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Jon face aux vents

2012-02-10T13:00:00+01:00

Ce documentaire franco-suédois est consacré aux Samis, un peuple qui vit grosso modo en zone arctique, principalement en Suède et en Norvège, mais aussi dans le nord de la Finlande et le nord-ouest de la Russie.

(Comme ils vivent dans une région où il fait très froid, on a coutume de les appeler les "Samis frais"... ok, je sors.)

Le réalisateur nous fait suivre l'un d'entre eux, Jon (prononcer "Youne"), un jeune homme marié, papa depuis peu. Le film suit le rythme des saisons : on part du premier hiver et l'on finit à l'arrivée du nouveau.

La conduite des troupeaux de rennes s'est modernisée : les motoneiges ont remplacé les skis, mais on continue à les marquer "à l'ancienne", lors d'un grand rassemblement sami annuel. Si le "héros" est suivi dans son individualité, nombre de ses tâches sont gérées de manière collectives.

Le renne le fait vivre... partiellement. Il faut choisir les bonnes bêtes à tuer, pour en récupérer viande, bois, os, fourrure... On agrémente l'ordinaire du gîte ou de la tente avec le produit de la chasse (du daim par exemple). En période de migration des rennes, à l'intérieur du gîte, les mecs se réchauffent à la gnôle.

Pour compléter les revenus, chacun se débrouille. Jon sculpte et décore des objets de bois, soit des poignards (des étuis plutôt), soit des objets associés à la vie quotidienne traditionnelle. Ils sont ensuite vendus lors de manifestations mi-artistiques mi-commerciales.

Et les femmes là-dedans ? Celle de Jon a un rôle traditionnel : pour ce qu'on nous en montre, elle s'occupe de l'enfant et de travaux ménagers. Mais, dans le groupe de Samis que retrouve régulièrement notre héros, d'autres femmes participent plus activement à la vie collective.

La réalisation est propre... et les images parfois superbes. Corto Fajal a réussi à la fois les scènes d'intérieur (les mecs en chambrée ou Jon travaillant le bois) et les prises de vue extérieures. L'une des plus impressionnantes montre le troupeau de rennes en difficulté lors de la traversée d'un lac gelé.

Le film n'est pas long : il dure 1h15 environ.

Brindille (La Brindille) - Photos (2)

2012-02-05T14:26:52+01:00

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Brindille (La Brindille) - Photos

2012-02-05T14:17:00+01:00

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Brindille (La Brindille) - Review

2012-02-05T13:39:11+01:00

La découverte de la soirée, la révélation presque, a été BRINDILLE. S’appuyant sur un beau et troublant physique, il chante d’une voix rauque et hyper sensuelle ses propres textes. Entre “seulement” et “cri de révolte”, BRINDILLE subjugue et le sait bien. À lui tout seul, il vaut le détour.
“L’Indépendant”

BRINDILLE, sous ce nom peu banal, se cache un poète des nuits parisiennes, un ovni tendre... De plus il a cette beauté androgyne qui vous troublera forcément. Il est à découvrir.
“Paris Capitale”

Ce que j’ai entendu de ce jeune homme qui a pour nom BRINDILLE, est, pour moi, bien supérieur à plein de choses qui existent en disque. Vraiment, il a beaucoup de talent.
J. – Ch. Aschero - France Inter

Venez découvrir BRINDILLE ! Auteur-compositeur, il interprète de sa voix grave des chansons à texte qu’il a écrit au fil de sa vie, de son histoire et de ses rencontres. Vous serez agréablement surprises par les arrangements musicaux hors du commun de ce personnage touchant.
“La Dixième Muse”

Jambes interminables et voix “à la Marlène”, BRINDILLE présente son tour de chant. Troublant, fascinant et émouvant.
“Pariscope”

Brindille, la nouvelle friandise d’Europe, une vraie créature de Paris ! Ses chansons font l’extase du public.
E. Ferreyra "Théâtre San Telmo" (Buenos Aires)

À BRINDILLE, à sa sensibilité, à son goût de la perfection, à son mystère, à la sombre poésie de son personnage inoubliable.
Nita Corelli - “Académie des Poètes Classiques de France”

BRINDILLE, voilà un vrai nom de scène pour un vrai brin d’artiste. Tout de noir vêtu, BRINDILLE fait résonner de ses chansons les clubs et les cabarets. À son registre, des textes écrits au fil de son vécu et de ses ressentis. Dans un style qui lui est propre, il sait captiver son auditoire avec des chansons dont l’univers s’inscrit entre légèreté des musiques et une âpre réalité des textes. Inclassable, BRINDILLE est juste “Quelqu’un qui chante”.
Illico Magazine

BRINDILLE, tu es beau en dedans comme au dehors. Tu as le talent d’un arbre en fleurs. Je t’aime.
Maurice Fanon

Ce n’est pas une brindille que BRINDILLE, mais bien plutôt quelque branche qu’un Buffet plein d’amour peindrait en noir sur un ciel de brume et d’espérance.
Jacqueline Danno

Brindille incarne une forme de séduction androgyne, vénéneuse. Il évoque, le regard magnétique et la cigarette au doigt, les aspects ténébreux de l’amour, du sexe, de la vie.
A.F.P.

Brindille, c’est un personnage d’où jaillit le talent et la beauté physique avec un arrière goût décadent.
" 7 à Paris "

Un chanteur réaliste, personnage de la nuit, personnage étrange… La grande tradition de la chanson réaliste est défendue par des dames et quelques fois par des personnages étranges tel Brindille, une voix nouvelle.
Pascal Sevran

Brindille, l'un de nos derniers chanteurs réalistes "à l'ancienne", véritable artiste de cabaret, digne héritier de Dietrich, Milva, Gréco ; un univers où se côtoient des personnages à la Genet mâtinés de Prévert et Cocteau, des arpenteuses tout droit sorties d'un film de Carné et d'autres créatures improbables et mystérieuses.
Un être à part, vrai, fragile, émouvant, tendre et poétique à découvrir ou redécouvrir.
Julien Weber – VPC Radio

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Parlez-moi de vous

2012-02-05T13:06:00+01:00

C'est le premier long métrage de Pierre Pinaud, un cinéaste qui a du mal à percer, même s'il a reçu en 2009 du César du meilleur court-métrage, pour un film original : Les Miettes (un noir et blanc très "social", où l'on sent notamment l'influence de Charlie Chaplin).

Ici, Karin Viard interprète une animatrice radio de nuit, qui dialogue en direct avec des auditeurs en mal être. On pense immédiatement à Macha Béranger, qu'on peut réentendre dans plusieurs émissions mises en ligne sur ce site.

Le personnage de Mélina n'est toutefois pas un décalque de l'ancienne égérie des "sans-sommeil" ; elle n'en a ni la voix rauque (contrairement à l'une de ses assistantes dans le film) ni les chapeaux extravagants. Mais elle a son côté guindé, bourgeois, associé à une grande qualité d'écoute.

Le film réussit, grâce -à mon avis- à son interprète principale, à restituer un peu de l'atmosphère de ces soirées / nuits de confidences. Il y a les rituels suivis par l'animatrice, hypermaniaque et phobique. Il y a sa voix, chaude et douce. La réalisation, habile, filme souvent en gros plan. Une scène est particulièrement réussie : Mélina accueille à l'antenne une ancienne camarade d'orphelinat, qui raconte comment elle était fascinée, des années auparavant, par le jeu de cette fille un peu plus âgée, qui, une fois les bonnes soeurs couchées, rassemblait ses camarades derrière un drap tendu et animait une émission de radio fictive. Tout se lit sur le visage de Karin Viard.

L'autre partie de l'histoire est la quête du personnage principal, qui recherche sa mère, qui l'a abandonnée dans cet orphelinat. Elle parvient à en retrouver la trace, mais veut la côtoyer sans, dans un premier temps, se présenter. Cela nous vaut un portrait de gens modestes, dans la région parisienne. Vous savez, ces Français moyens, aujourd'hui retraités, gens de peu qui, à force de travail et d'économies, ont fini par devenir propriétaires d'une petite baraque.

Le film mérite le détour pour le contraste qu'il met en scène, entre cette vedette de la radio (anonyme : on ne connaît pas son visage), riche (elle vit dans le XVIe arrondissement de Paris), et ce milieu modeste, qui s'investit dans le caritatif.

L'histoire se complique quand une relation semble sur le point de se nouer entre l'héroïne et le jeune Lucas (Nicolas Duvauchelle, déjà présent avec Karin Viard dans Polisse).

Tout cela s'entremêle. On attend le dénouement... qui surprend, avec une scène étonnante dans un hôpital.

P.S.

Le film est dédié à Nadia Barentin (l'actrice qui incarne la mère de l'héroïne), décédée peu après le tournage.

Sherlock Holmes 2 - Jeux d'ombres

2012-02-02T23:28:00+01:00

Je n'ai pas vu le premier film dans lequel Robert Downey Jr et Jude Law redonnent vie au duo le plus mythique du roman policier : Sherlock Holmes et le docteur Watson. Les extraits diffusés à l'époque (et même d'autres depuis) m'ont fait craindre le pire : la dénaturation des principes fondamentaux des intrigues policières. Ici, c'est la confrontation avec le professeur Moriarty qui m'a attiré.

Le duo d'enquêteurs fonctionne très bien. C'est pour moi la grande qualité du film : recréer ce couple, avec un Watson plus "moderne" et un Holmes plus "djeunse". Leurs quasi-disputes conjugales sont exquises et l'on prend plaisir à les voir se chamailler.

L'intrigue n'est pas des plus élaborées, mais elle laisse la place à quelques séquences très bien foutues, notamment celle du train, qui oscille entre La Cage aux folles et Die hard 4 et celle tournée à l'intérieur de l'usine allemande, enlevée et pleine de rebondissements. J'ai aussi beaucoup apprécié l'enterrement de la vie de garçon de Watson et le finale dans le château suisse.

Aux acteurs principaux s'ajoutent deux excellents seconds rôles, Noomi Rapace (oui, Lisbeth Salander, la seule, la vraie, l'unique) en bohémienne pleine de ressources et Stephen Fry, qui incarne avec désinvolture un Mycroft Holmes totalement décomplexé !

Par contre, j'ai peu goûté l'abus de ralentis. Je comprends qu'on ait choisi cette technique pour nous faire toucher du doigt l'extraordinaire faculté d'observation du héros, mais, franchement, là, c'est trop. Et je ne parle pas des scènes de baston survitaminées. On nous fait de ce champion de la déduction, plutôt enquêteur en chambre, un roi de la castagne. C'est la principale limite de ce film, qui, à trop vouloir séduire un certain public, rate parfois sa cible.

Les courts-métrages nommés aux Césars 2012

2012-01-27T23:23:00+01:00

Il ne m'a pas été possible de tous les voir. J'ai quand même pu visionner au moins un extrait de chaque. Ils sont de genres très différents.

Deux d'entre eux sont ouvertement militants. La France qui se lève tôt (de Hugo Chesnard) marie le pamphlet à la comédie musicale... Je ne suis pas hyper emballé... mais un jury "politiquement correct" aimera sans doute cette défense et illustration des sans-papiers.

Plus convaincant, parce que plus subtil, est le drôlatique Je pourrais être votre grand-mère (de Bernard Tanguy), qui voit un jeune avocat d'affaires se lancer dans la création de pancartes pour SDF. Très corrosif !

D'autres jeunes cinéastes ont tenté la comédie de moeurs. Les extraits disponibles de J'aurais pu être une pute (de Baya Kasmi... qui donne très envie de voir l'intégralité !) et de Un Monde sans femmes (de Guillaume Brac : extrait 1 et extrait 2) sont prometteurs.

Mais mon préféré, le plus abouti selon moi, est L'Accordeur, d'Olivier Treiner. On est face à un vrai metteur en scène et une histoire bien construite. Il est question d'un pianiste, de la cécité et d'un meurtre...

Les nominations pour les Césars 2012

2012-01-27T17:05:00+01:00

Sur le site de l'Académie des arts et techniques du cinéma, on peut télécharger la liste complète des nominations, sans doute présentée dans l'ordre dans lequel les récompenses seront décernées :

Césars-nominations-2012.pdf

Je vais me livrer à un exercice difficile, non pas celui du pronostic (puisque je n'ai pas vu tous les films concernés et que, de surcroît, je ne pense pas avoir des goûts représentatifs de la majorité des personnes qui votent), mais celui des préférences, parmi le choix proposé, forcément restrictif. (J'ai déjà décerné mes propres récompenses, les Ritons 2011.)

Meilleur scénario original

Entre les quatre films que j'ai vus, il n'est pas facile de trancher. L'histoire d'Intouchables est forte, mais elle s'inspire de faits réels, tout comme celle de Polisse. Le mérite est plus grand quand on doit davantage imaginer, selon moi. Restent The Artist et L'Exercice de l'Etat. Le premier est davantage conçu sur le mode de l'hommage. Je choisis donc le second et Pierre Schoeller.

Meilleure adaptation

J'hésite beaucoup entre Présumé coupable et Carnage. Comme c'est pour moi la seule occasion de récompenser le film de Polanski, qui m'a fait beaucoup rire, je choisis Carnage et le travail de Yasmina Reza et Roman Polanski. Mais celui de Vincent Garenq est aussi très bon.

Meilleur montage

Pour moi, cela se joue entre Polisse (Laure Gardette et Yann Dedet) et The Artist (Anne-Sophie Bion et Michel Hazanavicius). Je choisis le second.

Meilleur réalisateur

Je donne la prime à l'originalité rétro : Michel Hazanavicius pour The Artist.

Meilleure actrice

J'ai beaucoup aimé les compositions de Marina Foïs et Karin Viard dans Polisse, mais je choisis Marie Gillain, dont la force de l'intériorité m'a bouleversé dans Toutes nos envies.

Meilleur acteur

Choix très très difficile. Je pense honnêtement qu'ils méritent tous le César. Je place néanmoins un peu au-dessus la performance réalisée par Philippe Torreton dans Présumé coupable.

Meilleure actrice dans un second rôle

Anne Le Ny, dans Intouchables. (Mais Zabou Breitman n'est pas loin.)

Meilleur acteur dans un second rôle

Aucune autre personne que Michel Blanc, dans L'Exercice de l'Etat, ne peut décrocher la récompense.

Meilleur film documentaire

On va dire que l'Aveyronnais que je suis manque d'objectivité, mais, franchement, Tous au Larzac est au-dessus du lot.

Meilleur premier film

Là aussi, le choix est facile : Le Cochon de Gaza.

Meilleur film étranger

Pour moi, cela se joue entre Incendies et Une Séparation. Avantage au film iranien.

Meilleur film

Je choisis le plus complet de la liste, pas forcément le plus récompensé par moi, mais celui qui est bien placé dans toutes les catégories, à savoir Polisse.

Restent les regrets, les absents. Plusieurs très bons films français sont exclus des nominations :

- La Grotte des rêves perdus, bizarrement absent de la liste des meilleurs documentaires

- Jeanne captive (le film anti-paillettes), ainsi que son interprète principale Clémence Poésy

- Moi, Michel G., milliardaire, maître du monde, une excellente comédie satirique injustement ignorée

- L'Assaut, un très bon film d'action, mais où les méchants sont des musulmans, ce qui n'est pas politiquement correct dans le monde du cinéma français

- De bon matin, un film coup de poing, en prise sur son temps, avec Darroussin au meilleur de sa forme (mais les critiques préfèrent le voir médiocre chez Guédiguian).

Il ne reste plus qu'à attendre le palmarès.

Et le César est attribué à...

