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Achoura

2009-11-25T01:42:53+01:00

Charivari et feu de joie

Pour Marcel Mauss, la notion d’art est intimement liée à celle du rythme :« Dès qu’apparaît le rythme, l’art apparaît. Socialement et individuellement, l’homme est un animal rythmique ». À la veille du 1^er Moharram, jour de l’an musulman – annoncé par la nouvelle lune — le rythme de la Dakka envahit les rues de la ville. C’est le rythme à l’état pur. Au dixième jour de ce mois sacré, on chante le rzoun. Dans le carnaval de l’achoura, il y a enchevêtrement de pratiques sacrées et profanes.

La culture d’Essaouira, pour le Rzoun de l’Achoura comme pour le malhûn, doit beaucoup à la ville de Marrakech. Le modèle souiri de l’Achoura est proche de l’ Aït de Marrakech quoiqu’il existe des nuances entre l’ Aït et le Rzoun d’Essaouira. Il semblerait que la séquence de la Dakka — un véritable tapage nocturne qui relève à la fois du charivari et des mascarades carnavalesques — soit originaire de la ville berbère de Taroudant, d’où elle s’est diffusée avec le commerce transsaharien vers Marrakech puis Essaouira.

Après le repas du jour de l’an, les femmes et les enfants allument des bûchers dans chaque quartier. Les femmes stériles qui désirent un enfant ou celles qui espèrent marier leur fille, effectuent des rondes autour des feux de joie et sautent au-dessus des flammes par trois fois en chantant avec les enfants. Le brasier symbolise le bûcher dans lequel les païens avaient jeté le prophète Abraham : obéissant à l’ordre divin, les flammes se refroidirent. Le rituel de l’Achoura dure toute la nuit et vise à exorciser le chaos naturel ou humain qui menace l’ordre de la cité. La cérémonie prend un caractère particulièrement organisé dans les anciennes villes du Sud à forte population berbère.

Durant la séquence de la Dakka, le clan Ouest de la ville, celui des Béni Antar se retrouvait à la porte de la mer (Bab Labhar), alors que leurs adversaires du clan Est des Chebanate se retrouvaient au seuil de Bab Marrakech. La première porte était dite hantée par Aïcha Qandicha, (la démente de la mer). La seconde porte se situait entre les deux vieux cimetières de Bab Marrakech (rasés au court des années quatre-vingt). Le tapage nocturne des uns vise à exorciser les génies, et celui des autres à réveiller les morts.

La Dakka est en effet une phase chaude qui se déroulait du crépuscule jusqu’à minuit. Autorités et notables participaient également au rituel : le carnaval abolit les barrières sociales le temps d’une nuit :

C’est l’Achoura mois des folies,

Même le juge frappe son tambourin !

C’est une fête de libération et de transgression des interdits. Pour les femmes, c’est l’opposé de la fête du Mouloud qui célèbre la naissance du prophète et avec lui la canonisation des tabous :

C’est l’Achoura, nous sommes libres, ô madame !

C’est au Mouloud que les hommes commandent, ô madame !

Le Rzoun que chantent les sages est une théâtralisation de conflits réels qui opposaient les deux clans de la ville : ce chant inachevé et improvisé est une production collective. Chacun y va de son couplet afin de contribuer par sa verve à l’affaiblissement du clan adverse. La force d’évocation vient des milles voix, de cette répétition sur plusieurs registres mélodiques, tantôt tristes, tantôt nostalgiques, traduisant une cassure quelque part.

Le chœur est réparti en deux : la partie orientale (la natte) et la partie occidentale (la couverture). Le haut et le bas reproduisent ici symboliquement le ciel qui recouvre la terre, soit le plan humain et le plan extrahumain. À tour de rôle les deux parties du chœur chantent la mélopée, tandis qu’ils font résonner lentement leurs tambourins. La phase musicale chantée par une partie hésite en son milieu en une longue modulation vocale au terme de laquelle elle est « saisie » par l’autre partie qui enchaîne. Cette modulation hésitante entre la natte et le linceul, la terre et le ciel, symbolise d’une façon tangible la transition marquée par cette nuit de l’Achoura entre le cycle écoulé et celui qui s’ouvre.

Ainsi à la phase agitée de la Dakka succède la phase paisible du Rzoun, à la dialectique de la violence où prédominent les célibataires, succède la sagesse des vieux. La Dakka se déroule en position debout et sans parole ; le Rzoun se déroule en position assise, et le rythme lent et faible des tambourins n’est plus qu’un simple support au chant :

LE RZOUN

Essaouira la belle n’a pas de pareille

Jusqu’au Yémen

Ses hauts remparts sont bénis

Par la protection des saints

Par Sidi Mogdoul qui a une citerne

Devant sa coupole

Permettez-moi donc d’avouer

Les soucis qui m’oppressent

Et si je meurs que personne ne me pleure

C’est pour toi mon bel amour

Que j’en appelle à la muse

Sois donc sans réserve

Et sers-nous les coupes de cristal.

Sois donc sans réserve

Et sers-nous la fine fleur à fumer.

Trônant sur son fauteuil

Agitant l’éventail : Aïcha Bali.

Parée de bijoux, diadème magique

Sur le front : Aïcha Bali.

Aïcha, Aïcha, soit heureuse

Nous sommes partis.

La belle a dit :

Compagnon, je t’en prie,

Que me veulent ceux qui m’interpellent ?

Il n’y a rien à dire,

Il est temps que je m’en aille.

Vaillant compagnon, frappe ton bendir

La nuit est encore longue.

Vois donc les Béni Antar qui s’essoufflent

Avant même que ne vienne l’aube.

Mais quel est votre chef, ô Chebanate ? !

Ossman à la tête bossue et à la bedaine

Serrée d’une cordelette ?

Et qui est votre chef, ô Béni Antar ? !

Ali Warsas traînant son chien

Éternellement sur son âne ?

Qu’est-il donc arrivé aux Béni Antar ?

La mer les a emportés, que Dieu nous en préserve.

Vaillant compagnon frappe ton bendir

Et porte les amendes sur les barcasses

Les voiliers attendent au large.

Comment se fait-il que le gerch d’argent

Devienne le dirham de papier ?

Voilà l’origine du profit et du vol

Commerçant spéculateur,

Artisan grâce à sa bourse mais sans métier,

Et théologien dont la principale devise

Est de dire : donne !

Lune ronde toute grande, faites la ronde

Moi, je ne veux pas du vieillard

Mais c’est la volonté de Dieu

À Derb Laâlouj, j’ai vu des yeux d’un tel noir

Si tu savais ô mon frère, combien ils m’ont ravi !

Ô toi qui s’en vas pour Adour,

Emporte avec toi le Nouar !

Je ne veux pas me marier

Mon compagnon m’offre

La coiffe rouge de Marrakech

Comme tu es belle !

Le beau garçon aux yeux brillants

Qui valse dans la salle

C’est le fils d’Alhyane

Il porte un poignard

Ô madame, au cordon de soie…

Vaillant compagnon, frappe ton bendir

Vois donc venir l’aube

Que le maladroit qui ne sait point parler

Ne vienne pas en notre compagnie.

Quant à nous, nous ne bougerons pas d’ici

Nous resterons assis calmement

Ahna gaâdine asidi ba’Rzounou.

Le rituel s’achève en rixes entre adversaires. C’est le taâlak : ils se lancent les tambourins d’argiles et les tisons de feu. Ghorba le vieux cordonnier y avait perdu un œil. On compte souvent des blessés, mais les blessures reçues en cette circonstance possèdent une baraka. Le chant de l’Achoura célèbre à Essaouira la naissance de la cité. Il reproduit au niveau symbolique et poétique les conflits originaux et toujours latents de la ville.

Juste à côté de la porte de la marine, il y avait une grue aujourd’hui disparue. C’est du haut de cette grue qu’Ali Warsas serait tombé en se brisant irrémédiablement une jambe. Depuis lors, il ne se déplaça plus que sur son âne au point de devenir l’objet d’un fameux couplet du Rzoun le chant disparu de la ville. Le clan des Chebanate, le quartier Est de la ville chantait :

Qui est votre chef ô les Béni- Antar ?

Ali Warsas, toujours sur son âne suivi de son chien !

Ce à quoi le clan Ouest des Béni- Antar répond :

Et qui est votre chef, ô les Chebanate ?

Osman à la tête bossue et qui avait en guise de ceinture, une cordelette !

Ali Warsas qui avait émigré en Angleterre, en était revenu marié avec une Anglaise. À sa mort cette dernière l’avait enterré au cimetière chrétien de Bab Doukkala. Si bien qu’il est le seul musulman enterré parmi les chrétiens ! À l’époque, l’Eglise anglicane était très active à Essaouira, au point que les juifs de la ville avaient organisé une manifestation au quartier des forgerons — manifestation immortalisée par une vieille photo en noir et blanc — pour exiger le départ du chef de l’Eglise anglicane accusé de vouloir convertir les juifs au protestantisme.

L’aïeul Ahmed, qui avait disparu au large, était menuisier de son état : il se chargeait de confectionner l’arche de Noé du carnaval de la fête abrahamique d’Achoura. La compétition chantée était encore vivace entre les clans de la ville. Que disait le chant oublié de la ville ? Il parlait d’amour et de mort. Je revois encore les Hamadcha restituant pour une dernière fois ce chant. C’était en 1983 : mon père eut une occlusion qui faillit l’emporter, et à laquelle il a pu survivre vingt ans parce qu’il avait une constitution physique solide. Son corps était sculpté par le bois qu’il n’avait pas cessé de travailler sa vie durant. Il se souleva péniblement pour écouter à la fenêtre la rumeur du Rzoun qui montait de la ville. Les mille voix des Hamadcha scandant le chant de son enfance retrouvée. Ce soir-là, les Hamadcha étaient beaux comme dans un rêve, tristes comme dans un linceul. L’orchestre était dirigé par le vieil herboriste Iskijji, qui me disait que c’est notre aïeul Ahmed qui confectionnait jadis l’arche de Noé du carnaval d’Achoura. En ces temps lointains, Iskijji allait distribuer leur pitance aux prisonniers de la kasbah, la cité originelle qui était entièrement entourée de remparts et où résidaient les consuls, les amines de la douane et l’administration royal. Mon père me racontait comment avec la complicité d’un caïd de la région, l’un de ces prisonniers put s’évader à la faveur de la nuit, en sautant sur le dos d’un coursier qui l’attendait en bas des remparts.

Sur les décombres d’Essaouira que nous évoquons est en train de naître une ville flambant neuve, faite de kit surf, d’hôtels pour jet-set, de festivals parachutés clés en main par des boîtes de communication et de marketing, lieux de rendez-vous politico-mondains, de villas hors de prix en bordure d’un immense terrain de golf, autour des ruines du palais ensablé du sultan.

Etre médini c’est connaître de l’intérieur et pratiquer la culture traditionnelle de la médina. Le groupe qui chante le rzoun pratique aussi bien la musique sacrée des confréries que la musique profane tel que la ala andalouse ou le malhûn. Les genres musicaux ne sont pas juxtaposés, ils s’interpénètrent à la manière des fils d’une tapisserie. C’est pourquoi l’idée d’entrelacement que suggère l’image de la trame permet de décrire plus dynamiquement l’interpénétration des cultures dans la ville. Au niveau des pratiques musicales nous sommes en présence d’une trame : les groupes de musique populaire sont capables de reproduire des genres musicaux très divers. La musique d’Essaouira, par exemple, apparaît comme une musique décentrée dont les centres se trouvent ailleurs. C’est la musique d’une culture « Carrefour » et non d’une culture patrimoine. On ne peut pas saisir cette culture inachevée de la ville par des méthodes qui supposent l’existence d’un corpus stabilisé. Soit l’exemple du seul corpus apparemment stable fixé et endogène : le chant de l’Achoura, on a d’abord l’impression que c’est le poème endogène de la ville, mais on découvre ensuite que le modèle poétique et mélodique du rzoun a la même matrice que celui de Marrakech et de Taroudant. Il semble être le résultat d’un phénomène de diffusion culturelle à partir de ces deux villes plus anciennes. On constate aussi que les Brioula (couplets du rzoun) ne sont pas toujours de la même époque. Bref, ce chant de l’Achoura qui semble le plus proche de la définition traditionnelle du patrimoine achevé et endogène est en réalité un poème inachevé, ouvert, en perpétuelle évolution et pour une part, venu d’ailleurs. Voilà un exemple de culture carrefour que nous avons particulièrement étudié, parce qu’il est exemplaire, ce fait n’est pas seulement un caractère de la musique mais aussi des produits artisanaux dont l’esthétique provient en partie d’ailleurs.

Abdelkader MANA

Le nouvel an musulman

2009-11-25T01:39:10+01:00

Le nouvel an musulman[i]

Fatna Gbouri

Quelques 850 millions de musulmans à travers le monde célèbreront ce samedi le nouvel an islamique. Une fête qui commémore le départ de la Mecque vers Médine du Prophète Mohammed ; contraint à l'exil par ses adversaires polythéistes. La fête de l'hégire qui signifie « émigration », marque le début de l'ère islamique. Ce samedi, les musulmans rentreront dans l'année 1407.

Déjà dans la médina de Casablanca, comme dans tout le reste du Royaume, on vend les tambourins- taârija et goubbahi. Pout Marcel Mauss, la notion d'art est intimement liée à la notion de rythme : »Dés qu'apparait le rythme, l'art apparaît. Socialement et individuellement, l'homme est un animal rythmique ».

Fatna Gbouri

Pertinence du propos de Mauss, aujourd'hui même, veille du jour de l'an musulman, et déjà dans les rues de la médina de Casablanca, avec les enfants, le rythme de la dakka s'est installé. C'est le rythme à l'état pur.

Najat Kraïrate

La dakka se déroule généralement du crépuscule jusqu'à minuit. Le mot dakka provient de la racine « frapper ». Les hommes frappent des tambourins nommés goubbahi ; cet instrument de percussion dont la base est faite d'une membrane de peau de bouc dite maâzi, est également utilisée en montagne pour rythmer les danses berbères. Quant aux femmes, elles frappent plutôt des tambourines, taârija, de taille plus petites et richement décorées de motifs magiques semblables à ceux qu'on trouve dans la tapisserie ou sur la main de la mariée : le fameux zouak au henné.

Fatna Gbouri

La tradition orale rapporte que ce tapage nocturne de la dakka, se perpétue depuis le roulement de tam-tam que faisaient les païens au moment de mettre le prophète Abraham au bûcher, on rapporte également que lorsque le prophète Mohammed, fuyait sa tribu païenne de Qoraïch, les habitants de Médine l'accueillirent triomphalement au son de nombreux tambourins avec le fameux chant qui commence ainsi :

La plaine lune nous est advenue

En signe d'alliance et de fidélité.

Dans les deux cas la violence de la dakka célèbre un passage difficile du monothéisme au polythéisme se terminant par la victoire de ce dernier. La fête dure du 1^er Moharram jusqu'à la veille du 10 Moharram où elle se termine en apothéose avec la nuit de l'Achoura.

Fatima Hassan

Il s'agit bien d'un rite de passage d'une année à l'autre. Or, pour Van Gennep :

« Les cérémonies de passage humain se rapportent au passage cosmique. Qu'elles soient d'un mois à l'autre(cérémonie de pleine lune comme en Islam) ou d'une saison à l'autre lié au calendrier solaire et agraire ».

Fatna Gbouri

La fête de l'achoura est à la fois sacrée et profane, associant la mort de l'année écoulée à la naissance de l'année qui vienne et que symbolise le rite du feux associé au rite de pluie : dans le feu c'est l'année écoulée qui se consume et le rite de l'eau vise à assurer de meilleurs récoltes pour la nouvelle année.

Fatna Gbouri

En effet, du fait que les femmes et les enfants s'aspergent les uns les autres, nous incite à voir dans cette pratique l'imitation au sens magique d'un phénomène favorable à l'homme, ici en particulier à la perpétuation de la vie.

Fatna Gbouri

La nuit de l'achoura, la tradition dit, qu'il faut manger jusqu'à complet rassasiement, faute de quoi, on se voit obligé de manger les pavés de l'enfer pour remplir son estomacs. Le repas du soir est souvent composé de la viande séchée et boucanée : le gueddid , qui provient de l'agneau de la fête du sacrifice ; font également partie du menu, les dattes, les figues, les noix, les gâteaux et les raisins secs. (Nous reviendrons ultérieurement sur le caractère carnavalesque de l'achoura).

Abdelkader Mana

[i] Article paru dans Maroc - Soir du vendredi 5 septembre 1986.

Sept musiques (le titre à rallonge, même en faisant un effort, j'ai eu la flemme d'en trouver un qui me convienne)

2009-11-25T00:08:00+01:00

Chaîne amusante que celle que relaie hashtable : il s'agit de citer sept musiques (ou chansons) que l'on apprécie actuellement, indépendamment de leur qualité. Je suis très éclectique, musicalement, et je puis donc citer une large diversité de titres, mais, je vais me limiter à ce que j'écoute souvent.

