Daf.

Pour en savoir plus sur la tradition des troubadours

- Luth SAZ (Turquie) -

- Vielle ESRAJ (Inde) -

- tambour DAF (Iran) -

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Dernière note :

LA VOIE DU SOUFFLE, la flûte zen

L'art du Shakuhachi, flûte méditative du Japon L'Instrument: Cette flûte, traditionnellement utilisée par les moines bouddhistes de l'école Fuke, condense dans un simple bambou tous les enseignements de l'Éveil révélés par le Bouddha. Depuis le choix de la plante jusqu'à son premier son, en passant par le séchage, [lire la suite...

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Texte de la conférence donnée au Palais de l'Unesco le 18 Novembre 2009 lors des Journées mondiales de la Philosophie: L'INCOMMENSURABLE.

Comment la musique nous montre précisément, à travers les siècles, le déploiement de la structure qui, à partir de l'alliance improbable entre mesure et démesure, "fait" l'homme. (cliquer sur l'image)

- 2009 -

CONCERT 9 nov. 2009 "THE VOID" à l'église St-Eustache Oratorio. Rencontre musicale entre le Japon, le Liban et l'Islande: Création pour pierres sonores et voix de haute-contre. Cliquer pour visionner le concert sur ARTE Live Web ("The Void" est présenté en seconde partie, après "Liturgy").

CONCERT 29 nov. 09 "Improvisation" au Dansoir de Karine Saporta Création-improvisation à l'occasion d'une rencontre-dialogue entre Alain Didier-Weill - psychanalyste - et Aldo Romano - batteur de Jazz.

La Rondine

2011-09-26T20:14:00+02:00

Comme la Suor Angelica du Triptyque, La Rondine (= L’Hirondelle) compte parmi les opéras mal aimés de Puccini. Mal aimés des critiques, peu connu du grand public, et cela pour un certain nombre de raisons : d’abord, la ressemblance évidente de cet ouvrage avec deux de ses prédécesseurs : La Traviata de Verdi et La Chauve-souris de Johann Strauss ; ensuite, parce que Puccini semble s’être copié lui-même en présentant deux personnages qui paraissent être sortis tout droit de La Bohème, mais une Bohème qui les montrerait des années plus tard, quand tous deux auraient pris un certain âge et perdu quelques illusions.

Magda, l’héroïne de La Rondine, se trouve dans la même situation que Violetta : c’est une femme avec un passé et qui veut vivre pleinement toute sa passion, à la campagne ; son amoureux n’est rien d’autre que l’héritier d’une respectable famille de province. L’obstacle auquel elle se heurtera n’est pas la visite d’un Germont père mais une lettre de la mère du héros (Ruggero) vantant la pureté de sa future épouse dont elle ne connaît évidemment pas la vie de « débauche », ce qui contraindra Magda à se séparer de Ruggero pour n’avoir pas à mentir. On le voit, La Traviata n’est vraiment pas loin, d’autant plus que le premier acte de La Rondine se déroule exactement au même endroit que le premier acte de l’opéra de Verdi : chez l’héroïne, au cours d’une soirée mondaine. Violetta y rencontrera pour la première fois Alfredo ; Magda y rencontrera Ruggero.

De plus, certains éléments font aussi penser à La Chauve-souris : par exemple le déguisement de Lisette, servante de Magda, qui a revêtu les habits de sa maîtresse ; on ne peut s’empêcher de penser à cet instant à l’Adèle de Johann Strauss.

Magda est également un avatar de Musetta, la pimpante et joyeuse fille de la Bohème amoureuse de son peintre fantasque. Mais c’est une Musetta d’âge moyen, assagie, « rangée » pourrait-on presque dire puisqu’elle est la maîtresse officielle du riche banquier Rambaldo et qu’elle s’est installée dans une vie où dominent sécurité et confort. Son histoire d’amour avec Ruggero, un homme plus jeune qu’elle, ne l’aveugle pas : elle sait que c’est sans doute une dernière aventure, un dernier amour avant le renoncement total. Sa parenté avec Musetta est encore soulignée par l’utilisation récurrente de la valse pour la dépeindre.

Quant au poète Prunier, il a tout du Rodolfo de La Bohème, mais un Rodolfo lui aussi assagi et devenu beaucoup plus matérialiste que dans sa prime jeunesse. Sa poésie n’est plus vouée à l’immortalité, les compromissions ont porté leurs fruits et il peut maintenant s’offrir du champagne –ce qui change de la joyeuse misère de La Bohème. Certes, Mimi, son grand amour, est morte il y a longtemps, mais il reste les amusements divers et les satisfactions immédiates que peuvent donner les femmes de la classe ouvrière. « Sciemment ou inconsciemment, Puccini va jusqu’au bout de la parenté Rodolfo-Prunier à l’aide du rôle vocal de ce dernier. La voix à pleine gorge du ténor, dans toute son amplitude, est devenue une voix plus légère, moins puissante. Vingt années de sybarite ont prélevé leurs droits. » (1)

Tout ce petit monde ne fréquente plus le Café Momus à la recherche du plaisir pendant le règne de Louis-Philippe ; c’est à présent le Paris de Napoléon III qui forme le décor des amusements qu’on va chercher dans l’établissement de Monsieur Bullier. « Puccini a probablement eu beaucoup de mal à établir le chœur si bruyant du début du second acte de La Rondine, car la tentation d’emprunter à sa propre œuvre a dû être grande. Certainement, il a admirablement accompli sa tâche, mais ici la musique, si elle égale l’effervescence de la scène correspondante de La Bohème, a, sous-jacente, une douce amertume. Alors que le mode de sa composition précédente est purement majeur, on peut sentir dans l’œuvre suivante une attirance subtile vers le mode mineur. » (1)

La première de La Rondine eut lieu le 27 mars 1917, à l’opéra de Monte Carlo, en pleine première guerre mondiale. Période plus que noire pour le monde entier, et très sombre également pour le compositeur. En juin 1912, Giulio Ricordi, l’éditeur et ami de Puccini, homme sage, cultivé, diplomate était mort ; l’avait remplacé à la tête de la maison d’édition son fils Tito, antithèse quasiment caricaturale de son père : brusque et agressif, pouvant même se montrer grossier, Tito Ricordi était un homme d’affaires avant tout, un « dur » qui était persuadé que Puccini n’était plus à la page ; le compositeur était donc très inquiet pour son avenir avec la maison d’édition Ricordi.

A cette inquiétude s’était ajoutée l’irritante impossibilité de trouver un livret qui pût donner lieu à l’opéra que Puccini rêvait d’écrire. Après le succès de La Fanciulla del West en 1910, Puccini était conscient qu’ayant fait des incursions dans le monde avant-gardiste, à l’instar de Debussy, Richard Strauss, Schoenberg, il ne pouvait plus revenir à sa manière mélodieuse, sans danger, et qui plaisait au public. Beaucoup trouvait son style déjà démodé. Il lui fallait prendre une orientation différente s’il voulait rester un artiste viable.

Alors qu’il séjournait à Vienne en 1912, un éditeur autrichien demanda à Puccini d’écrire quelque chose de léger, à la manière viennoise. Le compositeur n’était guère emballé mais il accepta. Après bien des tentatives, des déboires, des échecs (même le poète Gabriele d’Annunzio ne put satisfaire Puccini avec un livret intitulé La Croisade des enfants, tiré d’un épisode médiéval) (2), il reçut le premier acte d’un libretto allemand qui s’intitulait La Rondine ; ce livret avait de forts relents de Traviata mais Puccini l’accepta quand même. En mai 1914, le texte allemand définitif et complet lui parvint. Son librettiste Adami se mit à la traduction italienne et Puccini commença la composition de son opéra en doutant malgré tout fortement de son originalité. La Rondine fut achevée à Pâques 1916. L’ouvrage aurait dû être créé à Vienne, mais la guerre l’interdisant, ce fut Monte Carlo qui l’accueillit en 1917, avec un grand succès. Le succès se poursuivit à Buenos Aires où l’opéra fut joué sept fois en mai 1917. Mais l’Italie fut nettement plus difficile à convaincre que l’œuvre possédait un « charme exquis et délicieux » comme l’avaient écrit les critiques de Monte Carlo.

A Bologne, où l’opéra fut monté le 5 juin 1917, la critique fut loin d’être impressionnée et élogieuse ; la première à la Scalade Milan du 7 octobre de la même année fut une catastrophe épouvantable ; les critiques se montrèrent franchement hostiles à l’œuvre qu’ils descendirent en flammes. Mais le public milanais avait aimé La Rondine. Souvent mal produite et mal chantée, l’œuvre arriva enfin à Vienne en octobre 1920, et connut une réception glaciale. Le Covent Garden de Londres s’en désintéressa complètement. Et le Metropolitan Opera de New York ne la mit en scène qu’en 1928, soit presque quatre ans après la mort de Puccini. Reprise au Met en 1936, elle revint à la Scala en 1940. Après…

Pourquoi cet ouvrage n’a-t-il jamais vraiment trouvé sa place dans le répertoire lyrique ? Même aujourd’hui, il est très rarement à l’affiche des grandes scènes d’opéra. Est-ce parce qu’il ne se termine par aucune de ces morts si tragiques et si belles auxquelles Puccini nous avait habitués ? Est-ce parce qu’il n’y aucune situation déchirante comme dans Butterfly ou Tosca ? Est-ce parce que La Rondine relève plutôt du Puccini professionnel remplissant un contrat que du génie envahi par l’inspiration ? Ou parce que le sujet est trop proche de Traviata ? Aucune de ces raisons n’est réellement satisfaisante. Bien chanté, avec une mise en scène qui le met en valeur, l’opéra montre alors toutes ses qualités, nombreuses, bien que la musique ait tendance à s’appuyer sur les succès déjà acquis plutôt que d’aller de l’avant, vers quelque chose de plus original et de plus moderne.

« Che il bel sogno di Doretta a toujours été reconnu comme le numéro un à succès de l’opéra, mais il est plus que cela. » Cet air est chanté par Magda, « avec une émotion grandissante, tandis que ses invités, captivés par la beauté du chant, murmurent : « Delicioza… e squisita. » Certainement, Puccini a dû s’amuser de cette occasion de se moquer de lui-même, car il aurait autrement demandé à Adami de supprimer les apartés lors des nombreuses révisions. » (1) Plus loin, Puccini se livrera à un discret hommage à Richard Strauss en introduisant un des thèmes de l’opéra Salomé lorsque Prunier, énumérant les femmes « élégantes et perverses » qu’il considère digne de son amour, évoquera la Princesse Salomé.

Alors, la Rondine ? Sous Traviata ? « Suite » désenchantée de La Bohème ? Echo faiblard de La Chauve-souris ? Ni l’un, ni l’autre ; simplement une œuvre qui reflète l’aspiration du compositeur à la tranquillité, au bonheur, au repos à une période où son couple chancelle et où ses rapports avec son éditeur sont de plus en plus tendus, et cela dans un monde voué à la violence et à la mort.

(1) – Barrymore Laurence Scherer, livret de présentation de La Rondine, enregistrement de 1983, avec Kiri Te Kanawa et Placido Domingo.

(2) – Le seul commentaire de Puccini à la lecture de ce livret fut que « D’Annunzio avait donné naissance à un petit monstre, informe, incapable de marcher et de vivre ».

Photos :

1 – Couverture disque vynil, Tissot, « Les Adieux » (détail)

2 – Idem

3 – Idem intégral

4 – Kiri Te Kanawa lors de l’enregistrement.

ARGUMENT : Paris, 19^ème siècle, sous le règne de Napoléon III.

ACTE I – La demeure parisienne de Magda ; une salle luxueusement meublée. Magda reçoit ses amis avec Rambaldo. Parmi eux, le poète Prunier qui chante sa dernière création en s’accompagnant au piano. C’est l’histoire d’une certaine Doretta qui rêve que le roi la remarque. Prunier avoue que la fin lui échappe et Magda reprend l’histoire. Rambaldo montre le collier qu’il veut offrir à la jeune femme qui devient immédiatement le centre d’un cercle d’envieux et d’admirateurs. Lisette, la femme de chambre de Magda, dont Prunier n’apprécie pas l’impertinence mais que défend Magda qui l’appelle « un rayon de soleil » demande à Rambaldo s’il se décide à recevoir le jeune homme qui l’attend depuis bientôt deux heures. C’est le fils d’un vieil ami à lui.

Magda évoque pour ses amis l’époque où elle était encore innocente et se rendait au café Bullier pour y trouver l’aventure et, qui sait, l’amour. Elle n’a jamais oublié l’homme qu’elle y a rencontré un jour, dont elle n’a jamais su le nom.

On introduit Ruggero au moment où Prunier entreprend de lire l’avenir dans les mains des invités. Magda est comme une hirondelle, elle fuira Paris et trouvera peut-être l’amour au loin. Tous s’inquiètent de savoir où Ruggero va passer sa première soirée parisienne. On choisit le café Bullier et Lisette déclare que c’est un excellent choix. Tous s’éloignent sauf Prunier. Lisette rappelle à sa maîtresse que c’est son jour de sortie. Magda lui donne congé et gagne sa chambre. Lisette réapparaît, vêtue d’une robe de Magda. Elle heurte Prunier qui la prend dans ses bras avec une affection évidente, non sans lui faire remarquer qu’elle a mal assorti ses vêtements. Elle court se changer et revient dans une tenue plus convenable. Ils partent ensemble. Magda entre à son tour, à peine reconnaissable, vêtue comme une grisette.

ACTE II – Le Café Bullier. La salle de danse est remplie d’une foule d’artistes, de grisettes, de demi-mondaines, etc. Des fleuristes proposent leur marchandise. Ruggero, seul à une table, néglige les invitations de plusieurs jeunes femmes. Magda entre et se débarrasse de ses nombreux admirateurs en affirmant qu’elle a rendez-vous avec le jeune homme solitaire de la table du fond.

Ruggero est ravi et refuse de la laisser repartir lorsqu’elle se croit débarrassé des importuns. En dansant avec lui, elle se rappelle l’aventure d’autrefois. Ils vont jusqu’à inscrire leurs noms sur la plaque de marque qui recouvre leur table. Prunier et Lisette entrent ; elle croit reconnaître sa maîtresse mais il l’en dissuade. Les deux couples se rencontrent et expriment dans un quatuor ce qu’ils pensent respectivement de l’amour.

Magda voit entrer Rambaldo. Prunier éloigne en hâte Ruggero et Lisette. Rambaldo s’approche de leur table, écarte vivement Prunier et demande à Magda si elle rentre avec lui. Elle répond qu’elle est amoureuse et qu’elle ne partira avec lui ni maintenant, ni jamais. Il réagit avec dignité et la laisse. Ruggero revient et tous deux quittent le café.

ACTE III – Une petite villa près de Nice. C’est là que Ruggero et Magda abritent leur idylle. Ruggero a écrit à son père pour lui demander son consentement à son mariage. La jeune femme se demande quelle est la meilleure façon de lui avouer son passé. Tous deux sortent et entrent Lisette et Prunier. Prunier a voulu faire de Lisette une grande actrice mais elle n’a réussi qu’à se faire siffler copieusement. Lisette voudrait retrouver son emploi auprès de Magda. Celle-ci accepte et Lisette se sent tout à coup beaucoup plus à l’aise. Il en serait sûrement de même pour Magda, suggère Prunier, si elle retournait à Paris et à la vie de plaisirs. Magda comprend que ce message, transmis par Prunier, vient de Rambaldo : elle peut revenir auprès de lui quand elle le désire.

Prunier s’apprête à partir, prétendant que tout est fini entre Lisette et lui, mais il s’enquiert de l’heure à laquelle elle sortira le soir-même. Ruggero rentre avec la lettre qu’il vient de recevoir de sa mère. Magda la lit avec confusion. Elle se dit qu’elle ne peut le tromper plus longtemps : il dot savoir qu’elle a toujours été prête à vendre ses faveurs pour de l’argent et qu’elle a vécu dans un luxe coupable. Elle peut l’aimer mais ne peut pas l’épouser et se présenter à sa mère comme une pure fiancée. Le cœur brisée, s’appuyant au bras de Lisette, elle s’en va, prête à reprendre son ancienne existence, laissant derrière elle son unique amour.

VIDEO 1 : Air de Magda, Acte I, air de "Doretta". Mirella Freni

VIDEO 2 : Acte III, scène finale. Angela Gheorghiu, Roberto Alagna.

Fidelio

2011-09-12T11:05:00+02:00

Fidelio est un très bel opéra, sans conteste ; mais je l’avoue humblement, il ne compte pas parmi mes œuvres préférées. De Beethoven, je préfère de loin les symphonies, la Pastorale notamment dont le pouvoir d’évocation de la nature est tout simplement prodigieux.

Si Beethoven a composé différentes œuvres pour la scène (musique de ballet, de théâtre, des ouvertures) il n’a en revanche écrit qu’un seul opéra : Fidelio, qui devait, à l’origine, s’appeler Léonore et dont le titre a été changé pour une raison qui va être exposée par la suite.

Le livret de l’opéra est tiré d’une pièce française, Léonore, de Jean-Nicolas Bouilly, œuvre qui a sombré dans les bas-fonds de l’oubli. Le librettiste de Fidelio, Sonnleithner, l’avait traduit et en avait modifié certains passages. L’argument était fondé sur un fait réel qui, apparemment, s’était produit pendantla Révolution Française : Madame de Tourraine avait réussi à délivrer son mari de la prison où les Jacobins l’avaient jeté en se déguisant en homme. A cause de la censure, Bouilly avait été obligé de situer l’action de sa pièce en Espagne. Quelques années avant que Beethoven ne retienne le sujet pour en faire un opéra, un autre compositeur, Pierre Gaveaux, en avait tiré une œuvre lyrique représentée à Paris en 1798.

La genèse du Fidelio de Beethoven est quelque peu compliquée : le compositeur travailla à cette œuvre de l’hiver 1803/1804 jusqu’en 1805. L’ayant laissée de côté, il la reprit en 1806 puis l’abandonna de nouveau et la reprit une dernière fois en 1814. Ce long laps de temps qu’il fallut à Beethoven pour être satisfait de son opéra montre les difficultés auxquelles il se heurta et qui furent les suivantes :

En 1805, la première version de Fidelio était achevée. Après différents problèmes de censure qui avaient obligé Beethoven et son librettiste à couper certaines scènes considérées comme subversives, l’œuvre est créée le 20 novembre 1805 au Theater an den Wien, sous le titre Fidelio ou L’Amour conjugal. Le titre original avait dû être modifié sur demande du directeur du théâtre, qui ne voulait probablement pas qu’on confondît cet opéra avec celui du compositeur Ferdinand Paër, monté en 1804 et qui était également tiré de la pièce de Bouilly. Beethoven composa cependant trois ouvertures appelées Léonore, qui rappellent le titre d’origine. L’opéra fut crée avec l’ouverture Léonore II et connut un échec retentissant qui s’explique par les conditions un peu particulières du moment. Une semaine avant la création, les troupes napoléoniennes étaient entrées à Vienne et la majeure partie du public était composée d’officiers français. Cela dit, l’opéra ne suscita aucun enthousiasme parmi les critiques viennois : on estima que la musique « était jolie » mais qu’elle était encore « loin de la perfection » et que l’œuvre était « loin d’être ne serait-ce que réussie ».

