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Deuxième Tour et Décision Finale!!

2012-02-08T17:47:00+01:00

Voilà, il est temps de passer au choix final de notre couple idéal pour la prochaine adaptation BBC de Persuasion (qui n'est même pas encore prévue mais que nous jugeons indispensable!)!! Alors, pour ce deuxième tour, j'ai décidé de ne garder que les acteurs ayant obtenu 2 votes ou plus. Il nous en reste donc 3 dans chaque catégorie. Attention, à vos souris... Votez!

Les tragédies de Shakespeare, version BBC, disponibles en coffret DVD

2012-02-07T13:36:00+01:00

Derek Jacobi (Hamlet) © BBC

Plus de 18 heures de Shakespeare en V.O (je n'en suis pas encore venue à bout, je l'avoue !) De quoi remplir les journées glaciales que nous traversons, bien au chaud sur son canapé. Et il ne s'agit là que du premier volume de cette collection.

Au programme de ce coffret DVD, six tragédies shakespeariennes. Les archi-connues comme Roméo et Juliette, Hamlet, Othello, Jules César et celles qui le sont un peu moins telles Titus Andronicus (première tragédie écrite par Shakespeare en 1592) et Troïlus et Cressida.

Attention : il ne s'agit pas là de captations théâtrales mais de tournages en studio, réalisés par la BBC entre 1978 et 1985. Les décors peuvent parfois faire un peu carton-pâte mais la caméra est au plus près des comédiens et évolue entre eux dans de longs plans-séquences (personnellement, je préfère cela aux réalisations actuelles qui font varier l'axe de la caméra ou la valeur du plan toutes les 3 secondes !).

Côté distribution, c'est Othello qui nous propose l'affiche la plus prestigieuse : Anthony Hopkins dans le rôle tître et Bob Hoskins dans celui de Iago.

Pas de doublage, présisons-le à nouveau, mais un choix dans les sous-titres : en français ou en anglais. Chacune des pièces dure entre 2h40 et 3h40.

Au total, ce projet Shakespeare mené par la BBC comprenait 37 pièces. Je ne sais pas encore si elles seront toutes commercialisées dans cette série, mais un second volume est dès à présent annoncé, pour le second semestre 2012. Il sera consacré aux comédies avec : La Comédie des erreurs, Les deux gentilhommes de Vérone, Le songe d'une nuit d'été, Love's labour lost (Peines d'amour perdues) et La mégère apprivoisée.

Shakespeare, tragédies (Titus Andronicus, Roméo et Juliette, Jules César, Hamlet, Troïlus et Cressida et Othello), coffret 6 DVD aux Editions Montparnasse. En version originale, sous-titrages en Français ou en Anglais. Disponible dès le 7 février (40 euros).

Sherlock - Présentation d'une série qui révolutionne un mythe

2012-02-04T20:18:00+01:00

De la même manière que pour Doctor Who (dont je vous livre une présentation et un avis global ici), je publie un nouveau billet pour parler de ma seconde grande obsession. J’ai nommé…

Sherlock

Qu’est-ce que c’est ?

Cette série policière britannique (of course !), créée par Mark Gatiss et Steven Moffat (tiens, mais n’a-t-on pas déjà lu son nom quelque part à celui-là ?) et diffusée à partir du 25 juillet 2010 sur BBC One est tout simplement – comme le suggère son titre – une adaptation des aventures de Sherlock Holmes. Mais pas n’importe laquelle. Car des adaptations des enquêtes du célèbre détective, il y en a eu à la pelle : des bonnes, des moins bonnes, des excellentes, bref… On peut dire que le sujet a été vu, revu et corrigé un grand nombre de fois. Mais que tous ceux qui ne connaissent pas ce bijou se rassurent. Celle-ci comporte bel et bien quelque chose de novateur. Oubliez donc les costumes en tweed et les couvre-chefs datant de l’époque victorienne. Sherlock Holmes ne vit plus au XIXème siècle… Mais au nôtre.

Il n’envoie plus des télégrammes, mais des textos (ère du smartphone oblige). Il ne fume plus la pipe, mais se colle des patches de nicotine sur l’avant-bras (« it’s a three patches problem »). Mais rassurez-vous, il habite toujours au 221B Baker Street, et toujours aux côtés du bon Dr Watson.

Pour ce qui est de l’exploitation française, c’est le groupe France Télévision qui s’en charge. Sherlock fut d’abord diffusé sur France 4 en janvier 2011, puis sur France 2 en juillet de la même année. Avec d'excellentes audiences à la clé.

La série se divise pour l’instant en 2 saisons, comportant chacune 3 épisodes de 90 minutes. Good news, une troisième est en préparation.

L’histoire (pour ceux qui ne connaitraient pas encore…)

221B Baker Street. Une adresse aussi célèbre que le nom de son locataire. Ou plutôt de ses locataires. Sherlock Holmes et John Watson, et j’insiste sur ce « et », car tout bon holmésien qui se respecte connaît cette règle d’or : l’un n’est rien sans l’autre.

Nous sommes au XXIème siècle, à Londres. Adieu les lampadaires à gaz, bonjour les rues bruyantes de la capitale anglaise à l’ère d’Internet ! Sherlock (car oui, qui appelle encore familièrement une personne par son nom de famille, de nos jours ?) est un jeune détective consultant (the only one in the world, he invented the job). John est médecin militaire (santaaaaard !) tout juste rapatrié d’Afghanistan, blessé et marqué par la guerre. Le hasard faisant très bien les choses, ils se rencontrent puis emménagent en tant que colocataires (quoi de plus naturel !) à la fameuse adresse. Et c’est avec l’aide du docteur (non non, pas le Timelord, l’autre) que Sherlock résout les énigmes criminelles les plus complexes, tirant tout le temps souvent une épine du pied de Scotland Yard, avec ses atouts les plus formidables : l’observation et la déduction (techniques aussi connues sous le terme « je-peux-deviner-que-tu-t’es-mouché-dans-le-mouchoir-brodé-de-ta-grand-mère-il-y-a-2-jours-grâce-au-cheveu-accroché-au-revers-de-ton-blazer »).

Pourquoi j’aime cette (brillantissime) série ?

Là aussi, si je devais dire tout le bien que je pense de cette série, il me faudrait condamner la forêt Amazonienne pour obtenir la quantité de papier nécessaire pour écrire toutes les raisons justifiant mon amour pour elle.

Premier point : l’innovation. Revisiter le mythe de Sherlock Holmes à la sauce moderne, il fallait y penser. Moffat et Gatiss - que j’apprécie déjà énormément pour leur travail fait sur Doctor Who – l’ont fait avec une maestria évidente. Les enquêtes ne sont pas purement adaptées. Le script s’inspire énormément des romans et nouvelles de Conan Doyle tout en créant une trame inédite. De la même manière, les personnages étant insérés dans un contexte contemporain, la série nous en propose une vision à la fois nouvelle, mais aussi en accord avec l’œuvre originale d'Arthur Conan Doyle. Car l’essence des livres est là. L’excitation prodiguée par les énigmes, les déductions de Holmes, la chasse aux criminels… L’âme du canon holmésien est bien présente. En parlant de l’âme de la série, j’en viens au second point.

Sherlock et John. John et Sherlock. Le duo reste indémodable, et insuffle une vraie dynamique à la série. J’irais même jusqu’à dire qu’il en est la colonne vertébrale (on reconnaît l’étudiante en médecine…). Que ce soit en 1895 ou aujourd’hui, l’amitié qui relie les deux protagonistes est exactement la même, et comment ne pas sourire devant certaines piques mémorables que s’échangent de temps à autres les deux colocataires ? Ce qui m’amène maintenant au troisième argument.

Le casting est formidable (si si si !). Et ce n’est pas seulement la fangirl britishophile qui vous parle. Ainsi ne m’étalerai-je pas sur les magnifiques yeux de Benedict, la « mignonittude » de Martin, les beaux cheveux grisonnants de Rupert Graves… BREF. Nous disions… Benedict Cumberbatch (à vos souhaits !) campe un Sherlock impressionnant de classe et de charisme. Il a parfaitement saisi la personnalité à la fois excentrique et sombre du détective. Ce n'est pas pour rien que Spielberg lui-même l'a qualifié comme étant « le meilleur Sherlock à l'écran » (sachant qu'il y en a quand même eu plus de 70).

Martin Freeman (que vous retrouverez bientôt en Terre du Milieu, huhu...) incarne un John qui vous fera regretter de ne pas avoir plus d'amis comme lui. Tout comme celui de son compère, son jeu est excellent, dépeignant à la fois un Watson loyal, courageux et surtout indispensable. Et merci, adieu le terrible cliché du faire-valoir empoté et inutile des vieilles années (pour cela nous pouvons également remercier les films de Guy Ritchie). John Watson is perfect, get over it (toute personne exprimant son désaccord avec la précédente affirmation se verra châtiée à coups de cravaches jusqu'à ce que mort s'en suive).

Pour ce qui est du reste du casting, le gratin est tout aussi délicieux (métaphore ô combien gracieuse, je le reconnais). Notamment Andrew Scott, qui nous livre une version magistrale du célèbre ennemi juré de Sherlock, James Moriarty. Son interprétation risque bien de vous faire jubiler, et la réinvention du personnage est une excellente surprise. N’oublions pas Mark Gatiss (himself !), alias Mycroft le Grand Frère (non, rien à voir avec Pascal, même si des fois ce n'est pas si loin) qui donne enfin à ce personnage un peu trop souvent oublié sa part de lumière.

Pour ce qui est des intrigues, elles sont incroyablement bien ficelées et prenantes. Nous parlons de S. Moffat et de M. Gatiss après tout ! Pour ce qui est de vous emmêler les méninges, vous ne trouverez pas meilleurs que ces deux-là. Vous allez les haïr et les adorer...

Je terminerai sur la cinématographie remarquable de cette série. L'esthétique est très soignée, les transitions sont fluides voire même incroyables si l'on se penche sur la saison 2 qui est encore un cran au-dessus. Certains plans larges de la ville de Londres resteront bien quelques secondes sur votre rétine, Du point de vue technique, vous ne serez pas déçus.

En résumé, il s'agit pour moi de la meilleure adaptation à ce jour, aux côtés de la version Granada (que je connais encore hélas trop peu). Elle ravira nons seulement les fans du canon de Conan Doyle, mais aussi les novices.

Points Positifs :

- Un Sherlock Holmes à la fois renouvelé et extrêmement fidèle à l'esprit d'origine.
- les DETAILS. La série regorge de références, le travail est tellement soigné que c'est un vrai plaisir de la voir et de la revoir.
- Une mise en scène superbe.
- Un casting impeccable.
- Le manteau de Sherlock.
- Les chemises de Sherlock.
- Les pulls-over de John (incroyables !)

Points Négatifs :

- Je suis vraiment obligée ?
- On en veut toujours plus !
- 3 épisodes par saison avec un hiatus énoooooorme entre chaque (pleurez compagnons, pleurez).
- Les pulls-over de John...

Doctor Who - Présentation d'une série iconique

2012-02-02T12:37:00+01:00

Voici venue l'heure de vous présenter ce qui constitue l'une de mes plus belles obesssions en tant que Britishophile. J'ai nommé...

Doctor Who

Qu'est-ce que c'est ?

Commençons par le plus simple. Doctor Who, c'est une série de science-fiction. Et elle ne date pas d'hier : elle fut créée par Sydney Newman et Donald Wilson et diffusée à partir du 23 novembre 1963, la série originelle comptant 679 épisodes, et s’arrêta en 1989. Le 26 juin 2005 sur la BBC, la franchise est ressuscitée grâce à Russell T. Davies et Julie Gardner pour nous conduire à 6 nouvelles saisons jusqu’à ce jour. Pour ce qui est des comptes, nous obtenons donc plus de 800 épisodes, ce qui fait de Doctor Who la plus longue série de SF du monde (vérifiez dans le Guiness !). En 2009 (fin de la 4^ème saison), Russell T. Davies tire sa révérence, et cède sa place de showrunner à Steven Moffat.

Du point de vue culturel, Doctor Who peut se considérer comme littéralement inscrit dans le patrimoine britannique. Énormément appréciée dans son pays d'origine, la série s'est imposée comme un véritable icône de la nation de Sa Majesté. Tout bon british qui se respecte saura exactement de quoi vous parlez si vous prononcez les mots "TARDIS", "Dalek" ou encore "Sonic screwdriver" (rien à voir avec le hérisson bleu hyperactif). Ça y est. J'ai déjà perdu la moitié d'entre vous avec ces expressions loufoques. Mais revenez donc ! (c'est un ordre). Penchez-vous sur cette série, et vous y gagnerez, parole de scout ! (j'ai jamais fait les scouts, by the way).

Pour info, chez nous (où la série gagnerait à être plus connue, c’est moi qui vous le dis), Doctor Who est diffusée sur France 4.

L’histoire

Le Doctor est un être peu commun. Et pour cause. C’est un extra-terrestre, plus exactement, un Seigneur du Temps (mais à partir de maintenant on dira Timelord parce que la VO c’est le Bien). But there is more ! Âgé de 900 ans et des poussières (et il est plutôt bien conservé), il voyage à bord du TARDIS (Time And Relative Dimension In Space), qui conserve l’apparence d’une cabine téléphonique de police des années 60 (arrêtez donc de froncer les sourcils, et poursuivez !), et enchaîne aventure sur aventure aux confins de l’univers et de l’Histoire.

Très attaché à notre bonne vieille Planète Bleue, il est souvent suivi par de braves compagnons terriens (et hélas pour nous pauvres frenchies, souvent britanniques).

Pourquoi j’aime cette (magnifique) série ?

Je vous fais la liste par ordre chronologique, ou alphabétique ? Très bien, dans ce cas j’essaierai de faire court.

Tout d’abord, Doctor Who est un excellent mélange de tout ce qui peut faire une bonne série : de l’humour (so british !), de l’aventure évidemment, mais aussi des personnages forts, avec une bonne dose d’émotions et de drame. Et oui. L’affiche ne vous le laisserait pas présager, mais on rit ET on pleure devant Doctor Who. Et avec tout ça, certains épisodes vous feront même réfléchir un peu sur vous-même et le monde dans lequel vous évoluez, ce qui ne fait pas de mal de temps en temps.

Ensuite : une excellente panoplie d’acteurs. Cette série fut pour moi l’occasion de découvrir des acteurs britanniques que je place désormais au sommet de mon harem ma liste de bonnes choses. Citons (par exemple…..) David Tennant (le premier Doctor que j’ai aperçu sur le net), qui est juste un comédien magistral. Ses confrères Christopher Eccleston et Matt Smith ont bien entendu aussi de quoi tenir ! À eux viennent s’ajouter bien d’autres acteurs et actrices, et il faut avouer, regarder une série avec un beau casting, ça fait plaisir.

Pour poursuivre : la science-fiction et le fantastique. Les intrigues mêlent aliens et personnages historiques, et cela devient rapidement addictif. Faire se croiser Agatha Christie et une Guêpe Géante, ou Charles Dickens et des fantômes (pas vraiment fantômes) en période de Noël, il fallait y penser. Rajoutez à cela une bonne louche d’humour et de kitschittude britannique (dans le meilleur sens du terme), et la sauce prend instantanément. L’univers est riche, et les scénaristes sauront vous captiver.

Egalement, il y a le personnage principal. Héros drôle, déjanté, hyperactif, mais aussi torturé (vous comprendrez bien vite), sombre, dangereux, le Doctor est un personnage complexe qui ne cesse de fasciner, d’enchanter, de faire rire et pleurer. Sans oublier ses compagnons aux caractères bien trempés.

Et enfin, si comme moi vous adorez la culture britannique, vous devriez rapidement placer cette série dans votre top liste.

Point Positifs :

- Des personnages forts.

- Les acteurs.

- Le mélange de science-fiction et d’historique.

- L’humour et le côté british décalé.

- La musique (Murray Gold devrait rapidement rentrer dans votre répertoire).

Point négatifs :

- Quels points négatifs ?

- Faut vraiment que j’en trouve ?

- Bon…

- Quand vous commencez, difficile de s’arrêter.

- Les effets spéciaux… ? Et encore, je dis ça vraiment pour remplir les cases. Budget limité oblige, il faut faire des concessions, si bien que certains monstres et aliens pourront vous paraître un peu étranges. Mais là où Doctor Who se démarque encore, c’est qu’il fait de cette faiblesse une force, s’appuyant sur son côté décalé. Et croyez-moi, vous ricanerez peut être devant l’apparence d’un Dalek à la première seconde, mais une fois les présentations faites, vous ferez moins les fiers. Et attendez de voir les Anges Pleureurs (très bien faits). Ah bah en fait, c’est plus vraiment un point négatif là, non ?

- La VF. Ne regardez pas la VF. Les doublures et traductions sont affreuses et vous y perdrez beaucoup. La VF, c’est le mal !

Doctor Who, saison 6

2012-01-29T09:00:00+01:00

Intégrale

Il y a des séries que vous aimez profondément mais que vous ne suivez plus avec autant d'attention. Alors vous allez me dire ca fait un petit moment maintenant que Eleven est en place, mais rien à faire Ten me manque. Surtout depuis que je suis allée à la Doctor Who Experience ICI avec Lorna et que j'ai pu voir le TARDIS de Ten, son costume... C'est limite comme si je ne l'avais pas vu en vrai (OH.MY.GOD je suis en train de fantasmer sur la potentielle venue de David Tennant à une Convention en France... Ouais je sais je suis en train de rêver les yeux grand ouvert...) BREF !

Cette saison fut divisée en deux, c'est peut-être aussi pour cela que ca a été difficile de se mettre vraiment dedans.
En+ je vous parle de ca 1000 ans après mon visionnage et 1000 ans après tout le monde...

Il y a un personnage que j'aime de plus en plus c'est Rory *___* ♥ non mais sérieusement ce personnage est juste PAR-FAIT ! The perfect boyfriend, toujours présent pour sa femme... Oui mon côté shipper a adoré... Arthur Darvill, je suis amoureuse de toi ! Ca c'est dit !

A côté de cela, le personnage de River est vraiment l'un de mes coups de coeur. Alex Kingston est parfaite ("Hello Sweetie")... Son lien avec le Docteur est déchirant... Ils ne seront jamais en phase...
Elle est celle qui causera sa perte, mais elle est aussi celle qui le sauve. C'est à en perdre son latin !! Je vous le dis !!

Une chose est sûre l'écriture est clairement différente. Je ne pourrais pas dire si je préfère l'une ou l'autre...
Dans les deux versions il y a des choses que j'aime et des choses que je n'aime pas. C'est juste différent. Je ne pense pas que l'on puisse vraiment comparer les deux ères... Enfin ce n'est que mon avis...

Au début de cette saison 6, nous avons un invité de marque : Mark.A Sheppard qui a toujours des rôles improbables (je me souviendrais toujours de l'Incendiaire dans The X-Files). J'ai bien aimé sa story-line !

Dans l'ensemble j'ai passé de bons moments devant la saison 6. Je n'ai peut-être plus la flamme comme avant mais j'aime suivre la série en live. Et je me suis quand même déplacée à Londres pour voir l'expo, ca n'est pas rien (bon ok j'adore l'Angleterre mais quand même)...

Je suis vraiment désolée mes souvenirs sont un peu flous >.< et pour me faire pardonner une jolie photo du cast :

Bilan : Une saison 6 coupée en deux, ce qui n'aide pas vraiment pour se souvenir vraiment de l'histoire. De plus, dans mon souvenir, elle me semblait assez compliqué avec les timelines différentes entre River et le Docteur.
J'avoue que j'aime toujours autant et j'ai hâte de voir la suite de la série... Même si il semblerait que ca tarde plus que d'habitude...
See you soon Doctor ;)

(Pilote UK) Call the Midwife : aux côtés de sages-femmes dans les années 50

2012-01-27T13:39:00+01:00

Vous connaissez mon penchant pour les period drama, quelque soit l'époque qu'ils mettent en scène. Et si en plus ils peuvent nous offrir d'intéressants portraits de femmes, c'est encore mieux. En ce mois de janvier, les chaînes m'ont entendu puisque plusieurs séries s'intéressent au milieu du XXe siècle d'une perspective féminine. Il y a d'abord la canadienne Bomb Girls, mini-série se déroulant durant la Seconde Guerre Mondiale diffusée depuis le début du mois, et sur laquelle je reviendrais peut-être. Et puis, dans un tout autre genre, BBC1 nous propose, elle, une immersion dans les années 50.

Call the Midwife a débuté le 15 janvier dernier. Écrite par Heidi Thomas, elle s'inspire des mémoires de Jennifer Worth. Ayant remporté un joli succès d'audience le dimanche soir, puisque son premier épisode a rassemblé plus de 9 millions de téléspectateurs et qu'ils étaient encore plus de 8 millions devant le second, une deuxième saison a d'ores et déjà été commandée par la BBC. En attendant, la première saison comportera en tout six épisodes. Et après avoir visionné les deux premiers épisodes (sur les conseils avisés de Skyefleur), je suis certaine que je serai au rendez-vous pour la suite !

Call the Midwife se déroule dans les années 50, dans un quartier populaire de l'Est londonien. Elle s'intéresse au quotidien des sages-femmes de Nonnatus House, un établissement où des infirmières laïques interviennent aux côtés de religieuses. La série débute par l'arrivée d'une nouvelle sage-femme, tout juste qualifiée, Jenny Lee, qui est également la narratrice de l'histoire. Issue d'un milieu social qui ne l'a pas préparée aux conditions de vie des classes les plus défavorisées de son pays, la jeune femme a du mal à s'adapter aux situations qu'elle doit gérer, les notions d'hygiène notamment apparaissant complètement étrangères à certaines de ses patientes.

A travers le travail des sages-femmes, la série prend le pouls d'un quartier où, sans moyens contraceptifs pour contrôler les naissances, les familles sont souvent très nombreuses (même si la première patiente de Jenny, qui attend son vingt-cinquième enfant, restera un cas exceptionnel). Parallèlement, Call the Midwife va aussi éclairer l'apprentissage de ces jeunes sages-femmes qui ont choisi de venir ici exercer ce métier, mais qui connaissent encore si peu la réalité de la vie. Leurs difficultés à se plier aux exigences et à la flexibilité demandées, le caractère très éprouvant d'une tâche qui peut être la plus belle qui soit - contribuer à donner la vie - ou tourner à un drame poignant, mais aussi l'amitié qui se noue entre elles, sont autant de thématiques que la série va entreprendre d'explorer.

Choisir de s'intéresser au métier de sages-femmes va permettre à Call the Midwife de jouer sur plusieurs tableaux. Tout d'abord, le fait que ses personnages soient au plus proche de la population est l'occasion de proposer une reconstitution historique complète de l'époque et des moeurs de ces quartiers populaires. Elle va ainsi décrire les conditions de vie de ces classes les plus défavorisées. Et si elle renvoie parfois l'impression d'instantanés trop proprets, la série n'occulte pas pour autant des problématiques sociales et de santé qui demeurent des enjeux centraux, comme en témoigne le destin de cette fille-mère que la grossesse arrache un temps à la prostitution dans le deuxième épisode.

Pour autant, Call the Midwife ne tombe jamais dans le misérabilisme. La série trouve en effet le juste équilibre dans sa tonalité, pour apparaître avant tout comme porteuse d'un message d'espoir. Dès la fin du premier épisode, d'ailleurs, une discussion éclaire ce parti pris : les héroïnes, ce ne sont pas ces sages-femmes qui se dévouent pour accompagner ces mères, ce sont ces dernières qui perpétuent le cycle de la vie même avec le peu dont elles disposent. Et c'est d'ailleurs dans cette optique que le métier de sage-femme est parfaitement exploité : si des drames se produisent inévitablement, dans le même temps, le fait de voir ainsi transmettre la vie redonne des forces, amenant naturellement à se tourner vers le futur avec un réel optimisme. On touche ici au charme de Call the Midwife : sa faculté à susciter un véritable kaléidoscope d'émotions.

L'attrait de Call the Midwife tient en effet à sa profonde humanité. Une humanité qui est explorée grâce à la thématique médicale, mais aussi grâce à la galerie de personnages attachants qu'elle met en scène. Si la série demeure toujours dans un registre à dominante dramatique, elle sait aussi introduire à l'occasion des passages plus légers. Ainsi, une des religieuses, avec ses étranges divagations ou sa chasse continuelle à la moindre pâtisserie, permet des parenthèses bienvenues qui équilibrent l'ambiance du récit. Plus généralement, à défaut de figures originales ou surprenantes, la série opère une distribution des rôles efficaces qui permet au téléspectateur de s'investir à leurs côtés.

La narratrice, Jenny Lee, sert de clé d'entrée dans ce quartier. C'est à travers son regard que l'on découvre ce métier. Il faut rappeler que ces sages-femmes laïques sont avant tout des jeunes femmes qui ont encore beaucoup à apprendre non seulement sur leur travail, mais aussi plus globalement sur la vie. Au-delà de leur sens des responsabilités, transparaît surtout leur inexpérience. Cette relative innocence, que certaines de leurs patientes soulignent, leur confère une sincérité touchante et donne envie au téléspectateur de les accompagner dans cet apprentissage.

Sur la forme, Call the Midwife est une vraie réussite. C'est un period drama diffusé sur BBC1 et cela se perçoit dans la mise en scène et l'esthétique de la photographie. La reconstitution est soignée. De manière très appuyée, la série entreprend vraiment de jouer sur une fibre nostalgique qu'elle cultive. Le générique, et sa succession de photographies en noir et blanc, donne immédiatement le ton. La bande-son est également sur ce point révélatrice : elle utilise à plusieurs reprises des chansons d'époque ou des chants religieux qui servent de transition ou de conclusion. Cela contribue à cette atmosphère étonnamment chaleureuse, contrastant avec la réalité des conditions de vie dépeintes.

Enfin, Call the Midwife bénéficie d'un casting sympathique. C'est Jessica Raine qui incarne Jenny Lee, la narratrice dont la voix off (âgée) nous relate avec le recul ces années dans l'Est londonien. L'actrice capture bien à la fois l'innocence, mais aussi la détermination, de la jeune femme. A ses côtés, pour incarner ses collègues de travail, on retrouve l'excellente Miranda Hart, dans un registre très différent de la comédie habituelle (Miranda), Helen George et Bryony Hannah (Above Suspicion : Silent Scream). Quant aux religieuses, elles sont jouées par Jenny Agutter (Spooks), Pam Ferris (Little Dorrit), Judy Parfitt (Funland, Little Dorrit) et Laura Main (Murder City).