1.Stabat Mater dolorosa (celui de Vivaldi). Ce morceau a pour moi une histoire éminemment liée à la blogosphère. J'ignorais son existence (mea culpa) jusqu'au jour où les hasards de la navigation sur la Toile m'ont amené chez Veuve Tarquine. J'ai été très ému par l'histoire de Veuve Tarquine, par ses tarquinets et par sa douleur immense. Chaque fois que j'ai écouté par la suite ce morceau, j'ai toujours d'abord pensé à Veuve Tarquine, même si l'on ne se connaît pas et qu'elle ignore probablement l'existence de ce blog. Mon second, qui est très émotif, était très sensible à ce morceau de musique, à deux ans.

2. Variazioni sulla Follia di Spagna . Je ne sais pas comment j'ai découvert exactement ce morceau de musique, mais je sais que c'est sur Internet. J'étais à l'époque curieux de connaître ce qu'avait pu composer le rival de Mozart, tant décrié dans le film Wolfang Amadeus Mozart. C'est une musique, à nouveau intimement liée à la mort. J'ai perdu au même moment un ami très cher, que je n'avais connu que par Internet, mais pour lequel j'éprouvais une véritable affection, et en compagnie duquel j'avais vécu de véritables Odyssées électroniques. Je continue d'associer, encore aujourd'hui, ce morceau de musique à cette voix chère qui s'est tue.

3. Toi+Moi. Je ne connaissais pas Grégoire, jusqu'au jour où mon fiston m'a ramené d'une fête d'anniversaire le CD gravé de la chanson. J'adore. J'adore entrer dans la danse. Parfois, je prends ma petite dernière dans les bras, et je la lui chante en faisant la bamba. Elle rit aux éclats, ça l'amuse. Allez, lâchons-nous pour un rare moment , en ces lieux, de bisounourserie : je trouve les paroles très belles.

4. Repenti. Je trouve que Renan Luce a un un très grand talent. J'apprécie tout ce qu'il chante, mais Repenti a le don de me mettre de bonne humeur si je l'entends de tôt matin sur Chante France.

5. Suprême de Robbie Williams. Très sympa : je l'écoute souvent en alternance avec Toi+Moi.

6. J'hésite entre le Duel et la Haine dans la Comédie musicale Roméo et Juliette.

7. En parlant de Roméo et Juliette, je juge le Ballet du même nom de Prokoviev extraordinaire. Soyons honnête : comme beaucoup d'incultes en la matière, j'ai commencé par la mémorable publicité de Chanel pour son parfum Égoïste...

Il ne reste, plus, évidemment, qu'à trouver sept blogs malchanceux pour poursuivre la chaîne. Voyons, voyons, Françoise pourrait être la première, Philippe, l'architecte orange, le second, BGR, qui en est à son troisième blog, le troisième, Olivier, le quatrième, Olivier (l'autre, celui qui vit dans une antre), le cinquième, Joseph (qui souhaite rejoindre le cercle très fermés des blogueurs de centre-droit) le sixième et puis Nelly pourrait fermer la marche orange...

Petite interview de Belle du Berry : Paris Combo nous dit il adieu ?

2009-11-24T22:29:00+01:00

Il y a peu, je vous parlais avec enthousiasme du nouvel album de Belle du Berry "Quizz" et bien figurez-vous que j'ai eu la possibilité de leur poser quelques questions dont voici le compte-rendu :

D'où vous est venue cette envie de faire un album plus engagé ? Il y a-t-il eu un événement déclencheur ?

Nous avons toujours abordé des sujets sérieux sur musique "légère" : Du côté de PARIS COMBO, les chansons " On n'a pas besoin", "Living room" et " Baron de chaises" en sont des exemples. Peut-être que l'esprit de Quizz est plus direct et du coup, plus évident pour l'auditeur.

Quant à l'événement déclencheur, c'est la pause de PARIS COMBO qui nous a permit de réaliser ce projet d'écriture en duo que l'on avait envie de faire depuis longtemps.

Dans Quizz, vous évoquez les injustices faites à l'encontre des femmes, considérez-vous que vous avez vous-même été victime de certaines injustices ?

La chanson Quizz parle des injustices culturelles et sociales mais également des violences physiques et morales infligées aux femmes. Au regard des statistiques, je considère que toute femme doit se sentir directement concernée ...

Pourquoi ne pas avoir signé ce nouvel opus "Paris Combo" ?

Parce que PARIS COMBO est un autre projet qui concerne les quatre membres du groupe, projet qui n'a pas encore dit son dernier mot !

Vous avez volontairement choisi de conserver une mélodie légère et gaie pour évoquer des névroses profondes de notre société, pourquoi ce choix ?

Peut-être parce que le travail musical reste, pour nous, un moment de fête même si les textes tendent à plus de noirceur, la musique demeure rythmée. Cependant, un titre comme " Rengaine" ou bien "End of the road" sont d'une humeur assez mélancolique.

Et demain, un prochain album signé Paris Combo ou Belle du Berry & David Lewis ?

Les deux ! Mais l'un après l'autre... Nous sommes actuellement en train de composer de nouveaux morceaux avec PARIS COMBO et nous continuons d'écrire de nouvelles chansons pour notre projet BELLE DU BERRY & DAVID LEWIS .L'écriture étant l'un des moments les plus riches de la vie d'un album, avec ces deux projets, nous multiplions les champs d'expression.

Petit concours musical : CD à gagner !

2009-11-24T19:38:34+01:00

Roé est en concert demain soir à la Bellevilloise - 19/21, rue Boyer - 75020 Paris.

Le premier qui me donne le nom de son dernier album, ainsi que les titres 3 et 9 gagne le cd cinq extraits de ce même album.

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Omar Pene : un pas de plus vers « le triomphe »

2009-11-24T19:19:14+01:00

Le dernier album du chanteur sénégalais, intitulé Ndam, sort ce jeudi au Sénégal

Après son lancement en France le 12 octobre dernier, le dernier album du chanteur sénégalais Omar Pene, intitulé Ndam (le triomphe, en wolof) sort ce jeudi au Sénégal. Textes graves posés sur de douces mélodies aériennes, celui qui se surnomme « la voix des sans voix » est revenu à l’acoustique, après Moom Tamit sorti en 2007. Il confirme ici son propre style, sobre et épuré au service de son magnifique timbre vocal, quatre ans après l’album Myamba, qui lui avait ouvert les portes du public international.

mardi 24 novembre 2009 / par Lola Simonet (afrik.com)

C’est à partir de l’enregistrement de sa voix, accompagnée seulement de quelques filets de guitare, que les musiciens français du studio parisien où l’album a été produit, ont composé l’habillage musical des dernières chansons d’Omar Pene. Dans son nouvel opus, la grande voix de la chanson sénégalaise, renoue avec l’acoustique. Ndam (le triomphe, en wolof) est à ranger dans la même catégorie que Myamba, son premier album acoustique sorti en 2005, qui l’ a révélé au public international. Destiné à poursuivre la même trajectoire à l’étranger, Ndam place la barre à la hauteur des ambitions du chanteur, qui est le premier à reconnaître que ce disque est le plus abouti de ses albums. Alternant ballades folk, mbalax lent et complaintes jazzy, ses douze titres forment un ensemble uni et saisissant. Épuré et sobre, l’accompagnement instrumental formé de guitares, d’une basse, de percussions, de cuivres, de sabars et, touche innovante, d’un accordéon, semble n’obéir qu’à une seule fonction : agrémenter la voix de l’artiste, se mettre à son service. Dense, vibrante et profonde, celle-ci séduit toujours autant, à tel point qu’il en deviendrait presque secondaire de comprendre les paroles chantées par Omar Pene. Et pourtant, fidèle à lui-même, le chanteur du Super Diamono [1] ne manque pas à son devoir de « voix des sans voix », comme il aime tant à se définir. Les textes de l’artiste engagé qu’il est abordent une fois de plus les tragédies quotidiennes de la société sénégalaise, de l’exil des jeunes, aux mariages de castes, des enfants maltraités aux amours déchus. Omar Pene, le leader de « l’orchestre des voyous » de Dakar n’a pas fini de dénoncer la misère, l’injustice et le manque d’intégration africaine. Des thèmes qui ont bâti sa notoriété et celle du Super Diamono. Fils d’un agent de la bibliothèque de l’Université Cheikh Anta Diop de Dakar, Omar Pene qui a grandi dans le milieu universitaire est resté très proche des étudiants, donnant chaque année plusieurs concerts gratuits dans l’ enceinte de l’université. Chanteur des étudiants, des intellectuels et des laissés pour compte, il nous offre avec Ndam une nouvelle facette de sa sensibilité à fleur de peau, tout en affirmant un peu plus son style musical : une charge émotionnelle profonde alliée au mariage inouïe de la souplesse harmonique des instruments et de sa sublime voix.

Afrik.com : Avec Ndam, on vous retrouve avec un album acoustique, quatre ans après Myamba. Pourquoi ce choix ?

Omar Pene : L’acoustique me sied, il met ma voix en valeur. C’est avec ce style de musique que nous avons commencé avec le Super Diamono. Je pense que cette musique est plus abordable par un public international, à qui l’album est destiné, en plus du public sénégalais. Même si je ne chante pas dans une langue internationale, mais dans ma langue qui est le wolof, les gens comprennent. La musique est un message à elle seule.

Afrik.com : Dans Ndam l’accordéon a remplacé la kora…

Omar Pene :Tout à fait. L’accordéon apporte une nouvelle coloration. En fait, l’album a été enregistré en France, par des Français qui ont composé l’habillage musical à partir de ma voix. J’ai d’abord enregistré ma voix en studio, puis ils ont composé dessus. Et le jour où j’ai reçu les versions de mes chansons avec l’accordéon, j’ai trouvé ça magnifique. Thierry Garcia [arrangeur d’Olivia Ruiz] et ses collègues, qui ont composé cet album, ont été très inspirés. Le bassiste m’a raconté qu’il a eu l’impression de chanter avec moi. Ma voix les a guidés dans leur travail en quelque sorte. Et le résultat est exactement ce à quoi j’aspirais.

Afrik.com : Ndam, la chanson-titre de l’album, signifie « Le triomphe ». De quoi est-il question exactement ?

Omar Pene :Je parle des paysans et du monde agricole. Au Sénégal, les gens ont été très contents de me voir aborder ce thème-là. Nos paysans ont du courage et de la force. Ils rendent la vie à nos terres arides. Ils peuvent savourer leur « triomphe » quotidien.

Afrik.com : Les enfants maltraités, l’exil des jeunes, le poids des traditions, vos thème de prédilection sont toujours présents. Vous portez toujours « la voix des sans voix »...

Omar Pene : Il le faut bien. Il faut que les mentalités évoluent. L’Afrique a besoin de ses fils chez elle. Et puis il y a encore de gros problème dont il faut parler. Ça me touche de voir des enfants laissés à l’abandon circuler dans les rues de Dakar, la maltraitance que certains enfants subissent et que je chante dans Sa dom (Ton fils). La chanson Jedina la (Je t’ai compris) parle des castes et des mariages impossibles, qui existent toujours. Je me mets à la place des gens en fait. Du coup, je ne me lasserai jamais de dénoncer ces situations. C’est une sorte de mission à mes yeux.

Afrik.com : Le panafricanisme est un autre thème qui vous tient à cœur…

Omar Pene :Je suis panafricaniste et je le revendique. L’avenir de l’Afrique se trouve dans son intégration, dans les Etats-Unis d’Afrique, tels que l’ont souhaité Mouammar Kadhafi et le président Abdoulaye Wade. Nous ne sommes que des micro-Etats, on ne peut pas se développer comme ça. Dans Xamlen (Le saviez-vous ?), je chante aussi les Grands Hommes de l’Afrique que sont Kruhma, Sankara, Lumumba, Cheikh Anta Diop, comme je l’ai toujours fait. J’ai chanté Mandela quand il était en prison en 1987, ça a donné le tube que l’on connaît. C’est important de rendre hommage à toutes ces personnalités qui ont fait l’Afrique.

Afrik.com : Doit-on s’attendre à vous voir seul désormais, sans le Super Diamono ?

Omar Pene : Ma carrière solo a débuté dans les années 90, quand nous sommes devenus : "Omar Pene et le Super Diamono". Cela correspond au moment où le groupe s’est professionnalisé, où nous avons eu une structure, une organisation véritable avec un manager… Aujourd’hui, je suis en train de tracer une autre voie, avec d’autres artistes que les membres du Super Diamono, pas forcément sénégalais. J’ai pris beaucoup de plaisir à faire l’album Ndam avec Thierry Garcia et ses musiciens, qui sont français.

Afrik.com : Le Mbalax ne vous manque pas ?

Omar Pene :(Il sourit.) Non. Et puis, je chante toujours avec le Super Diamono en concert, en tournée. Pour moi, la musique c’est vraiment se confronter aux autres, se renouveler. C’est extrêmement important.

Afrik.com : Peut-on parler d’un « style Omar Pene », comme on a qualifié d’ « afro-feeling » la musique que vous avez inventée avec le Super Diamono ?

Omar Pene :(Il rit.) Je n’ai pas cherché à copier pourtant… Là, c’est un style plus reposant, plus posé. On amène le public à écouter doucement l’album. Il nécessite un certain confort d’écoute. En fait, ce que je fais, je le fais pour les gens, pour le public. J’ai l’habitude de dire « ce qui sort du cœur va au cœur ». Je capte l’attention, les sentiments du public. Ma voix plait beaucoup, tous comme les thèmes que j’aborde. Bref, c’est peut-être tout cela le style Omar Pene.

Afrik.com : Un mot sur la jeune génération de chanteurs sénégalais ?

Omar Pene : Malheureusement ils copient à 70% les Ismaël Lo, Youssou Ndour, Thione Seck et moi-même. On ne trouve pas de chanteurs qui ont des styles novateurs. Sinon, du côté des rappeurs, là il y a des choses intéressantes. J’aime beaucoup Didier Awadi.

Afrik.com : Cette année le Super Diamono célèbre ses 35 ans. Comment allez-vous fêter cet anniversaire ?

Omar Pene :Nous chanterons lors de deux soirées à la fin de l’année. Une soirée de Gala à la Caserne des gendarmes de Dakar pour un public privé et un concert qui rassemblera tous les musiciens qui sont passés par le Super Diamono et qui s’adressera à tous nos fans. Ce sera gratuit. Il aura lieu à la Place de l’ Obélisque. Pour les trente ans du groupe, nous avions déjà chanté dans les mêmes conditions et plus de 200 000 personnes étaient présentes. Nous nous attendons à la même chose cette année, voire encore mieux.

Consulter le site d’ Omar Pene et le Super Diamono

Commander l’ album Ndam

[1] Orchestre phare de la musique sénégalaise

L'épine de la terre

2009-11-24T11:47:15+01:00

Margarett sort de son studio, son premier LP dans la besace, et vient les présenter à l'artichaut.

En deux sets et près d'une heure et demi de jeux, nous avons pu (re)découvrir leur univers, tout de mélancoliques mélodies constitués.

Mais écoute les paroles et là s'ouvre un champ d'espoir en l'Homme, le constat est parfois cinglant - « no disrespect », jamais défaitiste ni résigné. La plus abordable est, forcément, « célibat' song », dont la version studio est amputée du break disco qui fait une grosse différence... et une raison de plus de se rendre à leurs prestations scéniques.

Pour tomber sous le charme une seule adresse :

http://www.myspace.com/margarettissexy

Margarett is sexy

Artichaut, 21 novembre 2009

Les rythmes de Marrakech

2009-11-23T00:49:41+01:00

Les rythmes de Marrakech

En cette fin d’après-midi, l’air commence à fraîchir, et l’éternelle place Jamaâ-Lafna à s’animer. Tous les jours, à heure fixe, un aveugle y joue de la cithare. Pure poésie. Il chante d’une voix vibrante l’Orient de toujours. Malgré ses cheveux grisonnants, il a ce duende, sans lequel l’auditoire de la halqa se disperserait aussi vite qu’une nuée de moineaux. D’où vient-il ? Probablement du côté de Sidi-Belabbès, ce quartier qui porte le nom de l’un des sept saints patrons de Marrakech. Un saint que l’on dit aussi protecteur des aveugles. Ceux qui écoutent avec les oreilles du cœur et qui voient avec les yeux de la miséricorde. Seraient-ils vraiment disposés à la musique ? En tout cas à Marrakech, nombreux sont les aveugles qui sont aussi musiciens.

Je me dirige vers la Koutoubia, à l’ombre de laquelle se tient chaque fin d’après-midi la halqa du conteur. Les artisans y accourent de toute part pour écouter à l’ombre du vieux minaret la Sira de Saladin, les amours légendaires d’ Antar et Abla, ou encore les fabuleuses aventures d’ Hamza, l’acrobate et d’ Omar Ayar dont le vol est si agile qu’il devance celui des oiseaux.

Le livre jaune des vieux contes reste un mort parmi les morts, s’il ne trouve pas de conteur professionnel qui peut le ranimer en donnant aux chevaux en cavalcade des sabots d’or :

« Quand le Calife du temps embrassa la terre pour la remercier des bienfaits qu’elle prodigue aux hommes, les maudits se taisent ! »

- Recommence dès le début ! Crie le public.

Une meute de chiens aboie, un âne braie interrompant la narration :

- Voici l’âne, voici le chien, il ne manque plus que le coq !

