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Buddy movie

2009-11-22T19:04:00+01:00

Le buddy movie (film de copains) a éxisté depuis bien longtemps. Il s'agit de mettre côte à côte deux hommes aux différences physiques et morales prononcées et de les lancer dans une histoire dans laquelle ils ont le même but. Ce peut-être un film comique ou policier qui sont les deux genres les plus utilisés dans ce domaine. Le buddy movie permet d'introduire de la comédie dans un film policier.

Les films de Stan Laurel et Oliver Hardydans les années 1920-1930 sont déja des buddy movie. De même Jack Lemmon et Walter Matthau ont aussi tourné dans des comédies de buddy movie comme "La grande combine" et "buddy buddy" de Billy Wilder" dans les années 1960. Mais le genre a été réellement exploité à Hollywood à partir des années 1980 dans le genre policier: le buddy movie cop. Cela permettant dans des films de plus en plus violents d'introduire des moments de répit par de la comédie de caractère, notamment avec des films comme "48 heures" de Walter Hill et sa suite "48 heures de plus" avec Nick Nolte et Eddy Murphy, "Midnight run" de Martin Brest avec Robert De Niro et Charles Grodin, un chasseur de prime taciturne ramène de New York à Los Angeles un comptable de la mafia hâbleur. "L'arme fatale" et ses trois suites avec Danny Glover et Mel Gibson, deux flics l'un suicidaire, l'autre à quelques jours de la retraite. "Randonnée pour un tueur" de Roger Spottiswoode avec Sydney Poitier et Tom Berenger, un flic et un montagnard traquent un tueur dans les massifs de la frontière avec le Canada. "Double détente" de Walter Hill avec Arnold Schwarzenegger et James Belushi, oppose les méthodes d'un flic venu d'URSS et un flic californien. "Tango & Cash" de Andrei Konchalowski avec Sylvester Stallone et Kurt Russell, deux flics rivaux à propos de leur efficacité et de leurs résultats doivent s'unir pour lutter contre un baron de la drogue. "Le dernier samaritain" avec Bruce Willis et Damon Wayans allie un ex des services secrets alcoolique et un sportif de haut niveau ainsi que "Ennemi d 'Etat" avec Gene Hackman et Will Smith,qui rasemble un homme traqué grâce à la technologie et un homme spécialiste de ces technologies de surveillance qui vit reclus. ces deux films sont de Tony Scott. Premier buddy movie hors blackxploitation avec deux acteurs noirs: "Bad boys" de Michael Bay et sa suite avec Martin Lawrence et Will Smith, qui ne pouvant pas jouer sur la différence de couleur de peau et les codes racistes ou non, ne joue que sur la gouaille de l'un et la réserve de l'autre. "Une journée en enfer" de John MacTiernan avec Bruce Willis et Samuel L. Jackson, qui allie un flic et un chauffeur de taxi."Aurevoir à jamais" de Renny Harlin avec Geena Davis dans un rôle très masculin et Samuel L. Jackson, réunit une ex-agent des services secrets amnésique et un détective privé un peu à la ramasse. "L'île aux pirates" avec Geena Davis et Matthew Modine, buddy movie qui investit le film de pirates."Rush hour" et ses deux suites avec Jackie Chan et Chris Tucker deux flics l'un venu de Chine l'autre noir américain premier buddy movie avec deux têtes d'affiches de race différente sans qu'un seul des deux ne soit blanc...

Certains buddy movies peuvent être 100% féminin comme "Thelma et Louise" de Ridley Scott avec Susan Sarandon et Geena Davis. D'autres sont moitié humain, moitié animal comme "Chien de flic" de Rod Daniel avec James Belushi ou bien moitié dessin animé et moitié humain comme "Qui veut la peau de Roger Rabbit?" de Robert Zemeckis avec Bob Hoskins.

Le plus mauvais des buddy movie cop est certainement "La loi et l'ordre" de Jon Avnet avec Al Pacino et Robert de Niro. Tout y tombe à plat humour et suspense.

En Italie des films comme "Le fanfaron" avec Vittorio Gassman et Jean-Louis Trintignant, "La marche sur Rome" avec Vittorio Gassman et Ugo Tognazzi mais aussi dans le western italien dont Sergio Leone s'est fait une spécialité: "Et pour quelques dollars de plus", avec Clint Eastwood et Lee Van Cleef, "Le bon, la brute et le truand" avec Clint Eastwood, Elli Wallach et Lee Van Cleef dans lequel il introduit un trio et non un duo "Il était une fois dans l'ouest" avec Charles Bronson et Jason Robards, et "Il était une fois la révolution" avec James Coburn et Rod Steiger.

En France les buddy movie célèbres sont: "Le corniaud" et "La grande vadrouille" avec Louis de Funès et André Bourvil ainsi que "La folie des grandeurs" avec Louis de Funès et Yves Montand, "Le cerveau" avec Jean-Paul Belmondo et André Bourvil tous quatre sont des films de Gérard Oury qui en a fait bien d'autres mais bien moins réussis. Un autre spécialiste français du Buddy movie est Francis Veber notamment avec sa trilogie avec Pierre Richard et Gérard Depardieu: "La chèvre", "Les compères", "Les fugitifs". Mais aussi "Le dîner de cons" avec Thierry Lhermitte et Jacques Villeret. Edouard Molinaro a réalisé sur un scénario de Francis Veber "L'emmerdeur" avec Lino Ventura et Jacques Brel.

Lino Ventura a participé a d'autres buddy movie par exemple "Adieu poulet" de Pierre Granier-Deferre avec Patrick Dewaere, "Les aventuriers" de Robert Enrico avec Alain Delon et "Le ruffian" de José Giovanni avec Bernard Giraudeau.

Claude Zidi s'y est aussi essayé en réalisant "Les ripoux" et ses deux suites avec Philippe Noiret et Thierry Lhermitte.

A noter aussi que Jean-Paul Belmondo a participé à quelques buddy movie: "Un singe en hiver" de Henri Verneuil avec Jean Gabin, "Borsalino" de Jacques Deray avec Alain Delon où ils jouent Capella et Siffredi (en fait Carbone et Spirito) de célèbres truands marseillais qui ont défrayé la chronique dans les années 1930 et le très raté "1 chance sur 2" de Patrice Leconte avec le même et aussi Vanessa Paradis en mal de pères dans le film. Patrice Leconte s'était déja éssayé au buddie movie cop avec "Les spécialistes" dont les rôles sont tenus par Bernard Giraudeau et Gérard Lanvin. Film dans lequel un flic et un truand cassent un casino pour faire tomber un grand ponte de la mafia de la côte d'Azur.

DANS LA PEAU DE JOHN MALKOVICH (1999)

2009-11-21T10:25:00+01:00

Film de Spike Jonze

Titre original: Being John Malkovich

USA, Genre: Comédie

Avec: John Cusack, Cameron Diaz, Catherine Keener, John Malkovich, Orson Bean, Mary Kaye Place...

Musique: Carter Burwell

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: New York années 2000, Craig Schwartz, un marionnettiste, éxerce ses talents dans la rue faute de théâtre. Sous les conseils de sa compagne Lotte il décide de se trouver un job. Il en trouve un comme archiviste dans une société située au 7ième 1/2 étage. Un jour par mégarde il fait tomber un dossier derrière une armoire. Il déplace l'armoire et découvre une porte et un passage. Il l'emprunte, puis se trouve aspiré pour finir dans la tête de l'acteur John Malkovich. Il en est éjecté au bout d'un quart d'heure sur le bord d'une autoroute du New Jersey. Il fait part de cette découverte à sa collègue Maxine dont il est amoureux. Elle décide de vendre les entrées dans la tête de john Malkovich.Il en parle aussi à Lotte qui tient à entrer dans la tête de Malkovich. Elle rencontre Maxine et en tombe amoureuse. Maxine et Lotte ont des relations amoureuses quand Lotte est dans la tête de John Malkovich au grand malheur de Craig...

CRITIQUE: Voici une comédie tout à fait originale et loufoque. Basée sur un fait hautement improbable: une personne entre dans la tête d'une autre personne et ressent ce qu'il vit. L'auteur Charlie Kaufman tient son sujet de bout en bout sans faillir. C'est marrant du début à la fin. Spike Jonze issu du video clip, pour son premier film, sert le scénario par une réalisation débridée. Il met un peu de noirceur dans sa photographie ce qui est détonnant dans une comédie. Ce film est une mise en abîmes du théâtre de marionnettes poussé au paroxysme et au surréalisme. Chaque personnage a une belle épaisseur. John Cusack fait des prouesses avec son jeu. John Malkovich s'amuse comme un petit fou. Cameron Diaz est dans son meilleur rôle Un film épatant. La musique de Carter Burwell à l'économie de notes et d'orchestrations est sensationnelle.

La scène d'anthologie: John Malkovich suit la filière de vente des entrées pour aller dans sa tête. Il emprunte le passage et tombe dans un monde parallèle où tout humain est un John Malkovich.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Le film est acclamé au festival du cinéma Américain de Deauville et repart avec le prix de la critique et du cinéma indépendant.

Films de Spike Jonze déja commentés:

L'INCROYABLE DESTIN DE HAROLD CRICK (2006)

2009-11-20T00:33:00+01:00

Film de Marc Forster

Titre original: Stranger than fiction

USA, Genre: Comédie

Avec: Will Ferrell, Dustin Hoffman, Maggie Gyllenhaal, Emma Thompson, Queen Latifah...

Musique: Britt Daniel & Brian Reitzell

SYNOPSIS: Harold Crick est un employé du fisc célibataire et une vie réglée sur les habitudes et les manies. Mais un jour il s'aperçoit qu'une personne commente ce qu'il fait. Cela le perturbe un peu. de plus il fait un control fiscal à Ana Pascal une jeune femme qui tient une pâtisserie et ne paye que 78% de ses impôts refusant de subventionner l'armée avec les 22% restants. Un jour il entend la voix dire que prochainement il mourrait. Cela révolte Harold et il décide de consulter un universitaire, Jules Hilbert spécialiste de littérature contemporaine. Harold et Jules Hilbert cherchent à savoir qui est derrière la voix. Karen Eiffel est la romancière en mal de la page blanche sur la fin de son roman qui narre la vie de Harold Crick. Son éditeur lui a fourni une personne pour l'aider à accoucher dans les délais du contrat, des derniers paragraphes du roman. Pendant ce temps le contrôle fiscal se poursuit mais Harold et Ana sont très attirés l'un par l'autre. Enfin Harold Crick parvient à savoir qui est l'auteur de sa vie en voyant une émission de télévision avec Karen Eiffel et en reconnaissnt sa voix. Il la rencontre pour lui demander de bien vouloir reconsidérer la fin de son roman. Celle-ci refuse et lui donne un tapuscrit du roman. Harold le transmet à Jules Hilbert qui après l'avoir lu lui dit que ce livre est son chef d'oeuvre et qu'il ne faut surtout pas changer la fin car cela ruinerait sa qualité et son intérêt. Karen finalement prise de remords revoit le final du roman et laisse la vie sauve à Harold.

CRITIQUE: Dans la veine des comédies subtiles comme "Un jour sans fin" ou "Dans la peau de John Malkovich" ce film est une belle comédie sans une once de vulgarité ce qui est rare de nos temps. Will Ferrer jusqu'à présent cantonné dans des comédies pour étudiants et très vulgaires, surprend et trouve là son meilleur rôle. Emma Thompson en auteur torturée est merveilleuse, tout comme Maggie Gyllenhaal. Dustin Hoffman égal à lui-même: parfait. Seule Queen Latifah est un peu desservie par son rôle de faire valoir d'Emma Thompson.

La scène d'anthologie: Le premier face-à-face entre Ana et Harold, où rien ne passe sur le plan de la communication. Désopilant.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Beau succès aux USA, beaucoup plus relatif en France.

Films de Marc Forster déja commentés:

"Quantum of solace"

Contes de l'âge d'or

2009-11-10T14:27:00+01:00

(Hanno Höfer, Razvan Marculescu, Cristian Mungiu, Constantin Popescu et Ioana Uricaru / Roumanie - France / 2009)

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L'âge d'or de la Roumanie : ainsi était qualifiée par la propagande de Ceaucescu la traversée des années 80. Les réalisateurs de cet ouvrage collectif retournent ironiquement l'expression pour traiter une poignée d'histoires tragi-comiques inspirées des "légendes" de l'époque. Contes de l'âge d'or (Amintiri din epoca de aur) prend la forme d'un film à sketchs dont le nombre semble varier d'une copie à l'autre. Celle présentée au festival de Pessac en contenait quatre, celle du dernier festival de Cannes, cinq, et une version intégrale devrait apparemment en compter six. Aucun de ces segments n'est "signé", l'ensemble du projet étant coordonné par l'auteur de 4 mois, 3 semaines et 2 jours, Cristian Mungiu (crédité comme co-réalisateur, scénariste et co-producteur).

L'ensemble est plutôt cohérent, tant sur la forme que sur le fond, ce qui tendrait à confirmer l'hypothèse d'un travail réellement "collégial". Le principe même du film à sketchs ne peut cependant que pousser à hiérarchiser les différents épisodes. Les deux segments centraux, "La légende du policier avide" et "La légende de l'activiste zélé", sont les moins percutants du lot. Ils se traînent légèrement en longueur et malgré quelques bons moments comiques donnent à voir une peinture un peu trop bon enfant, notamment à travers les regards périphériques portés respectivement sur deux gamins farceurs et sur les braves paysans d'une petite bourgade isolée. Leur relative faiblesse tient aussi au fait que ces fables distillent une certaine morale en faisant subir aux personnages principaux une petite leçon d'humanité ou simplement de bon sens.

"La légende du photographe officiel" est l'épisode le plus concis et le plus drôle en même temps que le plus noir. Décrivant les débats entamés autour du trucage d'une photographie de Ceaucescu accueillant le Président Giscard d'Estaing et la gaffe qui en découle, les réalisateurs s'attaquent férocement à la bureaucratie et ses absurdités, à la pression de la hiérarchie et à la peur qu'elle fait naître. Contrairement aux deux segments pré-cités, celui-ci ne se termine pas de façon rassurante. Le récit est parfaitement rythmé et l'organisation de l'espace y est particulièrement claire, traduisant dans les allées et venues des personnages entre les bureaux et le laboratoire photo l'oppression du système. L'économie des moyens n'empêche pas la précision, ce qui rappelle la réussite, dans un registre très proche, du 12h08 à l'est de Bucarestde Corneliu Porumboiu.

Pour continuer dans l'établissement de passerelles, le quatrième volet, "La légende de la visite officielle" (je n'ai plus le titre exact en tête) se rapproche plutôt du California dreamin'de Cristian Nemescu. C'est ici que se déploient le mieux les mini-intrigues adjacentes semées dans les premières minutes. On y retrouve un certain plaisir de l'écoulement du temps, une dérive inattendue vers une soirée festive, alcoolisée et libre. Une belle proximité est établie avec les personnages, y compris les plus secondaires. Le récit se termine sur un gag métaphorique et irrésistible.

Ces Contes de l'âge d'ors'inscrivent donc dans la veine classique d'un cinéma roumain mordant, jouant sur l'humour noir pour traiter des périodes difficiles. Si l'ensemble ne se hisse pas à la même hauteur que les coups d'éclats constatés ces quatre ou cinq dernières années, il reste tout à fait recommandable.

(Présenté en avant-première au Festival du Film d'Histoire de Pessac, sortie française le 30 décembre 2009)

Le Vilain : un Dupontel tordant, qui va de vilainies en cynisme aguerri

2009-11-10T13:43:00+01:00

Hier soir, l'homme et moi somme allés à l'avant-première du Vilain (merci Azzed), le nouveau film réalisé par Albert Dupontel avec Dupontel himself en vilain garçon et Catherine Frot en vieille (et brave) dame maudite pour avoir enfanté un fils capable de telles vilainies.

Et bien figurez-vous que l'homme et moi avons adoré, le film... et l'homme (Dupontel, venu nous répondre à quelques questions juste après la séance).

Alors pourquoi s'acoquiner avec Le Vilain (au cinéma à partir du 25 novembre) ?