Bilan : Period drama à l'esthétique soignée et au sujet très intéressant, Call the Midwife est une série chaleureuse et attachante, parfaitement représentative du savoir-faire des prime-time de la BBC. En nous relatant le quotidien de ces sages-femmes, elle entreprend d'explorer toutes les facettes - médicales et sociales - d'une thématique à fort potentiel. Par les destinées féminines qu'elle nous raconte, qu'il s'agisse des futures mères ou bien des sages-femmes elles-même, la série semble avant tout célèbrer une humanité revigorante, le tout accompagné d'un parfum de douce nostalgie assumée. A conseiller aux amateurs de period drama.

NOTE : 7,5/10

La bande-annonce de la série :

(Mini-série UK) The Mystery of Edwin Drood : un period drama sombre et troublant

2012-01-21T11:07:34+01:00

Il y a deux siècles naissait Charles Dickens. Pour cet anniversaire, il est donc logique de voir fleurir sur le petit écran des adaptations d'oeuvres du célèbre écrivain anglais. Après une revisitation de Great Expectations (Les Grandes Espérances) sur BBC1 durant la dernièrie semaine de décembre, en ce début de mois de janvier, c'était au tour de BBC2 de proposer sa contribution, avec une transposition à l'écran du dernier livre, laissé inachevé par l'auteur, The Mystery of Edwin Drood.

Comportant deux parties d'une heure environ, cette mini-série a été diffusée sur BBC2 les 10 et 11 janvier dernier. Scénarisée jusqu'à sa fin par Gwyneth Hughes, et avec une réalisation de Diarmuid Lawrence, elle rassemblait également un casting qui méritait le détour (Matthew Rhys, Rory Kinnear, Alun Armstrong...). Au croisement du period drama et du thriller, elle s'est révélée au final intéressante à suivre.

John Jasper dirige les choeurs de la cathédrale de Cloisterham. Derrière une apparence lisse et respectable, se cache un homme bien plus tourmenté qui apaise son mal être dans l'opium. Il est le gardien légal de son jeune neveu, qui arrive à l'âge adulte, Edwin Drood. Si ce dernier voit en lui une figure paternelle en qui il peut avoir toute confiance, Jasper nourrit dans le même temps de très forts sentiments pour Rosa Bud, qui est promise à Edwin.

Cependant les deux fiancés se querellent régulièrement lors des visites d'Edwin, Rosa doutant de la nature de ses sentiments. Mais elle craint encore plus les attentions de Jasper qui lui donne des leçons de chants. L'arrivée en ville, en provenance des colonies, de Neville et Helena Landless, deux jumeaux orphelins au caractère trempé et qui n'hésitent pas à exprimer leurs vues et à bousculer certains conventions sociales, va exacerber les tensions et les passions autour de la belle Rosa.

The Mystery of Edwin Drood va pleinement tirer parti de la dimension très sombre de son histoire pour se construire une atmosphère intrigante qui retient l'attention. Dans le registre du period drama, elle propose une reconstitution historique qui repose entièrement sur ses personnages. Ces derniers représentent, chacun à leur manière, des valeurs ou des préjugés de cette Angleterre du XIXe siècle, permettant de traiter des thématiques diverses, sociales mais aussi raciales, en proposant toute une palette de points de vue. Si la mini-série se contente de survoler, parfois de manière un peu frustrante car trop superficielle, cet intéressant potentiel, cela lui permet cependant d'humaniser son récit, et d'impliquer le téléspectateur dans la destinée de chacun de ces protagonistes.

De plus, The Mystery of Edwin Drood captive aussi par le parfum inquiétant qui en émane. Efficacement construite en deux parties, la première étant celle de l'exposition, la seconde celle du mystère à résoudre, l'oeuvre emprunte au thriller ses ingrédients les plus traditionnels. Si c'est la disparition d'Edwin qui précipite les évènements, la figure centrale demeurera toujours celle de Jasper. C'est à travers lui que le récit se trouble, empruntant des chemins maladifs et malsains. Entre la mise en scène d'hallucinations suscitées par la drogue et les non-dits d'une obsession amoureuse frustrée, le téléspectateur peine à dissocier le fantasme de la réalité. C'est à l'évidence le but recherché de ce récit qui ne se concentre pas tant sur le suspense d'un éventuel coupable à trouver, que sur la résolution de cette énigme tourmentée incarnée par Jasper. Si la résolution ne tiendra pas toutes les promesses esquissées, elle reste cependant une fin logique et justifiée.

La tonalité quelque peu oppressante que sait très bien entretenir The Mystery of Edwin Drood se retrouve également dans l'esthétique de la mini-série. Si sa réalisation fait d'elle un period drama soigné mais classique, c'est dans sa photographie, à dominante sombre, et dans l'ambiance globale qui se dégage de ses plans que se situe sa valeur ajoutée. Elle aime ainsi jouer avec l'esprit du téléspectateur lorsqu'elle nous fait glisser - parfois de manière un peu confuse - dans les troubles de Jasper, ou lorsqu'elle nous entraîne dans les coins obscurs des cimetières... Dans l'ensemble, c'est une immersion efficace qui est proposée dans l'Angleterre du XIXe siècle.

Enfin, le dernier atout de choix de The Mystery of Edwin Drood réside incontestablement dans l'excellent casting qu'elle rassemble. Matthew Rhys (je vous avoue qu'avec Brothers & Sisters, j'en avais oublié que l'acteur était gallois) délivre une prestation torturée et ambivalente qui capture bien les tourments intérieurs de Jasper, et son obsession pour Rosa. Tamzin Merchant (The Tudors) et Freddie Fox (The Shadow Line) versent dans une luminosité qui offre un parfait contraste par rapport à l'obscurité de Jasper. A leurs côtés, des valeurs sûres du petit écran britannique, comme Alun Armstrong (Garrow's Law) ou encore Rory Kinnear (Five Days, Black Mirror) assurent de solides seconds rôles ; et Sacha Dhawan (Five Days, The Deep, Outsourced) et Amber Rose Revah (Borgia) complètent cette galerie de personnages au coeur du mystère de la disparition d'Edwin.

Bilan : Period drama qui marque le téléspectateur par sa dimension très sombre, aussi bien dans les thématiques abordées (drogue, obsession) que dans l'histoire mise en scène, The Mystery of Edwin Drood est une fiction historique typiquement Dickensienne qui emprunte également au thriller. Sa galerie de personnages humanise et contrebalance la noirceur d'un récit qui s'égare parfois un peu dans les tourments de sa figure principale. L'ensemble demeure intéressant et mérite ces deux petites heures d'investissement.

NOTE : 7/10

(Mini-série UK) Public Enemies : un versant peu exploré du système judiciaire

2012-01-16T22:28:00+01:00

Cette première partie du mois de janvier a été très riche en mini-séries outre-Manche. Même si parmi elles, aucune perle ne sera véritablement sorti du lot, ma préférée aura cependant été un period drama sur lequel je reviendrais prochainement, The Mystery of Edwin Drood, diffusé sur BBC2. Je ne pouvais malgré tout pas occulter une autre fiction, diffusée durant la première semaine de janvier, sur BBC1, Public Enemies.

Comportant 3 épisodes d'une heure chacun environ (ils auraient normalement dû être diffusés à la suite, mais un épisode a été déprogrammé et décalé du fait de l'actualité judiciaire du pays), cette mini-série est écrite par Tony Marchant (scénariste notamment de Garrow's Law). Si elle n'a pas malheureusement pas tenue les promesses de son synopsis, j'y aurais retrouvé avec plaisir un Daniel Mays comme toujours impeccable.

Si Paula Radnor est un officier de probation expérimenté, nul n'est cependant infaillible. Elle a fait le choix de donner une deuxième chance à un repris de justice qu'elle avait à sa charge, alors même que ce dernier n'avait pas respecté toutes les conditions de sa liberté surveillée. Malheureusement, sa confiance était mal placée : l'homme a récidivé et tué une jeune femme, plaçant soudain l'action de Paula sous les projecteurs des médias. Si le risque est inévitable lorsqu'il s'agit de surveiller la réinsertion d'un criminel bénéficiant d'un aménagement de peine, inévitablement la question est posée : le crime n'aurait-il pas pu être évité si elle avait été plus stricte ?

Après une suspension de quelques mois, Paula est cependant réintégrée dans son service. Sitôt de retour, elle se voit confier le dossier d'Eddie Mottram. Après avoir purgé une peine de dix ans d'emprisonnement pour le meurtre de sa petite amie de 17 ans, il retrouve une forme de liberté très encadrée et a toute une vie à reconstruire. Paula ne risque-t-elle pas d'être influencée par son erreur précédente, en se montrant trop méfiante envers Eddie ? Ce dernier peut-il vraiment espérer avoir un avenir et recommencer sa vie dans la ville même de son crime ?

Public Enemies débute de manière prometteuse par un premier épisode proposant un éclairage intéressant sur un versant du système judiciaire assez peu exploré par le petit écran : on se situe en effet à l'autre bout du procédure, au stade final de l'aménagement de la peine. Ce ne sont ni les juges, ni les avocats, mais bien les officiers de probation qui sont les principaux interlocuteurs et jouent un rôle déterminant. Dès le départ, la mini--série s'attarde sur la difficulté de cet métier, et surtout l'ambivalence de la mission qui leur est confiée : sont-ils là pour aider à la réinsertion de l'ex-délinquant, ou au contraire pour poser une barrière infranchissable autour de lui afin de protéger la société ?

Si le premier épisode fonctionne très bien, c'est qu'il donne une légitimité aux différents points de vue possibles, en proposant une double perspective, à la fois celle de Paula et celle d'Eddie. La jeune femme a logiquement été secouée par les conséquences dramatiques de la décision qu'elle a prise, il y a quelques mois, dans le dernier dossier qui lui avait été confié. Il est certain qu'elle ne pourra que très difficilement accorder sa confiance à un autre repris de justice après que l'un d'entre eux ait commis l'irréparable sous sa garde. Mais la justesse de la mini-série est de s'attarder aussi sur le point de vue d'Eddie, au côté duquel on mesure toutes les difficultés qu'il y a à se retrouver soudain dehors, à tenter de reprendre une vie interrompue pendant 10 ans à la fin de l'adolescence, mais aussi à affronter le regard extérieur du public.

Malheureusement, à partir de la fin de l'épisode 1, la mini-série prend un virage discutable qui va lui faire perdre ce premier fil directeur intéressant. Comme si le scénariste craignait de ne pouvoir retenir l'attention du téléspectateur sur ce seul récit d'une tentative de réinsertion, Public Enemies sur-ajoute de nouveaux thèmes. Elle s'oriente alors vers une quête de rédemption pour Eddie qui, soudain, change sa version des faits et clame son innocence. D'exploration de la dernière étape du système judiciaire, la mini-série devient une énième histoire d'erreur judiciaire à corriger, ne voyant pas que sa réelle valeur ajoutée aurait été de montrer comment un - vrai - criminel peut (tenter de) reprendre sa vie.

Pire, l'ambiguïté des rapports entre Eddie et Paula ne cesse de grandir au fil des épisodes. Cette dernière se rapproche dangereusement de la ligne jaune : non seulement elle prend fait et cause pour Eddie, croyant bientôt sincèrement qu'il est innocent, mais elle devient également de plus en plus proche de lui. C'est une forme de romance, inutile, qui s'esquisse alors grossièrement. Cela achève de troubler le propos d'une mini-série dont on ne sait plus très bien de quoi elle entend nous parler. Veut-elle critiquer un système, comme quelques remarques de Paula le sous-entendent ? Veut-elle plutôt nous dépeindre un drame plus personnel et atypique ? A trop vouloir jouer sur tous les tableaux, le scénariste s'est égaré, et le téléspectateur avec lui.

A défaut de convaincre sur le fond, Public Enemies est solide sur la forme. Elle bénéficie d'une photographie soignée, même si la réalisation pèche parfois par excès de nervosité, avec un cadrage qui aurait gagné à être un peu plus posé. Dans l'ensemble, la mini-série reste cependant un produit visuellement maîtrisé, avec une bande-son en retrait qui se contente de quelques instrumentaux opportuns durant les moments de tension.

Enfin, Public Enemies doit beaucoup à la performance de Daniel Mays (Ashes to Ashes). Cet acteur est excellent pour capturer la versatilité d'un personnage, et il retranscrit très bien tous les doutes, mais aussi les explosions de frustration d'Eddie, face aux épreuves qu'il va devoir traverser. J'aurais en revanche un avis plus mitigé sur Anna Friel (Pushing Daisies) ; mais il faut dire que le personnage de Paula est celui qui s'est le plus égaré au cours de la série, si bien qu'il n'est pas étonnant que l'actrice navigue ainsi à vue entre les registres. A leurs côtés, on retrouve également Georgina Rich, Aisling Loftus, Peter Wight, Barbara Marten, Nicholas Gleaves, Joe Armstrong ou encore Barnaby Kay.

Bilan : Débutée de manière prometteuse en abordant un thème sensible et difficile, celui de l'aménagement de peine et de la réinsertion, Public Enemies est malheureusement l'exemple typique d'une mini-série qui se perd en cours de route. Cherchant trop à capitaliser sur des tableaux distincts, elle noie son objectif initial. Entremêlant erreur judiciaire et rédemption, le tout accompagné d'une esquisse de romance cousue de fil blanc, elle se sera malheureusement trop dispersée. Reste au final un premier épisode intéressant, et l'interprétation de Daniel Mays pour mériter l'attention du téléspectateur.

NOTE : 5,75/10

La bande-annonce :

(UK) Sherlock, saison 2, épisode 2 : The Hounds of Baskerville

2012-01-13T13:43:00+01:00

L'avantage de la brièveté des saisons comportant seulement trois épisodes, c'est que cela confère à chaque aventure une saveur particulière qu'il faut prendre le temps d'apprécier à sa juste valeur. L'inconvénient, c'est que la saison 2 de Sherlock se clôture déjà dimanche soir prochain sur BBC1 et qu'il faudra bientôt se résoudre à se contenter de l'intégrale en DVD pour sevrer notre accoutumance Sherlockienne.

Ce deuxième épisode de la saison ambitionnait d'adapter une des affaires les plus connues - si ce n'est la plus connue - du détective créé par Sir Arthur Conan Doyle, The Hound of Baskerville (Le chien des Baskerville en version française). C'est à Mark Gatiss, co-créateur de Sherlock aux côtés de Steven Moffat, qu'a été confié le soin d'adapter cette histoire familière. Si, comme durant la première saison, ce deuxième épisode se situe un peu en retrait par rapport à la flamboyance du premier, il n'en demeure pas moins jubilatoire et enthousiasmant comme Sherlock nous a habitué.

The Hounds of Baskerville s'ouvre sur un Sherlock Holmes encore plus agité qu'à l'accoutumée en raison d'un sevrage de cigarettes. Il attend avec anxiété une nouvelle enquête digne de lui. Si les sollicitations via son site web l'exaspèrent par leur futilité, il en va autrement lorsque Henry Knight passe la porte du 221B Bakerstreet. Le jeune homme vient lui parler de l'ancien traumatisme qui le poursuit depuis son enfance : il a vu son père tué sous ses yeux, déchiqueté par ce qu'il estime être une gigantesque créature aux yeux rouges. Depuis, ces souvenirs ne cessent de le hanter, tandis que dans la région où il vit, son histoire sert plutôt d'argument touristique.

La curiosité de Sherlock est piquée par la présentation, et surtout le vocabulaire choisi par Henry pour relater les évènements. Son intérêt est d'autant plus éveillé lorsqu'il apprend qu'à côté de Baskerville existe un site militaire dans le laboratoire duquel des expériences sont menées sur des animaux. L'affaire entraîne donc Sherlock et John loin de Londres, dans la campagne du Dartmoor, où Lestrade viendra les rejoindre, tandis que l'aide indirecte de Mycroft - ou du moins de son pass de sécurité - sera également requise pour percer le mystère de Dewer's Hollow.

Adapter The Hound of Baskerville était un challenge à plus d'un titre. Mark Gatiss opte pour un mélange des genres judicieux. Pour exploiter l'idée qu'une créature rôde peut-être dans les parages de Baskerville, l'épisode emprunte en parallèle deux voies toutes aussi prenantes. D'une part, l'intervention de l'armée et de possibles expériences scientifiques conduites dans les laboratoires proches esquissent un argument rationnel pouvant aller jusqu'à fonder les inquiétudes des plus sceptiques. D'autre part, l'histoire flirte avec des éléments tendant vers l'horreur et le fantastique en nous faisant rôder la nuit tombée dans les sombres bois du Dartmoor, et partager les frayeurs de Henry Knight.

Par sa construction, The Hounds of Baskerville est une aventure plus linéaire et posée que le tellement volatile A Scandal in Belgravia. Le scénario y est moins dense, plus prévisible aussi, le téléspectateur anticipant l'orientation de l'histoire. Si la résolution même de l'intrigue cède à certaines facilités critiquables, l'épisode n'en est pas moins conduit sur un rythme enlevé - une des marques de la série - avec une maîtrise narrative à saluer. Une partie de son attrait tient à son atmosphère particulièrement sombre : Mark Gatiss n'a pas son pareil pour exploiter ce cadre isolé loin de la ville et jouer sur un registre plus suggestif, distillant une tension appréciable tout au long de l'aventure.

De plus, l'intérêt de cette ambiance inquiétante, c'est qu'elle vient faire vaciller quelque peu nos héros, déstabilisant un instant Sherlock, et permettant d'éclairer la dynamique du duo qu'il forme avec John. Dans la droite lignée de la série, The Hounds of Baskerville maîtrise l'art de ciseler ses dialogues comme peu de fictions. Prenant le temps d'explorer les rapports de ces deux personnages phares, l'épisode recelle de passages qui sont de véritables bijoux riches en réparties jubilatoires, qu'il s'agisse de moments de tension ou des instants où ils retrouvent leur complicité. Au-delà du rire qui ne peut que fleurir aux lèvres du téléspectateur assistant à des excuses formulées avec une diplomatie et une maladresse relationnelles toute Sherlockienne, ce sont les fondements d'une amitié que l'épisode rappelle avec une justesse rare.

Enfin une partie du charme de The Hounds of Baskerville tient tout simplement au dépaysement qu'il procure en s'éclipsant exceptionnellement de la capitale anglaise. Et l'escapade champêtre offerte par le Dartmoor, ainsi que l'atmosphère particulière qui règne durant l'épisode, n'auraient sans doute pas eu la même saveur sans le travail de Paul McGuigan, qui aura réalisé les deux premiers épisodes de cette saison 2 de Sherlock. La photographie est superbe, la mise en scène déborde d'inventivité : un vrai plaisir pour les yeux ! Et puis, du côté du casting, je pourrais me perdre une nouvelle fois en superlatifs pour qualifier les prestations de Benedict Cumberbatch et de Martin Freeman dont la complicité transparaît vraiment à l'écran. Quant au guest-star de l'épisode, le toujours attachant Russell Tovey, quoique restant logiquement en retrait, il prouve, comme souvent, qu'il n'a pas son pareil pour susciter l'empathie du téléspectateur.

Bilan : Sans atteindre la perfection (trop?) flamboyante du premier épisode, The Hounds of Baskerville sait habilement tirer parti de toutes les facettes de l'aventure prenante proposée : l'idée qu'une créature puisse errer dans ce coin de campagne anglaise mêle en effet secrets scientifico-militaires et horreur pour un cocktail au parfum inquiétant. Si la résolution de l'intrigue ne sera pas complètement satisfaisante, Sherlock reste fidèle à elle-même avec son rythme enlevé et ses répliques jubilatoires, saisissant l'occasion de cette escapade loin de Londres pour explorer un peu plus cette étrange amitié qui unit Sherlock et John. A savourer !

NOTE : 8,75/10

La bande-annonce de l'épisode :

(UK) Sherlock, saison 2, épisode 1 : A Scandal in Belgravia

2012-01-03T09:44:52+01:00

Pour commencer l'année de la meilleure des façons, BBC1 proposait dimanche soir un bien beau cadeau pour conclure les fêtes, avec le retour du détective qu'elle a fait revivre dans le courant de l'été 2010 : Sherlock Holmes. Cette deuxième saison longtemps attendue - coincée entre l'agenda surchargé de Steven Moffat et le tournage à l'autre bout du monde de The Hobbit - porte logiquement de hautes espérances tant la première avait agréablement surpris et marqué.

La dernière fois que j'ai évoqué Sherlock sur ce blog, c'était à la fin du mois de juillet 2010. Le pilote venait d'être diffusé dans la torpeur estivale, j'étais complètement sous le charme et ma review croulait sous les superlatifs. Un an et demi plus tard, au milieu de l'hiver cette fois, ce premier épisode de la saison 2 a suscité chez moi un enthousiasme similaire. Si bien que je ne résiste pas à l'envie de vous en parler.

A Scandal in Belgravia débute logiquement par la résolution du cliffhanger sur lequel la série nous avait laissé il y a deux ans. Cette première confrontation directe avec l'extravagant et versatile Moriarty, pendant criminel de Sherlock, n'aura pas été de tout repos pour nos deux héros, mais l'humeur changeante de leur ennemi leur aura permis de se sortir de ce mauvais pas en évitant tout drame. La suite de l'épisode est l'occasion de nous réintroduire dans le quotidien de Sherlock Holmes, dont la popularité et la reconnaissance grandissent grâce au blog tenu par John Watson qui y détaille les affaires élucidées (ou non) à ses lecteurs.

C'est Mycroft qui va, une nouvelle fois, venir solliciter son frère et propulser notre duo dans l'aventure de l'épisode. Holmes et Watson sont en effet convoqués à rien moins que Buckingham Palace pour se voir confier la mission de récupérer des photos compromettantes prises par une femme fatale du nom d'Irene Adler. Mais l'affaire se révèle rapidement bien plus complexe qu'une simple histoire de moeurs et de chantage, et lorsqu'elle se change en une question de sécurité nationale, cette partie d'échecs prend un tournant fort dangereux...

A Scandal in Belgravia renoue avec le souffle et l'élan jubilatoire de A study in pink qui avait ouvert la première saison. L'écriture y est très dense, toujours extrêmement rythmée. L'histoire, volontairement complexe, multiplie les ruptures de rythme et autres retournements de situation. A tout moment, on a l'impression que le scénariste pourrait perdre le contrôle de ce récit construit en escaliers dont on ne sait trop où il nous conduit, si ce n'est qu'il nous y conduit vite et de manière fort savoureuse. Mais Steven Moffat maîtrise parfaitement son sujet. Cette surenchère d'effets narratifs reste jusqu'au bout un vrai délice à l'écran et se conclut par un ultime twist où perce une pointe de démesure qui lui permet de s'inscrire parfaitement dans la continuité de l'épisode.

La richesse de l'épisode doit beaucoup à sa tonalité tonalité aussi enlevée que versatile. A Scandal in Belgravia peut ainsi se permettre de commencer en dépeignant la monotone routine de notre duo de détectives, avec un Sherlock rongé par l'ennui, pour se changer ensuite en affaire de moeurs tout aussi banale mais avec un employeur prestigieux. Puis, peu à peu, elle se complexifie pour introduire de nouveaux enjeux autrement plus importants, liés à des actes de terrorisme, et faisant intervenir les services secrets mais aussi la figure de Moriarty en arrière-plan qui tire dans l'ombre certaines obscures ficelles. L'ensemble est construit comme un toutélié distendu, multipliant les faux-semblants ; si on y perd parfois le fil, on se laisse toujours emporter avec enthousiasme dans cette affaire.

Au-delà de son histoire prenante, A Scandal in Belgravia doit beaucoup à la caractérisation de ses personnages, et à la dynamique d'ensemble qui marque leurs relations. L'entourage qui gravite autour de Sherlock éclaire les différentes facettes de ce personnage central, l'épisode réservant son lot de passages marquants : la complicité avec Mrs Hudson, les échanges toujours provocateurs et fraternels avec Mycroft... Et puis, bien entendu, le plus important, John Watson, flegmatique et posé, qui incarne le pendant parfait à l'hyperactivité de Sherlock. Tous ces rapports sont mis en valeur grâce à des dialogues admirablement ciselés, riches en tirades inspirées, mais aussi en réparties qui font toujours mouche.

Outre ces soutiens traditionnels, A Scandal in Belgravia introduit face à Sherlock Holmes une figure féminine qui est un adversaire de choix. Si la série fait d'elle une dominatrix qui semble cette fois s'être attaquée à plus forte qu'elle, Irene Adler vient surtout brouiller la distribution des rôles, et se glisser avec assurance dans le quotidien bien agencé de notre détective. Elle est "LA femme", celle qui trouble notre détective, sans que l'on sache précisément qui manipule vraiment qui dans les joutes verbales constantes auxquelles se livrent Irene et Sherlock. L'ambiguïté du personnage rend ses rapports avec le détective assez fascinants, la confrontation se changeant peu à peu en une complicité où chacun a conscience que l'un des deux se brûlera fatalement les ailes tant leurs intérêts divergent. Pour incarner une telle opposante, Laura Pulver est superbe à l'écran.

Bilan : Bénéficiant d'une écriture enlevée, marquée par des dialogues savoureux et une histoire complexe où les retournements de situation sont incessants, A Scandal in Belgravia est une aventure vraiment jubilatoire et captivante. Portée par une dynamique exaltante, elle marque un retour en très grande forme de Sherlock. Le téléspectateur prend un plaisir rare à suivre cette surenchère narrative maîtrisée, l'heure et demie passant sans s'en rendre compte. En résumé, c'est une bien belle façon de commencer l'année 2012 !

Dimanche prochain, Sherlock adapte un des récits les plus célèbres du détective, Le chien des Baskerville.

NOTE : 9/10

La bande-annonce de l'épisode :

(Mini-série UK) Great Expectations : l'histoire d'une leçon de vie

2012-01-01T15:01:00+01:00

La période des fêtes de fin d'année est toujours riche outre-Manche. Au-delà des épisodes spéciaux de leurs séries habituelles (Doctor Who, Downton Abbey...), les chaînes ont aussi l'habitude de programmer quelques fictions de prestige s'inscrivant dans la tradition des adaptations littéraires qu'affectionnent les Anglais. A ce sujet, si vous en avez l'occasion (et comme je ne suis pas certaine d'avoir le temps de vous en parler), n'hésitez pas à jeter un oeil sur ce beau téléfilm, diffusé lundi dernier, qu'est The Borrowers (avec un casting de choix, Christopher Eccleston, Stephen Fry, Robert Sheehan...).

Puis, toujours la semaine dernière, de mardi à jeudi soir, BBC1 s'est attachée à revisiter un classique, en proposant une nouvelle version de Great Expectations, d'après un roman de Charles Dickens. Mini-série comportant trois épisodes d'une heure chacun, elle rassemble un solide casting, avec notamment une Gillian Anderson fort troublante en Miss Havisham. Si Great Expectations pèche sans doute par un certain excès d'académisme l'empêchant de prendre toute la mesure de l'histoire qu'elle relate, elle n'en demeure pas moins une adaptation plaisante à suivre, à l'esthétique fort soigné.