Il y a constamment un va-et-vient entre le récit du conteur et le commentaire de ce qui se passe tout autour. Une autre mémoire se substitue au néant. Cette durée de l’imaginaire n’existe que par la voix du conteur. Le conteur, c’est celui qui parcourt une géographie imaginaire, qui relate l’histoire des royaumes disparus, ou ceux qui n’ont jamais existé.

Le conte est constamment recréé par la communauté de l’espace imaginaire, qui est d’ici et de nulle part. La Sira c’est le temps à la fois figé et éternel du conte. C’est un voyage suspendu au souffle du conteur, qui transporte les auditeurs en dehors d’ici et d’eux-mêmes. Le conte se situe dans une durée rituelle entre deux prières : la Sira de l’étoile polaire et celle de Saladin.

À partir du foyer central que constitue la place Jamaâ-Lafna un espace ludique qui tient à la fois du cirque , du théâtre et du carnaval l’esprit de la fête semble gagner toute la ville. Le soir venu, en déambulant dans le labyrinthe de la médina, partout on croise des cortèges répandant leurs flots de musique et de lumière, précédé de vierges portant des cierges. Ces processions rythment tout événement heureux.

On fait appel soit aux laâbates, littéralement les amuseuses et Dieu sait si l’on s’amuse à Marrakech , soit aux tabbala[1] qui ont pignon sur rue, et qui, en plus de leurs « services musicaux », louent un cheval harnaché pour porter, tel un prince, l’enfant à circoncire. En temps normal, dix boutiques de tabbala répondent à la demande musicale à Marrakech. Mais lors que celle-ci s’accroît comme en ce moment avec l’arrivée des pèlerins de La Mecque on en engage trente. L’orchestre des tabbala comprend deux tambourinaires, deux hautboïstes et deux trompettistes. Dans une procession, ils sont généralement relayés par les mouaznya qui rythment des mains, accompagnés de la darbouka, du tambourin et du trayère (petit cadre circulaire à sonnailles). Il ne faut pas confondre ces personnages hauts en couleur et bien dans le goût local, qu’on appelle mouaznya (équilibristes) parce que l’équilibre musical coule dans leurs veines, ou rchaïchia (applaudisseurs), avec les joueurs de tambourins de l’Achoura, les dquaïquiya, qui ne se manifestent qu’une fois l’an. Si la daqqa[2] est originaire de Taroudant, l’art des mouaznya est typiquement marrakchi, avec sa gestuelle et son humour.

Un vrai musicien de Marrakech doit connaître tous les rythmes, maîtriser tous les instruments de musiques traditionnelles, et même savoir danser. C’est le sens des mots Bahja (esprit de la fête) et Hyala (esprit de la danse) : la joie qui habite le corps et l’esprit au printemps de l’âge - quand on a assez de musique en soi pour faire danser le monde.

À l’origine, les tambourinaires et les hautboïstes étaient voués à une musique sacrée, ce n’est que par la suite qu’ils ont commencé à animer les fêtes profanes. Un vrai hautboïste est un artiste qui a reçu l’enseignement d’un maître, comme nous l’explique l’amin[3] des tabbala, dinandier de son état :

- La lira (flûte de roseau) est la mère du hautbois, en ce sens qu’on s’entraîne d’abord à jouer de la lira avant d’aborder le hautbois. Mais il faut surtout s’initier auprès d’un maître. Un hautbois n’est qu’in simple instrument à huit notes, c’est la tête du musicien qui lui insuffle la transe sacrée qui fait trembler le monde. Aujourd’hui, quiconque tient un hautbois se dit hautboïste.

Durant le Ramadan, « les djinns sont enchaînés ». Il n’y a ni transe, ni rituel de possession. Seul, du haut du minaret, le hautboïste lance des airs séraphiques. C’est une musique sacrée de recueillement, d’apaisement après l’épreuve du jeûne de la journée. C’est la seule musique sacrée qu’on entend pendant le Ramadan, comme si les autres instruments et répertoires des confréries étaient diaboliques.

Un cortège sans harmonie passe justement devant l’échoppe, et le dinandier-hautboïste de s’exclamer :

- La ville est devenue sourde et muette !

Dans l’ordre de la naissance mythique des instruments de musique, le souffle primordial du hautbois a précédé le rythme du tambour. C’est d’Ouazzane, foyer de mysticisme confrérique, que le hautbois se serait propagé au reste du pays. Comme le chant des oiseaux et le bourdonnement des abeilles réveillent la nature de son sommeil hivernal, « le souffle du hautbois a réveillé un djinn de son profond sommeil annuel. Ce n’est que bien après que le rythme du tambour a commencé à se répandre à travers le monde jusqu’à nos jours ».

La magie de la nuit appelle le silence, la communion du groupe appelle la hadhra (présence divine). Dans la zaouïa, on boit le thé à l’écoute d’une lira (frêle pipeau de roseau) qu’accompagne une voix couverte comme d’un voile invisible :

Gloire à Dieu et à toi océan de lumière !

Ô patron d’Ouazzane ne m’oublie pas !

Le doux intermède de la lira prépare la phase chaude du hautbois. Les musiciens sont aussi des artisans, d’où la communauté du jargon aux deux espaces artisanal et musical. La partition musicale qui rend la présence du surnaturel possible s’appelle mramma, ou métier à tisser. C’est une juxtaposition de phrases musicales tissées par le hautbois sur la trame constante des instruments de percussion : la réussite de la partition musicale dépend du champ magnétique qui s’établit entre l’orchestre et les danseurs de la place sacrée.

Dans une fête de mariage près de Sidi Belabbès, un orchestre de jeunes interprète les chants traditionnels des artisans d’autrefois, le melhûn[4], avec batterie et guitare électrique ! Après la pose, un trio de chikhates[5] de l’aïta[6] du Haouz se joint à eux. La polyvalence des musiciens et l’éclectisme de leur auditoire font que des instruments de musique rock rythment aussi bien un vieux chant citadin qu’une chanson rurale traditionnelle, et tout le monde y trouve son compte ! Un orchestre, en effet, est en perpétuelle recomposition ; ce qui explique l’existence d’orchestres mixte dans le domaine de l’ ala andalouse :

- Les musiciens juifs de Marrakech pratiquaient uniquement l’ala andalouse. Lorsqu’on avait besoin d’eux, ou qu’ils avaient besoin de nous, on travaillait ensemble, nous assure le doyen des musiciens de Marrakech Amine Al Moutribine qui tient une boutique de fabrication d’instruments en tous genres près des selliers.

Les Moutribine sont ceux qui procurent le Tarab cette émotion musicale qu’une voix vibrante comme celle d’Oum Kaltoum pousse jusqu’à l’extase, et qui caractérise, entre autres, le melhûn depuis la dynastie saâdienne. L’art de chanter est un don de la jeunesse, et la mélodie des voix, un don de Dieu. Excellente définition du Tarab.

Hâjj Belfatmi s’occupe des fêtes officielles et religieuses, interdit l’ivresse pendant celles-ci (sauf lorsqu’elle est provoquée par Al Moutribine, ceux qui émeuvent par leur voix), intervient quand un orchestre est mal payé et défend l’intérêt des chanteurs à la retraite. Combien de musiciens d’ala évoluant dans la capitale du Royaume n’ont-t-il pas été initiés au sous-sol de sa boutique, où l’on marchande, maintenant que l’Achoura approche, tambours et tambourins ! Cependant Belfatmi reste optimiste quant à l’amélioration du niveau musical à Marrakech : « Maintenant, quand tu veux indiquer à quelqu’un le seuil d’ala, il t’en montre le fond de la demeure». Une manière comme une autre de dire combien, grâce aux moyens de diffusion moderne, les disciples sont devenus plus savants que leurs maîtres.

De musique rituelle et conviviale, le répertoire traditionnel est devenu, pour une part, un « produit » destiné à l’animation touristique. Mais si l’industrie touristique contribue à sa folklorisation, elle lui a permis, en contrepartie, de survivre. Marrakech est ainsi l’une des rares villes où reste bien vivante une musique issue de la culture d’antan.

Ainsi la vieille corporation des Nfafriya (trompettistes) est toujours bien vivante, avec son doyen, ou amine, tenancier au Derb Dabachi d’un four public qui sert de siège à ladite corporation, et où il prépare de succulentes Tanjiya. El Hâjj Rahal veille à la répartition des trompettes et des trompettistes. Ils sont quarante-quatre à monter au minaret pour réveiller les jeûneurs du Ramadan à l’heure du sort et pour animer, le restant de l’année, les fêtes profanes.

À l’origine du Neffar,[7] il y aurait eu, selon notre témoin-clé, une raison militaire - donner l’alerte surtout lors des attaques nocturnes - et un repentir religieux qui fait penser à la chute originelle après la consommation de la pomme interdite :

« C’est Lalla Aouda - enterrée à Meknès - qui est la patronne des trompettistes. Elle était fille d’un roi qui aurait rompu le Ramadan en mangeant une pêche et une grenade. Pour se faire pardonner on a recommandé, à ce roi, d’entretenir les trompettistes. Il y a des minarets à deux trompettes qui alternent les Taraouih avec un hautboïste, et d’autres qui n’en possèdent qu’une seule. Le souffle de la trompette réveille du sommeil de la nuit, comme le tocsin de la corne réveillera du sommeil de la mort, au Jugement dernier». Dès que la lumière s’allume au sommet du minaret, annonçant la prière de l’aube, le trompettiste interrompt sa communication céleste pour descendre à terre.

Très démonstratif, l’amine des Nfafria nous explique qu’un neffar comprend trois parties :

1. Le tennor avec son embouchure, qui mesure une coudée (50 cm) et six doigts ;

2. Al wasti, le tube du milieu, qui mesure une coudée ;

3. Al fals, qui vaut une coudée et quatre doigts.

« Quand on met les trois pièces bout à bout, on obtient cette trompette de trois coudées (150 cm) et dix doigts, qui a fait le tour de tant de régions et de fêtes, à travers tout le Maroc. Nous avons appris ce métier rien qu’en soufflant dans la flûte de roseau. J’ai 84 ans et je souffle dans le neffar depuis l’âge de seize ou dix-neuf ans. Nos ancêtres n’accepteraient pas de nous voir souffler ainsi dans les trompettes ».

Le four public où se terre notre trompettiste est contigu à la boutique des dqaîquiya de la troupe de Baba. Ailleurs les dqaîquiya ne sont disponibles que lors de la fête annuelle de l’achoura, alors qu’ici, on se tient prêt en permanence à toute épreuve, en « tuant le temps » à jouer aux cartes dans cette boutique sise au derb Dabachi.

La daqqa, c’est le rythme à l’état pur. Dans chaque quartier, quelque quarante joueurs de tambourin s’assoient en cercle : c’est le gor. Rythmée lentement par les battements des mains, la mélopée scandée par la moitié terrestre (Lafrach) monte au ciel, hésite en son milieu, avant d’être « saisie » par la moitié céleste (laghta) de l’orchestre. Les deux moitiés se font face, en demi-lune, alors qu’allant de l’une à l’autre, Maître Baba synchronise leur rythme avec son bendir[8].

Dans la compétition entre vieux quartiers de Marrakech - Al-Moqaf, la kasbah, Derb-Dabachi, Isbtiine, qui se déroulait sur la place de l’anéantissement, Jamaâ-Lafna, les dernières années, c’est le gor des tanneurs qui a emporté le tambourin d’argent — sorte de trophée remis la veille des feux de joie (chaâla). Et au neuvième jour du nouvel an musulman, une procession carnavalesque a lieu, dans le sillage des sept saints, avec des personnages burlesques revêtus de peau de mouton et de chapelets d’escargots.

On peut être illettré, poète et musicien. C’est la cas du Cheikh Jilali Mtired , figure emblématique de Marrakech dont une association de malhûn porte le nom. Simple marchand de légumes et de primeurs, dit-on, il vécut à la fin du XVIII^e siècle. : on doit à ce grand homme des poèmes, des modes de chant, et surtout al Harraz, imité par la suite en tant que mode et en tant que thème. Dans le milieu des artisans, Jilali Mtired est considéré à Marrakech, comme le prince des poètes. Il prétendait être inspiré par les djinns : une grenouille lui aurait adressé la parole un jour, au bassin des forgerons à Bab Lakhmis, pour l’inviter à une fête de mariage. Quand il eut chanté, les djinns lui offrirent un tambourin d’or ! La légende veut qu’il soit l’inventeur des tambourins !

Ailleurs, le marché de la musique est médiatisé par des objets - cassettes audio et vidéo. À Marrakech, c’est un marché vivant. Sa spécificité tient au fait que les musiciens professionnels sont disponibles d’une manière permanente. Dans les boutiques, où sont suspendus des instruments à anches, à percussion, ou à corde, il ne s’agit pas d’offrir un produit musical, mais rien moins que les musiciens eux-mêmes ! C’est une espèce de «mouqaf »[9] musical. Une sorte de marché du rythme à la disposition de toute fête organisée dans la ville. Et les instruments sont là, non seulement pour l’orchestre attendant d’éventuels clients, mais aussi pour être loués à des orchestres fantômes. Ce qui prouve que les musiciens « professionnels » ne forment que la partie émergée de l’iceberg : leurs clients se révèlent être parfois eux-mêmes des musiciens occasionnels. Un inoffensif aiguiseur de couteaux peut être à l’occasion un redoutable connaisseur de malhûn. Ainsi en est-il d’Abbas, l’authentique, qui depuis cinquante-quatre ans ne cesse d’aiguiser les couteaux et les mots. Pour lui, les gens sont comparables aux métaux - de l’or au vil alliage - mais le vrai frère, c’est le dirham !

La diffusion massive des minicassettes constitue en soi un phénomène culturel de première importance. Tant pour la reproduction de la musique populaire locale que pour la musique venue d’ailleurs ; les minicassettes sont un nouveau moment dans l’évolution de la culture populaire et sa déstabilisation continuelle. La culture est toujours ambulante et en mouvement : soit elle déambule et voyage comme autrefois, et encore aujourd’hui, en carriole, soit elle emprunte la voie des ondes et des bandes magnétiques. Mais la musique populaire est d’abord une musique à vivre en communion, une musique de participation et de partage : aucune technique ne peut remplacer le plaisir de recueillir le chant des moissonneurs, d’écouter la cantilène d’une bergère à la margelle d’un puits ou de participer à un feu de joie au Haut-Atlas. Abdelkader MANA

[1] Les tabbala : les tambourinaires.

[2] La daqqa, C’est le rythme à l’état pur. À la veille du 1^er Moharram, jour de l’an musulman – annoncé par la nouvelle lune — le rythme de la Daqqa envahit les rues de la ville.

Il semblerait que la daqqa — un véritable tapage nocturne qui relève à la fois du charivari et des mascarades carnavalesques — soit originaire de la ville berbère de Taroudant, d’où elle s’est diffusée avec le commerce transsaharien vers Marrakech puis Essaouira.

[3] L’amine : Le doyen des artisans, leur garant.

[4] Le melhûn, comme composante de l’identité culturelle des artisans des vieilles cités marocaines, est à la fois un legs bédouin sur le plan poétique et un legs andalou sur le plan musical. Beaucoup de mots de cette poésie populaire ne sont plus usités. Il serait le chant par lequel les chameliers rythmaient le déhanchement des caravanes.

[5] Chikhates : Chanteuses, danseuses. Chez les Romains, des prostituées sacrées vendaient leurs charmes au bénéfice de la divinité, dans son temple. Il est possible que les chikhate soient les héritières de cette antique tradition méditerranéenne.

[6] L’aïta (l’appel) est un genre musical, spécifique aux plaines atlantiques arabophones, céréalières et pastorales. Remontant à l’implantation des Béni Hilal et des Béni Maâquil, elle porte la marque des chevaliers errants tout autant que d’une sensualité ritualisée. Une aïta des tribus côtières dit :

« Allons voir la mer

Restons face aux vagues jusqu’au vertige ».

[7] Trompette annonçant les fêtes religieuses

[8] Tambour à cadre muni de sonnailles, permettant au chef d’orchestre de synchroniser la rythmique des percussionnistes. Ainsi au cours du carnaval nocturne de l’achoura, on chantait à Essaouira :

Vaillant compagnon, frappe ton bendir

La nuit est encore longue.

Vaillant compagnon, frappe ton bendir

Vois donc venir l’aube

[9] Mouqaf : Un lieu où l’on se tient debout pour offrir sa force de travail.

Exclusif : New Order, Jetstream Rascal remix

2009-11-22T15:15:00+01:00

Cadeau à mes lecteurs assidus, réguliers ou occasionnels : un remix exclusif de Jetstream (New Order), concocté par mes soins.
Ce Jetstream Rascal remix est disponible gratuitement en mp3 dans la rubrique "à télécharger" ci-contre.

Enjoy your flight !

La douceur de Sade - ”By your side”

2009-11-22T14:53:00+01:00

J'écoutais il y a vingt-cinq ans, j'écoute encore, j'écouterai dans vingt-cinq ans. Entre la douceur de Sade, sans sensiblerie ni grandiloquence, et les gueuleries de "Errenebi", avec leurs danseuses épileptiques, il y a plus qu'un accord de "fa".