2012-01-27T15:00:00+01:00

Cela fait maintenant un grand moment que je n’ai rien publié sur le cinéma. Pourtant, je continue de fréquenter les salles obscures, et même de plus en plus fréquemment. Selon moi, 4 films vont tout rafler aux Césars cette année. C’est d’ailleurs presque dommage de les mettre en compétition les uns contre les autres car dans ces 4 là, plus quelques autres, il y a eu de l’excellent. Dans le cinéma il y a des années "avec" et des années "sans". 2011 a été une année "avec" +++. La hausse de la fréquentation en est d'ailleurs la preuve.

D’abord, Polisse de Maïwenn. Un excellent film sur la brigade des mœurs à Paris. Mené d’une très belle façon en présentant pas trop durement des sujets qui le sont pourtant énormément, ce film jouit d’un excellent casting. Joey Starr est très bon. Il y a fort à parier que de nombreux prix lui seront attribués : interprétation, bande originale, photo...

Il y a ensuite, bien évidemment, The Artist. Le succès international de ce film est déjà certain, et amplement mérité. Il est dès lors possible que Jean Dujardin, Bérénice Béjo, Thomas Langmann et Michel Hazanivicius récoltent de nombreux prix. Des prix d’interprétation certainement, mais aussi sur la photo ou la musique originale.

Autre film qui devrait remporter la mise : l’excellent Intouchables. François Cluzet est magique, Omar Sy égal à lui-même. De belles images, un scenario qui tient la route, des textes très bien écrits… Un gros potentiel pour ce succès.

Enfin, il y a l’excellent film "politique" de l’année : L’exercice de l’Etat. Là aussi, d’excellents interprètes avec Michel Blanc, Zabou Breitmann et Olivier Gourmet notamment, un très très bon scénario, des décors bien faits et une bonne réalisation.

Voilà pour les 4 films qui, pour moi, méritent tous les honneurs. Néanmoins, il y a d’autres perles nominées ici ou là. D’abord, Philippe Torreton dans Présumé coupable est impressionnant. Du grand jeu d’acteur. Une métamorphose parfaitement maîtrisée. Du pathos quand il faut. Vraiment excellent. Vincent Garenq devrait obtenir le prix de la meilleure adaptation. J’ai aussi beaucoup aimé Tu seras mon fils. Forcément, dans les vignobles de Saint-Emilion, de belles images ! Une histoire touchante qui m’a fait bouillir intérieurement. Niels Arestrup et Lorant Deutsch avaient un bon jeu. Idem pour Nicolas Bridet qui tient le bon bout pour le meilleur espoir.

Pour le meilleur premier film, je verrais bien le Cochon de Gaza. Il le mérite. Un bon scénario, de bons acteurs et une histoire qui montre en arrière plan la difficile réalité de la vie à Gaza et l’espoir de réconciliation. Un film touchant et drôle qu’il convient de voir.
Enfin, pour le meilleur film étranger, je récompenserais sans hésiter Le discours d’un roi bien que ses compétiteurs soient aussi d’un haut niveau.

Mes prédictions (ou favoris) en rouge ci-dessous.

Meilleur espoir féminin

NAIDRA AYADI dans "Polisse"
ADÈLE HAENEL dans "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
CLOTILDE HESME dans "Angèle et Tony"
CÉLINE SALLETTE dans "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
CHRISTA THÉRET dans "La brindille"

Meilleur espoir masculin

NICOLAS BRIDET dans "Tu seras mon fils"
GRÉGORY GADEBOIS dans "Angèle et Tony"
GUILLAUME GOUIX dans "Jimmy Rivière"
PIERRE NINEY dans "J'aime regarder les filles"
DIMITRI STOROGE dans "Les Lyonnais"

Meilleur scénario original

VALÉRIE DONZELLI, JÉRÉMIE ELKAÏM pour "La guerre est déclarée"
MICHEL HAZANAVICIUS pour "The Artist"
MAÏWENN, EMMANUELLE BERCOT pour "Polisse"
PIERRE SCHOELLER pour "L'exercice de l'Etat"
ERIC TOLEDANO, OLIVIER NAKACHE pour "Intouchables"

Meilleure adaptation

DAVID FOENKINOS pour "La délicatesse"
VINCENT GARENQ pour "Présumé coupable"
OLIVIER GORCE, ROSCHDY ZEM, RACHID BOUCHAREB, OLIVIER LORELLE pour "Omar m'a tuer"
MATHIEU KASSOVITZ, PIERRE GELLER, BENOÎT JAUBERT pour "L'ordre et la morale"
YASMINA REZA, ROMAN POLANSKI pour "Carnage"

Meilleure musique originale

ALEX BEAUPAIN pour "Les bien-aimés"
BERTRAND BONELLO pour "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
LUDOVIC BOURCE pour "The Artist"
-M-, PATRICE RENSON pour "Un Monstre à Paris"
PHILIPPE SCHOELLER pour "L'exercice de l'Etat"

Meilleur son

PASCAL ARMANT, JEAN GOUDIER, JEAN-PAUL HURIER pour "Intouchables"
JEAN-PIERRE DURET, NICOLAS MOREAU, JEAN-PIERRE LAFORCE pour "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
OLIVIER HESPEL, JULIE BRENTA, JEAN-PIERRE LAFORCE pour "L'exercice de l'Etat"
NICOLAS PROVOST, RYM DEBBARH-MOUNIR, EMMANUEL CROSET pour "Polisse"
ANDRÉ RIGAUT, SÉBASTIEN SAVINE, LAURENT GABIOT pour "La guerre est déclarée"

Meilleure photo

PIERRE AÏM pour "Polisse"
JOSÉE DESHAIES pour "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
JULIEN HIRSCH pour "L'exercice de l'Etat"
GUILLAUME SCHIFFMAN pour "The Artist"
MATHIEU VADEPIED pour "Intouchables"

Meilleur montage

ANNE-SOPHIE BION, MICHEL HAZANAVICIUS pour "The Artist"
LAURENCE BRIAUD pour "L'exercice de l'Etat"
PAULINE GAILLARD pour "La guerre est déclarée"
LAURE GARDETTE, YANN DEDET pour "Polisse"
DORIAN RIGAL ANSOUS pour "Intouchables"

Meilleurs costumes

CATHERINE BABA pour "My little Princess"
MARK BRIDGES pour "The Artist"
CHRISTIAN GASC pour "Les femmes du 6e étage"
VIORICA PETROVICI pour "La Source des femmes"
ANAÏS ROMAND pour "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"

Meilleurs décors

LAURENCE BENNETT pour "The Artist"
ALAIN GUFFROY pour "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
PIERRE-FRANÇOIS LIMBOSCH pour "Les femmes du 6e étage"
JEAN MARC TRAN TAN BA pour "L'exercice de l'Etat"
WOUTER ZOON pour "Le Havre"

Meilleur réalisateur

ALAIN CAVALIER pour "Pater"
VALÉRIE DONZELLI pour "La guerre est déclarée"
MICHEL HAZANAVICIUS pour "The Artist"
AKI KAURISMÄKI pour "Le Havre"
MAÏWENN pour "Polisse"
PIERRE SCHOELLER pour "L'exercice de l'Etat"
ERIC TOLEDANO, OLIVIER NAKACHE pour "Intouchables"

Meilleur film de court métrage

"L'ACCORDEUR" réalisé par Olivier Treiner
"LA FRANCE QUI SE LÈVE TÔT" réalisé par Hugo Chesnard
"J'AURAIS PU ÊTRE UNE PUTE" réalisé par Baya Kasmi
"JE POURRAIS ÊTRE VOTRE GRAND-MÈRE" réalisé par Bernard Tanguy
"UN MONDE SANS FEMMES" réalisé par Guillaume Brac

Meilleure actrice

ARIANE ASCARIDE dans "Les neiges du Kilimandjaro"
BÉRÉNICE BEJO dans "The Artist"
LEÏLA BEKHTI dans "La Source des femmes"
VALÉRIE DONZELLI dans "La guerre est déclarée"
MARINA FOÏS dans "Polisse"
MARIE GILLAIN dans "Toutes nos envies"
KARIN VIARD dans "Polisse"

Meilleur acteur

SAMI BOUAJILA dans "Omar m'a tuer"
FRANÇOIS CLUZET dans "Intouchables"
JEAN DUJARDIN dans "The Artist"
OLIVIER GOURMET dans "L'exercice de l'Etat"
DENIS PODALYDÈS dans "La conquête"
OMAR SY dans "Intouchables"
PHILIPPE TORRETON dans "Présumé coupable"

Meilleure actrice dans un second rôle

ZABOU BREITMAN dans "L'exercice de l'Etat"
ANNE LE NY dans "Intouchables"
NOÉMIE LVOVSKY dans "L'Apollonide, souvenirs de la maison close"
CARMEN MAURA dans "Les femmes du 6e étage"
KAROLE ROCHER dans "Polisse"

Meilleur acteur dans un second rôle

MICHEL BLANC dans "L'exercice de l'Etat"
NICOLAS DUVAUCHELLE dans "Polisse"
JOEYSTARR dans "Polisse"
BERNARD LE COQ dans "La conquête"
FRÉDÉRIC PIERROT dans "Polisse"

Meilleur film d'animation

"LE CHAT DU RABBIN" réalisé par Joann Sfar, Antoine Delesvaux
"LE CIRQUE" réalisé par Nicolas Brault
"LA QUEUE DE LA SOURIS" réalisé par Benjamin Renner
"LE TABLEAU" réalisé par Jean-François Laguionie
"UN MONSTRE À PARIS" réalisé par Bibo Bergeron

Meilleur film documentaire

"LE BAL DES MENTEURS" réalisé par Daniel Leconte
"CRAZY HORSE" réalisé par Frederick Wiseman
"ICI ON NOIE LES ALGÉRIENS" réalisé par Yasmina Adi
"MICHEL PETRUCCIANI" réalisé par Michael Radford
"TOUS AU LARZAC" réalisé par Christian Rouaud

Meilleur premier film

"17 FILLES" réalisé par Delphine Coulin, Muriel Coulin
"ANGÈLE ET TONY" réalisé par Alix Delaporte
"LE COCHON DE GAZA" réalisé par Sylvain Estibal
"LA DÉLICATESSE" réalisé par David Foenkinos, Stéphane Foenkinos
"MY LITTLE PRINCESS" réalisé par Eva Ionesco

Meilleur film étranger

"BLACK SWAN" réalisé par Darren Aronofsky
"LE DISCOURS D'UN ROI" réalisé par Tom Hooper
"DRIVE" réalisé par Nicolas Winding Refn
"LE GAMIN AU VÉLO" réalisé par Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
"INCENDIES" réalisé par Denis Villeneuve
"MELANCHOLIA" réalisé par Lars von Trier
"UNE SÉPARATION" réalisé par Asghar Farhadi

Meilleur film

"L'EXERCICE DE L'ETAT" produit par Denis Freyd, réalisé par Pierre Schoeller
"LA GUERRE EST DÉCLARÉE" produit par Edouard Weil, réalisé par Valérie Donzelli
"LE HAVRE" produit par Fabienne Vonier, réalisé par Aki Kaurismäki
"INTOUCHABLES" produit par Nicolas Duval Adassovsky, Yann Zenou, Laurent Zeitoun, réalisé par Eric Toledano, Olivier Nakache
"PATER" produit par Michel Seydoux, réalisé par Alain Cavalier
"POLISSE" produit par Alain Attal, réalisé par Maïwenn
"THE ARTIST" produit par Thomas Langmann, réalisé par Michel Hazanavicius

Incendies

2012-01-26T23:14:00+01:00

La semaine dernière s'est déroulé le Festival Télérama, qui voit des cinémas reprogrammer des films "art et essai" de l'année écoulée. Parmi ceux-ci, je recommande L'Exercice de l'Etat et surtout Une Séparation.

En Aveyron, ce n'est pas sur les cinémas de Rodez qu'il fallait compter pour accorder une telle place à une programmation originale. C'est le cinéma decazevillois "La Strada" qui a permis aux cinéphiles de (re)voir des films de qualité peu diffusés.

Il y a plusieurs mois de cela, je m'en étais voulu d'avoir raté Incendies à sa sortie. Du coup, là, j'ai fait en sorte de voir ce film. C'est une production canado-libanaise. Il est inspiré (en partie) de l'histoire de Soha Bechara, parfois surnommée la "Jeanne d'Arc libanaise".

Le film prend son temps. Il démarre lentement, mettant en place son dispositif : des allers et retours entre le monde actuel, celui de la mort de l'héroïne (apparemment diminuée intellectuellement et physiquement), et sa jeunesse au Liban juste avant et pendant la guerre civile.

Nous suivons ses enfants, les (faux) jumeaux Jeanne et Simon, dans leur quête du passé caché de leur mère, aidés en cela par un notaire sympathique et débonnaire (un personnage de science-fiction ?).

Les scènes anciennes permettent de voir en action une actrice remarquable, Lubna Azabal, naguère remarquée dans Viva Laldjérie, Paradise now et Les Hommes libres. On la voit successivement jeune femme amoureuse, patriote militante, enseignante, meurtrière, prisonnière, enfin mère éteinte. Pour bien comprendre les enjeux des principaux retournements, je recommande d'être particulièrement attentif lors de la première séquence de jeunesse.

Le film joue sur la montée progressive de la tension. On se retrouve quasiment dans un polar. La dernière demi-heure est celle des révélations les plus fracassantes, dont l'accumulation donne un tour encore plus dramatique à l'histoire... à tel point que l'on frise l'invraisemblance. Pour que le tout tienne mieux la route (notamment la révélation sur le vrai père des jumeaux), il aurait fallu mieux mettre en scène l'ellipse qui fait sauter l'intrigue de la jeunesse de l'héroïne à son action de militante à l'âge adulte, même si sa coiffure et ses vêtements sont censés nous faire comprendre que pas mal de temps a passé depuis la naissance du premier enfant.

La fin est assez inattendue, et je suis sorti de là un peu sous le choc.

P.S.

Un documentaire canadien permet de suivre Soha Bechara, de retour au Liban.

LES PREDATEURS (1983)

2012-01-26T19:09:00+01:00

Film de Tony Scott

Titre original: The hunger

GB, Genre: Fantastique

Avec: Catherine Deneuve, David Bowie, Susan Sarandon, Dan Hedaya...

Musique: Denny Jaeger et Michel Rubini Musique additionnelle: Bauhaus, Johann Sebastian Bach

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Miriam Blaylock, une immortelle New Yorkaise, transmet par le vampirisme une jeunesse qui dure jusqu'à trois siècle à ses amants ou ses maîtresses qui deviennent eux-même vampires. Et ce depuis l'antiquité égyptienne. Au bout de ces trois siècles une déchéance rapide et mortelle les attend...

CRITIQUE: Film magnifique pour son histoire romantique à souhait, et ses images hyper léchées (trop diront ses détracteurs, et il y en a!) Tony Scott vient de la publicité et cela se voit mais ne nuit pas au film. Tony Scott signe ici son premier film et le plus personnel. Il n'était pas encore un de ces faiseurs de blockbuster hollywoodiens efficace mais à la personnalité gommée au profit de l'efficacité narrative. Catherine Deneuve est au sommet de sa beauté et de son talent. Elle incarne à merveille cette vampire vieille de plusieurs siècles dont la mort de ses amant(e)s est à chaque fois une déchirure. David Bowie est magnifique en homme à la fois apeuré par sa fin proche et prêt à tout pour suivre sa bien aimée à travers les siècles. Les illustrations musicales qui vont du classique au métal sont elles aussi trés réussies.
"Suite pour violoncelle n°1 BWV 1007" Johann Sebastian Bach

La scène d'anthologie: la scène de séduction qui finit en scène saphique entre Miriam et Sarah. Trés léchée...

NOTE: 18/20

L'anecdote: Film allègrement massacré à sa sortie par la critique. Il est aujourd'hui encensé par ces messieurs dames de la pensée cinématographique française.