Cet échec ne découragea pas Beethoven qui modifia en profondeur son opéra, avec l’aide de son ami de jeunesse Stephan von Breuning. Ils firent de nombreuses coupures, enlevèrent un acte (on passa alors de trois actes à deux) et Beethoven composa une nouvelle ouverture, Léonore III. Cette deuxième version fut créée le 29 mars 1806 et cette fois, ce fut l’ouverture qui s’attira les foudres de la critique, qui affirma qu’elle déplaisait « par ses dissonances continuelles et par ce tourbillon exagéré de violons », que c’était une musique « plus artificielle que véritablement artistique ». L’œuvre tint l’affiche quelques jours, puis sombra dans l’oubli.

Il fallut attendre 8 ans pour que la troisième et dernière version de l’opéra ne soit achevée. La domination napoléonienne s’était effondrée dans toute l’Europe et Beethoven restait, malgré ses problèmes de surdité, un compositeur très sollicité à Vienne. Afin de toucher un public plus large, il demanda à Georg Friedrich Treitschke, metteur en scène et directeur de théâtre, de remanier le livret, qui subit de nouvelles transformations : resserrement de l’action, ajout de certains passages ; travail qui demanda à Beethoven un grand effort. Peu avant la première, le compositeur se montra cependant encore insatisfait de son œuvre ; mais elle fut quand même créée le 26 mai 1814 et cette fois, ce fut enfin le succès. Pour l’occasion, Beethoven composa la quatrième ouverture qui fait partie de cette version. L’opéra fut ensuite représenté à Prague, puis Dresde, Berlin et d’autres villes.

Fidelio n’a jamais acquis le caractère d’un opéra national allemand, au contraire du Freischütz de Weber. Probablement parce que l’action se déroule en Espagne et qu’en filigrane, on y parle de la Révolution Française et de la Terreur. De plus, le librettiste n’est pas parvenu à situer cette œuvre dans le contexte de l’opéra allemand, alors pratiquement inexistant à Vienne, où dominait l’opéra italien. Ce type d’opéra est basé sur des idées humanistes telles que la rédemption, la liberté, la fraternité et n’a que peu de choses en commun avec le singspiel allemand, si ce n’est sur le plan formel : alternance de dialogues parlés et de parties chantées bien définies. Si les cinq premiers numéros renvoient au singspiel tel que le concevait Mozart, ces caractéristiques s’estompent au fur et à mesure que l’intrigue se déroule. Certains airs comme celui de Pizarro au premier acte présentent un caractère très dramatique ; les scènes du second acte qui se déroulent dans le cachot de Florestan montrent à quel point Beethoven se souciait peu des règles en vigueur à son époque. En fait, Fidelio est un opéra romantique, et cela se voit lorsque Fidelio et Rocco creusent la tombe de Florestan, et les passages parlés, interrompant la musique, engendrent alors une grande tension dramatique. Quant au final de la version 1814, il rappelle nettement la Neuvième Symphonie.

ARGUMENT : La scène se situe dans une forteresse carcérale près de Séville, au 18^ème siècle.

Acte I – La cour de la prison. Le portier Jacquino presse Marcelline, la fille du geôlier, de l’épouser. Mais Marcelline est amoureuse du nouvel assistant de son père, le jeune Fidelio, et repousse les avances de Jacquino. Mais derrière ce personnage de Fidelio se cache Léonore qui s’est déguisée en homme afin de venir en aide à Florestan, son mari emprisonné. Rocco, le père de Marcelline, puis Fidelio lui-même arrivent. Marcelline, voyant Fidelio épuisé, se précipite pour le débarrasser de son fardeau. Rocco fait une allusion bienveillante à ce qu’il croit être l’intérêt que se portent les deux jeunes gens ce qui entraîne un magnifique quatuor « Mir ist so wunderbar ». Puis Rocco chante les louanges de l’argent et son utilité pour les jeunes gens qui se marient. La situation de Léonore est devenue des plus scabreuses mais il importe qu’elle continue à jouer son rôle si elle veut sauver son mari.

D’après une description que Rocco fait de ses prisonniers, Léonore est convaincue que son époux est bien dans cette forteresse, mais dans le cachot le plus profond. Pizarro, le gouverneur de la forteresse, arrive. Une dépêche l’avertit que Fernando, ministre du roi, ayant appris que Pizarro usait de son pouvoir pour assouvir des vengeances personnelles, doit venir visiter la forteresse. Pizarro, dans une aria dramatique à souhait, décide d’en finir avec Florestan. Il fait placer sur les remparts de la forteresse un trompette et une sentinelle chargés de surveiller la route de Séville. Le trompette devra sonner l’alarme dès qu’il apercevra l’équipage officiel. Puis il lance une bourse à Rocco et lui ordonne, pour la sécurité de l’Etat, de se débarrasser du plus dangereux des prisonniers, Florestan. Rocco commence par refuser puis lorsque Pizarro assure qu’il le fera lui-même, consent à creuser une tombe dans une vieille citerne qui se trouve dans les caves.

Léonore a tout entendu : son aria « Abscheulicher ! Wo eilst du hin ? » exprime de façon bouleversante son horreur, puis l’espoir que l’amour, la fidélité et l’aide dela Providencesauveront la vie de son époux. Puis, elle apprend qu’elle doit aider Rocco à creuser la tombe ; elle sera ainsi près de son mari et pourra soit l’aider, soit mourir avec lui.

Les prisonniers de l’étage supérieur ont obtenu le droit de sortir quelques minutes, grâce à Léonore et à l’occasion de l’anniversaire du roi. Les cellules sont ouvertes et on leur permet de marcher dans le jardin de la forteresse, jusqu’à ce que Pizarro, furieux, intervienne. L’acte se termine sur leur retour dans leur cellule.

Acte II – Premier tableau – Le cachot de Florestan. Fiévreux et déliran, Forestan, dans une aria, croit voir Léonore et sombre dans l’inconscience. Rocco et Léonore, descendus dans la cave, commencent à creuser la tombe. Soudain, Léonore reconnaît Florestan et obtient de Rocco la permission de lui donner un peu de nourriture. Pizzaro pénètre dans le cachot, se fait reconnaître de son ennemi et dégaine son poignard pour le tuer. Léonore se jette entre eux ; repoussée, elle braque un pistolet sur Pizarro : « Tuez d’abord sa femme ! » La trompette retentit ; Jacquino apparaît et annonce que le ministre du roi est aux portes de la forteresse. Florestan est sauvé, la scène s’achève sur la défaite de Pizarro. Un duo extasié réunit alors les deux époux.

Deuxième tableau – La cour de la prison. Don Fernando se révèle être un ami de Florestan, qu’il fait libérer ainsi que tous les prisonniers. Pizzaro est arrêté et l’opéra s’achève par un chœur de réjouissance, hymne à la gloire de l’amour conjugal et de la fidélité.

Photos :

1 - Theo Adam (Pizarro) au second plan Hans Sotin (Fernando) – téléfilm 1968 ;

2 - Anja Silja (Léonore), Ernst Wiemann (Rocco), Erwin Wohlfahrt (Jacquino), Lucia Popp (Marcelline) – Téléfilm 1968 ;

3 - Anja Silja (Léonore) Richard Cassilly (Florestan) – Téléfilm 1968.

VIDEO 1 : Air de Léonore Acte I “Ascheulicher !...” – Christa Ludwig

VIDEO 2 : Acte I – Choeur des prisonniers

VIDEO 3 : Acte II – Scène de la prison « Er Sterbe ! » Christa Ludwig, James King, Walter Berry, Josef Greindl.

Pleins phares sur une nuit médiévale

2011-08-31T07:30:00+02:00

Après la journée, voici la nuit médiévale! La nouveauté cette année c'était un spectacle équestre de nuit... A 22h15 avec un temps digne de l'automne, je n'ai pas regretté d'être restée! J'étais émerveillée, les yeux grands ouverts comme la petite fille qui sommeille en moi! Et avec le nouvel objectif nous nous sommes éclatés! Pas facile de maîtriser les mouvements et la lumière mais le résultat est assez prometteur!
Je vous laisse avec la magie du feu et des chevaux, bien plus parlante que mes mots!

Une journée exceptionnelle, je pense déjà à l'année prochaine! Et ça m'a aussi donné envie de refaire de l'équitation ou des balades à cheval! Bientôt, peut-être?

La fête médiévale façon Game of Thrones...

2011-08-27T08:30:00+02:00

L'année dernière nous avions assisté à une chouette journée médiévale avec Mr l'Amoureux et cette année nous avions envie d'y retourner! C'était une journée grise mais avec notre nouvel objectif 70-200 L nous n'avons pas du tout pris les mêmes photos et c'était vraiment sympa de comparer ces deux événements! Plongés dans la série Game of Thrones ça nous a bien amusé d'être dans l'univers médiéval le temps de quelques heures!

Le spectacle des chevaliers

Le spectacle des échassiers

Déjà beaucoup de photos, je vous propose donc une prochaine escapade de nuit dans cet univers endiablé qui me plaît toujours autant! J'espère y retourner l'année prochaine!

Tannhäuser

2011-06-27T14:21:00+02:00

On connaît l’avis de Mérimée sur cet opéra de Wagner : sortant de la première parisienne en mars 1861, il se serait écrié : « ça m’embête aux paroles et ça me tanne aux airs » ! Jeu de mots amusant, certes, et qui en dit long sur son opinion, mais qui, tout compte fait, ne rend pas vraiment hommage à son auteur. Car même si Tannhäuser comporte quelques longueurs, cela n’en reste pas moins un splendide opéra.

Le titre complet de l’ouvrage est en fait Tannhäuser et le Tournoi de Chant sur la Wartburg : c’est le cinquième opéra de Wagner et on comprend aisément pourquoi la postérité a réduit ce titre interminable, qui, d’ailleurs, n’était pas le titre original. Il avait cependant l’avantage de donner d’emblée des renseignements sur une partie du contenu, mais une partie seulement, car le sujet de cette œuvre va bien au-delà d’un simple tournoi de chanteurs.

1841 : Wagner est à Paris, il a fini de composer Le Vaisseau fantôme ; la vie qu’il mène dans la capitale française n’a rien d’agréable : c’est privations et compagnie, faute d’argent… Alors, il lit ; et comme il a le mal du pays, il lit des poèmes germaniques et notamment celui consacré à Tannhäuser, devenu chevalier servant de la déesse Vénus mais qui s’en étant repenti, demande son pardon au Pape et se le voit refuser. Par ailleurs, Wagner consulte beaucoup d’ouvrages traitant des tournois de chant s’étant déroulés au 13^ème siècle au château de la Wartburg, près d’Eisenach en Thuringe. Il n’en faut pas plus pour enflammer l’imagination du compositeur qui, à partir de ces deux éléments commence à bâtir une histoire dans laquelle il mêlera Tannhäuser et ce fameux concours de chant. Disons tout de suite que si les personnages de l’opéra ont tous réellement existé, certains ne pouvaient en aucun cas se rencontrer à la Wartburg. Tannhäuser naît à Salzbourg aux environs de 1200 et après une jeunesse tumultueuse qui le mène en Orient en tant que croisé, il devient ménétrier errant. Quant à Elisabeth, fille du roi de Hongrie, elle naît en 1207, et n’est pas la nièce du Landgrave de Thuringe comme l’affirme l’opéra mais sa femme ; et comme le tournoi sur la Wartburg se déroula en 1207, ni Tannhäuser, ni Elisabeth ne pouvaient y participer. Par contre, les concurrents de Tannhäuser, eux, ont fait partie des chanteurs reçus à la cour du Landgrave : Wolfram von Eschenbach, et le plus célèbre des Minnesingers, Walter von Vogelweide.

Au printemps de 1842, Wagner et sa femme Mina retournent à Dresde et passent par la Wartburg ; le compositeur trouve là l’excitation intellectuelle nécessaire pour envisager sérieusement une œuvre consacrée à Tannhäuser et aux chanteurs du tournoi. Le 22 juin, en vacances dans les montagnes de Bohème, il commence à rédiger le livret d’un opéra appelé Der Venusberg (Le « Mont de Vénus ») qu’il termine en juillet. Revenu à Dresde, et devenu second chef d’orchestre, il remanie le livret et change le titre, après que des amis médecins lui eurent expliqué ce que signifiait le Mons Veneris dans l’anatomie féminine et l’eurent mis en garde contre les plaisanteries paillardes que ce genre de titre allait provoquer ; sans parler des protestations des ligues « bien pensantes »…

De 1843 à 1845, Wagner compose la musique et l’orchestration. Le succès de Rienzi et du Vaisseau Fantôme lui permet de faire accepter Tannhäuser à Dresde. La première a lieu le 19 octobre 1845 ; on trouva l’opéra un peu trop long et Wagner fit quelques coupures qu’il regretta par la suite. Mais dès la quatrième représentation, ce fut un triomphe. Quelques modifications furent encore apportées à l’ouvrage original dans les années suivantes et si le public de Dresde avait chaleureusement accueilli Tannhäuser, les autres scènes lyriques mirent du temps à le produire et le public à comprendre les intentions du compositeur. En 1861,La Princesse de Metternich ayant vu l’œuvre à Dresde insiste auprès de Napoléon III pour qu’elle soit montée à Paris. Pour cela, Wagner introduit un ballet dans la première scène entre Vénus et Tannhäuser et la remanie complètement. On connaît l’échec retentissant que ce fut : l’ouvrage dut quitter l’affiche au bout de trois représentations. Pourtant, c’est avec cette version que l’opéra allait conquérir le monde, et les représentations modernes utilisent le plus souvent ses composantes.

Tannhäuser est devenu célèbre bien plus grâce à la richesse de ses mélodies que par sa signification dramatique, politique et spirituelle, au grand désappointement du compositeur. Pour lui, ce qui primait avant tout, c’était l’interprétation psychologique des personnages et de l’action : un héros déchiré entre l’appel de la sensualité et celui de la spiritualité et donc fortement culpabilisé, un pardon refusé par le pape, l’intercession d’une femme qui, par son sacrifice, va provoquer le « miracle » et sauver le pêcheur. On retrouve dans Tannhäuser le même thème de la Rédemption par l’amour que dans le Vaisseau Fantôme : sœur spirituelle de Senta, Elisabeth n’hésite pas à sacrifier sa vie pour le salut de celui qu’elle aime.

Le problème qui se pose lorsqu’on veut monter Tannhäuser, c’est le choix des versions : celle de Dresde ? Celle de Paris ? A première vue, la seule notable différence entre les deux est la réécriture complète de la grande bacchanale du premier acte. Mais c’est, comme il a été dit plus haut, aussi et surtout dans la scène suivant cette bacchanale que l’on trouve le plus de modifications, seules les trois stances de Tannhäuser sont identiques dans les deux versions. Les légères modifications dans le début du deuxième acte « le tournoi des chanteurs » sont sans importance ; le troisième acte est inchangé. Wagner lui-même régla le problème du choix : il autorisa de passer de la version de Dresde à celle de Paris lorsque l’Ouverture en est au point culminant de sa section centrale en mi majeur –lorsque le rideau se lève- et de jouer à partir de là le ballet de la version de Paris. En revanche, en général, on revient à la version de Dresde lorsque les personnages entrent en scène. Cette façon de procéder se justifie par le caractère tardif des modifications apportées pour Paris par le compositeur : elles sont intervenues en 1860 ; Wagner avait alors commencé La Tétralogie, achevé Tristan et Isolde ; la différence de style est évidente et la première partie du premier acte aurait paru alors incongrue dans une partition au demeurant très cohérente.

Et Bayreuth ? La « colline sacrée » n’allait accueillir l’ouvrage qu’en 1891, dans une mise en scène de la seconde femme de Wagner, Cosima. Elle partageait le point de vue de son mari et sa mise en scène était en tous points fidèle aux aspirations du compositeur. Cette production fut reprise en 1904 avec Siegfried Wagner au pupitre de l’orchestre. La chorégraphie du ballet était signée Isadora Duncan. En 1930, une nouvelle production vit le jour, due cette fois à Siegfried Wagner ; Maria Müller tenait le rôle d’Elisabeth, le chef s’appelait Arturo Toscanini. Puis, ce fut une assez longue éclipse et Tannhäuser ne reparut sur la scène de Bayreuth qu’en 1954 ; la mise en scène était signée Wieland Wagner. La notion de culpabilité était alors mise en avant dans la conception scénique et dans l’interprétation.

En 1961, Wieland Wagner récidiva avec une nouvelle production, qui allait rester célèbre dans les annales de Bayreuth, pour plusieurs raisons : la première, c’est que, pour la première fois dans ce temple qui avait été au temps de nazisme le haut lieu du régime hitlérien, se produisait une artiste noire : Grace Bumbry tenait le rôle de Vénus ; face à elle, une Elisabeth blanche : Victoria de Los Angeles d’abord, Anja Silja ensuite. La seconde, c’est que le ballet d’ouverture, d’une sensualité franchement lascive et déroutante, était réglé très audacieusement par Maurice Béjart.

« Wieland ne visait pas au sensationnel mais se voulait au contraire profondément « moral ». Pour lui, Tannhäuser apparaissait finalement comme un ouvrage strictement chrétien dans lequel les thèmes du repentir, du sacrifice et de la rédemption, ainsi que l’infranchissable barrière qui sépare l’eros de la religio sont exploités du point de vue du christianisme catholique. Les décors se remarquaient par leur sobriété. A part le Venusberg dont les occupants se tortillaient en jeux amoureux sur une sorte de toile d’araignée et le mur rehaussé d’or de la salle du concours de chant, ils montraient des arbres stylisés et une vaste surface en croix pour les scènes d’extérieur. […] Pour Wieland Wagner, le personnage de Tannhäuser représentait l’homme moderne, qui ne saurait se plier à la vie de cour et qui, par là, s’oppose à Wolfram, romantique, idéaliste mais, socialement, conformiste. Wieland se rappelait l’avis de son grand-père selon lequel Tannhäuser éprouve à fond chacun des sentiments qui s’emparent de lui. Mais il se souvenait aussi que le Richard Wagner de 1845 était un socialiste convaincu, qui s’identifiait fortement au héros de son opéra, un artiste et un individualiste absolument pas à son aise à la cour du Landgrave. Tannhäuser devait hésiter, souffrir et mourir parce que, après avoir goûté les joies interdites du Venusberg, il ne pouvait donner tout son amour à la pure Elisabeth, à celle qui était totalement vouée à la sainteté. » (1)

(1) William Mann, traduction de Jean Dupart, livret de présentation de l’opéra.

Photos : Couleur 1 : fin de l’acte I Wolfgang Windgassen (Tannhäuser) – Bayreuth 1961 ; couleur 2 : Acte II, Wolfgang Windgassen (Tannhäuser) Anja Silja (Elisabeth) – Bayreuth 1961 ; NB 1 : Grace Bumbry (Vénus) ; NB 2 : Acte II, Le tournoi des chanteurs surla Wartburg ; NB 3 : Acte I,La Bacchanale du Venusberg, chorégraphie de Maurice Béjart – Bayreuth 1961.