Great Expectations se déroule au XIXe siècle. C'est l'histoire d'un jeune orphelin, Pip, recueilli par sa soeur et son mari, un forgeron. Un jour, il croise dans la campagne un prisonnier, Magwitch, qui s'est évadé et tente d'échapper aux soldats qui le poursuivent dans ces marés brumeux. Le fugitif effraie le garçon pour qu'il lui ramène un outil afin qu'il puisse se débarasser de ses fers. Si Pip s'exécute, faisant même du zèle en ramenant à l'affamé une part de tarte, le prisonnier sera malgré tout re-capturé peu après, ramené de force sur le bâteau qui le déporte vers l'Océanie.

Cette même journée est riche en émotions. En effet, leur oncle annonce peu de temps après que la mystérieuse et recluse Miss Havisham, une dame très fortunée, requiert la présence d'un garçon, sans en préciser la raison. La soeur de Pip, espérant une récompense, l'envoie rencontrer cette étrange dame, dont l'apparence tout de blanc vêtue, pieds nus, est presque semblable à un fantôme. L'orphelin fait à cette occasion connaissance avec l'entourage de Miss Havisham, et notamment sa fille, jeune adolescente adoptée par la richissime dame. Pip découvre aussi dans cette maison luxueuse, mais laissée à l'abandon, un autre milieu social et surtout... une certaine ambition : cela pourrait-il être la porte ouverte à une ascension sociale loin de la forge et de son quotidien actuel ?

Great Expectations relate la rencontre entre différentes classes sociales qui n'auraient pas dû normalement se croiser. C'est l'histoire d'un orphelin que rien ne prédisposait à s'imaginer au-delà de son coin de campagne, mais auquel les évènements vont offrir des opportunités aux apparences souvent trompeuses. En entrouvrant, pour la première fois sur l'invitation de Miss Havisham, la porte de ce milieu bourgeois favorisé, Pip va soudain se mettre à espérer dépasser sa condition sociale pour gagner un rang de véritable gentleman. D'abord longtemps rêve inaccessible, lorsque cette voie s'ouvre finalement devant lui, cette chance se révèle à double tranchant. Balloté au gré de bienfaiteurs qui taisent leurs motifs, mais aussi pour certains leur identité, Pip s'égare, perdant son sens des priorités. Great Expectations apparaît ainsi comme l'histoire d'une leçon de vie, avec sa part de désillusion et de cruauté face à un destin qui semble toujours finir par reprendre ce qu'il a offert.

Si la mini-série maîtrise globalement bien le thème du choc des milieux sociaux, elle reste inaboutie sur un second plan pourtant tout aussi déterminant à l'histoire : celui lié aux sentiments. En effet, l'ambition de Pip puise sa source dans son amour pour cette beauté glacée qu'est Estella. Great Expectations éclaire en effet à quel point les sentiments peuvent transporter, mais aussi égarer chacun. C'est la passion qui a détruit Miss Havisham, cette dernière hantant désormais sa propre maison, ayant cessé de vivre. En réaction, c'est dans l'absence de tout sentiment qu'a été élevée Estella, instrument d'une obsessionnelle vengeance entre les mains de Miss Havisham : faire souffrir, détruire les hommes sans se blesser soi-même, telle est la tâche pour laquelle sa mère adoptive l'a élevée. Et c'est donc aussi l'amour qui consumme Pip, obscurcit son jugement et, plus que l'attrait pour l'argent, le fait mûrir par les déceptions qu'il occasionne. C'est sans doute ici que Great Expectations fait preuve de ses plus grandes limites : elle reste trop rigide et en retrait, ne parvenant pas à susciter d'empathie, ni à capturer à l'écran les sentiments et contradictions que l'on devine pourtant dans ces personnages.

Manquant de nuances et d'épaisseur sur le fond, Great Expectations est en revanche à la hauteur des attentes du téléspectateur sur un plan formel. La mini-série s'offre une reconstitution d'époque soignée, avec des décors souvent froids, comme glacés, bien mis en valeur par une esthétique travaillée. En parfait écho au contenu de l'histoire, la teinte dominante est le gris. Et si certains passages, notamment en intérieur, paraissent presque trop sombres, cette photographie contribue à donner une identité de la fiction. Les pièces de la maison de Miss Havisham, représentant un instantané suspendu dans le temps, représentent sans aucun doute une des mises en scène les plus marquantes de la mini-série.

Enfin, Great Expectations bénéficie d'un casting globalement solide. Les acteurs qui entourent Oscar Kennedy, puis Douglas Booth (Les Piliers de la Terre) dans leur rôle de Pip (enfant, puis jeune homme) parviennent vraiment à imposer leur présence à l'écran. Gillian Anderson (X-Files, Bleak House, The Crimson Petal and the White) notamment délivre une performance vraiment fascinante et troublante pour incarner cette femme brisée qui a développé une rancoeur obsessionnelle envers les hommes. Ray Winstone (Vincent) est également impressionnant en Abel Magwitch, figure ambivalente, à la fois inquiétant et bienfaiteur. A leurs côtés, on retrouve également David Suchet (Agatha Christie's Poirot), Mark Addy (Game of Thrones), Frances Barber, Tom Burke, Vanessa Kirby ou encore Shaun Dooley.

Bilan : Adaptation presque trop académique d'un classique de la littérature anglaise, Great Expectations est fidèle, sur la forme, au savoir-faire de la BBC, offrant une reconstitution méticuleuse d'une époque et disposant d'une identité visuelle et d'une ambiance intrigantes. Cependant, la mini-série peine à introduire du relief dans son histoire et à impliquer le téléspectateur, ayant trop tendance à aller à l'essentiel sans prendre le temps de retranscrire émotions et nuances. Cette limite tient peut-être à son format trop condensé. En résumé, si elle se suit sans déplaisir, on ne peut s'empêcher de penser que le résultat laisse un arrière-goût d'inachevé et reste perfectible.

NOTE : 6,5/10

La bande-annonce de la mini-série :

(UK) Rev., saison 2 : une dramédie douce-amère humaine et attachante

2011-12-23T15:10:00+01:00

Un an et demi après ma review du pilote, je profite de cette période de fêtes pour revenir sur une série qui est sans doute ma dramédie préférée actuellement en cours de diffusion ; même si elle est présentée comme une comédie, je n'ose la placer complètement dans ce genre. Reste que Rev. a été une des séries les plus attachantes de cet automne. Elle mérite donc bien de faire l'objet d'un bilan.

La diffusion de la saison 2 s'est achevée ce mardi. Elle avait été associée cet automne, par BBC2, à la dernière nouveauté, ni drôle, ni convaincante, de Ricky Gervais, Life's too short. C'est un épisode spécial Noël qui est venu la conclure ce 20 décembre, venant superbement parachever une saison de 7 épisodes. Mon attachement à Rev. me confirme une chose : je ne cherche pas des comédies pour rire. Un peu à la manière de The Café, Rev. se démarque par sa capacité à être touchante tout en capturant parfaitement certaines tranches de vie.

Rev. nous plonge dans une petite paroisse de l'Est de Londres, St Saviour, au sein de laquelle officie le révérend Adam Smallbone, lequel découvre la vie citadine après avoir longtemps officié dans le monde rural. Son quotidien se partage entre ses efforts constants pour dynamiser tant bien que mal une communauté paroissiale clairsemée et sa gestion de l'école privée locale rassemblant des élèves du quartier de toutes confessions. S'il n'est guère soutenu par un supérieur direct qui apparaît souvent plus semblable à un gestionnaire déshumanisé qu'à un homme d'église, Adam peut cependant trouver du réconfort auprès de son épouse, une avocate avec un caractère bien affirmé. De plus, gravite autour du révérend une galerie de personnages hauts en couleur, un assistant ambitieux, une paroissienne sur-impliquée ou encore un sans-abris marginal.

La grande force de Rev. réside incontestablement dans son humanité. Bénéficiant d'une écriture qui fait souvent preuve d'une rare justesse, la série n'a pas son pareil pour toucher le coeur du téléspectateur, réussissant le tour de force d'émouvoir sans jamais déprimer. En effet, si sa tonalité douce-amère, souvent un peu mélancolique, se teinte de doutes désillusionnés, elle offre pourtant trente minutes de véritable réconfort, pleines d'une chaleur communicative qui ne laisse jamais insensible. Tout en se classant dans le genre des comédies cléricales affectionnées par les Anglais, Rev. reste avant tout l'histoire d'un homme ordinaire, confronté aux soucis quotidiens d'une activité professionnelle loin d'être de tout repos dans la jungle londonienne. Le fait que le personnage principal soit un prêtre apporte une dimension supplémentaire à certains questionnements existentiels qu'il se pose, mais cela ne modifie en rien l'essence et le parti pris réaliste de la série. Une proximité se crée naturellement avec Adam, et c'est un des atouts qui assure la fidélité du téléspectateur.

S'inscrivant dans la continuité directe de ce que la première avait su peu à peu construire, la saison 2 de Rev. aura été une belle réussite. Parvenant à maintenir un équilibre aussi rare que précieux dans sa tonalité d'ensemble, oscillant entre passages légers et moments plus dramatiques, la série est devenue une des dramédies les plus abouties du petit écran. Toujours très humaine, elle ne manque pas de scènes marquantes. A ce titre, l'épisode 4, se concluant sur une scène magistrale et bouleversante, d'une sobriété parfaite, restera sans doute le plus impressionnant de la saison. Il est parfaitement représentatif de ce qui fait l'essence de cette fiction : car Rev. est une oeuvre à part, de celles qui sont capables, dans un même épisode, non seulement de faire rire, mais aussi d'émouvoir aux larmes le téléspectateur. C'est dans cette continuité que s'est d'ailleurs inscrit le Christmas special, avec une construction qui reflète vraiment l'âme de la série, entre pragmatisme désenchanté et petites réussites du quotidien.

Par ailleurs, Rev. exploite pleinement son cadre londonien, l'anonymat d'une grande ville mais aussi son rythme effrené demeurent d'ailleurs des thèmes récurrents. La réalisation sait mettre en valeur le choix citadin fait au départ ; et l'esthétique globale de la série a cette neutralité sobre qui souligne bien le réalisme de l'ensemble. Enfin, il faut vraiment saluer un casting qui respecte parfaitement l'ambiance de l'histoire, conduit par un Tom Hollander (Wives and Daughters, Cambridge Spies, The Company, Desperate Romantics) très convaincant, qui sait habilement jouer sur toute la palette des émotions.

Bilan : Dramédie foncièrement attachante, souvent touchante, Rev. est une chronique de vie quotidienne, sur laquelle flotte un parfum doux-amer caractéristique. Offrant trente minutes d'un réconfort bienvenu, elle fait preuve de beaucoup inspiration pour trouver le juste équilibre dans ses tons, capable de faire rire comme d'émouvoir aux larmes le téléspectateur. Offrant ainsi un mélange plein d'humanité, c'est une série sincère et authentique qui se suit vraiment avec plaisir et mérite que l'on s'y investisse.

NOTE : 7,5/10

Le générique :

Un extrait du premier épisode de la saison 2 :

Football

2011-12-17T12:42:46+01:00

BBC : André Ayew, joueur africain de l’année 2011

vendredi 16 décembre 2011 / par Nicholas Mc Anally

La British Broadcasting Corporation (BBC), organe de production et de diffusion de programmes de radio-télévision britannique, a voté : c’est le Ghanéen de l’OM André Ayew qui a été élu joueur africain de l’année.

La BBC a tranché : c’est André Ayew qui a été élu footballeur africain de l’année. L’international ghanéen avait pourtant fort à faire pour finir devant le Camerounais Samuel Eto’o (Anzhi Makhachkala), le Malien Seydou Keita (FC Barcelone) ainsi que les Ivoiriens Gervinho (Arsenal) et Yaya Touré (Manchester City).

Mais cette victoire est finalement assez logique. Le Marseillais, qui a récolté plus d’un tiers des votes, suit les traces de son père, le légendaire Abedi Pelé, vainqueur en 1991. "Je suis honoré et surpris de recevoir ce trophée prestigieux. Surtout quand on regarde la liste des précédents lauréats, explique le joueur de 21 ans. Je voudrais remercier tout ceux qui ont voté pour moi au Ghana, en Afrique et dans le monde. Je vais continuer à travailler dur pour leur montrer qu’ils ont fait le bon choix."

Le cinquième Ghanéen

Il faut dire que l’international ghanéen n’a pas chômé : finaliste de la CAN et quart de finaliste de la Coupe du monde en 2010, il a pris un autre dimension en 2011. L’aîné des frères Ayew s’est ainsi imposé en club en devenant un maillon essentiel de l’OM, tout en jouant un rôle prépondérant dans la qualification des Black Stars à la Coupe d’Afrique des Nations 2012.

"Dédé", comme on l’appelle sur la Canerbière, est le cinquième Ghanéen a recevoir le trophée de la BBC après Abedi Pelé en 1991, Sammy Kuffour (2001), Michael Essien (2006) et Asamoah Gyan, récompensé l’année dernière.

Le palmarès du Footballeur Africain de l’Année de la BBC :

2010 : Asamoah Gyan (Sunderland & Ghana)
2009 : Didier Drogba (Chelsea & Côte d’Ivoire)
2008 : Mohamed Aboutrika (Al Ahly & Egypte)
2007 : Emmanuel Adebayor (Arsenal & Togo)
2006 : Michael Essien (Chelsea & Ghana)
2005 : Mohamed Barakat (Al Ahly & Egypte)
2004 : Jay Jay Okocha (Bolton & Nigeria)
2003 : Jay Jay Okocha (Bolton & Nigeria)
2002 : El Hadji Diouf (Liverpool & Sénégal)
2001 : Sammy Kuffour (Bayern Munich & Ghana)
2000 : Patrick Mboma (Parma & Cameroun)

(UK) Garrow's Law, saison 3 : un legal drama toujours aussi passionnant

2011-12-17T08:23:51+01:00

Parmi les rendez-vous sériephiles auxquels je tiens tout particulièrement devant le petit écran anglais, pour accompagner les fins d'automne, Garrow's Law s'est peu à peu taillée une place de choix. Certes le mélange de legal et de period drama a trouvé en moi une téléspectatrice pré-conquise à ce cocktail des genres. Mais il faut également saluer le soin avec lequel les scénaristes ont entrepris d'exploiter ce récit romancé de la vie d'un juriste anglais de la fin du XVIIIe siècle. Par ailleurs, les saisons de Garrow's Law ont également pour elles d'être toujours très courtes : quatre épisodes, ce qui permet d'aller à l'essentiel et de ne jamais risquer de lasser le téléspectateur. Suivant le même schéma que les précédentes, BBC1 a donc diffusé les dimanche soirs, du 13 novembre au 4 décembre 2011, la troisième saison de cette toujours intéressante série.

La grande force de Garrow's Law, sa marque de fabrique, reste de savoir habilement mêler le drame judiciaire et des enjeux plus personnels. Le premier volet donne à la série l'occasion d'exploiter pleinement son cadre historique : les affaires traitées par William Garrow entendent toujours représenter une époque, avec ses moeurs et sa justice. Dans ce registre, la saison 3 s'inscrit dans la droite lignée des précédentes, abordant une nouvelle fois des sujets très diversifiés : certains sont lointains, comme les abus d'autorité et des dérives dans des lointaines colonies, d'autres touchent plus directement Londres et l'évolution du pays.

Je demeure toujours admirative devant la façon dont la série parvient à connecter ses cas d'espèce très particuliers à des problématiques plus générales du temps, offrant plusieurs niveaux de lecture. Ainsi, la tentative d'assassinat sur le roi sera une occasion de s'interroger sur la définition de l'irresponsabilité pénale en cas de trouble mental. De même, une presque banale affaire de meurtre permettra de nous plonger dans les coulisses létales de la politique, de ses oppositions, et la manière brutale dont les élections pouvaient être menées. Autant de thèmes très différents qui permettent d'affiner et de préciser ce tableau dense et riche, toujours passionnant, de l'Angleterrre de cette fin du XVIIIe siècle.

Parallèlement, Garrow's Law est aussi une série qui cherche à nous investir émotionnellement aux côtés de ses personnages. La saison 3 s'inscrit dans la continuité de la précédente, toujours centrée sur les rapports tumultueux de Lady Sarah et de son époux, alors même que la jeune femme s'est désormais officiellement installée chez William Garrow. Réussir à échapper à une condamnation infamante à des dommages et intérêts qui auraient été exorbitants n'a cependant pas apporté le bonheur au jeune couple : en effet, le fils de Sarah, Samuel, reste entre les mains de son mari.

Si la saison 2 avait déjà permis d'établir le déséquilibre des droits existant au sein d'un couple, cette fois-ci, c'est en adoptant le point de vue d'une mère dévastée par cette perte que la série explore un peu plus le droit de la famille de l'époque. Arthur Hill, toujours piqué dans son honneur, s'enferme dans cette caricature de vilain, trop manichéenne pour être pleinement crédible, que seul l'ultime twist final permettra de nuancer opportunément. Si la détresse de Sarah aura été bien traitée, il est à souhaiter que l'alliance concluant la saison aura définitivement scellée la fin de la vendetta obsessionnelle d'Arthur Hill. C'est une page qui aura peut-être mis un peu trop de temps à se tourner, mais qui doit désormais l'être (si saison 4 il y a).

Au-delà des combats de William Garrow, des épreuves de Lady Sarah, c'est une autre lutte, plus intime, qui aura marqué cette saison 3 : celle que va mener Southouse contre la maladie qui le condamne inexorablement. Plus que jamais, ce dernier se sera imposé auprès de ses jeunes amis comme la figure du mentor et du conseiller bienveillant, les soutenant autant qu'il pouvait dans leurs démarches, jusqu'à apporter à Sarah une aide financière importante.

L'épisode de sa mort, le troisième de la saison, est sans conteste le plus déchirant et triste proposé par la série depuis ses débuts. Southouse aura connu une fin à la hauteur de son personnage, avec une lente déchéance physique éprouvante qui aura fait souffrir le coeur du téléspectateur. Tout en saluant son rôle, cela permet dans le même temps à la série de faire évoluer la dynamique de travail de William Garrow. Privé de la figure tutélaire qui l'a guidé depuis ses débuts, c'est avec un nouvel associé qu'il aborde le dernier cas : le neveu de Southouse, un jeune homme certes très débrouillard mais qui n'a pas l'influence que pouvait avoir son oncle sur l'avocat.

Bilan : Toujours très plaisante à suivre, bénéficiant d'une richesse dans les thématiques abordées qui demeure inchangée, Garrow's Law aura proposé une troisième saison à la hauteur des attentes, conservant son équilibre aussi fragile que précieux entre legal et period drama. Pour autant, si une saison 4 devait voir le jour, il pourrait être opportun de voir la série évoluer, cette saison ayant d'ailleurs posé des bases intéressantes pour l'avenir, au-delà même de la perte de Southouse, en introduisant dans son quatrième épisode des enjeux politiques très concrets qui dépassent le seul cadre du tribunal... Pourquoi ne pas poursuivre ainsi la route du biopic de William Garrow au-delà de sa seule carrière de barrister ? A suivre donc (en croisant les doigts).

NOTE : 7,75/10

Le générique :

Une bande-annonce de la saison 3 :

(Mini-série UK) Hidden : un thriller conspirationniste inachevé

2011-11-25T19:46:00+01:00

L'année 2011 aura permis de vérifier combien le thriller conspirationniste demeure un genre particulièrement prisé par la BBC. Après la si fascinante The Shadow Line diffusée sur BBC2 au printemps, cet automne, durant le mois d'octobre, c'était au tour de BBC1 de proposer sa propre incursion dans ce registre, avec une mini-série en quatre parties, Hidden. On retrouve au scénario l'écrivain nord-irlandais Ronan Bennett, dont le nom doit commencer à vous être familier puisqu'il est également à l'origine de Top Boy, dont j'ai reviewé la première saison la semaine dernière.

Si Hidden reste loin de ses glorieuses aînées, de la culte The Edge of Darkness à la plus récente, ayant remis au goût du jour ce genre, State of Play, elle se révèle néanmoins très prenante, tout en nous laissant malgré tout sur une impression d'inachevé un brin frustrante lors de sa conclusion. En résumé, Hidden avait beaucoup de bonnes idées, mais elle n'aura pas su pleinement en prendre la mesure. Elle reste cependant très intéressante.

Harry Venn est un solicitor (la transposition du système juridique anglais en français étant impossible, disons qu'il s'agit d'une sorte d'avocat qui ne plaide pas). Il traite de petites affaires, avec un unique assistant, tout en ayant une vie familiale très chaotique. Non seulement ses relations sont délétères avec son adolescent de fils, mais il est également fâché avec son père depuis la mort de son frère aîné dans des circonstances troubles, deux décennies auparavant. Cependant sa vie va vraiment basculer lorsqu'il est contacté par une consoeur, Gina Hawkes.

Cette dernière cherche apparemment à vérifier l'alibi d'un de ses clients, mais ce sont surtout de nouvelles questions sur les évènements tragiques s'étant déroulés il y a 20 ans qu'elle fait ressurgir. Les investigations de Harry l'entraînent alors sur une piste bien dangereuse au terme de laquelle se trouve peut-être les réponses tant espérées sur la mort de son frère, mais aussi une conspiration prenant racine au coeur du système politique anglais et qui pourrait bien sceller la fin de la démocratie.

Représentante d'une tradition éprouvée de polars conspirationnistes qui savent tenir le téléspectateur en haleine jusqu'à l'ultime scène, Hidden s'approprie une recette bien connue, sans manquer d'ambitions propres. Exploitant une toile de fond constituées par des tragédies passées, demeurées inexpliquées, et qui pèsent toujours sur ses protagonistes principaux, elle entraîne ces derniers dans une quête de vérité particulièrement dangereuse. Derrière ces drames personnels, se dessine peu à peu une conspiration médiatico-politico-militaire autrement plus déstabilisante qui vient exploiter le thème de la défiance envers les institutions, mettant en scène un pays plongé dans un chaos volontairement entretenu par certains intéressés.

Préférant suggérer des possibilités plutôt que d'énoncer clairement des faits, soulever de nouvelles questions plutôt que d'apporter des réponses, Hidden intrigue vite le téléspectateur. La mini-série prend un malin plaisir à dévoiler pièce par pièce son puzzle, laissant dévoilant peu à peu ses véritables enjeux. Si elle sait captiver, la fiction le doit non seulement à cette ambiance de thriller paranoïaque qu'elle va mettre place, mais aussi au personnage central de Harry Venn, lequel s'impose comme le digne héritier de ces anti-héros fatigués, entraînés dans des histoires qui les dépassent mais dont il faut bien voir le bout. Ce n'est donc pas un hasard si les passages les plus réussis resteront ces scènes de tension palpable où tueurs et personnages principaux ou secondaires s'entrecroisent, parfois fatalement.

Cependant Hidden n'ira pas jusqu'au bout des ambitions affichées. La mini-série laisse en effet une impression assez paradoxale. Passé un premier épisode, un peu incertain mais qui réussit à aiguiser la curiosité du téléspectateur, les épisodes suivants vont suivre une tension allant crescendo : toujours prenants, ils se regardent avec plaisir et ne souffrent d'aucune baisse de rythme. Même les scènes politico-médiatiques, quelque peu parachutées dans le pilote, trouvent ensuite leur place, parenthèses permettant de comprendre ce qui est à l'oeuvre. Seulement Hidden ne va pas réussir à prendre pleinement la mesure d'un potentiel qu'elle laissera juste entre-apercevoir.

La mini-série échoue en effet à trouver le liant qui lui aurait permis de former un tout cohérent et solide qui aurait offert un véritable climax final et une résolution totalement satisfaisante. C'est par sa construction narrative que la fiction pèche. Non seulement elle fait parfois preuve d'une maladresse dommageable, par exemple en rendant trop prévisible le développement autour du frère de Harry et des mystères qui l'accompagnent, mais surtout, la fiction n'évite pas certains travers du genre conspirationniste. Elle se complaît trop dans un flou volontaire, aimant soulever les questions, créer des connexions, mais étant moins habile quand il s'agit ensuite de relier l'ensemble et de proposer un puzzle pleinement assemblé à la fin. Cependant si Hidden ne parvient pas pleinement à se donner les moyens de ses ambitions, elle n'en demeure pas moins un essai prenant et efficace qui devrait grandement satisfaire les amateurs de ce type de récit.

A défaut d'être pleinement aboutie sur le fond, Hidden bénéficie d'une forme particulièrement soignée. Privilégiant les plans serrés qui permettent de jouer sur et de faire ressortir une tension palpable grâce à la nervosité de la caméra, la réalisation s'avère parfaitement maîtrisée. Les teintes utilisées pour la photographie, qui donnent aux images des couleurs un peu ôcres, renforce l'ambiance de polar. Quant à la bande-son, la musique est également bien utilisée, servant notamment à accentuer les passages à suspense.

Enfin, un des atouts de Hidden réside indéniablement dans la solidité de son casting. Philip Glenister (Life on Mars, Ashes to Ashes, Mad Dogs), égal à lui-même, impose sa présence charismatique et abrasive ; il est parfait pour incarner ce solicitor pragmatique dont le passé trouble refait soudain surface. La dynamique qui s'installe avec Thekla Reuten (Sleeper Cell) fonctionne également très bien ; tout en gardant chacun une indépendance farouche, les deux se retrouvent forcés de faire front commun face à cette menace dont ils ne cernent pas encore les tenants et les aboutissants. Par ailleurs, on croise également des seconds rôles très convaincants, à commencer par Anna Chancellor (Spooks, The Hour), excellente comme toujours, mais également Michael Winder, Thomas Craig ou encore David Suchet.

Bilan : Thriller soigné sur la forme, indéniablement prenant sur le fond, reprenant des ingrédients classiques qui fonctionnent, Hidden est une oeuvre intrigante dans laquelle le téléspectateur se laisse facilement prendre au jeu de ce suspense. Cependant, si les épisodes savent retenir l'attention de plus en plus sûrement, la mini-série n'évite pas l'écueil classique des fictions conspirationnistes, celui de la surenchère. Entretenant trop longtemps un flou, avec des réponses qui soulèvent invariablement plus de questions qu'elles ne satisfont notre curiosité, c'est sur une note d'inachevé que se conclut presque trop hâtivement l'histoire. Si Hidden laisse donc quelques regrets et l'impression d'une idée pas complètement exploitée, l'ambiance qu'elle aura su cultiver justifie cependant amplement une découverte avertie.