- Tout d'abord parce qu'on aime ce côté sale gosse poussé à l'extrême et surtout, joué à merveille par Dupontel. Même si Albert nous a confié que la tache n'était pas simple de se déconnecté de l'univers "Bernie" qui a fait sa renommée et de ne pas retomber dans le même schéma, il relève parfaitement le challenge : on y retrouve bien sûr ce lien unique et parfois dévastateur qui lie parent et enfant; on y retrouve aussi le côté huit clos avec un nombre très restreint de personnages et de décors; on y retrouve enfin un animal (pas un canari cette fois-ci mais une tortue) potache qui nous fait rire aux larmes (mais je ne vous en dis pas plus).

- Ensuite, parce que Catherine Frot y est étonnante en vieille dame. Le rôle, nous dit Dupontel, il ne l'avait pas intentionellement écrit pour elle. Et pourtant, alors qu'il se trouve enlisé dans une scène aussi drôle que farfelue, il ne trouva d'issue qu'en imaginant ces (d)étonnantes paroles dans la bouche de Catherine. Son accent et son caractère si particulier agrémentant le tout d'un brin de folie que seule elle pouvait instiller de la sorte. Et ça tombe bien, car, Catherine, je suis fan (voyez notamment "Le crime est notre affaire" avec elle et Dussolier dont je ne me lasse pas) !

- Enfin, car Nicolas Marié en Doc Williams détruit par ce Vilain garçon qui lui avait volé ses ordonnances, les avait utilisées à mauvais escient pour ensuite le laisser s'embourber dans une réputation accablante, est à se tordre de rire. Un acteur qui ce serait aussi (toujours selon M. Dupontel) laisser aller à quelques improvisations particulièrement mordantes (et surtout tordantes) notamment le retrait d'une balle dans... le mur de la chambre du Vilain et non plus dans son épaule (mais il faut le voir pour comprendre).

Sans oublier pour tout le reste :

- les autres acteurs du casting, du promoteur immobilier verreux à la prof d'Espagnole déchue après avoir été victime d'une réputation peu glorieuse (toujours ce Vilain!) et soucieuse d'assouvir sa vengeance en passant par Pénélope, la tortue rancunière (mais au bout d'un moment, le Vilain se "méfie un petit peu")

- Et bien sûr, Albert Dupontel qui, même s'il rêve en secret de filmer des batailles napoléoniennes sanglantes, nous livre ici un film qui vous embrigade dans un humour mêlé de potacherie et de cynisme dont seul lui, pouvait être à l'origine.

Ai-je vraiment besoin de conclure en vous disant que je vous le recommande ?

Pour voir la bande annonce, c'est là :

StudioCanal Distribution - Le nouveau film d´Albert Dupontel

BlogBang : Actu, Vidéos, Buzz

Ndlb : crédit photo - StudioCanal

Ndlb : pour plus de ciné, bouquin, bd, expo, c'est là.

LES MARIES DE L'AN II (1971)

2009-11-07T10:18:00+01:00

Film de Jean-Paul Rappeneau

France, Genre: comédie

Avec: Jean-Paul Belmondo, Marlène Jobert, Michel Auclair, Sami Frey, Laura Antonelli, Pierre Brasseur, Julien Guiomar, Patrick Préjean, Georges Beller, Mario David, Charles Denner...

Musique: Michel Legrand

SYNOPSIS: 1793, Nicolas Philibert ne peut épouser sa femme dans les Amériques, car il n'est pas divorcé. Il doit retourner en France afin de demander le divorce, chose possible depuis les débuts de la révolution. Nicolas Philibert débarque à Nantes en l'an II de la révolution alors que le régime de terreur et les guerres chouanes battent son plein. Nicolas est pis dans la tourmente des évènements Tout d'abord emprisonné puis, héros révolutionnaire puis de nouveau pourchassé, il n'a que temps de fuir et de se retrouver chez les royalistes où il retrouve Charlotte sa femme qui vit avec un jeune aristocrate chouan Henri de Guérande. Nicolas Philibert assiste à l'arrivée du Prince qui soutient la chouannerie. Charlotte dont une sorcière lui a prédit qu'elle épouserait un prince, quitte son marquis de Guérande et s'enfuit vers la Prusse avec le Prince, poursuivie par Nicolas Philibert. Or la France est en guerre sur ses frontières contre une coalition internationale royaliste. Nicolas Philibert finit par enlever Charlotte et s'illustre bravement aux diverses batailles de la République puis du Directoire et enfin de l'Empire et devient Maréchal d'Empire et Prince. La prédiction de la sorcière sera accomplie. Charlotte et Nicolas en dépit des disputes resteront ensemble.

CRITIQUE: Jean-Paul Rappeneau est le maître de la comédie virevoltante. Pour ce deuxième film après "La vie de château", le réalisateur s'est jeté dans un sujet ambitieux: Un film en costumes, avec des centaines de figurants. Et tout cela dans une légèreté permanente. La caméra ne cesse de bouger, les plans sont millimétrés et chorégraphiés avec une précision maniaque. Pour appuyer ce parti pris Marlène Jobert et Jean-Paul Belmondo virevoltent et toute la distribution suit la cadence. Cette comédie éffrénée est superbement musicalisée par Michel Legrand qui reprend à son compte une musique d'inspiration baroque (au début du film) et moderne (vers la fin du film). Jean-Paul Rappeneau fait passer la comédie d'une époque à l'autre (la France voit changer son régime, ses moeurs et son économie) avec une grâce infinie.

Les scènes d'anthologie:

La scène de bal désuète d'une société déliquescente dans une ferme chouane durant laquelle Nicolas et Charlotte se retrouvent.
La scène de poursuite de carrosses au milieu d'un champs de bataille.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Le tournage du film a été un cauchemar. Pour des raisons financières il s'est tourné en Roumanie où les techniciens et logisticiens n'avaient pas la même notion du temps. Et Jean-Paul Rappeneau qui tenait à tous ses plans les a tous tournés malgré les demandes de Gaumont d'abréger et d'éliminer certaines scènes.Total le tournage a duré 9 semaines supplémentaires. De plus entre les deux têtes d'affiche du film Jean-Paul Belmondo et Marlène Jobert l'entente n'était pas au rendez-vous.

LE FLIC DE BEVERLY HILLS (1984)

2009-11-05T14:07:00+01:00

Film de Martin Brest

Titre original: Beverly Hills cop

USA, Genre: Policier, comédie

Avec: Eddy Murphy, Judge Reinhold, John Ashton, Ronny Cox, Steven Berkoff, James Russo, Lisa Eilbacher, Stephen Elliott...

Musique: Harold Faltermeyer

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Etats-Unis, ville de Détroit dans les années 1980, le détective Axel Foley voit Mickey Tandino, un ami d'enfance débarquer. . Il vient de Los Angeles et lui annonce qu'il bosse comme gardien d'un entrepôt de Victor Maitland, un homme à la réputation douteuse. Mais le jour même il est assassiné. Le supérieur de Foley lui interdit de mener l'enquète et l'oblige à prendre des vacances. Il en profite donc pour retourner à L.A. et remonter la piste Maitland. La police de L.A. ne l'entend pas de cette oreille et il est suivi en permanence par deux flics. Axel Foley doit redoubler d'ingénuité pour semer la police de L.A. et mener à bien son enquête. Il sera en partie aidé d'une galeriste elle aussi amie d'Axel et employée de Maitland. Axel Foley met le nez dans un trafic de drogue...

CRITIQUE: Martin Brest est un réalisateur qui se fait rare et se trompe parfois autant dire que ses bons films sont à souligner. Même si ce film n'a pas la tenue de "Midnight run" son film suivant, "Le flic de Beverly Hills" est un film phénomène qui confirme Eddy Murphy au rang de star à Hollywood deux ans après "48 heures" son premier film. Et il y a de quoi le scénario est malin même si l'enquête est traitée un peu par-dessus la jambe. Martin Brest s'est plus intéressé à la comédie qu'à l'intrigue. Que la confrontation de son héros ait lieu avec un flic ou un malfrat l'action se base sur le potentiel comique et grande gueule de l'acteur principal. Et cet aspect là est vraiment réussi. Le casting autour d'Eddy Murphy est remarquable: chacun tire son épingle du jeu. Sinon le film est très marqué années '80 notamment par sa musique au synthétiseur. L'air y est entêtant mais à la fin du film agace un peu. Ne parlons pas des costumes et coiffures cauchemardesques. Mais l'essentiel est qu'on s'y amuse énormément!

La scène d'anthologie: Axel Foley débarque dans un club très privé dans lequel se restaure Victor Maitland. Bien entendu il y sèmera une zizanie qui remontera jusqu'à la direction du Los Angeles Police Department.

NOTE: 13/20

L'anecdote: Le film aura deux suites "Le flic de Beverly Hills 2" de Tony Scott et "Le flic de Beverly Hills 3" de John Landis. L'un et l'autre en deçà du modèle. Un quatrième opus est en préproduction à ce jour pour 2012.

Film de Martin Brest déja commentés:

Pologne - 23 octobre 2008

2009-11-04T01:14:00+01:00

En Pologne, on enlevait des enfants pendant la deuxième Guerre Mondiale, explique Nancy Huston lors de la rencontre organisés par l’Institut franco-japonais de Tokyo. On faisait la même chose en Ukraine et dans les pays baltes. Une génération volée, comme les aborigènes d’Australie. Elle pleure sur ces enfants, qui par l’histoire ont dû se construire plusieurs identités. Plus tôt dans la rencontre, elle a dit « je crois qu’on est multiple ». Elle parle de comédie, mais ses romans, d’après ce que j’en entends, me semblent relever plutôt du mauvais drame, par excès de sentiment. Maintenant, Nancy parle d’une amie chanteuse, et travail de la voix. « Son chant m’accompagne », elle dit ça sans humour, elle est ridicule.

Son ridicule tient à ce qu’elle croit au symbolisme qu’elle propose. On donne du sens, on cherche du sens – dit-elle – c’est une caractéristique humaine. Peut-être. Et l’humour – celui que déploie Gombrowicz, et d’autres – consiste à rire du sens qu’on projette partout ; conséquence, à ne pas croire absolument au sens qu’on projette sur les choses. A ne pas trop compter sur l’émotion ; puis à n’aimer pas trop l’enfance. Elle parle de sa première rencontre avec l’école primaire. Son mari, lorsqu’elle l’a rencontré, avait un enfant, qu’elle devait chercher à l’école. A vingt-cinq ans, Nancy Huston raconte qu’elle était tout effrayée par l’école primaire, les couleurs, les images, et l’activité grouillante. Puis, dit-elle, heureusement, elle a vu la beauté de cet homme qui s’occupait de son enfant. « Quittant ses certitudes d’adulte », elle a redécouvert la beauté de l’enfance. Que n’a-t-elle relu Ferdydurke, ou La Vie est ailleurs ? Elle aurait fui cet homme cucul, serait devenue bien meilleur écrivain. Mais voici qu’on fait des jeux de mots sur le titre du livre : en ajoutant « m », à failles, Lignes de faille devient « lignes de famille ». Nancy n’est pas contre, elle dit « line », en anglais, peut signifier ligne et lignée. Puis elle parle déterminisme. Elle ajoute, inconscient, psychanalyse, déterminisme, et je me dis, cette femme, cette ancienne féministe, a-t-elle finalement cessé de croire à la liberté ?

Mais pour y croire – sous sa forme polonaise, comique, peut-être faut-il aussi croire en Dieu ? Peut-être y a-t-il un comique spécifiquement catholique, italien, polonais, qui repose à la fois sur la possibilité du pardon et sur la liberté que donne la foi – libération des déterminismes à la fois psychologiques et familiaux. Mais Nancy Huston y croit-elle ? Et ne croyant pas à la liberté, ni la tragédie, ni cette comédie supérieure ne lui sont accessibles, uniquement le drame, ou la farce. Et c’est pourquoi je la trouve ridicule, et triste, et facile.

Poser l’enfance comme moment du vrai – poser l’émotion comme critère du juste – poser l’émotion comme critère du juste – errements dont je crois qu’elle est coupable, et contre lesquels préviennent Gombrowicz et Kundera. Polonais, Tchèque, partageant presque la même langue. Et quand j’entends cette femme, je repense à Kundera narrant avec humour les décalages de réactions qu’il a pu noter à Paris. Nancy dit maintenant que les écrivains lisaient trop de philosophie, qu’on oublie l’enfance, et qu’il faut d’abord observer comment se fait le soi. Comme si, vraiment, l’enfance était plus vraie, plus juste et plus déterminante que la religion, que l’âge adulte, et que les décisions conscientes. Comme s’il fallait juger les gens sur leur enfance.

Elle incarne en somme un esprit de sérieux parisien, terriblement bien-pensant, consensuel, conformiste, et dont l’intelligence inquiète engendre, au final, un chapelet monotone de banalités bêtes.

J'adore Huckabees

2009-11-03T22:00:00+01:00

Avec: Jason Schwartzman, Mark Wahlberg

Réalisateur: David O. Russell (EU)

Année: 2005

Comédie. Ovni américain compilant une sacrée brochette d’acteurs : Dustin Hoffman, Jude Law, Isabelle Huppert (si, si, elle s’est égarée), Naomi Watts… Sinon, pour le sujet… euh, il s’agit de deux « détectives existentiels » embauché par un pauvre paumé et puis… et puis j’ai lâché au bout d’une heure, accablée par un mal de crâne carabiné. J’espérais un petit film décalé et rigolo (type « Human Nature » ou « Eternal sunshine of the spotless mind »), mais non, décalé, certes, mais surtout pédant, idiot, incompréhensible, inintéressant. Pour info je n’ai pas été la seule à quitter la salle déjà peu remplie, non mais !

Note: 0/10

MICMACS A TIRE-LARIGOT (2009)

2009-11-03T18:23:51+01:00

Film de Jean-Pierre Jeunet

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Dany Boon, Nicolas Marié, André Dussollier, Jean-Pierre Marielle, Yolande Moreau, Dominique Pinon, Omar Sy, Julie Ferrier, Michel Cremades, Marie-Julie Baup...

Musique: Raphaël Beau

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Paris années 2000, Bazil, jeune cinéphile loueur de vidéos, reçoit par malchance une balle dans la tête. Il en réchappe. A sa sortie de l'hôpital il se retrouve sans travail et se clochardise. Il est recueilli par Placard qui vit avec une famille recomposée de chiffonniers. Chacun a sa spécialité. Un jour Bazil passe devant deux fabriques d'armement dont il reconnaît le sigle identique à celui de la douille de la balle qui l'a atteint, pour l'une et celui de la mine qui a tuée son père pour l'autre. En lui germe l'idée de se venger de ces deux firmes concurrentes qui sèment la mort. Grâce aux spécialités de chacun des chiffonniers il déclenchera une guerre entre ces deux concurrents...

CRITIQUE: Voici une comédie jubilatoire et naïve. Jubilatoire parce que Jean-Pierre Jeunetfait appel à sa loufoquerie scénaristique, et à une pléiade d'acteurs qui s'amusent à nous amuser. Naïve parceque le message bien que salutaire: les marchands d'armes ça ne devrait pas éxister! ne peut en ce bas monde faire loi. Passons donc sur cet aspect et délectons nous de cette comédie bien fichue et admirablement mise en scène. La musique de Raphaël Beau épouse le propos. Savourons le plaisir de voir Dominique Pinon dans le rôle d'homme canon en mal de notoriété, Julie Ferrier en contorsionniste qui passe partie de son temps dans les réfrigérateurs, Michel Cremades en créateur d'objets animés non dénués de poésie, Urbain Cancelier en vigile benêt et André Dussollier en marchand d'armes coincé collectionneur de morceaux de corps de célébrités. Dany Boon interprète peut-être le personnage le moins caractéristique, mais le charisme de l'acteur permet au spectateur d'adhérer à son personnage. Nicolas Marié qui tourne beaucoup pour la télévision est très bon en concurrent acariâtre du marchand d'armes situé en vis-à-vis.

La scène d'anthologie: La machination ingénieuse pour endormir le vigile du domicile de François Marconi afin de lui dérober sa collection de belles voitures et les remplacer par quatre carcasses de bagnoles.

NOTE: 16/20

L'anecdote: Raphaël Beau signe sa première bande originale. A suivre...