Films de Tony Scott déja commentés:

"L'attaque du métro 123"

J Edgar

2012-01-22T15:33:00+01:00

Clint Eastwood s'est donc "attaqué" à la biographie de l'ancien directeur du FBI, John Edgar Hoover. Le titre est révélateur de la célébrité de cet homme de l'ombre, qui ne s'est pas contenté de se faire un nom, mais aussi un prénom... et même deux ! Le film montre bien que la manière dont une personne s'adressait à lui ("Mister Hoover", "John", "Edgar") révélait la nature de leurs rapports.

Le réalisateur s'attarde sur le "privé". Le jeune homme n'a pas digéré sa relation oedipienne avec sa mère, ce qui l'a sans doute handicapé dans sa vie sentimentale. A un moment, Eastwood nous montre le film qu'il aurait pu faire, si quelque chose de charnel s'était noué entre le jeune Edgar (Di Caprio éblouissant, aussi bien jeune que vieux) et sa future collaboratrice, Helen Gandy, incarnée avec brio par Naomi Watts. Les deux personnes semblent faites du même bois : dévouées à leur travail et à une certaine idée des Etats-Unis.

La part la plus délicate est la peinture de la relation homosexuelle qui liait Hoover à son bras droit, Clyde Tolson (Armie Hammer, lui aussi excellent ; on l'avait remarqué dans The Social Network). Dans la première moitié du film, Eastwood semble marcher sur des oeufs, lui l'hétérosexuel viril flamboyant des années 1960-1990. Dans la seconde partie, il représente ce quasi-couple comme il l'aurait fait d'un homme et d'une femme... en évacuant le côté sexuel toutefois.

Le film est aussi réussi (et inabouti) dans son traitement du parcours professionnel de Hoover. On nous le dépeint comme un jeune ambitieux propre sur lui, très pointilleux sur le respect des convenances et de la loi. Très tôt (dès l'après-première guerre mondiale), il a la passion de combattre le crime (avec l'exemple emblématique de l'affaire Lindbergh) et le communisme.

Les partis pris d'Eastwood (le républicain) sont visibles dans la manière dont il choisit d'illustrer les relations ambiguës entretenues par le chef du FBI et les hôtes successifs de la Maison Blanche. Il est plutôt question des présidents démocrates : Roosevelt et JFK. La gué-guerre menée par Hoover contre Martin Luther King est elle aussi montrée du point de vue du chef du FBI. Du coup, sont cités dans le film essentiellement les défauts de ses adversaires... et j'ai trouvé que les magouilles de Hoover ont été singulièrement édulcorées.

Le plus paradoxal est que sa carrière prend fin quand est élu président celui qui, a priori, pouvait sembler le plus proche de ses convictions : Richard Nixon. Mais Eastwood prend soin de laisser entendre que le nouveau patron n'a rien à envier au vieil Edgar, question magouilles. (La fin contient une préfiguration de l'affaire du Watergate.)

Eastwood a voulu mêler le mélo au film politique. Le mélange tient bien la route, parce que c'est bien joué, bien filmé et que la musique (signée Clint) est chouette. C'est plutôt l'histoire intime qui est la mieux traitée, selon moi. La vie professionnelle de Hoover durant l'Entre-deux-guerres est bien restitutée. Mais son action dans les années 1940-1960 n'est pas étudiée de manière approfondie. Cela aurait sans doute conduit Eastwood à trop se distancier de son "héros", ce qui n'était visiblement pas dans ses intentions.

Echange vampire contre démon...

2012-01-20T12:15:00+01:00

La compagnie ça change un peu ! remercie toutes les personnes qui ont participé à la vingtième séance du ciné club qui s'est déroulée jeudi 19 janvier au Ciné Vox de Langres.

Une cinquantaine de personnes a fait le déplacement pour assister à la projection du film Le démon s'éveille la nuit de Fritz Lang. Ce film a remplacé avec brio Nosferatu dont la copie n'était pas adaptée à la projection au cinéma.

Rendez-vous est déjà pris pour la prochaine séance en février où sera projeté le film Johnny Guitare de Nicholas Ray (1954).

Cinéma à Milly

2012-01-19T09:30:23+01:00

mardi 24 janvier
Les projections ont lieu à la salle des fêtes de Milly-la-Forêt, située boulevard Lyautey et sont assurées par Cinessonne, association soutenue par le Conseil général de l’Essonne.
Tarifs
Enfants : 4 €
Adultes : 5 €

à 15h et 20h30 : Intouchables
Film français
Réalisée par Eric Toledano, Olivier Nakache
Avec François cluzet et Omar Sy
1h52

à 18h : Le Tableau
Film d’animation français
Réalisé par Jean-François Laguionie
Film pour enfants à partir de 6 ans
1h16

Pour en savoir plus : c'est ici

Intouchables

2012-01-14T16:43:00+01:00

(Début novembre 2011)

- Il parait qu'Intouchables est pas mal, comme comédie. T'en penses quoi ?

- Pas grand chose : il vient de sortir et je ne l'ai pas vu. Par contre, je peux te recommander De bon matin (avec un Darroussin excellent) et L'Exercice de l'Etat (Michel Blanc et Olivier Gourmet é-pa-tants).

- J'en doute pas, mais ils ne sont pas encore à Rodez, tes films !

(Début décembre 2011)

- Bon, alors tu l'as vu, Intouchables ?

- Toujours pas ! Il y a une queue pas possible ! Je ne vais tout de même pas me taper une demi-heure avant de passer en caisse, puis une demi-heure dans la salle avant le début !

(Début janvier 2012)

- Ne me dis pas que tu n'as toujours pas vu Intouchables !

- Eh bien si ! J'avais autre chose à faire durant les fêtes... et j'ai un peu peur d'être déçu.

- Tu peux y aller ! C'est meilleur que Bienvenue chez les Ch'tis !

J'ai donc enfin vu le film-événement (en terme de nombre d'entrées). J'ai même eu le plaisir d'assister à une séance relativement peu suivie... mais dans la grande salle du Royal, ce qui n'est pas déplaisant.

Bon, à la base, cela fonctionne sur des clichés. On a un riche très riche, plutôt pincé, voire méprisant. On ne sait pas trop comment il a obtenu tout cela, ni comment une telle fortune se gère... mais on le voit bien dépenser sans compter ! Face à lui on nous a placé quasiment "une racaille" de banlieue, un Black en baskets et haut de survêtement, avec une tchatche d'enfer. Il est plutôt agressif et plein de préjugés, lui aussi.

Notons tout de suite que l'interprétation est excellente. François Cluzet fait tout passer par le visage et la diction ; c'est impressionnant. Omar Sy joue sur plusieurs registres. Certes, le rôle a été adapté pour lui (dans la vraie vie, c'est un Algérien, Abdel Sellou, qui a accompagné le tétraplégique... du coup, en Algérie, des voix se sont élevées pour regretter le changement opéré), mais il ajoute la subtilité à l'abattage. Parmi les seconds rôles (très bons), signalons Anne Le Ny (la réalisatrice de Ceux qui restent) et la pulpeuse Audrey Fleurot.

J'ai souvent ri. Il y a bien sûr le comique de situation, avec le "choc des cultures" du début, assez attendu, mais bien rendu. Il y a aussi tout ce qui touche aux handicaps de Philippe Pozzo di Borgo. Il y a enfin toutes les "vannes" que les personnages se lancent : ça chambre un max... et des deux côtés ! (Je dois d'ailleurs avouer que je ne connaissais pas celle du "Pas de bras, pas de chocolat !")

C'est autour du personnage -modifié- de Driss qu'un aspect social a été introduit dans l'histoire. Le personnage de la "mère" (la tante en réalité) est très touchant, et les difficultés de cette famille de banlieue issue de l'immigration ne sont pas montrées avec une ostentation excessive. D'un point de vue filmique, j'ai aussi apprécié les plans du quartier tout comme ceux du métro. Les auteurs ont un potentiel à exploiter dans le cinéma réaliste.

C'est par contre la limite du film. Bien qu'il soit inspiré d'une histoire vraie, le parcours de ces deux hommes est plutôt l'exception que la règle. La vie des handicapés moteurs est encore plus pénible que celle du héros, parce qu'ils n'ont pas les moyens financiers dont dispose Philippe. Quant à la famille d'Omar-Driss, elle parvient finalement à surmonter toutes les embûches, alors qu'une ou deux situations pouvaient déboucher sur un drame. En cette fin d'année 2011, on a voulu offrir aux Français un joli conte de fées.

P.S.

Aux Etats-Unis, on n'a pas forcément vu le film avec ce regard-là. La "politiquement correct" n'est pas tout à fait le même ici et là-bas. Ainsi, le personnage incarné par Omar Sy est à la base assez violent, homophobe et adopte vis-à-vis des femmes qu'il essaie d'entreprendre un comportement qui pourrait être qualifié de harcèlement outre-Atlantique. Et je ne parle même pas de la vision de la musique classique... dont Driss finit toutefois par s'accoutumer, de la même manière qu'il acquiert une certaine compétence en peinture. Un Français dirait qu'il finit par réellement s'intégrer tandis que le grand bourgeois se décoince.

Bruegel, le moulin et la croix

2012-01-12T21:42:00+01:00

C'est un bien étrange film que le Polonais Lech Majewski a consacré au tableau de Pieter Bruegel, Le Portement de croix (dont une reproduction numérique en haute définition est visible ici) :

Après une vue détaillée de la composition du tableau, on nous propose un éclairage sur certains éléments. Il y a la famille du meunier, au réveil pittoresque de laquelle on assiste, avant de voir le fils se diriger laborieusement à son poste de travail. (Beau travail sur le son.)

Il y a aussi le ménage du peintre, avec ces enfants chahuteurs. On suit ainsi le début de journée d'une série de personnages, lors de scènes d'intérieur, un brin théâtrales, néanmoins maîtrisées.

Le ton change avec l'arrestation puis le supplice de l'un de ces quidams. Ici, le portraitiste social se fait militant politique, dénonçant l'occupation de la Flandre par l'Espagne. Le destin de cet inconnu, emblématique de celui du territoire, est mis en parallèle avec la montée au Golgotha de Jésus. C'est le passage qui m'a le moins emballé. C'est laborieux, alors que le martyre de l'inconnu était bien mis en scène.

On peut trouver son plaisir dans le jeu des couleurs. Le cinéaste s'est évertué à tenter de restituer la richesse picturale de l'oeuvre d'origine. Du coup, on a particulièrement soigné les costumes, qui font même un peu trop "jolis". Cela confine à l'enluminure.

Cela reste à mon avis plus réussi que La Ronde de nuit de Greenaway, mais moins que Ce que mes yeux ont vu (de Laurent de Bartillat), qui avait choisi le biais de la fiction.

P.S.

Ceux que le sujet passionne peuvent se rendre sur un site où l'organisation du tableau est expliquée en détail.

The Gods of Indian cinema

2012-01-12T08:00:00+01:00

I never understood fans. Human beings worshipping other human beings.

For singing, writing, painting. Doing things than anyone can do, with more or less talent.

I always felt that fans must, somehow, fill a void with the unconditional love for a star.

But enough of philosophical considerations. Everyone does what they want…

If you follow Bollywood cinema, you have heard of Amitabh Bachchan and Shahrukh Khan.

But does the name Rajnikanth ring a bell? He is a South-Indian superstar (originally born in Karnatak from a poor Maharashtrian family, he mainly stars in Tamil movies – Kollywood).

Comparing the popularity of actors by the number of fans is impossible but let’s look at collections.

The top Bollywood movie, 3 Idiots (2009) brought Rs 201 crores (€28 millions) whereas Endhiran (starring Rajnikanth, and dubbed in Telugu and Hindi) brought 400 crores (€56 millions).

Besides, in 2006, Rajnikanth was quoted as the most paid actor with earnings of Rs 15-20 crores (€2.8 millions); in 2009 he was paid more than Rs 40 crores (€5.6 millions) per movie. Well above Bollywood stars.

So obviously Rajnikanth has a huge number of fans. And here is what they do to worship him:

§ Build temple dedicated to him,

§ Tonsure their heads and fasting when he is sick,

§ Give a free gift of gold ring for every child born on the date of the release date of a Rajinikanth’s movie,

§ Publicly ritualizing his film posters and appropriating Hindu rituals to divinize their star deity: to celebrate the release of a film they take poster of the movie to the temple and to a theatre where it is bathed in about 100 to 200 litres of milk carried, on their heads, by the fans.

And you, what do you do to worship Brad Pitt huh??

Sources:

http://www.indianexpress.com/news/the-most-powerful-indians-in-2009-96100/433194/

http://www.indicine.com/movies/bollywood/top-5-biggest-grossers-of-bollywood/

http://cinema.currentweek.net/2011/01/kollywood-movies-top-10-blockbusters.html

http://zeenews.india.com/entertainment/celebrity/rajinikanth-fans-tonsure-heads-in-tn-temple_93509.htm

http://www.ihc.ucsb.edu/rajinikanth-fans/

http://www.dailymotion.com/video/xhsqpe_robot-special-5000-rajnikanth-fans-give-rajnikanth-a-milk-bath_fun

http://www.tamilnow.com/articles/tamil-film-stars-fans-club.htm

La Bo de 10 jours en Or, un cru exceptionnel !

2012-01-09T16:00:33+01:00

Ancien Martin Circus, Alain Pewzner est devenu un grand compositeur de film comme en atteste sa BO de 10 jours en Or, film touchant de Nicolas Brossete avec Franck Dubosc dans son premier grand rôle dramatique

la bo déjà sortie s'écoute comme une grande fresque pop et lumineuse

Plus d'infos & bande annonce du film ici : http://www.10joursenor.fr/

Les ”Ritons” 2011

2012-01-01T17:16:00+01:00

L'an dernier, j'ai décidé d'appeler "Ritons" le palmarès des films qui m'ont particulièrement marqué durant l'année écoulée. Voici donc mon bilan cinéphilique de 2011.

Riton du film cro-magnon : La Grotte des rêves perdus

Riton du film sur une gonzesse : Jeanne captive

Riton de la nostalgie du muet : The Artist

Riton du film sur la guerre d'Espagne et ses conséquences : Pain noir

Riton du film clownesque : Balade triste

Riton de la fresque historique : la trilogie Welcome in Vienna

Riton du film éclairant un aspect de la Seconde guerre mondiale : John Rabe

Riton du film de trekking : Les Chemins de la liberté

Riton de la biographie de François Bayrou : Le Discours d'un roi

Riton du documentaire sur le triomphe de la démagogie en politique : Le Président

Riton du film sur le mélange des genres : Moi, Michel G, milliardaire, maître du monde

Riton de la fiction politique : L'Exercice de l'Etat

Riton du film de tension : L'Assaut

Riton du film nostalgique de l'après-guerre : Les Tribulations d'une amoureuse sous Staline

Riton du film anti-ségrégation : La Couleur des sentiments

Riton du film d'action post-guerre froide : Mission : impossible - Protocole fantôme

Riton du film de flics : Polisse

Riton du film consacré à une erreur judiciaire : Présumé coupable

Riton du film de bagnole : La Défense Lincoln

Riton du mélo : Toutes nos envies

Riton du film sociétal : De bon matin

Riton du documentaire militant : Gasland (techniquement moins joli que Tous au Larzac, mais plus fort)

Riton du film sardonique : Carnage

Riton du film iranien : Une Séparation

Riton du film consacré au conflit israélo-palestinien : Le Cochon de Gaza

Vous constatez que cette liste semble, pour l'instant, marquée par les films ancrés dans le réel, parfois très durs. C'est un genre que j'aime, mais l'année 2011 a aussi été riche en fantaisie.