Top musique n°16 : Spitz, part 2

2009-11-22T13:35:54+01:00

Après les Smashing Pumpkins, c'est au tour de Spitz d'avoir un deuxième top 10. Parce que vu le nombre d'albums qu'ils ont à leur actif, ça fait quand même beaucoup de chansons, et parce que je l'ai décidé :p. Depuis mon premier top 10 où en fait je ne les connaissais pas tant que ça, j'ai bien sûr continué à les écouter, à les écouter beaucoup même (y'a qu'à voir mes stats sur Lastfm ^^), et j'ai découvert un petit paquet d'autres chansons géniales.

J'ai écouté un peu tous les albums maintenant, mais ma préférence reste pour les plus récents, surtout le début des années 2000 avec Hayabusa (2000) et Mikazuki Rock (2002) en fait, même si j'adore également les deux suivants, Souvenir (2005) et Sazanami CD (2007). Pour ce qui est des plus anciens, j'écoutais déjà un peu Hachimitsu (1995), l'album qui les a vraiment rendus célébres (et qui donne une partie de son nom à Honey and Clover ^^). Logiquement, je me suis mise à écouter aussi Indigo Chiheisen (1996) et Fake Fur (1998). Leur évolution commence vraiment à se ressentir sur ces deux disques, il y a vraiment des perles.

Pour ce qui est de leur "jeunesse", première partie des années 1990 quoi, j'aime bien c'est clair, mais moins. On peut pas dire qu'ils ont changé littéralement de son, on les reconnait bien, au niveau des mélodies aussi, mais ça a peut-être un peu vieilli. Bref, moi je trouve que les années leur ont très bien réussi, quoi. Dans ce top 10, il y aura donc encore une majorité de titres des années 2000, mais j'en ai mis quelques uns plus anciens que j'adore aussi.

- Nagisa : Clairement une de mes chansons préférées d'Indigo chiheisen. J'adore la petite boucle un peu électronique qui débute la chanson et qui dure tout le long. Le rythme de la batterie est vraiment chouette, et le changement d'ambiance qui se fait à environ 2:40 et qui revient à la fin de la chanson est génial. Dans cette partie, les arpèges de guitare sont tout simples mais donnent trop bien.

- Fake fur : J'ai mis du temps à repérer cette chanson, qui se trouve à la fin de l'album du même nom, mais plus ça va, plus je l'apprécie. Encore des arpèges super accrocheurs comme le groupe sait si bien en faire. J'aime beaucoup les singles Scarlet et Kaede sur le même album, mais cette chanson se démarque encore plus.

- Spica : Dès le riff d'intro cette chanson est super ! Le ton enjoué des couplets comme des refrains mêlé au petit côté électrique, c'est juste génial. Je parlerai sûrement un de ces quatre de la reprise qu'a fait Shiina Ringo de cette chanson sur l'album Sweets for my Spitz (y'a des choses vraiment intéressantes sur ce disque ^^).

- Hotaru : Hayabusa est le premier album du groupe que j'ai décidé d'acheter, et cette chanson y est bien pour quelque chose. La mélodie triste mais vraiment intense, avec le rythme plutôt rapide, toujours de petits arpèges, la petite fantaisie du solo à l'harmonica, c'est vraiment énorme.

- Haruka : Cette chanson aussi, je me demande pourquoi je l'ai pas repérée plus tôt ! Les mélodies des couplets comme des refrains sont génialissimes, je ne m'en lasse pas.

- Yoru wo kakeru : Déjà qu'il n'y avait pas grand trace d'objectivité pour les chansons précédentes, mais là c'est encore autre chose. J'avais déjà dit quand je l'avais choisie comme chanson de la semaine que si je devais choisir une seule chanson de Spitz, ce serait probablement celle-ci, et bien je n'ai pas changé d'avis depuis. C'est la première chanson sur Mikazuki Rock, la méchante claque quoi ! Il y en a d'autres super aussi sur ce disque, même si je n'ai pas la place de les citer ^^.

- Stargazer : Une autre chanson très typique, avec une guitare électrique bien présente (notamment la petite ligne de transition avant les couplets), et un fond de guitare sèche qui équilibre bien le tout. Et encore une fois, un rythme de batterie excellent et une ligne de basse qui ne l'est pas moins. J'en reparlerai, mais de ce côté-là, même si ce n'est pas ce que l'on remarque en premier (la voix de Kusano et ses mélodies en imposant toujours), les compositions du groupe sont vraiment riches, ça va très souvent au-delà de la rythmique de base. Pour en revenir à la chanson en question, le changement de mélodie à 2:50 environ ça lui donne vraiment un plus. La qualité vidéo et audio du clip est vraiment médiocre, donc j'ai mis une autre version où il y a juste l'audio ^^.

- Tekuteku : J'adore absolument l'ambiance qui se dégage de cette chanson qui est sur le single de Haru no uta. On pourrait se croire en plein été à se la couler douce sur une plage, c'est vraiment excellent. C'est ce genre de compositions où l'instrumentation change un peu qui montre bien que le groupe sait varier. Il est toujours excellent dans ses recettes de base, mais en plus il sait varier, qu'est-ce qu'on peut demander de plus ?! ^^

- Yasashiku naritai na : Cette chanson toute douce où le piano domine se démarque bien sur l'album Souvenir. La mélodie est vraiment très belle, et j'adore particulièrement la présence légère mais certaine des percussions, et l'ambiance qu'on trouve en particulier au moment du solo. Magnifique, quoi.

- Gunjou : Des trois singles de l'album Sazanami CD, c'est sûrement celui-ci mon préféré. Encore une fois des arpèges et un rythme super catchy, et les harmonies avec une voix féminine sont vraiment chouettes. Et qu'est-ce que le clip peut me faire marrer, avec les filles en lapin qui font une chorégraphie de la mort avec le chanteur ! ^^

C'est fini pour aujourd'hui, mais vous avez pas fini d'entendre parler de Spitz ici, surtout que Noël approche, je vais faire des ravages sur CD Japan ! ^^

BJÖRK : Volta (2007)

2009-11-22T08:48:00+01:00

Une pochette très Orangina. Et pour cause : secouez la pulpe expérimentale et quasi inaudible de Medúlla avec un retour en arrière veine Post, et vous obtiendrez Volta.

Malgré quelques extraits dont on pouvait éventuellement s’accommoder, il faut bien reconnaître que ses deux précédents albums (Medúlla et la bande originale de Drawing Restraint) étaient constitués d’avant-garde hermétique et fort crispante.

Et ce Volta ?

On le sait, une plaque de l’islandaise n’est jamais confortable, et certainement pas aux premières écoutes. Votre serviteur s’est donc usé les nerfs à réécouter ce disque en boucle pour vous en dresser une chronique. Mes amis, ma patience a été mise à rude épreuve : on retrouve encore malheureusement ici de l’insupportable. MAIS je retrouve aussi un peu de la Björk que j'aime !!! Celle de Post ou Homogenic. Chic ! Oui, mais pas en aussi bien.

Les trois-quatre premières chansons constituent en effet une entrée en matière plus "accessible"... dans la mesure où ce terme est applicable à ce que fait cette artiste. On ne s’appelle pas Madame Guðmundsdóttir pour faire dans la banalité.

1) Earth Intruders ouvre le "bal" sur une mécanique à la fois enjouée, déjantée, envahissante... et qui peut s'avérer franchement agaçante selon l'humeur. Il y a du Nine Inch Nails dans ce son "industriel". Un peu des expérimentations sonores de Bowie et Eno par moments, aussi. Un single très rentre-dedans, comme l’a pu être Army of me dans les années ‘90… Oui, sauf qu'ici il y a la surprise en moins.

2) S’ensuit Wanderlust, dans la continuité d’Isobel ou des chansons de Selmasongs. Très bon.

3) Beaucoup plus reposant, l’orchestral The Dull Flame Of Desire m’évoque presque la B.O. de Gladiator (de Hans Zimmer et Lisa Gerrard) ! La voix d’Antony Hegarty (Antony & The Johnsons) y répond superbement à celle de la chanteuse. Certainement le plus beau morceau des dix.

Après ces premières chansons, Volta tape rapidement sur le système :

4) Avec Innocence, les rythmes Nine Inch Nailiens sont réenclenchés. A nouveau, le rapprochement avec un extrait de Post s’impose : Enjoy.

5) I See Who You Are est japonisant et minimaliste. Complètement facultatif.

6) Vertebrae By Vertebrae joue des répétitions et dissonances d’un orchestre classique. Sorte de boléro contemporain, intéressant à écouter une seule fois. Après…

7) Pneumonia... Ambiances comateuses, éthérées... et soporifiques.

8) Hope est tribal, calme et hypnotique. Réalisé en association avec le musicien malien Toumani Diabaté. Entre Pneumonia et Declare Independance, il fait presque du bien.

9) Le tonitruant Declare Independence, sans mélodie et mariant sons indu et punk (évoquant encore une fois NIN), se hissera sans problème au top des morceaux les plus casse-pieds de la carrière de Björk.

10) My juvenile est un second duo avec Antony Hegarty, mais loin d’être aussi appréciable que le premier.

Vous l’aurez compris : il faudra encore attendre et espérer avant de trouver un digne successeur à son génial premier album solo, Debut, ou même ses autres réussites que sont Post, Homogenic, Selmasongs et Vespertine.

Chronique par Louis St-Jo

Maison de disques : Polydor

READYMADE FC/BABILONIA/2005

2009-11-22T05:42:00+01:00

Il faut impérativement écouter Babilonia, petite perle pop-electronica de Jean-Philippe Verdin alias Readymade FC. Pourquoi cette injonction d'emblée ? Parce qu'il est rare de découvrir (en ces temps pléthoriques) un album sans ratés, somptueux jusque dans ses microfissures. Après Bold qui révélait un style où se tenaient en équilibre le dub, la techno et une electronica archi-mélodieuse, l'univers de Jean-Philippe Verdin (par ailleurs compositeur, arrangeur, producteur pour Luz Casal, Etienne Daho, Dani et Michel Delpech) vient de s'élargir à toutes les possibilités offertes par les machines et l'instrumentarium acoustique pop. Et c'est pur bonheur. Imaginez cette réunion, celle de Beth Gibbons et de Neil Hannon ou encore de Bob Dylan et de Brian Wilson. Le Jardin d'Eden est tout proche, n'est-ce pas ? Cette sensation de paradis existe tout au long des 13 titres de ce Babilonia aussi universel que son nom l'indique. « Barefeet », voici un air vraiment ineffaçable. « Snow Lion », nuageuse mélodie interprétée par Feist chassera tous vos démons. « Slide » chanté par Yael Naïm vous précipitera dans une douceur sans précédent. Quant à la présence de David Sylvian et de ses boîtes à musique sur « A Fire In Forest », elle s'apparente à un éblouissement dans une journée massacrée par l'ennui. Petite perle, ai-je dit. Guy Darol

READYMADE FC

Babilonia

Bleepmachine/Peacefrog

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READYMADE FC

Concert de VOLUTES à l’Escale JEUDI 26 NOVEMBRE 2009 à 20h30

2009-11-22T00:40:00+01:00

ENSEMBLE INSTRUMENTAL VOLUTES Direction : Etienne Bardon

Concert à l’Escale

Programme :

R. WAGNER Siegfried Idyll

A. SCHOENBERG Ode à Napoléon

G. MAHLER Adagietto

W.A. MOZART Symphonie Jupiter

Solistes : Michel Gaechter, piano – Jean Lorrain, récitant

JEUDI 26 NOVEMBRE à 20h30

Caisse du soir, billets à l’Escale à partir du 19 novembre Renseignements: Volutes, 03 88 41 82 16

L’Escale : 78 rue du Dr François, Strasbourg - Robertsau

Concert de VOLUTES à l’Escale JEUDI 26 NOVEMBRE 2009 à 20h30

2009-11-22T00:31:00+01:00

ENSEMBLE INSTRUMENTAL VOLUTES Direction : Etienne Bardon

Concert à l’Escale

Programme :

R. WAGNER Siegfried Idyll

A. SCHOENBERG Ode à Napoléon

G. MAHLER Adagietto

W.A. MOZART Symphonie Jupiter

Solistes : Michel Gaechter, piano – Jean Lorrain, récitant

JEUDI 26 NOVEMBRE à 20h30

Caisse du soir, billets à l’Escale à partir du 19 novembre Renseignements: Volutes, 03 88 41 82 16

L’Escale : 78 rue du Dr François, Strasbourg - Robertsau

Improbable musique... Mais ça marche !

2009-11-21T21:25:00+01:00

De la musique... originale ! Et pourtant ça doit être assez technique à faire ! (Lettre à Elise et musique des jeux vidéo Mario...)

Pour finir, en voilà un qui a bu trop de café... :

JOHN, PAUL

2009-11-21T17:18:17+01:00

PAUL : "le truc avec John, c'est qu'il n'était qu'apparence. On ne voyait jamais John. Je ne l'ai jamais vu qu'à travers quelques fissures dans sa carapace, parce que cette carapace était tellement dure. En surface, John était toujours dur, dur, dur.

Malheureusement, je pense que le monde doit avoir une fausse impression de John. John était vraiment un type gentil. Alors c'était toujours rock'n'roll.... jusqu'à ce qu'on le prenne au bon moment."

JOHN : "je ne tiens vraiment pas à être étiqueté comme étant un cynique. Elle (la presse) fabrique mon personnage à partir de certaines des choses que j'écris ou que je dis. Je déteste les étiquettes. Je suis légèrement cynique, mais je ne suis pas un cynique. On peut être sarcastique un jour et cynique le lendemain et puis ironique le jour d'après. Je suis cynique en ce qui concerne des choses qu'on considère comme acquises : la société, la politique, les journaux, le gouvernement. Mais je ne suis pas cynique en ce qui concerne la vie, l'amour, la bonté, la mort.

Paul peut être très cynique et bien plus acerbe que moi quand on l'y pousse. Bien sur, il est plus patient, mais il peut tailler les gens en pièces en un rien de temps quand on l'y oblige. Il appuie là où ça fait mal et ne tourne jamais autour du pot".

PAUL : "Les moments où on se disputait figurent parmi mes meilleurs souvenirs de John. Je n'étais pas d'accord avec lui et on se traitait de tous les noms. On laissait les choses se calmer un peu, et puis il abaissait ses lunettes. Pour moi, c'était ça, John. C'était les instants où je le voyais sans sa façade, sans son armure - que j'aimais aussi comme tout le monde. C'était une très belle armure. Mais c'était merveilleux quand il révélait le John Lennon qu'il avait peur de montrer au monde."....

(THE BEATLES Anthology - Seuil)

La musique comme fait social

2009-11-21T16:11:24+01:00

LA MUSIQUE COMME FAIT SOCIAL[i]

La musique populaire est très vivante au Maroc. Elle a déjà fait l’objet de plusieurs études dont LAMALIF a rendu compte (sur la chanson à Essaouira, les groupes « Jil », etc.…).

Nous présentons dans ce dossier les éléments d’une enquête menée patiemment par M. Abdelkader Mana sur la vie musicale à Essaouira, genres et connotations sociales. L’auteur étudie aussi bien la musique traditionnelle (comme le Rzoun et le Malhun) et les nouvelles fonctions qu’elle prend dans le contexte social actuel, que les groupes « Folk » ou « Jil ».

Les extraits de son « journal de route », fourmillent d’annotations vivantes dont l’intérêt sociologique dépasse le seul cadre musical.

Procession des Hamadcha d' Essaouira

Toute ville est traversée à la fois par des mouvements migratoires, des échanges économiques et des influences culturelles. Tout le problème est de saisir la forme et la structure qu’ils prennent dans un espace social particulier.

Le pouvoir colonial menait une politique d’infiltration des Zaouïa. Plus encore, certaines confréries telles la Kéttania et la Tijania s’étaient ralliées par leurs chefs à la France. La production du MALHUN fut soumise à la censure. Son contenu s’est appauvrit et son style truffé de termes d’origine français et espagnoles. La musique traditionnelle se ressentira également de la campagne politique durant les années 1950 par les nationalistes contre les « hérésies » et le « charlatanisme » (la cha’ouada).

Avec la scolarité, les mass média et la désintégration des structures traditionnelles, le refoulement de cette culture et de cette musique populaire s’est accentué depuis l’indépendance. Cependant à partir de la décennie 1970, pour contrecarrer le mouvement universaliste et l’érosion des valeurs traditionnelles on assiste au Maroc à une RETRADITIONNALISATION, avec un encouragement des confréries et l’inauguration de nouveaux moussems maraboutiques, des festivals à base folklorique et plus récemment la création d’associations régionalistes allant à contre – courant de l’universalisme des partis.

Cette politique de retraditionnalisation semble viser à la fois l’amortissement du choc de la modernité et le maintien du statut – quo par l’action psychologique et culturelle. Mais cette retraditionnalisation n’est pas tout à fait le simple retour à la tradition. C’est ainsi qu’à Essaouira, récemment, on a transformé le vieux chant (RZOUN) de l’achoura, en le privant de ses connotations érotiques et sarcastiques et on n’en retenant que les louanges religieuses en y ajoutant celles du pouvoir local. En automne 1982, lors de l’achoura, on utilise le RZOUN à des fins d’implantation politique et de préparation électorale. Il y a transformation et défiguration du vieux rituel. C’est un processus de « FOLKLORISATION »[ii]avec déformation et utilisation d’une musique traditionnelle en dehors de son cadre temporel et spatial traditionnel. Les groupes Folk locaux ont pour lieu de répétition les locaux des partis politiques qui s’en servent en période électorale.