Films de Jean-Pierre Jeunet déja commentés:

"Le fabuleux destin d'Amélie Poulain"

GENDARMES ET VOLEURS (1951)

2009-11-02T09:08:00+01:00

Film de Steno et Mario Monicelli

Titre original: Guardie e ladri

ITALIE, Genre: Comédie à l'italienne

Avec: Totò, Aldo Fabrizi, Pina Piovani, Carlo Delle Piane, Rossana Podestà, Ave Ninchi, William Tubbs, Mario Castellani, Armando Guarnieri...

Musique: Alessandro Cicognini

SYNOPSIS: Rome début des années 1950, l'Italie a du mal à se remettre des ravages de la guerre et les pauvres tâchent de survivre. C'est le cas de Ferdinando Esposito qui vend de fausses pièces antiques aux touristes américains. Mais un jour où il se rend à une distribution caritative, il est reconnu par un américain et poursuivi. Malgré une fuite en taxi puis à pied dans les faubourgs de Rome, épuisé Ferdinando se rend au policier Bottoni. Le temps de faire venir un véhicule, Ferdinando s'échappe par les toilettes d'une auberge. Bottoni est menacé par son commissaire d'être viré s'il ne retrouve pas dans les 30 jours le voleur. Par chance Ferdinando est déja fiché. Bottoni se rend à l'adresse et attend Ferdinando. Mais celui-ci vit très peu dans son foyer, n'ayant rien à y apporter. Bottoni décide donc de se rapprocher de sa famille et de faire en sorte que leurs enfants deviennent amis. Puis avec sa femme il invite la famille Esposito à manger à la maison. Quelques temps plus tard après une rencontre avortée entre Bottoni et Ferdinando chez un barbier, c'est madame Esposito qui mettant les petits plats dans les grands invite la famille Bottoni. Ferdinando refusant d'apparaître à ce repas dont il n'était pas à l'origine s'apprète à partir mais dans la cage d'escalier il tombe nez-à-nez sur le policier Bottoni. Se sachant perdu, il consent à prendre un dernier repas dans son foyer avant d'aller en prison. Le repas terminé Bottoni qui compréhensif et pris de pitié a beaucoup de mal à emmener Ferdinando au poste. C'est ce dernier qui le force pour le bien de sa carrière.

CRITIQUE: Comédie à l'italienne comme je les aime. Sur un fond de réalité sociale difficile un scénario roublard qui prend fait et cause pour les faibles, avec un arrière goût bien amer sur la capacité du pays à sortir l'Italie du marasme économique et social dans laquelle elle est engluée. On rit beaucoup grâce aux interprétations magnifiques de Aldo Fabrizi et Totò. Pas moins de six scénaristes ont collaboré à ce film dont Aldo Fabrizi, Steno et Mario Monicelli. La musique d'Alessandro Cicognini est un modèle du genre, et annonce celles d'Armando Trovajoli pour les films de Ettore Scola qui dans son film "Nous nous sommes tant aimés" rendra un hommage à Mario Monicelli.

La scène d'anthologie:Scène de repas chez Ferdinando. Seuls le gendarme et le voleur savent le drame dans lequel ils sont plongés. L'un d'enfermer celui qui est en train de devenir un ami et dont la famille lui est très sympathique. L'autre de devoir quitter sa famille pendant plusieurs mois sans leur dire que c'est en prison qu'il se rend. Scène poignante où le rire se coince au fond de la gorge. Seuls les italiens savent faire ça.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Premier film avec Totò salué par la critique et un Nastro d'argento. Ce film qui a connu quelques problèmes avec la censure dans son pays a reçu le prix du scénario à Cannes.

Films de Mario Monicelli déja commentés:

La famille Pierrafeu (1994)

2009-10-30T08:41:00+01:00

Un film de Brian Levant

Mais qu’est-ce qui pouvait passer par la tête d’un Spielberg pour produire l’adaptation en prises de vues réelles d’un dessin animé comme The Flintstones (La famille Pierrafeu en France) ? Via Amblin, l’année suivante de la sortie de son Jurassic Park, une famille aux similaires accents préhistoriques montrait ainsi le bout de son nez. Il faut croire que c’était l’époque des projets barges, là où à quelques jours d’intervalle, sortait un autre film ovni (elle était facile) : Coneheads de Steve Barron, avec Dan Aycroyd. Ah, cette fête du cinéma 1994...

Revenons aux Pierrafeu : cette famille de l’âge de pierre, Fred et Wilma (John Goodman, fidèle à lui-même) vit paisiblement à Caillouville, avec leurs meilleurs amis Betty et Barney Laroche (Rick Moranis, qui, après les SOS Fantômes, avait cartonné avec Chéri, j’ai rétréci les gosses). L’histoire n'a pas grand intérêt -pas plus que le film d’ailleurs-, et pense être une gentille critique des détournements de fonds et autres licenciements de masse ; la folie des grandeurs liée à la soudaine richesse est aussi platement amenée en passant par tous les lieux communs (étalage de luxe, amitié rompue, corruption, etc.). Non, le centre du film n’est pas à trouver ici, mais plutôt dans la description loufoque du mode de vie de tout ce petit monde : à la manière d’un Astérix du temps de l’écriture malicieuse d’un Goscinny, tous les usages et objets modernes trouvent un équivalent amusant dans ce temps reculé qui est dépeint dans le film (et dont on voit clairement l’esprit 80’s-90’s, plein d’un consumérisme assumé) : le vide-ordure est une sorte de dino-porc bouffe-tout, la voiture est un véhicule pédestre, le rasoir est une bébête qui arrache vos poils drus un a un, le décapsuleur est également vivant, que sais-je encore. Et puis, comme l’on est dans une production Spieberg 90’s, il y a les inévitables auto-références à son univers : les enfants jouent dans un Jurassic Park, on va voir Tar Wars (la guerre du goudron) de Gorge Lucas au drive-in vintage du coin, enfin, la routine, quoi.

Filmé on ne peut plus platement, l’univers est intéressant mais ressemble plus à un gigantesque parc d’attraction qu’à un monde palpable. C’était d’ailleurs peut-être la motivation d’un Spielberg qui aurait voulu faire de ce film une franchise, ou en tous les cas pour recycler les décors si succès il y a avait eu. Une suite verra toutefois le jour en 2000, mais le casting n’est pas repris. On restera dans une posture à peine amusée durant le temps de la diffusion. Tout cela est en effet bien vain, et les décalages mis en valeur par rapport à notre environnement contemporain sont superficiels. Le réalisateur, issu de la télé (et du pourtant grinçant Mariés deux enfants) saura gratifier les familles américaines des mielleux Beethoven (il y en a eu six !), et d’un Scooby-doo : on ne peut nier sa continuité dans le cinéma de divertissement pour enfants -et ce, même s’il n’atteint pas son but et vieillit terriblement mal.

Le film étale tout de même un casting carrément improbable, d’un Kyle MacLachlan tout en cheveux bien loin des délires psychotiques de David Lynch, à une Halle Berry Miss Monde qui joue de ses indéniables charmes, en passant par Elizabeth Taylor en belle-mère caricaturale qui juge son entourage à l’aune de leur porte-monnaie.

Ce carrefour de stars n’est pas au rendez-vous de la réussite, et le film n’en est presque pas un : absence totale de surprises, point de vue inexistant, bref une comédie bien inutile, mais qui montre l’intérêt déjà palpable de Spielberg pour l’adaptation d’un matériel populaire chez le jeune public (comme il le fait actuellement avec ses Tintin en 3D).

LE PRIX A PAYER (2007)

2009-10-29T11:59:48+01:00

Film de Alexandra Leclère

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Christian Clavier, Gérard Lanvin, Nathalie Baye, Géraldine Pailhas, Patrick Chesnais, Anaïs Demoustier, Maud Buquet...

Musique: Philippe Eidel

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Paris années 2000, Jean-Pierre Ménard est un riche entrepreneur qui a un chauffeur Richard. Richard amène Monsieur à son entreprise, puis va checher Madame pour qu'elle puisse faire son shopping quotidien chez les grands couturiers et parfumeurs de la ville. Elle semble aussi faire collection de chaussures hors de prix. Jean-Pierre Ménard cependant n'est plus satisfait sexuellement par Odile, sa femme qui le délaisse, pire: fait chambre à part. Jean-Pierre Ménard dans un grand moment de solitude s'épenche à Richard et lui demande conseil. Richard lui dit que sa femme est évidemment plus intéréssée par l'argent que par celui qui le gagne et lui dit qu'il n'a qu'à lui couper les cordons de la bourse et lui mettre le marché en main: Pas de fric, pas de cul! Aussitôt dit aussitôt fait, profitant du sommeil de sa femme il subtilise carte bleue, chéquier et argent. La guerre est déclarée et les dommages collatéraux frapperont jusqu'à Richard et son couple...

CRITIQUE: Comédie cruelle sur les non rapports dans les couples qu'ils soient bourgeois ou simples employés. Les dialogues sont des plus cruels, et les situations comiques nombreuses. Le spectateur ne s'ennuie pas. Alexandra Leclère frappe fort pour son deuxième film et laisse présager une réalisatrice de caractère. Juste à déplorer que la fin ne soit pas à la hauteur de tout ce qui a précédé n'étant pas allée au bout du propos ce que Ettore Scola a fait avec son "Drame de la jalousie" et Danny De vito n'avait pas hésité à faire dans "La guerre des Rose". Comme ayant fait machine arrière au dernier moment.

La scène d'anthologie: Jean-Pierre invite Richard et sa femme à dîner. Le repas dégénère, les deux couples se déchirent autour de la table. apothéose du scénario d'Alexandra Leclère.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Christian Clavier prend le rôle de Jean-Pierre Ménard délaissé par Fabrice Luchini.

Films de Alexandra Leclère déja commentés:

Le petit...

2009-10-21T20:30:00+02:00

Bande Annonce

Synopsis : Nicolas mène une existence paisible, il a des parents qui l'aiment, une bande de chouettes copains, et il n'a envie que ça change. Mais un jour, Nicolas surprend une conversation entre ses parents qui lui laisse penser que sa mère est enceinte...

Je sais, c'est pas intello !!!

ROSE ET NOIR (2009)

2009-10-19T18:33:00+02:00

Film de Gérard Jugnot

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Gérard Jugnot, Bernard Lecoq, Juan Diego, Assaad Bouab, Stéphane Debac, Saida Jawad, Patrick Haudecoeur, Elodie Frenck, Raphaël Boshart, Aixa Villagran, Arthur Jugnot...

Musique: Roque Baños

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: France, années 1570 le créateur de mode Pic Saint Louis est envoyé en Espagne à Séville pour faire la robe de mariée pour le les noces arrangées entre la fille d'un grand d'Espagne et un de ses neveux. Il se rend donc à Séville entouré de son nez et de son coiffeur deux homosexuels extravertis, ainsi que d'une "petite main" arabe et d'un secrétaire protestant. Manque de chance le grand d'Espagne n'est autre que le grand inquisiteur de la province. En effet la guerre nettoie son sang et expulse ou brûle tous les non catholiques ou déviants mentaux et sexuels. la fabrique de la robe de mariée va tourner à la catastrophe...

CRITIQUE: Il semble que Gérard Jugnot se soit fourvoyé dans ce film. L'humour utilisé est un peu suranné, et le message de tolérance très appuyé. de plus le télescopage de comédie et de tragique (comme la mort de son secrétaire) ne fonctionne pas du tout et se transforme en long tunnel. Dommage on sent que le réalisateur était ambitieux sur ce film par les moyens mis et par le message du film. Mais voila la mayonnaise ne prend jamais et le début en défilé de mode est à deux doigts du ridicule. Le film souffre tout du long de la naïveté du propos et des gags qui tombent à plat malgré la qualité de l'interprétation irréprochable. Bernard Lecoq et Juan Diego sont superbes. Bonne musique de Roque Baños notamment la partie andalouse du film.

La scène d'anthologie: L'explosion de la robe de mariée seul gag vraiment réussi

NOTE: 11/20

Films de Gérard Jugnot déja commentés:

SOS Fantômes 2 (1989)

2009-10-19T09:32:00+02:00

Un film de Ivan Reitman

They're back.

SOS Fantômes se devait d'avoir une suite. Film de vidéo club par excellence, Ghostbusters représente quelque chose comme l'ultime film pop-corn, amusant, fantastique, effrayant (un peu), ... bref. Une certaine idée du cinéma de divertissement qui se fait rare. 5 ans plus tard (comme l'affirme le sobre carton d'introduction de SOS Fantômes 2), on prend les mêmes et on recommence. Jamais peut-être a-t-on suivi ce principe à la lettre, autant que pour cette suite ; car, au-delà des acteurs, c'est toute la structure narrative du premier qui est recyclée, tel un remake du Ghostbusters originel. Le réalisateur Sam Raimi aura fait de même, mais sans se le cacher, avec un Evil Dead 2 (1987) exceptionnel. Ainsi donc, on découvre les membres de la fine équipe en train d'animer une fête d'anniversaire, en chantant eux-même la chanson-titre du film! (que l'on ré-entendra à foison d'ailleurs). Comme si, d’ailleurs, le récit fictionnel et la réalité à l’intérieur de celui-ci fusionnaient. On avait d’ailleurs la même impression à la fin du premier opus, lorsque les casseurs de fantômes débarquaient avec l’armée au pied du building maléfique : la foule semble acclamer autant les acteurs que les personnages qu’ils incarnent.

De véritables super-stars à la fin du premier film, ils tombent dans un quasi-anonymat au début du 2, caractéristique des aléas de la célébrité : un coup au sommet, un coup oubliés ; le premier film démarrant aussi par notre équipe à laquelle personne ne croit (on leur enlève leur bourse de recherche et ils sont mis à la porte manu militari). Vient alors le premier cas avéré de fantôme, qui les propulse au rang de groupe vedette (groupe musical ? Le morceau pop de Ray Parker Jr. confirmerait cette hypothèse, et le leitmotiv de leur publicité, dans le 1 et le 2, est bien "Who you gonna call ? Ghostbusters !", reprenant le refrain de ladite chanson). Ayant occasionné toute une série de produits dérivés tous aussi variés que profondément inutiles, le premier film trouve sa prolongation ici dans une attitude étonnamment réflexive. Ainsi, à un portier qui lui demande s’il ne pourrait pas récupérer un pack protons pour son fils, Egon (Harold Ramis, également co-auteur du script) lui répond "Le pack proton n’est pas un jouet", alors que, dans un grand élan contradictoire, le même Egon nous vante les mérites des nouveaux produits dérivés Ghostbusters (une tasse, un t-shirt) dans une publicité, plus avant dans le film.

Dans SOS fantômes 2, on assiste de la même façon que dans le premier à une nouvelle apparition fantomatique confirmée par les hautes instances de la justice (deux condamnés à la chaise électrique apparaissent alors que les Ghostbusters sont sous le coup d’une injonction judiciaire). De même, le personnage tantôt amusant puis effrayant, joué par Rick Moranis dans le premier film, trouve son calque en la personne de Peter MacNicol (excellent en John Cage dans Ally McBeal), conservateur d’un musée, possédé par une force démoniaque ; tout comme Louis Tully (Moranis) dans le premier film. Ensuite, internés pour empêcher de nuire à l’image du maire, les Ghostbusters seront repêchés à la demande expresse de ce dernier, exactement comme dans le film d’origine. Le maléfique bibendum chamallow du film d’origine, déambulant dans les rues de New-York comme la femme de 50 pieds dans le film éponyme, est ici remplacé par un double positif, la statue de la Liberté, marchant de la même façon dans la ville pour exalter le sentiment de bonheur chez les New-Yorkais. Hum... Résumer comme cela, le ridicule semble l’emporter. Pourtant, malgré cet évident décalque, le film provoque un plaisir non dissimulé, emprunt de vrais moments de comédie (principalement imputable à la performance de Bill Murray, comme d’habitude très à l’aise). Tordante, la relation Janine - Louis est aussi à mettre au crédit des bonnes idées du métrage.

La dimension effrayante voire horrifique, présente dans le premier film avec les gros chiens cornus, trouve ici une bonne incarnation dans le personnage de Vigo, prince des Carpathe et accessoirement symbole du mal absolu, même si, de lui ou de Peter MacNicol, on se demande qui fait le plus peur...

A partir d’un moment, on ne maîtrise plus la portée de ce genre de films. Le deuxième film est objectivement moins réussi que son aîné, mais est-il pour autant moins apprécié ? Celui-là, comme d’autres (on pense inévitablement aux Retour vers le Futur) auront fait les beaux jours des vidéo-clubs un peu partout dans le monde. Une époque qui paraît bien lointaine aujourd’hui, faisant tomber le film sous le coup de cette bonne vieille nostalgie...