Riton du roman-feuilleton : Les Mystères de Lisbonne

Riton du western : True Grit

Riton du film d'anticipation : Source Code (devant Time Out)

Riton du "prequel" : La Planète des singes : les origines

Riton du film de drogué : Limitless

Riton du film de poupées : Les Fables de Starevitch

Riton du film musical : Chico et Rita

Riton du manga : Colorful

Riton de l'animation animalière : Le Chat Potté

TOUCHEZ PAS AU GRISBI (1953)

2012-01-01T09:26:00+01:00

Film de Jacques Becker

FRANCE, Genre: Policier

Avec: Jean Gabin, René Dary, Paul Frankeur, Lino Ventura, Jeanne Moreau, Daniel Cauchy, Dora Doll, Marilyn Buferd, Michel Jourdan, Gaby Basset, Denise Clair, Delia Scala, Jean Riveyre...

Musique: Jean Wiener

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Paris années 1950 Max-le-menteur est un truand qui aborde la cinquantaine ainsi que son ami Riton avec lequel il fait ses coups. Le dernier, celui qui doit leur assurer une retraite dorée est le vol de 8 lingots d'or d'une valeur de 51 millions. Le vol est réussi ne reste plus qu'à laisser les choses se tasser car cela a fait la une des journaux, puis il suffira de fourguer (vendre) le jonc (l'or) contre l'oseille (l'argent). Mais le jeune truand Angelo sait que ce coup ce sont Max et Riton qui l'ont fait. Et il veut mettre la main sur le magot. Pour cela il fait enlever Riton. Pour Max l'amitié l'oblige à céder à Angelo et échanger l'or pour son ami. Mais il fait appel à Pierrot un ami et Marco un homme de main. Et c'est sulfateuse à la pogne (main) qu'ils vont régler les comptes...

CRITIQUE: Jacques Becker avec ce film crée l'étalon du film noir à la française, genre jusqu'à présent trusté par les films américains. Adapté du roman éponyme d'Albert Simonin, c'est un vrai coup de maître si l'on excepte le premier quart d'heure un peu longuet d'exposition des personnages dans un cabaret avec des danseuses éxécutant une chorégraphie inepte. Ensuite c'et cent pour cent brut de brut. Jean Gabin qui est de quasiment tous les plans interprète ce gangster qui veut raccrocher de façon sensationnelle. Ce rôle relancera sa carrière hésitante depuis la fin de la guerre. Lino Ventura décroche son premier rôle et ce n'est pas une figuration. Il joue Angelo celui qui veut rafler la mise, et il n'y a aucun doute sur la suite de sa carrière. Jean Wiener compose une musique magistrale avec un solo d'harmonica qui restera longtemps dans les mémoires même si de nos jours elle ne passe pas beaucoup dans les radios. C'est donc un film important dans l'Histoire du cinéma français. A ne rater sous aucun prétexte.

La scène d'anthologie: Max veut savoir dans quelles circonstances Angelo a enlevé son ami Riton. Il est dans la chambre d'hôtel de Josy la maîtresse de Riton mais qui est aussi celle d'Angelo. Sont aussi présents une amie de Josy et le portier de l'hôtel. Les baffes pleuvent à tout va. C'est sec et ça fait mal.

NOTE: 16/20

L'anecdote: Les aventures de Max-le-menteur chez Albert Simonin se poursuivent avec "Le cave se rebiffe" et "Les tontons flingueurs" sous le titre "Grisbi or not grisbi" Mais ces deux derniers films ne sont pas dans la veine noire du premier pour la bonne raison c'est que Michel Audiard est passé par là et a adapté ces romans en comédie.

Films de Jacques Becker déja commentés:

Hugo Cabret

2011-12-31T22:52:00+01:00

Le dernier film de Martin Scorsese est destiné aux petits et aux grands. C'est presque un conte de Noël, mâtiné de féérie technologique. Cette féérie s'incarne dans les incrustations numériques, qui garnissent l'image. Si l'on est indulgent, on dira que c'est de la belle enjolivure. Si l'on est grognon, on dira que c'est de la poudre aux yeux.

Mais la technologie est aussi au coeur de l'intrigue. C'est celle de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Il est question d'horlogerie, d'automates, de chemins de fer et de cinéma (muet). Les amoureux de Jules Verne ne seront pas déroutés par cet univers, qui est aussi un vibrant hommage à l'oeuvre de Georges Méliès. Jean-Pierre Jeunet aurait pu tourner ce film.

Alors, oui, le grand enfant que je suis a été captivé par ces engrenages, ces animations mécaniques. Scorsese a réussi à créer un lieu à part, hors du temps, avec l'envers du décor de la gare parisienne, où vit et travaille Hugo Cabret.

Les Anglo-Saxons percevront aussi cet orphelin pauvre comme une référence à l'oeuvre de Charles Dickens. Il est épaulé par une gamine intelligente, avide d'aventures, dont on sent bien qu'elle est un peu calquée sur le personnage d'Hermione Granger (dans Harry Potter, voyons !).

Bon, la mode vestimentaire comme les coiffures sont atroces, mais c'est pour faire authentique ! Les décors sont par contre épatants. Eux et les mouvements de caméra (par exemple dans la séquence introductive, mais aussi dans la poursuite du gamin par le policier de la gare - Sacha Baron Cohen excellent - dans la seconde moitié du film) donnent une grande force visuelle à ce film.

Par contre, il y a quelques longueurs. On a visiblement hésité à couper dans le travail du Maître au montage. On aurait dû : le film aurait gagné en rythme.

Plus qu'un produit Scorsese, c'est un agréable divertissement de fin d'année, qui a l'avantage de mettre les bambins au contact de Georges Méliès (plusieurs extraits de ses oeuvres sont insérés dans le film), dont la fantaisie est susceptible d'éveiller leur intérêt.

Mission : impossible - Protocole fantôme

2011-12-30T22:22:00+01:00

Ce nouvel épisode des aventures de l'agent Ethan Hunt (Tom Cruise, très professionnel... pensez qu'il a mis ses sous dans le film, à l'écriture du scénario duquel il a contribué) est signé Brad Bird... oui, LE Brad Bird de chez Pixar, à qui l'on doit notamment Les Indestructibles et surtout Ratatouille.

Bon, là, on voyage. La première partie (qui suit une introduction très conventionnelle) nous plonge en plein Moscou, d'une prison sécurisée au Kremlin. On est dans le film d'espionnage classique, efficace, maîtrisé... à ceci près que les Russes passent pour les dindons de la farce... De bonne guerre en pleine époque des fêtes de fin d'année ? En tout cas, ça les rend furieux... et même dangereux.

La deuxième partie est la plus spectaculaire, à mon avis. Notre fine équipe se retrouve à Dubaï, notamment dans le gratte-ciel le plus haut du monde, Burj Khalifa. Cela nous vaut des scènes particulièrement enlevées, où Tom Cruise se distingue. Mais les autres (les "bons" comme les "méchants"... avec Léa Seydoux, peu causante, mais on ne lui demande pas plus) se débrouillent bien aussi, le tout millimétré comme c'est pas permis (une double manoeuvre coordonnée est organisée pour duper deux groupes de "méchants"). Et je kiffe trop les gadgets technologiques !

A partir de là, on se dit que le réalisateur comme les scénaristes en font un peu trop. Bon, c'est vrai, cela "dépote" (un peu comme dans Die Hard 4), on ne s'ennuie pas, mais on dépasse un peu trop souvent les frontières de la vraisemblance... et les moments qui se jouent à la seconde près sont un peu trop nombreux. Cependant, quand on est pris dans le rythme, ça passe.

Aux côtés de Tom Cruise, on peut signaler la prestation de Jeremy Renner (remarqué dans Démineurs), de Paula Patton (95 C ?... mais elle n'est pas réductible à sa plastique avantageuse) et de Anil Kapoor (rappelez-vous... le Jean-Pierre Foucault indien de Slumdog millionaire) en playboy bouffi de suffisance... qui se fait donner une jolie leçon dans la troisième partie du film. Celle-ci se déroule à Mumbai (Bombay pour les intimes). Tout spectaculaire qu'elle soit, elle fait un peu retomber le rythme par rapport à la précédente.

Bref, les deux heures et quelque passent vite. C'est un bon film d'action, émaillé de traits d'humour (souvent liés au fonctionnement d'un appareil de haute technologie), bien léché côté réalisation. On retrouve un peu l'esprit des bons James Bond, à ceci près qu'ici le héros est une équipe d'espions.

PIFF 2011, 1ere edition

2011-12-30T18:24:00+01:00

Le mois dernier les cinéphiles en manque d'hémoglobine ont pu se rendre à la 1ère édition du Paris International Fantastic Film Festival. Une manifestation réalisée avec le soutien de l'excellente revue Mad Movies et du cinéma Gaumont Opera (situé Boulevard des capucines, à deux pas de l'Olympia). Pendant 5 jours, les amateurs ont pu se régaler avec une sélection aux petits oignons. Longs métrages inédits en France, courts métrages, documentaires... Il y en avait pour tous les goûts!

Le film pour lequel j'avais fait le déplacement n'avait pas eu les honneurs d'une sortie en salle, quelle ne fût donc pas ma surprise lorsque j'ai vu qu'il était programmé au PIFF! La projection de "The ward", le nouveau film du réalisateur culte John Carpenter (Halloween, Fog, New York 97, the thing pour n'en citer que quelques uns) constituait un vrai évènement. Big John (comme le surnomme ses fans) était plus ou moins en retrait depuis l'échec de son dernier film (le très moyen Ghosts of Mars, sorti en 2001) et je désespérais de le voir tourner à nouveau. Je craignais le pire car les internautes soufflaient le chaud et le froid, au final je n'ai pas vraiment été déçu. John Carpenter filme toujours aussi bien et "The Ward" est un modèle de mise en scène et d'esthéthisme. Chaque plan est minutieusement pensé et le réalisateur prend son temps pour instaurer un climat oppressant, on est loin des montages épileptiques des films de Michael Bay... Les actrices sont convaincantes et la musique est honnête mais il y a malgré tout une ombre au tableau: le scénario! On ne peut pas dire qu'il soit raté mais ceux qui auront vu Identity, Sucker Punch et/ou Shutter island déploreront sans aucun doute son manque d'originalité. Espérons donc que pour sa prochaine réalisation, Carpenter ne se contente pas d'un "petit film bien foutu" et retrouve le mordant de ses grands succès.

Le lendemain (27 novembre), le festival organisait une projection (gratuite!) du documentaire "Ray Harryhaussen, le titan des effets spéciaux". La salle n'était pas pleine et c'est bien dommage car Gilles Penso a réalisé un travail formidable retraçant la carrière de cette figure incontournable du cinéma fantastique. James Cameron, Sam Raimi, Steven Spielberg et de nombreux autres se succèdent devant la caméra pour revendiquer l'influence de celui qui a fait du "choc des titans" (1980) son testament cinématographique.

Cette 1ère édition semble avoir été couronnée de succès donc un grand bravo à Mad Movies et à ses partenaires, rendez vous l'année prochaine!

La Vitesse du passé

2011-12-28T16:07:00+01:00

C'est un court-métrage de Dominique Rocher, primé par la fondation Audi (qui décerne chaque année les "Audi Talents Awards")... et que l'on peut visionner gratuitement sur le site dédié, jusqu'au 2 janvier 2012 (mais il y aura peut-être une deuxième prolongation, si le bouche-à-oreille confirme le succès du film).

Ces quelque 15 minutes, prenantes, tournent autour d'un mystérieux accident, qui n'en finit pas de s'achever. Un couple s'installe dans sa maison de campagne. Ils sont jeunes, ils sont beaux (surtout la femme, incarnée par Mélanie Thierry), ils s'aiment, ils ont la vie devant eux.

Mais, ce jour-là, pendant que chacun vaque à ses occupations, une sorte de tremblement survient, provoquant la chute inachevée de nombreux objets... et celle de l'homme, monté sur le toit. A l'image des cartons, tasses et tuiles, il est figé dans une posture dangereuse, au-dessus du vide.

Se pose alors à la femme aimante la question suivante : que doit-elle faire ? Elle repousse rapidement les propositions d'une équipe de scientifiques venue analyser la phénomène et installe sous son homme figé dans les airs un matelas pour amortir sa chute qui, bien que très ralentie, n'en est pas moins inéluctable. (Ce dispositif fait écho à une scène du tout début du film.) Chaque jour, elle continue à aménager la maison. Elle vient lui parler.

Elle n'est cependant pas seule : l'un des scientifiques venus peu après l'incident s'est incrusté. Il est très gentil et, visiblement, en "pince" pour la dame. Doit-elle répondre à ses avances ? Doit-elle vivre dans le souvenir de cet amour qui semble perdu ?

Je vous laisse découvrir le reste sur le site internet.

C'est bien filmé, avec des trucages numériques pertinents... et une musique captivante, signée Etienne Forget (auteur aussi de la bande originale de la série Hero Corp).

PS.

Pour tout dire, ce film a un petit côté Donnie Darko !

MON BEAU-PERE ET MOI (2001)

2011-12-28T12:09:00+01:00

Film de Jay Roach

Titre original: Meet the parents

USA, Genre: Comédie

Avec: Ben Stiller, Robert De Niro, Teri Polo, Blythe Danner, Blythe Dehuff, Owen Wilson, James Rebhorn, Jon Abrahms, Thomas MacCarthy, Phyllis George, Kali Rocha...

Musique: Randy Newman

SYNOPSIS: Chicago années 2000, Greg Focker infirmier dans un hopital veut épouser Pam Byrnes mais le jour où il veut faire sa demande Pam lui apprend que sa soeur se marie et qu'ils sont invités à la cérémonie et à passer le week-end dans la famille Byrnes. Cela commence mal, la compagnie lui perd sa valise et l'accueil du père de pam est plutôt froid. De plus monsieur Byrnes à l'esprit inquisiteur ce qui met mal à l'aise Greg et le pousse à dire de petits mensonges. Les mensonges découverts par un pro de la CIA qu'est monsieur Byrnes et les gaffes de Greg s'accumulant jusqu'à faire annuler le jour dédié à la répétition de la cérémonie, la situation est guère tenable plus longtemps...

CRITIQUE: Superbe comédie basée sur les rapports entre un futur gendre et futur beau-père. La bonne idée étant de faire de Robert De Niro un homme paranoiaque (à cause de son travail) et rigoriste dans ses faits et gestes quotidiens, mais qui en plus n'apprécie jamais les fiancés de sa fille qu'une fois qu'elle s'est séparée d'eux. Ben Stiller et Robert De Niro sont formidables. La comédie tient tout au long du film.

La scène d'anthologie: La scène d'embarquement à l'aéroport. Tout à fait véridique. Je l'ai vécue! Les américains (de la côte est) dans la rue sont super sympas dés qu'ils sont derrière un comptoir avec une once de pouvoir ils deviennent très cons.

NOTE: 14/20

L'anecdote: Ce film est l'approfondissement d'un court métrage du même réalisateur ayant le même titre.

Films de Jay Roach déja commentés:

Le Miroir

2011-12-27T23:20:00+01:00

Ce film date de 1997, mais c'est seulement cette année qu'il est sorti en France, à peu près en même temps que Ceci n'est pas un film, du même réalisateur iranien Jafar Panahi, qui a quelques soucis avec le gouvernement de la république islamique.

Il nous propose une tranche de vie, à travers le regard d'une gamine de 6-7 ans, que sa mère tarde à venir chercher à l'école. Gonflée, la petite Mina décidé de tenter de retourner chez elle par ses propres moyens, alors qu'elle ne connaît pas bien le chemin. Elle va évidemment se perdre, et c'est l'occasion pour le réalisateur de nous montrer différentes catégories d'habitants de Téhéran.

Ainsi, on voit (mal) fonctionner la circulation aux carrefours, avec ce papy qui n'arrive pas à traverser. Dans le bus, on entend ces femmes discuter de leurs problèmes personnels ; on voit de futurs jeunes mariés. On observe le rôle de ces gardiens de la vertu, qui, tout en contrôlant les billets des passagers, veillent soigneusement à la séparation des sexes. (J'ajoute que même les gamines sont voilées...)