§ LA MUSIQUE DE LA MEDINA

Durant le Ramadan « les djinns sont enchaînés ». Il n’y a ni transe, ni rituel de possession. Seul, du haut du minaret, le hautboïste lance des airs séraphiques. C’est une musique sacrée de recueillement, d’apaisement après l’épreuve du jeûne de la journée. C’est la seule musique sacrée qu’on entend pendant le Ramadan, comme si les autres instruments et répertoires des confréries étaient diaboliques.

Les orthodoxes considèrent l’emploi de la musique instrumentale comme une hérésie. Un percept dit : « Dieu maudit la barbe au-dessus et en - dessous de laquelle il y a zamar. » Ici, le terme zamar désigne aussi bien l’instrument à corde que l’instrument à anche. Le zamar ou musique instrumentale caractérise le soufisme populaire avec transe ( Jedba ) collective. Le samaâ ou psalmodie uniquement vocale avec îmara (danse extatique) caractérise, au contraire, les Zaouïa d’un soufisme plus orthodoxe.

Les confréries du zamar et de la jedba sont fréquentées par les médinis du commun. Quant aux confréries du samaâ et de la îmara,elles sont fréquentées par les m édinis distingués. A Essaouira, on rapporte que durant les années 1930, Mejboud, un pacha orthodoxe avait interdit l’emploi du hautbois aux moussem des Hamadcha et des Aïssaoua. Ce faisant il avait touché « à l’âme même du rituel ! » : sans hautbois, il n’y a pas de transe.

Dans un fascicule, en arabe (musique et jeunesse) le musicologue marocain, Abdellah Al Jirari développe, en 1976, l’idée selon laquelle « la création de conservatoires musicaux et le développement de la musique ont été longtemps entravés par des préjugés d’ordre religieux. » La musique traditionnelle tend à disparaître là où la désintégration sociale est la plus rapide. C’est la cas de la grande métropole industrielle par rapport à une petite ville de province, c’est le cas du monde urbain en général par rapport au monde rural.

« De même, écrit Halbwachs, que les classes sociales tendent à s’isoler l’une de l’autre dans l’espace, de même on constaterait que ce n’est pas au même moment de la journée ni au même jour de la semaine qu’elles se trouvent au même endroit. . »[iii]

Les classes sociales n’ont pas non plus la même écoute et la même pratique de la musique. Si la bourgeoisie a l’oreille éduquée, les ouvriers ont une autre éducation de l’oreille. Leurs besoins musicaux sont différents parce qu’ils proviennent de représentations collectives, d’opinions, de jugements collectifs, de valeurs qui sont des « représentations de classe. C’est de telles « représentations » qui déterminent des « besoins musicaux » distincts chez les médinis et chez les ouvriers de transplantation récente.

Etre médini n’est pas seulement le fait d’habiter la médina au sens de ville traditionnelle, c’est aussi une conception du monde et une position dans la culture. Etre médini , c’est connaître de l’intérieur et pratiquer la culture traditionnelle de la médina. C’est être le produit d’un HABITUS MEDINISTE.

En tant que patrimoine commun des médini , la musique des médina est un élément fondamental du système.

Il existe au Maghreb un modèle culturel commun aux médinas traditionnelles. S’agissant de la musique, comme d’ailleurs d’autres formes d’art, nous savons que le modèle est venu de la civilisation Andalouse ; c’est notamment Ziriab, l’oriental installé à Cordoue qui a contribué à la fixation des règles de la nouba.

Maalem Hayat a gauche avec sa troupe à la scala de la mer

Mais le modèle musical médini ne se limite pas aux différentes écoles de musique andalouse : ala et malhûn . Il s’y ajoute d’autres composantes telle la musique sacrée et la musique d’origine soudanaise des Gnaoua. Si ces derniers apparaissent à première vue marginaux, ils font néanmoins partie de la mémoire et de la tradition collective de la médina.

maalem Mahmoud Guinéa, principale branche des Gnaoua d Essaouira avec les Gbani

Dans toutes les médinas, par opposition à la campagne on trouve un modèle musical médiniste (MMM) qui se pose en s’opposant à la campagne. Aujourd’hui, la médina, investie par la modernité et marginalisée par sa périphérie, perd à la fois son caractère communautaire et sa culture traditionnelle. Les nouveaux apports de population avec de jeunes fonctionnaires et des ruraux, ignorent la culture médiniste et ne peuvent la reproduire.

§ DECLIN D’UNE CULTURE

Tout ce qui précède concerne la vie musicale dans l’ensemble des médinas maghrébines. Mais à Essaouira, les particularités relatives à la vie musicale sont liées à :

Ø La construction récente de la ville fondée à la fin du XVIIIème siècle.

Ø Au peuplement hétérogène de la ville par la volonté du sultan.

Ø Sa position charnière entre les tribus arabophones et les tribus berbérophones.

L’identité culturelle de la médina est à la fois universelle et spécifique. Il faut donc faire la part de l’universel (M.M.M) et du singulier : Le modèle musical Souiri (M.M.S).

Ø Le modèle général du changement dans le (M.M.M) provient de la modernisation des biens culturels et de « l’industrie culturelle » (Adorno et Horkeimer).

Ø Sur le plan spécifique (M.M.S.), on notera l’influence au niveau local d’une particularité marocaine nationale ; le mouvement Folk ou « Jil » A partir de 1968 la laïcisation des Gnaoua par les hippies d’où le développement des ksara (ou soirées profanes) avec guenbri.

Ø La culture M.M.M. se maintient davantage dans une ville comme Marrakech qu’à Essaouira. Pour plusieurs raisons dont la principale nous semble être le fait que Marrakech est une ville plus ancienne où la culture (M.M.M.) est plus enracinée. En plus le tourisme de Marrakech stabilise les artisans et leur culture. Alors qu’avec le déclin d’Essaouira, l’immigration des midinis déstabilise la culture (M.M.M.). Dont l’un des cas les plus significatifs est la mort de le Zaouïa des Aïssaoua qui n’a pratiquement plus d’activité depuis déjà plusieurs années. Le destin de la culture (M.M.M.) n’est dans sa désintégration que le signe et l’expression de l’effondrement collectif de la communauté qui lui servait de support. Les seuls musiques enracinées à Essaouira sont celles des Gnaoua et des Hamadcha qui expriment le déracinement de la ville. Cette évolution vers le dépérissement du (M.M.M.) est signalée par un musicologue médiniste, M.Jirari qui écrit en 1976 ceci :

« Notre jeunesse ne réagit plus à la musique Andalouse. Elle était pourtant la musique des châteaux du paradis perdu de Séville , de Cordoue, de l’Alhambra de Grenade et des châteaux marocains Alors que les parents apprécient cette musique, les jeunes s’en détournent. Cela est dû à l’impact de la musique orientale et occidentale à travers la radio et la télévision. »[iv]

Les midinis disent : « On a vendu les clés de la médina ». La ville, surtout après l’indépendance, a été envahie par la campagne environnante. La musique rurale fait maintenant partie intégrante de la vie musicale dans la ville. Elle constitue la plus forte vente des cassettes chez les disquaires de la ville. Cette musique locale s’oppose à l’influence uniformisante de la radio. Les musiques rurales sont particulièrement appréciées par les éléments de la population de transplantation récente dans la ville. La classe paysanne et la classe ouvrière ont en commun à Essaouira non seulement le fait de « manier directement la matière » (Halbwachs) mais aussi d’avoir les mêmes goûts musicaux. A Essaouira parmi les marchands de légumes et les petits commerçants installés récemment en ville, il existe un public de l’aïta arabophone. Comme il existe un public pour l’amerg berbérophone parmi les marchands de tissus, les grossistes et les matelots du port.

MUSIQUE ET MUSICIENS

La dakka de Marrakech

Du point de vue formel, l’achoura à Essaouira comprend trois éléments. Le rythme de la dakka, les comptines qui relèvent le caractère subversif et carnavalesque de la fête et le Chant du Rzoun. L’élément social nouveau est le développement de l’entreprise de rénovation du Rzoun.

Les chanteurs du Rzoun se composent :

1. Des membres des Hamadcha, des Gnaoua, des anciens et des jeunes de la ville. Au cours des répétitions, des conflits quant à la conception musicale sont apparus entre jeunes et vieux. Ce groupe est un microcosme des formes sociales de la musique traditionnelle à Essaouira.

2. Un autre groupe de l’Achoura est constitué par tous ceux qui ont une activité musicale spontanée : les jeunes qui frappent la Dakka tous les soirs, les enfants et les femmes.

La vie musicale se répartit en deux catégories fondamentales :

A. Les activités musicales spontanées, porteuses d’une tradition séculaire et rythmée par les calendriers traditionnels.

B. La forme musicale officielle et institutionnalisée, qui est ici la reprise et la reconstitution partielle d’une activité qui était autrefois spontanée.

Le concept de FOLKLORISATION pourrait servir à décrire le passage de l’informel à l’officiel, du spontané à l’organisé.

Il existe plusieurs formes de musique religieuse. La musique sacrée intervient dans les manifestations les plus officielles de l’Islam tel que :

chants funéraires, psalmodies des enfants dans les écoles coraniques etc.

Viennent ensuite les groupes de musique tel que, les Hamadcha, les Aïssaoua et les Gnaoua dans lesquels une activité instrumentale s’ajoute à la musique vocale.

Enfin les Haddarates sont des femmes liées aux confréries de la musique rituelle. Elles occupent parfois dans ces confréries des fonctions importantes. Elles exercent leurs activités à l’occasion des moussems, des thérapies musicales à domicile, des mariages et des enterrements suivant la tradition méditerranéenne des pleureuses rituelles.

Les HaddARATES D'ESSAOUIRA

LA MUSIQUE ANDALOUSE

Affiche récente du groupe du samaâ d' Essaouira

Abderrahim Souiri vedette nationale

pour le samaâ(oratorio)

Musique de Palais mauresque de Grenade, Séville et Cordoue, née de la confrontation en Andalousie des apports oriental et occidental. Après la chute de Grenade, elle s’est répondue dans tout le Maghreb.

Le Malhûn est la poésie et la musique populaire des artisans des cités Andalouses et Maghrébines. Le terme malhûn vient de la racine lahn qui désigne en arabe classique, aussi bien l’erreur de style et de grammaire que l’opération musicale qui transforme un poème en un chant. Les origines lointaines du malhûn seraient à la fois sacrées et bédouines. Dans toutes les Zaouia citadine on chante des mdah (louanges au Prophète) en forme de malhûn. L’origine bédouine du malhûn est attestée par son instrument de percussion, le douf (peau de chameau couvrant un cadre en bois en forme carrée). Il émet des rythmes lents qui lui sont suggérés par la marche déhanchée des caravanes. Une autre preuve semble être le thème du « voyage » commun à la tradition poétique des nomades et des artisans. En effet, la narration d’un voyage à travers le désert où le poète s’arrête de temps en temps pour se lamenter sur des ruines (atlal) est un schéma classique de la qasida préislamique. Le même thème se retrouve chez les artisans sédentaire sous le vocable du warchan (pigeon – voyageur).Le porteur de message est prétexte à la description d’un itinéraire. Le malhûn était vivant autrefois dans la médina d’Essaouira où il existait des chanteuses citadines qui le chantaient accompagnées de musiciens aveugles. Ce type de chikhates n’existe plus. Avec elles, c’est un pan de la culture traditionnelle médinie qui a disparu. Les quelques midinis connaisseurs du malhûn ne sont pas organisés en orchestre. Il ne reste que quelques nostalgiques de cette période, refusant la modernité et ceux qui l’adoptent . L’un d’entre eux dit : « Je ne vis plus qu’avec les morts ».

Mustapha khalili saisi par la transe apaisée du hal dans le cortège des Hamadcha

Il est l'héritier des grands connaisseurs du Malhûn d'Essaouira.
Il ira par la suite jouer en tant que comédien et chantre du malhûn dans le théâtre de Taêb Saddiki,

et sera le directeur du festival du malhûn organisé chaque printemps à Essaouira depuis 2007.

Essaouira n’est pas le centre de ces productions musicales, c’est le point où se rencontrent les deux courants arabophones et berbérophones. Par contre, du fait de leur position géographique, Agadir est au centre de la production amerg, comme Safi est au centre de l’aïta. Les musiciens Haha sont plutôt attirés par Agadir et ceux des Chiadma par Safi. Du fait de la marginalité de la ville sur le plan économique, elle ne constitue plus un point d’attrait et d’ancrage – à la manière de la fabrique capitaliste – pour les musiciens, ils y sont plutôt de passage. La musique rurale vit dans la ville surtout sous forme de cassettes chez les disquaires.

Tayeb Saddiki

Tayeb Saddiki, l’enfant prodige de Mogador qu il a quitté dans les années cinquqntes pour diriger le théâtre municipal de Casablanca. C’ est dans le cadre de sa troupe MASRAH ENNAS qu'est apparu le groupe mythique de Nass el ghiouane. Ils ont d’ abord chanté en tant que comédiens dans la troupe de Tayeb Saddiki avant d aller fonder leur propre groupe de musique folk avec le foudroyant succés que l’on connait. C est en effet, Tayeb Saddiki qui, le premier avait donné ses lettres de noblesse à la culture populaire en jouant la piece de Sidi Abderrahmane El Majdoub, poète marocain du XV e siècle, à Jamaa el Fna (la place de l’ aneantissement).

Scène de "Diwan Sidi Abderrahman Mejdoub" de Taïeb Saddiki

Parue au n°5 de la revue "Souffle" que dirigeait Abdellatif Laâbi,

( premier trimestre 1967): On reconnait Boujmiâ avec son bendir.

Il sera par la suite l'un des principaux fondateur du mythique groupe folk de Nass El Ghiouane

§ LES JIL ET LA MUSIQUE FOLK

Paka l'enfant prodige d Essaouira au guenbri

Paka au micro

Les deux groupes mythiques folk apparus dans les années 1970 et qui ont fait partout des emules au Maroc: Jil Jilala et Nass El Ghiouane. Il y avait aussi les Izenzarnes pour le monde berbère. Le succés de ces groupes folk auprès de la jeunesse vient de la modernisation du chant traditionnel que ce soit le malhum pour Nass El ghiouane et Jil Jilala, ou le chant des trouveurs chleuhs pour les Izenzaren et les Addaden berbères: Introduction de nouveaux intruments de musique(banjo, guitar electrique, tam-tam) ou reétulisation de la musique et du repertoire des confrérie (guenbri des Gnaoua, Herraz des Hamadcha et des Haddaoua etc.), dans un contexte moderne: utilisation de la scène avec micro et projecteurs, chevelure en bataille et Jean troué a la maniere des groupes Rock, préference pour les thémes chers à la jeunesse :révoltée contre les injustices, remise en cause des pesanteurs normatives. Chant en position debout avec des intonations modernes aux accents de Rockers. Ces groupes étaient apparus au théâtre Tayeb Saddiki a Casablanca en pleine période hippie a Essaouira où Paka etait le premier à sortir la "tbiga"( autel des Mlouk, des ésprits) de la zaouia des Gnaoua pour organiser une lila avec sacrifice pour le living theater en bordure de mer dans une villa des cooperants français. Ces groupes etaient apparus au Maroc au moment où y faisaient un tabac , dans le sillage du mouvement hippie, les Roling Stone, Bob Dylan, les Beeteals et Elvis Preley . Ce métissage musical se manifestera plus clairement encore avec le festival des "Gnaoua et musique du monde", où on assistera a une fusion entre la musique de "la religion des esclaves" et les musiques venues d'ailleurs....

On appelle FOLK au Maroc, les groupes qui existent depuis 1970. Sur la scène internationale des jeunes, le terme FOLK a désigné depuis les années 1960 un mouvement mondial de retour aux sources. Contre la musique commerciale, les jeunes sont partis à la recherche des traditions pour y puiser de nouvelles inspirations. C’était souvent un mouvement écologique et politique.

Au Maroc, ce mouvement est issu du nouveau théâtre de la fête (ihtifalia) dans lequel la chanson (malhûn notamment) occupait une place importante. Deux groupes ont alors ouvert cette voie : NASS AL GHIOUAN et JIL JILALA ; Ils ont eu partout des imitateurs au Maroc. Depuis 1980, moment du déclin de ce mouvement, le ministère de la jeunesse et des sports encourage les groupes Folk locaux amateurs. En 1980 il a organisé à Rabat le premier festival national de la musique Folk.

Nass el Ghiouane avec Paka au guenbri

A Essaouira, il existe plusieurs groupes Folk :

- Le groupe AFRAH CHAABIA (festivités populaires) est le plus ancien ; il a déjà une cassette sur le marché local. Ses membres sont pour la plupart intégrés à la municipalité. Ils étaient liés au parti des indépendants lorsque celui-ci dirigeait le conseil municipal. Ils ont du succès dans les mariages populaires et interviennent dans les fêtes politiques. Les membres du groupe sont tous des adultes d’une moyenne d’âge de 30 ans. Ils ont un répertoire propre mais aussi s’inspirent du répertoire des Folk berbères, du malhûn , des Gnaoua, de l’aïta, et du chaâbi.