ARGUMENT : Dans et près de la Wartburg, au 13^ème siècle, province de Thuringe.

ACTE I – Premier tableau : le Venusberg.

Tannhäuser est dans les bras de Vénus qui repose sur une couche fleurie. Nymphes et bacchantes dansent, des sirènes chantent et dans le fond, des silhouettes décrivent des figures amoureuses. Les voix lointaines des sirènes invitent au plaisir des sens. Tannhäuser chante un hymne passionné à la louange de la déesse mais exprime en même temps son désir de retrouver le monde extérieur et la nature. Il supplie par trois fois Vénus de le laisser partir. La déesse trouve des accents pleins de séduction pour le retenir puis comprenant qu’il est décidé à la quitter, le met en garde avec violence contre les malheurs qui l’attendent sur terre et prédit que le monde refusera de lui pardonner et qu’il lui reviendra, repentant, et la suppliera de le reprendre dans son royaume. Cette scène entre le héros et la déesse est extrêmement dramatique.

Deuxième tableau : La vallée de la Wartburg.

Contraste frappant entre les débordements de la scène précédente et le calme qui baigne la vallée ; décor serein, accentué par le crucifix devant lequel Tannhäuser, que Vénus a libéré, est prostré. Un jeune pâtre joue sur sa flûte, accentuant ainsi l’effet pastoral. Le chant des pèlerins s’élève dans le lointain, interrompu de temps à autre par la flûte du pâtre. Les pèlerins se rapprochent, leur chœur s’amplifie ; quand ils arrivent sur la scène, leur prière devient un immense psaume de dévotion. Tannhäuser, profondément affecté, donne libre cours à ses sentiments dans une complainte ; le chant des pèlerins s’éteint peu à peu. Le calme revient, troublé soudain par le son des cors de chasse. Le Landgrave et ses chevaliers entrent et entourent Tannhäuser. Wolfram le reconnaît et tous lui font accueil. Wolfram voyant que Tannhäuser souhait accompagner les pèlerins à Rome demande au landgrave l’autorisation de lui révéler l’impression qu’il semble avoir faite sur Elisabeth. Tannhäuser, qui aime toujours Elisabeth, accepte de retourner au château. L’acte se termine par un ensemble enthousiaste.

ACTE II – La grande salle des chanteurs à la Wartburg.

Elisabeth entre et dans une célèbre et très belle aria (« Dich teure Halle… ») chante sa joie de retrouver Tannhäuser. Wolfram introduit Tannhäuser auprès de la jeune fille. Le duo qui s’ensuit permet à Elisabeth de montrer son trouble et le combat qui se fait en elle entre sa pudeur et sa joie ; questionné, Tannhäuser répond évasivement quant à l’endroit où il se trouvait. Puis, la conversation vire au duo d’amour.

Entrée du landgrave qui annonce à sa nièce qu’il offrira sa main en récompense au chanteur qu’elle couronnera vainqueur du tournoi. C’est alors la solennelle et impressionnante « entrée des convives » puis après un discours du Landgrave, les chanteurs tirent au sort le nom de celui qui commencera l’épreuve. L’un après l’autre, les chevaliers chantent platement la beauté de l’amour chaste mais Tannhäuser, se remémorant soudain les séductions et la magie du Venusberg, perd tout contrôle de lui-même et se lance dans un hymne passionné à Vénus. Les femmes, horrifiées, quittent la salle ; les hommes dégainent leur épée, se lancent sur Tannhäuser ; Elisabeth s’interpose. Réalisant tout à coup ce qu’il vient de dire, Tannhäuser, écrasé de repentir, demande à se joindre aux pèlerins qui partent à Rome afin d’obtenir le pardon du pape. Le Landgrave l’y autorise.

ACTE III – La vallée de la Wartburg, en automne.

Elisabeth prie, agenouillée au pied de la croix. Wolfram se tient en retrait, et la regarde avec tendresse. Au loin, on entend le chœur des pèlerins qui reviennent de Rome. Ils entrent ; Elisabeth les regarde avec anxiété, cherchant Tannhäuser parmi eux ; en vain. Elle s’effondre à genoux devant la croix, entonne une prière, puis se lève et regagne le château, après avoir doucement repoussé l’aide de Wolfram. La nuit est tombée, l’étoile du berger brille dans le ciel : Wolfram chante la magnifique « romance à l’étoile » dans laquelle il exprime son amour pour Elisabeth.

C’est alors qu’abattu, désespéré, apparaît Tannhäuser. Il demande à Wolfram quel est le chemin du Venusberg. Wolfram lui ordonne de s’arrêter et de raconter son voyage à Rome. Tannhäuser raconte alors les souffrances endurées et le terrible jugement prononcé contre lui par le pape : il n’obtiendrait sa grâce que lorsque son bâton de pèlerin aurait fleuri. Ayant perdu tout espoir, Tannhäuser préfère s’adonner une fois de plus aux joies du Venusberg. Une lumière rose éclaire la montagne, et Vénus apparaît, les bras tendus vers Tannhäuser. La voix de la déesse se fait plus séductrice et persuasive que jamais ; alors que Tannhäuser va succomber, Wolfram prononce le nom d’Elisabeth. Vénus disparaît dans un cri et un cortège funèbre descend de la montagne. C’est celui d’Elisabeth qui vient de mourir et que l’on porte en terre ; Tannhäuser meurt sur son corps tandis que retentit à nouveau le chœur des pèlerins apportant l’incroyable nouvelle : le pécheur est sauvé car son bâton vient de fleurir.

VIDEOS :

1 - Acte II, scène 1, air d'Elisabeth "Dich teure Halle..." : Montserrat Caballe

2 - Acte II, "entrée des convives"

3 - Acte III, scène finale.

La plages des six pompes 2010

2011-05-29T19:45:00+02:00

Comme je le disais dans mon précédent article, la photo vous mène partout !

En août 2010, malgré les contraintes, nous étions à nouveau sur la plage... Le carré de sable y est toujours aussi réduit mais sous les pavés des six pompes la plage est toujours là... !

La moisson d'images recueillies en une seule journée laisse imaginer l'ambiance du lieu et la nécessité de séjourner plusieurs jours afin de combiner efficacement les multiples spectacles de la programmation officielle comme du "Off".

Loin de l'ambiance de Paris-Plage et de ses palmiers naturalisés à l'aspirine effervescent, le festival des arts de la rue de La Chaux-de-fonds (Suisse) joue cette année les prolongations. C'est en effet sur 7 jours que seront accueillies des spectacles venus du monde entier.

Un festival qui vaut le déplacement et dont vous pourrez trouver toutes les informations sur son site, bien d'autres images et vidéos, juste histoire de susciter l'envie...

45 spectacles en 2010: un record!

2011-03-30T18:53:00+02:00

Un peu d'autopromotion aujourd'hui, et je ne suis même pas en campagne électorale!

J'ai déjà parlé sur ce blogue de mon site Billets de concert, où j'ai placé des reproductions de billets de concerts et spectacles auxquels j'ai assisté depuis une quinzaine d'années.

Je viens tout juste de compléter l'année 2010. J'ai vu 45 prestations pendant cette période, spectacles, concerts, et même une visite touristique.

J'ai donc battu mon propre record pour le nombre de manifestations vues en une seule année au Saguenay (j'en ai aussi vu quelques-unes à à Québec et à Montréal. Sur le site, les billets sont classés par ville, et, pour le Saguenay, par année).

Mon précédent record est celui de 2009, avec 37 sorties. C'est donc dire que je vois beaucoup plus de spectacles maintenant, à la retraite, que pendant ma carrière de journaliste au Quotidien. Et c'est tout à fait normal car alors, la critique ne représentait qu'une partie de mon travail, en plus des interviews, nouvelles, conférences de presse, visites d'expositions et poutine de gestion et de correction.

Sauf de rares exceptions, chacun des billets affichés renvoie à une note de ce blogue où j'ai commenté le spectacle en question. La plupart de mes critiques ou commentaires sont élogieux, et ça aussi c'est normal, car maintenant, j'assiste seulement aux spectacles qui m'intéressent, que je crois susceptibles de me plaire. Il y a bien eu quelques déceptions, des choses qui ne répondaient pas à mes attentes, mais ce fut rare.

D'ailleurs, si le billet lui-même est intéressant comme objet, j'imagine bien que ce qui intéresse davantage les visiteurs du site, c'est le commentaire, le texte sur le spectacle ou l'artiste auquel il renvoie. Pour cette raison, je me suis amusée à concevoir et à dessiner des billets (des fac-similés d'originaux qui n'existent pas!) pour les spectacles où il n'y en avait pas. Par exemple, les concerts gratuits donnés à la Cathédrale pendant l'été et ceux présentés par les Jeunesses musicales, ou les pièces des Têtes heureuses et des Clowns noirs. (Je suis assez fière de mes (faux-)billets, dont vous voyez quatre exemples sur cette page. Un clic sur l'image conduit à la page correspondante de mon site Billets de concert).

Je l'ai fait pour l'année 2010, et aussi pour les années antérieures. Il m'en reste d'ailleurs quelques-uns à ajouter.

Je n'ai pas encore affiché sur le site mes billets 2011 (je placerai la première partie d'entre eux vers le mois de juin), mais j'en ai déjà plusieurs, et si la tendance se maintient, je vais égaler ou battre mon record.

Tout ça représente des heures d'un travail passionnant, pendant lesquelles je me suis amusée avec CSS et HTML, mes jeux vidéo favoris en ce moment (en plus de Bejewelered Blitz sur Facebook!).

Toujours pour mon site de billets, je travaille actuellement à confectionner une table des matières,ou plutôt un index (genre) qui permettrait de voir, sur une seule page, la liste des titres, ensembles, ou artistes mentionnés dans une rubtrique donnée. Et je songe à ajouter également des liens renvoyant par exemple aux sites officiels des artistes ou des compagnies. Plus tard peut-être, j'aimerais ajouter des photos.

Printemps des poètes invitation

2011-03-20T09:13:00+01:00

Fête de la poésie

Printemps 2011

Le samedi 02 avril 2011

à 17 heures précises

Salon de l’Hôtel de Ville

La Roche sur Foron

Soirée Poétique

La correspondance

avec la participation de

Joël SERVIGNE au saxo

par le Cercle des Poètes de la

Société des auteurs savoyards

Printemps des poètes invitation LE 19MARS

2011-03-15T10:23:00+01:00

Le cercle des Poètes retrouvés

vous invite au

PRINTEMPS DES POETES

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Programme

SOIREE POETIQUE

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1^ère partie

___________

SOUFFLEURS DE VERS

2^ème partie

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LA CORRESPONDANCE

Samedi 19 mars 2011 à 20 heures

Médiathèque de la communauté de

communes Faucigny Glières

Entrée gratuite

”LISTEN TO YOUR EYES !”, EN LTC LIVE !

2011-02-22T13:21:00+01:00

Pour découvrir toute notre programmation >>> www.mclmetz.fr

Le Jongleur de Notre-Dame

2010-12-25T11:49:00+01:00

On me dira peut-être que choisir de présenter cet opéra le jour de Noël est un clin d’œil un peu facile au lecteur. Auquel cas, je répondrai que seul le hasard est responsable de cet état de fait et que, au fond, rien dans cet ouvrage ne renvoie à la « Sainte Nuit ». Si j’avais voulu faire un lien entre cette fête et l’opéra, j’aurais plutôt choisi Werther dont la mort a lieu justement la nuit de Noël. Mais si l’on veut absolument trouver une relation entre les deux, peut-être faut-il la chercher dans l’union du profane et du sacré, le premier terme renvoyant à l’opéra lui-même et le second à son sujet. Exactement comme le mélange de deux éléments antagonistes dans la réalité de nos Noëls modernes : le commerce et la religion …

Cela dit, Le Jongleur de Notre Dame est loin d’être l’opéra le plus populaire de Massenet. Manon et Werther, pour ne citer que les plus célèbres, lui font de l’ombre et c’est fort dommage car il y a dans cette œuvre de très beaux airs, « la légende de la sauge », par exemple, au second acte. Cependant, comme on le verra plus loin, l’argument est assez mince et ne présente guère de rebondissements et il a fallu tout le talent de Massenet pour en tirer trois actes qui s’écoutent avec beaucoup de plaisir.

Evoquons d’abord l’origine de l’opéra avant de voir les circonstances de sa création. On pourrait appeler cet ouvrage « un miracle en trois actes ». Il renvoie directement à la littérature du Moyen Age et aux fameux « miracles » ou « mystères » qui étaient souvent représentés sur le parvis des cathédrales. Il faut remonter au 12^ème siècle pour en trouver la trace car le texte initial est un fabliau de 685 vers intitulé Del Tumbeor Nostre-Dame. La traduction en français moderne par un universitaire nommé Maurice Léna (qui avait rebaptisé l’œuvre Le Jongleur), fournira le livret qui permettra à Massenet de composer son opéra.

Quant aux circonstances qui ont permis la naissance de l’ouvrage, elles tiennent elles aussi du « miracle » si l’on peut dire, ou pour le moins d’un bienheureux hasard. Massenet recevait suffisamment de livrets de la part de ses fournisseurs habituels, aussi ne lisait-il jamais ceux qu’on lui envoyait par la poste. Mais un jour qu’il descendait de chez lui pour aller à la campagne, il se trouva face au facteur chargé de lui remettre une grosse lettre recommandée ; or, la concierge était absente. Massenet, ignorant ce que cela pouvait être, signa la décharge et alla prendre son train. Pendant le voyage, n’ayant rien de mieux à faire, il ouvrit l’enveloppe : elle contenait le poème du Jongleur, qu’il commença à lire. Il faillit en rater sa station… Dès que cela fut possible, il rencontra l’auteur et au bout d’une heure d’entretien, l’accord fut conclu. Le Jongleur de Notre Dame allait bientôt voir le jour.

On peut s’étonner de cet engouement du compositeur pour un tel sujet, surtout lorsqu’on lit le réjouissant portrait que faisait de lui Léon Daudet, loin d’être bienveillant dans son jugement. Le voici tel quel :

« … On le voyait arriver la mine au vent, l’air inquiet, les cheveux plats, les mains dans les poches de son veston, mâchonnant toujours quelque chose qui finissait en compliment excessif… Il partait de ce principe que les humains aiment les douceurs et qu’il faut les gaver de sucre jusqu’à l’écoeurement. Il n’y manquait point. Quand il avait félicité sur leurs mines et sur leurs travaux toutes les personnes présentes, il se jetait dans un fauteuil et contrefaisait le petit enfant qui a soif et veut du lolo, ou le chien-chien à sa mémère qui désirerait un gâteau sec. Il marmottait en jetant des miettes et buvottait, riant, contant des fariboles inachevées, inachevables et toujours louangeant. Les vieilles dames musicophiles accouraient minaudières, empressées, montrant des architectures dévastées ou branlantes qu’on appelle euphémiquement de beaux restes. Massenet les traitait comme si elles avaient eu vingt ans, les couvrait de fleurs et de couronnes. Néanmoins, son œil agile, franchissant le cercle de ces portraits de famille, cherchait la jolie et la jeune pour de bon, modestement demeurée en arrière. Quand il l’avait trouvée, il bondissait vers elle, se jetait à quatre pattes, dansait la pyrrhique, bref se signalait par mille folies, à la stupeur amusée ou hérissée de celle qui devenait aussitôt son point de mire, sa Dulcinée. Le sincère de la chose était une sensualité inflammable d’oiseau-lyre ou de paon qui fait la roue. Ses yeux pâmés et frivoles criaient, imploraient : « Là, tout de suite ! ». Mais comme il y a des convenances mondaines et aussi des incompatibilités, comme les maris sont quelquefois là, comme l’existence est faite de traverses, il cherchait, vite résigné, une dérivation dans la musique et contait sa peine au piano. Là, il était incomparable. » (1)

Où l’on voit que certains aspects de la personnalité de Massenet n’étaient pas franchement reluisants (mais peut-être faut-il relativiser, Léon Daudet adorant les jeux de massacre) : mondain, soucieux de plaire à n’importe quel prix, homme à femmes, séducteur impénitent, d’une incroyable frivolité, du moins en apparence, mais toujours à l’affût de ce qui pourrait lui servir dans sa carrière. Bref, ce que notre époque nommerait un « lèche-botte opportuniste ».

Alors pourquoi Le Jongleur de Notre Dame, où la frivolité et le paraître n’ont pas leur place ? A chacun de choisir sa réponse car il n’en existe pas « d’officielle ». Peut-être le clinquant de l’apparence cachait-il une profondeur mystique… Peut-être fut-il séduit par ce qui justement représentait le contraire de son attitude en société… Allez savoir ! Ce qu’il y a de sûr, c’est que celui qu’on appela « le musicien de la Femme » tant il savait, avec un éblouissant lyrisme, traduire en musique les émotions, les pulsions de l’amour sensuel ne fut pas rebuté par le fait que le livret ne comportait aucun rôle féminin. Tout se passe strictement entre hommes. Certes, le livret prévoit bien de très petites interventions féminines mais deux sont soit invisibles (les anges qui chantent dans la coulisse) et la troisième est muette (l’apparition de la Vierge, rôle confié en général à la plus jolie des danseuses du corps de ballet), ce qui est quand même un comble dans un opéra.

L’ouvrage fut créé le 18 février 1902, à l’Opéra de Monte-Carlo dont le directeur était un ami de Massenet. Il fut fort bien accueilli et entra au répertoire de l’Opéra Comique en mai 1904 et bénéficia de 400 représentations en une soixantaine d’années. Mais un ouvrage sans Prima Donna était une incongruité inacceptable dans le monde de l’art lyrique et quelques cantatrices s’essayèrent au rôle du jongleur en travesti, avec plus ou moins de bonheur. La toute première fut la créatrice de Mélisande, Mary Garden, qui créa l’ouvrage à New York en 1908. Marthe Chenal, à Paris, en 1915, suivit son exemple. Et il y en eut d’autres…

(1) Cité par Maurice Tassart dans le livret de présentation de l’opéra.

ARGUMENT : L’action se passe à Cluny, devant et dans l’abbaye bénédictine au 14^ème siècle.

Acte I – Sur la place principale de Cluny, devant l’entrée de l’abbaye. C’est jour de marché à Cluny et l’on danse sur la place. Un son de vielle se fait entendre et entre Jean l’acrobate. Il commence son boniment mais se fait huer par la foule. Désespéré de n’avoir aucun succès, il se résout à chanter, après avoir demandé pardon à la Vierge dont on voit une statue vers l’entrée de l’abbaye, une chanson profane, « l’Alléluia du vin », reprise en chœur par la foule. Le Père Supérieur, furieux d’entendre une telle horreur à cet endroit, sort de l’abbaye et invective la populace qui se disperse. Resté seul, Jean montre un sincère repentir et le Prieur, ému, l’invite à abandonner son métier et à entrer au monastère. Jean est tenté mais renoncer si jeune à la liberté lui paraît bien difficile. Arrive à point nommé le frère Boniface, revenant du marché et dont l’âne porte un chargement de fleurs, de victuailles et de bouteilles. Le Prieur plaide alors les avantages matériels de la vie au couvent et Frère Boniface, cuisinier de l’abbaye, passe en revue le magnifique choix de provisions qu’il ramène pour la plus grande gloire de la Vierge et le plus grand confort de ses serviteurs. De l’intérieur de l’abbaye monte le Benedicite. La cloche retentit, appelant les moines au déjeuner. Jean craque et emboîte le pas aux bénédictins.