DIVORCES AU CINEMA, UNE OPERATION TONNERRE

2009-10-18T23:32:00+02:00

Mariages : "L'amour est aveugle, le mariage lui rend la vue"

5 ans plus tard, Divorces :

"Le mariage est aveugle, le divorce lui rend la vue"

Synopsis officiel : Valentine et Alex sont mariés, et travaillent en duo en tant qu’avocats spécialistes des affaires familiales. Ils prônent le divorce à l’amiable et la garde partagée. Jusqu’au jour où leur couple vole en éclat pour une banale histoire d’adultère...

Critique : Valérie Guignabodet nous a habitué à des films étranges, axés sur l’humain et ses incertitudes, la relation amoureuse et ses remises en question. Mixant Kramer contre Kramer et La guerre des Roses, elle nous emmène ici visiter le pays des Divorces, suite curieuse et très XXIème siècle de Mariages, sorti en 2004, avec Jean Dujardin et Mathilde Seigner. François-Xavier Demaison est juste, en mari bedonnant devenant banal pour cause d’usure interne, Pascale Arbillot est absolument époustouflante en femme décisionnaire et ulcérée. Ce film est plus un documentaire acerbe sur le divorce et son quotidien version grand format, plutôt qu’une comédie douce-amère. Des critiques lui reprochent de verser dans les clichés, et de jouer dans la catégorie série TV. De grâce, allons plus loin. Il s’agit d’un « reportage sur le vif », et en tant que tel, il est très réussi (quelques scènes déclanchent de véritables crises de fou rire dans la salle !). N’oublions pas que Divorces est au pluriel. Il s’agit ici de nous présenter ses différents visages. Et tout y passe, le couple, l’amitié, le travail, les enfants, même le chien. Le film est en fait un véritable antidote contre les divorces de la vie ! Ce « film reportage », certes présenté comme un grand vaudeville où chacun épuise les situations dramatiques par des claquages de portes comiques, nous fait rire, mais il donne aussi froid dans le dos, et nous frappe par sa vérité crue. Il mériterait bien un débat télévisé.. Pourquoi ? Parce qu’il ausculte le divorce de l’intérieur, en nous livrant sans concession ses tragédies. L’habillage comique ne sert qu’à mieux nous questionner. Pour les couples en perdition : sommes-nous réellement prêts à divorcer, et à demeurer un couple parental (question trop souvent éludée par les couples)? Pour les couple heureux : réjouissons nous d’être loin de tout ça, et rions ensemble ! Pour les amis : en cas de besoin, que ferait cet ami pour moi ? Est-il un ami vrai? Au travail : suis-je vraiment heureux ?

Quand le venin de la rupture pique votre couple, allez donc voir Divorces. Deux options s’offriront à vous : aller consulter un avocat et vous faire définitivement vacciner, aller consulter un avocat et envenimer la situation.. à vos risques et périls..

« Ah ! On parle des liens du mariage ! Mais les liens du divorce sont encore plus indissolubles » Alfred Capus

Nous devons à Valérie Guignabodet les films : Monique, Mariages, Danse avec lui, et Divorces. Elle a aussi travaillé sur les séries L’instit et Avocats et associés, d'où certaines facilités..

Jean Sarkozy, Prince des Hauts-de-Seine

2009-10-14T15:20:51+02:00

Jean Sarkozy, prince des Hauts de Seine
envoyé par franceinter. - Gag, sketch et parodie humouristique en video.

Ciné d'Asie : The Host (2006)

2009-10-13T22:05:00+02:00

Un film de Bong Joon-ho

Caractéristique de la très haute qualité de films de genre produits par la Corée du sud, The Host déjoue toute classification rationnelle, slalomant entre les étiquettes. Cette histoire de famille confrontée à un monstre surpuissant provenu des profondeurs du fleuve Han, mêle ainsi comédie et drame (dans la même scène, au même instant), ainsi que pure action et, évidemment, film de monstre. Et quel monstre ! Sorti tout droit du studio Weta Workshop (qui a créé tout le bestiaire du Seigneur des Anneaux de Peter Jackson), il est fabuleusement détaillé, ultra-réaliste dans ses interactions avec les êtres humains du film. The Host est donc un vrai film de monstres, héritier des Kaiju Eiga japonais et de Godzilla, son porte-étendard mondial. La façon de dévoiler le monstre en plein jour, dans des séquences où l’on peut clairement être témoin des dommages qu’il crée à l’environnement, ainsi que l’origine humaine de son caractère monstrueux (ici pollution via des produits hautement toxiques, hier fruit de la bombe nucléaire) crée un parallèle parfait entre les deux monstres.

Dans The Host, les humains sont faillibles, pauvres loques qui deviennent drôles par leur évidente absence de maîtrise ; tout le monde trébuche littéralement, tout au long du film. L’anti-héros, sa famille (qui s’applique à tout louper aux moments in-opportuns), jusqu’aux figures de l’autorité -la poilante gamelle d’un chef de la santé publique qui se relève, fier comme un harpagon, les deux mains sur les hanches. Le monstre, dans un contre-pied total, est lui caractérisé par ses mouvements gracieux, qu’il se jette dans le fleuve par un plongeon retourné ou se trimballe en l’air dans un superbe et singulier mouvement de balancier. Son habileté et l’harmonie de ses déplacements répondent à l’opposé de l’absurde bêtise de l’ouverture du film, qui signe la naissance du monstre : un déversement complètement irraisonné de centaines de litres de produits toxiques.

Outre un numéro d’équilibriste très réussi, le film compte également des moments de pause étonnants, comme celui où la famille, réunie dans une sorte d’abri, voit la fille du héros manger avec eux, alors qu’elle est portée disparue et que les membres de la famille sont justement réunis afin de la retrouver. Hallucination collective, partage d’un même rêve qu’on veut voir réalisé, cette séquence a une tonalité fantastique, tout en étonnant plus que la vue du monstre (qui est tout de même bien éloigné de notre expérience quotidienne de la réalité !). Le film est certainement plus profond qu’il n’y paraît grâce à l’enchevêtrement des traitements appliqués aux scènes, toutes en même temps.

Dans le même temps, l’arc narratif autour de la propagation d’un virus inconnu, émanant soit-disant du monstre, rappelle une réalité présente aujourd’hui, la grippe H1N1. Toute l’atmosphère de psychose, que les populations asiatiques avaient déjà récemment connu avec la grippe aviaire, est ici amplifiée, et doublée d’un doute certain sur la véracité des informations communiquées par les médias ; c’est un signe des temps présent qui, ma foi, est tout à fait salutaire.

L’originalité ira jusqu’au dénouement, lui aussi inattendu. Quand on apprend dans les bonus que l’inspiration du réalisateur est venue à la vision de Signes (M. N. Shyamalan, 2002), on réalise rapidement que l’élève rattrape son modèle, sans forcer et avec une classe inouïe.

COMIQUE

2009-10-13T11:24:00+02:00

mardi 13 octobre :

COMIQUE

Mot d'ordre du jour :

"Nous aimons tous les comiques du cinéma muet"

Et d'abord l'oreille est hardie.

AH! SI J'ETAIS RICHE (2002)

2009-10-12T19:06:00+02:00

Film de Michel Munz et Gérard Bitton

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Jean-Pierre Darroussin, Valeria Bruni-Tedeschi, Richard Berry, François Morel, Zinedine Soualem, Helena Noguerra, Darry Cowl, jean Dujardin, Didier flamand, Henri Guybet, Noémie Lvovski...

Musique: Michel Munz

Voir plus de détail sur IMDB

SYNOPSIS: Paris en 2002, Aldo un commercial en produits de coiffure, depuis prés de vingt ans ne s'entend plus avec sa femme qui lance une procédure de divorce. Professionnellement il voit arriver comme supérieur, un ancien camarade avec lequel il a débuté dans le métier. Celui-ci lors du pot de son arrivée tombe amoureux de la femme d'Aldo. A force de lui tourner autour elle finira par tomber dans ses bras. Sur ces entrefaits, Aldo gagne le gros lot au Loto. Il décide de dissimuler à sa femme sa fortune pour la lui révéler qu'une fois le divorce prononcé. Au boulot ses collègues sont évincés les uns après les autres. Aldo décide alors d'investir dans la concurrence, d'embaucher ses collègues commerciaux et de casser les prix afin d'anéantir son ex-confrère devenu rival...

CRITIQUE: Michel Munz et Gérard Bitton livrent une comédie fraîche et bien amenée. Avec un sujet social fort la perte de l'emploi, et le divorce, puis la fortune immense et son poids embarrassant, ils font un beau clin d'oeil à la comédie italienne. Bénéficiants d'un casting au poil l'efficacité du scénario est servie par des acteurs en phase avec leur sujet. Le salaud, Richard Berry est tiraillé entre son amour pour la femme de son encombrant sulbaterne et les résultats de son entreprise. Quant à Valeria Bruni-Tedeschi donne une vraie valeur ajoutée à son rôle peu évident de femme qui se trompe avec son amant. Quant à Jean-Pierre Darroussin il emporte l'adhésion dans ce rôle bonhomme et sagement épicurien. Michel Munz compose une bonne B.O.

La scène d'anthologie: Le banquier explique à Aldo qu'effectivement: plus on est riche et plus on s'enrichit et que c'est la même chose pour les pauvres!

NOTE: 13/20

L'anecdote: Michel Munz et Gérard Bitton sont les scénaristes des films "La vérité si je mens" et "La vérité si je mens 2" véritables succès au box-office

Films de Michel Munz et Gérard Bitton déja commentés:

"Erreur de la banque en votre faveur"

MON MEILLEUR AMI (2006)

2009-10-05T10:38:00+02:00

Film de Patrice Leconte

FRANCE, Genre: Comédie:

Avec: Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet, Henri Garcin, Jacques Mathou, Elizabeth Bourgine, Jacques Spiesser, Anne Le Ny, Jean-Pierre Foucault, Julie Durand...

Musique: Xavier Demerliac

SYNOPSIS: Paris années 2000, François la cinquantaine marchand d'antiquités, tient une boutique avec Catherine. Lors d'un repas après un enterrement, François raconte à ses convives que le défunt n'avait pas d'ami pour l'accompagner à sa dernière demeure. Catherine reponds à François qu'il est dans le même cas et que s'il continue comme cela il finira comme le mort. François est au cent coups et réclame sa part d'amitié aux convives qui la lui refusent. Dépité il tient pari que de toutes façons avant 10 jours il aura un meilleur ami! La quête de ce dernier ne sera pas aussi facile qu'il le pensait. Pour faire la tournée de ses potes François fait appel à Bruno, taxi de profession...

CRITIQUE: Patrice Leconte nous offre un portrait touchant d'un homme qui n'a pas d'ami et qui lorsqu'il s'en rend compte est prêt à faire n'importe quoi pour s'en trouver un. C'est à la fois sincère et touchant. Nous sommes là dans le meilleur de la filmographie de Patrice Leconte cinéaste prolifique mais aux résultats parfois décevants. Daniel Auteuil est très bon comme à son habitude depuis "Jean de Florette". La révélation c'est Dany Boon dans ce rôle (en creux vis-à-vis de celui de Daniel Auteuil), de garçon charmant, chaleureux et au verbe facile mais lui aussi finalement mal dans sa peau. Un beau film sur le thème de l'amitié et pour une fois dans la comédie française, la fin n'est pas victime d'un méchant coup de barre qui fait sombrer tout le plaisir reçu au début.

La scène d'anthologie: La façon dont Daniel Auteuil présente à ses témoins son meilleur ami. Scène cruelle et formidablement bien jouée.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Patrice Leconte a annoncé qu'il ne tournerait plus que 3 films après celui-ci et mettrait un terme à sa carrière de réalisateur. Je tiens le pari que sauf accident de la vie il ira bien au-delà!

Films de Patrice Leconte déja commentés:

"Le mari de la coiffeuse"

La baronne de minuit (1939)

2009-10-05T08:00:00+02:00

Un film de Mitchell Leisen

Mitchell Leisen est aujourd’hui un cinéaste méconnu, malgré les récentes rétrospectives, hommages, ou le coffret dvd édité il y a quelques années par Blaqout, entre nous indispensable pour découvrir deux œuvres majeures de comédie raffinée et sophistiquée des années 30. Débutant en tant que costumier, puis chef décorateur sur des films prestigieux, comme ceux de Cecil B. DeMille, il gardera pour ces réalisation le sens du détail et de la belle image. Celle de La baronne..., alias Midnight, est exemplaire, riche et veloutée.

Eve Peabody (Claudette Colbert) est une gold digger typique des comédies des années 30-40, une femme belle mais sans le sou qui cherche la fortune en cherchant le bon parti. J’aime que le film commence alors que l’héroïne, descendant du train à Paris, semble avoir déjà commencé sa propre histoire ; on apprend qu’elle a du laissé ses bagages à Monte Carlo, et qu’elle a dilapidé le peu d’argent qu’elle avait dans les casinos, poursuivant déjà le rêve d’une fortune toute faire. A partir de là, il y a toute la force du scénario de Billy Wilder et Charles Brackett, figures de proue du studio Paramount en ses années-là, alors que Wilder a déjà commencé la carrière de réalisateur qui le rendra célèbre. Les dialogues sont savoureux, d’une rare finesse, dès la rencontre entre la jeune femme désargentée et le conducteur de taxi qui, lui non plus, ne roule pas sur l’or. On parle beaucoup d’argent, du manque mais aussi de son abondance (Eve va, grâce au seul vêtement qu’elle a sur le dos, une robe dorée, pouvoir pénétrer une soirée privée où des gens de la haute société se morfondent à écouter une cantatrice). Mais la satire n’est pas la priorité de Leisen, il lui préfère une légèreté sophistiquée, où un jeu de dupes va initier une mécanique de la comédie absolument implacable. Ayant réussie à s’échapper de sa condition par un mensonge osé -elle est désormais la baronne Czrny, du nom du conducteur de taxi avec qui elle a sympathisée, et clairement montré des signes de séduction. Ne contrôlant plus grand-chose, elle est ensuite l’instrument de la revanche d’un mari délaissé et trompé, qui désire retrouver sa femme. Jeu auquel Eve prend goût sans aucune modération. On en dit un peu, mais pas trop, du bout des lèves, avec une belle retenue, sauf dans les moments opportuns où la passion peut laisser passer des colères éclatantes, telle celle du chauffeur de taxi, qui se démène, dans une démesure amusante, pour retrouver cette jeune femme dont il est immédiatement tombé amoureux.

Relecture du conte de Cendrillon, Midnight voit effectivement Eve devenir baronne, alors qu’elle est partie de rien (et qu’elle n’a, d’ailleurs, toujours aucune propriété). Le film offre ainsi un flottement fantastique lorsque son rêve de richesse se réalise ; elle se croit folle, pense se réveiller d’un moment à l’autre. Tout cela fait malheureusement partie d’un plan sur lequel elle n’a pas d’emprise.

Dans ce film, on sent clairement l’influence d’un Lubitsch, alors employé par le même studio, et notamment de La huitième femme de Barbe Bleue (1938), également relecture d’un conte, dans lequel jouait déjà Claudette Colbert. Ce n’est pas une coïncidence, car Charles Brackett et Billy Wilder venaient de fournir le scénario au film de Lubitsch juste avant de s’atteler à Midnight. Il est intéressant de noter que c’est sûrement le style même du studio qui transparaît dans ces deux films ; Paramount s’est spécialisé dans ce style de comédie après le krach de 1929, préférant donner au spectateur un moment de détente léger et précieux, là où la Warner s’orientait d’avantage vers le film social, ou les films de gangsters, pour refléter les mutations d’une société en plein chambardement.

Sans nul doute une de mes plus belles découvertes patrimoine de cette année (avec Peter Ibbetson), La baronne de minuit et son réalisateur Mitchell Leisen valent qu’on les réhabilitent !

PARFUM DE FEMME (1975)

2009-09-29T13:40:00+02:00

Film de Dino Risi

Titre original: Profumo di donna

ITALIE, Genre: Comédie italienne

Avec: Vittorio Gassman, Alessandro Momo, Agostina Belli, Moira Orfei, Franco Ricci, Torindo Bernardi, Alvaro Vitali...