- Le groupe RIMAL DAHABIYA (sable d’or) est très différent du précèdent : c’est un groupe de création récente et peu connu sur le marché local de la musique. Ses membres sont des adolescents ouvriers et artisans seulement. Contrairement au groupe précèdent, ils ignorent complètement le modèle musical médini. Nous les avons rencontré plusieurs soirs dans une maison de la jeunesse vide. Ils nous ont dit qu’ils répétaient un certain moment dans le local du mouvement populaire. On les a déjà aperçus au « Théâtre Alami », là où se trouve le parc forain (Bab Doukkala). Ils nous ont dit qu’ils iront faire la halka au nord de Béni – Mellal e laissant de côté le travail d’artisans et d’ouvriers mal payés : ces adolescents nomades font penser par maints

1er jour du reste de ma vie

2009-11-21T12:32:00+01:00

Voilà. J'me disais aussi que ça devait pas tomber loin. J'l'ai même laissée passer sans m'en rendre compte!

Je viens de vérifier: deux ans que Rouge traine dans le coin! (non, je ne souffre pas de schizophrénie!!! mais avant j'étais aussi dans le coin sous d'autres pseudos... )

Deux ans! Déjà!

Deux ans c'est... des rides rires en plus!!! euh... c'est aussi des larmes en moins ...

Deux ans, c'est... champagne surtout!

Alors pour fêter ça: un petit truc découvert ce matin!

Il s'appelle Babx... vous connaissez?

à perte de vue

2009-11-21T09:18:00+01:00

Kojima Mayumi's Swinging Caravan

2009-11-21T08:03:00+01:00

Depuis le temps que je dis que je dois parler de Kojima Mayumi, enfin je me décide ! J'ai découvert cette chanteuse grâce à un générique d'anime, celui de Ghost Hound : la chanson Poltergeist. Je l'ai immédiatement adorée (d'ailleurs elle figure dans mon premier top 10 de génériques d'anime), et très logiquement j'ai voulu en découvrir plus sur l'artiste. J'ai pu écouté un peu son best of sorti en 2007, et un peu également l'album Ai no Poltergeist, où figure justement Poltergeist.

Sans avoir eu envie d'écouter ça immédiatement en boucle, je trouvais ça bien sympa comme musique. Et puis j'ai écouté Swinging Caravan, son dernier album à ce jour (mais plus pour longtemps ^^). Et là, je me suis définitivement dit que cette fille était géniale. D'où le fait que je fais cette note pour l'album du mois même si je parle de l'artiste en général. Kojima Mayumi a un don pour mélanger les styles, avec un côté jazz et bossa dominant, sans oublier une petite touche rétro excellente. Et sa voix, franchement, elle est trop excellente. Relativement aigüe, pas étonnant pour une chanteuse japonaise, mais une puissance et une expressivité vraiment à part.

Je sais pas où elle va chercher ses mélodies, mais elles sont géniales, le genre qu'on a l'impression de connaître depuis toujours alors qu'on n'a entendu la chanson que quelque fois. Et comme Shiina Ringo, elle ne fait pas que copier des styles, c'est un vrai mélange avec sa touche personnelle. L'instrumentation est riche et variée, ça donne un côté très musique de film, entre toutes les percussions, le piano, les violons les guitares aux sonorités caractéristiques... Ca doit être vraiment sympa de la voir en live avec tous ses musiciens !

L'album Swinging Caravan est un vrai régal du début à la fin, il n'y a pas une seule chanson inférieure aux autres, même si évidemment ça ne m'empêche pas d'avoir mes préférées : Akai Boushi, Chocolate et Hoshi no Ouji sama. Les chansons les plus rythmées donnent envie de se trémousser, les plus calmes sont très reposantes (c'est un peu un pléonasme je sais ^^), dans tous les cas ça met de bonne humeur, vraiment agréable. Le CD faisait partie d'une de mes dernières livraisons du Japon, la pochette avec les titres façon vinyl et le boîtier digipak sont bien sympas.

Kojima Mayumi ne semble malheureusement pas assez connue pour que ses chansons se trouvent à foison en streaming. J'ai bien trouvé quelques trucs sur Youtube, mais je vais pas tout mettre ici d'un coup, il y aura d'autres occasions ^^. Pour l'instant, vous aurez donc le droit au single Last Shot et à Chocolate ^^.

Chocolate - Mayumi Kojima

Rente la sringue (20/11/09)

2009-11-21T02:41:00+01:00

rente la sringue de l'amour dans mon cœur

fais de moi le junkie du bonheur

je suis seul c'est la nuit et je pleure

rente la sringue de l'amour dans mon cœur

hostie de tabarnak ça va mal

maudit christ de câlisse j'ai si mal

l'amitié de ta cuisse m'est vitale

où es-tu mon si bel animal

j'ai couru dans les rues sans te voir

j'ai marché le plancher dans le noir

mon reflet disparaît du miroir

ne reste plus que le désespoir

si la clé n'ouvre plus la maison

et si je n'entends plus la raison

si le chien ne comprend plus son nom

conçois donc ce qu'est mon abandon

rente la sringue de l'amour dans mon cœur

fais de moi le junkie du bonheur

je suis seul c'est la nuit et je pleure

rente la sringue de l'amour dans mon cœur

Eye in the sky

2009-11-20T20:47:00+01:00

Si à l'ouest il n'y a rien de nouveau, ce n'est pas le cas sur ce blog. Suite à la participation surprise d'un invité donneur de leçon (je vous laisse lire la joute verbale qui en a résulté dans les commentaires:-), j'ai été conforté dans l'idée qu'il existe des gens qui éprouvent le besoin de se soulager en critiquant à tout va. Alors je vous en conjure: si vous avez quoi que se soit à me reprocher (sur le contenu de ce site j'entends bien), faites le de manière rationnelle ET argumentée ou alors abstenez vous! Au programme ce mois-ci: pas moins de 5 chroniques et des photos de mon séjour à Amsterdam (une ville relativement méconnue mais très sympathique). Bonne lecture et surtout quoiqu'on vous dise, profitez bien de la vie car on en a qu'une seule!

Amsterdam est surnommée "la Venise du Nord". On se demande pourquoi:-)

Le célèbre "red district" connu pour ses... prostituées en vitrine!

Le Stamppot, un plat néerlandais traditionnel.

Une ruelle qui évoquera des souvenirs aux plus geek d'entre vous. La ressemblance avec le jeu "Resident Evil 3 Nemesis" m'a surpris!

Un peu avant 9H, Amsterdam se réveille.

Chronique du film "This it it"

"Le roi est mort, vive le roi!"

Voilà bientôt 5 mois que Michael "The king of pop" Jackson nous a quitté ,et pourtant on a jamais autant parlé de lui! Le décès de l'artiste a provoqué un vrai raz de marée: disques (de nouveau) vendus par millions, témoignages affluant des quatre coins du monde, hommages divers... Au milieu de tout ce bazar: THIS IS IT, un OVNI cinématographique qui vire à l'hagiographie. "Scandaleux objet marketing" pour les uns, "ultime testament" pour d'autres, le film ne laisse pas indifférent et continue de rapporter des millions!
Bravant les différents appels aux boycotts, j'ai visionné le fameux long-métrage et voici mon compte-rendu:

"This is it" ne brille pas par son originalité mais bénéficie d'un contexte particulièrement favorable. Les ultimes répétitions de MJ s'avèrent particulièrement émouvantes pour tout fan qui se respecte. L'homme, usé par les années et probablement le stress lié à la tournée imminente (cette maigreur...), fait preuve d'un professionalisme hors pair. Il encadre ses troupes avec la rigueur qu'on lui connait et se permet même quelques mouvements dont on ne le croyait plus capable. Malgré tout, l'apogée du roi de la pop était déjà derrière lui et cela se voit à l'écran. Difficile de savoir si c'est l'âge ou le contexte (des répétitions) mais MJ, s'il était toujours un excellent chanteur ("Human nature"), se montrait nettement moins éblouissant dans l'exécution de ses célèbres pas de danse. Les amateurs du légendaire moonwalk resteront assurément sur leur faim et personne ne saura jamais si le chanteur s'économisait ou si le temps avait bel et bien fait son oeuvre...
Sur le strict plan visuel, "This is it" ressemble à un gros patchwork de 2H. Chorégraphies, interprétations live, interviews et vidéos avortées (Michael avait tourné de nouvelles séquences pour "Earth song", "Thriller" et "Smooth criminal") constituent le copieux de ce documentaire décidément atypique. Les passages excellents (les nouvelles vidéos tournées par Michael dont un monumental court-métrage pour Thriller) cotoyent des moments franchement dispensables (les interviews des danseurs qui s'extasient devant Jackson), néanmoins la bande son à elle seule justifie l'intérêt du film. "Thriller", "Wanna be startin' somethin'", "Smooth criminal", "Black or white", "They don't really care about us" et bien d'autres tubes estampillés Michael Jackson prennent une toute autre dimension dans une salle obscure. On en prend plein les oreilles et l'expérience devrait plaire aux fans les plus difficiles!
Bien évidemment les auteurs du film ont voulu rendre hommage à la mémoire du chanteur et "This is it" joue sans complexe la carte de l'émotion. La candeur de MJ est particulièrement mise en avant (les "I love you" et autres discours écologistes sont nombreux) et nul doute que les images assemblées ici ont été rigoureusement sélectionnées (ne vous étonnez pas si vous voyez Michael arborer successivement plusieurs tenues différentes dans une seule chanson!).

Au final "This is it" devrait plaire à tous les fans de Michael Jackson. Objet mercantile certes mais pas seulement, il s'avère bien plus intéressant que la compilation du même nom. On y retrouve les différents tubes qui parsèment le film dans leurs versions d'origine (bon d'accord ils ont été légèrement remasterisés) et un pseudo-inédit datant de 1983 remanié pour l'occasion, le tout à un prix exorbitant à peine justifié par les photos du livret.

Chronique du disque "Chickenfoot":

Chickenfoot a fait couler beaucoup d'encre. Imaginez vous: la technique de Joe Satriani (alias Satch), le fun de Sammy Hagar (ex VAN HALEN), la puissance de frappe de Chad Smith (RED HOT CHILI PEPPERS) et le groove de Michael Anthony (ex VAN HALEN) réunis dans un seul et même groupe! Il y avait là de quoi fantasmer et pourtant ce premier album du supergroupe a des allures de pétard mouillé.
Le niveau technique est pourtant très bon et on reconnait facilement le style de chacun des musiciens mais il manque quelque chose. Les compositions sonnent bien la plupart du temps mais elles ne sont pas marquantes pour autant. Ca manque de refrains accrocheurs, de personnalité.
Saluons tout de même la pochette originale (elle se dévoile lorsque la température monte!), l'excellente production et la petite perle "ledzeppelienne" qu'est "Soap on a rope".
RDV au prochain essai? (vraisemblablement en 2011, Chad Smith ayant retrouvé ses potes les RED HOT pour un nouveau disque et peut être une nouvelle tournée).

Chronique du disque "The resistance" (MUSE):

MUSE est devenu en l'espace de 10 ans un groupe incontournable de la scène rock internationale. Matthew Bellamy et ses compagnons en sont déjà à leur 5ème album studio et le moins que l'on puisse dire c'est que le groupe continue à évoluer. Après l'excellente pop rock expérimentale de "Black holes and revelations" (2006), le groupe voit les choses en grand avec "The resistance".
-Le single "Uprising" qui ouvre l'album est une bien mauvaise entrée en matière. On y retrouve le style si particulier du groupe mais le refrain est d'une platitude à faire peur. Un titre assez bateau selon moi.
-"The resistance" et sa jolie ligne de piano relèvent considérablement le niveau. Très bon titre.
-"Undisclosed desires" rappelle furieusement DEPECHE MODE et s'avère lui aussi réussi.
-"United states of eurasia" lorgne très largement du côté de Queen mais a du mal à tenir la comparaison (écoutez "Innuendo" de Queen, vous comprendrez peut être mieux mon point de vue).
-Avec "guiding light", MUSE renoue avec les morceaux passe-partouts et ce n'est pas le court solo de guitare (rappelant lui aussi Queen en plus brouillon) qui sauve les meubles.
-On revient au rock énergique avec "Unnatural selection". Le riff est de bonne facture mais le chant de Bellamy n'est pas particulièrement accrocheur sur ce titre. Dommage!
-"MK ultra" ravira les fans du MUSE "classique". Entre les sons électroniques et la voix éthérée de Matt Bellamy, on retrouve vite ses marques. Là encore rien de particulièrement brillant mais au moins c'est efficace.
-"I belong to you" est un morceau assez barré (le morceau est assez mélancolique et se termine par un passage plutôt festif), pas vraiment ma tasse de thé. Je trouve ce genre de morceau assez chiant.
-On termine avec le morceau de bravoure de ce 5ème album: la symphonie de plus de 13 minutes qui fait la fierté de Matthew Bellamy! Le premier mouvement et ses accents tragiques n'a pas grand chose à voir avec la musique rock mais il s'avère particulièrement réussi. Il ferait un malheur dans une production hollywoodienne.
-Les choses se gâtent avec la deuxième partie de la symphonie. Assez molle dans sa première moitié, elle devient insipide dans la deuxieme. A la limite de la cacophonie.
-La dernière partie d'"exogenesis" est riche en piano. On pense à Chopin par moment mais le résultat, s'il est agréable, s'oublie très vite.
MUSE s'est fait plaisir en explorant ses influences mais ce nouvel album laisse un goût amer dans la bouche. A trop vouloir en faire, le groupe frôle la parodie et perd en efficacité. Du fait de sa surmédiatisation, cet album devrait s'écouler par palettes entières néanmoins selon moi il n'y a guère qu'une poignée de titres pour sauver ce disque du nauvrage total!

Chronique du disque "Liebe ist für alle da" (RAMMSTEIN):

4 ans! Ca fait 4 ans que les poids lourds du metal allemand n'avaient pas sorti de nouvel album! Autant vous dire que "Liebe ist für alle da" ("l'amour est là pour tous") était attendu au tournant. D'après les musiciens eux mêmes, la gestation de ce 6ème album a été très difficile. Le groupe se déchirait de l'intérieur et chacun voulait imposer sa vision des choses. Ce qui fait plaisir à l'écoute de ce nouvel album c'est que chaque membre semble en effet avoir apporté sa pierre à l'édifice. La production met en valeur chaque instrument et on a souvent l'impression que les musiciens se sont surpassés pour offrir quelque chose de différent (l'énervé "Waidmanns Heil", son intro décalée et sa double pédale furieuse font des merveilles, tout comme l'excellent solo de clavier du morceau titre). L'ensemble sonne résolument plus violent que ce qu'ils ont pu proposer par le passé même si l'identité du groupe est préservée (comment ne pas penser à "Amerika" à l'écoute de "Pussy", le premier single aux paroles bien débiles et volontairement outrancières?). "Liebe ist für alle da" propose plusieurs moments de gloire (la reprise d'Edith Piaf sur le refrain de "Frühling in Paris":-) mais on est quand même pas en présence de l'album parfait, ni même du meilleur album de RAMMSTEIN ("Mutter"?). Le poussif "Mehr" et le chiantissime "Rammlied" entâchent un tableau qui reste malgré tout honorable.

Chronique du disque "Live from the royal alberl hall" (THE KILLERS):
THE KILLERS suscitent des réactions très variées. Certains adorent ("le meilleur groupe depuis les Beatles" peut on entendre dans les bonus du dvd), d'autres détestent et vont même jusqu'à affirmer qu'ils ont vendu leurs âmes au démon fric. Toujours est-il que le groupe connait un succès phénoménal depuis son premier album ("Hot fuss", 2004) et décide en cette belle année 2009 de faire plaisir à ses fans en leur offrant un live après seulement 3 albums studios.
"Live from the royal albert hall" est donc la première captation live officielle des KILLERS et force est de constater qu'elle s'en tire avec les honneurs. Le groupe, au sommet de sa forme, interprête un véritable best of. Des titres extraits de chaque album (y compris la compilation de faces B et d'inédits "Sawdust") sont joués devant un parterre de fans conquis et extatiques. On y retrouve des chansons très rock (l'excellente "Jenny was a friend of mine" et sa ligne de basse diablement accrocheuse) et d'autres beaucoup plus pop comme "Human" ou "Joy ride" (qui penche du côté de la funk music!), le tout formant un ensemble étonnamment homogène. La version dvd est elle aussi convaincante et les prises de vue sont absolument magnifiques, y compris lorsque le chanteur Brandon Flowers se fait suivre par une caméra lorsqu'il quitte la scène en plein milieu du morceau "Bling"!
Là où le bât blesse c'est que la musique des KILLERS ressemble à un gigantesque clin d'oeil aux années 80 et 90. Un peu de guitare à la U2, des synthés piqués tantôt à PET SHOP BOYS (human), NIK KERSHAW ou encore NEW ORDER (Read my mind), des "Oh Oh" dignes de DEPECHE MODE (la fin de "Jenny was a friend of mine") et le tour est joué! Certains prendront ça pour une redite d'un style désuet, d'autres se réjouiront de retrouver ces sons que l'on croyait à jamais disparus. Quoiqu'il en soit, il ne fait aucun doute que le groupe possède une certaine sensibilité pop qui lui permet d'enchainer les tubes. L'étonnante quantité de bonus (des interviews, des titres bonus), la setlist équilibrée et généreuse (22 chansons!), une qualité d'image et de son vraiment excellente font de ce "Live from the royal albert hall" le meilleur moyen pour découvrir les KILLERS et un achat incontournable pour les fans des américains.