Acte II – A l’intérieur de l’abbaye, la salle d’étude. Quatre moines fignolent leurs travaux : le moine sculpteur, le moine poète, le moine peintre et le moine musicien. Jean, à l’écart, n’a rien à faire. Il avoue au prieur, qui lui reproche gentiment de ne pas chanter comme les autres, ne pas connaître le latin et ne savoir que des chansons profanes en français. Il estime n’être bon à rien et n’avoir pas sa place au couvent. Les autres frères, sous couvert de vouloir l’aider, se mettent à vanter chacun sa spécialité au détriment de celle du voisin : il en résulte une dispute d’enfer, digne de celle qu’on trouve entre les Maîtres dans Le Bourgeois Gentilhomme. Le Prieur doit intervenir pour faire cesser la querelle et tout le monde prend le chemin de la chapelle en emportant la nouvelle statue de la Vierge. Resté seul avec Jean, Boniface essaie de le réconforter et lui explique que la Vierge peut se passer de latin, de rime, de sculpture ou de musique savante et se contenter d’une humble dévotion sincère. Il lui conte la légende de la sauge, humble fleur qui sauva l’Enfant Jésus des tueurs d’Hérode. Puis, il regagne sa cuisine. Jean comprend ce qu’il a à faire.

(Entre le deuxième et troisième acte, l’orchestre joue une pastorale mystique.)

Acte III – La chapelle de l’abbaye. Sur l’autel trône la statue enluminée de Notre-Dame que le moine sculpteur et le moine peintre viennent de terminer. Le moine peintre admire son œuvre puis voyant arriver Frère Jean avec une vielle et une besace, se cache derrière un pilier. Sûr de n’être pas dérangé à cette heure, il vient faire à sa manière ses dévotions. Le jongleur quitte sa robe de bure, revêt ses anciens habits et joue tout son répertoire. Le moine peintre s’éclipse discrètement afin d’aller prévenir le père Prieur. Les autres moines arrivent peu à peu, sans que le jongleur, inspiré, s’en aperçoive. Le récital s’achève sur une danse échevelée qui scandalise les moines et le Prieur, Boniface excepté car il a compris ce qui se passait. Jean finit par s’effondrer au pied de la statue, et l’ensemble de la communauté va se précipiter vers le coupable lorsque Boniface les arrête. La statue s’anime, la Vierge incline son visage souriant vers le pauvre jongleur et fait un geste de bénédiction, tandis que les anges entonnent un vibrant « Hosanna ». Jean s’éveille de sa transe et s’attend, épouvanté, à être puni ; l’autel rayonne soudain d’une clarté surnaturelle. Tous les moines célèbrent le miracle et Jean s’effondre, mort, entrevoyant le paradis, après un dernier chant de louanges.

VIDEO 1 : Acte I – « Voulez-vous des tours de jonglerie » - Alain Vanzo

VIDEO 2 : Acte II – La légende de la sauge – Giuseppe Danise (1926)

VIDEO 3 : Acte I – « Liberté » - Mary Garden (1911)

La Fille du tambour major

2010-12-04T10:52:00+01:00

Et si nous restions encore un moment en compagnie des « filles » du répertoire lyrique ? Juste le temps de parler de celle dont on a dit qu’elle n’était qu’un « pâle avatar de La fille du régiment » et que son livret ressemblait à celui de l’ouvrage de Donizetti mais « vu par le petit bout d’une lorgnette dont on aurait sali les verres. » Critique pour le moins méchante, et totalement injuste.

Injuste, parce que La Fille du tambour major ne prétend aucunement rivaliser avec sa sœur aînée. Certes, l’environnement est le même, « l’histoire » relativement semblable, et on retrouve dans l’œuvre d’Offenbach la même ardeur cocardière que dans La Fille du régiment. Mais musicalement, les œuvres sont fort différentes et la Fille du tambour major n’a pour but que de divertir, amuser et faire passer un bon moment, rien d’autre. Et si l’ouvrage de Donizetti penche fortement vers l’opéra comique traditionnel (l’air de Marie au second acte « salut à la France » est tout simplement redoutable à chanter), celui d’Offenbach se contente d’afficher haut et clair son appartenance à ce genre dit mineur qu’est l’opérette.

Penchons-nous un instant, court, rassurez-vous, sur l’historique de ce genre. L’opérette a tout un passé derrière elle et possède d’authentiques lettres de noblesse. Parmi ses ancêtres, on compte toute la production gaie d’opéras comiques du 18^ème siècle. Camille Saint-Saëns disait d’elle qu’elle était « une fille de l’opéra comique, mais une fille qui a mal tourné » ; et il ajoutait avec un sourire : « Il est vrai que ce sont les plus jolies qui tournent le plus mal… »

Le pape incontesté de l’opérette française, c’est Jacques Offenbach. Il a entraîné dans un tourbillon de gaieté et d’insolence toute une génération, et Wagner, qui ne passait pas pour être un esprit bienveillant, disait de lui qu’il était « le petit Mozart des Champs-Elysées ». Disparu en 1880, soit il y a 130 ans, Offenbach reste pourtant un des compositeurs les plus joués ; sa verve parodique lui permit de se moquer des ridicules et des travers de son temps et elle continue de nous distraire et de nous plonger dans un univers doucement « foldingue » d’où l’émotion n’est pas forcément absente. Il occupe une place unique dans l’univers des grands musiciens : il a ri et fait rire de tout, alors que le Second Empire chancelait sur ses bases et allait s’effondrer dans la débâcle de 1870, justifiant ainsi sa prédiction : « je veux faire danser et chanter l’Europe sur un volcan ». Il s’est ainsi moqué des dieux, des rois, des militaires, de la force publique, des héros et surtout du bon bourgeois qui venait rire à ses « pitreries », ce dernier trait étant sans doute le plus comique quand on examine d’un peu plus près ses œuvres.

La Fille du tambour major est créée un soir de décembre 1879 : Offenbach est malade, épuisé, il mourra l’année suivante, sans avoir pu assister à la création de l’œuvre qui lui tient le plus à cœur et sur laquelle il a travaillé comme un forcené, Les Contes d’Hoffmann. L’effondrement du Second Empire avait sonné pour le compositeur le glas du succès ; autant on l’avait porté aux nues pendant des années, autant à présent on lui tourne le dos. On va même jusqu’à le traiter de Prussien, injure suprême dans cette sombre période. C’est parallèlement à la composition des Contes que lui viendra cette opérette charmante et si le travail de son grand opéra avance difficilement, c’est avec une grande facilité que lui viennent tous les airs de La Fille du tambour major. On a peine à croire que cette musique si gaie, si entraînante, si enlevée, soit l’œuvre d’un homme que la mort guette déjà.

La création de 1879 est un triomphe : le délire dans la salle atteint son comble à la fin de l’acte III, lors de la fameuse « entrée des français dans Milan », au son du Chant du Départ que le public reprend d’une même voix. L’avenir de l’œuvre est assuré et ce succès ne se démentira pas par la suite, même si des ouvrages tels que La vie parisienne, la Périchole, la Belle Hélène, la Grande Duchesse de Gérolstein et autres seront davantage représentés que La Fille.

Pour terminer cette présentation, voici ce que disent Guy Lafarge et Pierre Hiegel de La Fille du tambour major : « Cette opérette symbolise bien le caractère français, cocardier, plein d’entrain, d’esprit et de bonne humeur. Mais Offenbach lui a aussi donné une couleur sensible et fleur bleue qui émeut les cœurs les plus rudes. »

ARGUMENT : l’action se passe en Lombardie en 1806.

ACTE I – Dans un couvent italien. Les pensionnaires du couvent s’amusent à écouter une chanson défendue concernant les Français de Bonaparte dont Stella, la fille du duc Della Volta a réussi à se procurer les paroles. Arrive la mère supérieure qui, furieuse d’entendre de telles insanités dans son couvent, punit la contrevenante en l’enfermant dans la lingerie, non sans avoir averti ces demoiselles du danger que représentaient les militaires français pour la vertu des jeunes filles. Mais au moment où les pensionnaires vont se livrer aux délices du goûter, on apprend que les troupes françaises se dirigent vers le couvent et seront là dans un instant ; affolement des demoiselles, décision de la supérieure : on déménage dans un couvent voisin. Et voilà toute la garnison en jupons qui quitte le couvent, en oubliant la pauvre Stella qui se morfond toujours dans sa lingerie.

Arrivée des militaires français : en fait de brigands sanguinaires, il s’agit de braves garçons d’une compagnie, conduits par le Lieutenant Robert et qui doivent rejoindre l’armée du Premier Consul qui harcèle les troupes italiennes du général Mélas. Parmi les militaires, le tambour major Monthabor, le soldat Griolet et la cantinière Claudine. Griolet est amoureux de Claudine, laquelle lui préfère le Lieutenant Robert, lequel ne fait absolument pas attention à elle. Alors que la compagnie envahit le couvent, Stella, qui commence à s’ennuyer ferme dans la lingerie, sort de sa prison et se trouve nez à nez avec les militaires français : épouvante de la jeune fille, qui se remet rapidement de ses émotions en constatant que les français n’ont aucunement l’intention de la violer avant de la tuer. Déjà plus ou moins charmée par le Lieutenant Robert, Stella leur ouvre grand les portes du couvent et leur offre toutes les vivres que ce dernier renferme. On organise un « festin » au cours duquel chacun y va de sa petite chanson et le Lieutenant Robert tombe très vite amoureux de Stella qui devra désormais suivre le régiment.

Acte II – Le château du Duc Della Volta à Novare. Le lieutenant Robert a reçu un billet de logement pour habiter au château. C’est en grinçant des dents que, contraint et forcé, le Duc accepte la présence des français chez lui. Pendant que Griolet continue de vouloir séduire Claudine mais en vain, Stella et Robert se lancent dans un grand duo amoureux. Apparaît la Duchesse de Della Volta en qui le tambour Major Monthabor reconnaît son ancienne femme dont il avait divorcé. Et comme ce genre de coïncidence ne suffit pas, on apprend par la même occasion que Stella est leur fille. Enthousiasme du père, enthousiasme de la fille, désolation de la mère parce que le Duc a décidé de marier Stella au marquis Bambini. Mais au lieu de se présenter gentiment devant le curé comme on le lui ordonne, Stella revêt l’habit de cantinière et décide de suivre la compagnie de son père en tant que vivandière (« Je suis mam’zelle de Monthabor »). Scandale. Départ précipité des militaires.

Acte III – 1^er tableau : l’hôtellerie du Lion d’or à Milan. La compagnie a été dispersée pendant le trajet vers Milan ; Robert et Claudine ont été séparés de leurs compagnons et se retrouvent seuls dans l’auberge du Lion d’Or dont le patron est l’oncle de Claudine. Ils sont en danger car la police autrichienne traque tous les français. De plus, le duc Della Volta et sa femme sont aussi dans l’auberge, ainsi que le marquis Bambini ; le duc n’a qu’une idée en tête : retrouver Stella et la marier de force au marquis. Robert quant à lui, veut retrouver au plus vite ses camarades et quitter Milan, mais c’est impossible sans un sauf-conduit du gouverneur. L’oncle de Claudine a une idée : cacher les deux jeunes gens chez un ami qui habite tout près des portes de la ville. Claudine se charge d’aller lui demander asile et ayant dissimulé son costume de vivandière sous une cape, elle s’en va. Arrive un carrosse avec à l’intérieur le prétendu neveu du gouverneur ; il s’agit en fait de Griolet, Monthabor et Stella, le premier déguisé en neveu, le second en prêtre et la troisième en cocher anglais qui ont détroussé dans la campagne le vrai neveu et sa vraie suite. Le duc ne les reconnaît pas et la duchesse demande au « prêtre » de l’entendre en confession. Elle avoue être toujours troublée par son ancien mari, lequel après ces aveux, se fait reconnaître et parvient à convaincre la Duchesse de lui donner le sauf-conduit qu’elle a dans sa poche et qui leur permettra à tous de quitter Milan pour retrouver leurs camarades. Mais au dernier moment, le duc reconnaît Robert et le fait arrêter par la police. De plus, les sbires du duc ont réussi à retrouver Claudine qu’on prend pour Stella : le mariage va pouvoir avoir lieu. Griolet, Monthabor et Stella quittent l’auberge afin d’essayer de délivrer leurs camarades.

2^ème tableau : Une rue de Milan. Le duc a proposé un marché à la fausse Stella : elle accepte de se marier avec Bambini et Robert sera libéré. Evidemment, la fausse Stella a accepté et voilà le cortège nuptial qui arrive : mais on s’aperçoit avec stupeur que Stella n’est pas Stella et l’affaire risque de très mal tourner… lorsque les troupes française sont annoncées. Et c’est la fameuse « entrée des français dans Milan » aux accents militaires du chant du Départ. Milan salue avec l’enthousiasme ceux qu’elle considère comme les libérateurs du joug autrichien. Tout le monde est sauvé et Stella épousera Robert : tout est bien qui finit bien.

VIDEOS :

VIDEO 1 : Ouverture

VIDEO 2 :Acte II – Final, air de Stella « je suis mamz’elle de Monthabor » - Christiane Harbell

VIDEO 3 : Acte III – Entrée des français dans Milan et final de l’acte.

Bonjour à tous pour l'ouverture de notre blog

2010-10-11T17:40:00+02:00

A TOI THEATRE est une compagnie de théâtre.

Nous donnons des spectacles, des animations, des ateliers pour amateurs et professionnels.

Vous pouvez participer à l'Atelier de Création Théâtrale les mercredis soirs de 20 h 30 à 22 h 30 au LOCAL 37, 37 rue de la Grange aux Belles - 75010 PARIS - M° Colonel Fabien ou Jacques Bonsergent.

L'Atelier de Création Théâtrale n'est pas un cours mais un endroit où ensemble nous créons des formes de théâtre à partir de l'improvisation ou à partir de textes contemporains déjà écrits ou à écrire.

Pour plus de renseignements vous pouvez prendre contact avec Marie Massiot :

06 14 01 10 69 ou 01 42 08 04 19.

Za7ie - Edition limitée

2010-09-22T00:09:00+02:00

LE TRÈS GRAND RETOUR DE ZAZIE..... NOUS REVIENS AVEC CE SUPER ALBUM

POUR CETTE ALBUM DE CHAQUE JOUR DE LA SEMAINE...

14 BELLES CHANSONS AUTEUR COMPOSITEUR BIEN SUR POUR NOTRE

CHRISTOPHE NATIONALE LE TRÈS GRAND GAGNANTS DE LA NOUVELLE STAR

QUE ZAZIE ALLIAS Isabelle Marie Anne de Truchis de Varennes,

A ÉCRIT JACQUADIT.... TRÈS BELLE CHANSON ET SURTOUT TROP BEAUX CLIP...

SORTIE LE LUNDI 20 SEPTEMBRE 2010

DOUBLE CD + DVD BONNUS

TRÈS BONNE ÉCOUTES À TOUTES & TOUS.

ARTICLE DE MARCO.

Article de la FNAC.

Rencontrez l'artiste pour la sortie de son nouvel album. Zazie revient avec un tout nouveau concept : Pour son 7ème album, Zazie a décidé d'enregistrer chez elle, 7 jours sur 7, en composant sur 7 thématiques du quotidien. 1 album, 7 mini albums, et 1 intégrale... soit 49 nouveaux titres ! A chaque jour son album et à chaque album sa thématique ; Le lundi, "Ma quête", le mardi "En images", le mercredi "Les enfants", le jeudi le "Recyclage", le vendredi "Collectif", le samedi "On sort" et le dimanche la « relaxation ». Une histoire racontée au fil de ces 7 albums, avec des duos, des chansons et des rythmes pour tous.

>> En partenariat avec RFM

Bonjour aux amis du conte

2010-09-21T17:16:00+02:00

Bonjour,

Vous êtes sur le blog de Sylviane BLOMME-PILLE, conteuse aux Miroir aux Alouettes. et présidente de l'association "les Conteurs de l'Estuaire".Vous pouvez me contacter :blomme-pille@wanadoo.fr

pour les petites oreilles, je propose plusieurs spectacles, sur des thèmes variés:

"Danger au potager"

Il y a des lutins dans le jardin!! Comment, Benjamin va réussir à les sauver du chat qui les prend pour des souris?Un spectacle plein de couleurs et d'odeurs où les enfants peuvent toucher et sentir les légumes et herbes aromatiques .

"A la ferme du bois barbu"

Quand Coquin, le petit mouton s'échappe, il part dans la forêt; et dans la forêt, il y a le loup!!!!Avec Max le chien, Douce, la bergère, doit faire preuve de courage et d'imagination. Pourra t elle le sauver?

Pincez-moi je rêve !

2010-09-15T07:00:00+02:00

C’est tout à fait par hasard, passant devant la gare que j’ai vu l’affiche. J’ai failli tomber en syncope, j’ai fermé les yeux le temps de reprendre pied et j’ai relu l’affiche. Les Beatles étaient programmés à l’Alhambra en novembre … de cette année !

Les mouvements revival sont légions et les reformations de groupes musicaux disparus – ou que l’on croyait tels – ne manquent pas. Chaque jour dans la presse musicale j’apprends la réunion de ceux-là pour un concert exceptionnel, ou de ceux-ci pour une tournée consacrant leur retour. Je rigole et m’en réjouis tout à la fois, revoir ceux qui nous ont accompagnés dans notre jeunesse et donné des frissons de plaisir réveille ma nostalgie mais d’un autre côté quand je vois d’anciennes idoles devenues des pépères lourdauds – à mon image certes, mais ce n’est pas une raison – reprendre leurs activités à l’endroit où elles les avaient abandonnées il y a plusieurs décennies parfois, ça me laisse un goût amer et je trouve cela assez pitoyable au mieux, pathétique au pire. On ne peut être et avoir été.

Quand j’ai vu l’affiche donc, amateur toujours actif des Beatles depuis une éternité, je savais très bien qu’il ne s’agissait pas des mythiques Fab Four, d’ailleurs comment aurait-il pu en être autrement sachant que sur les quatre membres du groupe, deux sont décédés - John Lennon (1980) et George Harrison (2001) – comme vous n’êtes pas sans le savoir. Quand à Paul McCartney et Ringo Starr, les survivants, il n’a jamais été question qu’ils reforment une nouvelle mouture de leur génial groupe historique avec des comparses.

En fait il s’agit d’un spectacle hommage au quatuor de Liverpool. Certains artistes ( ?) se sont trouvés un créneau, ils imitent des vedettes disparues, à l’identique ! Sosies, copies, clones, en tout cas imitations, ils reproduisent sur scène le spectacle de leurs illustres prédécesseurs non sans talent parfois, il faut en convenir. Les Beatles sont déjà joliment imités par les Rabeats, un groupe qui prolonge leur mémoire depuis de nombreuses années, le groupe Genesis est répliqué par les Musical Box dans un spectacle reconstitué à partir des costumes et décors d’origine utilisés par le groupe quand il était au faîte de sa gloire etc.