Musique: Armando Trovajoli

Voir plus de détails sur imdb

SYNOPSIS: Turin, Ciccio un jeune appelé est détaché par l'armée pour accompagner Fausto un ancien capitaine de cavalerie devenu aveugle lors d'un accident pendant le maniement d'une grenade. Celui-ci, rugit qu'il est un lion et que bien qu'aveugle il est homme tout entier. Effectivement Fausto comme les lions "sent" les femmes par le parfum qu'elles dégagent. Et comme bien des hommes paie les femmes pour qu'elles s'allongent à ses côtés. Fausto décide d'aller en train à Naples. Mais il fait deux étapes. Une à Gênes où il obligera Ciccio à lui trouver une prostituée, l'autre à Rome où il demande à son frère homme d'église, de le laver de tous ses péchés anciens et à venir. Ciccio à découvert dans la valise de Fausto un revolver. Arrivés à Naples chez un ami de Fausto où ils sont hébergés, Ciccio est attiré par une jeune femme Sara. Mais cette dernière n'aime que Fausto depuis des années. Mais il la rejette...

CRITIQUE: Avec parfum de femme la comédie à l'italienne atteint un de ses sommets. Dino Risi continue à la manière d'un Labruyère (en mettant les rieurs de son côté) sa galerie de portraits monstrueux qu'il continuera à tourner jusqu'au film "Le fou de guerre" avec Coluche et Bernard Blier. Voici un homme observé par un jeune qui a tout à apprendre de la vie. Il est un peu fanfaron, il est acariâtre et souvent très méchant avec ses congénères. Et se sachant amoindri par son handicap il refuse un amour pur que lui offre la jeune femme. C'est aussi un être pitoyable incâpable d'aller au bout de son geste final par peur. Dino Risi en profite aussi pour mettre quelques coups de griffes l'armée et à l'église. Vittorio Gassman joue cet aveugle de façon tout à fait incroyable et reçoit en récompense le prix d'interprétation au festival de Cannes. Les autres personnages se font un peu bouffer par le talent du comédien. La contribution musicale du compositeur attitré de Dino Risi, j'ai nommé Armando Trovajoli, est remarquable.
"Tu, amore mio" Armando Trovajoli

S'incrustent dans la B.O. quelques airs napolitains

La scène d'anthologie: Fausto Hypocritement vient à Rome voir son frère prêtre pour lui demander l'absolution. celui-ci lui rétorque qu'il n'en a pas besoin étant donné la cécité que dieu lui a imposée. Deux faux-culs magnifiques.

NOTE: 16/20

L'anecdote: Ce film sera le second du jeune Alessandro Momo tué dans un accident de la circulation sans qu'il ait vu sortir le film en salles.

Voir aussi "allocine"

Films de Dino Risi déja commentés:

"Le fanfaron"

Voir aussi à propos de ce film "on r'fait le film"

Qu'est-ce que j'ai fait pour mériter ça ?

2009-09-29T13:22:00+02:00

(Pedro Almodovar / Espagne / 1984)

■■□□

Seul long-métrage cinéma d'Almodovar qui manquait jusqu'à présent à mon tableau de chasse, Qu'est-ce que j'ai fait pour mériter ça ? (Qué he hecho yo para merecer hesto !!) trouve parfaitement sa place en tant qu'oeuvre de transition entre la première période du cinéaste (ses trois premiers films "officiels", provocateurs, foutraques, débraillés et très underground) et la deuxième (celle qui le voit accéder au statut d'auteur européen d'envergure, à partir de la deuxième moitié de la décennie 80).

Ici, l'histoire est celle d'une famille de la banlieue de Madrid : la mère tient la baraque grâce à ses ménages, s'aidant de calmants et autres colles, le mari fait le taxi et semble avoir le don d'imiter toute écriture (dont celle d'Hitler), la grand-mère collectionne les bouts de bois et apprivoise un beau lézard vert (qu'elle nomme "Dollar"), le fils aîné deale pour tout le quartier et le cadet, à peine entré dans l'adolescence, se fait régulièrement "adopter" et héberger par quelques notables pédophiles. Nous nous en tiendrons-là pour la description, mais il faut savoir que les figures secondaires gravitant autour de l'appartement familial sont toutes aussi gratinées. Les comportements sont donc ahurissants mais passent pour naturels aux yeux de chacun, source d'un comique qui atteint souvent sa cible. Almodovar enregistre cependant ces excès de manière relativement sobre et les situe dans un environnement désespérant, celui d'une zone délabrée de la ceinture madrilène.

Entre la noirceur, le kitsch et la tendresse, l'esthétique peut rebuter légèrement, durant les premières minutes. Les cadrages sont souvent frontaux, donnant à voir de manière rigoureuse des décors intérieurs très chargés. Surtout, ils participent d'une réflexion sur la représentation, rendue évidente par la convocation de tous les arts : le fils et la grand-mère vont voir La fièvre dans le sangau cinéma, un écrivain évoque Truman Capote, le mari s'est entiché d'un air d'opéra allemand, l'adolescent veut suivre des cours de peinture... Les surcadrages théâtralisent les jeux érotiques de la voisine prostituée et certains plans ouvertement artificiels (pris de l'intérieur de la machine à laver ou de la penderie) échappent à la gratuité s'ils sont mis en rapport avec l'influence de la publicité télévisuelle.

Les sous-intrigues et les croisements abondent, Almodovar étant, déjà à l'époque, plutôt à l'aise dans la construction narrative. Quelques épisodes sont certes un peu faibles (la mère de famille sévère et sa fille aux étranges pouvoirs, le couple d'écrivains alcooliques) mais certains détails accrochent plaisamment (la bourgeoise ne peut s'empêcher de faire les poches de tout le monde, y compris de la bonne) et l'ensemble est suffisamment bien structuré pour intéresser de plus en plus au fil du temps.

Pour la première fois, Almodovar trouve son équilibre entre distanciation et incarnation, provocation et émotion. Les personnages (et les comédiens) masculins ne sont pas les plus remarquables. En revanche, les figures féminines de la grand-mère et de la prostituée, sont croquées avec une tendresse touchante, y compris lorsqu'elles agissent de façon irréflechie. Et il y a surtout une formidable Carmen Maura dans le rôle principal de la mère, à laquelle on s'attache dès qu'on la voit se défouler seule dans la salle des arts martiaux, en criant et en mimant les attaques, après un rapport sexuel écourté dans les douches avec l'un des sportifs. Jouant juste tout du long, elle se voit offrir par son metteur en scène un final magnifique dans lequel la caméra l'accompagne en long travelling arrière depuis l'arrêt de bus jusqu'à son immeuble, puis dans son appartement maintenant vidé de ses occupants. Son visage apparaît, dans cette soudaine proximité, à la fois triste et lumineux.

Avec le recul du temps, je me suis plu à voir dans les dernières séquences de Qu'est-ce que j'ai fait...la trace concrète d'un changement de statut du cinéma d'Almodovar, sentant là qu'il était tout à coup près pour Matador et tout le reste...

Les Indestructibles (2004)

2009-09-25T08:13:00+02:00

Un film de Brad Bird

Notamment assistant animateur pour Les Simpsons, Brad Bird, déjà réalisateur du Géant de fer (1999), ni plus ni moins qu'un des meilleurs films d'animation américain des années 90, se retrouve aux commandes des Indestructibles chez Pixar ; ce dernier étant à nos yeux le plus à même de représenter la versatilité géniale du talent de ce studio.

Les Indestructibles n’est pas forcément le film préféré du jeune public, un peu long pour maintenir son attention, utilisant parfois des techniques inhabituelles (le simili-documentaire du début). Il se veut l'alchimie de trois dimensions bien distinctes, tout à la fois film de super héros, film d'espionnage à la James Bond, et finalement irrésistible comédie.

L'action et l'expression paroxystique des supers-pouvoirs forme le premier axe, pierre angulaire des autres dimensions. L'élasticité de la mère, que ce soit dans le cercle familial (la bataille des deux enfants autour de la table) ou professionnelle -elle se coince dans trois portes automatique d'un coup, l'action et le comique de répétition se rejoignant- y est pour beaucoup. De même, la super-vitesse de Dash, le fiston, est exploitée à plein potentiel lors de la course sur l'île -rappelant d'ailleurs la poursuite des droïdes à la fin du Retour du jedi. Sa folle fuite l'amènera à marcher sur l'eau ; son grand étonnement l'égard de cette prouesse allant de pair avec la nôtre. On repousse les limites, dans tous les domaines. La vitesse est figurée par un procédé de mise en scène classique, mais diablement efficace : la caméra qui suit le mouvement du jeune garçon allant toujours moins vite que lui, tout reste ainsi en mouvement l'intérieur du cadre, le garçon comme l'arrière-plan ; l'immersion dans l'action marche alors à plein régime. Le volet action s'enrichit d'ailleurs d'un véritable côté vidéo-ludique à la première personne, lors de cette course et des affrontements entre M. Indestructible et les machines infernales, créées par un mystérieux adversaire, ou encore pour cette course sur l'eau ayant des airs de Mario Kart. Ces actes surhumains sont orchestrés de bien belle façon en opérant un décalage entre la vie normale des héros - une loi les a obligés à arrêter leur activité de justicier, évidente influence Watchmenienne - et leurs exploits homériques. Dans la vie quotidienne, ils peuvent utiliser leur pouvoir sans le faire exprès, sans forcer, ce qui provoque déjà des différences flagrantes avec l'humain ordinaire, tel Robert Parr alias Mr. Indestructible, qui, dans un geste de colère, soulève sa voiture à mains nues, en référence à la première apparition de Superman de la revue Action Comics. Le décalage est exactement le même lorsque Dash veut faire du sport : avec sa vitesse, il peut battre n'importe qui, mais il doit maintenir des performances humaines faisables ; ce qui occasionne une séquence justement très décalée, dans laquelle le garçon varie sa vitesse selon les indications de ses parents, dans les tribunes. Lors de leurs vrais exploits là ils sont réellement surhumains, exploitant la pleine puissance de leur pouvoir. La marche sur l'eau justement, ou bien M. indestructible qui arrête un train. Ce décalage permet un vrai discours sur l'altérité et sur l'identité : on est qui on est, on est ce qu'on fait.

2ème dimension, l’aspect espionnage, influence James Bond, est clairement mis en avant : le repaire secret, digne d’un Dr No, la sophistication des gadgets (mention spéciale à la porte sécurisée d’Edna), les paysages paradisiaques et, bien sûr, la musique ad hoc, inspirée en droite ligne des symphonies de John Barry. Mr Indestructible devient donc un agent en couverture, devant cacher à sa femme ses activités, roulant sur l’or et appréciant les excentricités que lui permet son nouveau train de vie. Le fil rouge du film reste la mission secrète qui sort M. Indestructible de sa retraite forcée. Les exploits de M. indestructible dans la base sont spectaculaires, mais finalement logiques vu ses capacités. James Bond, lui, est tout autant un super héros indestructible (voir ses incroyables prouesses dans toute la franchise), mais sa condition d'humain lui donne une connotation too much, qui se transforme dans Les indestructibles en comédie.

En effet, les indestructibles est une comédie de situation, également comédie de gestes, exploitant ses personnages dans une dynamique familiale, proche de nous. La palme revenant au personnage d'Edna, la styliste ; l'excellent doublage de Amanda Lear fait des merveilles, en injectant au personnage sa patte hautaine. Sa performance est d'ailleurs très second degré ; en en rajoutant des caisses, elle ne fait qu'amplifier sa force comique. En réalité, toutes les autres dimensions du film participent à l'élan comique de l'ensemble. La dynamique familiale, liée à la force des super-pouvoirs de chacun, et à la mission secrète de M. indestructible, construit une architecture du rire tout simplement remarquable.

Disons enfin deux mots sur les prouesses visuelles du film. Les textures sont extrêmement détaillées, plus que dans aucun autre Pixar auparavant. Les cheveux, l'eau, la glace ont un rendu photo réaliste bluffant. La gamme colorimétrique utilisée est très variée, et sa précision en fait un spectacle total.

Oscar du meilleur film d'animation, les indestructibles n'ont pas volé leur titre. On les attend de pied ferme en haute définition.

Invention du Mensonge Affiche

2009-09-23T19:27:35+02:00

Prenez le temps de regarder: Invention du Mensonge Affiche

Une affiche du film Invention du Mensonge de Ricky Gervais a été publiée:

Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages & Le grand bazar

2009-09-20T15:59:00+02:00

(Michel Audiard / France / 1968 & Claude Zidi / France / 1973)

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Jeudi soir dernier, sur une chaîne de la TNT (celle du grand journaliste J.M. Morandini), c'était soirée thématique "comédies françaises cultes". Entendez : "gros navets". J'ai testé pour vous.

Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages est la première réalisation de Michel Audiard. Cela démarre sur un monologue de Marlène Jobert, préfigurant les apostrophes au spectateur qu'affectionnera un peu plus tard Bertrand Blier, en plus long et en moins saillant. En fait, pratiquement le quart du métrage est encombré par ce procédé (Jobert laissant parfois la parole à André Pousse, Mario David ou Bernard Blier) faisant ainsi patiner un récit qui n'est déjà pas particulièrement stimulant car ressassant toujours les mêmes histoires de règlements de comptes rigolards entre truands. Pour faire cinéaste, Audiard brise le rythme, façonne des gags cartoonesques (minables), insère des textes décalés en guise de débuts de chapitres. Les dialogues n'offrent aucune progression narrative, Audiard étant trop occupé à coller ses formules les unes aux autres. Même sortant de la bouche de Bernard Blier, ce déluge provoque vite la saturation. Marlène Jobert est supportable à condition de se boucher les oreilles en reluquant son joli corps régulièrement dénudé (et c'est encore la meilleure façon d'illustrer cette note). Au milieu de cette sinistre comédie, nous avons droit à une pitoyable parodie de comédie musicale à la Jacques Demy. On se moque aussi des hippies, du pop-art, de tout ce qui représente la jeunesse et on idolâtre ces vieilles flingueuses et ces vieux gangsters qui savent vivre, eux. Un film de gérontophile. Un film très con, pour parler comme son auteur.

Par rapport à la connerie, la crétinerie peut apparaître parfois plus sympathique. Le grand bazar est réputé pour être le "meilleur" film des Charlots. C'est peut-être vrai : c'est nul mais pas foncièrement déplaisant. Pendant une demie-heure, on relève quelques gags réussis, disons un sur quatre ou cinq, les autres étant affligeants. Le film bénéficie de l'abattage de Michel Galabru et de Michel Serrault. La sûreté de leur jeu, même dans un registre extrèmement limité comme celui qui leur est imposé, contraste avec l'amateurisme désespérant de celui des Charlots. Contrairement au titre précédemment évoqué, Le grand bazar capte (mal, mais il capte quand même) un certain air du temps avec son scénario anti-consumériste (la bataille que mène un petit commerçant contre un gérant de supermarché) et sa vision d'une banlieue peu attrayante. Comme Audiard avec Demy, Zidi fait lui aussi un renvoi cinéphilique en filmant Galabru partant à l'assaut de son concurrent au son du thème à l'harmonica créé par Morricone pour Il était une fois dans l'Ouest. L'écart, par son gigantisme, provoque un sourire bienveillant, loin du sentiment de mépris que véhicule la parodie d'Audiard. Cela dit, à la mi-parcours (à peu près à la coupure de pub !), ma relative indulgence s'est évaporée devant l'essoufflement du récit, la débilité continue des gags, l'étirement insupportable de certaines séquences comme celles du pillage du magasin et de la virée en boîte et la nullité du dénouement, totalement inoffensif, montrant les Charlots heureux de leur renoncement.

Bon, là, j'ai comme une envie de me faire un Tarkovski...

Invention du Mensonge Photo

2009-09-10T14:58:08+02:00

Prenez le temps de regarder: Invention du Mensonge Photo

Ici une nouvelle photo du film Invention du Mensonge(Clique sur la photo pour l’agrandir.

Ciné d'Asie : Je suis un cyborg (2007)

2009-09-06T18:35:00+02:00

Un film de Park Chan-Wook

Après l’uppercut Old Boy (2004), le cinéaste coréen avait déjà quelque peu déçu les spectateurs de son Sympathy for lady vengeance (dont nous ne gardons qu’un souvenir lointain et... vide). Découvrant Je suis un cyborg (dont le titre anglais, I’m a cyborg but that’s OK, donne déjà plus d’indices sur le décalage assumé du propos), on ne peut qu’être qu’objectivement gêné.