Et puis, au milieu du film, il se passe un truc étrange...

Attention ! Ne lisez pas la suite si vous n'avez pas encore vu le film.

Je "déflore" un peu l'intrigue...

Ne venez pas vous plaindre, après !

Donc, au beau milieu du film, on voit la gamine piquer une crise dans le bus, ôter le plâtre de son bras et quitter le lieu du tournage. On bascule dans la mise en abyme... et l'on se demande dans quelle mesure tout cela est bien réel.

La suite du film suit le schéma suivant : la jeune actrice refuse de continuer à jouer et veut rentrer chez elle par ses propres moyens. L'équipe de tournage fait semblant d'accéder à ses voeux... mais ne lui retire pas le petit micro mobile placé sur elle... et la filme, de loin.

L'histoire prend donc un tour étrange, où l'on voit une équipe de cinéma filmer une gamine censée agir de manière authentique... tout comme les vrais gens qu'elle rencontre. Le son et l'image sont découplés, ce qui accroît la tension dramatique... et l'on peut se demander si cette nouvelle histoire est plus ou moins vraisemblable que la précédente.

Les esprits forts prétendront que la supercherie est à double détente : cette révolte de l'actrice n'est-elle pas tout aussi simulée que les séquences précédentes ?

On passe donc la seconde moitié du film à la fois à suivre les pérégrinations de la gamine... et à se demander jusqu'où va la fiction et où commence la réalité, le tout avec pour arrière-plan la société téhéranaise.

C'est expérimental, parfois déroutant ou répétitif, mais passionnant à suivre.

Real Steel

2011-12-27T02:58:28+01:00

Hollywood a de concocter des films tournant autour de trente-six «l'homme et des machines à thème.

Shawn Levy prend le chemin invaincue avec Real Steel, comme il nous donne un film Robot qui n'est rien comme tout les films de robot, vous devez avoir vu plus tôt.

Basé sur l'acier 1956 court récit de Richard Matheson, le film est un drame humaniste passionnant qui vous divertit à la base. Il démêle les nuances de la relation complexe entre un père et son fils aliéné en toile de fond des robots boxeurs.

L'année est 2020. «Robot de lutte» est le sport le plus populaire et faire de l'argent. Ancien boxeur Charlie (Hugh Jackman) est maintenant un homme rompu avec factures à payer. Il pénètre dans l'entreprise en espérant que son pari, Robot un 'ancien champion »serait le sauver de la crise financière, si jetés dans le ring.

Pendant ce temps, les circonstances vigueur Charlie pour faire face à son fils Max ex (Dakota Goyo). Les deux ne voient aucun avenir ensemble, mais décident de mettre en place les uns aux autres tandis que Charlie fait un peu d'argent. Max est trop impliqué dans la version robot du tournoi WWE. Si Charlie est Brawn, 11 ans, Max est le cerveau derrière leur robot combattant. Est-ce que le pont du tournoi de boxe futuristes de l'écart entre un fils abandonné et son père abattu?

Real Steel streaming est un réel soulagement que ce n'est pas comme Terminator ou les transformateurs ou tout autre film moins connu robot. Personne n'est à s'entretuer, il n'ya pas des gens malhonnêtes double croix de l'autre pour la survie et pas de sang ou de balles sont déversées.

Bien qu'il soit fictif, tout sur le film semble réel ... les combats, les relations, re-découverte de la croyance dans le caractère auto plomb.

En ce qui concerne la boxe de robots est concerné, il est à peu près comme n'importe quel film sur la boxe. Un outsider prend la championne ... qui gagne?

Ce qui distingue le film en dehors est le traitement et le CGI incroyable. Votre mâchoire tomber quand vous voyez ces huit pieds puissants robots géants sur le ring! Les effets sonores sont époustouflants, surtout quand les robots poing de l'autre.

Le lien commun entre le père et son fils et de leur robot est attachant.

Petite Dakota Goyo mérite une mention spéciale. Le gamin rend une belle performance et retient votre attention, même lors du partage des scènes avec Jackman ou le robot! Goyo est brillante. Méfiez-vous des ses pas de danse aussi. Il agit comme un pro sans perdre la vulnérabilité et la naïveté que vous attendez d'un garçon de son âge.

Hugh Jackman que l'ancien boxeur Charlie exagère son «boxe» agissent un peu, mais touche votre cœur, chaque fois qu'il s'engage dans plaisanteries avec son fils ou sa petite amie. Evangeline Lilly joue Bailey, le système de Charlie seul soutien. L'actrice rend une performance matures aussi.

Personnages sans prétention, des spectacles honnêtes, histoire non conventionnelle encore compréhensible et une action étonnante faire 'Real Steel' un film amusant, on ne devrait pas manquer surtout si vous aimez la WWE! Emmenez votre famille le long.

Welcome in Vienna

2011-12-25T13:37:00+01:00

Sous ce titre viennent d'être reprogrammés (certains pour la première fois en France) trois films, le dernier donnant le titre à l'ensemble, initialement nommé Wohin und zurück (que l'on pourrait traduire par "Vers où et de retour"... on a eu raison de changer, même si le titre d'origine explique bien le parcours global de certains personnages). L'auteur est un Autrichien, Axel Corti.

Le premier volet est Dieu ne croit plus en nous. Il commence par les conséquences de la Nuit de Cristal, principalement les destructions subies par les commerces tenus par des juifs, la mort de certains d'entre eux (dont le père du personnage principal) et l'emprisonnement de survivants. On y voit la lâcheté de nombre de Viennois chrétiens (qui ont accueilli l'Anschluss avec enthousiasme, rappelons-le). L'un d'entre eux est particulièrement mis en lumière : une sorte de policier municipal, qui met la main sur une partie des biens de la famille expropriée, qui va aider le jeune héros à fuir le pays... tout en servant ses intérêts. Ferry Tobler rencontre quelques figures charismatiques, comme Alena et celui que l'on surnomme Gandhi, farouchement antinazi.

La suite se déroule en France (on y entend donc parler notre langue, parfois maladroitement). Les réfugiés autrichiens tentent de se débrouiller, dans un pays lui-même pas en très grande forme sur le plan économique. Le début de la guerre complique leur situation : de nationalité allemande, ils sont enfermés dans des camps d'internement. Autant le dire : cette partie n'est pas à la gloire de la France. Même si certains habitants portent assistance aux réfugiés juifs, force est de constater que beaucoup les perçoivent comme un problème. Les séquences montrant la vie dans le camp d'internement sont vraiment remarquables. On notera que les auteurs du film semblent avoir été frappés par la présence de policiers et gendarmes noirs (antillais sans doute). En 1940, les héros décident de gagner la zone non occupée, puis de partir pour les Etats-Unis.

C'est donc dans ce pays que se déroule le deuxième volet, Santa Fe. Contrairement à ce que pourrait laisser croire le titre, l'action ne se déroule pas au Nouveau Mexique (où le personnage principal de ce film, Freddy Wolff, rêve de refaire sa vie), mais à New York. On y voit cette communauté juive tenter de survivre, tant bien que mal, entre la nostalgie du pays d'origine, la peur du nazisme (on a souvent encore de la famille en Europe) et les nécessités de la vie quotidienne. L'Amérique n'est pas encore totalement sortie de la crise des années 1930... et le pays est dur à ceux qui ont peu. La plupart (comme le vieux médecin, qui pousse quasiment son épouse à mendier) connaissent le déclassement social. Le cinéaste réussit à restituer la complexité du tissu social, montrant le décalage entre ce que chacun veut montrer et sa situation réelle. J'ai particulièrement apprécié le personnage de Popper, vieil homme qui se place volontiers au centre du cercle de débrouillardise, cachant sa propre détresse. Une histoire d'amour se noue entre la fille de l'épicier-poète et le héros, très tourmenté. Celui-ci ne voit finalement son avenir que dans le retour au pays natal.

Cela nous mène donc au troisième volet, Welcome in Vienna. Le titre est bien entendu ironique. Le film va illustrer l'écart entre le bon accueil reçu par les soldats américains (parmi lesquels on retrouve Freddy) et le fond antisémite qui persiste. L'histoire commence avec la progression des troupes alliées, en Alsace d'abord. C'est l'occasion pour les deux héros de rencontrer un personnage trouble, le Viennois Treschensky (brillamment interprété), d'abord leur prisonnier, puis en fuite, qu'ils retrouvent dans un café-concert de la capitale autrichienne, en incontournable homme à tout faire, aux relations troubles. Une romance se noue entre Freddy et la fille d'un hiérarque nazi qui a su se vendre aux nouveaux vainqueurs (les cinéphiles se rendront compte à ce moment-là que The Good German a puisé à bonne source). Entre la fin du conflit mondial et le début de la Guerre froide, la morale a peu de place dans cette ville à moitié détruite. En gros, c'est chacun pour soi. On sort de là pas très optimiste à propos du genre humain.

De manière générale, on voit que l'auteur a une formation théâtrale. Il a d'ailleurs dû puiser dans ce vivier pour distribuer les rôles. Cela se sent parfois. Il faut dire que les films ont 25-30 ans. La manière de jouer a un peu changé depuis. Mais ce n'est gênant qu'à la marge. La grande force de cette trilogie (rééditée grâce à un Français, Jean Labadie, et à sa société Le Pacte) est l'aspect quotidien qu'elle donne ce pan de l'histoire contemporaine, le mariant avec des histoires d'amour, de jalousies et d'ambition. C'est très fort.

Time Out

2011-12-22T22:04:00+01:00

Andrew Niccol a un parcours un peu à part. C'est d'abord un scénariste (de The Truman Show, Le Terminal), passé à la réalisation, mais qui se fait rare. On lui doit les excellents Bienvenue à Gattaca, S1mone et Lord of War. Ici, il explore un univers proche du premier : c'est un film d'anticipation.

Les inégalités de richesse ont été remplacées par les inégalités de temps de vie. Le héros (bien joué par Justin Timberlake, qui confirme le bien qu'on pensait de lui après The Social Network), issu des "basses classes", va se transformer en Robin des Bois du temps de vie, épaulé par une drôle de Marianne, issue de la nouvelle aristocratie (Amanda Seyfried... pas terrible... mais elle mérite un prix spécial pour sa capacité à courir chaussée de machins importables). Signalons, dans le rôle de l'indécrochable méchant, Cillian Murphy, qui introduit un petit côté Matrix dans cet univers torturé. On notera aussi que certaines scènes semblent puiser dans la "mythologie" de James Bond.

Mais, finalement, c'est du côté de Bonnie and Clyde qu'il faut regarder : le duo amoureux se transforme en couple flingueur, et les poursuites en voiture constituent des moments forts de l'intrigue. Au-delà des références cinéphiliques (qui occupent les quelques vieux cons qui se sont glissés dans la salle), on a visiblement surtout pensé à introduire de quoi appâter le djeunse. Du coup, c'est souvent tape-à-l'oeil, avec les bagnoles et les flingues donc, mais aussi (surtout ! me glisse mon voisin postpubère proche de l'extase) avec ces personnages féminins qui semblent quasiment tous sortir d'une soirée VIP pour blaireaux et pétasses.

On a donc ménagé la chèvre et le chou dans ce film. L'histoire est prenante, palpitante parfois. Les acteurs ne sont pas tous très bons, mais globalement, ça passe. Le spectateur exigeant supportera moins quelques facilités, notamment ce côté "à la dernière minute" de certaines actions, qui jouent sur le compte à rebours qui s'affiche sur l'avant-bras des personnages. Et je ne vous parle pas de deux scènes, qui voient le héros et une femme (différente à chaque fois) courir l'un vers l'autre.

C'est donc un film inabouti, mais pas inintéressant, notamment sur le fond. On passe un assez bon moment, sans plus.

La dernière séance

2011-12-21T10:38:00+01:00

(Clic sur la photo pour la voir plus grande)

Carnage

2011-12-18T15:10:00+01:00

Je n'ai pas vu (ni lu) la pièce de théâtre (de Yasmina Reza) qui a inspiré ce film. C'est d'abord la distribution qui m'a alléché, mais j'ai été rebuté par la bande-annonce en français : honnêtement, ce n'est pas très bien doublé. Par chance, je l'ai aussi vue en version originale sous-titrée : c'est plus saignant. Du coup, j'ai essayé de voir le film en VO.

Nous sommes donc face à deux couples bourgeois, un plutôt de gauche, l'autre sans doute "libéral" au sens français du terme.

A ma gauche donc, la "bobo attitude" incarnée par Jodie Foster, quadragénaire féministe, philanthrope, cultivée... et un peu névrosée. L'actrice excelle à faire ressortir les contradictions du personnage, qui paraît dominer les débats au début, avant de s'effondrer plus tard. (A travers elle, je pense que Roman Polanski règle quelques comptes personnels...)

Son mari est une sorte de gros nounours, content d'avoir une telle compagne, mais qui suffoque un peu sous le harnais. (On semble vouloir nous faire comprendre qu'à travers son mariage, il reproduit son état de dépendance affective vis-à-vis de sa mère.) Il aurait pu être joué par Sydney Pollack. C'est le mari attentionné, pas super fûté mais gentil... tant qu'on ne lui casse pas les pieds.

Face à cette gauche bien-pensante, on nous a placé une droite -supposée- moderne, incarnée par un avocat véreux, rivé à son BlackBerry, et une gestionnaire de biens immobiliers d'apparence très classe. Christoph Walz a pris visiblement beaucoup de plaisir à jouer cet enfoiré qui s'assume. Derrière le cynisme affiché, on finit par découvrir qu'il a peut-être moins d'oeillères qu'il n'y paraît. Mais c'est quand même une belle enflure !

Son épouse est l'un de ses trophées (visiblement déboulonnée de la première place dans le coeur de son mari par le nouveau smartphone). Kate Winslet (récemment vue dans un tout autre rôle dans Contagion) est gé-niale. Son personnage est construit par contraste avec celui interprété par J. Foster : la sensuelle face à l'intellectuelle, la classieuse face à la rustique (au niveau des vêtements et du maquillage), la dominée face à la dominatrice... même si tout cela évolue au cours de la rencontre, supposée ne pas durer longtemps, mais qui s'éternise un peu.

Les dialogues sont excellents. Cela fourmille de bons mots, de vacheries. J'ai très souvent éclaté de rire. A cela s'ajoute un comique de situation maîtrisé. Cela commence avec la présentation visuelle des personnages : on nous fait bien comprendre au premier coup d'oeil que les deux couples n'ont pas tout à fait les mêmes "valeurs" (même s'ils affichent -au départ- un attachement identique à la "civilisation").

Cela continue avec la séquence du vomi (ahhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhh... j'adore !!!!). Je vous laisse découvrir le lien avec l'oeuvre du peintre Kokoschka. Il y a bien sûr le fil rouge du téléphone portable envahissant, qui vibre toujours fort à propos. (Faites attention au contenu des conversations téléphoniques... un lien finit par s'établir entre celles du portable et celles du fixe.) Il y a aussi le sèche-cheveux (outil qui joue un rôle presque aussi important dans l'histoire) et la bouteille de scotch, qui fait rebondir l'intrigue et libère les dernières pulsions refoulées.

La réalisation n'est guère inventive, mais efficace. De près, Polanski a eu tendance à filmer ses personnages en légère contreplongée, l'un des trois autres se retrouvant à l'arrière-plan. Cela accentue le grotesque des situations. De manière générale, il a construit ses plans de manière à véhiculer au moins deux informations par image. C'est bien fichu et cela renforce le comique des dialogues.

Bref, cela dure 1h20 (scènes d'extérieur introductive et conclusive incluses), c'est à la fois pétillant et graveleux... on passe vraiment un bon moment !

A LA POURSUITE DU DIAMANT VERT (1984)

2011-12-18T08:32:41+01:00

Film de Robert Zemeckis

Titre original: Romancing the stone

USA, Genre: Comédie, Aventures

Avec: Kathleen Turner, Michael douglas, Danny De Vito, Zack Norman, Alfonso Arau, Manuel Ojeda...