NOTE : 6,75/10

Quelques images de la série :

(UK) Garrow's Law, saison 2 : un enthousiasmant legal drama historique

2011-11-06T10:49:00+01:00

Dans une semaine, le dimanche 13 novembre signera le retour de la série que j'attends le plus durant ce mois de novembre : la troisième saison de Garrow's Law. Sitôt la nouvelle officialisée, il y a quelques jours, j'ai été prise d'une brusque envie de revoir la précédente saison. C'était une de ces pulsions sériephiles qui vous happe en dépit du bon sens, alors que vous avez bien trop de choses en retard à regarder, et à laquelle il est impossible de résister.

Quatre épisodes plus tard (l'avantage des pulsions sériephiles anglaises est qu'elles restent souvent "raisonnables" par leur brièveté), la bonne impression que j'en avais gardée n'a été que confirmée par ce nouveau visionnage. En novembre de l'année dernière, j'avais rédigé un article après le premier épisode de la saison 2 sous forme de quasi-playdoyer, mais je n'avais pas pris le temps d'y revenir en fin de saison. Comme tout vient à point qui sait attendre, c'est donc pour introduire la nouvelle saison que je rappelle à votre bon souvenir cette saison 2.

Après une première saison qui avait permis à Garrow's Law de trouver progressivement ses marques dans l'entre-deux genres que la série ambitionnait d'investir, mêlant legal drama et period drama, cette deuxième saison lui a permis de pleinement exploiter le potentiel entrevu. Non seulement, elle a su faire preuve d'une maîtrise égale pour mettre en scène son volet judiciaire, mais elle l'a complété d'un volet humain souvent touchant, en explorant plus avant les personnages. Elle a ainsi proposé une suite de quatre épisodes particulièrement aboutie, où aux affaires jugées à Old Bailey s'est greffé un fil rouge plus personnel impliquant les principaux protagonistes. De qualité constante, elle a su profiter de son format court qui, non seulement lui permet d'éviter l'écueil de toute répétition ou lassitude, mais justifie aussi le soin particulier accordé à chacune des histoires traitées.

Dans la continuité de ce qui faisait la force de sa première saison, il est tout d'abord un point sur lequel Garrow's Law est restée fidèle à elle-même : c'est la rigueur avec laquelle elle traite de ses affaires judiciaires. S'inspirant des archives du tribunal de Old Bailey, elle a toujours apporté un réel soin à la reconstitution historique des procès dans lesquels William Garrow intervient. Nous plongeant dans cette cour, où la publicité des instances les transforment souvent en un théâtre d'expression de l'opinion publique, la série capture à merveille l'atmosphère fébrile et tendue qui y règne. Les cas évoqués sont toujours très diversifiés, comme le montre une nouvelle la saison 2 (vol, qualité de l'esclave, corruption au sein de la marine, adultère, sodomie), ce qui permet de balayer de manière complète le droit de l'époque, mais aussi d'apporter un éclairage passionnant sur les moeurs sociales et judiciaires.

Ces jugements restent en effet le reflet de la société londonienne du XVIIIe siècle. Non seulement, ils soulèvent des questions propres à l'époque, notamment l'inégalité d'une justice prompte à juger en fonction du statut social, mais ils éclairent également les rouages d'un système judiciaire encore bien éloigné des principes aujourd'hui consacrés - au moins théoriquement. Comment ne pas être frappé par la disproportion ou par l'absence d'individualisation de certaines peines infligées, qui ne prennent en compte ni les circonstances, ni la personne de l'accusé ? Garrow's Law est une rareté au sein des séries judiciaires actuelles : elle a le mérite de revenir à une époque de genèse de notre droit - notamment pénal - moderne, permettant de prendre conscience du chemin parcouru. Le combat de William Garrow, notamment pour affirmer les droits de la défense avec son utilisation du contre-interrogatoire, représente des balbutiements qui tendent vers un changement plus profond. En formulant distinctement des problématiques judiciaires fondamentales, la série rappelle que ce système reste le fruit d'un constant mouvement de balancier, arbitrage fragile entre les droits individuels des parties, mais aussi l'intérêt collectif de la société, et replace ainsi au coeur des enjeux les acteurs mêmes du procès.

Au-delà de cette approche propre à un legal drama se déroulant au XVIIIe siècle qui fait la particularité de Garrow's Law, la réelle valeur ajoutée de cette deuxième saison aura été le développement de la dimension humaine de la série. Si la première avait su par intermittence amorcer l'exploration de certains des personnages, ces quatre épisodes auront permis un approfondissement des relations qu'ils ont nouées. Les portraits des différents protagonistes y gagnent en nuances, et en épaisseur. Ainsi, au sein même du tribunal, les rapports professionnels, conflictuels ou concurrentiels, que William Garrow peut entretenir avec son rival de toujours, Silvester, ou encore avec le juge Buller, laisseront place, lorsque cela sera nécessaire, à une forme de solidarité, mue par le respect réciproque que peuvent nourrir ces juristes qui n'en demeurent pas moins des hommes avec des principes, derrière le masque qu'ils arborent durant les procès.

Cependant la relation au centre de cette saison, celle qui va constituer le fil rouge à la fois personnel et judiciaire, reste bien entendu celle de Lady Sarah et de William Garrow. Si la storyline se développe au détriment de Sir Arthur, lequel s'enferme dans une jalousie paranoïaque excessive, elle a l'indéniable mérite de permettre d'éclairer la nature, mais aussi la force, des sentiments qui unissent les deux jeunes gens. Les épreuves que ces derniers doivent affronter au fil de la saison, devant faire face à une menace de ruine morale et financière, servent de révélateur pour chacun d'eux. Le refus de transiger de Sarah, qui n'acceptera pas de sacrifier William pour la possibilité de revoir son fils, sera une décision particulièrement forte. Quant à la lente descente aux enfers de l'avocat, prenant peu à peu conscience de la fragilité de sa situation et de ce qu'il risque, elle jette un autre éclairage sur un personnage jusqu'alors redresseur de torts inflexible et souvent trop sûr de son bon droit. La remise en cause qu'entraîne le procès atypique qui conclut la saison humanise considérablement William Garrow, et fortifie l'attachement que peut éprouver le téléspectateur à l'égard de la série.

Bilan : De qualité constante, construite de manière plus ambitieuse et aboutie, la saison 2 de Garrow's Law aura été une double réussite. Non seulement la série a su confirmer son admirable maîtrise dans son volet judiciaire et historique toujours particulièrement passionnant, mais elle a également pris le temps d'approfondir une assise humaine permettant d'impliquer émotionnellement le téléspectateur aux côtés des différents protagonistes, et plus particulièrement de William Garrow. Cette saison 2 a donc été un ensemble très consistant que j'ai suivi avec beaucoup de plaisir.

Rendez-vous la semaine prochaine pour la saison 3 !

NOTE : 8/10

Le générique de la série :

Une des scènes marquantes de la saison (épisode 4) :

(UK) Spooks (MI-5), saison 10 : une dernière saison fidèle à la série

2011-11-05T10:10:00+01:00

Le 23 octobre 2011 s'est achevée sur BBC1 une des séries qui aura le plus marqué ma sériephilie britannique : Spooks (MI-5). Après dix saisons de loyaux services, de morts brutales et de paranoïa intense, il était assurément temps de conclure. Non seulement la série n'avait plus la flamboyance sobre des débuts, mais ses recettes désormais trop bien connues avaient même fini par la rendre prévisible, un paradoxe pour une fiction qui avait pu s'enorgueillir d'avoir tant de fois donner le vertige à ses téléspectateur.

Comme un symbole parfaitement adéquat pour boucler un cycle, c'est avec la Russie que Spooks aura renoué pour sa dernière saison. Et si tout au long de ces six épisodes, elle se sera efforcée de proposer une redistribution des cartes, où la Russie ne serait plus ennemie, mais bien l'alliée, c'est pourtant sous le signe de la Guerre Froide, et d'un passé parfois douloureux qu'il faut assumer, qu'elle aura été placée.

Devant cette toile de fond russe, la saison a emprunté un schéma narratif assez proche de celui des précédentes : la construction d'un fil rouge prédominant qui conditionne l'ensemble, auquel se greffent quelques intrigues plus pressantes le temps d'un épisode. La série aura été globalement efficace dans ces deux domaines. Du côté de ces storylines indépendantes, elle aura proposé des intrigues toujours prenantes, globalement solides, dont le principal bémol fut un certain syndrome de déjà-vu. En effet, le parti pris dit "réaliste" ou du moins pessimiste qui fait la marque de fabrique de Spooks donne souvent au téléspectateur toutes les clés pour connaître la voie vers laquelle chacune de ces histoires s'oriente. Cependant, l'arrière goût teinté d'amertume que laissent certaines des conclusions les plus poignantes - le dénouement à Trafalgar Square par exemple - demeure une signature indélibile qui perpétue l'identité de la série.

Parallèlement, marquée par ce turn-over constant de son personnel, cette saison aura également diversement permis de mettre en valeur les personnages entourant le duo principal que forment Harry et Ruth. Comme une sorte d'hommage - volontaire ou non -, leurs histoires ne vont pas être sans réveiller des souvenirs du passé. La nouvelle chef de la section D, Erin Watts, n'aura pas démérité, sans que les scénaristes puissent explorer avec une réelle subtilité la question du carriérisme et du lien avec sa fille ; cette problématique n'étant pas sans rappeler la saison 3 et l'arrivée du couple Adam et Fiona. De son côté, Dimitri aura aussi eu droit à son épisode, avec un dilemme moral qui apparaît comme le faible écho des thèmes du mensonge et du relationnel centraux dans les premières saisons, notamment avec Tom. Pourtant, assez paradoxalement, ce sont ceux que les scénaristes n'auront pas véritablement cherché à faire briller qui s'en tireront le mieux. Présenté de manière excessivement antipathique, Callum aura été un des personnages qui se sera le plus efficacement détaché du carcan de "déjà vu" pour imposer son style au sein de la section D. Mais logiquement, c'est aussi par ses fins tragiques que cette saison 10 aura marqué. Dans une telle série, n'est-ce pas une sorte de consécration que de connaître cette mort brutale, "spooksienne" pourrait-on dire, qui laisse le téléspectateur sans voix ? Avant même le final, Spooks m'aura, une dernière fois, bluffé et fait frémir devant mon petit écran, avec la mort soudaine de Tariq.

Cependant, c'est l'exploration d'un autre personnage qui aura été au coeur de la saison : celle de Harry. La résurgence de lourds secrets de la Guerre Froide offre un nouvel éclairage sur cette figure de l'espion aux facettes multiples, qui est devenue au fil de la série l'âme de Spooks. Cette fois-ci, ce n'est pas aux secrets ou à la raison d'Etat que touche l'histoire, mais bien à l'intime du personnage. Plus que les sacrifices et la culpabilité inhérente qui y est rattachée, je dois avouer que c'est la résolution offerte par le dernier épisode, riche en révélations, qui permet à cette storyline d'acquérir sa vraie dimension. Abandonnant ses accents faussement soap pour révéler un jeu de manipulation insoupçonné, la chute finale est, en dépit d'une mise en scène un peu artificielle, celle qui a posteriori apporte une nouvelle perspective autrement plus intrigante à l'ensemble de la saison. C'est dans un pur parfum Spooks-ien que la série se referme donc, avec un ultime retournement digne de ses grandes heures.

Ce ressenti est d'autant plus fort que tout en concluant le fil rouge, ce dernier épisode nous offre également son lot de drame qui prend au dépourvu, paraissant à la fois évitable et presque logique. Je l'ai dit pour Tariq, et je le redis pour Ruth, mais il est des sorties qui, dans Spooks, sont presque inhérentes à l'esprit de la série. Tout au long de la saison, les scénaristes auront éclairé ce lien, particulier, qui existe entre Ruth et Harry. Entre jeux d'espion et échanges tout en retenue, absorbés par leur job, ils seront restés là l'un pour l'autre jusqu'au bout. Si la fidélité de Ruth à Harry, en dépit de son nouveau travail loin de la section D, lui aura été fatale, elle correspond pleinement au personnage. Le rêve d'une vie ensemble, à la campagne, loin de ces préoccupations géopolitiques, était inaccessible. Si inconsciemment, le téléspectateur pouvait espérer que cette porte de sortie ne se referme pas, alors que chacun semblait désormais prêt à l'emprunter, la relation de Ruth et de Harry était trop intimement liée à ce qu'ils sont, à leur travail, pour envisager cette utopie.

Après quinze jours, il m'est toujours difficile d'apprécier cette dernière saison avec suffisamment de recul. Spooks aura vécu pleinement ses dix années au cours desquelles je ne regrette pas un seul instant de l'avoir accompagné. Elle a considérablement évolué et muté depuis ses débuts, en 2002, jusqu'à cette conclusion en 2011, suivant, en un sens, le cycle de ses protagonistes principaux. Il y a d'abord eu Tom, le mensonge et les rapports difficiles entre vie privée et vie professionnelle ; Adam, d'une arrivée à la James Bond jusqu'à l'abîme de la dépression ; Ros, son flegme, son humour froid, et cette volonté chevillée au corps ; enfin, Lucas et cette douloureuse réadaptation au quotidien après tant d'années dans les geôles russes. A posteriori, à mes yeux nostalgiques, Tom Quinn restera sans aucun doute celui qui personnifiera toujours cette série (son apparition cameo à la fin du dernier épisode étant à ce titre parfaite), et cela autant pour son interprète, que pour l'état d'esprit qui marqua ces premières saisons. Mais une des forces de Spooks aura été de savoir toujours nous impliquer au côté de personnages qu'elle n'aura jamais ménagés.

Bilan : C'est avec beaucoup de soulagement que je peux écrire que Spooks aura été fidèle à elle-même jusqu'au bout. C'est par un épisode de haute volée, concluant avec une justesse presque inattendue, la saison comme la série, qu'elle a tiré sa révérence. Il a offert tout ce que l'on pouvait légitimement attendre. Un ultime retournement de situation, avec une manipulation d'une ampleur insoupçonnée qui éclaire sous un nouveau jour tant de choses. Un drame dans la lignée de l'esprit de la série. Et, surtout des dernières minutes parfaites. Un au revoir d'une sobriété bienvenue qui représente parfaitement la série, tandis que s'égrène sous les yeux de Harry et du téléspectateur tous ces noms d'agents trop tôt disparus. Le quotidien de la section D se poursuit malgré tout, inébranlable...

Au terme de cette dernière review, j'ai juste envie de remercier Spooks, pour ce thriller prenant qu'elle nous aura proposé, pour toutes ces émotions si intenses qu'elle nous aura fait vivre. Chapeau donc pour l'ensemble de son oeuvre, elle restera pour moi, et pour longtemps je pense, l'incarnation de la série moderne d'espionnage !

NOTE : 7/10

La bande-annonce de la saison :

Doctor Who Experience, Londres, le 31.10.2011

2011-11-03T09:00:00+01:00

Doctor Who Experience

Lieu : Londres

Date : Dimanche 31 Octobre 2011

En ce dimanche un peu pluvieux, nous nous dirigeons avec Lorna à la Doctor Who Experience. Nous attendons ca depuis un sacré moment... Le matin nous avons fait les touristes dans le centre de Londres et nous rejoignons l'Olympia Two par le métro. On a pris la District Line, sauf que la station Kensington Olympia un dimanche c'est un peu la station fantôme ^^. Donc arrivés à Earl's Court, nous choisissons de finir à pieds, après une petite marche, nous arrivons enfin (bon on a quand même dû demander notre chemin à 200m de la salle >.< mais on a finalement trouvé) !!

Nous arrivons enfin à l'Olympia Two, où nous voyons le TARDIS échoué sur le toit de la devanture de la salle... Ca y est nous y sommes !! On est toute excitée, bien que la fatigue nous gagne un peu...

Nous entrons, on monte dans un ascenseur pour le deuxième étage, et là ca y est les portes s'ouvrent et on est déjà dans Doctor Who ! On entend la musique de Doctor Who et on se dirige vers l'attraction, on peut prendre une photo avec un fond avec le TARDIS.
A peine arrivés, on nous demande si on veut participer directement à l'attraction... Ni une ni deux, on y va. On a donc pas trop profiter de la première salle...

La partie interactive est vraiment géniale, on n'avait pas le droit de prendre de photos (bien que certains ne comprennent pas ce que ca veuille dire mais bon)...

Il n'y a pas d'enfants que ca, mais il y a quand même pas mal de monde !

Nous arrivons dans une salle où Eleven s’adresse directement à nous… Il est coincé dans la Pandorica et compte sur nous les « shoppers » pour le libérer…

On entre ensuite dans une salle où on nous projette un petit film avec Eleven qui nous parle, et nous traversons ensuite l'écran via la fissure que l'on voit dans la saison 5 de la série...
Et là nous arrivons dans le TARDIS *_* nous pouvons dire que nous avons conduit le TARDIS et oui (partie Mécanique)... Il y a un peu de fumée et ca bouge, c'est assez fun...

Ensuite nous arrivons dans une autre pièce où il y a trois Daleks grandeur nature, c'est très impressionnant et très bien mis en scène...

Nous entrons enfin dans une dernière pièce où nous allons avoir une petite attraction en 3D et ce fut assez flippant, surtout les Anges Pleureurs...

Ensuite nous arrivons dans la partie musée, et là on en prend plein les mirettes ! On prend tout d'abord notre photo avec Eleven et son TARDIS. Nous pouvons voir les différents costumes des différentes incarnations du Doctor, mais mon regard s'arrête principalement sur le costume de Ten. C'est impressionnant de le voir là en vrai !

Il y a un costume qui me fait bien délirer, car c'est assez Clownesque (le Sixième Docteur si je ne me trompe pas)...

A ce moment là, on peut prendre une photo à la Porte du TARDIS ou dans la Pandorica, mais le prix nous fait fuir : £12 c'est un peu chéros pour quelque chose qui au final peut être fait avec Photoshop...

Nous avançons et là un Cybermen débarque, il est assez flippant je dois bien le dire... Lorna essaye vainement de me prendre en photo avec lui mais il bouge beaucoup ! Dommage !

J'ai trouvé ca fun, bien qu'assez flippant ^^ !

On a pris ensuite une photo avec un faux Cybermen, celui-ci a été plus civilisé ;) ...

Nous entrons alors dans le TARDIS de Ten et là WOW c'est sacrément impressionnant... Autant vous dire que Lorna a mitraillé le TARDIS et on a posé 50 fois devant ^^ : devant la porte, près du siège, près de la console, on aura tout fait !

En fond, un écran diffuse la régénération de Ten en Eleven, on est à deux doigts de pleurer c'est tellement triste ce moment... "I don't want to go"... nous non plus ^^' !

Ensuite nous avons les différents costumes de compagnons du Doctor depuis la nouvelle mouture de la série. Nous voyons ainsi les costumes de Amy, Rory, Donna, Martha et Rose... Il y a aussi les costumes de personnages secondaires : K9, Sarah Jane, Captain Jack Harkness, Astrid Peth et bien entendu River Song.

Plus loin il y a l'intérieur d'un des précédent TARDIS, nous apercevons aussi le TARDIS des années 80 ainsi que les quelques "déguisements" du TARDIS que l'on a pu voir dans la précédente mouture de Doctor Who...

Nous allons ensuite dans la partie "monstres", en commençant par les Cybermen et leur évolution au fil de la série... Nous y croiserons le Silence, un Ood méchant, un PigSlave, j'en passe et des meilleurs (mais pas d'Anges Pleureurs à mon plus grand désarroi)...

On y voit aussi une reproduction des bureaux des effets spéciaux, avec tout plein de Daleks tout partout !
Il y a une salle où on peut voir comment sont crées les costumes, les effets spéciaux, etc...

Ce musée est extrêmement bien rempli... Et juste avant de sortir on peut voir le costume d'Idris de l'épisode The Doctor's Wife ainsi que le Junk TARDIS...

Toutes les saisons de Doctor Who (nouvelle mouture) sont représentées... C'est vraiment un pur plaisir.

Nous arrivons ensuite à la partie que notre portefeuille a moins apprécié : la boutique souvenirs ^^ ! On est comme des enfants, on regarde tout, on fouille et on hallucine quand même un peu de voir autant de trucs sur une même série...

Les prix sont un peu élevés mais je repars avec un stress toy Adipose (je lorgne dessus depuis des lustres), il est trop choupi ! Je craque pour un petit carnet accompagné d'un crayon de papier, d'une gomme et d'une taille crayon avec Eleven et Amy dessus ! Et enfin je prends un petit badge avec le TARDIS...

Ensuite nous nous posons un peu avant de repartir pour le centre, Forbidden Planet nous attend...

Cela restera une excellente expérience et je ne regrette pas d'y être allée. On s'est immergé dans l'univers de la série pendant 2 heures et c'était génial ! On avait des étoiles plein les yeux... Ca m'a donné envie de voir et revoir la série...

PS : Jai craqué pour d'autres objets séries à Forbidden Planet : notamment une tasse TARDIS, une tasse TOP GUN, une pochette à documents Mr Jack et un sticker Biohazard.

PS² : J'ai adoré les panneaux indicateurs ;) :

PS :Vous pouvez retrouver l'article de ma partenaire de sortie Lorna : ICI

(UK) The Fades, saison 1 : They came. It was inevitable (et prenant).

2011-10-31T20:57:22+01:00

Cet automne, BBC3 aura poursuivi son exploration dans le fantastique avec un divertissement qui se sera révélé prenant et plaisant à suivre : The Fades. Fin septembre, dans la review que je lui avais consacrée, je vous avais déjà confié combien le pilote et ses bases mythologiques aussi classiques qu'un peu brouillonnes avait su m'intriguer... La première saison s'étant achevée mercredi dernier (26 octobre) en Angleterre, au terme de six épisodes, il est donc temps de dresser un bilan de cette intéressante incursion - toujours bienvenue - dans le surnaturel. Et quoi de plus approprié que d'évoquer cette série en cette soirée de Halloween ?

Les êtres auxquels le titre de la série fait référence, ces Fades, sont en quelque sorte les fantômes ou les âmes d'êtres humains décédés, mais pour lesquels le processus de l'Ascension s'est bloqué. Ils n'ont pas pu quitter la Terre et errent donc sans but sur la planète, ne pouvant avoir la moindre intéraction avec le monde des vivants. Mais l'un d'entre eux a découvert que le sang humain est capable de les sortir de cette isolation qui équivaut à une lente agonie. A terme, ce processus peut même les ramener à la vie. Parallèlement, des êtres aux pouvoirs très particuliers, les Angelics, s'efforcent de contenir des Fades devenues de plus en plus nombreux et menaçants.

Si le projet de faire revenir à la vie tous ces morts aboutit, ce sera la fin de l'humanité telle que nous la connaissons. Or les Angelics sont de plus en plus débordés et subissent des pertes importantes. Leur solution tient peut-être dans un jeune lycéen, Paul. Ce dernier, lui-même Angelic, dispose de facultés insoupçonnées. Il a notamment de terribles visions récurrentes d'un monde en cendres parvenu à sa fin. A mesure que la situation se détériore, chacun va peu à peu prendre conscience des enjeux de la lutte qui se joue et va devoir faire des choix parfois extrêmes. Aidé par ses quelques amis proches, entouré par sa famille, Paul peut-il être le sauveur espéré ?

Navigant entre teen-show et fantastique, The Fades emprunte à ces différents genres, semblant en quête permanente d'un équilibre, souvent fragile, entre ces deux influences. Pourtant, s'il n'est pas exempte de certaines maladresses, l'humanité de ce mélange séduit. La série parvient ainsi sans peine à impliquer le téléspectateur dans le devenir de ses différents protagonistes. Les adultes voient leurs personnalités se nuancer et gagner en ambivalence au fil de la saison, à l'exception peut-être du professeur qui restera toujours trop à l'écart. Cependant, ce sont les adolescents qui restent au coeur du récit. S'ils sont tous les représentations de certains stéréotypes, la dynamique qui s'installe entre eux, ne manquant pas de répartie, les rend instinctivement sympathiques. On s'attache facilement à cette bande informelle, entre amitié, famille et amour.

A dessein, la série s'attache dans un premier temps à dépeindre le portrait le plus classique qui soit de son versant lycéen. Elle esquisse des histoires typiques, presque anecdotiques de premier abord. Cela lui sert en fait de caution narrative pour maintenir le plus longtemps possible un semblant de normalité dans l'univers qu'elle a créé. Une normalité dont on va assister à la lente, mais inéluctable, désagrégation dans le tourbillon d'étrangetés, puis de drames, qui s'enchaînent par la suite. Le volet teen-show de The Fades sert donc avant tout à poser les repères initiaux du téléspectateur... L'intérêt étant de les lui retirer peu à peu à mesure que la série bascule pleinement dans le fantastique et développe sa mythologie.

Après avoir fait prévaloir un parfum de teen-show, c'est dans la seconde moitié de la saison que The Fades prend pleinement la mesure du potentiel mythologique de l'affrontement qu'elle relate, entre Fades et Angelics. Elle va habilement savoir faire ressortir toutes les ambiguïtés de cette confrontation. De manière inéxorable, l'atmosphère, déjà relativement sombre à l'origine, ne cesse de s'obscurcir. A mesure que la frontière qui sépare les Fades du monde des vivants s'amenuise, les enjeux se complexifient. Ce ne sont pas les Fades en tant que tels qui représentent le problème, mais bien l'Ascension qui ne fonctionne plus comme elle le devrait. La série perd alors son apparence manichéenne, bouscule les certitudes du téléspectateur, et embrasse véritablement des accents de fantastique apocalyptique des plus exaltants.

Accordant un soin particulier à son ambiance, The Fades n'est jamais aussi convaincante que lorsqu'elle met en scène des drames. Car au fil de la saison, le danger se fait de plus en plus concret. Le désespoir progresse et, avec lui, une impression pesante d'inéluctabilité et d'urgence pour réagir. Chaque protagoniste va être poussé dans ses derniers retranchements. Si la figure de Paul poursuit son chemin initiatique et reste le repère du téléspectateur, d'autres subissent des évolutions autrement plus radicales. Dans cette optique, le personnage de Neil est sans doute le personnage le plus intéressant. Face à ces circonstances exceptionnelles, il n'hésite pas à faire des choix extrêmes. De rôle de pseudo mentor, nous guidant dans cet univers, il devient de plus en plus inquiétant, perdant le sens des priorités. Contribuant à cette désagrégation de nos repères et plus généralement de la normalité du quotidien, il sera ainsi à l'origine d'une des scènes les plus fortes et marquantes de la saison : l'exécution de sang froid d'une innocente.

Bilan : Entre teen-show et fantastique apocalyptique, The Fades aura su exploiter de manière très intéressante la mythologie créée, laqelle conserve jusqu'à la fin sa part de mystère (et une suite serait la bienvenue). C'est grâce à son glissement vers une ambiance de plus en plus sombre et ambivalente, à mesure que disparaissent les repères confortables initialement posés, que la série trouve sa pleine dimension. Il s'agit donc d'un essai dans le fantastique qui n'aura pas été sans quelques maladresses, notamment dans la première partie de la saison, mais qui se sera révélé dans l'ensemble très prenant. A découvrir !