L’invention visuelle est toujours de mise, débutant par un générique facétieux, qui rappelle ceux de Tim Burton, secondé par un morceau à la mélodie très colorée. L’extrême saturation des couleurs et la prédominance du blanc en font un objet pop clairement influencé par la mode anime ; de même, les expressions des personnages, excessives, et leurs agissements, incompréhensibles -le film prend place dans un asile, où chaque patient est un cas d’école- nous confortent dans la direction prise. Oui, cela, c’est très clair, ce qui l’est beaucoup moins, c’est de saisir l’intérêt de la démarche, dans un film où on se débat pour trouver un début de scénario.

Des scénettes s’enchaînent, poussant l’absurde aussi loin qu’un sourire peut poindre à l’occasion, mais aucun liant ne vient sceller l’ensemble. Les personnages ne semblent tout au plus que des jouets pour le réalisateur, et l’on a la sensation bizarre d’être au zoo en train de regarder des bestioles en cage, sans comprendre leurs actions. On est bien loin de la sophistication scénaristique d’un Old Boy, et sûrement c’était le but escompté, pour en finir avec cette trilogie de la vengeance aussi noire que ce film-ci est... rose ? Non, le cyborg est bien un grand malade mental chez Park-Chan Wook, et la folie est ici toujours de mise ; une folie douce mais destabilisante, qui s’empare du récit pour en cannibaliser sa substance. Le film n’est plus, ne reste qu’une accumulation de situations ubuesques, sans queue ni tête. Tout juste comprendra-t-on qu’il s’agit d’une romance entre cette fille qui croît être un cyborg, dont la mère croyait être une souris, et dont le prétendant se ballade affublé d’un masque de lapin, rendant toujours ce qu’il a volé comme Goku qui fait une fusion dans Dragon Ball (comprenne qui pourra). C'est sensé être une comédie, et l'on se prend à penser que cet assemblage bancal se réclame d'une certaine poésie, mais en vain. Le résultat en laissera plus d’un sur le carreau... En attendant quand même le prochain essai du cinéaste, le film de vampires "autre" Thirst, présenté à Cannes 2009.

Source image : affiche cinéma © Wild Side

Voyage en famille

2009-09-06T12:51:00+02:00

(Pablo Trapero / Argentine - Brésil / 2004)

■■□□

Le voyage du titre français est celui qu'entame une douzaine de membres d'une famille de Buenos Aires, sous l'impulsion de l'arrière-grand-mère Emilia, afin de rallier en camping-car Misiones, au nord-est du pays, là où doit se dérouler le mariage d'une petite nièce. Le récit n'est constitué que de ce périple de plus de mille kilomètres, au cours duquel la chaleur écrasante et les ennuis mécaniques vont vite révéler les tensions familiales.

Il s'agit donc d'un portrait de groupe et dans les eaux du film choral, Pablo Trapero navigue assez habilement entre les conventions dramatiques et le sous-texte politique. Le montage parallèle fait se répondre, de manière un peu trop évidente, les comportements des différentes générations en proie au désir. La comédie qui se joue dans le camping-car peut se lire comme une métaphore de l'état et du destin du pays entier, dépassant tant bien que mal les mauvais coups du sort.

C'est dans la captation brute des paysages et des personnages que Trapero est le plus convainquant, plus que dans les péripéties du scénario, même s'il faut reconnaître qu'il échappe régulièrement au "déjà-vu" par le traitement qu'il leur impose, elliptique, parfois fulgurant. Ces plans souvent très courts, presque des inserts, ne supportent pas toujours une narration suffisamment accrocheuse mais saisissent tout de même de beaux instants de vie, s'appliquant à mettre à égalité les personnages. Si chaotique que soit le trajet, on peut dire qu'il ne se passe finalement pas grand chose dans Voyage en famille (Familia rodante), l'essentiel étant de partager cet espace et de faire connaissance pour terminer sur la belle séquence de fête attendue. On peut difficilement rester indifférent face à l'énergie dégagée par cette tribu, sous le regard légèrement en retrait d'une arrière-grand-mère aux formules fatalistes (l'impression de vitalité laissée par le cinéma sud-américain est une tarte à la crème mais voici une piste possible pour expliquer cela : "Ça finit toujours comme ça", "Qu'est-ce qui se passe encore ?", ces répliques font partie du flux, ne s'en détachent pas, alors que dans un film choral à la Française, nul doute qu'elles seraient soulignées par un gros plan sur celui ou celle qui les énonce).

Voyage en famille est un projet très personnel mais le résultat est moins singulier que Mundo Grua (1999), remarquable premier long métrage de Trapero, âpre chronique sociale en noir et blanc centrée sur un ouvrier de chantier. Entre temps, il réalisa El Bonaerense (2002), portrait d'une jeune recrue de la police de Buenos Aires. Après Nacido y criado (2006), il connut les honneurs de Cannes avec le film de prison (féminine) Leonera (2008). Je suis assez curieux de découvrir ces titres-là.

HORS DE PRIX (2006)

2009-09-06T12:06:00+02:00

Film de Pierre Salvadori

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Gad Elmaleh, Audrey Tautou, Marie-Christine Adam, Vernon Dobtcheff, Jacques Spiesser, Annelise Hesme...

Musique: Camille Bazbaz

SYNOSIS: Irêne est une jeune femme qui vit au crochet d'hommes riches et va de palace en palace. Un soir que son vieil amant s'endort, elle va au bar où Jean officie. Mais celui-ci ébloui par la jeune femme. Ne révèle pas qu'il travaille au bar et se fait passer pour un client. Une aubaine pour Irêne qui a envie de laisser tomber son vieux rogaton pour un jeune tout aussi riche. Entre Jean et Irêne la soirée se finit dans une des plus belle suite du palace restée vacante. Mais le lendemain mâtin surgit un collègue dans la chambre accompagné des futurs occupants de la chambre. Irêne comprend dans quelle situation elles est. Elle décide de se venger et ruine en deux coups les gros Jean, et le largue. Jean est viré de son travail, et au moment où il quitte l'hôtel définitivement, une cliente la cinquantaine bien sonnée et célibataire profite de l'aubaine et ramène Jean dans sa chambre. Jean décide de faire comme Irêne: le gigolo...

CRITIQUE: Pierre Salvadori a été en meilleure forme. Cette comédie manque de rythme, malgré les interprétations de grande qualité, surtout celle de Marie-Christine Adam, le spectateur a du mal à s'intéresser à cette histoire. Gad Elmaleh n'est pas toujours au meilleur de sa forme mais il a aussi de bons moments. Le début était pourtant prometteur mais à la moitié du film ça pâtine et ça paraît un peu longuet. Ce film n'est pas indigne non plus.

La scène d'anthologie: la scène de rupture entre Jean et Madeleine. Marie-Christine Adam d'une sensibilité magnifique.

NOTE: 11/20

L'anecdote: 4ème collaboration entre Pierre Salvadori et le musicien Camille Bazbaz.

Films de Pierre Salvadori déja commentés:

"Après vous"

Copie conforme

2009-09-04T20:54:00+02:00

(Jean Dréville / France / 1947)

□□□□

Ismora est un escroc génial qui par son art du travestissement réalise une série de vols spectaculaires. Il se trouve qu'il a un sosie parfait, Mr Dupon, paisible représentant de commerce. Il met la main sur ce dernier et le manipule de façon à ce qu'il accepte de jouer son double dans le beau monde, ce subterfuge fournissant un alibi imparable pendant qu'il commet ses forfaits.

De façon bien légère, Jean Dréville tient à s'assurer d'une distinction permanente entre les deux sosies par le spectateur (grâce à une différence flagrante dans la démarche, les intonations, la coiffure, le regard), tout en laissant croire que, dans ce récit, les victimes et les proches se laissent abuser sans sourciller. De ce principe découle une série de péripéties à base de substitutions d'identité totalement invraisemblables.

Louis Jouvet commence par se transformer physiquement au gré des arnaques du personnage d'Ismora, avant de jouer aussi son double, Dupon. L'acteur, qui peut être par ailleurs si impressionnant, nous offre là une performance pénible, appuyant tous ses effets de manière particulièrement insupportable dans son rôle d'homme médiocre.

La dévitalisation contamine pareillement les dialogues. Absolument toutes les répliques se veulent gorgées d'esprit, se gargarisant de jeux de mots, de formules sur le thème du double, de rimes et d'échos. Ce tourbillon est épuisant. L'oeil, lui, n'est attiré que par quelques cadrages et éclairages expressionnistes mais de ce sujet à la Feuillade ne s'échappe aucun mystère. Nous restons dans le boulevard. Le dénouement, enclenché par la révélation de la supercherie à une Suzie Delair qui ne s'en étonne aucunement, est nul.

Tchi tcha

2009-09-04T12:08:14+02:00

Gens de mon coeur.

Vous allez certainement finir par croire que je suis seulement superficielle. Certes, je le suis quelque peu, mais sachez quand même que j'ai un cerveau dont le QI, un peu comme Jonathan, s'approche de celui d'Einstein.

Kikoo

Ne te fie pas seulement à tout ce que tu peux lire en ces lieux. Car des fois, je lis des livres qui font plus de 400 pages (Vogue Special Edition par exemple) et je vais voir des films d'auteurs ouzbeks même pas sous-titrés.

Donc, hier, je me suis rendue dans une salle obscure où c'est que j'ai vu L'abominable vérité.

Sache que ce film a raté d'un cheveu la Palme d'Or au dernier Festival de Cannes. Même que les acteurs, Katherine Heigl et Gerard Butler, sont pressentis pour les prochains Oscars dans la catégorie Meilleur(e) Acteur(rice). Imagine donc le niveau.

De quoi ça cause ? Alors c'est l'histoire de Katherine, une productrice de talk show sur une petite chaine du cable, un peu psychorigide et à la recherche du grand amour version conte de fée. Gerard quant à lui est animateur de talk show sur une autre petite chaine du cable. Toute son émission est construite autour de l'abominable vérité : les hommes ne sont pas ce que les femmes pensent qu'ils sont, et si les femmes écoutent un tant soit peu ses conseils de goujat, elles trouveront enfin l'amour, mais (et c'est un peu ça l'abominable vérité) sans conte de fée. Alors forcément, quand les patrons de Katherine débauchent Gerard et son émission, cette dernière devient complètement folle.

Et puis, lorsque Katherine rencontre son nouveau voisin, un beau médecin aux dents blanches, elle est persuadée qu'ils vivront heureux et auront beaucoup d'enfants. Sauf que ses techniques de séduction n'ont pas vraiment l'air de fonctionner. Elle s'en remet donc aux conseils avisés de son nouveau collègue, Gerard ...

On y a ou pas ? Je dois t'avouer qu'après mon expérience désastreuse de la semaine dernière, je suis vraiment allée voir ce film à contre-coeur. Et figure-toi que malgré l'histoire cul-cul et la fin qu'on devine dès la première minute du film, cette comédie est vraiment réussie. J'ai passé un bon moment et j'ai beaucoup ri.

Un jour au cirque

2009-09-02T21:40:00+02:00

(Edward Buzzell / Etats-Unis / 1939)

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Au rayon "Classiques du nonsense", une moins bonne pioche que celle du Dr Orlof. Très loin des dévastateurs Soupe au canard (1933) et Monnaie de singe (1931), Un jour au cirque (At the circus) est le Marx Brothers le plus faible qu'il m'ait été donné de voir. La formule est la suivante : un tiers de sketchs, un tiers de séquences dansées ou chantées, un tiers de romance ou d'intrigues autour d'un couple d'amoureux. On nous raconte l'aide apportée par les trois allumés à un jeune directeur de cirque afin que celui-ci en devienne définitivement le propriétaire et ne dépende plus de son détestable partenaire, mais l'histoire n'a aucune importance.

Dans leurs meilleurs films, les Marx créent leur monde à eux, parallèle au nôtre, violent, illogique et, surtout, impose leur rythme. Ici, aucun effort particulier n'est fait, le metteur en scène étant aux abonnés absents. Les séquences sont collées les unes aux autres sans la moindre transition narrative ou esthétique, les numéros musicaux, mis à part le "Lydia, the tattoed lady" assez enlevé de Groucho, sont interminables et le final, grossièrement acrobatique, est d'une facilité désespérante.

Il faut donc patienter toutes les dix minutes pour que l'écran se recharge de l'énergie véhiculée par les trois frères, bien que la plupart des situations soient reprises d'oeuvres antérieures et que s'en dégage un goût persistant de déjà-vu. La capacité du trio à saccager un espace réduit est intacte, malgré la nullité de leurs comparses en victimes (un petit garçon grimé en nain et un Goliath à bouclettes et moustache). Groucho vole toutes les scènes et Harpo ne fait rire que lorsqu'il côtoie les deux autres et qu'il embrouille un peu plus le jeu corporel.

Cela dit, même dans un film très mineur comme celui-ci, l'absence d'enjeu dramatique et la gratuité totale du déchaînement opéré par les Marx étonnent toujours, fascinent presque.

Dernière minute : Hasard impressionnant, le docteur pré-cité, parle aussi des Marx sur son blog, aujourd'hui-même.

QUAND L'INSPECTEUR S'EMMELE (1964)

2009-09-01T10:40:00+02:00

Film de Blake Edwards

Titre original: A shot in the dark

USA, Genre: comédie

Avec: Peter Sellers, Elke Sommer, George Sanders, Herbert Lom, Tracy Reed, Graham Stark, Moira Redmond, Ann Lynn, Burt Kwouk...

Musique: Henry Mancini

SYNOPSIS: France dans les années 1960, dans la demeure de Benjamin Ballon, un millionnaire, un meurtre a été commis. L'inspecteur Clouseau (de la sûreté) est nommé sur l'enquête. Très vite il tombe amoureux de Maria Gambrelli la principale accusée. Et contre tous les avis ne l'inculpe pas. Mais les cadavres pleuvent et c'est toujours Maria que l'on retrouve avec l'arme du crime à la main. Le commissaire Dreyfuss qui ne supporte pas Clouseau profite d'une de ses gaffes pour le dessaisir et incarcérer Maria Gambrelli. Mais Dreyfuss est contraint de rendre l'enquête à Clouseau et se console en pensant que cet inspecteur "catastrophe" fera bien une bévue qui le contraindra à la démission. Mais peine perdue! Clouseau parvient à ses fins (non sans mal), Dreyfuss en est réduit à commettre un attentat contre Clouseau, qui en fait anihilera tous les meurtriers de l'affaire. Dreyfuss devenu fou, Clouseau est promu et file avec Maria le parfait amour.

CRITIQUE: Blake Edwards après le succès de "La panthère rose" (The pink panther) l'année précédente, adapte "L'idiot" de Marcel Achard qu'il mêle avec une pièce de Harry Kurnitz intitulée " A shot in the dark" et rappelle Peter Sellers pour reprendre le rôle de L'inspecteur Jacques Clouseau (de sûreté). Peter Sellersest au faîte de sa gloire. Il vient de tourner avec Stanley Kubrick le pamphlet "Docteur Folamour" (Doctor Strangelove). Ce film grâce au timing de Blake Edwards et à l'immense talent comique de Peter Sellers, et des non moins grandioses interprétations de Herbert Lom en commissaire qui devient fou et de Graham Stark dans le rôle de Hercule Lajoy subalterne et souffre douleur stoïque de L'inspecteur Clouseau. Même si le scénario a des faiblesses voire des longueurs, on ne s'ennuie pas aux facéties de l'inspecteur Clouseau (de sûreté). Musique superbe de Henry Mancini.

La scène d'anthologie: C'est tout simplement la scène d'ouverture (pré-générique). Magnifique plan séquence où dans la maison cossue du millionnaire Ballon, aieu un ballet nocturne des propriétaires et des domestiques, où chacun trompe sa chacune. Le tout sur la sublime chanson de "Shadows in Paris" interprétée par Elsie Bianchi.

NOTE: 14/20

L'anecdote: Claudia Cardinale et Romy Schneider indisponibles, c'est Elke Sommer qui bénéficie du rôle de Maria Gambrelli. Rôle que l'on retrouvera 20 ans plus tard dans le très mauvais : "Le fils de la Panthère rose" interprété par Claudia Cardinale.