Musique: Alan Silvestri

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: New York années 1980 Joan Wilder une romancière qui mélange dans ses récits l'aventure et l'eau de rose, reçoit un appel de sa soeur retenue prisonnière en Colombie par des kidnappeurs. Ceux-ci lui réclament le contenu d'une enveloppe qu'elle a reçue il y a peu et de l'amener à Cartagène comme monnaie d'échange. Son appartement subit un pillage, elle décide donc de partir. Arrivée à l'aéroport de Bogota elle se trompe d'autobus qui au lieu de la diriger vers la côte s'enfonce dans la jungle. Dans ce même bus un homme la suit. Il profite d'un accident de l'autobus avec une jeep rempli de cages d'oiseaux éxotiques pour tenter de dérober le sac à main de Joan Wilder. Mais Jack T. Colton le propriétaire de la jeep accidentée intervient et met en fuite le larron. Elle est aussi suivie par Ralph cousin de Ira kidnappeur et qui adore les alligators. Joan Raconte à Jack une partie de sa mésaventure. Après une âpre négociation et pour 350$ en traveller's chèques Jack promet de la ramener à Cartagène. Jack et Joan doivent éviter les pièges de la jungle. Très vite Jack s'aperçoit que ce que veulent les ravisseurs c'est le plan pour accéder à un trésor. Or ils sont dans la région où se situe le trésor. Pour Jack mieux vaut mettre la main sur celui-ci puis échanger la soeur de Joan avec la carte et le trésor. Cependant avec une police parallèle menée par un certain Zolo (l'homme qui lui a pillé son appartement et a tenté de lui voler son sac), Ralph le malfrat malchanceux, et les alligators, ce ne sera pas une partie de plaisir...

CRITIQUE: Robert Zemeckis crée un couple de cinéma qui fonctionne à merveille, chacun a du sex-appeal et sur l'écran l'alchimie fonctionne. Le film donne à Michael Douglas et Kathleen Turner une stature de stars internationales. Ce film sera un grand succès planétaire. Aujourd'hui ce n'est pas sûr que le film marcherait aussi bien. les péripéties de ces aventuriers sont un peu mollassonnes. Et la réalisation pantouflarde. La musique de Alan Silvestri à peine écoutable. Mais tout cela reste bon enfant. Le spectateur rit des mésaventures de Danny De Vito pour qui aussi sa carrière fait un grand bon en terme de notoriété. Le film est quand même très estampillé années 1980.

La scène d'anthologie: Dans un tout petit village en pleine jungle, Joan et Jack frappent à la porte d'une vieille maison. Juan le propriétaire refuse de leur vendre ou de leur procurer une voiture. Mais quand il s'aperçoit qu'il a en face de lui la romancière Joan Wilder, il leur ouvre grand la maison qui s'avère être un véritable hacienda avec tout le confort. Ce brave trafiquant de drogue les emmènera à bord de sa "petite mule" (un énorme 4x4 flambant neuf) loin des troupes de Zolo.

NOTE: 11/20

L'anecdote: Une suite sera tournée l'année suivante par Lewis Teague "Le diamant du Nil".

Films de Robert Zemeckis déja commentés:

"Qui veut la peau de Roger Rabbit?"

L'Ordre et la Morale

2011-12-17T10:15:00+01:00

Mathieu Kassovitz nous livre sa vision de l'affaire d'Ouvéa (en Nouvelle-Calédonie... mais le film a été tourné en Polynésie), qui a surgi en pleine campagne présidentielle de 1988. Le titre est extrait d'un dialogue du film. Cette expression est mise dans la bouche de Bernard Pons (très bien interprété par Daniel Martin), ministre des DOM-TOM à l'époque. On pourrait aussi l'analyser comme le résumé du conflit intérieur qui mine le personnage principal, le capitaine Legorjus : doit-il faire passer sa mission militaire avant ce qu'il estime être l'intérêt général ?

Le problème est que Mathieu Kassovitz, qui incarne le chef du GIGN, semble n'avoir pas pris (suffisamment) de recul vis-à-vis de qu'a pu dire et écrire Philippe Legorjus. Du coup, sur le plan factuel, le film oscille entre le respect d'une version "tiers-mondiste", qui vise à prendre le contrepied de ce qui a été affirmé par les autorités françaises à l'époque, et un regard plus distancié, qui conduit le cinéaste à dresser un portrait plus nuancé des protagonistes.

Ainsi, il a souvent tendance à faire de son héros (qu'il n'interprète pas très bien, à mon humble avis) un type au-dessus du lot, quitte à lui donner un rôle (dans les négociations, dans l'assaut) qu'il n'a pas eu. (Il ne cache toutefois pas ses faiblesses.) A l'inverse, les militaires de l'armée de terre sont quasi systématiquement dépeints de manière négative, alors que les défauts des preneurs d'otages kanaks sont présentés comme véniels, bien qu'ils aient tué. On peut malgré tout reconnaître au réalisateur la volonté de donner la parole à tous les protagonistes, même si c'est à travers une version réécrite de l'histoire.

C'est à propos de l'assassinat des quatre gendarmes que les choix de Kassovitz sont particulièrement perceptibles. Alors que les médias, à l'époque (ainsi qu'on peut le voir et l'entendre sur le site dédié au film), ont systématiquement parlé de "massacre à l'arme blanche" (ou à la machette), le cinéaste choisit de ne mettre en scène que des morts par arme à feu, même si l'on peut voir que certains assaillants sont munis du fameux tamioc. Or, le fils de l'une des victimes a semble-t-il apporté la preuve qu'au moins un gendarme a été achevé à coups de machette :

La vérité est donc dans un entre-deux indéterminé, entre la version polémique du gouvernement français de l'époque (et de certains militaires aujourd'hui) et la version engagée des défenseurs des Kanaks. On pourrait appliquer la même démarche à propos de la fin de l'assaut de la grotte et des exécutions : il n'est pas possible de nier, comme le font encore (maladroitement) quelques militaires, que plusieurs des Kanaks ont été exécutés (ou peut-être achevés d'une balle dans la tête). Cependant, il est excessif d'affirmer que l'assaut a été mené comme une entreprise de massacre systématique. On pourrait continuer longtemps ce petit jeu, en s'intéressant à d'autres aspects du film, mais on est quand même là pour causer de cinéma.

Alors, ce long-métrage est-il une "bouse" infâme ? Non ! D'abord parce qu'il ne manque pas de souffle. On sent que Kassovitz a vu et revu de grands classiques, comme Apocalypse now, Voyage au bout de l'enfer ou La Ligne rouge. S'il n'a pas le talent de Coppola, Cimino ou Malick, il sait néanmoins mettre en scène des groupes en action. Il réussit à planter le décor et créer un climat de tension, même si l'on peut regretter le côté "gros sabots" du compte à rebours qui nous rapproche inexorablement de l'assaut final.

C'est en général correctement joué. Les militaires sont assez convaincants et, côté kanak, il faut signaler la performance d'Iabe Lacapas, impressionnant en Alphonse Dianou (le chef des preneurs d'otages). On peut aussi apprécier le film pour la vision nuancée et approfondie qu'il offre du peuple kanak, à travers les personnages des anciens, très dignes, pacifiques, bien joués. On sera néanmoins agacé par le parti-pris du réalisateur, qui ne montre les "jeunes" quasiment que sous un jour favorable, et qui sous-estime leur violence. Il commet d'ailleurs sans doute une erreur à propos d'une conséquence de l'affaire d'Ouvéa : le film sous-entend que Jean-Marie Tjibaou et Yeiwéné Yeiwéné ont été tués parce que le FLNKS a lâché les preneurs d'otages, alors qu'il semble plutôt qu'ils ont été abattus par un extrémiste de leur camp qui leur reprochait d'avoir finalement négocié avec le gouvernement français.

Le film se veut aussi un brûlot politique. Il donne un aperçu des arcanes de la première cohabitation finissante, de la rivalité Chirac-Mitterrand, tous deux en course pour la présidentielle. Cela nous vaut une série de bonnes petites scènes (où s'illustre notamment Philippe Torreton, bien remis du tournage de Présumé coupable). On n'en sort pas avec une bonne image de la chose publique, et c'est dommage, parce que juste après la présidentielle de 1988, les événements ont pris une autre tournure, plus apaisée (grâce aux Accords de Matignon), propre au contraire à faire croire en la politique.

TOPKAPI (1964)

2011-12-17T06:16:00+01:00

Film de Jules Dassin

USA, Genre: Aventures, casse, thriller

Avec: Melina Mercouri, Maximilian Schell, Peter Ustinov, Gilles Segal, Robert Morley, Jess Hahn, Akim Tamiroff, Titos Vandis...

Musique: Manos Hadjidakis

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Istambul années 1960, Elisabeth a une idée merveilleuse dérober un joyau serti d'émeraudes dans le palais de Topkapi d'Istambul. Mais pour cela elle a besoin de complices. Elle va donc chercher Walter qui saura qui recruter pour monter un tel casse. Bien entendu une fois l'équipe en place, rien ne va se passer comme sur des roulettes. La police turque pensent qu'ils sont terroristes, les voici sérieusement surveillés...

CRITIQUE: Quelques longueurs dans la première heure de préparation du casse, mais dés que Giulio se retrouve suspendu à une corde pour dérober le bijou, alors le suspense est très bien mené. Reste dans nos mémoires le rire de Mélina Mercouri maintes fois employé par le gang pour parvenir à se saisir de l'objet. Le doublage de la version française est un peu agaçante mais baste! Ne chipotons point.

La scène d'anthologie: Bien entendu le casse lui-même.

NOTE: 14/20

L'anecdote: Brian de Palma rendra un hommage à la scène du casse en le modernisant dans son film "Mission: impossible".

Films de Jules Dassin déja commentés:

Cinéma à Milly

2011-12-16T07:12:00+01:00

mardi 20 décembre

Les projections ont lieu à la salle des fêtes de Milly-la-Forêt, située boulevard Lyautey et sont assurées par Cinessonne, association soutenue par le Conseil général de l’Essonne.
Tarifs
Enfants : 4 €
Adultes : 5 €

à 15h : Les aventures de Tintin : Le secret de la Licorne
Film d’animation américain
Réalisé par Steven Spielberg
Film pour enfants à partir de 6 ans
1h47

à 20h30 : The artist
Comédie, drame, romance française
Réalisée par Michel Hazanavicius
Avec Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, etc.
1h53
Jean Dujardin a obtenu le Prix d’interprétation masculine au Festival de Cannes 2011 pour son rôle dans ce film
Pour en savoir plus : c'est ici

AVANTI! (1972)

2011-12-15T16:20:56+01:00

Film de Billy Wilder

USA, ITALIE, Genre: Comédie

Avec: Jack Lemmon, Juliet Mills, Clive Revill, Gianfranco Barra, Edward Andrews, Pippo Franco...

Musique: Carlo Rustichelli

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Etats-Unis, années 1970, Andrew Armbruster Jr est interrompu dans sa partie de golf qu'il quitte précipitamment. Pour prendre un avion puis un train et enfin le ferry qui le mêne sur l'île de Ischia où son père riche industriel s'octroyait quelques jours de congé et y est décédé accidentellement. Il prend la chambre d'hotel de son père pour y régler au plus vite le rapatriement de la dépouille de son père. Mais voila on est en italie un samedi et sur l'Ile d'Ischia les cercueils plombés ne sont pas légion. De plus Armbruster Jr. découvre que son père entretenait une liaison extraconjugale avec une anglaise, dont la fille, Pamela Pigott est aussi présente pour enterrer sa mère morte dans le même accident de voiture que son père. Entre Andrew et Pamela c'est d'abord l'incompréhension, voire la goujaterie de la part de Andrew. Puis le (bon) temps passant (à l'italienne) une même idylle sincère sous la bienveillance du gérant de l'hotel se noue. A tel point que Andrew et Pamela recréent le schéma amoueux de leurs parents.

CRITIQUE: Une comédie peut-elle durer 2h20? Avec Billy Wilder aucun doute: absolument! Excellente comédie qui joue sur le contraste entre la façon de vivre à l'américaine (toujours vite et efficace) et la vie italienne (indolente mais irrésistible). Billy Wilder et son scénariste fétiche I.A.L. Diamond adaptent une pièce homonyme de théatre de Samuel A. Taylor d'où les nombreuses scènes dans l'hotel (unité de lieu). Adaptation réussie, et magnifiquement interprétée. Clive Revill vole (parfois) la vedette à Jack Lemmon dans son rôle incroyable de gérant d'hotel plus que prévenant. Juliet Mills a des rondeurs irrésistibles. Carlo Rustichelli rend hommage à Ischia et met tout son talenbt dans cette comédie...

"A walk around Ischia" Carlo Rustichelli

La scène d'anthologie: La scène à la morgue qui ressemble autant à une cérémonie funéraire qu'à une cérémonie nuptiale.

NOTE: 17/20

L'anecdote: 5ème collaboration entre Jack Lemmon et Billy Wilder il y en aura 7 en tout.

Films de Billy Wilder déja commentés:

De Benisaf à Salonique

2011-12-14T15:26:00+01:00

De Salonique à Benisaf combien de routes ont-ils croisé nos grands parents, leurs fiancés ? combien de doutes de sacrifier ? pour qu'un jour notre amour...
Combien de « non », de « on ne veut pas de vous », ma mère mon père, par terre, cachés.

L'avenir rêvé, liberté sacrée de rendez vous dans les soirs d'été, pour qu'un jour notre amour... se doutait-il qu'a Ménilmontant ce soir d'avril, ma bouche sur mes dents, un bar louche, nous dedans, la pluie à torrent mélangea nos bassins impatient.
De Benisaf à Salonique, une notre ville, la mer attend, Paris par cœur, vieillards en turbans, accent d'ailleurs se disaient ils, qu'un jour notre amour, combien de lieux, de « vos papiers monsieur », la nuit, dehors, des regards méfiant, et puis maman et ses cheveux d'or, tu dors doucement, il fait chaud dedans, un beau jour notre amour... se doutait il qu'à Ménilmontant, ce soir d'avril, ma bouche, sur mes dents, un bar louche , nous dedans la pluie à torrent, mélangea nos bassins, impatient. De Benisaf à Salonique, combien de temps sera-t-il passé pour que la peur tout au fond cachée de qui notre bébé sera l'étranger, jusqu' au jour ou l'amour...

Vu , hier soir, la très jolie comédie " Le nom des gens"

La douce mélodie du générique de fin est signée...Michel Leclerc . Et c'est sa femme, Baya Kasmi, co-scénariste du film, qui l'accompagne.

Réalisé par
Michel Leclerc
Avec
Jacques Gamblin, Sara Forestier, Zinedine Soualem

Une aventure amoureuse ,une comédie sociale drôle , émouvante ,et engagée

Toutes nos envies

2011-12-13T23:41:00+01:00

Le réalisateur de Welcome (Philippe Lioret) revient avec un film sur un autre sujet casse-gueule... en fait deux. Il fait se télescoper un mélo qui traite de la mort annoncée d'une jeune magistrate (mariée, mère de deux enfants) et un quasi-polar social sur le surendettement, à la sauce judiciaire. J'ai donc attendu avant d'y aller, sans enthousiasme.

Deux acteurs illuminent ce film. On commence par le monsieur, Vincent Lindon. A la base, je ne suis pas fan, mais, depuis une dizaine d'années, il m'a convaincu par la qualité de ses prestations, notamment dans Je crois que je l'aime, Pour elle, Welcome, bien sûr, et surtout Ceux qui restent, qui n'est pas sans liens avec Toutes nos envies. Vincent Lindon excelle a faire passer les sentiments par autre chose que les dialogues, ici comme ailleurs.