NOTE : 7,25/10

La bande-annonce de la série :

Le générique :

Stephen Fry

2011-10-28T12:08:00+02:00

A British gentleman

Podcast : Lou Reed, Walk on the wild side

On ne le connait pas vraiment en France, et pourtant.

En 1992, je suivais ce que faisait la troupe de la RSC (Royal Shakespeare Company), dont principalement et surtout Kenneth Branagh, Emma Thompson, Alan Rickman (on était à des années lumière de son rôle de Severus dans Harry Potter). Je rêvais de voir Branagh jouer Hamlet sur scène et d'entendre la voix de Rickman pour de vrai.
Cette année-là, je tombais sous le charme de Peter's Friends qui m'émut énormément. La distribution était parfaite et j'y découvrais le non moins talentueux Stephen Fry (haut milieu sur la photo - cliquez pour agrandir).

Si vous avez l'oeil, en plus de Kenneth Branagh à gauche, avec à sa droite Emma Thompson, qui a à sa droite Stephen Fry, qui a à sa droite Imelda Staunton qu'on retrouvera bien plus tard dans Harry Potter (regardez bien et ouvrez vos yeux pour la suite), qui a à sa droite Hugh Laurie (connu en France pour Dr House). Une génération fantastique.

Le So British Stephen Fry est un incontournable au Royaume Uni. Il ne serait pas pensable de ne pas le connaître. Homme de télévion, de radio, auteur, humoriste, acteur et réalisateur, il a tourné pour la BBC une série documentaire passionnante sur les origines du language --> ici, où il s'interroge sur la naissance de celui-ci et son importance sur le monde, la civilisation et nos cultures. C'est si exaltant et drôle que je vous fais partager un extrait concernant Shakespeare et son illustre "to be or not to be". Je vous conseille de débuter à la séquence 28:28, et d'y rester quelques minutes avant de voir apparaître Guillaume Gallienne de la Comédie Française qui donne son avis sur la question :

Pour finir et parce qu'en France on ne sait pas grand chose de ce qui se passe au Royaume de Couronne Britannique (et inversement d'ailleurs), je souhaiterais conclure par ce petit clin d'oeil ou Stephen Fry et Hugh Laurie faisait rire l'Angleterre par l'union subtile de leur finesse, leur intelligence et leur humour :

Retrouvez Stephen Fry --> ici
Retrouvez Hugh Laurie --> ici

(UK) Doctor Who, season 6, episode 13 : The Wedding of River Song

2011-10-22T14:20:00+02:00

Trois semaines après la diffusion du season finale de Doctor Who, je m'attelle enfin à l'écriture de sa review. Si j'ai longtemps reporté ce moment, c'est d'abord parce que je suis ressortie de cet épisode initialement assez déroutée. Ne sachant trop comment analyser ce sentiment mitigé, j'ai donc décidé de prendre un peu de recul avant de rédiger mes impressions.

Si bien qu'au cours de ces deux dernières semaines, je me suis donc replongée dans les épisodes clés de la saison 6. J'ai revu ce season finale. Deux fois. Et, surprise, je l'ai de plus en plus apprécié au fil de mes visionnages. Si bien que s'il y a 15 jours, je vous aurais dit que cet épisode ne m'avait pas semblé tenir toutes les promesses de cette saison ; aujourd'hui, j'ai plutôt envie d'écrire qu'au contraire, en bien des points, toutes les pièces du puzzle se sont emboîtées et que c'est vers le futur que la série se tourne désormais.

Londres, 22 avril 2011. 17h02. Le temps s'est arrêté. Ou plutôt, toutes les ères se sont confondues et tout se déroule en même temps, éternellement bloqué le même jour, à la même heure. Tandis que des voitures-mongolfières parcourent une Londres embouteillée, où l'on croise aussi bien des chars tirés par des chevaux, patientant aux feux de croisement, que des dinosaures qui s'en prennent à des imprudents dans les parcs de la ville.

L'Empereur Winston Churchill gouverne depuis Buckingham, mais il perçoit bien que quelque chose ne va pas. Il demande alors à revoir un homme, considéré comme dérangé, qui affirme savoir ce qu'il se passe... le Docteur. Ce dernier va alors lui raconter les événements qui ont conduit à cette étrange situation. Si l'astronaute et les évènements du lac sont un point fixe dans le temps, cela ne signifie pas qu'il ne s'est pas préparé à la confrontation à venir avec le Silence et ses alliés. Seulement tout ne s'est pas déroulé comme prévu durant le face-à-face tant redouté au cours duquel le Docteur est censé trouver la mort...

The Wedding of River Song débute à la hauteur des attentes du téléspectateur pour une série qui nous a toujours habitué à se conclure avec un sens de la mise en scène, n'hésitant pas à verser dans la démesure. La reconstitution d'un Londres, où toute l'Histoire de la Terre se déroule simultanément, donne d'emblée le ton d'un épisode qui entend non seulement évoquer, mais aussi véritablement entremêler les grandes thématiques de la saison. Ce mélange donne en décor un arrière-plan impressionnant, parfait pour nous permettre de suivre le récit du Docteur tandis qu'il relate ses préparatifs jusqu'à l'instant fatidique où tout a déraillé. Si le déroulement de l'épisode peut surprendre, c'est que son réel enjeu n'est pas celui annoncé en apparence : la mort du Docteur, voire le moyen qui lui permettra d'esquiver cette funeste destinée, ne semblent déjà plus centraux.

The Wedding of River Song s'attache en réalité à refermer une autre boucle, ouverte bien avant cette saison 6 : il vient consacrer et sceller définitivement la relation du Docteur et de River. Le refus de cette dernière de jouer le rôle qui lui est assigné explique l'effondrement du temps. Au cours de la discussion au sommet de la pyramide, le Docteur va pour la première fois véritablement admettre que River n'est pas un de ses compagnons à l'égard duquel il peut conserver ses secrets, fonctionner en non-dit, voire en manipulation. Elle a une autre dimension : elle s'impose comme son égale, non seulement prête, mais aussi capable de défier le temps. Elle ne lui offrira pas sa coopération aveugle pour un plan dans lequel, lui-seul, conserverait une longueur d'avance. C'est seulement en acceptant l'importance de River et en en tirant toutes les conséquences que le Docteur résoudra le vrai noeud de l'épisode : celui de synchroniser les aspirations et de consacrer l'égalité au sein d'un couple qui peut désormais véritablement se considérer comme tel.

Avoir affronté cette épreuve, non pas dans la solitude habituelle du Time Lord, mais bien en faisant front commun avec River, constitue le véritable parachèvement de la saison. Je pense que cela explique mon impression mitigée initiale. En effet, alors qu'on aurait pu s'attendre à un final explosif à la manière traditionnelle de Russell T. Davies, dans The Wedding of River Song, nous n'assistons pas à une confrontation avec les ennemis de la saison : Madame Kovarian, de la plus symbolique des façons, apparaît déjà dépassée. C'est aussi pour cela que l'ultime twist qui permet au Docteur d'échapper à la mort, sans pour autant perturber irrémédiablement les lignes temporelles, semble presque anecdotique. On pourrait lui reprocher une facilité déconcertante au vue de toute la construction de la saison pour en arriver à ce point, mais l'enjeu était ailleurs. Le choix de Steven Moffat a été de ne pas écrire un épisode pour finir en apothéose, mais tout simplement de refermer, sobrement et logiquement, un arc narratif qui a rempli son objectif ; lequel ne concernait que la relation de River et du Docteur.

Par rapport au temps de Russell T. Davies, cela peut dérouter. Mais toute la structure de l'épisode vient justifier et valider ce parti pris narratif. The Wedding of River Song se contente de tirer tous les enseignements de l'évolution de la saison concernant River, tout en se tournant déjà vers le futur. Les ennemis de la saison 6 sont déjà ceux d'hier. D'autres questions demeurent qui retiennent notre attention. Elles touchent bel et bien au coeur et à l'âme de la série, puisqu'elles sont relatives au Docteur. En bien des points, The Wedding of River Song pose avant tout les bases du futur de la série. Il ne s'agit pas de raconter le comment de la résolution d'un arc, mais plutôt d'éclairer son apport en donnant rendez-vous pour la suite.

On the fields of Trenzalore,
at the fall of the Eleventh,
when no living creature could speak
falsely, or fail to answer,
a question will be asked.
A question that must never,
ever be answered.

The question that must never be
answered, hidden in plain sight.
The question you've been
running from all your life.

Doctor who?

Bilan : The Wedding of River Song n'est pas un season finale comme il était de coutume de classiquement les attendre depuis 2005 dans Doctor Who. Loin de s'intéresser à mettre en scène une confrontation finale démesurée face aux ennemis désignés de la saison, il se concentre sur le véritable enjeu de cet arc, bouclant une autre boucle autrement plus importante en consacrant enfin la relation du Docteur avec River, véritablement unis dans l'adversité et rompant ainsi avec la solitude traditionnelle du Time Lord. Ce season finale collecte en fait les conséquences logiques des évènements de la saison écoulée, tout en se tournant résolument vers le futur.

Finalement, une fois le moment de surprise initiale passée et si je reconnais qu'il m'a dérouté, je crois que c'est sans doute avec une consistance bien plus solide qu'initialement perçue lors du premier visionnage, que cette saison 6 se termine.

Rendez-vous à Noël !

NOTE : 8/10

La bande-annonce de l'épisode :

(UK) Doctor Who, season 6, episode 12 : Closing Time

2011-10-01T18:02:00+02:00

"It was funny, he seemed so happy, but so sad, at the same time."
"I was just a kid. I thought maybe he was a cowboy on his way to a gunfight."
"I really liked his hat."

C'est ce soir que se clôture sur BBC1 la saison 6 de Doctor Who. Une saison marquée par les coupes budgétaires de la chaîne et qui n'aura pas fait l'unanimité parmi les fans de la série, mais que j'aurais dans l'ensemble vraiment beaucoup apprécié. Avant d'affuter son cerveau pour le timey wimey promis pour ce soir, revenons sur l'épisode de la semaine dernière, Closing Time. Plus qu'une transition avant le grand final, ce stand-alone, déconnecté de la mythologie si ce n'est par sa conclusion, offrait une sympathique dernière aventure au Docteur, la veille de sa mort.

Pour l'occasion, l'épisode marque les retrouvailles très complices avec celui qui fut son colocataire durant la saison 5, dans l'épisode The Lodger (5.11), Craig. Ce dernier est désormais papa d'un petit bébé, dont il a précisément pour mission de s'occuper seul durant ce week-end, afin de prouver qu'il peut assumer ses responsabilités de père. Ce week-end, qui se présentait déjà comme une mission presque impossible pour Craig, est un peu plus perturbé par l'arrivée du Docteur. Initialement, ce dernier ne fait que passer, venu saluer un ami en sachant le destin qui l'attend très prochainement. Mais des perturbations électriques et des disparitions inquiétantes dans le voisinage persuadent le Docteur de rester pour brièvement mener l'enquête...

Closing Time apparaît en bien des points comme l'aventure parfaite pour précéder un final qui s'annonce éprouvant. C'est un épisode qui investit prioritairement le ressort de la comédie. La tonalité reste globalement légère, bien servie par des dialogues rythmés qui ont tout pour passer à la postérité. En effet, un soin particulier est porté aux plus petits détails des lignes de dialogues qui agrémentent l'épisode et prêtent souvent à sourire franchement : le qui pro quo autour du sens de partner/companion, ou encore le bébé -culte- s'auto-baptisant Stormageddon, constituent autant de ressorts comiques marquants qui font passer au téléspectateur un très bon moment.

Il faut dire que l'épisode repose uniquement sur cette dimension humaine, préférant reléguer la menace extraterrestre du jour en toile de fond complètement anecdotique. Il se concentre ainsi sur la dynamique du duo que le Docteur forme avec Craig, le bébé de ce dernier étant l'élément attendrissant/perturbateur potentiel. Les deux personnages ont une telle complicité à l'écran que cela occulte les faiblesses de la storyline liée aux cybermen. Cet ennemi classique est expédié de manière bâclée, l'épisode s'amusant surtout de l'environnement proposé par le magasin où le Docteur mène l'enquête, sans chercher à offrir une conclusion crédible à cette dernière ; laquelle restera sans doute dans les annales comme une des plus artificielles qui soient (Craig les vainc grâce aux tourbillons d'émotions provoqués par les pleurs de son fils). Que dire ? L'enjeu est bel et bien ailleurs...

Si Closing Time exploite des ressorts de comédie, pour autant, une ombre l'accompagne et s'étend : nous restons la veille de la mort du Docteur. Même sans être dans un épisode mythologique, l'horloge "fixe" s'égrennant irrémédiablement se fait de plus en plus pesante au fil de l'aventure. Le compte à rebours est d'autant plus perceptible que, en dépit de ces scènes apparaissant comme un écho à l'enthousiasme passé - notamment celles dans le rayon de jouets, le Docteur n'a plus l'attitude juvénile qu'il arborait comme un masque. Il semble désormais usé, un peu mélancolique, se laissant aller par moment au besoin de confier ce qu'il a sur le coeur, sans que cela ait de conséquences (à un Craig endormi, à un bébé qui ne peut répondre...).

Matt Smith est toujours aussi impressionnant pour retranscrire les nuances du Time Lord, jouant de manière très convaincante ce docteur plus âgé, qui a eu le temps de penser, mais aussi de préparer (on l'espère du moins) ce qui l'attend... Car le jour tant redouté - depuis le début de la saison - est arrivé. Closing Time s'offre une fin tout en clins d'oeil qui emboîte les premières pièces pour rejoindre le season premiere : le papier à lettre bleu, le chapeau de cowboy. Forcément, le coeur du téléspectateur se met à battre un peu plus fort, tandis que, plusieurs millénaires dans le futur, Madame Kavarian vient trouver River pour lui rappeler ce pourquoi elle a été créée. Ce season finale promet d'être particulièrement dense, mais aussi très intense émotionnellement.

Bilan : En guise de dernière petite pause avant le grand final, vérifiant la fameuse expression du (quasi) calme avant la tempête, Closing Time est un épisode plaisant à suivre. Il offre une suite appréciable à The Lodger dont il reprend les principaux ingrédients et la dynamique confortable existant entre le Docteur et Craig. Dans cette parenthèse légère qui s'assombrit cependant peu à peu, la dimension comique fait office de souffle d'air frais bienvenu, comme si scénaristes et téléspectateurs repoussaient une dernière fois l'échéance inéluctable. Rendez-vous ce soir.

NOTE : 7/10

La bande-annonce de l'épisode :

(UK) Doctor Who, season 6, episode 11 : The God Complex

2011-09-24T18:38:00+02:00

Un grand hôtel vide, un clown... bienvenue chez Stephen King !

J'aime décidément beaucoup cette seconde partie de saison 6, notamment grâce aux thématiques plus introspectives qui sont explorées, c'est-à-dire non pas les enjeux mythologiques en tant que tels, mais plus simplement la relation du Docteur avec ses compagnons. Ce onzième épisode, The God Complex, vient finalement offrir un complément parfait à l'épisode précédent, en allant cette fois-ci beaucoup loin. Dans The Girl who waited, c'était la dangerosité des voyages avec le Docteur, mais aussi l'influence qu'il peut avoir sur les vies de ses compagnons, qui interpellaient. Dans cet épisode 11, c'est cette fois l'idée-même d'une fin dans la dynamique du trio qui est évoquée.

Pour aboutir à ce résultat, l'aventure du jour les conduit dans un lieu qui s'apparente à un gigantesque hôtel terrien. Seulement, ce n'est pas un repos mérité que les innombrables chambres proposent : elles offrent derrière leurs portes closes des retrouvailles avec les peurs les plus viscérales qui se cachent dans nos coeurs. Le principe est qu'il y a une chambre pour chacun ; et ouvrir celle qui vous est destiné bouscule et perturbe toutes les certitudes que l'on peut avoir, faisant peu à peu sombrer dans une folie autodestructrice qui amène à se sacrifier à la créature générant ce labyrinthe hôtelier, aux couloirs sans fins se remodelant constamment, un minotaure. Le Docteur et ses compagnons vont devoir trouver une échappatoire à cette prison, en essayant non seulement de se sauver eux-mêmes, mais aussi de protéger les quelques personnes prisonnières des lieux comme eux.

The God Complex débute comme un classique stand alone à la croisée des genres : sommes-nous sur Terre, dans le passé ? Sommes-nous dans l'espace ? Rapidement l'image du mystérieux hôtel s'obscurcit, semblant tout droit sortie d'un livre de Stephen King et faisant plonger l'épisode dans un thème semi-horrifique avec pour objet central : les peurs les plus primitives de chacun. S'appropriant parfaitement tous les codes de ce genre, cette première partie se montre très efficace et plutôt inventive, tout en restant classique. Elle doit beaucoup au groupe bigarré de personnages également coincés avec le Docteur. C'est à souligner car il est assez rare qu'un épisode parvienne, ou recherche, à nous impliquer pour le sort de simples guest-stars, souvent sacrifiées sans arrière-pensée. Or ici, la dynamique prend instantanément, notamment grâce au personnage de Rita dont la mort reste une des scènes émotionnelles les plus fortes de l'épisode.

Pour autant, The God Complex n'est pas un simple épisode d'horreur. En effet, c'est dans un autre registre qu'il va se révéler : le véritable enjeu se situe à un niveau différent qui dépasse de loin la notion de peur : c'est celui de la foi. La créature du labyrinthe se nourrit de la croyance de ses victimes, les faisant basculer progressivement dans une folie adorative, sapant toutes leurs certitudes grâce à la peur qu'il réveille. Un seul des voyageurs du Tardis nourrit une foi assez grande ayant pu retenir l'attention : celle d'Amy... dans le Docteur. Car en dépit des épreuves, des abandons et des déceptions, Amy reste toujours au fond d'elle l'innocente Amelia Pond : cet enfant, aux certitudes et à la confiance inébranlables, qui a tant attendu l'homme un peu fou à la boîte bleue qui devait l'emmener voyager dans les étoiles. Pour sauver Amy, le Docteur va devoir détruire cette première attache, cette forme d'inféodation originelle fondatrice.

The God Complex offre ainsi au Docteur et à Amy l'occasion de refermer la boucle ouverte lors de sa regénération il y a deux saisons et laissée en suspens depuis. Les implications du discours qu'il délivre à une Amy redevenue logiquement enfant dépassent la seule aventure à laquelle ils doivent survivre. Il faut certes briser ce lien dans l'immédiat pour la sauver du minotaure, mais c'est une autre prise de conscience, autrement plus symbolique, qui a lieu : il faut rompre cette relation pendant qu'ils le peuvent encore, pendant qu'Amy et Rory ont encore une vie et un futur qu'ils peuvent construire sur Terre. En filigrane en effet, c'est sa dangerosité que le Docteur admet et reconnaît. S'il fera toujours tout ce qui est en son pouvoir pour préserver ces compagnons, le Time Lord lui-même a ses limites. C'est pourquoi la conclusion de l'épisode va apparaître particulièrement logique et satisfaisante.

Le lien entre Amelia Pond et le Docteur, cette "foi" forgée durant leur première rencontre, est une réminescence de l'enfance de la jeune femme. Or si voyager avec le Docteur doit rester quelque chose de temporaire, qui ne peut durer éternellement, ce n'est pas seulement parce que ces aventures ont un impact important sur la vie de ses compagnons (et peuvent les terminer abruptement), c'est aussi parce qu'il s'agit normalement d'une simple parenthèse dans le cours de leur existence. Pour Amy, ces quelques mois initiatiques auprès du Docteur s'apparentaient à une forme de passage à l'âge adulte. Son mariage avec Rory l'avait en apparence parachevé, mais en apparence seulement, car subsistait toujours le lien originel qui inféodait la jeune femme au Time Lord. Ce voyage de noces qui s'éternisait en était la preuve. Mais désormais, l'initiation est bien terminée. Il ne convient plus de suspendre et de remettre au lendemain le retour au quotidien terrien, car ce serait hypothéquer définitivement la possibilité de le reprendre un jour.

En prenant conscience de toutes ces implications, ramener Amy et Rory sur Terre pour les sauver est la chose la plus responsable que puisse faire le Docteur. Mais avec toute la mythologie et les forces à l'oeuvre dans l'ombre, cette décision n'intervient-elle pas déjà trop tardivement ?

Bilan : The God Complex est un épisode prenant et efficace qui prouve une nouvelle fois que Doctor Who ne se réduit pas à sa seule mythologie, et que la série peut être brillante lorsqu'elle prend le temps de s'intéresser à ses dynamiques fondatrices : à savoir la relation du Time Lord et de ses compagnons. Le temps n'est plus à l'insousciance, les parenthèses plus légères sont derrière soi. La destruction de cette foi ancrée en Amelia Pond demeure purement symbolique : elle ne remet pas en cause la confiance que Amy, adulte, a dans le Time Lord. Mais elle permet des prises de conscience et des réévaluations que l'on pressentait et qui apparaissaient de plus en plus inévitables. C'est donc un épisode très convaincant qui nous a été proposé, nous rapprochant peu à peu du final tant attendu de la saison.

NOTE : 8/10

La bande-annonce de l'épisode :

Merlin [saison 4] - trailer

2011-09-24T12:07:18+02:00

Il y a des jours comme ça où on des tas d'idées de billet en tête, mais pas toujours le temps ou la motivation de s'y mettre. Ce qui est mon cas en ce moment.

Et dans les moments comme ça, qu'elle est la meilleure chose à faire ? Poster sans avoir besoin de réfléchir quelque chose de rapide. Une vidéo, une photo ou une chanson.

Moi, comme toujours j'opte pour la vidéo. Et souvent une bande-annonce. Aussi, comme on est à une semaine du 1er octobre, je me suis que c'était le moment parfait pour poster ça :

J'aurais bien posté le trailer diffusé lors du Comic Con de San Diego, mais impossible d'en trouver un de bonne qualité. Alors, on va se contenter de repasser ces 30 secondes en boucle pendant toute une semaine et admirer ainsi Merlin, Arthur, les chevaliers, et les bras de Perceval. Et la nouvelle tenue de Morgana aussi.

C'est quand le 1er octobre déjà ?

(Pilote UK) The Fades : une série fantastique intrigante

2011-09-23T20:00:00+02:00

"The Fades are coming."

Cette rentrée, j'ai fait des grands efforts d'ouverture. J'ai visionné des pilotes diffusés jusque sur les networks américains que je n'aurais d'habitude pas tenter, attendant patiemment de trouver la perle rare, celui qui me donnerait envie de revenir la semaine suivante. Les deux premiers tiers du mois déjà passés, je commençais à m'inquiéter, quand, enfin, un pilote a retenu mon attention et éveillé ma curiosité : The Fades. Oui, je sais, cette série est... anglaise.

Imaginée par Jack Thorne, un scénariste qui a travaillé sur This is England '86, Skins ou encore Cast Offs, The Fades (un temps intitulée Touch) est une nouvelle série fantastique lancée par BBC3, le jeudi 21 septembre 2011, et coproduite avec BBC America. La saison 1 comprendra six épisodes. BBC3 poursuit là ces explorations du genre fantastique dont Being Human reste le porte-étendard. Si ce premier épisode de The Fades est un peu brouillon, il est efficace pour poser un cadre mythologique au potentiel indéniable.

Paul est un lycéen, anonyme dans la foule des adolescents de son âge, mais dont la vie quotidienne est de plus en plus perturbée par des évènements dont il ne peut comprendre la portée. Il voit des choses, ou plus précisément des êtres, qu'il est le seul à percevoir, et ses nuits sont hantées par de terribles cauchemars sur un monde apocalyptique où la Terre a été réduite en cendres. Logiquement inquiète, sa mère l'envoie consulter un psy, qui n'est pas vraiment en mesure de l'aider, tandis que son meilleur ami, Mac, fait office de soutien moral indéfectible, sa culture geek lui permettant d'être ouvert à toutes les hypothèses.

Une nuit, alors que les deux adolescents traînent dans un vieux centre abandonné, Paul assiste à une fusillade et à l'agression d'un homme par une bien effrayante et étrange créature. L'homme va être la première personne qu'il rencontre en mesure de lui expliquer ses aptitudes particulières. Ces créatures qu'il voit sont appelées des Fades, il s'agit de morts qui n'ont pas pu quitter la Terre (pour lesquels le processus de "l'Ascension" n'a pas pu avoir lieu pour une raison qui n'a rien à voir avec le Mal ou le Bien). Ils sont bloqués dans ce monde où nul ne les perçoit et où ils ne peuvent intéragir avec les vivants.

Mais l'un d'entre eux à trouver un moyen de briser la frontière séparant les vivants et les morts ; et avec cette intrusion sur notre Terre, c'est un avenir apocalyptique qui se profile à l'horizon. Les cauchemars prophétiques de Paul sont en marche, et le sort de l'humanité repose sur les quelques humains qui peuvent voir les Fades.

Pour introduire un univers fantastique avec ses codes et ses enjeux propres, le scénariste peut faire le choix de tout proposer clé en main au téléspectateur, à travers une rapide mise au point dès le départ, ou il peut opter pour un chemin de traverse, plus périlleux sans doute, plus flou probablement, mais aussi plus intrigant si cela est bien exécuté. The Fades opte pour la seconde option : le pilote nous plonge directement dans l'action, avec une scène d'ouverture marquante qui donne d'emblée le ton du récit, et va ensuite s'intéresser au quotidien des différents protagonistes. L'épisode suggère beaucoup - une silhouette inquiétante, des visions de cendres inexpliquées -, et distille ses explications avec parcimonie, seules deux scènes entre Paul et Neil pouvant vraiment être qualifiées d'initiatiques.

Le pilote de The Fades garde donc volontairement sa part de mystères, soulevant plus de questions qu'il n'offre de réponses, au risque d'être parfois volontairement un peu brouillon, voire confus. Cependant cela ne gêne absolument pas pour s'intéresser à un univers qui se dévoile peu à peu. Cultivant une toile de fond apocalyptico-fantastique dont les ingrédients sont relativement classiques mais très efficaces, l'épisode se charge de délivrer les premières clés d'une mythologie que l'on devine plus vaste. La mort est une thématique que le fantastique a beaucoup exploré mais qui n'a pas perdu son attrait : notons en plus qu'ici, il ne s'agit ni de zombie, ni de vampire, mais des Fades, esprits errant sur Terre mais qui demeurent - normalement - strictement séparés du monde des vivants. Et, évidemment, une Armaggeddon à empêcher reste un des enjeux les plus communs, mais aussi les plus sûrs pour s'assurer d'une tension dramatique solide.