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Miss la gaffe se marie - Meg Cabot

2009-08-31T22:22:23+02:00

Résumé : Lizzie n'en croit pas ses oreilles: le beau Luke, de retour à New York, vient de la demander en mariage! Abasourdie, elle accepte sans même réfléchir. Mais, très vite, le rêve tourne au cauchemar. Lizzie a de plus en plus de travail depuis qu'elle a confectionné la robe de mariée d'une star. Luke passe son temps à étudier, à croire que le mariage n'est pas vraiment sa priorité... Quant à Chaz, le meilleur ami de Luke et futur témoin, il désapprouve totalement cette union! Lizzie est-elle vraiment prête à devenir la nouvelle maîtresse du château Mirac? Luke est-il vraiment le mari idéal? Et si le véritable amour était ailleurs? ...

Mon avis : *** Attention spoilers ! ***

Le tome 2 m'avait laissée sur ma faim. Le rythme s'était ralenti pour nous laisser totalement frustrés sur un grand retournement de situation.

Ce 3e et a priori dernier tome, reprend exactement là où les choses s'étaient arrêtées. Lizzie se retrouve entre Luke qui bient de lui faire sa demande en mariage, et Chaz qui se découvre des sentiments pour elle (et est-ce réciproque ?!). Tout le livre va bien sûr s'axer sur ce cruel dilemme, causant des réactions plutôt... radicales sur Lizzie, au sens physique du terme ! Et puis, comme nous avons désormais l'habitude avec notre chère Lizzie, nous aurons aussi droit à des situations parfois coquasses, et toujours savoureuses. Je me suis prise à rire tout haut plus d'une fois ! Oui oui, dans le bus pour le boulot aussi ! :o)

Bon, soyons honnête, on se doute bien de la fin (bon ok, je l'espérais surtout très très fort !!), mais on se délecte de tous ces quiproquos, malentendus et du talent inné de Lizzie pour ne pas voir l'évidence !

A côté de cela, sa vie professionnelle, elle, semble plus ... "prometteuse". Elle évolue vite et bien. Elle rencontre de nouvelles personnes (encore des cas pour la plupart !!) et de nouveaux défis, auxquels elle fait face avec une force que je lui envie. C'est que, malgré son côté un tantinet névrotique (elle est la première à le dire), et une grande bouche qu'elle a du mal à tenir fermée, elle est solide la Lizzie, et je trouve qu'elle force à l'admiration. Pourtant, elle est loin du cliché de la citadine branchée, elle est plus proche de la fille ... et bien ordinaire ! (ordinaire, mais pleine de bonnes manières !)

C'est aussi dans ce tome un vrai déchirement quand un personnage important décède... J'étais très triste... Mais chut, je vais finir par vraiment en dire trop ! ;o)

Bref, un livre que j'ai adoré ! Encore une fois, j'ai été totalement conquise par le style frais et léger de Mrs Cabot !

Ma note : 5/5

PRETTY WOMAN (1990)

2009-08-31T11:31:00+02:00

Film de Garry Marshall

USA, Genre: Comédie

Avec: Richard gere, Julia Roberts, Ralph Bellamy, Jason Alexander, Laura San Giacomo, Hector Elizondo, Alex Hyde-White, Amy Yasbeck...

Musique: James Newton Howard

SYNOPSIS: Los Angeles, années 1990, Edward Lewis, un homme d'affaires new-yorkais au sortir d'une soirée, se perd, il demande son chemin à Vivian une prostituée. Celle-ci dotée d'un physique et d'un charme à nul autre pareil, lui fait un prix pour le raccompagner jusque devant son hôtel. Il finit par la prendre pour une nuit. Il faut toute la science de Vivian pour le faire parvenir à consommer ce pour quoi il a payé. Le lendemain matin, Edward lui demande si elle veut bien rester avec lui toute la semaine, moyennant finances bien entendu. Il a besoin d'elle pour l'accompagner lors de réceptions ou de repas au restaurant. Vivian accepte, mais la présence d'une prostituée dans les quartiers chics de Beverly Hills n'est pas du goût de tout le monde, alors qu'une relation plus intime et moins professionnelle se lie entre Edward et Vivian et que ceci bouleverse la vision d'Edward jusque dans sa façon de vivre et de faire du business...

CRITIQUE: Surtout ne pas jeter le bébé avec l'eau du bain, voila ce que je suis tenté de me dire en me lançant dans cette critique. Car disons le tout net ce film est dans l'ensemble franchement niais. Mais il a quelques côtés sympathiques. Notamment du côté des seconds rôles Hector Elizondo (le directeur de l'hôtel) et Jason Alexander (l'avocat d'Edward Lewis qui n'aime qu'une chose: mettre ses rivaux plus bas que terre). Quant au reste il n'y a pas grand chose à sauver Richard Gere fait bien pâle figure tout au long du film dans ce personnage lisse et terne. Quant à Julia Roberts malgré le fait qu'elle ait "du chien", on ne croit pas une seconde à son personnage. Il y a donc un gros problème de scénario qui n'est qu'une vaste meringue imbibée d'eau de rose et écoeurante. La réalisation est plate, les scènes de la terrasse de l'hôtel sont mal filmées et l'on voit que c'est du studio. Quant à la musique de James Newton Howard elle est vampirisée par un défilé de consternantes chansons que plus personne n'oserait écouter de nos jours.

La scène d'anthologie: Je finirai bien par en trouver une un de ces quatre.

NOTE: 9/20

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L'OEIL DU MONOCLE (1962)

2009-08-28T09:23:00+02:00

Film de Georges Lautner

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Paul Meurisse, Robert Dalban, Maurice Biraud, Elaga Andersen, Gaia Germani, Raymond Meunier, Charles Millot, Paul Mercey, Henri Cogan...

Musique: Jean Yatove

SYNOPSIS: 1943, Corse au large de Bonifacio, un commando allemand cache un trésor et des documents appartenant au III° Reich. Tous les membres du commando sont morts. Sauf un. Schlumpf. Ce dernier revient près de vingt ans plus tard pour récupérer ce trésor. Mais seul il en est incapable il faut des moyens et de la main d'oeuvre. Il fait donc appel au commandant Dromard du deuxième bureau. Mais Dromard s'aperçoit que Schlumpf est suivi par les soviétiques et les anglais. Il décide de faire un émise en scène avec Schlumpf en faux mort. Le piège ne dure pas longtemps: anglais et soviétiques creusant la tombe pour s'assurer de la présence du cadavre. Le jour du 14 juillet profitant de la fête, Schlumpf est véritablement assassiné. Il décède chez Martigue un sculpteur. Quand surgit une belle espionne italienne dans la maison de Martigue et qu'une autre espionne allemande y vit à demeure depuis plusieurs mois...

CRITIQUE: Parodie du film d'espionnage. Avec l'inénarrable Paul Meurisse aux facéties hilarantes. Dés son deuxième film "Marche ou crève" Georges Lautner s'est plongé dans le film d'espionnage. Mais Georges Lautner est plutôt attiré par la comédie voire la parodie de genre. Avec ce film, qui est le deuxième opus du Monocle sur trois, Georges Lautner s'amuse avec ses acteurs et nous amuse. Même si le scénario pâtine par certains endroits à condition d'apprécier cet humour décalé, le spectateur prend un vif plaisir à ses aventures rocambolesques.

La scène d'anthologie: Dand un restaurant, le commandant Dromard pour briller face à une belle espionne qui danse avec un espion soviétique, invite à un twist des plus loufoques une convive. Du grand Paul Meurisse.

NOTE: 13/20

L'anecdote: Le scénario est Co-signé Jacques Robert et Rémy. Rémy n'est rien moins que le colonel Rémy de la résistance française qui fut un des premiers hommes à rallier à Londres le Général de Gaulle. Il créa un réseau de renseignement sur le sol français la Confrérie Notre Dame qui subit plusieurs pertes mais renaquit à chaque fois ne cessant de faire parvenir des renseignements par voies aériennes ou maritimes à Londres.Le réseau devint en 1944 le CND Castille.

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SI MOLIERE NOUS VOYAIT!

2009-08-27T14:14:00+02:00

Jusqu’à dix-sept ans, Jean-Baptiste Poquelin mène ses études chez les jésuites de l’important collège de Clermont, à Paris. Il poursuit ses études de droit jusqu’à la licence. En 1643, il renonce à la charge de tapissier du roi et signe, le 30 juin de la même année, sous le nom de Molière, les actes qui créent L’Illustre-Théâtre. C’est un immédiat échec financier. A deux reprises en 1645, Molière est emprisonné pour dettes au Châtelet. Il lui reste à partir en province, parce qu’il n’y a pas de place à Paris pour un troisième théâtre. La troupe du duc d’Epernon accueille les Béjart, Madeleine, Joseph et Geneviève restés fidèles à Molière.

Le comte d’Aubijoux leur accorde, pour sa part, une importante gratification annuelle. C’est peut-être en 1653, peut-être en 1655 qu’est donnée à Lyon la première comédie de Molière qu’est L’Etourdi. Le prince de Conti devient alors le protecteur de la troupe, à laquelle il accorde son nom. Cette protection ne dure guère, puisqu’après la mort d’Aubijoux, emporté par la syphilis à la fin de 1656, Conti qui se tourne vers la religion, signifie aux comédiens qu’il leur faut « quitter son nom ».

En octobre 1658, quand la troupe s’installe à Paris c’est sous le patronage de Monsieur, frère du roi. Molière joue, pour la première fois devant le roi Louis XIV au Louvre, une pièce de Corneille, Nicomède. Au même programme, une farce de Molière, Le Dépit amoureux. Séduit, Louis XIV accueille les comédiens dans la salle du Petit-Bourbon, voisine du Louvre où déjà jouent les italiens. Les Précieuses ridicules données en 1659 sont aussitôt un succès. Succès renouvelé dès l’année suivante avec Sganarelle ou Le Cocu imaginaire. Les travaux qui commencent pour la construction de la colonnade du Louvre, chasse les comédiens du théâtre qui doit être détruit. Louis XIV accorde alors à Molière la salle du Palais-Royal. C’est en 1661 que Molière donne sa première comédie-ballet Les Fâcheux. Fabuleux succès. La même comédie-ballet est donnée à Vaux-le-Vicomte devant le roi, lors de la somptueuse fête organisée par le surintendant Fouquet. Ce genre nouveau séduit le roi que la danse fascine. L’attention que le roi porte à Molière exaspère les jalousies et les rivalités. L’Ecole des maris est attaquée. Certain du soutien du roi, qui consent à être le parrain du premier fils de Molière, celui-ci ose écrire Tartuffe. Mais la pièce est interdite. Il ose Dom Juan. Le roi honore la troupe de Molière du titre Troupe du roi, en dépit du scandale. Tartuffe ou l’Imposteur est enfin donnée le 5 février 1669. Le théâtre fait alors la plus étonnante recette qu’il ait jamais fait. Les succès s'enchaînent. C’est Le Misanthrope, L’Avare, c’est Le Bourgeois Gentilhomme.... Ce sont Les Femmes savantes et, le 10 février 1673, c’est au théâtre du Palais-Royal la première du Malade Imaginaire. Huit jours plus tard, le vendredi 17 février, Molière éprouve un malaise en scène.

A 10 heures du soir, il meurt chez lui. Armande Béjart obtient du roi que l’archevêque de Paris autorise le lendemain l’inhumation de celui qui n’a pu, avant de mourir, abjurer sa profession de comédien ; ce qui lui vaut d’être excommunié d’office.....

par ces "jours et années" ou le modernisme n'a guère ou les lois, les conditions sociales économiques , debiennent, assez "difficiles" MOLIERE aurait-il toujours cette "plume" qui nous a tous "interpellés! et ses réactions seraient-elles du meme ton...

LA GRANDE JAJA!.... un Maitre qui traverse toutes les années , situtations "sans etre....de nos jours, hors contextes"

LE DINER DE CONS (1998)

2009-08-25T16:18:00+02:00

Film de Francis Veber

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Thierry Lhermitte, Jacques Villeret, Francis Huster, Daniel Prévost, Catherine Frot, Alexandra Vandernoot, Christian Pereira, Pétronille Moss...

Musique: Vladimir Cosma; Chanson: Georges Brassens

SYNOPSIS: Paris, fin des années 1990 Pierre Brochand, éditeur, doit venir mercredi prochain avec un "con" au prochain dîner organisé par un de ses amis. Grâce à un ami on le met en communication avec François Perrin fonctionnaire au ministère des finances et constructeur de maquettes en allumettes. Il est intarissable sur sa passion. Voici donc un phénomène dont Pierre Brochand et ses amis vont pouvoir aisément se moquer tout au long de la soirée et qui sait, l'élire peut-être "champion de la soirée". Mais à une partir de golf le matin Pierre Brochand se fait un tour de reins. Le voici bloqué chez lui. Il a quand même fait venir chez lui François Perrin qu'il n'a pas encore rencontré, sous le faux prétexte d'une éventuelle édition des photos de ses oeuvres. La femme de Pierre Brochand qui n'apprécie pas ce genre d'humour lui annonce qu'elle passera sa soirée ailleurs. Et s'en va. C'est alors qu'arrive François Perrin et une suite de calamités va s'abattre sur Pierre Brochand toute la soirée...

CRITIQUE: Ce film est l'adaptation de la pièce de théâtre éponyme de Francis Veber qui devant le succès de sa pièce en a fait un film. Et cela se ressent malgré les vélleités du réalisateur à aérer son film par quelques extérieurs. Mais les dialogues sont si savoureux et si brillamment interprétés que l'on oublie l'unité de lieu où se passe la soirée. Jacques Villeretest sublime en imbécile au grand coeur. Je n'oublie pas de Daniel Prévost qui fait de son contrôleur fiscal beauf, vachard et cocu un grand numéro. Quant à Thierry Lhermitte en ignoble salaud le spectateur découvre un potentiel supplémentaire à l'acteur. Le casting féminin n'est cependant pas à la fête Alexandra Vandernoot et Catherine Frot font des apparitions qui n'ont pour but qu'accélérer le climax du film. Francis Huster n'est pas tout le temps au diapason de la comédie mais peu importe. Vladimir Cosma qui a composé la musique du film a dû se sentir un peu frustré. Au long du film il est très peu fait appel à sa musique. Ce film restera sûrement un classique de la comédie en France.

La scène d'anthologie: Pierre Brochand demande à François Perrin d'appeler Just Leblanc son ami pour savoir si sa femme n'est pas chez lui. Jacques Villeret à ce moment du film est à son top niveau dans l'interprétation. Incroyable!

NOTE: 15/20

L'anecdote: Comme souvent chez Francis Veber, sa comédie sera exportée aux Etats-Unis pour y être produite et tournée made in USA. En général le résultat est bien en-dessous de l'original...

Films de Francis Veber déja commentés:

LOST IN TRANSLATION (2003)

2009-08-22T09:32:00+02:00

Film de Sofia Coppola

USA, Genre: Comédie

Avec: Bill Murray, Scarlett Johansson, Akiko Takeshita, Giovanni Ribisi, Anna Faris...

Musique: Kevin Shields

SYNOPSIS: Japon, Tokyo début des annéess 2000 Bob Harris la cinquantaine, acteur américain vient y tourner une publicité pour une marque de Whisky. Il fuit aussi sa femme, qui n'est plus la femme qu'il a épousée il y a 25 ans. Le voici donc dans un palace un paumé dans un pays où il ne maîtrise ni la langue ni son calendrier, sans cesse escorté par 5 personnes dés qu'il sort dans le hall de l'hôtel. Au bar de l'hôtel il rencontre Charlotte une jeune universitaire américaine, qui vit avec un photographe de personnalités, toujours en partance. Elle a accompagné son mari au Japon, s'ennuie dans l'hôtel, et s'interroge sur son avenir professionnel et amoureux. Ces deux êtres seuls dans ce monde hostile vont se rapprocher et recréer un lien.

CRITIQUE: Sujet original, comédie douce-amère, réalisation subtile et impeccable, et interprétation sensible. Très bon film sur deux paumés américains. Sofia Coppola parvient en quelques esquisses et suggesttions à montrer bien des tourments dans les coeurs de ces deux êtres. B.O. rock indépendant pas mal.