Faut-il en rire ou en pleurer ? Les deux certainement. Ce monde peine à inventer, son salut ne peut être que dans la copie ou le remake, musique, cinéma, quel art échappe à ce constat ?

conte musical à l'Agora de BONNEVILLE

2010-09-13T09:33:00+02:00

IL S'APPELAIT PETIT POUCET"

conte musical,

textes des chants Marie Jo Thabuis

musique Lucien Jacquier

mise en scène Fabienne Savoini

samedi 18 septembre, à 20 h 30, à l'Agora de Bonneville

(vente des billets d'entrée 10 €

dans les agences du Crédit Agricole des Savoie :

Bonneville, Marignier,

La Roche sur Foron, Saint Pierre en Faucigny

ou à l'entrée sur place.

La plage des six pompes

2010-07-08T00:24:00+02:00

Alors, que faites vous du 02 au 07 août... ?

Vous aimez les spectacles de rue
Vous aimez les arts de la rue
Vous aimez le théâtre de rue
Vous aimez rire
Vous aimez le Jura
Vous aimez le Jura Suisse

Enfin, vous détestez là plage sous quelque forme que ce soit...

Rendez vous à La Plage... des six Pompes !
Ce lieu est fait pour vous !

La Plage des six pompes, ne la cherchez pas, elle n'existe pas, mêmes si les pompes sont bien là et le sable aussi. Mais si les premières sont connues des plus vieux chaux-de-fonniers, ce dernier ne se voit parcimonieusement que pour satisfaire au nom de cette manifestation annuelle.

Voilà un festival où artistes et spectateurs se côtoient, échangent librement. De nombreuses troupes, venues d'Europe et d'ailleurs (cette année, le Japon), occupent les rues de la Chaux-de-fonds, tous les soirs, de 17h00 à 01h00.

Abondance de biens ne nuit pas. C'est bien le cas ici, où le seul regret que l'on puisse parfois connaître est de ne pas pouvoir tout voir...

Vous l'aurez sans doute compris, je serai cette année encore, parmi la foule, l'œil du reflex aux aguets... Et comme incitation au déplacement, à quelques jours du "grand jour", un extrait des images du festival 2009 vous est proposé en album.

En ces jours de vaches maigres et de mise en péril de la culture, l'art, tous les arts, tous les artistes ont besoin de vous.

Venez nombreux !

Pour tout savoir sur la manifestation à venir, comme les précédentes : http://www.laplage.ch/pages/index.php

Spectacle de Fin d'année de l'école

2010-07-07T20:35:00+02:00

Source La manche libre

L'avanTurarium de Théodore la Bougeotte

2010-06-24T12:08:10+02:00

spectacle comedico fantasmagoriqe à partir de 6 ans

La troupe de l'Escaouade entrera en résidence à la Rotonde dés septembre 2010;

Au cirque !

2010-05-20T22:16:00+02:00

Instants de pur plaisir

Les monde des arts et du spectacle est vaste. Très vaste. Les frontières floues.

Nous apprécions tout particulièrement ces spectacles et ces artistes "en marge", du moins à l'écart des chemins battus et rebattus, loin des Zenith et autres Palais des congrès, souvent intimes, ceux ou public et acteurs se retrouvent dans une même communion.

C'est ainsi que l'on se réapproprie le conte, les marionnettes et... Le cirque.

Troisième spectacle de l'année et grand bonheur que ce Cirk VOST.

Univers décalé s'il en est. D'aucun disent proche de la bande dessinée et il est vrai que costumes et lumière sont à l'image de certains dessinateurs contemporains tels que Piana, Moreno, Cassegrain, Cagniat...

Spectacle de voltige aérienne qui voit évoluer sept acrobates sur des figures qui, si elles restent sans doute traditionnelles, sont néanmoins revisitées au travers d'une mise en scène qu'éclaire des lumières intimistes. Nous avons là décrivant de vrais tableaux enrichis d'une musique électroacoustique omniprésente qui fait paraître courte l'heure passée, allongé sur un siège adapté, fait rare pour être souligné.

Un grand spectacle à servir sans modération, à mille lieues des clichés que nous trainons tous en mémoire, pour réconcilier les déçus et les fâchés de "La piste aux étoiles" !

Et puis, pour créer un peu plus l'envie, le site d'une photographe, avec de vraies images... Florence Delahaye

CE WEEK-END A L'ABBAYE D'ARTHOUS: ESCALES GASCONNES

2010-05-14T05:55:00+02:00

Le Conseil général des Landes organise chaque année depuis 2002 une « Semaine gasconne » proposant aux néophytes comme aux pratiquants confirmés de se retrouver autour des richesses de la culture gasconne.

Cette année, sur le site de l’Abbaye d’Arthous (que votre Bascobloggeur affectionne particulièrement), le Conseil général des Landes organise samedi 15 et dimanche 16 mai 2010 un nouveau festival, baptisé Escales Gasconnes.

La première escale prévue le 15 mai vous propose notamment à la tombée de la nuit, vers 21h une originale visite guidée de l'abbaye à la tombée du jour, en compagnie d’un conteur et du groupe toulousain, Mosaïca, sept musiciens occitans et nord-africains (voir photo) et du duo Cozian-Oberlé ( cornemuse landaise et percussions).

Ouvert à tous et gratuit, cet évènement convivial propose ainsi un dialogue entre la culture gasconne et les cultures du monde.

Vous êtes aussi invités tout au long de la journée du dimanche à des ateliers de pratique, des spectacles et des moments forts de rencontres autour de la gastronomie, la musique, les jeux traditionnels, l’écriture ou l’expression artistique…

Pour en savoir + : CLIQUEZ !

L'auditorium Dufour il y a 20 ans

2010-05-08T19:12:00+02:00

En tentant de ranger mes vieux papiers (je dis bien tentant car c'est pénible et fastidieux, je ne sais pas si je vais en venir à bout) je retrouve d'anciens programmes de l'auditorium Dufour, au temps où il y avait une salle, gérée par la Coopérative de Développement culturel. Par exemple celui de l'automne 91, que je vous livre en quatre images et un .pdf

(Pour télécharger l'ensemble du document en format .pdf, cliquez sur cette petite vignette)

Ce qui m'apparaît extraordinaire à la lecture de ce programme d'il y a 20 ans, c'est que la plupart des artistes, chanteurs, musiciens, comédiens et même auteurs dramatiques sont encore actifs aujourd'hui sur la scène culturelle. Entre autres Michel Tremblay, Michel Barrette, Jean-Marc Parent, Luc de Larochellière, le Quatuor Alcan (Nathalie Camus et David Ellis en sont membres depuis la fondation, en 1989), le chef Jacques Clément et les solistes invités cette année-là par l'Orchestre symphonique régional: le pianiste Anton Kuerti et le baryton Jean-François Lapointe.

Certains ont ralenti un peu leurs activités, comme Claude Dubois et Pierre Légaré. La comédie musicale Pied de Poule a été revisitée par Serge Denoncourt en 2003, et ses interprètes chantent encore, pour la plupart.

Je ne sais pas ce que sont devenus Marc Drouin, Geneviève Paris, Claudine Côté...

Quant à Réjean Ducharme, il me semble voir entendu dire qu'il avait volontairement renoncé à écrire.

À ma connaissance, aucun de ces artistes n'est mort...

Vive la culture!

Toutim'Asso

2010-04-14T21:50:00+02:00

Bienvenue sur le blog de Toutim'Asso

Association loi 1901, Toutim'Asso est née en 2007 à Agen dans le Lot-et-Garonne.

Toute l'équipe est heureuse de vous faire découvrir son univers.

Entre créations, ateliers, stages et de multiples activités, Toutim'Asso souhaite faire partager ses aventures au plus grand nombre!

Alors bonne visite et au plaisir de se rencontrer par ici ou par là...

Peut-être au coin d'une rue de chez vous...

le 29 Mai

2010-04-11T18:18:00+02:00

Retenez bien cette date !

le 29 mai prochain, à partir de 16 heures aura lieu l'inauguration du théâtre de plein air de Paleyrac,

Des rencontres avec de jeunes artistes, des mini-spectacles, montreront l'étendue des possibilités de cet espace paysagé simple et ludique,

Soyez nombreux au rendez-vous .

Les Enfoirés 2010 dévoilent leur clip : Si l'on s'aimait si

2010-03-12T07:45:00+01:00

CE SOIR TF1 NOUS OFFRE LE GRAND CONCERT DE L4ANNEE 2010

LES ENFOIREES 2010 AU PALAI NIKAI DE NICE...

COLUCHE COMPTE SUR NOUS TOUTES & TOUS...

LA VENTE DU DOUBLE CD DVD DONNES A 18 FAMILLES LE DROIT DE MANGER...

POUR NOUS POUR VOUS LA MISSERE ARRIVE TRES VIT SANS L'AVOIR VENIRS!!!!!!!!!!!!!!!!!

COLUCHE VOUS REMERCIE TOUTES & TOUS & LES ENFOIREES BIEN SUR....

TRES BON SPECTACLE CONCERT A TOUTES & TOUS.....................

ET DEMAIN LA VENTE DU DOUBLE CD & DVD................... BIEN SUR LES VENTES SONT REVERSEE AUX RESTOS DU COEUR...

Le nouveau clip des Enfoirés 2010 "Si l'on s'aimait si" vient d'être dévoilé. Cette chanson est une adaptation française de la chanson de Kiss "I was meant for loving you". La diffusion télévisée des Enfoirés 2010 aura lieu le 12 mars 2010 sur TF1 en lieu et place de La ferme célébrités 3. Lors de ce spectacle des enfoirés 2010, les téléspectateurs pourront retrouver 37 artistes francophones dont Amel Bent, Renan Luce, Gregoire, MC Solaar et bien d'autres. La tournée 2010 des Enfoirés s'est uniquement déroulée dans la ville de Nice au Palais Nikaïa. Sept dates avaient été programmées du 27 Janvier au 1er Fevrier 2010. Les enregistrements pour le show des Enfoirés 2010 nommé "Les enfoirés...la crise de nerfs" et qui sera diffusé sur TF1 se sont déroulé le 31 Janvier. Dès le lendemain de la diffusion, le 13 mars, l'album et le DVD des Enfoirés 2010 seront en vente. Il faut savoir que pour chaque CD ou DVD des enfoirés 2010 vendu ce sont 18 repas offerts par les Restos du Coeur qui seront distribués. Pour l'anecdote, en cette année 2010, les Enfoirés fêtent leurs 25 années d'existence. Les Restos du Coeur ainsi que le concept des Enfoirés ont été crées à l'initiative de Coluche en 1985 et la première tournée a eu lieu en 1989.

POUR VOIR LE CLIP:

http://www.guide-national.com/actu_Les_Enfoires_2010_devoilent_leur_clip___Si_l_on_s_aimait_si,676.html

Le Flocon de Lison

2010-03-03T09:51:00+01:00

Un petit spectacle tout frais pour nos tout petits ! (10 mois-3 ans)

Création : Compagnie des Sans Lacets

Avec : Bérangère Hoinard, Lisah Garros

Mise en scène : Céline Hoinard

Création musicale: Benjamin Hoinard

Affiche : Morgane Frébault

En savoir plus : Le Flocon de Lison

La petite renarde rusée

2010-02-17T13:09:00+01:00

Petit bijou que cet opéra très connu en Tchéquie de Janacek, moins connu hors de son pays natal et surtout beaucoup moins souvent monté en raison des problèmes de mise en scène que pose le sujet. C'est un véritable hymne à la nature, à la forêt, grouillante de vie animale, et les relations hommes - bêtes sont particulièrement mises en valeur dans cet ouvrage, le septième opéra du compositeur, placé entre Katia Kabanova et l'Affaire Makropoulos.

La genèse de l'opéra est assez complexe. Le livret est adapté d'un roman lui-même composé à partir d'une sorte de bande dessinée qui paraissait en feuilleton dans le journal Lidové noviny et dont le texte était dû au journaliste Rudolf Tĕsnohlidek. Cinquante et un épisodes furent publiés du 7 avril au 23 juin 1920.

Ce feuilleton intitulé Bystrouška, du nom de son héroïne, une renarde, commença lorsque le journal acheta au peintre Stanislav Lolek en 1920 quelque deux cents dessins et chargea Tĕsnohlidek d'écrire un texte pour accompagner ces dessins. Ce travail n'enchanta pas le journaliste et pourtant, les aventures de la renarde devinrent très vite extrêmement populaires, et lui valurent les éloges de la critique ; l'ouvrage fut couronné en 1923 ; ironie du sort car de tout ce que Tĕsnohlidek écrivit, contes pour enfants, romans, etc..., ce fut ce qu'il considérait comme une œuvre mineure, acceptée par obligation, qui lui apporta la notoriété...

C'est à la bonne de Janacek, Maria Stejskalova, que l'on doit, parait-il, la composition de l'opéra. Janacek n'avait d'après elle pas remarqué le feuilleton du Lidové noviny et ce fut Maria qui le lui fit connaître en « l'obligeant » à en lire un épisode. La découverte des démêlés de la renarde avec le garde-chasse eut lieu en juin 1920, vers la fin de la parution du feuilleton. La décision du compositeur d'adapter Bystrouška à l'opéra date de deux ans plus tard, soit 1922.

Mais quelle est plus précisément la trame de ce feuilleton ? A vrai dire, on ne pourrait résumer en quelques lignes les événements qui s'y déroulent, car ils sont trop nombreux : disons simplement qu'il s'agit du « récit franc, direct, joyeux des aventures d'une petite renarde capturée et élevée par un garde-chasse qui se sauve et finit par convoler en justes noces avec un beau renard. » (1)

En 1921, Tĕsnohlidek reprit l'ouvrage publié par le Lidové noviny et en fit un roman ; c'est sur ce roman et non sur la « bande dessinée » que Janacek, séduit par le sujet, va travailler. Il demanda à Tĕsnohlidek d'écrire le livret ; ce dernier refusa. Le compositeur n'en fut pas pour autant arrêté dans son projet : il avait l'habitude d'écrire des livrets d'opéra, qu'ils soient d'origine théâtrale ou romanesque. Et le livret de la Renarde lui demanda peu de travail. Ayant lu le roman et procédé à divers repérages, il dressa un projet de livret et, à partir de ce projet, composa la première version musicale du futur opéra.

Ne nous attendons pas à trouver dans cet ouvrage consacré au renard une satire de l'homme : Tĕsnohlidek n'avait nullement l'intention d'être critique ; il voulait seulement amuser « la clientèle locale du journal par des allusions aux faits du jour et du cru et le recours aux dialectes de la région de Brno. » (1) Tous les animaux et les hommes de l'histoire parlent ces dialectes, exception faite du renard, très distingué, du maître d'école et du curé, les deux ayant reçu une certaine éducation. De plus, il faut noter également l'interaction primordiale des hommes et des animaux. La vie de la renarde est liée à celle du garde-chasse. Si la renarde reste le personnage central, le garde-chasse n'est jamais très loin et intervient à tout moment. Les animaux, dans cette œuvre, sont humanisés : ils parlent le langage des hommes, mais les hommes ne comprennent pas le leur, et ils parlent entre eux. Les animaux sont souvent décrits sous une perspective humaine.

Janacek avait l'habitude de travailler chaque opéra en plusieurs versions successives. Il ne fit pas exception à sa règle pour la Renarde. Elle fut achevée le 17 mars 1923 et Janacek en fit faire une copie au propre. Quelques mois après le soixante-dixième anniversaire du compositeur, la première de La Petite renarde rusée (Titre original : Přihody Lišky Bystrouška) eut lieu à Brno le 6 novembre 1924. Janacek se déclara très satisfait de la production, mais lorsque l'année suivante, Prague monta à son tour l'opéra, il le fut beaucoup moins, malgré tous les soins apportés à sa préparation par le chef d'orchestre.

En raison de ses exigences inhabituelles, l'opéra ne fut pas représenté pendant bien des années. Quant aux productions hors Tchécoslovaquie, elles se limitèrent à Mayence en 1927 et Zagreb en 1939. Prague ne représenta à nouveau l'œuvre qu'en 1937. Il fallut attendre l'après deuxième guerre mondiale pour que l'opéra connaisse enfin une carrière vraiment internationale : ainsi Leipzig l'accueillit en 1951, Zürich et Cologne en 1955, Vienne et Berlin en 56, Paris en 57, Londres en 61, Glyndebourne en 1975. L'opéra de Lyon l'a également monté en 1985 ou 1986. Après ? Sans doute l'ouvrage a-t-il connu d'autres représentations, mais j'ignore où et quand.

Si Janacek s'inspira du roman de Tĕsnohlidek pour composer sa Renarde, il a cependant modifié un certain nombre d'éléments par rapport à l'œuvre originale. Le roman raconte l'histoire d'une renarde capturée par le garde-chasse Bartoš qui la ramène chez lui et l'élève avec son basset. La renarde se lie d'amitié avec le chien mais a la mauvaise manie de visiter régulièrement le poulailler ; elle finit par se libérer et se réfugie dans la forêt où elle trouve un logis en expulsant le pauvre blaireau qui l'occupait. Pendant l'hiver, comme elle trouve difficilement à manger, elle retourne piller le poulailler du garde-chasse, échappe à la capture et finit par rencontrer un renard dont elle tombe amoureuse et qu'elle épouse. HAPPY END.

L'opéra de Janacek suit de près le roman dans tout le premier acte et dans une partie du second. Puis, il s'en écarte radicalement. Janacek évacue complètement les incursions de la renarde dans le poulailler, ne consacre que quelques mesures à son union avec le renard ; il désirait d'abord faire sentir le passage du temps et pour cela utilise les intermèdes musicaux. Le mariage avec le renard arrivant en fin de roman, et Janacek l'ayant placé à la fin du second acte, il est évident que le troisième acte de l'opéra, s'il se fondait toujours sur l'œuvre de Tĕsnohlidek, allait utiliser des éléments contés antérieurement dans le livre. Et c'est bien ce qui se passe. Reprendre en détail tous les emprunts serait fastidieux : contentons-nous de dire que roman et opéra se terminent finalement de la même façon : par le monologue du garde-chasse qui, dans l'opéra, est un amalgame de plusieurs passages du roman.

Pour Janacek, il n'était pas question de faire un opéra « dramatique », même si la renarde meurt à la fin. Sa musique fait d'elle un portrait amical, mais il refuse de « faire du sentiment » sur sa mort, qui n'est en rien un grand moment dans l'opéra. Il l'expédie en quelques mesures. Ce qui lui importait, c'était plutôt le fait de montrer l'alternance du bien et du mal dans une vie, qu'elle soit humaine ou animale, la splendeur de la nature, le renouvellement des générations, dernier élément qui empêche de prendre la mort de la renarde au tragique ; elle a disparu, mais sa fille la remplace, et la vie continue. Tel est entre autres le sens du monologue final du garde-chasse, superbe méditation sur la seconde génération des bêtes, apogée de l'opéra, qui montre également le consentement de l'homme à sa place dans la nature.