Parallèlement à cette immersion mythologique progressive, The Fades a le mérite de réussir l'introduction de ses personnages. S'il n'y a aucune originalité dans la dynamique du duo principal, les clichés ayant la vie dure, on se surprend pourtant à s'y attacher très rapidement. Paul a tous les attributs de l'anti-héros lycéen classique, des pouvoirs qu'il rejette, n'aspirant qu'à une paisible normalité, jusqu'à une soeur populaire embarassée par ce fardeau fraternel. En proie aux doutes existentielles d'une adolescence compliquée par ces visions, il peut compter sur le soutien de son meilleur ami, fidèle et confident. Ce dernier va apporter son lot de références continuelles à la pop-culture geek. Aussi classique que cette présentation puisse sonner, c'est sans doute dans les échanges entre ces deux-là que The Fades a achevé de me rallier à elle : en effet, les réparties des deux amis introduisent un second degré typiquement anglais, s'assurant une certaine distance avec les évènements en cours et occasionnant des passages plus légers à l'humour bien dosé, auxquels il est difficile de résister.

De manière générale, on retrouve en fait dans The Fades une partie du charme des fictions fantastiques anglaises qui fonctionnent, c'est-à-dire une façon de ne pas trop en faire et surtout de ne pas se prendre excessivement au sérieux, tout en ne négligeant jamais de cultiver un sens certain de la dramatisation et de soigner l'ambiance. Le pilote mêle d'ailleurs plutôt habilement normalité et surnaturel, de manière à toujours conserver un cadre familier. C'est ainsi que, même si tout n'est pas parfaitement maîtrisé dans cet épisode à la narration parfois un peu expérimentale et aux tonalités changeantes, l'essentiel est atteint : le téléspectateur, la curiosité piquée, se prend au jeu, perçoit le potentiel des intrigues esquissées et prend rendez-vous pour la suite, voulant en savoir plus.

Sachant suggérer et introduire une ambiance fantastico-inquiétante qui s'insinue dans le quotidien terriblement typique du héros lycéen, The Fades est également solide sur la forme. On y retrouve quelques scènes horrifico-sanguinolantes qui n'auraient pas dépareillé dans Being Human, mais aussi sa part de combats mortels, mis en image plutôt sobrement, jusqu'à une opération d'un oeil qui n'ira pas sans crisper quelque peu le téléspectateur. La photographie est soignée, la réalisation bien maîtrisée s'inscrit dans la lignée des autres fictions de la chaîne. De plus, cerise sur le gâteau, la série bénéficie même d'un court générique.

Enfin, The Fades dispose d'un casting sympathique qui permet au téléspectateur de rapidement s'investir dans l'histoire. C'est Iain de Caestecker (River City, Coronation Street) qui incarne Paul, l'adolescent qui se retrouve malgré lui au coeur de cette apocalypse en devenir. Il joue parfaitement le anti-héros propulsé sur le devant d'une scène fort dangereuse. A ses côtés, Daniel Kaluuya (Skins, Psychoville) est son meilleur ami. Johnny Harris (This is England 86') est un combattant endurci qui va initier le héros au monde des Fades ; Tom Ellis (Miranda), pour le moment le moins bien exploité, incarne un prof dont la femme, jouée par Natalie Dormer (The Tudors) et qui possédait le même don que Paul, décède dans le pilote. On croise également Daniela Nardini (This Life), Claire Rushbrook ou encore Lily Loveless (Skins).

Bilan : Introduction parfois un peu brouillonne mais efficace, parvenant à poser rapidement des enjeux mythologiques qui retiennent l'attention tout en ménageant une part de mystère, le pilote de The Fades dévoile des bases fantastiques intrigantes au potentiel certain. A défaut de réelle originalité, la série se réapproprie un savoir-faire éprouvé, distribuant classiquement les rôles et s'offrant en toile de fond une fin du monde à empêcher qui retient l'attention. Aussi classique que puisse paraître une recette, l'essentiel est qu'elle fonctionne. Ce pilote de The Fades a ses atouts et donne envie de découvrir la suite, et c'est bien le principal. A confirmer !

NOTE : 7/10

La bande-annonce de la série :

(UK) Spooks (MI-5), saison 10 : this is the end

2011-09-18T10:37:00+02:00

C'est durant le mois d'août dernier que la nouvelle est tombée : Kudos, la société de production de Spooks, annonçait que cette saison 10 serait la dernière de la série. On le pressentait : la saison 9 avait paru ne plus savoir se réinventer, arrivant au bout de l'inspiration des scénaristes ; mais il faut cependant noter que ce n'est donc pas la chaîne de diffusion (BBC1) qui aura pris la décision finale.

Ce soir, en Angleterre, débute donc à 21 heures le dernier acte, en six épisodes, d'une oeuvre qui aura marqué le petit écran anglais au cours de la décennie qui s'est écoulée. Une programmation, un dimanche soir sur BBC1, inhabituelle, avec un dernier objectif qui a tous les attributs de la mission impossible : affronter le retour pour une saison 2 du grand succès critique et public d'ITV, Downton Abbey. Mais qu'importe au fond, le jeu des audiences pour une conclusion qui devrait s'intéresser plus particulièrement au seul protagoniste qui demeure du casting d'origine : Harry Pearce, celui qui s'est peu à peu affirmé comme la véritable âme de la série. Je n'ai pas de désirs particuliers sur la manière dont la série doit finir. Qu'il s'agisse des secrets du personnage, ou de sa relation avec Ruth, tout ce que je souhaite c'est, une dernière fois, faire confiance aux scénaristes pour offrir une conclusion à la hauteur de la série.

Avec la fin de Spooks, c'est un chapitre de la télévision anglaise des années 2000 qui se referme : celui qui a bénéficié du dynamisme inité par Kudos (une boîte de production qui nous aura offert ensuite Hustle, Life on Mars & Ashes to Ashes, ou encore cet été The Hour). Mais si, à l'aube de cette saison 10, il ne reste, dans la série d'aujourd'hui, que des vestiges de la qualité passée et des recettes anciennes de Spooks, les scénaristes ayant exploité toutes les ficelles narratives envisageables du concept de départ, c'est pourtant le coeur très serré que je m'apprête à quitter cet univers. Car, c'est aussi à titre personnel qu'une page se tourne.

En Angleterre, elles sont trois fictions à avoir façonné les bases de ma sériephilie, mais Spooks est la seule avec laquelle j'ai pu développer un réel lien de fidélité à travers les ans (les deux autres sont des mini-séries, Warriors et State of Play). Elle restera la première série anglaise que j'ai suivi en direct de sa diffusion. Et si je ne l'ai pas débutée en 2002, mais seulement quelques années plus tard, elle s'est rapidement imposée comme le repère incontournable de mon automne sériephile. Pour preuve, elle est à ce jour la plus ancienne série en production que je regarde, toutes nationalités confondues : un point fixe dans mes programmes.

Si elle est si importante à mes yeux, c'est que Spooks a été une de mes clés d'entrée les plus prolifiques dans le petit écran britannique, un véritable fil d'Ariane grâce à laquelle j'ai exploré, au gré des filmographies, cette télévision d'outre-Manche à la fois si proche, mais pourtant si peu familière par rapport aux Etats-Unis. Spooks a sans doute contribué plus que toute autre fiction à ma connaissance des acteurs de la télévision anglaise, que ce soit grâce à son défilé de guest-stars ou par ses changements incessants de casting principal. C'est d'autant plus vrai que, assez paradoxalement pour une série qui n'a jamais été tendre avec ses personnages, elle est une de ces rares fictions vraiment capables de faire aimer du public ses acteurs.

C'est sans doute pour cela que Spooks reste dans ma mémoire rattachée à son casting. Initialement, il y a d'abord eu Matthew Macfadyen, le seul que je connaissais au préalable grâce à Warriors - et qui, soyons franc, avait été ma première raison de découvrir Spooks (outre mon amour démesuré pour les jeux d'espions) : le personnage de Tom Quinn aura définitivement scellé mon affection pour cet acteur, et il restera celui qui m'a le plus marqué. Mais j'ai aussi rencontré, les découvrant ou redécouvrant, toute une galerie d'acteurs dont je suis tombée sous le charme et dont je suis désormais d'un oeil attentif la filmographie : Keeley Hawes, une Zoey à la fraîcheur communicative, ou Rupert Penry-Jones dont le personnage d'Adam Carter aura connu tant d'évolutions, des premières missions à la James Bond jusqu'à la dépression... Et que dire du flegme de Peter Firth ou de la froide détermination de Hermione Norris... J'ai même apprécié Richard Armitage (si on omet la saison 9 dont il n'est pas responsable), en dépit de mes mauvais souvenirs de Robin Hood.

Spooks demeurera également gravée dans mes souvenirs sériephiles pour toutes ses émotions fortes qu'elle m'aura fait vivre, pour ces ressentis intenses devant une fiction qui avait érigé en règle le fait qu'aucun de ses protagonistes, même les principaux, ne soient à l'abri. Rarement une oeuvre aura tant éprouvé ses personnages, refusant obstinément tout acquis. Rarement aussi aura-t-on démontré une faculté à se réinventer et à poursuivre de l'avant. Combien de séries peuvent se vanter d'avoir autant choqué, autant fait pleurer son public, face à des morts tellement marquantes. Le premier traumatisme, celui de la friteuse, hantera encore longtemps mon esprit, tandis que d'autres scènes auront véritablement déchiré mon coeur : comment oublier l'exécution de Danny, de Ben... ou encore ce dernier regard, tellement bouleversant, tellement parlant, échangé entre Jo et Ros ?

Reflet de son époque (2002 - 2011), Spooks est aussi une série d'espionnage qui, il faut le rappeler, est née après le 11 septembre. Elle a ainsi mêlé et vu se succéder toutes les dynamiques de ce genre : introduisant les problématiques les plus modernes, mais remontant aussi aux plus anciennes traditions héritées de la Guerre Froide, avec lesquelles elle va semble-t-il renouer cette saison. Elle a offert un cocktail efficace qui, sans conserver la sobriété des débuts, aura su satisfaire un public amateur de ce type de fiction. Comme dans toute relation téléphagique, il y aura eu des hauts et des bas : elle a eu de grands moments, elle a aussi fait subir d'importants ratés. Mais alors que nous sommes au début de la fin, espérons seulement qu'elle saura se conclure d'une manière réussie qu'elle mérite tant.

Un pan de l'histoire télévisuelle anglaise des années 2000 se referme ; un pan fondateur de mon histoire personnelle avec les séries britanniques également.

La bande-annonce de la saison 10 :

Le générique de la saison 9 (avec ce thème musical tellement Spooks) :

(UK) Doctor Who, season 6, episode 10 : The girl who waited

2011-09-17T19:19:00+02:00

Cela faisait longtemps que je n'avais pas ressenti quelque chose d'aussi fort devant un épisode de Doctor Who qui n'est ni un season premiere, ni un season finale, c'est-à-dire un épisode non mythologique. Cela faisait aussi longtemps que je n'avais pas versé autant de larmes devant la série. Écrit par Tom MacRae, The girl who waited est en bien des points une réponse parfaite à ceux qui s'interrogent sur la construction des saisons sous Steven Moffat et sur le rôle des stand-alones, car il résume et éclaire comme rarement toutes les dynamiques relationnelles à l'oeuvre entre les trois protagonistes principaux.

Après toutes les émotions fortes vécues ces derniers temps, le Docteur décide d'offrir des vacances à Rory et Amy sur une planète du nom d'Apalapucia, qui est la deuxième destination touristique de l'univers. Mais loin du monde paradisiaque promis, ils arrivent dans un lieu qui a été placé en quarantaine en raison d'une épidémie. Si les humains ne craignent rien, il en va autrement des Time Lords. Un mécanisme jouant sur les lignes temporelles a été mis en place, permettant aux malades de vivre, durant les 24 heures qu'il leur reste avant de mourir, une vie entière. A la suite d'une simple erreur, Amy est malheureusement séparée des deux autres, enfermée dans le système automatique. Le Docteur fait ce qu'il peut pour la sauver, mais lorsque Rory retrouve sa femme, cette dernière est restée seule et luttant pour sa survie pendant 36 ans...

The girl who waited est un épisode qui démontre qu'il est possible de faire reposer entièrement un épisode sur les compagnons du Docteur. Car c'est bel et bien à Amy et Rory, pour lesquels je n'avais jamais autant vibré, que cette aventure est dédiée. C'est tout d'abord l'histoire d'Amy, parce qu'elle est celle qui attend. Une habitude, pourrait-on dire. Depuis que la série l'a introduite enfant, croisant pour la première fois ce mystérieux homme à la boîte bleue en pleine regénération, il semble qu'elle ait presque toute sa vie toujours attendu ce Time Lord versatile auquel elle est liée de manière inextricable : elle l'a attendu jusqu'à l'âge adulte, elle l'a attendu durant cet été où il cherchait vainement sa fille... et la voilà qui patiente cette fois-ci 36 ans dans un univers hostile où les dernières illusions de fiabilité qu'elle pouvait avoir en lui ont le temps de s'effacer. Cette Amy âgée, férocement indépendante, qui reste si semblable à notre jeune Amy mais est en même temps si désillusionnée, est le produit de l'échec, de la trahison du Docteur, et ne saurait laisser insensible le téléspectateur.

C'est d'autant plus le cas que cette tragédie est mise en relief par l'intensité de sa relation avec Rory. Si l'on avait pu avoir des doutes dans les premiers temps sur la solidité de ce couple, cette saison nous aura démontré combien les deux sont liés par le destin depuis leur enfance et quelle est la force des sentiments qui les lient. La conviction inébranlable de Rory, persuadé qu'Amy âgé ne peut avoir oublié tous les principes qui la caractérisait, la manière dont ils retrouvent timidement leurs affinités, une complicité naturelle, après toutes ces années, font chaud au coeur et éclairent au grand jour tout ce que sont capables de transcender leurs sentiments. Et puis, pour ceux qui craignaient que cette relation ne fonctionne que dans un sens, Rory aimant plus tout sa femme, une décision extrêmement symbolique leur répond ici : Amy âgée fait finalement le choix d'aider à retrouver Amy jeune/du présent, non pour elle-même, mais pour Rory et les années qu'ils méritent l'un pour l'autre.

Il y a tant d'émotions sous-jacentes dans les scènes de cet épisode qu'il ne pouvait sans doute s'achever que dans les larmes d'un choix impossible, mais qui doit être fait : même dans une intrigue tout en timey-wimey où le téléspectateur perd rapidement le fil temporel conducteur, on sait qu'il ne peut y avoir qu'une seule Amy. Ce sera celle de Rory, celle que ses amis considèrent comme le présent, effaçant Amy âgée, ses 36 années d'attente vaine et tous les remords qu'elle représente. Plus que dans bien des situations durant lesquelles il avait pu jouer avec le feu, l'attitude d'Eleven, mêlant inconséquences et mensonges, marque. Tout à son ordre des priorités et à ses préoccupations personnelles, il est frappant de constater à quel point il semble s'éloigner de ses compagnons. Ces modes de voyage discutables font sans doute son charme (ne pas vérifier si la destination n'est pas en pleine épidémie), le fait de mentir avec aplomb sur la possibilité de sauver également l'Amy ayant vécu ces 36 ans de solitude est déjà une manipulation douteuse, mais placer ensuite Rory face à l'obligation de choisir entre les deux, lui laissant le soin de garder le verrou, est proprement cruel.

Comme si la confrontation avec River dans le mid-season finale n'avait jamais eu lieu, comme si les avertissements sur son attitude n'avaient jamais été formulés, Eleven poursuit un comportement de Time Lord qui use de ses pouvoirs sans forcément de contre-poids, d'auto-restriction. Là où Ten faisait preuve d'une empathie et d'une compassion qu'il n'hésitait pas à montrer et dont il tirait sa force, Eleven fait preuve de moins de scrupules. Cela le déchire sans aucun doute d'abandonner ainsi celle qui est le produit d'une ses erreurs, mais il l'intériorise. Plus que jamais, tout parait semblable à un jeu des apparences, omettant des éléments d'informations à ses compagnons, présentant toujours une image enjouée qui est souvent un acte. Le Docteur évolue lentement vers une ligne, entre destructeur et/ou auto-destructeur, qui vient nuancer et noircir son portrait. Si ce thème a toujours existé dans la série, il est désormais au coeur de la dynamique de la saison, permettant ainsi à Doctor Who d'explorer de nouveaux territoires.

Bilan : The girl who waited est un épisode bercé par les paradoxes, à commencer par le principal : en dépit d'une histoire confuse, où les timey-wimey égarent le téléspectateur, il captive, émeut et marque avec une force et une intensité à laquelle peu d'épisodes de Doctor Who parviennent. C'est un épisode où l'émotionnel prend le pas sur la rigueur du scénario, pour apporter un éclairage particulier sur les différents protagonistes, mettant à l'honneur des compagnons du Docteur qui l'ont bien mérité. Karen Gillan et Arthur Darvill sont d'ailleurs vraiment à la hauteur de l'évènement !

NOTE : 8,5/10

La bande-annonce de l'épisode :

(UK) Doctor Who, season 6, episode 9 : Night Terrors

2011-09-10T13:44:00+02:00

"Tick-tock goes the clock even for the Doctor."

Après un redémarrage de mi-saison des plus enthousiasmants, c'est un épisode de transition que nous propose Doctor Who avec Night Terrors. Écrit par Mark Gatiss, il faut préciser que cette aventure devait initialement figurer dans la première partie de la saison 6, d'où l'impression de nous glisser dans une parenthèse au cours de laquelle la trame mythologique est comme suspendue (pas d'évocation du sort de River, ou des préoccupations vis-à-vis de leur fille d'Amy et Rory). Cette transition, proche du stand-alone, va cependant une nouvelle fois prouver à quel point cette série sait investir en même temps des registres extrêmement différents, se révélant à travers une tonalité versatile qui fait son charme.

C'est un appel au secours reçu par le Docteur qui va initier l'aventure de Night Terrors. Un petit garçon, quelque part en Angleterre, a très peur. Il est tellement effrayé que sa demande d'aide, pensée si fort, a traversé l'espace et le temps jusqu'au Tardis qui était en train de voyager. Sans hésitation, le Docteur répond instantanément à ce curieux appel de détresse, entraînant ses compagnons sur Terre, dans un grand ensemble urbain qui n'en fait certes pas la destination la plus exotique qui soit. Le Time Lord découvre, à l'origine du message, un garçon de huit ans, George, manifestement très angoissé. Ses parents ne savent plus quoi faire ; le Docteur s'invite alors dans les lieux pour découvrir dans la chambre de l'enfant, enfermé dans le placard, quelque chose d'aussi inconnu qu'effrayant...

Tout en cultivant une diffuse ambiance sombre et inquiétante, Night Terrors est un épisode à la tonalité plus ambivalente qu'il n'y paraît, semblable à un conte où, une fois les épreuves passées, l'histoire se termine sur une note d'optimisme, laissant l'observateur extérieur ragaillardi et satisfait. A première vue, l'épisode se réapproprie pourtant bien tous les codes classiques d'une mise en scène horrifique soft, restant tout d'abord dans le suggestif, pour ensuite basculer dans une maison des poupées se voulant fort angoissante. Ce sont nos peurs enfantines, celles qui nous prenaient d'assaut, enfant, dès que la lumière de la chambre s'éteignait, qu'il s'attache à réveiller. Cependant, si l'ensemble aiguise la curiosité, retenant l'attention du téléspectateur, il serait exagéré de dire que l'épisode parvient à susciter une réelle inquiétude.

A partir d'un cadre minimaliste, et dans ce décor très particulier, c'est finalement une belle histoire humaine, d'une simplicité assumée, qui va nous être relatée. Si les thèmes abordés peuvent donner une impression de déjà vu, ils ont le mérite de fonctionner : un extraterrestre qui a perdu ses repères, un père et un fils qui doivent se retrouver, ce sont des missions pour le Docteur... La bonne surprise de l'épisode tient à son écriture extrêmement versatile, passant allègrement de l'anxiété dramatique à des scènes plus proches de la comédie, qui frôlent parfois un ridicule inattendu assez savoureux : des (més)aventures traditionnelles d'Amy et Rory à la géniale scène du débat entre le père et le Docteur pour savoir s'il faut ou non ouvrir le placard. On sourit donc plus que prévu devant cet épisode à l'allure presque faussement effrayante, qui reste avant tout une jolie histoire, laquelle séduit par sa simplicité et son humanité.

Par contraste avec la richesse de l'épisode de la semaine précédente, Night Terrors peut sans doute frustrer. Le téléspectateur nourrit naturellement des envies de flamboyante mythologie, de casse-têtes inénarrables, de timey-wimey inextricables... De telles attentes ne sont pas comblées par ces stand-alones plus intimistes. Est-ce pour autant un défaut et le signe d'une gestion trop aléatoire du fil rouge mythologique ? Pour ma part, je n'y vois pas une inégalité qualitative. Je ne suis pas tombée amoureuse de cette série pour sa mythologie, mais pour son univers, pour ces points de détail d'apparence anecdotique mêlant science-fiction et divertissement familial, pour ce ressenti magique furtivement éprouvé lors du visionnage de certains épisodes. La saveur particulière de Doctor Who réside dans son folklore. Si le schéma narratif global des saisons sous Steven Moffat est assez prévisible, je prends aussi beaucoup de plaisir devant ces épisodes moins déterminants pour la grande Histoire, indéniablement peu marquants, mais où on retrouve l'âme de la série. Cela n'a pas l'intensité de Let's kill Hitler, mais c'est une autre forme de saveur !

De plus, servi par une réalisation de Richard Clark qui joue habilement sur les codes de la terreur portée à l'écran, sans jamais véritablement franchir le dernier pas pour embrasser ce genre, Night Terrors bénéficie d'un casting très appréciable : il accueille parmi ses guest-stars du jour Daniel Mays, resté à mes yeux le traumatisant Keats dans la saison 3 de Ashes to Ashes et qui était en début d'année à l'affiche de Outcasts. Ca m'a fait très plaisir de retrouver cet acteur que j'apprécie beaucoup. Il délivre ici une performance enthousiasmante, s'amusant manifestement beaucoup dans cet épisode où son personnage - le père de George - passe par tous les états, de l'adulte responsable à la panique frôlant le ridicule. Enfin, c'est Jamie Oram qui incarne, avec une touche de sincérité et d'innocente parfaite, le garçon apeuré par qui tout arrive.

Bilan : Stand-alone quasi-indépendant de la mythologie de cette saison 6, la chanson résonnant à la fin étant le seul lien avec la trame principale, Night Terrors est un huis clos qui joue d'abord sur la projection de nos cauchemars nocturnes. Si l'angoisse engendrée par cette atmosphère reste une toile de fond appréciable, l'histoire, simple, se révèle en revanche étonamment touchante dans un registre plus émotionnel et humain, nous offrant une jolie conclusion. Bien rythmé par une écriture à la tonalité changeante, sans marquer, l'épisode fait donc passer un bon moment devant son petit écran.

NOTE : 7/10

La bande-annonce de l'épisode :

Doctor Who - Night Terrors (6x09)

2011-09-05T22:57:00+02:00

Je me répete, je l'ai déjà dit et je le redis encore aujourd'hui, la saison 6 du Doctor Who m'enchante, je la trouve même superieur à la saison 5. Plus mythologique que jamais, elle n'oublie pas de nous donner des épisodes plus simples, plus familiaux mais tout aussi réussis. Dans cet épisode le docteur reprend pleinement sa place d'héros de la série, en allant rendre une visite à domicile à une famille, ou plus précisement un père et un fils, étant donné que la mère est absente quasiment tout l'épisode. Le petit garçon a énormément peur des monstres, surtout ceux qui se trouvent dans son armoire, quant au père, il semble être un peu à la ramasse. Le docteur, accompagné des Ponds, se lancent à la recherche du garçon. Et alors que le docteur finit par le trouver, Amy et Rory disparaissent étrangement, alors qu'ils étaient dans un ascenceur. Je ne vais pas tout ré-expliquer, ce serait laborieux. Le garçon est en fait un Tenza, qui a la faculté de s'adapter à tout et il n'est donc pas le fils naturel de ses parents... Et tous les "monstres", "choses" que le garçon n'aime pas, ses parents lui disent de les mettre au placard, excepté qu'ils n'avaient pas prévu que leur fils ne soit pas humain et qu'il ait donc quelques pouvoirs et que donc ces choses, il les mettent vraiment au placard, dans la petite maison de poupée précisement. Bref, j'ai trouvé cet épisode vraiment bon, peut-être un peu facile, mais surtout très agréable, légerement angoissant. La mise en retrait des Ponds était une bonne chose, le Docteur reprend les devants et personnellement je me suis rendue encore davantage compte qu'il manquait un peu dans le dernier épisode, trop focalisé sur River Song. Et puis on se rend compte aussi que Matt Smith fait un très bon travail. En fait je n'ai pas grand chose à dire sur cet épisode car il respire la simplicité (à la Doctor Who, je veux dire) et puis je l'ai beaucoup aimé, il était bien écrit, malgré quelques facilités. Et puis les deux guest-stars dont j'ai oublié le nom, se sont bien intégrés à l'univers de la série, même si ce n'est que pour un seul épisode. 15/20.

(Mini-série UK) The Field of Blood : une sordide affaire dans le Glasgow des années 80

2011-09-04T22:42:00+02:00

Cette semaine, j'ai regagné la maison familiale pour quelques jours avec un thème central : l'Ecosse. Ma soeur décollait pour Edimbourg hier. Par conséquent, en plus de m'être amusée à défier les lois de la physique en l'aidant à remplir stratégiquement sa valise, j'ai apporté ma contribution dans un domaine que je maîtrise, à savoir une présentation de l'Ecosse... à travers les séries. Parmi les plus récentes, j'ai donc ressorti Case Histories de mes cartons (ça se passe à Edimbourg, ça tombe bien), et puis nous sommes aussi allées à Glasgow pour Lip Service.

Pour couronner le tout, BBC1 a parfaitement joué le jeu puisqu'elle a proposé lundi dernier la première partie (la suite est programmée demain) d'une mini-série déjà diffusée sur BBC Scotland en mai dernier : The Field of Blood. Cette mini-série, comportant deux épisodes d'environ 55 minutes chacun, est une adaptation d'un roman de l'écrivaine écossaise, Denise Mina. The Field of Blood (Le champ du sang en VF) est ainsi la première aventure mettant en scène le personnage de Paddy (Patricia) Meehan, une aspirante journaliste.