Mais c'est pour moi surtout sur les (ravissantes) épaules de Marie Gillain que repose ce film. Bon, d'accord, on nous fait bien comprendre que cette quasi-quadragénaire est encore super-bien gaulée, avec ces jambes qui me fascinent depuis une vingtaine d'années. (De surcroît, on la voit plutôt portant des chaussures plates, ce qui nous change... et pis ça lui va très bien !) N'allez cependant pas croire que l'on a tout misé sur son physique. C'est juste un agrément supplémentaire pour le spectateur masculin hétéro.

Je pense qu'une partie de la critique a été dérangée par le fait que Marie Gillain n'en fait pas trop et qu'elle incarne un personnage qui a une riche vie intérieure. Pour bien apprécier toute la saveur du film, il faut se mettre dans la tête de ce personnage d'une grande intégrité, entier dans ses choix professionnels comme dans sa vie privée. Elle pense à (presque) tout et peut justifier chacun de ses actes. Oui, d'accord, c'est un peu hagiographique.

L'histoire rappelle furieusement Ma Vie sans moi, un bijou d'émotion dans lequel une mère se retrouve à peu près dans la même situation. (Un argument scénaristique est même identique : le choix d'une future compagne pour le mari et les enfants.) J'ai encore en mémoire l'enregistrement (sur cassettes audio) des messages pour les futurs anniversaires de ses enfants, auxquels elle savait qu'elle ne pourrait assister. C'était prenant.

Ici, l'action se situe dans un milieu plus bourgeois, mais c'est finalement complètement anecdotique. Claire - Marie Gillain, dès qu'elle apprend qu'elle a une tumeur au cerveau, décide deux choses : préparer la vie future de sa petite famille et mener à bien un combat en faveur d'une victime du surendettement, qui va s'intégrer à sa vie de tous les jours. Stéphane - Vincent Lindon est un collègue dont elle fait la connaissance à l'occasion de l'affaire de surendettement, mais il va surtout l'aider (inconsciemment puis consciemment) à supporter le secret de sa maladie puis le développement de celle-ci.

Le film mérite le détour pour ceux qui ont envie de voir fonctionner un aspect de la justice française et ceux qui ont envie d'en apprendre un peu plus sur l'arnaque du surendettement. J'ai aussi aimé les quelques moments où Claire suit des chemins de traverse, où elle réalise quelques-unes de ses envies, elle qui déclare qu'elle n'a pas fait la moitié des choses qu'elle s'est promis de réaliser. Ces moments-là sont pleins de fraîcheur et d'émotion.

Et puis, il y a la naissance d'une relation particulière, qui ne dit pas son nom. C'est ténu, c'est fait de petits gestes, d'attentions. C'est de moins en moins discret, alors que les héros semblent chacun se détacher de leur foyer respectif, tout doucement, insensiblement. Bref, ce film est beau... et j'emmerde les grands esprits qui ont fait la fine bouche !

LE FANFARON (1962)

2011-12-12T17:15:00+01:00

Film de Dino Risi

Titre original: Il sorpasso

ITALIE, Genre: Comédie italienne

Avec: Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant, Catherine Spaak, Claudio Gora, Luciana Angiolillo, Linda Sini, Nando Angelini...

Musique: Riz Ortolani

Pour plus de détails voir IMDB

SYNOPSIS: Rome années 1960 un le jour férié du 15 août, Bruno un dilettante trentenaire bien sonné, cherche en vain un téléphone dans une ville désertée de sa population. Par chance il aperçoit à sa fenêtre Roberto un étudiant en droit qui révise pour passer son éxamen. Pour le remercier d lui avoir permis de passer un coup de fil, Bruno propose à Roberto une ballade en voiture. A la recherche d'un paquet de cigarettes et d'un repas, la ballade les éloignera de plus en plus de Rome. Roberto s'apercevra que Bruno est un sans gêne, un peu brutal qui vit d'expédients, et de prêts non remboursés, un coureur de jupons et un père divorcé maladroit avec sa fille plus mature que lui...

CRITIQUE: Véritable chef d'oeuvre de la Comédie italienne. Ces deux portraits dignes de La Bruyère d'une Italie dilettante, affable et amorale, qui tue l'Italie laborieuse et porteuse d'avenir font froid dans le dos. La fin sèche du film surprend, même si dans le fond, il ne pouvait pas se passer autre chose que cette issue fatale dans un virage de Toscane. Dino Risi et Ettore Scola aidés de Ruggero Maccari sont au scénario. On sent que c'est un film extrèmement maîtrisé dans la réalisation même si des parties de dialogues sont improvisés notamment lors des dépassements d'autres véhicules à bord de la Lancia Aurelia. Vittorio Gassman dans ce rôle ignoble est sublime et Jean-Louis Trintignant qui a 32 ans joue un homme de 20 ans est formidable. La musique de Riz Ortolani est une tempête de jazz.
"Il sorpasso" Riz Ortolani

Deux ou trois tubes italiens de l'époque accompagnent ce road-movie amer et sensationnel.

La scène d'anthologie: La scène finale qui marque les esprits pour son injustice.

NOTE: 16/20

L'anecdote: Plutôt accueilli fraîchement par la critique et le succès n'étant dû qu'à un laborieux bouche-à-oreille, ce n'est qu'après les années 1980 et de multiples rediffusions que ce film a pris toute sa place dans la filmographie internationale.

Films de Dino Risi déja commentés:

SI VOUS AVEZ AIME CE FILM VOUS AIMEREZ PEUT-ETRE: "Parfum de femme" de Dino Risi, "L'argent de la vieille" de Luigi Comencini, "Nous nous sommes tant aimés" de Ettore Scola, "Séduite et abandonnée" de Pietro Germi

Polisse

2011-12-10T14:34:00+01:00

C'est donc le film de Maïwenn (la soeur d'Isild Le Besco), consacré à la Brigade de Protection des Mineurs (la BPM pour les intimes), qui dépend de la préfecture de police de Paris. On a évidemment cherché à le comparer à d'illustres prédécesseurs, comme le Police de Maurice Pialat (qui ne raconte pas le même genre d'histoire) et L627 de Bertrand Tavernier (axé sur le trafic de drogue).

Ici, aucun héros ne se détache vraiment. On nous offre un portrait de groupe (de policiers) et des tranches de vies de citoyens de tout milieu, des immigrés roumains (séquence poignante de "rafle" à la clé) à la grande bourgeoisie parisienne (où se distingue Sandrine Kiberlain, peu présente mais impressionnante à chaque fois), en passant par les jeunes des "quartiers difficiles".

Avant d'aller voir ce film, j'ai entendu dire qu'il se rapprochait (trop ?) du documentaire. C'est parce qu'il joue sur le réalisme des situations. Le scénario s'est inspiré de faits réels et les dialogues comme le jeu des acteurs ont sans doute été influencés par ce qu'ils ont observé et ressenti au contact des vrais flics.

Du coup, c'est très cru, trop même parfois (et pourtant, je ne pense pas être particulièrement bégueule). On comprend vite que les flics ne pratiquent pas la langue de bois entre eux. Quant aux rapports avec les justiciables, s'ils ne sont pas nécessairement marqués par la violence physique, ils sont souvent émaillés de violence verbale. On nous met dans le bain dès le début avec cette ado insultante embarquée dans la voiture, confrontée à Naidra Ayadi et Joey Starr (excellents tout au long du film).

Mais la pire violence n'est pas dans les actes qui sont montrés à l'écran, ni dans les insultes ou grossièretés qui pleuvent parfois. Elle est dans certaines situations, souvent ignobles, dont l'accumulation a pour certains spectateurs franchi la limite du supportable. On passe ainsi deux heures plongé dans les affaires de viol, pédophilie, inceste, prostitution, le tout assaisonné de violences diverses, de perte de logement, de divorces.

Certains cas sont tellement énormes qu'ils suscitent le rire. Il y a cette mère qui masturbe son enfant en bas âge "pour le calmer", cette adolescente prête à tout pour récupérer le téléphone mobile qu'on lui a volé... "parce que c'est quand même un très beau portable" ! C'est le moment de signaler la qualité du jeu de la pléiade de figurants qui peuple ce film, en particulier celui des enfants, toujours vraisemblables. Le casting a été soigné et la direction d'acteurs est sans faille.

Il reste cette équipe de flics, qui encaisse tous les chocs et doit, par dessus le marché, gérer une vie privée souvent chaotique. C'est pour moi la plus belle partie du film, autour de Karin Viard et Marina Foïs, épatantes (je recommande en particulier le "pétage de plombs" de K. Viard).

De son côté, Maïwenn ne s'est pas attribué un rôle particulièrement facile. Elle est la photographe qui suit l'équipe de la BPM. Elle vient des beaux quartiers (c'est visiblement une "bobo") et a bénéficié d'un gros piston. Elle est donc bousculée par cette équipe de flics, peut-être un peu à l'image de ce qu'a vécu la réalisatrice quand elle a suivi des fonctionnaires de la brigade en préparant ce film.

Le Chat Potté

2011-12-04T13:59:00+01:00

Depuis le temps que l'on nous annonçait ce produit dérivé de l'univers de Shrek, je ne l'attendais plus ! Voici donc cette animation entièrement dédiée à ce brillant second rôle, cet adorable et insupportable sac à puces dont le regard apitoyant avait fait craquer des millions de spectateurs.

On commence par une remarque : c'est presque un vieux matou (encore bien en jambes, rassurez-vous) qui est le héros de ce film ; il me semble qu'on a un peu vieilli le personnage par rapport à ses aventures "shrékiennes"... mais on nous offre le récit de sa jeunesse tourmentée, l'une des plus belles séquences étant celle de son arrivée au refuge, une sorte d'orphelinat où l'on retrouve quantité d'enfants tarés ou rejetons de déviants. Très vite, le chaton timide se révèle audacieux.

L'un des ressorts de l'intrigue est donc son amitié à rebondissements avec l'oeuf, un gars très inventif... pour le meilleur et pour le pire. J'ai moyennement apprécié cet aspect-là. J'ai beaucoup plus goûté la relation acrobatique avec une insaisissable chatte ("Kitty pattes de velours", doublée par Virginie Efira dans la version française), qui n'est pas sans évoquer (du moins au début) la Catwoman de Tim Burton. (Quel mâle hétérosexuel n'a pas fantasmé des nuits entières sur Michelle Pfeiffer en combinaison de cuir ?.........)

Le film regorge donc de clins d'oeil, à des films de Disney, aux westerns-spaghetti, aux contes (Le Chat Botté, cela va sans dire, mais aussi Jack et le haricot magique et Alice au pays des merveilles, Humpty étant visiblement -au moins en partie- inspiré du Gros Coco). C'est un divertissement plutôt réservé à des enfants déjà un peu âgés : dans la salle où je me trouvais, une gamine de 4-5 ans a vite décroché, alors que les garçons de 8-10 ans ont bien suivi. Le (très) grand garçon que je suis a beaucoup ri.

Ceci dit, les petits seront quand même emballés par l'une des premières séquences, une effraction chez un couple d'horribles géants (l'une des nombreuses réussites de ce film ; tendez l'oreille lorsqu'ils parlent... les dialogues sont savoureux !) qui se continue en trépidante course-poursuite pour se finir en battle-dance sur musique entraînante.

C'est l'occasion de découvrir l'un des lieux mythiques de ce film : l'antre des chats, qui n'est pas sans évoquer l'univers des Aristochats. On y joue de la musique, on y danse... au milieu de dizaines de boules de poils ! (C'est peut-être le moment de préciser que, si vous n'aimez pas ces animaux, mieux vaut passer votre chemin...)

Un autre lieu-clé est le royaume de l'oie qui pond des oeufs d'or. Là, on est en plein conte... avec une morale, donc : le film se veut une dénonciation de l'appât du gain, aussi bien chez certains personnages principaux que chez les humains.

Tout ce beau monde finit par se retrouver dans le village où le Chat Potté (qui n'était pas encore botté) et l'oeuf se sont connus. On y règle ses comptes, on y dévoile ses sentiments profonds. Ce n'est pas la partie que j'ai préférée, mais, bon, on nous ménage une fin à rebondissements, pas déplaisante du tout.

P.S.

Le site internet dédié est sympa. On peut y jouer au "chat boosté", aux "dancing boots" et accéder aux traditionnels bonus.

Saburau . . . (Servir)

2011-12-03T23:55:00+01:00

Tous au Larzac

2011-12-01T22:49:00+01:00

Voilà donc ce documentaire consacré à la lutte des paysans des Causses contre l'agrandissement du camp militaire de La Cavalerie. Il est attendu depuis plus de deux ans : il était déjà en gestation au moment de la sortie de Les Brebis font de la résistance, en avril 2009.

Ce film a été pour moi source de deux agréables surprises. Tout d'abord, même si les auteurs éprouvent une évidente sympathie pour les révoltés larzaciens, leur film se veut d'abord une histoire rigoureuse de la lutte et de son contexte. Ensuite, bien que cela dure presque deux heures, on ressent peu la longueur, ce qui est assez rare pour un documentaire. Je pense qu'un gros travail pédagogique a été fait au moment du montage, qui alterne différents entretiens, images d'archives et paysages magnifiques.

Que les allergiques à José Bové se rassurent : il n'apparaît qu'au bout de 40 minutes et il n'est pas particulièrement mis en avant par rapport aux "historiques" du combat que sont par exemple Léon Maillé, Guy et Marisette Tarlier, Pierre et Christiane Burguière. Le rôle des femmes est mis en valeur, sans que cela soit ostentatoire.

Ces deux heures se justifient tant la lutte (10 ans, au sens strict) fut, contrairement à ce qu'une lecture rapide des événements laisserait croire, longue, difficile, à l'issue incertaine. Les relations avec les commerçants de La Cavalerie et certains militaires furent très tendues. Une des bergeries fut même plastiquée. Vers la fin du film on comprend que, sans l'élection de François Mitterrand (dont la venue sur le Larzac fut peut-être le théâtre d'un complot policier) à la présidence de la République, les rebelles auraient sans doute fini par céder.

Et pourtant, ils furent aussi pacifiques qu'inventifs (et drôles, parfois). Je reste épaté par la ténacité dont ces personnes ont fait preuve pour organiser les actions non violentes qui ont tant marqué leur époque. Pour que le film soit complet, il manque peut-être le point de vue des enfants de ces militants, dont la jeunesse a dû être marquée à la fois par l'enthousiasme de la lutte mais aussi les difficultés d'une vie quotidienne perturbée par un combat dont on avait du mal à voir la conclusion.

Le film fait aussi le lien entre les luttes du passé et celles du présent. Ce n'est pas forcément la partie la plus convaincante, mais bon, l'ensemble mérite quand même le détour.

P.S.

Signe que les temps ont changé, le sénateur du Sud Aveyron (élu en 2008), Alain Fauconnier, un socialiste plutôt proche de la gauche de la gauche, s'est inquiété, dans une question posée au ministre de la Défense et des Anciens combattants (Alain Juppé, à l'époque), du devenir du camp militaire qui, quoi qu'on en dise, est pourvoyeur d'emplois dans la région...

Jeanne captive

2011-11-27T14:00:00+01:00

On va dire : encore un film sur Jeanne d'Arc ! Cette fois-ci, en dépit du peu d'informations dont on dispose sur l'épopée johannique, le réalisateur, Philippe Ramos, a choisi de concentrer son attention sur trois moments seulement : le début de la captivité de Jeanne, alors aux mains des hommes de Jean de Luxembourg, le passage aux mains des Anglais, avant le procès, puis la dernière période, de l'après-procès au bûcher.