Comme les autres opéras de Janacek tirés de pièces de théâtre ou de roman, La Petite renarde rusée est faite d'une succession d'épisodes raccordés. C'est la musique qui donne à l'œuvre son unité, notamment avec les préludes ou interludes orchestraux ouvrant, encadrant, séparant tableaux et ballets. Car la danse n'est pas absente de la Renarde, au contraire ; et si l'expression n'était pas si galvaudée et n'était pas devenue si péjorative, on pourrait dire qu'elle contribue à faire de cet opéra un « spectacle complet »...

Cependant, ce qui donne à l'opéra toute sa teinte, c'est la forêt. « Elle joue dans la Renarde un rôle aussi important que la Volga dans Katia Kabanova où le fleuve est à la fois le cadre et l'image de la sensibilité. Mais, charriant ses drames, il est toujours constant de caractère tandis que la forêt de la Renarde change constamment de couleurs et d'humeurs. »

Le thème de la Renarde et des deux derniers opéras de Janacek (L'Affaire Makropoulos et De la maison des morts) est fondamentalement le même : tous trois offrent des méditations sur la mort et la vie qui continue. « Mais, précise Adolf Vasek, dans le cas de la Renarde, la mort (que Janacek avait lui-même introduit dans l'histoire) est fermement replacée dans le contexte annuel et journalier, cycles qui ramènent mort et renaissance. A la veille de son soixante-dixième anniversaire, Janacek semble avoir fait sa paix avec la mort. La Renarde, un opéra qui, de toute évidence, avait une signification toute particulière pour lui, fut l'œuvre la plus ensoleillée de sa vieillesse.»

(1) Adolf F. Vasek, Pro stopach dra Leoše Janáčka, 1930, extrait du livret d'introduction à l'opéra, traduction N. Lesieur.

Il existe un excellent enregistrement de la Renarde, disponible en CD, avec une Lucia Popp absolument délicieuse dans le rôle de Bystrouška la renarde. Sir Charles Mackerras dirige les Wiener Philarmoniker. C'est magnifique !

ARGUMENT :

Acte I - Scène 1 : dans un bois. Des animaux et des insectes dansent ; un blaireau fume la pipe, en sortant la tête de son terrier ; une libellule bleue exécute une danse aérienne. Le garde-chasse cherche un lieu où faire la sieste, il se sent aussi fatigué qu'après sa nuit de noces ! Seul son fusil chéri ne l'agace pas continuellement et ne lui répond pas ! Il s'endort et les bruits des insectes reprennent, sous la forme d'une valse. Les mouches tournent autour du garde-chasse, une grenouille se met à chasser un moustique. Une petite renarde regarde la grenouille avec étonnement. Elle bondit, la grenouille saute et se retrouve sur le nez du garde-chasse qui se réveille, franchement dégoûté. Il aperçoit la renarde et après quelques feintes, parvient à l'attraper et s'en va avec elle sous son bras. La libellule revient, cherche la renarde puis commence à exécuter une sorte de danse funèbre pour son amie perdue.

Scène 2 : A l'extérieur de la maison du garde-chasse, un après-midi d'automne. La femme du garde-chasse verse un peu de lait dans une soucoupe pour le basset et la petite renarde qu'elle et son mari veulent élever pour leur enfant. La petite renarde est triste et le chien essaie de lui expliquer qu'il faut se résigner. La renarde lui parle du comportement scandaleux des étourneaux qui ont fait leur nid chez elle. Elle repousse les avances amoureuses du basset. Le fils du garde-chasse arrive avec un ami et taquine la renarde, elle essaie de le mordre. Le garde-chasse l'attache et elle reste là, abattue, tandis que les autres rentrent dans la maison.

A la tombée de la nuit, commence un très bel épisode musical : la renarde semble se transformer en fille. A l'aube, la femme du garde-chasse jette un peu de nourriture aux poules qui parodient la musique entendue dans la scène de la métamorphose. Elles se promènent dans la cour jusqu'à ce que la renarde se lance dans un discours révolutionnaire. Elle prêche pour une conception nouvelle du monde qui ne devra plus être dominé par des êtres comme les hommes ou les coqs. Mais les poules ne répondent pas ; dégoûtée, la renarde se creuse une prétendue tombe, se couche dedans et fait la morte. Soudain, elle se relève d'un bond et croque les têtes des poules les unes après les autres. La femme du garde-chasse, alarmée par le tapage, sort en courant, la renarde casse sa laisse, fait trébucher le garde-chasse et s'échappe dans les bois.

Acte II - Scène 1 : Dans le bois. La renarde taquine le blaireau et parvient à s'attirer la sympathie des autres animaux. Lorsque le blaireau, fâché, s'en va, elle s'installe à sa place ainsi qu'elle avait toujours voulu le faire, dans le terrier qu'il vient de libérer.

Interlude musical ; l'auberge du village à l'ambiance bruyante. Le garde-chasse joue aux cartes avec l'instituteur, sous l'œil du curé. Le garde-chasse se moque de la maladresse avec laquelle l'instituteur courtise sa fiancée. Tout le monde plaisante. On se moque des exploits de la renarde du garde-chasse. Conversation animée entre l'aubergiste et ses clients qui se termine par le départ du garde-chasse, de mauvaise humeur.

Scène 2 : Le bois, la nuit, on voit un pont sur la route. L'instituteur descend la route en chancelant, se plaignant de sa tendance à boire et à perdre son temps. La renarde passe la tête par-dessus les tournesols ; amusement de l'instituteur qui la compare à une de ses anciennes amours, la gitane Terinka, ce qui le réjouit mais le fait trébucher et tomber. Arrive le prêtre qui aperçoit aussi la renarde et la compare également à Terinka qu'il avait également aimée lorsqu'il était étudiant. Arrive le garde-chasse ce qui met un terme aux réflexions du curé qui tombe dans les bras de l'instituteur. Ils ont peur que le garde-chasse ne leur tire dessus à cette heure de la nuit. Le garde-chasse réplique qu'il tire sur la renarde qui va se faufiler dans les bois, mais son explication semble insuffisante.

Scène 3 : la tanière de la renarde. Elle rencontre un renard et lui raconte l'histoire romancée de sa vie. Il lui apporte un lapin qu'il a tué, l'embrase et lui demande si elle a déjà été amoureuse. Duo d'amour, puis ils vont dans la tanière de la renarde. La chouette déborde de joie en songeant à tout ce qu'elle va pouvoir raconter. Accélération du temps : la renarde dit au renard qu'elle va être mère, il décide alors de faire venir un prêtre, le pivert, pour les marier. Les voix de la forêt célèbrent la noce.

Acte III - Scène 1 : La forêt. Harasta, braconnier, trouble la quiétude de la forêt. Il trouve un lapin mort, tué par un renard et rencontre le garde-chasse qui le salut ironiquement. Aime-t-il sa vie solitaire ? Harasta réplique qu'il n'est pas solitaire : il va épouser Terinka. Pour ne pas laisser voir son chagrin, le garde-chasse pose un piège à renard puis s'en va.

Les petits de la renarde commencent à danser sous les regards de leurs parents, autour du piège. On entend au loin le chant de Harasta. Tous se cachent sauf la renarde. Elle attire l'attention du braconnier en boitant puis l'entraîne dans une danse qui se termine par la chute de Harasta. Il se relève et voit alors les renardeaux enlever toutes les volailles de son panier. Il tire à tout hasard et tue la renarde qui gît par terre, morte, alors que le rideau tombe.

Scène 2 : Dans le jardin de l'auberge. La femme de l'aubergiste sert sa bière au garde-chasse. Il raconte à l'instituteur que chaque fois qu'il s'est rendu à la tanière des renards, il l'a trouvée abandonnée. Il ne pourra pas procurer à sa femme le manchon qu'il lui a promis. Terinka doit se marier aujourd'hui, dit l'instituteur et c'est elle qui aura le manchon, termine la femme de l'aubergiste en soupirant.

Scène 3 : Dans la clairière du début de l'opéra. Le garde-chasse cherche un peu de calme. Il songe à la forêt où la vie ne connaît jamais de fin mais où tout est recommencement et où les hommes, s'ils savent chercher, peuvent trouver le bonheur que donne les choses éternelles. Lorsqu'il commence à s'endormir, il voit un petit renard qui joue au bord de la clairière. Il s'approche du renard pour l'attraper mais ne met la main que... sur une grenouille ! La roue a fait un tour complet, la boucle est bouclée et ainsi s'achève cet extraordinaire opéra qui est, dit le Kobbé, « un exemple unique de panthéisme dans le drame musical. »

VIDEO 1 : Acte II, la rencontre de la renarde et du renard (en anglais).

VIDEO 2 : Monologue final du garde-chasse, Acte III.

Pour rêver de printemps... - A vos agendas

2010-02-14T15:29:00+01:00

ésie,litterature,spectacles

Pour vous permettre de lesnoter dès à présentdans vos agendas, voici les 3 prochaines dates des spectacles du "Printemps des Poètes 2010"

THEME

"Clairs-Obscurs"

vendredi 19 mars 2010,

à la Maison de Malaz route des Blanches SEYNOD

samedi 20 mars 2010,

château de l'Echelle, LA ROCHE SUR FORON,

vendredi 16 avril 2010

médiathèque à BONNEVILLE

Les détails concernant les horaires et le programme, seront précisés sur ce blog, dans quelques semaines, avec l'annonce de la parution de

"Poètes en Fête",

notre recueil commun habituel et annuel.

A tous, j'envoie mes meilleurs vœux de plaisir, de poésie, de bonheur

La blogueuse

Patchwork d'événements

2010-02-07T18:10:54+01:00

Juste une petite sélection de spectacles, expos et autres événements sportifs qui ne datent pas d'hier...

Mais j'ai pour habitude de conserver mes tickets d'entrée, quand ils sont jolis ou quand l'événement mérite de rester dans ma mémoire.

Voilà qui ne me rajeunit pas...

Pestacles 2010 (1)

2010-01-21T07:17:00+01:00

Voici le programme de nos sorties pour le premier semestre de 2010 :9 janvier Théâtre de la Colline – Rosmersholm / La Maison de Poupée – Ibsen23 janvier Opéra de Paris (Bastille) – Werther – Massenet4 février Opéra de Paris (Bastille) – Werther – Massenet6 février Théâtre Hébertot – La Serva Amorosa – Goldoni (Célarié Hirsch Nadeau)20 février Théâtre de l’Odéon – Un Tramway – d'après Tennessee Williams (Huppert Warlikowski)25 février Opéra comique – Le Combat de Tancrède et Clorinde – Monteverdi (Dumestre)4 mars Théâtre de la Commune d'Aubervilliers – Les Fausses Confidences – Marivaux (Arditi Grinberg Bezace)6 mars Opéra comique – Béatrice et Bénédict – Berlioz13 mars Théâtre de la Colline – L’Eveil du Printemps – Wedekind20 mars Théâtre de la Villee – We was them – Hans van der Broek25 mars Opéra de Paris – Das Rheingold – Wagner27 mars Théâtre du Soleil – Naufragé du fol espoir4 avril Théâtre de la Madeline – Extinction – Thomas Bernhard (Serge Merlin)11 avril Opéra de Paris (Bastille) – Siddharta – Preljocaj Mantovani16 avril Théâtre des Bouffes du Nord – La Fausse Suivante – Marivaux24 avril Opéra de Paris (Bastille) – Billy Budd – Britten30 avril Théâtre de l'Oeuvre – David et Edward – Lionel Goldstein (Aumont Duchaussoy) (raté pour cause d'incendie sur la voie ferrée)9 mai Théâtre équestre Zingaro Aubervilliers – Darshan23 mai Comédie française – Mystère bouffe 1 – Dario Fo29 mai Théâtre de la Colline – Combat de nègres et de chiens – Bernard-Marie Koltès11 juin Théâtre des Champs Elysées – Don Giovanni – Mozart20 juin Opéra de Paris (Bastille) – Die Walküre – Wagner27 juin Opéra comique – Pelléas et Mélisande – Debussy (Gardiner)N'hésitez pas à me signaler des concordances de date !Mis à jour les 10 mars, 2 mai 2010

Opera d'Aran (suite)

2009-12-22T13:19:00+01:00

Un petit ajout concernant l'Opera d'Aran de Bécaud : j'ai trouvé aujourd'hui sur Youtube un autre extrait de cette oeuvre, enregistrée à Montmorillon dans la Vienne. Je pense qu'il s'agit d'un extrait du DVD qui devait sortir il y a peu de temps.

C'est le début de l'acte II, le duo entre Maureen et Sean.

Albums ”Opéras du temps jadis” 2

2009-12-12T15:40:18+01:00

MISE A JOUR 2

Et bien, ça n'a pas tardé, pour une fois ! L'album n'14 est complété ! Outre Un bal Masqué, il contient des photos de mises en scène de Ariane à Naxos, Le Triptyque (Il Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi)... Bonne promenade dans le passé...

Albums ”opéras du temps jadis” - 1

2009-12-11T20:55:00+01:00

MISE A JOUR 1

Pendant un certain temps (voire un temps certain), il ne m'a pas été possible de remplir les albums consacrés aux mises en scène d'opéras. Mais comme il n'est jamais trop tard pour bien faire, j'essaie de rattraper le temps perdu en faisant des mises à jour. La première concerne l'album n° 12 dans lequel vous trouverez, outre les déjà présents Cavalleria Rusticana et Paillasse, des photos de La Force du Destin. Le reste va bientôt suivre...

Peut-être un petit récapitulatif s'impose-t-il. Voici ce que contiennent les albums :

- N°1 : Salomé, Elektra, Arabella, Didon et Enée.

- N°2 : Le Chevalier à la rose, la Femme silencieuse, Katia Kabanova, Martha.

- N°3 : Dialogues des Carmélites, La Ville morte, L'Enfant et les sortilèges.

- N°4 : Mefistofele, Les Chants d'Auvergne, la Voix humaine, Le Medium.

- N°5 : Mireille, Jenufa.

- N°6 : Les Troyens, Carmina Burana.

- N°7 : Eugène Oneguine, Le Tour d'écrou.

- N°8 : Louise, Der Freischütz.

- N°9 : Le Château de Barbe-Bleue, Hansel et Gretel, Peter Grimes.

- N°10 : L'Affaire Makropoulos, La Gioconda, Capriccio.

- N°11 : La Dame de Pique, Les Contes d'Hoffmann, De la Maison des morts.

- N°12 : Cavalleria Rusticana, Paillasse, La Force du destin.

- N°13 : Anna Bolena, La Somnambula, La Fille du Far-West, Jeanne au bûcher, Mignon, Béatrice et Benedict, Le Roi d'Ys.

- N°14 : Un Bal masqué. Sera prochainement complété...

La sélection des Enfants d'abord

2009-11-04T17:07:45+01:00

Comme chaque mercredi, le choix des Enfants d'abord!

CINEMA

L'Arbre aux esprits de Cilia Sawadogo

Mercredi 2 décembre à 15 h et Lundi 21 décembre 2009 à 15 h au Musée Dapper-35 rue Paul Valéry 75016 Paris (www.dapper.com)

Canada, film d'animation, 2005, 45 min

Dans la savane désertique, Kodou et Tano rencontrent Ayoka, la gardienne d'un arbre centenaire. Ce dernier est menacé d'être coupé. Les deux enfants décident donc d'agir. Kodou, guidé par Ayoka, va à la rencontre des ancêtres pour demander leur aide. Pendant ce temps, Tano reste dans le creux de l'arbre pour veiller sur lui. Mais les ancêtres ne sont que des guides et les enfants doivent trouver eux-mêmes les solutions. Durant ce périple, ils apprennent que ce grand baobab constitue une porte entre deux mondes. L'esprit de la pluie, prisonnier de l'esprit de la sécheresse ne peut plus remonter vers la surface. Sans le baobab sacré, l'accès à la terre est à jamais fermé et, sans ce passage, l'équilibre de la nature est rompu.
L'Arbre aux esprits s'appuie sur des éléments de légendes et sur les préoccupations modernes relatives à l'environnement, abordant ainsi des thèmes universels. La projection sera présentée aux enfants par une conférencière du musée.

Kabongo le griot de Pierre Awoulbe Sauvalle

Les mercredis 18 novembre et 16 décembre 2009 à 15 heures au musée Dapper 35, rue Paul Valéry 75016 Paris (www.dapper.com)

Sénégal, film d'animation, 2000, 3 x 13 min

Le griot Kabongo et son compagnon, le petit singe Golo, parcourent le monde à la recherche d'un élève à qui Kabongo pourrait transmettre son art de conteur. La quête de Kabongo sert de prétexte à nous entraîner dans de multiples aventures, tout en nous faisant voyager dans l'univers magique des mythes et légendes du monde entier. Dans chaque épisode, Kabongo et Golo font halte dans une contrée différente où le griot nous présente un conte local. Le griot malicieux Kabongo a été créé par Pierre Awoulbe Sauvalle, Franco-Camerounais installé à Dakar. Avec son associée Aïda Ndiaye, il a fondé une petite entreprise imaginative, Pictoon, qui est le premier studio de dessins animés de l'Afrique de l'Ouest. Des dessinateurs sont formés sur place, et Kabongo le griot est devenu une série télévisée qui a trouvé un large public en Afrique. La projection sera présentée aux enfants par une conférencière du musée.

À partir de 5 ans
Tarif : 5 €. Groupes (min. 10 personnes) : 4 € par personne
Réservation conseillée au 01 45 00 91 75

THEATRE

Les Contes des Mille et une Nuits : Théâtre des Bouffes Parisiens. Mise en scène de Anne Roumanoff (www.bouffesparisiens.com)

Kader Taibaoui incarne seul en scène pas moins de dix-huit personnages et transporte le spectateur dans un Orient plein de fantaisie, d’humour et d’émotion, le tout bercé par des musiques envoutantes. Il instaure une vraie complicité avec le public ou petits et grands deviennent parfois les acteurs de ces histoires.

Le Bourgeois Gentilhomme : Théâtre Fontaine 10 rue Pierre Fontaine 75009 Paris

Jusqu’au 30 mai 2010.

La Compagnie Colette Roumanoff propose tous les mois, au théâtre Fontaine, au moins trois pièces de Molière. Les comédiens jouent sans décor, avec quelques accessoires. Ils portent des costumes gais, colorés et font preuve de beaucoup d’énergie. Ils réussissent ainsi à occuper l’espace et leur humour est communicatif. Toutes ses créations constituent une excellente initiation au répertoire classique.
Voici comment Colette Roumanoff présente le Bourgeois Gentilhomme : « Les très amusantes aventures d'un bourgeois trop snob, amoureux d'une trop belle marquise ».
Durée 2h.

Prochaines dates : séances à 14h30, sauf mention contraire.
En novembre : dimanche 1^er, mardi 3, samedi 7, dimanche 8, mercredi 11, dimanche 15.
En décembre : samedi 12, dimanche 13 (10h).
En avril, jeudi 15 (14h15), dimanche 18.
En mai : jeudi 13, dimanche 30 (17h30).