The Field of Flood débute à Glasgow en 1982. Paddy Meehan est une jeune femme, passionnée et ambitieuse, qui rêve de devenir journaliste. Pour le moment, elle n'est cependant qu'une simple "copy boy" (employé à tout faire) dans un quotidien local, le Daily News. Sa mère, tout particulièrement, voit d'un mauvais oeil les aspirations professionnelles de Paddy, tandis que son fiancé, amour d'enfance, rêve plutôt d'une épouse traditionnelle. Si Paddy s'efforce de concilier ces deux pans de sa vie, sa famille va devoir affronter une période très difficile.

La disparition d'un garçon de deux ans, Brian Wilcox, met la population en émoi. Mais quelques jours plus tard, son cadavre est retrouvé dans le canal. La police s'oriente rapidement vers un suspect d'une dizaine d'années, identifié par un témoin. Alors que Paddy participe, à force de persuasion, à sa première recherche de scoop pour le journal, elle déchante vite en découvrant la photographie de l'enfant arrêté : il s'agit de son jeune cousin. Persuadée qu'il n'a pu commettre un tel acte, voyant que la police ne semble guère prête à douter du scénario qu'elle a établi, elle décide alors d'enquêter de son côté, troublée par les étranges parallèles avec une précédente affaire aussi tragique.

Polar sombre, démarrant sur le crime particulièrement sordide du meurtre d'un enfant et marqué par quelques scènes assez violentes, The Field of Blood n'est cependant pas une fiction d'enquête policière classique. En effet, ce ne sont pas des policiers qu'elle met en scène : elle va nous faire suivre l'investigation menée par une apprentie journaliste. Elle profite d'ailleurs opportunément de l'occasion pour nous glisser dans les coulisses abrasives et machistes du quotidien local, le Daily News. La limite de ce choix est sans doute de cantonner l'enquête officielle de la police à une simple toile de fond presque en arrière-plan, en passant parfois très vite sur certains détails et avancées, nous informant par des ouïe-dire et autres échanges entre les journalistes. C'est un peu lointain, mais l'ensemble n'en demeure pas moins efficace et prenant. Car pour maintenir une tension et un rythme sans temps mort tout au long de ces deux heures, la mini-série va mettre à profit l'empathie suscitée par la jeune héroïne, dont les dilemmes et l'obstination inébranlable sauront impliquer le téléspectateur ; puisque la mise en accusation de son cousin fait prendre une tournure beaucoup plus personnelle à l'affaire.

L'intrigue va suivre un développement linéaire qui a les qualités, mais aussi les limites, de ce style d'écriture académique. L'enquête est à la fois très bien huilée - on se laisse entraîner dans la tension et la noirceur ambiantes - mais aussi très prévisible, de telle façon que les recoupements et les soupçons se font naturellement, le téléspectateur prenant à l'occasion de l'avance sur les protagonistes de l'histoire. Cependant The Field of Blood est une de ces fictions qui retiennent l'attention, non seulement par le savoir-faire calibré des scénaristes, mais aussi - et peut-être surtout - par ce grisant parfum de polar un peu daté, qui est relaté du point de vue d'une héroïne qui tranche singulièrement dans le milieu journalistique cynique et désabusé où elle évolue. Ce sont d'ailleurs les rapports de Paddy avec ses différents collègues du Daily News qui vont insuffler une dimension supplémentaire à la mini-série : qu'il s'agisse de scènes de confrontation ou de passages où certains se comportent plutôt en mentor, ils humanisent considérablement et de manière très appréciable le récit (et certains sont vraiment bien écrits). C'est ainsi que The Field of Blood s'assure la fidélité du téléspectateur peut-être d'avantage par son ambiance que par l'intrigue en elle-même.

Sur la forme, The Field of Blood dispose d'une réalisation appliquée qui va renforcer l'atmosphère de polar noir. On retrouve dans la photographie, plutôt sombre, comme une teinte d'époque, la caméra cherchant à nous faire remonter le temps en capturant ce parfum du Glasgow du début des années 80. La mini-série y parvient d'autant mieux qu'elle est soutenue par une bande-son très dynamique, rythmée par des morceaux de musique de cette période ; le casque du walkman de Paddy offrant un prétexte parfait pour insérer ces parenthèses musicales.

Enfin, The Field of Blood bénéficie d'un casting pour lequel on se prend rapidement d'affection. L'héroïne est incarnée avec beaucoup de naturel et de spontanéité par une actrice que je ne connaissais pas, Jayd Johnson (River City). Elle est bien épaulée par des seconds rôles très solides, parmi lesquels les plus notables sont Peter Capaldi (The Thick of It), journaliste désillusionné en fin de vie, qui délivrera notamment une scène d'une intensité bouleversante (cf. l'extrait vidéo ci-dessous), et David Morrissey (State of Play, Blackpool, Meadowlands), en patron caractériel plus compréhensif qu'il n'y paraît. On retrouve également à l'affiche Ford Kiernan ou encore Alana Hood.

Bilan : Polar sombre et efficace, dans lequel le parfum des 80s' reste une garantie de dépaysement appréciable, The Field of Blood doit beaucoup au fait d'avoir choisi, pour bâtir son intrigue, de se placer du point de vue d'une jeune aspirante journaliste. En effet, le dynamisme de Paddy offre un contraste saisissant avec l'atmosphère plus pesante et tellement désabusée du milieu dans lequel elle évolue. Jouant ainsi sur le côté rafraîchissant et donc attachant de la jeune femme afin d'impliquer émotionnellement le téléspectateur, la mini-série saura développer une histoire globalement captivante en dépit des facilités auxquelles le scénario finira par céder ; la durée brève (2 heures) expliquant sans doute certains des raccourcis empruntés. A voir (c'est court) !

NOTE : 7,25/10

Un extrait marquant (Peter Capaldi, "And Death Shall Have no Dominion") :

You said BBC?

2011-09-02T16:02:00+02:00

La BBC (British Broadcasting Corporation) est à l'Angleterre ce que France Télévisions est à la France. Elle est même un peu plus que cela puisque outre les chaînes télé, elle a aussi plusieurs fréquences radiophoniques (BBC radio1, BBC radio2, BBC radio 3...). Pas loin d'une dizaine en tout.

C'est un média international et il m'arrive régulièrement d'écouter BBC World Service sur mon ordi ou bien d'écouter BBC radio4 sur la vieux poste Schneider hérité de Mamie. Mais la réception n'est pas très bonne sur celui-ci. Le mieux c'est encore par le Web.

BBC radio4 diffuse régulièrement ce qu'ils appellent une "afternoon play" et qui est quelque chose entre la pièce de théâtre, le feuilleton et le livre audio. Un programme typiquement anglais. Je n'ai jamais rien entendu de tel sur une radio française. Les sujets sont très divers. Aujourd'hui par exemple, le titre de l'afternoon play est Do you like Banana, Comrades?, un texte de Csaba Szekely, un jeune écrivain hongrois. Les différents personnages sont interprétés par une troupe de comédiens qui ne jouent qu'avec leur voix. Ils ont une diction parfaite et pour perfectionner son anglais c'est un bijou. Un programme qui dure généralement 45 minutes.

Ce que j'aime aussi c'est la petite musique qui retentit aux heures piles et entendre le journaliste annoncer une heure, voire deux heures de moins que chez nous. ("BBC News at three o' clock...")

(La photo n'est pas libre de droits.)

Londres, ville magique : vendredi 26 août (partie 1)

2011-09-01T22:57:00+02:00

Pas de repos pour les groupies ! Vendredi, debout à 7h30 pour aller chercher nos places pour Anna Christie ! Tous les jours, 30 places sont disponibles (en plus des returns) : 10 assises et 20 debout. Quand nous sommes arrivées (un peu avant 9H) il y avait déjà une quinzaine de personnes ! Donc adieu les places assises...Nous attendons sous la pluie, jusqu'à 10H30 en papotant avec un anglais sympa mais pervers dixit Claire xD et un monsieur devant nous trop gentil même si on ne comprenait rien à ce qu'il disait xD

Bien entendu, nous n'avons pas eu de places assises, mais ce n'était pas grave nous allions voir Jude Law et Ruth Wilson en vrai ! De plus, les places n'étaient vraiment pas chères !! Après avoir obtenu les sésames, nous allons faire un petit tour du côté de Covent Garden, juste à côté (j'en profite pour baver un peu dans le magasin de doc martens, j'en veux des mauves, un jour, un jour j'en aurai !!!).

Puiiiis nous prenons le métro pour aller visiter .... la BBC !!!!!!! Oui oui, nous sommes rentrées dans ce lieu sublime où sont créées tant de choses formidables !

Nous avions réservé pour la visite de 13h30 ! Parmi les gens du groupe, une personne était déguisée en Jack Harkness (et il venait de République Tchéque ! Comme quoi, DW est partout ! D'ailleurs devinez quel était le programme pour les jours suivants ! much ado et la DW experience....nous sommes vraiment tous pareils !).

A l'entrée on nous donne un badge BBC trop classe que je vais garder pour toujours !! Nous rencontrons nos guides, un homme (Scott) et une femme dont j'ai oublié le prénom mais elle était cool ! Après avoir passé la sécurité, nous nous trouvons dans la cour de la BBC ! En avançant un peu, nous voyons un TARDIS de Eleven qui a vraiment servi dans la série, mais qui n'est plus utilisable car il a été signé pour une vente de charité ou quelque chose comme ça.

Puis nous pénétrons dans le temple sacré et nous nous dirigeons vers les bureaux de BBC news. Nous nous installons dans une pièce, face à un écran. De l'autre côté, une vitre nous permet de regarder dans les bureaux. Les journalistes des bureaux juste derrière la vitre sont chargés de mettre à jour les sites web de de donner les infos par les réseaux sociaux. La guide nous cite plusieurs nom en nous disant à peu près où se situent les bureaux. Les gens ont l'air impressionné mais nous ne connaissions pas ces journalistes.... Ensuite la guide nous explique qu'à l'étage il y a l'agence de voyage de la BBC. Lorsqu'un journaliste doit partir précipitament à tel ou tel endroit du globe, hop il monte les escaliers pour aller chercher son billet et il file à l'aéroport. Souvent les journalistes susceptibles de faire de tels voyages ont toujours avec eux une petite valise au cas où ! Elle nous montre ensuite où se trouve l'équipe de BBC world et d'une des radio.

Sur l'écran, elle nous montre en direct certains studio, dont un de radio, et un de télévision avec les présentateurs qui s'occupent en attendant d'être à l'antenne. Elle nous précise que les décors derrières les présentateurs sont numériques.

Ensuite nous nous rendons dans une des loges où sont installés les invités lorsqu'ils doivent attendre pour passer dans telle ou telle émission. En effet, le personnel doit savoir où les invités se trouvent pour pouvoir aller les chercher quand tout est prêt, ils ne peuvent pas donc se promener tranquillement dans les locaux de la BBC. La loge qu'on nous a montré est top classe, là où les plus grandes stars viennent, ils ont notamment cité Elton John ou Jenifer Lopez. Les loges sont certes classes, mais pas non plus excessives. La seule petite folie qu'on y trouve est la TV....dans la douche !

Scott (notre guide au cas où vous auriez oublié !) nous a expliqué qu'à la BBC, ils ne sont pas chargés de répondre aux folies que peuvent avoir les stars. Par exemple, il n'y a pas de champagne dans le mini frigo, seulement de l'eau ou quelques sodas. Il nous a donné plusieurs exemples des caprices qu'on pu avoir les star : Jenifer Lopez voulait que tout soit blanc, quelqu'un d'autre voulait des chiots, Madonna voulait une photo du pape pour prier.... Pour cette dernière, ils ont essayé de remédier au problème. Quelqu'un est allé chez Madame Tussot pour voir s'il n'y avait pas un double de la poupée de cire du pape, ce qui était le cas. La personne a donc ramené la poupée de cire du pape dans sa voiture (haha) jusqu'à la BBC pour que Madonna puisse faire sa prière avant de passer à la TV.... Elles sont folles ces célébrités !

Après la loge, nous nous sommes rendus à l'endroit où arrivent et repartent les invités. Cela fait penser à la réception d'un hôtel. Sur un écran sont indiquées les personnes qui arrivent et qui partent, l'horaire ainsi que le type de véhicule. Nous avons regardé l'écran, mais nous ne connaissions absolument personne, dommage !

Nous nous sommes ensuite dirigés vers le coin de la météo. Là on nous a expliqué qu'il s'agit de minuscules studios, pour une seule personne. Quand le présentateur de la météo s'y rend, il tape son nom dans l'ordinateur et la caméra s'adapate automatique à sa taille, sa couleur de peau, et le micro à la tonalité de sa voix. Cela prend à peine une minute et le présentateur peut ensuite annoncer la pluie et le beau temps ! Après ces indications, nous avons été invités à présenter nous même la météo. Une personne s'est volontiers prêter au jeu ! Notre guide nous a dis qu'en raison des écrans verts ou bleus, il ne fallait surtout pas porter ses couleurs sinon....les présentateurs deviendrait invisible et flotteraient dans l'écran, ce qui serait un peu génant ! Enfin, elle a expliqué la technique pour donner la météo : ne pas pointer un lieu avec le doigt mais le désigner de manière assez vague pour ne pas faire d'erreur !

Suite à ce moment de détente, nous avons visité un studio, vide. C'est très impressionnant de voir le plafond, plein de lampes, d'écrans ect. Ce qui nous a le plus étonné, c'est le démontage des décors. En effet, il faut sans cesse monter et démonter les décors car les studio sont utilisés en permanence pour différentes émissions. Ainsi, à chaque fois il faut notamment nettoyer la peinture qui a été mise sur le sol, ce qui doit représenter un sacré boulot !! Scott nous a expliqué que dans un studio il faisait très très chaud en raison de la puissance des lampes. Il était nécessaire d'installer la climatisation, pas pour les gens, mais pour éviter que le matériel fonde (en effet, c'est assez émbêtant !).

Nous avons ensuite vu un autre studio, cette fois avec un décors d'installé, et de la cabine en haut. C'est fou à quel point les installations transforment le studio et donnent l'impression que la taille est différente !

Nous avons terminé la visite avec un petit jeu ! Deux personnes ont présenté les informations, en situation, avec le prompteur ect. Trois personnes ont joué au maillon faibles ! C'était assez amusant.

Enfin, passage obligé au BBC shop ! J'ai failli craquer pour Jekyll mais je me suis retenue ! Il y avait encore pleiiiiin de beaux DVD, c'était magnifique !

Au bout du compte, cette visite était très sympa mais j'aurai été ravie d'en apprendre encore plus. Les animations étaient amusantes, mais je m'en serai bien passée pour voir d'autres lieux (notamment la section drama, on ne faisait que croiser des panneaux mais on n'allait jamais dans la même direction !). Je la conseille tout de même aux fans de la BBC parce que rien que pour entrer dans ce bâtiment, ça vaut le coup !

To be continued....

(Mini-série UK) Edge of Darkness : entre thriller nucléaire et fable écologique

2011-09-01T12:46:00+02:00

J'ai beau aimé vous narrer des voyages téléphagiques exotiques, je n'oublie pas que mon premier amour reste l'Angleterre. S'il s'agit sans doute du pays dont le petit écran m'est le plus familier, tant de séries non vues aiguisent encore ma curiosité ! Cet été 2011 m'aura surtout entraîné dans les années 80, insufflant du suspense à mes fins de soirée : Smiley's People, Edge of Darkness. C'est de cette dernière dont je vais vous parler aujourd'hui. Il faut dire que, d'aussi longtemps que je me souvienne depuis que je m'intéresse au petit écran d'outre-Manche, je l'ai toujours entendue présentée comme LA grande référence en terme de thriller anglais. Ce n'est donc pas sans pression que je l'ai lancée.

Composée de six épisodes d'une cinquante de minutes chacun, cette mini-série a été diffusée sur BBC2 fin 1985. Elle a rencontré un fort succès critique et demeure aujourd'hui considérée comme une des plus abouties oeuvres du petit écran britannique. Un classique dans le premier sens du terme. Comme State of Play, autre référence du genre plus récente, un remake cinématographique américain est d'ailleurs sorti en 2010 (Ne me demandez pas ce que j'en ai pensé, je ne l'ai pas vu). Toujours est-il que si Edge of Darkness a patienté plus d'une année dans ma DVDthèque avant que je ne trouve le temps de la regarder, ce visionnage ne m'aura vraiment pas déçu. C'est assez frappant de constater combien cette mini-série est à la fois marquée par son époque, mais trouve aussi un écho toujours très actuel. Entre le thriller politico-nucléaire et la fable écologique, c'est assurément une oeuvre qui mérite toujours aujourd'hui d'être rédécouverte.

Ronald Craven est un officier de police, veuf, qui a élevé seul sa fille Emma. Devenue une scientifique engagée politiquement pour des causes environnementales, cette dernière demeure, pour son père, le centre du monde. Un soir pluvieux comme tant d'autres, alors qu'il était allé la chercher à une conférence qu'elle animait, un homme surgit brusquement devant leur maison, criant leur nom de famille. Armé d'un revolver, il abat Emma, qui s'est interposée, à bout portant. La jeune femme, mortellement touchée, décède dans les bras de son père. Sous le choc, ce dernier reçoit le soutien sans faille de ses collègues qui l'invitent à prendre du repos. Craven va cependant vite retrouver ses réflexes professionnels, le travail de deuil passant par l'arrestation de l'assassin.

L'enquête s'oriente tout d'abord vers une possible vengeance dont il était la réelle cible. Durant sa carrière, notamment en Irlande du Nord, il s'est fait un certain nombre d'ennemis mortels qui n'auraient pas hésité à appuyer sur la détente. Cependant Craven, réapprenant à connaître sa fille par les affaires qu'elle a laissé, découvre certains pans jusqu'alors inconnus de la vie d'Emma, notamment l'importance de son engagement pour la cause écologique. Peut-être n'était-elle pas cette innocente victime d'une revanche prise contre lui. Peut-être était-elle bien celle qui était visée. Ayant gagné Londres où le meurtrier quelqu'il soit doit s'être réfugié, Craven voit ses investigations le conduire dans les coulisses bien troublées du pouvoir, des services secrets et des lobbies militaro-industriels, avec un enjeu létal en arrière-plan : le nucléaire.

Edge of Darkness est une de ces oeuvres particulièrement riches qui propose plusieurs niveaux lectures, investissant successivement différents genres. Elle est tout d'abord une tragédie personnelle, à laquelle se superpose une enquête policière des plus prenantes. C'est un travail de deuil, ou du moins d'acceptation, que nous fait vivre la mini-série, du choc initial à la volonté de se venger, de la réalisation de la perte à l'effondrement nerveux. Car le héros de l'histoire est un homme détruit. Avec beaucoup d'intensité et d'empathie, la mini-série s'impose dans un registre dramatique vraiment fort, nous faisant percevoir et, en un sens, partager la douleur de Craven. Constituant une trame à part entière dans le thriller, elle nous conduit à la frontière d'une folie causée par la détresse. Le policier a ainsi des discussions avec une projection ou un fantôme de sa fille : une apparition qui permet des échanges aussi naturels que surréalistes qui vont préciser les enjeux autant que dévoiler les ressorts les plus intimes de la psychologie des personnages. Cette mise en scène, troublante, se révèle particulièrement touchante.

Cependant, si Craven est un père qui souffre, il est aussi un policier qui veut comprendre, qui veut savoir quelle est sa part de responsabilité éventuelle dans la mort de sa fille. La première partie de la mini-série prend ainsi la forme d'une enquête classique des plus efficaces. Délaissant vite la piste policière d'une simple vengeance, Craven comprend qu'il y a bien plus derrière tout cela. C'est Emma qu'il redécouvre en apprenant plus précisément ses engagements. Mais la piste qu'il suit l'entraîne dans des coulisses à la jonction du politique et de l'industriel, où les rapports de force et jeux de pouvoir qui s'y déroulent lui échappent. La vérité sur la mort d'Emma intéresse beaucoup de monde : des agents secrets travaillant pour le Premier Ministre, des officiers de la CIA... et son enquête en inquiète d'autres, menaçant de le voir se heurter à la puissance tentaculaire et influente de l'industrie nucléaire. L'enjeu de la mini-série n'est cependant pas seulement de découvrir le meurtrier d'Emma : une fois les responsabilités dans ce qu'il s'est passé établies avec certitude par Craven, Edge of Darkness acquiert une autre dimension. Elle va dépasser le cadre de départ d'une enquête sur un crime, pour aborder de front une question plus dérangeante, celle du nucléaire et du danger représenté par les entreprises qui le contrôlent.

Edge of Darkness est en effet un thriller écologique, par bien des aspects militant, à la fois marqué par son époque, mais abordant pourtant des problématiques qui parlent toujours au téléspectateur d'aujourd'hui. La mini-série a été diffusée en 1985 et peut être perçue comme une réaction au contexte politique d'alors : en Angleterre, c'est le gouvernement de Thatcher ; aux Etats-Unis, Reagan a lancé deux ans plus tôt sa Guerre des étoiles. A mesure que Craven prend conscience des réels enjeux qui se cachent dans l'ombre, à partir du moment où Emma apparaît bien comme la victime d'une autre guerre de l'ombre, celle du nucléaire, le discours de la mini-série se politise. Elle pointe les connivences entre les différents cercles du pouvoir ; elle expose cette obsession du secret qui entoure cette industrie pourtant si dangereuse et la dépendance qui se crée à son égard, puisque par le développement de cette énergie, qui est aussi une arme, ce conglomérat tient entre ses mains le sort de notre civilisation. La tonalité d'ensemble devient de plus en plus désabusée, à l'image du pragmatique mais si instable Jedburgh, dont on ne sait rapidement plus quoi attendre.

Ce qui fait de Edge of Darkness une oeuvre si marquante, c'est sans doute aussi le fait qu'elle n'est pas un simple thriller. En effet, de manière peut-être plus inattendue, elle est aussi une forme de fable écologique qui va manier une symbolique impliquant la nature, aboutissant à la lisière du mystique. Reprenant les hypothèses Gaïa (elle donne d'ailleurs ce nom à l'organisation à laquelle appartient Emma), formulées dans les années 70 par James Lovelock, elle développe notamment la thèse de l'autorégulation de la planète. Aboutissement logique du glissement idéologique progressif de la série, son dernier épisode parachève la prise de conscience de Craven. Il y a les hommes d'un côté, avec le danger du nucléaire et la société future présentée par le pdg de l'entreprise, et la planète de l'autre. Craven embrasse alors une cause environnementale qu'il commence seulement à comprendre grâce à sa fille, apparaissant comme une figure isolée face au cynisme et aux connivences de ses adversaires, mais aussi de ses alliés d'un temps ; puisque les deux camps se seront naturellement retrouvés. Les dernières scènes, entièrement construites en parallèles, usent au maximum de symboles forts.

Sans aller jusqu'à la fin initialement envisagée par le scénariste Troy Kennedy Martin (qui basculait définitivement dans le fantastique), Edge of Darkness se conclut de manière très amère. Son dernier plan, sur ces fleurs noires dont la légende nous a été expliquée par le fantôme d'Emma, est on ne peut plus parlant sur ce qui s'ouvre et est à l'oeuvre si l'homme poursuit la voie qu'il a choisie.

Solide sur le fond, Edge of Darkness est également particulièrement soignée sur la forme. Si l'image, datant des années 80, a forcément vieilli aujourd'hui, la réalisation demeure très efficace. Cependant, ce qui marque toujours autant en visionnant la mini-série, c'est incontestablement sa bande-son. Composée par Eric Clapton et Michael Kamen, elle distille des morceaux tendant vers le rock, usant souvent de guitares électriques, qui vous font frissonner. Toujours utilisée à bon escient, cette musique fait vraiment partie de l'identité de la mini-série, contribuant à lui donner un ton à la fois fois tendu, mélancolique, voire déchirant, qui ne laisse pas le téléspectateur indifférent.

Enfin, Edge of Darkness bénéficie également d'un casting à la hauteur du scénario qu'il doit porter à l'écran. Bob Peck (Hard Times) propose une interprétation intense et marquante de ce père endeuillé, brisé, mais qui va en quelque sorte poursuivre l'oeuvre de sa fille. Joe Don Baker (Eischied) est très intrigant en agent de la CIA particulièrement versatile, entre désillusion et sens pratique des plus aiguisés. Joanne Whalley (The Borgias) joue une Emma aux apparitions souvent éclairantes, étonnamment complice et toujours très naturelle. A leurs côtés, on retrouve également Charles Kay (Fortunes of War), Ian McNeice - que je n'avais jamais croisé aussi jeune ! - (Dune, Rome, Doc Martin), Hugh Fraser (Agatha Christie's Poirot), John Woodvine ou encore Jack Watson.

Bilan : A la fois tragédie personnelle intense et déchirante, thriller nucléaire captivant et fable écologique nécessaire, Edge of Darkness est une mini-série extrêmement prenante, dont la tension constante, sans le moindre temps mort, retient l'attention du téléspectateur du début à la fin. Bénéficiant d'une écriture inspirée, souvent habile, son histoire, particulièrement dense et solide, lui confère une richesse, tant dans la caractérisation des personnages qui dans les thématiques abordées, qui lui permet de traverser les décennies en s'appréciant toujours autant. Oeuvre politique marquée par son époque, sa dimension plus mystique lui apporte une aura supplémentaire qui m'a beaucoup fasciné et qui, je pense, ajoute à son intérêt.

En somme, Edge of Darkness est un classique qui n'a pas usurpé sa réputation. Un thriller qui mérite toujours d'être redécouvert et qui m'a passionné et interpellé.

NOTE : 9/10

Le thème musical principal :

(UK) Doctor Who, season 6, episode 8 : Let's Kill Hitler

2011-08-29T11:25:00+02:00

Le mois d'août touche à sa fin, tout comme l'ambiance estivale de vacances... à laquelle va succéder peu à peu un parfum caractéristique de presque-rentrée téléphagique. En Angleterre, un retour en particulier était attendu ce samedi pour nous aider à clôturer l'été. Il faut dire que, mine de rien, il manque vraiment quelque chose à mes week-ends lorsque Doctor Who déserte sa case du samedi soir sur BBC1. Conséquence du hiatus forcé que le téléspectateur aura subi devant cette saison 6 coupée en deux, que l'on avait abandonnée au printemps, c'est avec un plaisir décuplé que j'ai savouré cette reprise.

Ce huitième épisode portait un titre pour le moins provoquant, "Let's kill Hitler", soulevant bien des interrogations sur la manière dont cette incursion dans l'Allemagne des années 30 pouvait être traitée. Mais c'est finalement un épisode fortement mythologique, emboîtant diverses pièces du puzzle mystérieux de l'univers de la série, qui nous est ici proposé. Écrit par Steven Moffat, le téléspectateur y retrouve non seulement une construction narrative riche en paradoxes temporels, mais aussi et surtout des réponses et beaucoup d'émotions autour du vrai sujet de l'épisode : la genèse de River Song.