La première période est fondée sur un postulat sans doute faux : une supposée tentative de suicide de Jeanne, prise pour une nouvelle tentative d'évasion. Cette hypothèse était (et reste) la plus vraisemblable : la Pucelle avait déjà essayé de s'enfuir de son premier lieu de détention, le château de Beaulieu. Dans le film, elle se trouve, sauf erreur de ma part, dans le second lieu de détention, le château de Beaurevoir, dont il ne reste plus qu'une tour (Jeanne fut enfermée dans le donjon, aujourd'hui disparu). D'ailleurs, dans l'évocation de la tentative se suicide/évasion, le réalisateur se garde de faire figurer un élément : une corde bricolée à partir de draps et tapisseries, qui aurait cédé au cours de la tentative.

Cette réserve faite, force est de constater que le film "fonctionne" très bien. Il est centré sur l'attitude de Jeanne, souvent incompréhensible à ses geôliers ainsi qu'aux autres visiteurs... et peut-être aux spectateurs contemporains. P. Ramos nous trace le portrait d'une croyante fervente, et même d'une sainte.

Le choix de l'actrice était donc crucial. Ce fut un bon choix. Clémence Poésy (la Fleur Delacour de Harry Potter, aussi remarquée dans Bons Baisers de Bruges) nous fait totalement croire à la foi qui anime cette jeune femme et, cerise sur le gâteau, elle est absolument ravissante (les vicelards esthètes raffinés peuvent même profiter de certaines séquences pour se rincer l'oeil) .

Dans la première partie, c'est sa relation avec le guérisseur (Thierry Frémont, excellent) qui est mise en scène... sous la forme d'un drôle de dialogue, puisqu'elle ne lui adresse (presque) jamais la parole. C'est un joli tour de force au niveau de la réalisation... portée par de brillants interprètes, jusque dans les seconds rôles.

La deuxième partie voit intervenir les Anglais, plus ou moins respectueux de la demoiselle. La confrontation est plus dure, mais la jeune femme sort renforcée de sa précédente détention. Elle a décidé de parler désormais. On ne comprend toutefois pas bien comment elle a été amenée à se renier, avant de vite récupérer ses esprits. Par contre, on saisit parfaitement la volonté des Anglais de brûler la "sorcière" ou la "putain". Le réalisateur n'est cependant pas allé jusqu'à mettre en scène des tentatives de viol. Il se contente d'une version édulcorée du processus qui conduit Jeanne à être relapse, mais il la tourne bien.

J'ai aussi aimé la manière dont est montré le doute que la Pucelle réussit à instiller dans l'esprit de nombre de ses adversaires. Il y a aussi la peur que la présumée sorcière inspire aux esprits faibles, qui la croient capable de moult maléfices.

Reste la mise à mort, qui est l'occasion de découvrir l'entourage, la population. Le réalisateur met à l'image quelques habitants de Rouen, mais surtout les Anglais dans leur diversité, auxquels il oppose deux religieux : un moine (Jean-François Stévenin, correct) et un prédicateur illuminé (Mathieu Amalric, supportable). La toute fin m'a moyennement plu, avec ce jeune couple (qu'on a découvert peu auparavant) qui s'ébat. On a visiblement voulu contrebalancer la mort de la sainte par la naissance d'un amour. Mouais...

P.S.

Le réalisateur et l'actrice principale ont participé, en compagnie d'un historien, à l'émission Les femmes, toute une histoire, le 13 novembre, sur France Inter.

Colorful

2011-11-20T14:01:00+01:00

C'est un manga, adapté d'un roman japonais. Il est "plein de couleurs" parce qu'il est souvent question de peinture, à travers l'atelier artistique d'un collège, où se rejoignent certains élèves de 3e. C'est aussi une allusion au tempérament des personnages principaux, à plusieurs facettes.

Au départ, l'histoire ne semble pas alléchante : on ne voit pas le personnage principal, que l'on ne fait qu'entendre. Il croit qu'il est mort. Pas de chance ! Il va devoir intégrer le corps d'un autre garçon, qui vient de se suicider. Voilà qui n'est guère réjouissant. Mais je vous assure que la séquence du "purgatoire" est brillante, souvent drôle. Et l'on se demande qui peut être ce curieux "employé du Ciel", ce garçon en costume-cravate...

La suite est la découverte de la seconde existence de celui qu'on appelle Makoto Kobayashi. Le réalisateur a tenu à nous montrer la vie quotidienne d'une famille de "Japonais moyens". La façade est jolie (ils ont une maison, un intérieur coquet à défaut d'être luxueux, deux garçons propres sur eux), mais le fond est moins joyeux : le père est un gentil ringard, un brin alcoolique, très pris par son boulot minable ; la mère, qui a eu des faiblesses pour son professeur de danse, est d'une insupportable soumission à la maison ; le frère aîné semble être un jeune homme égoïste et le rescapé Makoto est un enfant gâté.

Il est surtout décalé par rapport à ceux qui croient le connaître. Il n'a que quelques semaines pour mener à bien sa "mission"... qu'il ne connaît pas, en fait. On sent qu'il doit "réparer" certaines choses. Pour cela, il doit découvrir pourquoi le garçon qu'il remplace s'est suicidé. Il mène donc une petite enquête. Ce qu'il découvre n'est pas toujours joli joli.

Mais l'âme réincarnée se rebelle parfois. Il veut n'en faire qu'à sa tête. (N'oublions pas que c'est un gamin.) Comme celui qu'il remplace n'avait visiblement pas d'ami, il tente de s'en faire. Il va aussi découvrir sa "famille", les voir sous un autre jour. Une des belles séquences le voit partir à la pêche avec son "père". On peut relever aussi les scènes de repas, vraiment réussies... et qui donnent faim !

Les Occidentaux seront stupéfaits de découvrir un collège où les garçons portent l'uniforme et les filles la jupe et de grandes sockettes. Mmmm... Les Occidentaux seront peut-être aussi surpris par le respect de certaines convenances, la politesse des protagonistes. Heureux Japon... Du point de vue scolaire, on apprend que les lycées prestigieux sont publics, alors que les bahuts privés semblent appartenir à deux catégories : ceux qui acceptent tous les collégiens, quels que soient leurs résultats, et ceux qui offrent une formation très spécialisée (en arts plastiques, par exemple).

Le dessin est agréable à regarder. Ce n'est pas du niveau d'un film de Miyazaki, mais cela a été fait avec soin, surtout au niveau des décors. C'est un peu plus limite quand les mouvements se font rapides.

La fin nous propose un petit retournement... auquel on peut s'attendre si l'on a été attentif. (C'est pas pour me vanter, mais j'avais "intuité" depuis le début !) Je trouve toutefois le film un peu complexe pour des petits. Dans la salle où je l'ai vu, quelques parents n'avaient visiblement pas lu grand chose à son sujet avant d'y emmener leurs bambins. En dépit de la qualité de l'image et de l'intérêt porté aux relations entre ados, certains ont assez vite décroché... et ils n'ont pas dû comprendre certains traits d'humour.

On peut glaner plus d'informations sur le site dédié.

Cinéma à Milly

2011-11-20T07:16:00+01:00

mardi 22 novembre

Les projections ont lieu à la salle des fêtes de Milly-la-Forêt, située boulevard Lyautey et sont assurées par Cinessonne, association soutenue par le Conseil général de l’Essonne.
Tarifs
Enfants : 4 €
Adultes : 5 €

à 18h : Un monstre à Paris
Film d’animation français
Réalisé par Eric Bergeron
Avec Vanessa Paradis, Mathieu Chédid, Gad Elmaleh, etc.
Film pour enfants à partir de 6 ans
1h22

à 20h30 : Le Skylab
Comédie française
Réalisée par Julie Delpy
Avec Lou Alvarez, Julie Delpy, Eric Elmosnino, etc.
1h53

Pour en savoir plus : c'est ici

Tintin et le secret de la Licorne

2011-11-19T23:31:00+01:00

Cette adaptation est construite à partir de deux albums, Le Crabe aux pinces d'or (qui voit la rencontre entre Tintin et le capitaine Haddock) et Le Secret de la Licorne. On comprend la logique qu'il y a derrière : cela constitue une sorte de matrice, dont vont découler les autres films (le prochain fera sans doute intervenir le professeur Tournesol). Mais l'attelage est un peu bancal : je considère Le Secret de la Licorne nettement supérieur au Crabe aux pinces d'or.

Après, que les scénaristes aient réécrit une partie de l'histoire ne me choque pas. Leurs choix ne sont pas forcément mauvais. On notera tout de même que le récit (par Haddock) de la vie de son ancêtre intervient, dans le film, dans une phase de sevrage d'alcool, alors que dans la bande dessinée, il nourrit son récit de fréquentes gorgées de boisson fermentée...

Mon principal regret est le traitement subi par le second album, dont l'intrigue est quelque peu rognée pour que l'ensemble rentre dans le format d'un film d'environ deux heures. Exit donc les frères Loiseau (ce qui évitera au film de susciter l'ire des antiquaires), remplacés par une habile histoire de vengeance à plusieurs générations de distance. L'épisode du voleur de portefeuilles est aussi un peu bâclé : dans l'album, il est traité avec un grand soin graphique... et beaucoup plus d'humour.

J'ai par contre apprécié l'introduction précoce de la Castafiore dans l'univers de Tintin. Sa présence se justifie d'une manière que je ne peux raconter ici sous peine de déflorer un peu trop l'intrigue. C'est bien trouvé.

Les séquences d'action sont particulièrement réussies. On a l'abordage de la Licorne par le bateau-pirate, un grand moment en 3D. On se laisse aussi volontiers porter par l'incroyable poursuite marocaine, à pieds, en moto, en voiture, en char, dans les airs... jusque dans l'eau. On retrouve le souffle d'Indiana Jones... mais ce n'est pas du Tintin.

Le film commence pourtant très bien, avec un générique virevoltant, puis un hommage à Hergé dans la première séquence. (Regardez bien qui fait le portrait de Tintin.)

Mon gros problème est que je n'ai pas trop aimé les voix françaises des deux personnages principaux (Tintin et Haddock), qui me sont apparus moins sympathiques et fantaisistes que dans la BD. Par contre, j'ai adoré Milou, qui se comporte comme un mélange d'Idéfix et de l'adorable cabot de The Artist.

Une Vie avec Oradour

2011-11-12T15:06:00+01:00

Ce documentaire est consacré, comme son titre l'indique, au massacre d'Oradour-sur-Glane. Il n'est pas le premier (et sans doute pas le dernier). Le réalisateur a donc adopté une démarche originale, comme il l'explique dans le passionnant dossier de presse publié à l'occasion de la sortie du film : il suit l'un des deux derniers rescapés encore en vie, Robert Hébras (auquel Libération a récemment consacré un joli portrait). Celui-ci raconte donc cette journée comme il l'a vécue.

D'autres témoins ont été sollicités. Au final, le film réussit le tour de force de raconter de manière objective un événement, à partir de visions subjectives.

Ceux qui se sont déjà rendus dans le village en ruines (dont une reconstitution en images de synthèse a été réalisée) reconnaîtront certaines rues et certains bâtiments. A travers les descriptions du rescapé, on suit à la fois le déroulement du massacre et son parcours de survie.

La deuxième partie du film est consacrée à l'après-guerre. Le village est reconstruit à côté, laissant les ruines en place. Il faut vivre avec la douleur, l'absence des êtres aimés. Les survivants se font passeurs de mémoire. On suit l'évolution de Robert Hébras, dont on comprend qu'il fut sans doute longtemps germanophobe, avant de pouvoir faire la distinction entre les criminels de l'époque et les Allemands d'aujourd'hui. A ce sujet, une séquence émouvante le montre en compagnie d'un groupe d'élèves venus d'Allemagne avec leurs enseignants. C'est l'un des très beaux moments du film.

On peut aussi y dénicher quelques "perles", comme ces extraits d'un documentaire allemand (eh oui !) tourné il y a plus de vingt ans. On y voit un Robert Hébras plus jeune présenter une partie des ruines devant des journalistes venus d'outre-Rhin. On y voit aussi l'un des responsables du massacre, Heinz Barth, aujourd'hui décédé. Il se déclarait très surpris d'apprendre qu'il y avait eu des survivants...

Cela nous amène au procès de 1953, qui a vu s'opposer deux mémoires des victimes : celle des habitants d'Oradour et celle des "Malgré-nous", Alsaciens et Mosellans engagés de force dans l'armée allemande (voire les SS) : 13 d'entre eux (dont un engagé volontaire) étaient membres de la troupe qui a perpétré le massacre.

Pour complexifier le tout, ajoutons que, parmi les 642 victimes, figurent des réfugiés originaires d'Alsace-Moselle (n'oublions pas que ces deux territoires ont subi, en 1940, une nouvelle annexion allemande), notamment du village de Charly, situé à proximité de Metz. A sa demande, il obtint de changer son nom en Charly-Oradour.

Même si le film est bien fichu, je pense que rien ne remplace la visite des lieux. L'accès aux ruines est gratuit. Sur certains bâtiments, des plaques apportent des éléments d'explication. Mais peut-être vaut-il mieux commencer par la visite du Centre de la mémoire, qui explique le contexte du massacre et élargit à toute la Seconde guerre mondiale (et au-delà).

Ici on noie les Algériens

2011-11-11T14:35:00+01:00

C'est un documentaire consacré au massacre du 17 octobre 1961, à Paris. Ce n'est toutefois pas une enquéte exhaustive sur les tenants et les aboutissants de l'événement. Le film prend la forme d'un déroulé chronologique, qui s'appuie sur des documents d'époque et les témoignages de rescapés et de proches des victimes.

Premier constat : c'est fou ce que l'on peut retrouver comme images d'archives ! Si, en France, le bilan de ce massacre a été longtemps occulté, force est de constater que la manifestation comme la répression, même atténuée, sont présentes dans les médias de l'époque.

On pourra regretter que la réalisatrice (qui s'est auparavant intéressée aux massacres de Sétif) n'ait pas choisi de consacrer davantage de temps au contexte de la manifestation : la guerre d'Algérie finissante. Cela aurait permis de mieux cerner les motivations des autorités de l'époque. On se place tout de même dans une séquence hyperviolente, commencée le 8 mai 1945 (et à la Toussaint 1954 pour la guerre en tant que telle). N'oublions pas non plus que, pour l'Etat français, "l'affaire algérienne" est officiellement une série d'opérations de maintien de l'ordre, pas une guerre (dont l'existence n'a été reconnue qu'en 1999...).

Les moments que j'ai trouvés les plus intéressants sont cependant les témoignages (contemporains) des femmes, sur le déroulement de la manifestation, la répression, leur vie sans leur mari, leurs démarches pour le retrouver. Certaines font même parfois preuve d'un humour étonnant. (On peut en lire d'autres sur un site dédié au 17 octobre 1961.)

Reste que le film m'est apparu long. Il ne dure pourtant qu'1h30, mais je dois avouer que, durant la première partie, il m'est arrivé de piquer du nez ! C'est, je pense, une des limites du documentaire cinématographique. Un format de 45-50 minutes est plus adapté. Sauf exception, la télévision se prête donc mieux à sa diffusion. Pour maintenir l'intérêt sur une plus longue durée, il faut que le documentaire soit porté par une verve polémique talentueuse, ou qu'il soit d'une exceptionnelle qualité. Ce n'est pas le cas ici. C'est un travail intéressant, sans plus.

Les Marches du Pouvoir

2011-11-09T22:00:00+01:00

Bande Annonce

Synopsis : Stephen Meyers est le jeune mais déjà très expérimenté conseiller de campagne du gouverneur Morris, qui se prépare pour les élections à la présidence américaine. Idéaliste et décidé à faire honnêtement tout ce qu’il peut pour faire gagner celui qu’il considère sincèrement comme le meilleur candidat, Stephen s’engage totalement. Pourtant, face aux manipulations et aux coups tordus qui se multiplient vite, Stephen va devoir faire évoluer sa façon de travailler et de voir les choses. Entre tentations et désillusions, les arcanes du pouvoir le transforment…

Tous les coups sont permis !!!