EXPOSITIONS

Musique en jouets au Musée des Arts Décoratifs 107, rue De Rivoli 75001 Paris
(www.lamuse.fr)

Jusqu’au 8 Novembre 2009

Les jouets à musique, souvent cités par les parents comme des « cadeaux empoisonnés », ont toujours fait le bonheur des enfants. Ils sont tous là : hochets, crécelles, boites à musiques, culbuto, moulins à musiques… Dans l’antiquité, ils étaient censés écarter les mauvais esprits aujourd’hui ils participent à l’éveil de l’enfant.

La bonne idée est de présenter non seulement les pièces de collection de Musée du XVIII à aujourd’hui, devant lesquels chacun selon ses souvenirs s’attendrit, mais d’avoir également invités quatre artistes à créer de grandes installations.
Les jouets vintages côtoient des œuvres musicales vraiment amusantes. Coup de cœur pour le Play Meccano Play de Pierre Bastien (20 instruments et objets de la vie quotidienne reliés à des machines Meccano) et le nabaz’mob, opéra pour 100 lapins communicants de Antoine Schmitt et Jean-jacques Birgé (une chorégraphie d’oreilles et jeux de lumière).

Cette charmante exposition n’est cependant pas très exhaustive, complétez la visite par un atelier :

Pour les 4/6 ans : Crac boum wizz ! Entrechoquer, agiter, frotter, la découverte des univers des créateurs présentés amène les enfants à jouer avec les bruits et les sons. Matériaux et objets usuels sont détournés, assemblés pour créer un nouvel objet sonore.
23 septembre à 14h, 21 octobre à 14h, 29 octobre à 10h, 4 novembre à 14h.

Pour les 7/10 ans : Machine à sons. Les installations et les jouets musicaux inspirent aux jeunes visiteurs la fabrication d'une boîte à sons. À chacun d'expérimenter les actions sur la matière pour obtenir différentes sonorités.
16 septembre à 14h, 26 octobre à 10h, 4 novembre à 10h.

Sorties à Paris avec l’association Paris d’Enfants – 2, rue de Compiègne-75010 Paris (www.parisdenfants.com)

Toute l'année, des visites ludiques de Paris d’Enfants.
Pour les 5 - 12 ans accompagnés d'au moins un adulte.

Cette association propose aux familles un beau programme de visites-découvertes, auxquelles vous pouvez vous inscrire. Les conférenciers sont "rôdés", ils aiment le patrimoine parisien et le font partager aux enfants.
N’hésitez pas à programmer une visite, vous découvrirez, en bonne compagnie, des aspects méconnus de notre cité ou une partie des collections des grands musées.

Un livret d'activités est offert à chaque enfant. La réservation est obligatoire, vous pouvez réserver par mail.

Maria Stuarda

2009-11-03T08:56:00+01:00

Leyla Gencer (Marie)

La « Trilogie des Reines » ou la « Trilogie des Tudor », tel est le nom qu'on donne en général aux trois ouvrages de Donizetti consacrés à cette dynastie anglaise : Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (1834), Roberto Devereux (1837). Le présent billet sera consacré au volet central de cette trilogie. Anna Bolena a déjà fait l'objet d'un article ; il ne restera donc plus, après, qu'à s'attaquer (si on peut dire...) à Roberto Devereux.

Le surnom « Trilogie des Tudor » laisse cependant de côté un fait important : cette famille royale dont Henry VIII et Elizabeth 1^ère sont les représentants les plus importants n'est pas la seule concernée par les trois ouvrages : Les Stuart sont également bien présents, surtout, évidemment, dans celui qui porte le nom de la plus célèbre reine d'Ecosse, Marie Stuart.

Un bref aperçu des réseaux historiques confirme le lien qui existe entre les trois opéras :

- Anna Bolena met en scène Henry VIII et deux reines d'Angleterre : Anne Boleyn et Jeanne Seymour. On évoque également à travers la « fille d'Anna » déjà Elisabeth 1^ère, ainsi que la première femme de Henry VIII, Catherine d'Aragon, lorsque, au détour d'une réplique, on parle de « l'Aragonaise » ;

- Maria Stuarda réunit bien sûr Marie Stuart et Elisabeth 1^ère, mais on évoque aussi Anne Boleyn (dans l'entrevue des deux reines, lorsque Marie traite Elisabeth de « figlia impura di Bolena ») et Henri Stuart (« Arrigo ») ;

- Quant à Roberto Devereux, il permet de retrouver Elisabeth 1^ère face cette fois au second comte d'Essex, Robert Devereux. Là encore, les Stuart sont évoqués avec le roi Jacques VI d'Ecosse, qui deviendra Jacques 1^er d'Angleterre (« Giacomo ») et l'ombre d'Henry VIII apparaîtra de nouveau (« Enrico »).

La vie, le destin et la personnalité de Marie Stuart ne pouvaient qu'en faire une héroïne « tragique » : née en 1542, morte en 1587, elle fut reine d'Ecosse de 1542 à 1567, Dauphine de France sous Henri II puis Reine de France de 1559 à 1560 par son mariage avec François II. Son second mari, Henri Stuart, père du futur Jacques VI d'Ecosse fut assassiné par l'amant de Marie, Bothwell, qu'elle épousa en troisièmes noces. En 1567, un soulèvement l'obligea à abdiquer et elle se réfugia en Angleterre. S'étant opposée à Elisabeth, puis compromise dans un complot visant à assassiner la reine, elle fut décapitée en 1587 sur ordre d'Elisabeth. Tel est donc le personnage historique dont Schiller s'est inspiré pour écrire un de ses chefs-d'œuvre et que Donizetti transformera en héroïne de drame lyrique.

1834 : Gaetano Donizetti a déjà composé 42 œuvres lyriques, il est un des compositeurs les plus en vue de l'Italie, ses œuvres triomphent dans toute la péninsule, que ce soit à Rome, Venise, Milan ou Naples. Et c'est à Naples que, justement, va lui être donnée l'occasion d'écrire son 43^ème opéra. Ayant signé le 12 avril 1834 un contrat avec le Teatro San Carlo de Naples, il cherche un sujet et va composer, pendant l'été, Maria Stuarda.

Ayant un penchant certain pour les œuvres littéraires romantiques ou préromantiques, Donizetti ne pouvait qu'être attiré par la pièce de Friedrich Von Schiller, Marie Stuart, consacrée aux derniers jours d'emprisonnement de la reine d'Ecosse dans le château de Fortheringay. (Œuvre, qui d'ailleurs, maltraite fortement la réalité historique.)

Il confie le soin de l'adaptation de cette pièce au librettiste Felice Romani, mais celui-ci refuse, pour des motifs plus ou moins obscurs. Donizetti se tourne donc vers Giuseppe Bardari, jeune étudiant en droit, dont Maria Stuarda sera le premier et seul livret d'opéra. (Et quand on lit les paroles, on se dit que finalement, c'est aussi bien...) Bardari commence par réduire les cinq actes de la pièce originale à deux actes. Le premier acte de la pièce de Schiller est carrément supprimé, les 2^ème et 3^ème actes sont réunis pour former l'acte I de l'opéra. Les 4^ème et 5^ème actes de Schiller deviennent l'acte II. En 1865, cependant, la scène du parc qui met en présence les deux reines est séparée de l'acte I pour former un deuxième acte à part, le troisième est alors consacré aux derniers instants de Marie. Que l'on opte pour l'une ou pour l'autre des répartitions, on constate malgré tout qu'elles ont chacune un sens : la structure bipartite met en valeur la confrontation entre les deux reines comme axe central de l'opéra, la structure tripartite impose une progression dramatique en crescendo qui n'est pas à négliger. Enfin, les 21 personnages de la pièce de Schiller sont réduits à 6 dans l'opéra, ce qui permet d'enrichir la psychologie des personnages et, sur le plan matériel, de satisfaire aux exigences de l'effectif d'une troupe d'opéra.

Mais ce nouvel ouvrage de Donizetti va connaître bien des avanies avant de trouver sa forme définitive. Dès les premières répétitions de Maria Stuarda au San Carlo, le contrôle de la censure se fait sentir et de fortes tensions règnent entre les artistes. Les censeurs ont exigé quelques menues modifications et les deux interprètes principales féminines ne peuvent pas se voir en peinture ; cela aboutit à un formidable pugilat en scène pendant la générale, lors de la confrontation des deux reines. ([Elisabetta] se précipite sur son ennemie, la saisit par les cheveux, la gifle, la mord, lui frappe le visage à coups de poing et lui brise presque les jambes à force de coups de pieds. Maria Stuarda, tout d'abord étourdie, reprend courage et tient tête à la reine d'Angleterre. ») (1)

Le lendemain même, suspension des répétitions et interdiction de la première. Est-ce à cause de la bagarre entre les deux prime donne ? Nullement. Mais, en fouillant bien, la censure a finalement trouvé dans l'ouvrage de quoi se régaler ; citons, entre autres raisons invoquées : La mise à mort d'une reine prête à caution ; les insultes grossières échangées par les deux reines lors de leur entrevue ne sont pas acceptables chez deux souveraines chrétiennes ; la représentation des sacrements est interdite sur scène : or, Marie doit se confesser et s'agenouiller en public ; etc...

Et voilà Donizetti obligé de refaire son ouvrage. La réadaptation du livret est confiée à Pietro Salatino et elle est faite en 5 jours ! Changement de personnages, de cadre, et de titre : l'opéra s'appelle Buondelmonte, son action est transposée en 1215 à Florence et concerne l'opposition de deux familles. Autant dire qu'il ne reste pratiquement rien de l'œuvre originale, notamment sur le plan politique et émotionnel.

Mais Donizetti est têtu ; et il n'a pas envie de voir Maria Stuarda plonger dans les oubliettes de l'oubli. Puisque les censeurs de Naples ne veulent pas de son opéra, il le propose à la Scala de Milan, laquelle accepte d'en faire la création. Cette dernière a lieu le 30 décembre 1835 : la Malibran tient le rôle de Maria et Giacinta Puzzi-Toso celui d'Elisabeth. C'est un échec. L'œuvre est mal reçue parce que la Malibran, souffrante ce soir-là, n'a pas été à la hauteur de sa réputation. Et qui plus est, dès le quatrième soir, on ne joue plus que l'acte I parce que les autres « ont trop peu de succès ». Et pour couronner le tout, en janvier 1836, l'opéra est de nouveau interdit parce que la Malibran refuse de faire les modifications demandées par la censure (ne plus s'agenouiller entre autres) et persiste à respecter la version originale.

Ce parcours chaotique de l'opéra continuera pendant de nombreuses années, dans sa version milanaise d'abord, puis dans d'autres versions, modifiées, encore censurées, etc... Ce n'est qu'en 1991 qu'on redécouvrira l'œuvre dans son authenticité.

Avant d'aborder l'argument de l'opéra, il faut s'arrêter un instant sur les deux héroïnes de l'ouvrage. Dans les années 1830, continuait à perdurer dans l'art lyrique un usage fort à la mode auparavant : le « couplage » de deux voix féminines. Par exemple, dans Anna Bolena, on trouvait le couple Anna / Giovanna Seymour, dans Norma Norma / Adalgisa... Bien sûr, le rôle de l'héroïne était toujours le plus important. Dans Maria Stuarda, les deux reines ont la même importance, tant sur le plan musical que sur le plan dramatique. La structure tripartite, au niveau dramatique, est très révélatrice : le premier acte est pour Elisabeth, le second est aux deux reines, le troisième est pour Marie. Le nombre d'airs dévolus à chacune est à peu près identique et les qualités vocales requises sont également identiques. Mais la comparaison entre les deux rôles ne se limite pas à une simple opposition : il serait facile de faire d'Elisabeth un bourreau sanguinaire et de Marie une pauvre victime de la haine de sa rivale. Ce serait réduire l'une et l'autre.

Elisabeth est certes « la reine vierge », altière, mais c'est aussi une amoureuse qui s'exprime avec la gracieuseté d'une jeune fille et à qui sont imposées de redoutables vocalises. De même, Marie peu à peu perd de sa féminité vocalique pour devenir une sorte de martyre toute intériorisée, abandonnant la combativité pour la spiritualité élégiaque. Toutes deux évoluent au cours de l'œuvre, l'une passant de la fierté méprisante à l'amertume, la peur, l'hésitation, l'autre de l'agressivité, la violence, la grossièreté (dans la confrontation) à l'apaisement final. Face à elles, les rôles masculins, même s'ils sont traités avec une certaine finesse, restent malgré tout en deçà et exigent de leurs interprètes d'indéniables qualités vocales et dramatiques pour les rendre consistants.

Parmi les grandes interprètes modernes de Marie, citons Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Janet Baker, Beverly Sills, Edita Gruberova...

Pour Elisabeth : Largement en tête, et de loin, Shirley Verrett, suivie de Eileen Farrell, Viorica Cortez, Agnès Baltsa...

(1) Extrait de la revue Teatri, Arti et letteratura du 23 octobre 1834, cité par Chantal Cazaux dans la revue l'Avant-scène Opéra n°225.

ARGUMENT : Acte I - Palais de Westminster. Des courtisans attendent l'arrivée de la reine Elisabeth qui doit unir les trônes de France et d'Angleterre par son mariage. En réalité, la reine aime un autre homme. La cour et Talbot la pressent d'être clémente envers sa cousine Marie Stuart, mais Cecil, l'âme damnée d'Elisabeth, lui rappelle qu'on ne peut pas faire confiance à l'ex reine d'Ecosse. Elle nomme Leicester ambassadeur en France et l'on comprend que c'est de lui qu'elle est amoureuse.

Talbot avoue à Leicester qu'il est allé au château de Fortheringay (prison de Marie) et que cette dernière a demandé l'aide de Leicester. On montre au jeune homme le portait de Marie ; frappé par sa beauté et touché par sa détresse, Leicester ne songe qu'à l'aider. La reine revient et demande à voir la lettre qu'il tient à la main. Elle réalise alors que Marie a non seulement des vues sur le trône d'Angleterre mais sur l'homme qu'elle aime. Leicester réussit à la persuader d'aller voir sa cousine à Fortheringay. (Rencontre imaginée par Schiller et qui n'a, dans la réalité, jamais eu lieu !)

Le parc de Fortheringay : Marie évoque avec sa suivante Anna les jours heureux vécus en France. Arrive l'équipage de la reine. Leicester conseille à Marie de se soumettre à Elisabeth et jure de la venger si la reine demeurait insensible à ses prières. Puis, il demande sa main à Marie.

Entrée d'Elisabeth : c'est la célèbre scène de la confrontation des deux reines : chaque personnage présent sur scène exprime d'abord ses sentiments dans un sextuor très donizettien. La première à parler est Elisabeth, qui constate que sa cousine n'a rien perdu de sa fierté et de son orgueil. Marie se force à s'agenouiller devant elle et à implorer son pardon. Mais, accusée d'avoir trahi et d'avoir assassiné son époux, elle se révolte et insulte la reine, la traitant de « figlia impura di Bolena » et de « bastarda ». Elisabeth, folle de rage, la condamne à mort. Photo : Bianca Berini (Elisabeth) Montserrat Caballé (Marie)

ACTE II - Palais de Westminster. Elisabeth n'a pas encore signé l'ordre d'exécution de Marie. Elle hésite, tergiverse, se demandant si elle a choisi la bonne solution et si cette décision ne va pas se retourner contre elle. La vue de Leicester, qu'elle soupçonne d'aimer Marie et les pressions de Cecil viennent à bout de ses hésitations. Elle ordonne à Leicester d'assister à l'exécution.

Château de Fortheringay. Cecil informe Maria de la sentence. Elle refuse les services d'un prêtre anglican et se confesse au loyal Talbot. Marie croit voir le fantôme de son second mari et nie avoir été complice dans l'assassinat de Rizzio, le favori et secrétaire de son mari, que ce dernier avait fait assassiner avant de l'être à son tour. Elle rejette la responsabilité sur la jalousie d'Elisabeth.

Les partisans de Marie s'indignent mais Anna leur reproche de troubler les derniers moments de leur maîtresse. Celle-ci adresse une prière pathétique à Dieu. Le premier des trois coups de canon annonçant l'exécution se fait entendre. Cecil vient dire à Marie qu'Elisabeth lui accorde une dernière volonté. Marie demande qu'Anna l'accompagne aux marches de l'échafaud. Le second coup de canon retentit et Leicester paraît. Le troisième coup retentit et Marie marche tête haute vers la mort.

MISES EN SCENE DE MARIA STUARDA : ALBUM PHOTOS 15

VIDEO 1 : La confrontation des deux reines : Shirley Verrett (Elisabeth) - Leyla Gencer (Maria), Florence 1967.

Pour l'entendre et la voir avec Montserrat Caballé (Maria) et Bianca Berini (Elisabeth), cliquez ici.

VIDEO II - Scène finale de l'acte II : Montserrat Caballé (Marie), Barcelonne 1979.

La Fille du Far-West

2009-10-23T12:55:00+02:00

Tout comme Le Triptyque, La Fille du Far-West n'est certes pas l'opéra le plus connu de Puccini. Ni le plus joué. Il vaut pourtant le détour, je vous l'assure, et même, pour parodier un guide fort connu, le voyage avec moult étoiles à la clef

En février 1907, Puccini écrit une lettre au fils de l'éditeur Giulio Ricordi dans laquelle il exprime son ras-le-bol d'œuvres telles que La Bohème, Butterfly, Tosca, etc. Il sent très nettement la nécessité de poursuivre d'autres voies du point de vue du style et de choisir des ouvrages un peu plus littéraires pour composer sa musique. (Point de vue assez méchant pour Mürger et ses Scènes de la vie de bohème et assez juste pour la Tosca de Victorien Sardou...) Et le tournant va être radical : Les japonaiseries ayant été rangées au vestiaire, l'opéra qui suit Butterfly va transporter le spectateur / auditeur dans l'univers des chercheurs d'or : ce sera La Fille du Far-West (La Fanciulla del West).

Mais si le sujet est choisi, il s'agit de trouver « l'œuvre » qui sera à l'origine de l'opéra. Et là, en langage familier, ça coince... Pourquoi ? Parce que Puccini avoue avoir vu nombre de pièces pouvant se prêter à la transposition musicale mais qu'aucune ne l'avait vraiment enthousiasmé. Peut-être celle du dramaturge David Belasco ; mais, dit Puccini, il y a certes « un bon début, mais rien de complet, de cohérent, d'accompli. » Si le milieu du Far-West lui convient tout à fait, il n'a trouvé que quelques bonnes scènes, sans réel fil conducteur ; certaines pièces sont parfois de mauvais goût, farcies de plaisanteries éculées : bref, un terreau relativement pauvre dans lequel il sera bien difficile de faire germer une graine.

Finalement, ce sera malgré tout la pièce de Belasco The Girl of Golden West qui deviendra la base du livret du nouvel opéra. La rédaction de ce livret est confiée à Carlo Zangarini : tâche difficile mais il semble que les efforts du librettiste pour rendre l'action et les personnages plus consistants que dans la pièce originale aient satisfait d'emblée le compositeur. Cela n'empêchera pas Puccini d'imposer de nombreuses transformations, rectifications, ajouts, corrections, notamment pour le troisième acte, qui est une version très réduite des troisième et quatrième actes de la pièce de Belasco.