Je vous laisse avec deux suggestions:

-Un super site avec plein de recettes simples et succulentes:
http://student-in-the-kitchen.blogspot.com/

-Un groupe de rock progressif à écouter d'urgence: ALAN PARSONS PROJECT (essayez le 1er album;-)

Mouliche and the rabuteau's.

2009-11-20T16:00:00+01:00

Mouliche and the rabuteau's... j'ai découvert ce groupe via une amie et je dois bien avouer....que j'aime bien !.

Mouliche and the Rabuteau's. from cyril® on Vimeo.

Et Rone fut...

2009-11-20T15:14:00+01:00

Rone est un musicien qui a sorti un album au printemps dernier. "Bora Vocal" est mon morceau préféré. La voix que vous entendez sur la musique est celle d'un écrivain qui se parle à lui-même. J'ai posé la question à Rone qui m'a très gentiment répondu

"Salut N,
alors, il s'agit de la voix d'un ami écrivain, Alain Damasio; c'est l'auteur de "La Zone du dehors" (un roman de SF d'anticipation qui m'a beaucoup marqué) ou encore de "La Horde du Contrevent" (livre fantastique qu'il évoque dans le morceau "bora"). Un jour j'ai récupéré des petites cassettes de magnétophones sur lesquels il s'enregistrait, une sorte de journal intime qu'il tenait au moment de l'écriture de "La Horde du Contrevent" tandis qu'il s'était coupé de la société, isolé, pour être totalement immergé dans ses écrits. C'est un document passionnant: avec des moments de doutes, de déceptions, de fatigues mais aussi et surtout de joie, quand il prend conscience de ce qu'il est en train d'accomplir et de créer.voilà, il n'imaginait donc pas du tout que ses pensées se retrouvent sur un morceau un jour; mais il a très gentiment accepté quand je lui ai demandé si je pouvais les utiliser... "

A écouter à fond la caisse au casque....

Ron "Bora vocal"

http://www.myspace.com/rone0

JENNIFER GENTLE/VALENDE/2005

2009-11-20T05:18:00+01:00

Comme le rappelle Tim Willis dans son inestimable biographie de Syd Barrett ( Le Castor Astral éditeur), le génie calciné de Pink Floyd s'est perdu sur les chemins croisés de l'acide et des femmes. Jennifer Gentle fut l'amante envoûtante que Barrett décrivit au fusain sur The Piper At The Gates Of Dawn, le meilleur du Floyd. Et c'est désormais un binôme psychépop vraiment hallucinant. La palette sonore de ce quatrième album est sertie de références mi-nues mi-voilées. Impossible de ne pas entendre dans la voix de Marco Fasolo le grain délicieusement cockney de Steve Marriott. Quant à l'instrumentarium (glockenspiel de chez Joué Club, orgues Bontempi, flûtes en plastique, ballons de baudruche qui flatulent...), il convoque autant le souvenir de Joe Meek que celui des Einstürzende Neubauten. Et en écrivant cela, je me dis qu'une fois de plus Pascal Comelade s'est fait repassé. L'hommage explicite au vieux Barrett et subséquemment à ses excès lysergiques fait tendre l'oreille du côté d'autres sources. Il y a dans Valende un psychédélisme brut qui renvoie au 13th Floor Elevators de Roky Erickson et aux Electric Prunes de Jim Lowe. On y retrouve même l'acid rock des Beatles avec une citation anamorphosée de « Norvegian Wood ». Par ailleurs, les effets de réverb sur les vocalises ne sont pas sans ranimer les fantômes de Gong ou de Soft Machine. Enfin, lorsque Jennifer Gentle joue en roue libre, on dirait que le duo cligne des yeux vers les Mothers Of Invention. Tout cela pourrait laisser penser que l'album n'est qu'un savant salmigondis. Du tout. Voici du grand œuvre. Inusable même à forte écoute répétée. Guy Darol

JENNIFER GENTLE

Valende

Sub Pop

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JENNIFER GENTLE

The night is still young

2009-11-19T21:10:18+01:00

Un des derniers tubes de la belle plante teutonne , ici en duo avec l'ex chevelu de Modern Talking , Thomas Anders ...

Du générique du JT de TF1 ?

2009-11-19T15:09:00+01:00

A vous de juger...

pourquoi cette pluie...

2009-11-19T10:37:00+01:00

- Idir - Deux rives, un rêve -

Ce matin, j'ai froid jusqu'à l'os.

Qui vient avec moi à Cuba ? (suite)

2009-11-19T07:00:00+01:00

Vous vous souvenez je vous en avais déjà parlé LA

et c'est donc avec une immense joie

que j'en remet une couche ici bas

car cette fois je vous emmène avec moi

dans ce pays où le mojito est roi

(mais non vous ne rêvez pas)

Qui c'est qui aime la musique cubaine ?

(avec les boissons mentholées qui vont bien avec)

(si on ferme les yeux on s'y voit déjà)

donc n'est ce pas, bien sur, of course comme c'est bientôt la fête du barbu en rouge et que je suis d'humeur généreusement massacrante, je vais offrir la possibilité à 5 personnes de viendre avec moi !

(mais avant va falloir bosser un peu nanmého!)

Saviez vous qu'à l'époque où Youtube et iTunes n'existaient pas, nos ancêtres parcouraient encore le monde pour des échanges musicaux. Ils se pressaient dans des clubs alternatifs et écoutaient des stations de radio pirates. En ce temps là, Gilles Peterson était leur gourou. Récemment, Havana Cultura avec l'appui de Havana Club, a invité Gilles Peterson pour enregistrer un album avec les nouveaux talents de la capitale cubaine...

(même si à cette époque je n'étais pas encore conçue ni même envisagé)

De passage à paris, Gilles Peterson sera présent lors d'une soirée très privée Havana Cultura Party organisée à l'Elysée Montmartre le 26 novembre à partir de 20h !"

(vous le sentez le déhanchement qui vous gagne là non ?)

(je vous demande de vous arrêter, mon article n'est pas fini !)

Alors grâce à l'Agence Montana and Co je peux viendre avec 5 de mes petits compatriotes jeudi prochain, et comme vous le savez désormais j'ai un lectorat énoooorme (CF twitter d'hier) je vais donc être obligée de faire comme les videurs à l'entrée d'une boite célèbre, je vais vidanger !

et pour cela il suffira juste de répondre à cette patite question : Quelle est la date de naissance de Gilles Péterson ?

(calculette et wikipédia admis)

Fin du concours le dimanche 22 au soir. Ensuite je tirerais au sort les bonnes réponses et hop embarquement pour Cuba. Pour les déçus il est également possible de gagner des places sur Radio Nova (101,5)

Alors qui viendra avec moi moover son popotin ?

Paha Vaanii

2009-11-19T04:27:00+01:00

Oui, bon, je sais, je vis au Québec, je devrais donc donner à mes aventures québécoises une bande-son locale, de Richard Desjardins aux Cowboys fringants, le choix est large. Pourtant, depuis que je suis ici, et peut-être plus précisément depuis mon road-trip à Charlevoix et dans la région du Saguenay, depuis mes retrouvailles avec des paysages qui m'évoquent les pays nordiques, je réécoute en boucle la b.o. de l'Homme sans passé. Elle constituait le fond sonore des voyages dans l'Europe du Nord, et elle continue à m'habiter ici.

La langue finlandaise - que je me promets d'apprendre un jour - est un décidément un délice, la voix de Marko Haavisto complètement addictive, je dois dire (je serais presque amoureuse de lui, c'est dire...!).

[je suis obligée de mettre des vidéos pour pouvoir insérer de la musique dans ce blog car depuis que mon adresse I.P. est basée au Québec, les lecteurs de musique français sont non gratae, et je ne trouve toujours pas l'équivalent canadien].

La Dame blanche (18/11/09)

2009-11-19T01:01:14+01:00

s'il fallait vivre pour la beauté

tu pourrais vivre une éternité

sans jamais te sentir humilié

mais avec le temps tu croiras voir

au crépuscule sur un trottoir

la Dame blanche qui marche drapée de noir

la petite épouse t'attend chez toi

comptant ton temps sûre de son droit

assise dans l'ombre elle ne bouge pas

elle tisse tes rides entre ses doigts

avec le long fil de tes pas

la Dame blanche ne rate jamais sa proie

je l'entends qui danse dans la pyramide

je sais qu'elle règne sur l'Atlantide

nos cathédrales sont ses vaisseaux humides

est-elle le ventriloque de Dieu

est-elle l'une des filles du feu

la Dame blanche a-t-elle la clé ouvrant les cieux

le jour où j'irai déposer

mes armes rouges à ses pieds

la Dame blanche me rira-t-elle au nez

La maison de l'amour (17/11/09)

2009-11-18T22:34:51+01:00

il te faudra le plus long des couteaux

pour toucher mon cœur

et que tu tiennes tête au ciel longtemps

pour être ma sœur

si tu viens me voir un jour

dans la maison de l’amour

personne ne s’est jamais assis

de ce côté-ci de mon verre

mais qui pourra jamais prêter

son visage à mon frère

le roi est seul dans la cour

derrière la maison de l’amour

je porte en moi le poids de mille enfants

qui n’ont pas pu naître

ils tueraient leur père juste pour voir

la mer par la fenêtre

s’ils avaient droit de séjour

dans la maison de l’amour

ce que tu prends ne t’appartient

que le temps que tu tends ta main

mais donne ton âme à mes chiens et tu verras

ils te la rendront bien

si tu viens me voir un jour

dans la maison de l’amour

oh viens me voir un jour

dans la maison de l’amour

SweetBox~Cinderella

2009-11-18T22:14:00+01:00

Vous rappelez-vous de ce premier titre de Sweetbox? "Everything's gonna be allright", je l'ai recherché la dernière fois après avoir reconnu un air dans une autre chanson (je ne sais même plus laquelle).

Et mon ami Youtube m'a proposé d'autres titres de ce groupe et je suis carrément tombée sous le charme de "Cinderella".

Voici les paroles:

Cinderella are you really that happy
Cinderella are you really that lucky
I wanna know is your life like you dreamed

Here I am
Trying to find my way
I've kissed so many frogs but I've never found a prince
I think they lied
I was promised much more than this
Where's my happy-ever-after?

Cinderella is the queen of a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my happy end
Cinderella got a prince and a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my fairy-tale?

Something's wrong
'cause all my glass shoes break
And no one's ever helped this damsel in distress
To hell with this
I'm not gonna waste more time
I won't wait to find prince charming

Cinderella is the queen of a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my happy end
Cinderella got a prince and a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my fairy-tale?

Cinderella are you really that happy?
Cinderella are you really that lucky?
I wanna know is your life like you dreamed ?
Cinderella are you really that happy?
Cinderella are you really that lucky?
I wanna know is your life like you dreamed?

Here I am
Trying to find my way
I've kissed so many frogs but I've never found a prince
I think they lied
I was promised much more than this
Where's my happy-ever-after?

Cinderella is the queen of a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my happy end
Cinderella got a prince and a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my fairy-tale?

Cinderella is the queen of a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my happy end
Cinderella got a prince and a kingdom
Cinderella got the dream she was dreamin'
I wanna know where is my fairy-tale?

Dear Malika

2009-11-18T21:06:43+01:00

Ici le duo trio entre LL Cool J (miam) , Heike Therjung et Kathy Magestro ...

Paice, ashton & Lord

2009-11-18T19:55:00+01:00

Le Dvd d'un des meilleurs concert du groupe Paice, Ashton & Lord, un concert de 1977 intitulé "Live in London".

Avec bien sûr Ian Paice et Jon Lord accompagnant Tony Ashton. En extrait ici "malice in wonderland"

Le Sergent Poivre rejoue pour vous

2009-11-18T18:17:00+01:00

Il paraît que l'on doit être ou "Beatles" ou "Stones", moi je ne choisis pas, j'aime bien les deux. Les scarabées de Liverpool, qui n'étaient pas vraiment les gentils garçons que la pub de l'époque faisaient d'eux, restent un des groupes les plus créatifs de la Pop. J'aime beaucoup "Revolver" qui est juste avant, et également "Sergent Pepper", un concentré foutraque et joyeusement eclectique de tout ce que les "Beatles" aimaient en musique. Un jour, ils en ont marre de n'entendre plus que les filles et les boutonneux hurler dans les hauts parleurs des concerts et non leur musique, ils s'enferment dans un studio et ils inventent l'histoire de la fanfare un peu grotesque d'un certain Sergent Poivre...

Je ne suis pas sûr que c'était forcément mieux avant, mais c'était plus créatif.

Deep Purple Mk2

2009-11-18T18:15:00+01:00

En juillet 1969, Ian Gillan et Roger Glover intègrent le groupe. Ce sera la formation la plus célèbre du groupe Deep Purple, grace notament aux 4 albums : In Rock, Fireball, Machine Head et Who do we think we are. Quelques titres marquerons l'histoire du Mk2 : blacknight, speeking, highway star, fireball, smoke on the water...

A noter que parmis les innombrables concerts joués par le groupe, les concerts au Japon en aout 1972 restent les plus ancrés dans nos mémoire grâce à la sortie de l'album "Made in Japan" (album culte). Vous pourrez aussi apprécier le "live a Aachen" de 1970 en cd.

Une quantité assez importante de concerts bootlegs circulent entre fans, de qualités variables, mais on y trouve de vraies perles.

Le groupe Mk2 verra partir Ian Gillan et Roger Glover en juin 1973, en effet les relations tendues entre Ian Gillan et Ritchie Blackmore ne pouvaient pas durer plus longtemps...Mais...(à suivre).

Quelques vidéos :

Wring that neck - 1970

Black night - 1970

Strange kind of woman - 1973

Time After Time

2009-11-18T14:51:00+01:00

" Time after time
I tell myself that I’m
so lucky to be loving you ..."

La musique

2009-11-18T10:45:00+01:00

Merci Giulio.

La musique souvent me prend comme une mer!
Vers ma pâle étoile,
Sous un plafond de brume ou dans un vaste éther,
Je mets à la voile;

La poitrine en avant et les poumons gonflés
Comme de la toile
J'escalade le dos des flots amoncelés
Que la nuit me voile;

Je sens vibrer en moi toutes les passions
D'un vaisseau qui souffre;
Le bon vent, la tempête et ses convulsions

Sur l'immense gouffre
Me bercent. D'autres fois, calme plat, grand miroir
De mon désespoir!

- Charles Baudelaire -

Quel Album ?

2009-11-18T08:00:00+01:00

Le temps d'un album , des rappeurs se sont associés à des voix classiques , comment se nommait cet album ?

Warren G

...

Le titre auquel Frank fait référence est Prince Igor , duo entre le rappeur Warren G et la soprano Sissel Kyrkjebø , le titre de l'album lui est Rapsody , on y retrouve entre autre , LL Cool J , Redman , X Zibit , accompagnés par des chanteurs et cantatrices classiques qui chantent des airs classiques entrecoupant les paroles originales des artistes rap ...

HOMELIFE/GURU MAN HUBCAP LADY/2004

2009-11-18T05:06:00+01:00

Ce collectif mappemondial fondé en 1997 par le bassiste canadien Paddy Steer livre un quatrième album épicurien fantasque qui distraira les oreilles les plus inflexibles. Le nombre et la singularité y sont pour beaucoup. L'orphéon compte seize membres parmi lesquels se distinguent des personnalités à double fond ou si l'on veut à plusieurs bras. Graham Massey, transfuge de 808 State et compagnon des routes de Björk, souffle pour l'occasion dans divers instruments. Seaming To, cantatrice de renom en vacances d'opéra, a posé sa voix caressante perfide sur les mélodies bleu ciel de Simon King et Tony Burnside. Car c'est bien la couleur de cet étrange module. Magique gourou, Homelife chasse l'onguent gris de nos vies. Pour cette raison on ne se lasse jamais des douze titres vraiment variés qui tissent ce beau patchwork. Rien de pareil. Pas un style au-dessus de l'autre. Nous approchons ce que Brian Eno appelle la « culture des lisières ». Pop aérée, rythmes latins, ambiance soul-funk, jazz vocal, electronica groovy. Indiscernables frontières. Avec beaucoup de talent, Homelife vient d'abattre la dure cloison des genres. Vive la musique qui crépite ! Guy Darol

Homelife

Guru Man Hubcap Lady

Ninja Tune

CONSULTER

HOMELIFE

Le concept Blackvelvet

2009-11-18T04:39:00+01:00

Tout commence en 1861 au London's Brook's Club, le lendemain matin du décès du Prince Albert. Pour tempérer l'aspect festif du Champagne consommé tel quel et marquer le deuil, il a été décidé de le mélanger à une stout Irlandaise foncée. Ce deviendra le black velvet, un cocktail chic et sombre.
Bien plus tard ce breuvage deviendra la boisson préféré d'un académicien en exil dans la verte Eire.
Quelques années après, Blackvelvet est créé. Cette structure matricielle met a disposition de ses adeptes :

- Du son rare et de qualité, indépendant et alternatif : Indus, Dark Folk, New Wave, Punk... , intégralement mixé en vinyl, ce qui permet de conserver la pureté de son indispensable à l'appréciation des aigus et des graves, à l'inverse de la tendance appauvrissante du tout CD/MP3.