La scène d'anthologie: Bob Harris est invité dans une émission de télévision sur un plateau ridiculement petit et avec un animateur au cheveu teints en blond péroxydé et aux gimmicks ahurissants de ringardises.

NOTE: 14/20

L'anecdote: Le tournage à Tokyo s'est fait sans autorisation et en volant les images dans les rues.

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UN MILLION CLE EN MAIN (1948)

2009-08-19T15:37:00+02:00

Film de Henry C. Potter

Titre original: Mr Blandings builds his dream house

USA, Genre: Comédie

Avec: Cary Grant, Mirna Loy, Melvyn Douglas, Reginald Denny, Louise Beavers, Ian Wolfe, Harry Shannon, Tito Vuolo, Nestor Paiva, Jason Robards Sr. ...

Musique: Leigh Harline

SYNOPSIS: New York années 1940 Jim Blandings est un cadre New Yorkais qui travaille dans la publicité. Il fait partie de la classe moyenne, il a une femme, Muriel et deux fillesainsi qu'un ami: Bill Cole. Jim et Muriel vivent dans un appartement éxigu. Il voudrait faire des travaux dans son appartement afin de le rendre plus vivable mais un jour il s'aperçoit qu'acheter un terrain dans le Connecticut et une maison à retaper ne lui reviendrait guère plus cher. Mauvais calcul. La masure achetée n'est bonne qu'à la démolition, il faudra donc abattre puis reconstruire sans parler de tous les coûts inhérents aux aléas de la construction. De plus le voici confronté à deux soucis: il ne trouve pas LE slogan qui vantera le jambon (en anglais ham) "Wham", et il est aussi assailli par la jalousie, pensant à tort que sa femme le trompe avec son ami. Bill Cole assiste au spectacle de ses amis englués dans des travaux coûteux et des contretemps malheureux...

CRITIQUE: Comédie réussie qui doit beaucoup au jeu exceptionnel de Cary Grant. Il interprète magnifiquement ce cadre moyen qui paye son rêve américain un peu cher, et qui est submergé par les ennuis professionnels et maritaux. Mirna Loy et Melvyn Douglas ne sont pas de restes. Certes l'humour et la façon de filmer ont vieilli, mais le plaisir est toujours là. On rigole à ces mésaventures d'un citadin plongé dans la campagne.

La scène d'anthologie: Jim Blandings reçoit un coup de fil de Bill Cole lui signalant qu'il doit déménager d'ici 30 jours sous peine de pénalités financières. Son refus initial se change en accord alors qu'il n'y paraît rien sur son visage.

NOTE: 13/20

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ALEXANDRE LE BIENHEUREUX (1967)

2009-08-18T16:12:00+02:00

Film de Yves Robert

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Philippe Noiret, Françoise Brion, Marlène Jobert, Paul Le Person, Jean Carmet, Pierre Richard, Tsilla Chelton, Pierre Maguelon, Marc Dudicourt...

Musique: Vladimir Cosma

SYNOPSIS: Dans un village de la campagne française des années 1960, Alexandre Gartempe cultivateur est poursuivi pars sa femme, La Grande qui ne cesse de le faire travailler du lever au coucher du soleil lui claquant les doigts sous le nez au moindre assoupissement. Alexandre aimerait bien souffler un peu, prendre du temps et faire la sieste. Mais La Grande veillle et lui donne ses ordres par walkie-talkie. Le village est admiratif de la productivité d'Alexandre. Mais un beau jour La Grande meurt dans un accident de voiture. Alexandre en profite pour se reposer, dormir et farniente. Il décide de ne plus quitter son lit et s'alimente grâce à un système de poulies au-dessus du lit. Il est ravitaillé par son chien qui fait les courses. Mais le village s'inquiète du comportement d'Alexandre préjudiciable à la population. Dans un premier tempson tente de le faire revenir à la raison. Peine perdue. Ensuite on coupe les vivres en kidnappant le chien. Alexandre commence à faire des émules dans le village. Enfin une jeune femme Agathe est séduite par Alexandre et réciproquement. Un mariage est vite convenu. Mais un claquement de doigt d'Agathe fait s'enfuir Alexandre...

CRITIQUE: Ce film d'Yves Robert qui réalise des comédies tendres ,est une véritable ode à la paresse, et au fait de "prendre le temps de prendre son temps". Phrase reprise par François Mitterrand 20 ans plus tard en "savoir donner du temps au temps". Le personnage d'Alexandre doit beaucoup à la stature de l'acteur Philippe Noiret. A cette voix un peu non chalante et sa bonhomie. Paul le Person en ami d'Alexandre père d'une famille nombreuse est formidable. Pierre Richard, est remarqué dans son second rôle de Colibert. Personnage lunaire dont il en extraiera la substantifique moelle dans ses futurs films. La musique de Vladimir Cosma illustre parfaitement le film donnant au à la flûte piccolo tout le charme champêtre et le tuba reflêtant le personnage rond d'Alexandre.

La scène d'anthologie: La cueillette des pommes par le chien d'Alexandre. Du beau dressage.

NOTE: 14/20

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"Le grand blond avec une chaussure noire"

LE CACTUS (2005)

2009-08-17T10:54:00+02:00

Film de Michel Munz & Gérard Bitton

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Clovis Cornillac, Pascal Elbé, Alice Taglioni, Pierre Richard, Jean-Pierre Darroussin, Christian Charmetant...

Musique: Michel Munz

SYNOPSIS: France, années 2000 Patrick et Sami sont deux amis d'enfance. Problème Sami est hypocondriaque et en fait subir les conséquences à Patrick et sa fiancée Justine. Sami est persuadé d'être atteint d'une maladie incurable et qu'il lui reste trois mois à vivre. Il décide d'amener son ami et sa copine à la montagne pour une dernière virée de ski. Hélas il y a tempête de neige, et tandis que Patrick gagne au casino, Justine prise de pitié pour Sami veut lui donner un ultime plaisir sexuel. Mais Patrick surgit et les découvre en position compromettante. Le séjour tourne court. Sami amoureux de Justine décide de tenter de se soigner. Il décide de partir pour l'Inde où un seul médecin ayurvedique peut le sauver. Patrick met entre parenthèse son boulot et ayant quitté Justine décide de suivre Sami son ami dont il se sent un peu responsable. Bien entendu ils iront de déboires en catastrophes...

CRITIQUE: Cette comédie fait largement penser à celles de Francis Veber mettant en scène des duos masculins antagonistes. Le film a quand même du mal à démarrer ce n'est qu'au bout de vingt bonnes minutes et l'arrivée en Inde de Sami et Patrick que le film atteint son rytme de croisière et gagne en intensité et en intérêt ainsi qu'en comédie. Clovis Cornillac est à l'aise dans la comédie et c'est plus lui qui a le rôle d'Aguste tandis que Pascal Elbé serait le clown blanc. Comédie plutôt réussie et de bon aloi. Bon point pour les seconds rôles indiens très bons comédiens. A noter une apparition de Pierre Richard en gourou fumeur de joints. La musique de Michel Munz est agrémentée de quelques tubes indies qui donnent un style pêchu au film.

La scène d'anthologie: Sami et Patrick pensant arriver dans un hotel avec chambre individuelles se retrouvent dans un dortoir. Le tenancier leur expliquant en anglais que : "no room, no room, dormitory!" à se tordre de rire.

NOTE: 13/20

L'anecdote:

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"Erreur de la banque en votre faveur"

LA TRAVERSEE DE PARIS (1956)

2009-08-16T14:45:00+02:00

Film de Claude Autant-Lara

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Jean Gabin, André Bourvil, Louis de Funès, Jeannette Batti, Jacques Marin, Laurence badie, Jean Dunot, Georgette Anys, Harald Wolff...

Musique: René Cloërec

SYNOPSIS: Paris 1943, Marcel Martin se rend chez un épicier dénommé Jambier qui possède un cochon et a décidé de l'égorger pour le vendre au marché noir à un boucher. Mais il faut transporter le cochon dépecé. Il est placé dans 4 valises. Martin est ennuyé car son complice habituel s'est fait arréter. Il est dans l'expectative dans un café quand survient un homme qui lui semble faire du plat à sa femme. Pour mettre le holà, il l'embauche pour porter les valises et traverser Paris de nuit avec la marchandise. Chez Jambier, l'homme se met à faire un raffut du diable et obtient 5000 francs au lieu des 300 prévus. Une fois partis de chez l'épicier, Grandgil puisque c'est ainsi qu'il se nomme multipliera les provocations en insultant des tenanciers de bar un peu Thénardiers et leur clientèle, puis assommant un policier à deux pas de chez Martin le mettant dans une position délicate. A la fin de la traversée, ils sont arrétés mais seul Martin va payer le prix, Grandgil se révélant être un peintre renommé jusque chez les Allemands...

CRITIQUE: Claude Autant-Lara était un cinéaste écorché vif plutôt de gauche qui instillait du venin dans ses oauvres, avant que l'amertume ne le submerge et le fasse sombrer dans le fascisme le plus viscéral. Cette "Traversée de Paris"adaptée du roman éponyme de Marcel Aymé autre anticonformiste et anarchiste de droite appuie là où ça fait mal. Au scénario et aux dialogues Jean Aurenche et Pierre Bost qui ont subi les affres de l'occupation, les compromis pour survivre, et les manques de libertés de paroles et de mouvements. Ils ont été aussi spectateurs du comportement parfois grandiose souvent lâche, et parfois ignoble des français dans ce cadre de survie. Après dix années où ils ont ruminé tout ceci, ils restituent ce pamphlet acide et subversif dans une France qui s'aseptise et cherche à oublier. Claude Autant-Lara filme les visages au plus près. Et donne à Jean Gabin un contre-emploi extraordinaire. Louis de Funès et André Bourvil sont chacun dans une partition qu'ils connaissent. Max Douy aux décors et Jacques Natteau à la photographie, subliment l'oeuvre dans son athmosphère et sa qualité visuelle. quant à la musique de René Cloërec elle a juste un rôle illustratif et reste discrète.

La scène d'anthologie: La colère de Grandgil après le couple de bistrotiers et leurs clients. Jean Gabin dantesque.

NOTE: 15/20

L'anecdote: Coupe Volpi pour la meilleure interprétation à André Bourvil lors de la Mostra de Venise en 1956.

Calendar Girls

2009-08-12T16:35:00+02:00

Avec: Helen Mirren, Julie Walters

Réalisateur: Nigel Cole (EU)

Année: 2003

Comédie. Au choix: tarte, nul, idiot, mièvre, voilà, c'est ça, mièvre. Encore une comédie de fin d'année anglo-saxonne, creuse et inutile, mais pourquoi suis-je allée voir ce navet ???

Note: 0/10

FANTOMAS (1964)

2009-08-12T11:13:00+02:00

Film de André Hunebelle

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Louis de Funès, Jean Marais, Mylène Demongeot, Robert Dalban, Jacques Dynam, Marie-Hélène Arnaud...

Musique: Michel Magne

SYNOPSIS: France années 1970, les méfaits de Fantômas qui a déja commis plusieurs crimes commencent à inquiéter la population. Le commissaire Juve est en charge d'arrêter le malfaisant qui vient juste de piller une célèbre bijouterie de la place Vendôme. Le journaliste Fandor est lui aussi agacé par l'audace de ce bandit et pensant à une manipulation politique bidonne une interview de ce dernier le ridiculisant. Fantômas le prend très mal et enlève Fandor pour commettre un nouveau vol de bijou en usurpant l'identité du journaliste, emmenant ainsi le commissaire Juve sur une fausse piste. Puis trouvant le jeu amusant Fantômas pille un casino en prenant l'identité du commissaire Juve...

CRITIQUE: André Hunebelle n'est pas célèbre pour la rigueur de ses scénariis et de sa réalisation. C'est avant tout un faiseur de films destinés à la distraction du public. Mais voila ce qui amusait à la fin des années 1960 et qui se faisait en deux temps et trois mouvements ne passent plus de nos jours. Scénario indigent, cascades approximatives, courses-poursuites interminables et vaines. Jeux d'orgues de Michel Magne employés à satiété par le réalisateur. L'ennuie nous submerge. Et Louis de Funès a beau gesticuler le spectateur est abattu devant un tel spectacle.

La scène d'anthologie: Lady Beltham relâche Fandor et sa fiancée et leur laisse une voiture aux freins trafiqués. La voiture dévale une route à la pente sans fin, on voit qu'à plusieurs endroit la voiture s'est arrétée et qu'il a fallu la relancer. Nous avons même droit à la descente en marche arrière. Bref dans cette scène longue, longue, longue, tout ce qu'il ne faut pas faire sous peine de faire décrocher.

NOTE: 10/20

L'anecdote: La voix de Fantômas est assurée par Raymond Pellegrin non crédité dans le générique. Son rire est assuré par Jean Marais. Raymond Pellegrin ne savait-il pas rire?

Films de André Hunebelle déja commentés:

LE GRAND BLOND AVEC UNE CHAUSSURE NOIRE (1972)

2009-08-09T12:33:00+02:00

Film de Yves Robert

FRANCE, Genre: Comédie

Avec: Pierre Richard, Jean Rochefort, Bernard Blier, Paul Le Person, Jean Carmet, Mireille Darc, Robert Castel, Maurice Barrier,Jean Saudray, Robert Dalban, Jean Obé, Colette Castel...

Musique: Vladimir Cosma

SYNOPSIS: Paris années 1970, le colonel Toulouse chef de l'espionnage en France rentre de vacances et s'aperçoit que le colonel Milan, a monté une machination à base de trafic de drogue aux Etats-Unis pour le compromettre, ruiner sa carrière, et lui piquer son fauteuil. Mais Toulouse a venu venir Milan avec ses gros sabots et a décidé de lui tendre un "piège à cons". Il demande à Perrache, son bras droit d'aller chercher à l'aéroport le premier quidam venu et de faire croire à Milan que c'est un nouveau contact. Le piège fonctionne à merveille et Milan qui a truffé de micros l'appartement de Toulouse met sur le coup ses sbires qui se précipitent à l'aéroport pour savoir quel est ce nouvel espion. Perrache choisit un grand blond ayant les chaussures dépareillées dont une noire. Il s'agit en fait de françois Perrin un simple violoniste qui rentre d'un concert à Munich. Milan met tout en oeuvre pour connaître le passé de cet espion. Il lui met même entre les pattes Christine, une belle créature blonde pour lui soutirer des renseignements mais en vain. Milan persuadé que cet espion est vraiment très fort décide de le supprimer...

CRITIQUE: Même si le jeu éxagéré de Pierre Richard a perdu de sa fraîcheur, on suit les tribulations de ce grand blond avec délectation. Tout d'abord le scénario de Yves Robert et Francis Veber est une réussite qui sait allier grenouillages et turpitudes des services secrets avec la comédie. Suivent les dialogues cinglants d' hypocrisie et de méchancetés larvées. Et enfin une pléiade d'acteurs tous magnifiques: à la tête le trio Jean rochefort, Paul Le Person et Bernard Blier. Sans oublier la carte séduction avec Mireille Darc dans sa robe signée Guy Laroche Le rôle qui a marqué les esprits des cinéphiles. Enfin le dernier mais non le moindre, la musique de Vladimir Cosma véritable "hit" radiophonique qui a fait la renommée du film dans les foyers français.

"Sirba" Vladimir Cosma

La scène d'anthologie: Le face à face au début du film entre Toulouse qui rentre de vacances et Milan qui lui a fait un enfant dans le dos. Génial!

NOTE: 14/20

L'anecdote: Yves Robert producteur, scénariste et réalisateur ce ce film s'offre aussi un rôle de chef d'orchestre et s'avère bien tirer son épingle du jeu dans ce "Mozart massacre" auquel on assiste.

Films de Yves Robert déja commentés:

"Alexandre le bienheureux"

Ma vie n'est pas une comédie romantique

2009-08-09T01:53:17+02:00

1293_03/08/09

Même si le film s'en défend avec humour dans son titre, il correspond tout à fait à une comédie romantique. Avec un bon Gilles Lellouche dans la peau d'un trentenaire encore adulescent, le film propose un parallèle avec le genre intéressant. Il s'en détourne un peu tout en y plongeant allègrement (pluie, piano, feuilles d'automne et feu dans la cheminée), les clichés sont énormes. Ce qui permet de passer un petit moment sympathique dans des codes que l'on connaît déjà par coeur.

11/20