Le grand problème qui se posait à Zangarini et Puccini était d'accroître la tension et d'abréger l'œuvre. Après un fastidieux et long travail de remaniement, l'opéra est enfin terminé en juillet 1910. Ces remaniements ne nuisent nullement à l'équilibre de l'oeuvre, bien au contraire. Même si le livret continue d'être assez pauvre en événements, la succession d'épisodes dans le premier acte, tantôt drôles, tantôt sérieux empêche la monotonie de s'installer et permet à l'intrigue de se mettre naturellement en place. Mais il n'y a pas vraiment « d'innovation » au sens théâtral du terme dans ce livret, malgré le contraste entre les scènes montrant la dureté du monde des chercheurs d'or et celles, plus touchantes, où s'expriment les sentiments. Le lieu central de l'action, un bar tenu par une jolie femme dont les chercheurs veulent obtenir les faveurs, ne peut guère donner lieu à des possibilités nouvelles de combinaisons et de jeu : on reste donc dans la convention théâtrale la plus traditionnelle.

Cependant, il faut admettre que malgré cette absence de « nouveauté », l'opposition entre le monde des tripots du premier acte, avec ses soudains changements d'ambiance, et le paysage de la sierra californienne du troisième acte, dans lequel se déroule une grande scène émouvante suivie d'un « happy end » assez inattendu, montre un sens évident du théâtre. Cette dramatisation est encore accentuée par un second acte qui nous plonge dans un univers intimiste, celui de l'héroïne, Minnie. Ce deuxième acte s'achève par une remarquable idée de laisser le poker décider du destin : Minnie joue la vie de Johnson aux cartes, face au shérif, et elle ne gagne que grâce à une tricherie.

Cela dit, le livret comporte d'évidentes faiblesses : les clichés s'accumulent en ce qui concerne les personnages, notamment celui de Minnie : tenancière de bar obligeant ses clients à lire la Bible, fille qui pleure sur sa culture à deux balles, lit des romans d'amour et n'a pas encore donné son « premier baiser » : on le voit, les contradictions incompatibles ne manquent pas. Autre cliché : celui de l'Indien Billy, stupide, qui vole des cigares, boit du whisky comme un trou, et s'exprime avec des sons et des mots fort primitifs. Dieu merci, la musique de Puccini sauve tout : face à la lourdeur de certains aspects du livret, elle est légère, fluide, sensible, délicate ; l'influence de Debussy s'y fait sentir à de nombreux moments.

Vu le sujet, on pouvait s'attendre à ce que Puccini soit également influencé -ou du moins intéressé- par la couleur de la musique américaine. Et on la trouve, bien évidemment, dans le chant monotone des indiens, dans des formes qui rappellent celle du jazz ou des rag-times. Les chants des chercheurs d'or (pour chœur d'hommes) donnent à l'opéra sa couleur fondamentale. « Le timbre sombre, la sonorité marquée et rude des basses et des ténors sont soulignés et mis en avant par l'écriture pour choeur simplement retenue et à l'effet massif, surtout dans le troisième acte au cours de la poursuite. A cela s'ajoute les effets particuliers du chant « à bouche fermée » en particulier la nostalgie de Larkens au premier acte. » (1)

Il y a très peu de morceaux de bravoure pour solistes, dans cet opéra. Citons néanmoins l'arioso du shérif Rance par lequel il déclare son amour à Minnie, un morceau pour voix de basse sombre et grave, celui par lequel Minnie lui répond et où elle exprime ses espoirs et ses rêves de jeune fille. Cette quasi absence volontaire d'arioso donne à Puccini la possibilité d'amener par exemple le second acte vers son apogée dramatique : la partie de poker. Pas de duo conventionnel mais un moment de tension exceptionnel, où la musique retient son souffle, comme les personnages ; ce qui permet un nouveau contraste avec la fin de l'acte où l'orchestre se déchaîne brutalement tandis qu'éclate le rire insensé et démentiel de Minnie.

L'opéra fut créé à New York le 10 décembre 1910 : Enrico Caruso tenait le rôle de Johnson, Emmy Destinn celui de Minnie et Pasquale Amato celui du shérif Rance. Le public américain lui fit un triomphe... qui n'a, hélas, pas vraiment perduré. Où produit-on actuellement La Fille du Far-West ?...

(1) - Hans-Jürgen Winterhoff, traduction de Catherine Godin.

ARGUMENT :

ACTE I - La taverne « La Polka » où les chercheurs jouent et boivent. Succession de scènes de genre. Minnie, la tenancière, que tous aiment, respectent et protègent, a essayé d'organiser une école élémentaire pour les habitants les moins « évolués ». Deux domestiques indiens, Billy et Wowkie, font le service. Les mineurs jouent. Larkens semble un peu abattu, Jack chante un air mélancolique ; Larkens perd, on fait une collecte en sa faveur. Sid triche, on veut le punir. Rance, le shérif, suggère d'épingler sur sa poitrine une pancarte indiquant qu'il ne doit pas jouer. S'il s'en débarrasse, il sera pendu. Ashby rentre et déclare qu'il est sur la piste du célèbre bandit Ramerrez. Minnie fait apporter du whisky chaud et du citron et tous boivent à sa santé. Rance en profite pour lui glisser qu'elle pourrait bientôt devenir sa femme. Sorora se moque de lui et ils se battent. Minnie les sépare, les tance vertement puis tandis que Rance et Ashby parlent en aparté, elle commence à lire la Bible.

Arrivée du courrier. Ashby a une lettre de l'ancienne amie de Ramerrez qui lui indique où il pourra trouver le bandit. Il se réjouit de pouvoir l'attraper. Chacun lit son courrier en faisant des commentaires. Nick annonce qu'un étranger, dehors, réclame du whisky ce qui fait rire tout le monde. Rance déclare son amour à Minnie mais elle ne veut rien entendre et rétorque qu'elle ne prendra pas de mari à moins de l'aimer autant que ses parents se sont aimés.

Nick fait entrer l'étranger, Dick Johnson. Rance se montre désagréable mais Minnie le reconnaît et évoque avec lui leur première rencontre. Rance, jaloux, exige de savoir ce que l'étranger vient faire ici. Minnie se porte garant de Johnson. Ce dernier l'emmène danser. Après leur départ, on introduit Castro, un membre de la bande de Ramerrez, qui vient d'être capturé. Il promet de conduire le shérif au campement du bandit s'il a la vie sauve. Voyant la selle de Johnson, il pense qu'il a été capturé puis il le voit sortir d'une pièce voisine et glisse à son chef qu'il n'a rien révélé et que la bande est prête.

Johnson reste seul avec Minnie. Il s'étonne de qu'elle soit ainsi seule, sans protection, d'autant plus qu'elle doit garder l'or des mineurs. Mais Minnie aime cette vie et n'en veut pas d'autre. Nick les interrompt et Johnson promet à Minnie de venir dans sa cabane pour continuer la conversation.

ACTE II - La cabane de Minnie. Wowkie chante une berceuse à son enfant et bavarde un moment avec Billy : vont-ils se marier ? Minnie envoie Billy à son travail et prévient Wowkie qu'elle aura un invité à dîner. Arrive Johnson ; Minnie et lui s'assoient à table. Ils chantent leur joie d'être ensemble puis Minnie prépare un lit devant le feu pour Johnson car il neige et il ne peut pas repartir. On entend du bruit dehors. Minnie cache Johnson derrière les rideaux de son lit. Entrent Rance, Nick, Ashby et Sorora : lls ont découvert que Johnson est en réalité Ramerrez. Castro les a conduit à sa cachette et ils ont trouvé une photo de lui que Rance tend à Minnie, laquelle rit nerveusement. Ils s'en vont et elle se tourne, furieuse, vers Johnson. Il avoue qu'il était bien venu dans l'intention de voler mais qu'il a changé d'avis en la voyant. Il explique dans une aria pourquoi il a été obligé de devenir bandit. Puis, il sort et retentit un coup de feu. Un corps s'écroule contre la porte. Minnie ouvre et Johnson entre en titubant. Elle avoue l'aimer et décide de l'aider en le cachant dans le grenier.

Rance entre, cherche sa proie dans tous les coins et fait jurer à Minnie qu'elle ne le cache pas. Il veut l'embrasser ; devant son refus, il l'accuse d'aimer le bandit et affirme qu'elle ne sera jamais à Johnson. Une goutte de sang tombe sur sa main, puis une autre. Rance crie à Johnson de sortir de sa cachette. Aidé par Minnie, le bandit descend et s'évanouit en touchant le sol. Minnie propose de jouer au poker. Si elle gagne, elle sera maîtresse de la vie de Johnson ; si elle perd, Rance pourra emmener son prisonnier et le pendre. Rance accepte. Ils gagnent chacun une fois. Avant la dernière donne, Minnie demande à Rance de lui servir un verre. Elle en profite pour substituer à ses cartes celles qu'elle avait dissimulées dans sa manche. Quand Rance lui montre trois rois, elle étale trois as et une paire. Rance s'en va et Minnie éclate d'un rire sauvage : elle a sauvé celui qu'elle aime.

ACTE III - Une clairière dans la forêt. Nick, Rance et Ashby se sont joints à la bande qui traque Ramerrez. Rance affirme que Minnie ne reverra son amant que pendu à une corde. Arrive Sorora qui annonce que le bandit est capturé. On remet Johnson au shérif qui suggère qu'on le pende immédiatement. Johnson proteste, jure qu'il n'a jamais tué personne et demande une dernière faveur : que Minnie le croie libre et ne sache jamais son ignoble fin.

Rance se jette sur lui et le frappe au visage. Les autres le désapprouvent. Alors que Johnson va être pendu, on entend la voix de Minnie. Elle les défie d'oser toucher le prisonnier en sa présence. Pendant des années, elle a partagé leurs malheurs ; vont-ils lui refuser la première chose qu'elle leur demande ? Elle a décidé de commencer une autre vie avec Johnson : le bandit Ramerrez est mort dans sa cabane, c'est un homme nouveau qui est né. Sorora prend son parti et tous conviennent qu'ils lui doivent trop pour lui refuser ce qu'elle demande. Elle s'éloigne au bras de Johnson, en route pour une nouvelle vie.

VIDEO 1 : Fin de l'acte II, la partie de cartes : Renata Tebaldi est Minnie. Live Met New-York 1970

VIDEO 2 : Extrait de l'acte III, Scala de Milan 1991 : Mara Zampieri : Minnie ; Placido Domingo : Johnson ; Juan Pons : Rance.

La sélection des Enfants d'abord

2009-10-21T07:33:00+02:00

Dernière semaine avant les vacances de la Toussaint. Comme chaque mercredi, la sélection des Enfants d'abord, pour les plus jeunes et les plus grands... Cette semaine, Lucky Lucke, Louis XIV, Pierre et le Loup...

CINEMA

Lucky Luke : Film de James Huth avec Jean Dujardin, Mickaël Youn, Sylvie Testud

Il est "l'homme qui tire plus vite que son ombre". Lucky Luke. Le seul, l'unique. L'aventurier intrépide est missionné par le Président pour rétablir l'ordre à Daisy Town, la ville qui l'a vu grandir. Jadis un coin de paradis, Daisy Town vit sous la terreur des colts. Bandits et ennemis de Luke y font la loi, comme Pat Poker et Billy the Kid. Les souvenirs remontent à la surface et le justicier fragilisé confronte l'assassin de ses parents ! Le héros qui n'a jamais tué se laissera-t-il gagner par la haine ? Sera-t-il sauvé par Belle, l'éblouissante et mystérieuse chanteuse du saloon avec laquelle il découvre le grand Amour ?

3 Amis mènent l’enquête : Film d’animation de Tony Loeser

L'acteur sans succès Jean Campagnol, alias Johnny Star pour la caméra, se trouve une fois de plus dans une situation embarrassante. Sans travail, sans argent, il doit reprendre la route et, quitte à cacher sa misère, traverser le monde. Sur son chemin, il trouve un joli village, caché entre écurie et tas de fumier, le lieu idéal pour se faire oublier. Johnny Star va faire la connaissance de deux compagnons, François Lecoq et Gros William, ainsi que de tous les animaux de la ferme. Et malgré leurs différences, ils devront unir leurs forces afin de secourir l'anelle, Douce, menu du repas de Maître Loup...

Tempête de Boulettes Géantes : Film de Phil Lord et Christopher Edward Miller

Flint Lockwood, un ingénieur un peu loufoque, essaye de trouver des solutions pour vaincre la faim dans le monde. Mais l’une de ses inventions va provoquer une pluie soudaine de nourriture et déclencher des catastrophes à l’échelle mondiale...

THEATRE

Pierre et le loup : Mise en scène de Daniel Leduc auThéâtre Comédia, 4 bd de Strasbourg 75010 Paris

La Compagnie Ecla Théâtre propose une nouvelle version d’un de ses grands succès : un spectacle théâtral autour de deux chefs-d’œuvre musicaux, Pierre et le loup de Prokofiev et Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns. L’adaptation, tout en préservant l’imbrication musicale, favorise à la fois le dialogue et l’humour (Théâtre) et le récit (Poésie). Les interprètes passeront indifféremment du commentaire à l’action, du témoignage à la participation.

Le Petit Prince : d’après l’œuvre de Antoine de Saint-Exupéry, mise en scène de Virgil Tanase au théâtre Pépinière 7 rue Louis-le-Grand 75002 Paris

C’est l’histoire de ceux qui, devenus adultes, ont fait taire l’enfant qui les habite. Le spectacle est celui d’un homme, qui à l’occasion, se débarrasse de ses vêtements de grande personne pour donner la parole à l’enfant qui est en lui.

EXPOSITIONS

Louis XIV, L’Homme et le Roi : du 20 Octobre 2009 au 7 Février 2010 au château de Versailles

Pour la première fois dans son histoire, Versailles consacre une exposition au roi Louis XIV rassemblant plus de 300 œuvres exceptionnelles provenant du monde entier.

Crim’Expo : Quand la science enquête à la Cité des Sciences et de l’Industrie. Jusqu’au 3 Janvier 2010

L’exposition invite au fil d’une enquête palpitante dont le visiteur est le héros, àdécouvrir toutes les disciplines de la science criminalistique. Une scène de crime, huit laboratoires scientifiques pour découvrir des indices et quatre zones (portrait-robot, interrogatoire, inculpation et épilogue) pour conclure l’enquête.

La sélection des Enfants d'abord

2009-10-14T07:36:00+02:00

Comme chaque mercredi, la sélection de spectacles et sorties des Enfants d'abord. Des idées pour le weekend, pour vos enfants. N'hésitez pas à nous faire part de vos coups de coeur.

CINEMA

Panda Petit Panda

Réalisé par : Isao Takahata

Date de sortie : 14 octobre 2009

Film japonais. Genre : Animation

Durée : 1h 21min

Année de production : 1973 (Distribué par Gebeka Films)

La petite orpheline Mimiko, habite dans la maison de sa grand-mère. Alors que cette dernière s'absente quelques jours, un bébé panda et son papa, échappés du zoo voisin, pénètrent dans la maison... et s'y installent ! Tous trois deviennent rapidement les meilleurs amis du monde... même si le petit panda se révèle être un habitué des bêtises : il sème la panique à la cantine de l'école, manque de se noyer dans la rivière... Jusqu'au jour où il découvre un intrus couché dans son lit : un tigre qui ne retrouve pas le chemin de son cirque. C'est ainsi que Mimiko et les deux pandas le ramènent vers sa maman et qu'ils passent des instants merveilleux au milieu de gens du cirque, allant même jusqu'à sauver tous les animaux d'une inondation ! Cela vaut bien une magnifique parade dans les rues de la ville pour la plus grande joie des enfants ! (Composé de 2 moyens métrages)

Mon 1er festival (www.monpremierfestival.org)

Du 28 octobre au 3 novembre 2009 à Paris

Dédié aux enfants de 2 à 12 ans, Mon 1er Festival se déroule à Paris durant les vacances de la Toussaint, et propose une approche ludique et pédagogique du cinéma, au tarif unique de 4€ la séance.

Cette 5e édition de Mon 1er Festival est parrainée par Emma de Caunes. Avec le thème " Coucou fais-moi peur ", le festival promet une programmation riche en émotions ! Le jeune public s'aventure de petites frousses en grands frissons dans 10 salles de cinéma Art & Essai parisiennes. Une compétition d'une dizaine d'avant-premières avec un prix du public décerné par les enfants, une carte blanche à la marraine du festival , un coup de cœur à Tim Burton, un panorama du cinéma italien, des ciné-concerts... et aussi : des séances animées, des ciné-bébés dès 2 ans, des débats et des ciné-goûters, la présentation des films par de jeunes critiques de cinéma, des jeux-concours...

THEATRE

Alice au pays des Merveilles (Théatre des Variétés - www.theatre-des-varietes.fr)

Depuis le 4 octobre

Un spectacle magique et enchanteur! Dring, Dring debout il est l’heure…Un lapin blanc très pressé surgit tic tac tic tac et entraîne une petite fille Alice dans une aventure rocambolesque. Au quatrième top, ils seront guidés par leur imaginaire, et nous emporteront à la rencontre de personnages loufoques et drôles, de tours de magie en chansons, de rires en farandoles au pays des merveilles. A l’heure du goûter, vous y retrouverez aussi des comédiens, chanteurs et danseurs: La Duchesse et son mauvais caractère, le Chat de chester et son sourire ravageur, un Lièvre de mars et un Chapelier amateurs de thé et de biscuits beurrés, un Roi et une Reine joueurs de croquet

Peter Pan (Théatre des Variétés - www.theatre-des-varietes.fr)

Toute la magie du conte de James M.Barrie est là! Au Pays Imaginaire nous attendent : Wendy, John et Michael, les enfants perdus, la fée Clochette, les indiens, Lili la tigresse, les pirates et Mouche! … et bien sûr l’infâme Crochet ! Un spectacle chanté en « live » et mené par quatorze comédiens, qui naviguent, jouent, chantent, dansent, se battent et bien sûr volent dans de superbes décors. Le Peter Pan de notre enfance, actuellement sur scène, est un bain de jouvence pour les parents et une rencontre inoubliable pour les enfants.

EXPOSITIONS

Animal Expo et Paradisio

Ce week-end, le parc floral de Paris accueille le salon Animal Expo et Paradisio, un rendez-vous au cours duquel petits et grands pourront admirer les plus beaux specimens de chiens, de chats, de rongeurs, de poissons et autres reptiles. Exposition, défilés et concours au programme.

Parc Floral de Paris : Esplanade du château de Vincennes , route de la Pyramide 12^ème.

Monument Jeu d’Enfant

Ce week-end, trente-six monuments à travers toute la France ouvrent leurs portes au jeune public. Une occasion d’apprécier notre patrimoine tout en s’amusant. Au programme, une palette d’animations : chasses au trésors, jeux de piste, fêtes médiévales et combats de chevaliers. Pour les petits franciliens, la Conciergerie, le musée des Plans Reliefs, le château de Maisons-Laffitte…

Renseignements sur : www.monum.fr

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Si cela vous chante, danse, violoncelle, piano, bols japonais, flûte shakuhachi, chorégraphie et impro, au Regard du Cygne Samedi soir 10 et Dimanche après-midi 11 Décembre.

détails : http://germa.ouvaton.org/

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