- Une esthétique : chic et sombre, luxe, exigence et volupté.

- Des évènements : soirées, performances, suivi de l'actualité musicale...

www.blackvelvet.fr

C'était le 18 novembre...

2009-11-18T00:29:39+01:00

1522.
Naissance à La Hamaide (Hainaut, Belgique), dans une vieille famille de l'aristocratie néerlandaise, de Lamoral, comte d'Egmont. Conseiller d'Etat de Flandre et d'Artois à partir de 1559, il s'opposa à l'Inquisition et à la domination espagnole aux Pays-Bas. Arrêté sur ordre du duc d'Albe, il fut condamné à la décapitation et exécuté à Bruxelles le 5 juin 1568. Son sort inspira à Goethe sa tragédie Egmont (1788), mise en musique par Beethoven (opus 84, 1810).

FLY PAN AM/N'ECOUTEZ PAS/2004

2009-11-17T05:58:00+01:00

Les quatre de Montréal ne font ni dans la dentelle ni dans le burlesque. Fly Pan Am joue des pieds de nez à Glenn Branca et Sonic Youth en débagoulant des sons torrentiels. N'écoutez pas, quatrième album au titre presque exact, fait entendre des vocalises qui se souviennent de Yoko Ono, dans sa période primal scream, et Boards of Canada gazouilleurs de comptines. A l'impression de pêle-mêle discordant succède l'agréable sensation de baigner à bonne température dans une musique neuve. Le quartet fondateur du label Constellation - qui compte Exhaust et les défunts Godspeed you black emperor ! - jure avec les refrains suaves qui font le succès des combos néo-pop. Salves de guitares extrêmes, boucles électroniques torsadées dans des riffs cuivrés créent un climat raw, archi-cru. Les compositions au format qui se moque des codes de l'industrie portent des noms d'objets perdus. « Le faux pas aimer vous souhaite d'être follement ami » est une allusion à André Breton, surtout à l'écriture automatique dont il fut l'ingénieur. Fly Pan Am est un avion à flèche variable dans le ciel bleu uni du rock bien sonnant. N'écoutez pas, manifeste post-surréaliste, met d'accord nostalgiques de la no wave et partisans de Stockhausen. Guy Darol

FLY PAN AM

N'écoutez pas

Constellation/Southern Records

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FLY PAN AM

Ciné-Concert

2009-11-17T00:16:02+01:00

Alors tout d'abord : désolée de pas vous avoir prévenus que je partais un peu :) Du coup blogounet légèrement délaissé (mais en même temps je réfléchis à ce que je veux en faire car un blog modesque ou cosméto, ça peut facilement grever un budget!!), un blog bon plan c'est sympa mais il y en a tellement que moi-même je ne sais plus où donner de la tête, mais bon chaque chose en son temps...

Le Concert... la bande-annonce m'avait sérieusement donné envie d'y aller mais alors ce film... WAOUH!!!! Je ne suis pas férue de musique classique ou de Tchaïkovski mais j'en ai eu le souffle littéralement coupé, avec des larmes au moment où la musique se fait le plus intense... Mais il faut dire qu'il y a aussi beaucoup d'humour dans ce film de Radu Mihaileanu (bon je vais pas m'étendre sur le monsieur, car j'ai beau aller au cinéma assez souvent, aimer les films, je n'arrive pas à m'en faire une culture et à me souvenir de tout ce beau petit monde!).

Bref on pourra retrouver dans le rôle de la violoniste solo Mélanie Laurent qui cartonne après Inglorious Basterds (film pour lequel mon avis est plus réservé...) et qui effectue une véritable performance, d'autant plus qu'elle n'est pas musicienne je crois. Rapide topo sur l'histoire? Un ancien chef d'orchestre russe licencié pour avoir défendu ses musiciens russes sous l'ère Brejnev entreprend, trente ans après, de partir faire un concert à Paris à la place de l'orchestre du Bolchoï, avec son ancien orchestre. Une revanche, une histoire cachée, des rebondissements à la pelle, fous rires et émotion. Allez-y, je n'ai rien d'autre à ajouter.

Un soir

2009-11-16T22:20:00+01:00

C'est un de ces soirs où, sans que l'on sache trop pourquoi, il semble faire plus sombre et plus froid. On n'a pourtant pas mal digéré, ni relu de vieilles lettres. On ne s'est pas regardé et trouvé vieilli dans le miroir. Rien n'est vraiment différent d'un autre soir de la semaine. Le téléphone a même sonné. Mais on ne sait pas pourquoi, une sorte de chape sinistre est là, pesante.

A la sortie des bureaux, il faisait beau ; Lyon glissait dans un soir d'hiver, un soir de lumières dorées sous un ciel d'un bleuté léger. Rien de cet entre-chien-et-loup qui oppresse, qui panique le malade qui, ayant dormi tout l'après-midi, se réveille d'un rêve poisseux, pour découvrir le jour enfui sous une pénombre de tombeau. Non. Ce soir a débuté comme tous les autres ; mais quelque chose ne va pas. Les murs ne sont plus blancs mais blafards. On lutte ; on allume toutes les lumières ; mais elles n'apportent ni vie, ni chaleur aux pièces qui semblent, soudain, vides. Les luminaires les plus jaunes sont ternis, cadavéreux.

On peut mettre de la musique. On choisit soigneusement les disques ; mais rien à faire : leur chère magie n'opère pas ; en fait, quelque volume qu'on choisisse, le son est à peine audible, englouti par le vide et le silence. Comme si quelque Horla terrifiait les musiciens et que ceux-ci n'osaient plus jouer qu'en sourdine.

On voudrait parler, mais les mots s'étranglent dans le même silence, et l'on ne trouve rien à se dire.

Comme il a beaucoup joué, le chat sommeille. On aimerait, maintenant, entendre ses miaulements, qui agaçaient tant il y a deux heures.

On mange un chocolat, on boit un verre de vin, ce qu'on peut pour se réchauffer le cœur. Mais l'heure tourne et c'est elle qui le glace. Il est déjà vingt-deux heures. L'ombre des soucis du lendemain matin s'étend déjà, affadissant encore la pâleur morne qui règne en étouffant despote.

Même sur Internet, les conversations s'éteignent, touchées par la même ombre.

Désoeuvrement mortifère. La poésie suffoque, elle dort de ce sommeil morbide, râle de cauchemars.

Nous sommes deux - et pourtant cette torpeur glacée a nom : solitude. Ce désert de sons, cette sécheresse de couleurs, je les reconnais. Ils m'étreignaient au crépuscule, dans mon appartement de célibataire. Rien ne brisait leur étreinte.

Musique : Te Deum de Marc-Antoine Charpentier, par Jean-Claude Malgoire. Ces éclats de trompette, ces fiers chœurs baroques sont aptes à lacérer le voile. Derrière lui, ils doivent rouvrir des horizons de nuits de décembre ruisselantes d'étoiles, de lumignons multicolores, de kaléidoscopes étincelants, sucrés comme un Noël d'enfant. On se prend à rêver de la chaleur d'un prêche de Nativité, de la joyeuse ferveur d'un chant traditionnel, ou bien moderne et rythmé, d'une communauté. De la douceur d'une table accueillante. Tout cela, c'est pour dans trente-huit jours.

Le disque enchaîne, ce n'est pas un hasard, sur une Messe de minuit, du même compositeur. De la même paix éclatante et joyeuse, des mêmes ors chaleureux. En cette nuit-là, nous nous plaisons à songer que les étoiles mêmes ont dansé.

Les murs sont plus jaunes et plus doux. Ils ont reçu une nouvelle petite tache de couleur. Nous parlons. Il est tard, mais l'ombre recule.

Charpentier deux. Peur zéro.

On ira tous, tous, tous !

2009-11-16T20:07:00+01:00

Melting Rock Festival

27 février 2010

Salle des fêtes de Biesme

Concours tremplin Jump For Music

Au programme :

Mad Radios

[ROCK]

La Fondation Phénix

[ROCK/POST-PUNK/ALTERNATIF]

The Barbiturates

[INDIE/POP/ROCK]

Albinoì

[ROCK FRANCAIS]

+ GUEST - GROUPE RECONNU DE LA SCÈNE FESTIVE (Bientôt dévoilé !)

Les bénéfices éventuels seront reversés à Amnesty International.

Sayuri Ishikawa

2009-11-16T19:53:00+01:00

Pourquoi je fonds en écoutant ça ?

Mystère... Et vous ?

La Rihla et le Ribab

2009-11-16T15:43:55+01:00

La Rihla et le Ribab

Dites, honnête homme
Quel sol mes pieds n’ont pas encore foulé ?
Tindouf, Tata, Tiznit, Agadir
Ou le grand marché des chevaux
Des plumes d’autruches
Et des chameaux à Goulimine ?
Raïs el-Haj Belaïd

Mokhtar Soussi auteur du "maasoul"(le miel des choses)

Les chants des troubadours du Souss conservent la mémoire de l’émigration. Le travailleur émigré, voyageur professionnel par excellence, est hanté par la nostalgie ; sa poésie est le cri de l’arbre sans racines. En quête de cette mémoire, nous avons suivi l’itinéraire de Mokhtar Soussi qui, jadis, sillonnait sa région natale à la recherche de vieux manuscrits. Surtout nous avons marché dans les pas du Raïs el Hâjj Belaïd, le poète sublime des vallées et des montagnes, l’Andam Adrar qui composa en 1936 l’un des plus vieux poèmes de tradition orale sur la migration vers le Nord.

Le defunt Hassan AGLAW et Raissa Kelly

À l’aube de l’indépendance, Mokhtar Soussi publie les quatre tomes d’À travers les Jazoula. Ce récit de voyage dans son pays natal, le Souss, s’inscrit dans la longue tradition littéraire de la Rihla, genre très prisé par les écrivains nomades arabes depuis le Voyage en Turquie d’Ibn Fadlane, en l’an 921, Ibn Joubaïr, le savant andalou (1114-1217) et surtout Ibn Battouta, type même du globe-trotter passé maître dans l’art de tenir un journal de route. Parti de Tanger un 13 juin 1325, Ibn Battouta alla jusqu’à la vallée de l’Indus et aux confins de la Russie et de la Chine.

Au cours de sa Rihla du Souss, Mokhtar Soussi consigne dans son carnet de voyage tout ce qu’il voyait :

"J’ai ouvert mes yeux sur les lieux, et mes oreilles sur ce qui se dit. J’ai décidé de visiter Tiznit, Agadir, puis Taroudant et les environs de ces trois villes du Souss."

Trois villes qu’il traversa souvent à dos de mulet, en quête d’anciens manuscrits. Le voyage comme pré - texte, Hâjj Belaïd, le vieux troubadour du Souss, qui errait dans tout le Sud avec son ribab, le savait aussi indispensable pour la poésie : il est la figure emblématique de Tiznit et du Souss. Pour rencontrer son fils, qui tient chaque soir Halqa aux pieds des remparts, nous avons quitté Taroudant et ses oliveraies pour rejoindre l’autre étoile du Sud, Tiznit, cette ville à dimension humaine où tout semble avoir été dessiné en miniature par un orfèvre de fibules berbères plutôt que par un architecte.

Raissa Kelly

À l’intérieur des remparts, la musique berbère scande, dans les échoppes, la vie quotidienne des cordonniers, des menuisiers, des coiffeurs, des commerçants, de tout un peuple de petites gens et de femmes voilées. Tableau insolite chez les photographes et les disquaires de la ville : l’affiche d’une jeune Française de dix-sept ans qui pose en chanteuse berbère et proclame, en prélude à l’un de ses « tubes » :
« Moi, Kelly, de père et de mère français, je suis tombée amoureuse de la chanson berbère ».

Au mois de mars, son passage fut une curiosité et son spectacle (elle était accompagnée du ribab du Raïs Aglaou) un franc succès. Une émigration en sens inverse, à la rencontre de l’autre rive et de l’autre vent.
Par un heureux hasard, le poète même de Tiznit, Ouakhzan Ben Mohamed Sahili, est venu vers nous. Au milieu des palmiers et des chants de coq, non loin de la fameuse source bleue, il nous tint tout un discours de ferveur dans la kasbah du soleil et nous traduisit séance tenante de longs poèmes sur l’émigration du Souss.
L’un des plus anciens poèmes sur l’émigration est la Qasida de Paris, composée en 1936 par Raïs Belaïd le sublime (décédé en 1945, il avait prévu dit-on le séisme d’Agadir). Parti en bateau pour la France, le Raïs fut accueilli à Paris par les Marocains de là-bas :

Certains sont partis en Tunisie,
D’autres à Saint-Étienne,
Et d’autres encore à Paris.
Celui qui émigre pour sauver les siens,
La loi religieuse ne le condamne point.

Il loue l’aide qu’ils apportent à leurs familles restées au pays et les sacrifices qu’ils consentent pour les leurs, allant même jusqu’à s’endetter :

J’ai erré dans le Souss, au pays hahî,
Et dans les hameaux les plus reculés,
Je peux en témoigner :
Même les cimetières,
Ce sont les émigrés de France,
Qui les ont aménagés.
Par leur argent,
Ils ont réparé les coupoles des marabouts.
Par leur argent,
Ils ont entretenu les mosquées.
Beaucoup d’endroits n’ont été sauvés,
Que grâce aux mandats qui viennent de Paris.

Haj Belaid avec son Ribab

Ces hommes qui partent travailler dans les mines et les usines laissent derrière eux, femmes, enfants, et tribu. C’est pourquoi le thème de la séparation revient comme une lancinante litanie chez la plupart des Raïs du Souss qui chantent l’émigration.
Dans le poème Je ne te pardonne pas Paris, feu le Raïs Mohamed Damsiri (décédé en novembre 1989) s’identifie aux femmes du Souss qui voit leur mari partir à l’étranger et compare l’avion qui l’emporte à un cercueil :

Je ne te pardonne pas, Paris
Je ne te pardonne pas, Nord
Je ne te pardonne pas, Belgique
Vous nous avez pris les nôtres.
Ô téléphone, réponds-moi !
Je n’ai pas besoin de cadeaux,
La présence du bien-aimé est plus précieuse.
Je ne te pardonne pas, avion
Semblable au cercueil,
Tu emportes sans retour.
Que Dieu bénisse les Chleuhs
Qui travaillent dans les mines et les usines.
J’implore Dieu de nous les faire revenir.
Car les blessures de la séparation,
Rendent notre langue muette.

Rais Bihti

Dans les campagnes du Souss il n’y a plus que des femmes, des vieillards et des enfants ; le Raïs Bihti, qui lui-même travaille chez Citroën (il est à trois années de retraite), vient pendant les vacances animer les soirées musicales dans le Souss. Militant du regroupement familial, il a bouleversé la communauté des immigrés, surtout à Aglou et aux environs de Tiznit, à telle enseigne que la plupart d’entre eux ont décidé d’emmener leurs épouses avec eux à l’étranger.
Il a, nous dit-on, ému jusqu’aux larmes la moitié des femmes d’Aglou, lors d’une soirée mémorable. Le Raïs Bihti les chante, les comparant métaphoriquement tantôt à une plante fragile qui réclame des soins, tantôt à la terre assoiffée ; il plaint les émigrés d’avoir failli à leur devoir conjugal :

Les biens de ce bas-monde,
M’ont perdu moi-même
Quand je joue du Ribab,
Mon esprit erre autour de la banque,
Et se demande combien d’argent, elle contient ?
Que peuvent pour nous qui partons, les poèmes ?
Nous avons laissé la terre couverte de fleurs,
Mais personne n’est resté pour les arroser.

Depuis lors, certains à Aglou ont choisi de faire venir leur famille en France, d’autres ont rejoint la leur au Maroc. En Occident « la figue de barbarie pourrit au bord des routes » chante Mohamed Damciri, pour qui l’exil est le symbole même de l’impureté :

Ô vent d’Est, ô vent d’Ouest,
Portez le salut à mes frères de l’étranger,
Ils vivent au pays perdu par les hyènes.
J’ai oublié Barbès et Pigalle.
Celui qui les visite restera impur,
Même s’il fait sa prière sur l’eau.

Rais Amerrakchi

Dans un autre poème le Raïs Bihti évoque une voiture qui vient le chercher :

Quand le chauffeur m’a dit :
« Viens ô Raïs, ton mois de congé est terminé ».
Ma gorge s’est nouée,
C’est souvent ce qui nous arrive, ô mes chers immigrés !

Lui en parle, parce que sa poésie s’impatiente, mais les autres préfèrent s’enfermer dans le silence à force d’absence.

Abdelkader MANA