Plusieurs mois se sont écoulés depuis les déchirants évènements de l'épisode précédent qui avaient vu le Docteur impuissant à empêcher l'enlèvement de Melody Pond par ses ennemis les plus résolus. Ils souhaitaient transformer l'enfant, humaine mais ayant aussi des capacités de Time Lord, en arme contre le Docteur. L'ultime twist final, la révélation de l'identité future de Melody, n'avait apporté qu'un réconfort très limité aux parents qu'étaient devenus Amy et Rory. Melody Pond est River Song. Mais entre le bébé qu'ils ont tenu dans leurs bras et la femme adulte et provocatrice qu'ils connaissent, combien de temps, combien d'épreuves, a-t-elle traversé ?

Lassés d'attendre des nouvelles qui ne viennent pas, Amy et Rory appellent le Docteur en traçant son nom dans un champ de blé - ce qui nous offre une des plus hilarantes introduction de pré-générique qui soit. Si les recherches de ce dernier ont pour le moment été infructueuses, leurs retrouvailles sont interrompues par l'arrivée mouvementée d'une amie d'enfance du couple, Mels. Si l'obsession d'Amy pour le Docteur a également grandi chez elle, la jeune femme a des méthodes bien à elle : poursuivie par la police, elle sort un revolver et enjoint le trio à l'embarquer à bord du Tardis. "You've got a time machine, I've got a gun. What the hell - let's kill Hitler."

Le quatuor attérit en catastrophe à Berlin, en 1938... dans le bureau même de Hitler, où nos héros viennent perturber d'autres voyageurs temporels, miniaturisés dans une machine humanoïde investis, d'une mission de justiciers pour envoyer en enfer - au sens propre du terme - les pires criminels de guerre de l'histoire de l'humanité.

Let's kill Hitler est un de ces épisodes proprement réjouissants où on retrouve l'ambiance dont la série a le secret. Il nous emporte dans un tourbillon de répliques marquantes et/ou cinglantes, nous renvoyant à tout un kaléidoscope d'émotions les plus diverses, passant de l'humour au drame en quelques secondes avec une fluidité et une habilité d'écriture souvent grisantes. S'il suscite cet enthousiasme caractéritisque des bons épisodes de Doctor Who, c'est aussi parce qu'il offre de quoi récompenser la fidélité du téléspectateur : des réponses sur un thème central de la série sous Steven Moffat : la mythologie autour du personnage de River Song. Car après nous avoir fait vivre la naissance à la vie de Melody, cette fois, c'est la réelle naissance de River Song qui nous est racontée. Comment est-elle passée de la jeune femme endoctrinée et entraînée pour assassiner le Docteur à l'aventurière qui nous est devenue familière ? Au coeur des lignes de temps qui s'entrecroisent pour nos héros, c'est sa première rencontre, de sa perspective, avec le Docteur que l'on va vivre.

Si les premières minutes entretiennent volontairement le suspense sur l'orientation de l'épisode, Hitler va rapidement être évacué, enfermé dans le placard, tandis que le véritable enjeu apparaît lorsque Mels, touchée par une balle perdue, se regénère en une figure que nous connaissons bien : River Song. Indirectement, Rory et Amy auront bien d'une certaine manière élevé leur fille... Investissant un registre à la tonalité étonnamment versatile, le premier échange entre la jeune femme et le Docteur, particulièrement brillant, est vraiment jouissif : les réparties fusent et, à la manière d'une partie d'échecs, chacun anticipe les actions de l'autre, River cherchant à accomplir la mission pour laquelle elle a été programmée, le Docteur se contentant de se défendre. C'est l'occasion de découvrir une autre facette de River : une attitude inconséquente, où sont exacerbées l'arrogance et les certitudes de la jeunesse, sans conscience, ni limites. Parce qu'elle le connaît parfaitement, elle va effectivement atteindre son but, empoisonnant le Time Lord, permettant ainsi à l'épisode de basculer dans une seconde partie où, au divertissement intense des débuts, succèdent des passages où l'émotionnel et le psychologique prédominent.

Car ensuite, ce n'est pas tant pour lui-même que pour l'âme de River - en quelque sorte - que le Docteur mourrant utilise ses dernières forces. La présence des justiciers miniaturisés qui voient désormais en River leur nouvel objectif, surpassant Hitler dans l'ordre de leur priorité, prend ici tout son sens. De la manière la plus symbolique qui soit, ce sont les liens familiaux que le Docteur réactive pour ouvrir le chemin de la rédemption, grâce à Amy et Rory. Ils ne peuvent laisser leur enfant, peu importe ses crimes supposés, être soumis au châtiment que les justiciers temporels veulent lui réserver. Provoquant une réaction en chaîne pour libérer River, c'est eux-mêmes qu'ils mettent en danger, prisonniers au sein de la machine. C'est alors vers celle qui est non seulement leur fille, mais aussi issue et liée au Tardis, que le Docteur, désormais trop faible, se tourne : elle doit sauver ses parents. Ce double sauvetage réciproque éveille quelque chose en River. La construction de l'épisode est à saluer car elle se fait tout en parallèle : en écho inversé à leur première rencontre dans la librairie, le Docteur murmurera quelque chose de déterminant à l'oreille de River. En prenant la décision de le sauver grâce à sa nature de Time Lord, la jeune femme commet un sacrifice qui nous apporte une réponse intéressante : elle utilise toutes ses régénérations pour le ressusciter, c'est pourquoi nous ne la connaîtrons jamais que sous cette apparence. D'où la fameuse dernière scène de la librairie.

Ainsi, Alex Kingston restera à jamais la seule River. Ce qui n'est pas pour nous déplaire : l'actrice est brillante dans cet épisode où elle investit un registre un peu différent de ce à quoi elle nous avait habitué. Son alchimie avec Matt Smith est parfaite, les deux acteurs nous offrant des confrontations jouissives, aussi bien dans une dynamique de comédie que plus dramatique. L'épisode aura d'ailleurs aussi grandement mis à contribution Matt Smith, avec des scènes poignantes d'agonie qui, même si le téléspectateur sait pertinemment qu'il va y survivre, n'en demeurent pas moins touchantes. Dans l'ensemble, il faut d'ailleurs saluer la première réussite de Let's kill Hitler : être parvenu à nous faire vibrer pour un épisode au dénouement forcément très prévisible, et qui se déroule globalement comme il était légitimement attendu. Le revirement de River peut paraître presque précipité, mais il faut composer avec d'autres impératifs de la série : l'intrigue doit aussi progresser. Il fallait donc emboîter toutes les pièces pour parvenir au résultat logique, recentrant tous les mystères autour du Silence pour la suite de la saison. Remplissant parfaitement cet objectif, ces quarante minutes fonctionnent et s'apprécient ainsi sans arrière-pensée.

Bilan : Souvent jubilatoire, toujours très dynamique, bien pourvu en répliques sonnantes, ce huitième épisode de la saison est, en dépit d'un titre provocateur mais quelque peu trompeur, avant tout une avancée mythologique qui satisfait en bien des points la fidélité d'un téléspectateur conquis. La magie de Doctor Who reste de savoir nous faire rêver, sans exiger non plus une rigueur excessive dans l'entremêlement caractéristique de toutes les lignes temporelles avec lesquelles la série jongle. En nous offrant des réponses sur la genèse de ce personnage si fascinant qu'est River Song, l'épisode permet donc de faire avancer l'intrigue, tout en laissant ouvertes bien des questions sur la fin de la saison. Un retour qui se savoure !

NOTE : 8,75/10

Le prequel de l'épisode :

[A noter que, par manque de temps, je ne suis pas certaine de pouvoir reviewer toute la fin de saison épisode par épisode. Je verrais comment je m'organiserai au fur et à mesure.]

Doctor Who - Let's Kill Hitler (6x08)

2011-08-28T22:48:00+02:00

La série nous avait laissés sur quelques cliffhanger assez efficace à la fin du septième épisode, entre le docteur qui part à la recherche de Melody on ne sait où et River Song qui se révèle être la Melody Pond du futur (ou un truc comme ça). La rentrée approche mais étant anglaise, Doctor Who revient plus rapidement et on ne va pas s'en plaindre ! Ce huitième épisode etant bourré de révelations concernant le personnage de River/Melody, toutes nos questions en fin du septième épisode, ont leurs réponses.

La séquence d'introduction est très réussie avec Amy et Rory dans le champs, écrivant Doctor car ils n'arrivent pas à le trouver/parler. C'était fun et original, ça collait bien avec l'esprit de la série et les retrouvailles sont très mignonnes mais il n'y a pas de grandes effusions comme dans le season premiere ce qui n'est peut-être pas plus mal.

Le titre de l'épisode Let's Kill Hitler est un peu hors-sujet étant donné qu'on voit Hitler seulement cinq minutes donc ça sonne assez hors-propos quand même mais un simple stand-alone, avec tout le potentiel qu'il y aurait pourtant, aurait été "déplacé" après le superbe septième épisode, nous avions besoin de révelations. Et nous avons été servis sur un plateau en argent ! Tout d'abord, on nous présente Mels une amie d'enfance d'Amy et Rory. Il aurait peut-être du l'introduire dès season premiere de la saison 5 comme ça avait été fait avec la vieille dame et son fils je crois, il y aurait eu plus de crédibilité car lorsqu'on nous sort un personnage du passé des héros alors qu'on ne l'a jamais vu j'ai toujours une impression de Dawn dans Buffy et qui plus est, en donnant une véritable attache à Amy, elle aurait gagné encore davantage en profondeur. Bref, cette Mels se révèle être Melody/River, ce qui semble assez logique à vrai dire. Je ne vais pas m'étaller sur le sujet car sans vous mentir je n'ai pas tout compris. A-t-elle grandit normalement ? Et puis quand Mels était enfin, Amy et Rory aussi.. donc je suppose qu'elle s'est régenerée pour connaitre ses parents etc... je repproche un peu cela à cet épisode en fin de compte, ça manque un peu d'explications. On nous donne les réponses mais les explications qui vont avec. Mais c'est certainement fait exprès pour toujours nous laisser dans le doute, n'être sur de rien etc...

Melody/River était la star de l'épisode sans aucun doute ! Et c'était incroyable, et Alex Kingston est génial, elle donne un gros dynamisme à son personnage et du charisme aussi. Cet épisode a aussi été l'épisode de Rory ! Et je suis vraiment contente car depuis le début de la saison 6 je l'adore vraiment et cet épisode n'a fait que confirmer cela. Cependant j'ai trouvé le docteur et Amy en retrait, pour le premier ce n'est pas très flagrant car il reste le personnage principal mais pour ce qui est d'Amy, ça l'est déjà plus. Je l'ai trouvé presque inutile dans cet épisode mais elle n'est pas transparente grâce au charisme de Karen Gillan. Matt Smith est sinon toujours aussi incroyablement bon et Arthur Darvill lui le devient toujours plus.

Un très bon épisode en guise de retour, je lui ai cependant trouvé quelques défauts mais pas très grave car la série se rattrapera surement. Une épisode intelligent, touchant, drôle, bien interprêté avec des scènes magnifiques (la séquence dans le champs, la régeneration de Melody/River qui sauve le docteur, la scène dans le TARDIS où le docteur voit Rose, Martha, Donna et finit par parler avec Amelia Pond, toute jeune...). 15/20.

(UK) The Hour, saison 1 : journalisme sous tutelle, amours contrariés et guerre froide

2011-08-27T16:13:00+02:00

La diffusion de la saison 1 à peine terminée, BBC2 a annoncé hier que The Hour reviendrait bien pour une seconde saison . Si la nouvelle marque, c'est que cela faisait plus d'une décennie que la chaîne n'avait pas renouvelé une de ses séries. D'ores et déjà, on sait qu'elle reprendra 10 mois après les évènements de fin de la saison 1. Au parfum de crise internationale et de guerre froide qu'elle aura cultivé au cours de cet été, succèdera un éclairage particulier sur les relations entre les médias et les célébrités dans le Londres des 50s'.

Ayant réuni une moyenne de 2,1 millions de téléspectateurs, la première saison avait débuté avec un pilote convaincant qui avait su retenir mon attention. Au final, la série aura laissé entrevoir beaucoup de potentiel, mais aussi une certaine inconsistance récurrente. Sans que l'intérêt global du téléspectateur n'en souffre, elle a quelque peu peiné à maintenir le juste équilibre entre les thèmes traités, surfant du thriller d'espionnage au décryptage du milieu du journalisme, en passant par des passages plus romanesques et sentimentaux. Cependant, si cette richesse n'aura pas été toujours été pleinement maîtrisée, elle aura su exercer un attrait constant au cours de la saison 1.

Nous plongeant dans les coulisses d'une émission venant tout juste d'être lancée par la BBC, The Hour va nous faire vivre les premiers mois agités de ce nouveau programme censé contribuer à moderniser l'information télévisée. Si la série pèche sans doute par excès d'ambition, voulant peut-être trop en faire, aborder trop de sujets, pour finalement avoir du mal à se fixer une direction précise vers laquelle s'orienter, n'embrassant jamais complètement tous les genres qu'elle effleure, elle ne va pas moins sûrement fidéliser son public grâce à deux atouts majeurs. Non seulement elle bénéficie de la dynamique attrayante existant entre ses personnages, mais elle va aussi s'imposer comme une série d'ambiance qui pose et exploite avec soin le cadre 50s' dans lequel elle se déroule.

C'est donc tout d'abord sur un plan humain que The Hour se détache. En plus des différentes perspectives sur le métier de journaliste que chaque protagoniste représente, de l'éthique revendicatrice de Freddie, au carriérisme et aux réseaux d'influence d'Hector, en passant par la volonté de Bel de s'affirmer dans des sphères encore très fermées aux femmes, la série installe progressivement un triangle amoureux, dont les ambivalences vont être le point fort. Si la complicité entre Bel et Freddie offre souvent des scènes aux répliques réjouissantes, c'est paradoxalement peut-être encore plus les rapports entre Hector et Freddie qui retiennent l'attention. Opposés par leur milieu, leurs conceptions du métier, leurs expériences personnelles, leur concurrence professionnelle se double en plus d'une dimension plus personnelle, lorsqu'il devient évident que Bel n'est pas indifférente à son nouveau présentateur. Pourtant, à l'inimitié exacerbée, presque puérile, des débuts, succède peu à peu une certaine compréhension, doublée d'une forme d'estime réciproque, qui donne une consistance supplémentaire à l'équilibre qui se met en place au sein du trio principal.

Outre cette dimension relationnelle qui renforce l'attachement du téléspectateur aux personnages, l'attrait de The Hour repose sur l'atmosphère caractéristiques des 50s' qu'elle va s'efforcer de capturer et de retranscrire à l'écran. Nous sommes ici face à une série d'ambiance, avec les atouts, mais aussi les limites de ce genre : donnant parfois l'impression de se contenter de survoler les thèmes, elle ne va pas toujours au bout des idées qu'elle laisse entrevoir, ce qui peut frustrer, tout en s'assurant de conserver de manière omniprésente la toile de fond historique. L'émission télévisée va en effet devoir faire face à une actualité des plus riches, mais aussi très sensible.

Nous sommes en 1956. Ce sont les enjeux internationaux qui s'imposent comme un des fils rouges de la série avec la crise du canal de Suez. Cette dernière permet de s'intéresser aux rapportsdu pouvoir et des médias, entre connivences de classes et intérêts divergents, éclairant plus particulièrement les pressions gouvernementales sur la ligne éditoriale de l'émission. A travers la mise en scène de cet arbitrage constant entre intérêt du pays et liberté de la presse, la série traite avec application des efforts d'émancipation du (futur) quatrième pouvoir par rapport à une tutelle étatique omni-présente.

Parallèlement, The Hour va également utiliser le contexte de la Guerre Froide pour emprunter certaines ficelles narratives propres aux fictions de cette époque. Si l'insurrection de Budapest permet d'introduire le bloc de l'Est dans l'actualité, c'est surtout sous des allures de roman d'espionnage que la série investit ce thème. Flirtant sans jamais pleinement l'embrasser avec le thriller conspirationniste, elle procède à nouveau par petites touches. L'enquête que suit Freddie, en cherchant à comprendre les raisons de l'apparent suicide d'une amie d'enfance, le conduit sur ce terrain mouvant des forces de l'ombre par définition secrète.

A mesure que la saison progresse, une sourde paranoïa s'installe : tandis que les téléphones des studios sont mis sur écoute et que d'étranges filatures vous font constamment jeter un oeil par-dessus votre épaule, des agents du MI-6 s'invitent dans les couloirs de l'émission. Les questions de Freddie dérangent ; sa pugnacité glisse vers l'obsession, entretenant une atmosphère pesante. La présence supposée d'une taupe soviétique à la BBC ne fait que sur-ajouter aux pressions indirectes. Si The Hour échoue à insuffler une tension légitimement attendue, trop contemplative peut-être pour basculer dans un vrai suspense, il n'en demeure pas moins que tous ces éléments construisent une ambiance intrigante et prenante dans laquelle le téléspectateur se laisse entraîner.

L'exploitation du cadre 50s' est indéniablement un des points forts de The Hour ; le soin accordé à la forme ne fait que souligner davantage ce parti pris. En effet, la série bénéficie d'une réalisation qui est un vrai plaisir pour les yeux. La photographie est superbe. L'esthétique travaillée, qu'il s'agisse des décors ou des costumes, donne vraiment l'impression de plonger dans les 50s'. Par ailleurs, toujours dans ce souci de poser une tonalité particulière, il faut également saluer le générique, minimaliste sur le plan visuel, mais diablement entraînant musicalement parlant, et dont le rythme renvoie parfaitement à cette époque.

Enfin, The Hour aura également bénéficié d'un convaincant casting qui aura offert une performance collective des plus solides. Le trio principal finit par s'équilibrer avec justesse et complémentarité : Ben Wishaw (Criminal Justice) est aussi entraînant que survolté, Romola Garai (Crimson Petal and the White), plus posée, lui sert de pendant naturel, tandis que Dominic West (The Wire, The Devil's Whore), tout en sobriété, campe bien ce personnage ambitieux qui va se révéler plus complexe que la caricature initialement renvoyée. Les figures secondaires s'imposent avec tout autant d'aplomb pour compléter l'ensemble : on retrouve notamment Tim Pigott-Smith, Anna Chancellor, Anton Lesser, Juliet Stevenson, Julian Rhind-Tutt ou encore Oona Chaplin.

Bilan : La richesse thématique et les pistes narratives multiples de The Hour ont été au cours de cette première saison tout autant un atout indéniable, qu'une limite parfois criticable. Dotée d'un rythme volontairement lent, la série a sans doute manqué d'homogénéité dans son écriture, insuffisamment aboutie sur certains sujets. Pour autant, elle aura aussi su nourrir et préserver l'intérêt du téléspectateur pour des intrigues très fortement ancrées dans leur époque et pour des personnages qui n'auront cessé de se complexifier. Sans être une rigoureuse reconstitution historique, The Hour reste donc une série d'ambiance très attrayante, qui aura cultivé avec soin ce parfum caractéristique des 50s'. Au final, j'aurais suivi cette première saison avec beaucoup de plaisir. Le rendez-vous est donc pris pour la saison 2 !

NOTE : 7,75/10

La bande-annonce de la série :

Ils ont osé!

2011-08-25T13:31:34+02:00

Le nombre de mensonges des grands média concernant les évènements Libyens ne se comptent plus.

Quelques journalistes télé ont parlé le premier jour de l'attaque sur Tripoli de "l'Opération Mermaid", mais le mot est vite devenu tabou, des fois que le bon peuple se réveille et se demande ce que ça veut dire... car il n'y avait pas de vedettes rapides de débarquement, il n'y avait pas de forces spéciales de l'OTAN, il n'y avait pas quelques centaines de mercenaires étrangers débarqués en plein Tripoli. Le peuple Libyen courageux et indépendant fait sa propre révolution avec peu de moyens.

Depuis trois jours que BHL nous raconte que Tripoli est libéré, les magasins sont fermés et les Libyen sont enfermés chez eux morts de peur face aux ~~mercenaires~~, pardon face aux rebelles en libertés dans leur ville.

Je n'ai pas vu une se

(Pilote UK) The Hour : ambiance 50s' pour une révolution de l'information sur fond de conspiration

2011-07-22T13:15:08+02:00

Si les années 50/60 ont été remises au goût du jour téléphagique avec Mad Men, l'ambiance de cette époque et les salles de travail enfumées resteront le seul parallèle tangible que l'on pourra dresser avec la nouvelle série de BBC2. Il faut d'ailleurs reconnaître à la chaîne anglaise un certain sens du timing en lançant The Hour, portant sur la révolution de l'information dans les médias à la fin des années 50, cette semaine, alors que l'Angleterre est en plein "hacking-gate".

Créée et écrite par Abi Morgan (à qui l'on doit notamment la marquante mini-série Sex Traffic), la diffusion de The Hour a débuté le 19 juillet 2011. Six épisodes ont été commandés. Avec son atmosphère soignée, son casting flamboyant et son sujet intéressant, le pilote de cette nouvelle série a laissé entrevoir un potentiel incontestable, avec un twist conspirationniste des plus intrigants. Une chose est certaine : la série a retenu mon attention.

The Hour débute à Londres, en 1956. Freddie Lyon, journaliste aussi brillant que profondément idéaliste, étouffe dans le carcan rigide du programme auquel il participe, rédigeant des brèves sur des sujets qui tiennent plus du divertissement que de l'information. Avec une de ses plus proches amies, Bel Rowley, il caresse le rêve de révolutionner l'approche télévisuelle de l'actualité, délaissant les compte-rendus des mondanités de la haute société, pour de réelles investigations et une vraie réactivité aux évènements de ce monde. Passionné et goûtant peu aux compromis, Freddie a bien besoin du pragmatisme de Bel pour contrebalancer certaines de ses sorties, voire plaider en sa faveur lorsqu'il s'aliène les mauvaises personnes.

Les deux jeunes gens voient une chance inestimable pour leur carrière lorsque la BBC envisage la création d'une nouvelle émission d'information. Ce programme a l'ambition de moderniser la manière dont l'actualité est traitée à la télévision. Une équipe de journalistes est rassemblée. Bel a la surprise de se voir offrir le poste convoité de productrice, mais Freddie, rêvant de présenter le magazine, doit se contenter de couvrir les news nationales ; un job qu'il finit par accepter bon gré, mal gré. C'est à un nouveau venu, Hector, qu'est confié la responsabilité d'être le visage du nouveau programme. Ses connexions et son réseau social n'y sont sans doute pas étrangers.

Comment cette émission va-t-elle voir le jour ? De quelle indépendance et marge de manoeuvre disposera-t-elle ? La question va être d'autant plus sensible que Freddie se lance dans une bien troublante enquête, où se mêlent un meurtre mystérieux, l'implication surprenante des services secrets et des accusations étranges de la part d'une vieille amie. Mais la recherche de la vérité pourrait se révéler dangereuse, pas seulement professionnellement parlant.

The Hour dispose tout d'abord des atouts de son cadre : c'est une ambiance stylisée et soignée que la série dévoile dans ce pilote qui sait parfaitement mettre en valeur ce doux parfum des 50s'. Au-delà des costumes et de l'atmosphère enfumée, c'est avec beaucoup de maîtrise que sont introduits tous les enjeux de l'époque. La question des médias retient en premier lieu notre attention, à travers les débats sur le traitement de l'actualité à la télévision. Ce média trop calibré et consensuel, qui se complaît dans des comptes-rendus mondains soporifiques, semble avoir plutôt pour fonction de rassurer les téléspectateurs que de réellement chercher à les informer. En arrière-plan, les connivences sociales et les intérêts de classe brident toute indépendance. Peut-on parler de liberté de la presse à la télévision ? Quelles sont ses limites ? La nouvelle émission de la BBC, qui focalise tant d'espoirs pour Freddie, sera-t-elle vraiment un espace où la tonalité plate et sans ambition qui prédomine dans le petit écran pourra être dépassée ? Tout autant qu'une photographie soignée d'époque, The Hour posent des thématiques relatives à la presse et à l'information qui sont intemporelles, et inhérentes à toute démocratie.

Mais la série se démarque de la simple reconstitution historique du monde des médias avec l'introduction d'une seconde ligne directrice, toute aussi intrigante : elle pose en effet les bases d'un thriller conspirationniste. BBC2 semble dernièrement particulièrement apprécier plonger ses téléspectateurs dans une paranoïa ambiante du meilleur effet. Le pilote distille tous les ingrédients classiques du genre, de l'implication des services secrets (MI-6) jusqu'à la présence d'un mystérieux tueur qui élimine "ceux qui savent" - ce qui n'est pas sans rappeler les débuts de The Shadow Line. Dans un contexte de guerre froide où il fait bon citer Ian Fleming, une interrogation aussi provocatrice que troublante va conduire la piste périlleuse sur laquelle Freddie se lance : "You think you live in a democracy ? You think this country stands for freedom of speech ? It does not." Si le pilote en reste au stade de l'exposition, dévoilant peu, il s'assure d'aiguiser la curiosité du téléspectateur, et par conséquent, sa fidélité.

Au-delà de cocktail diversifié et dense des thématiques effleurées, le pilote de The Hour réussit particulièrement bien l'introduction de ses personnages, ou plus précisément du duo central composé de Freddie et de Bel, auquel vient s'ajouter un extérieur, Hector, dont on ne sait pas encore trop quoi penser derrière son sourire ultra-bright. L'équilibre est instantanément trouvé entre la flamboyance idéaliste et intransigeante de Freddie et le calme plus terre-à-terre de Bel. Les dialogues, aussi rythmés que riches en réparties parfois cinglantes, reflètent parfaitement la dynamique attendue du milieu des médias dans lequel la série nous immerge. Jouant sur les apparences, les personnages flirtent, s'invectivent, se fâchant et se réconciliant presqu'aussi vite. Il y a une vraie dimension humaine dans cette série ; et le pilote, ne faisant que donner les premières indications, donne envie de s'investir et d'en savoir plus sur chacun des protagonistes.

Maniant habilement les contrastes entre l'élite dirigeante, encore régie par ses codes et convenances sociales rigides et fermées, et les soubressauts d'émancipation modernisateurs incarnés de manière si enflammée par Freddie, l'épisode prend aussi le temps de dresser un bref portrait de la société londonienne de la fin des années 50. De plus, à travers Bel, c'est le statut de la femme qui est mis en scène. Si la responsabilité d'être nommée productrice est importante, elle demeure regardée de haut dans ce monde des "dirigeants" à prédominance masculine qu'elle fréquente. Par la richesse de toutes les pistes que The Hour laisse entrevoir du potentiel. Il faudra sans doute à la série gagner en homogénité pour bien maîtriser les tenants et aboutissants, et mêler tous ces ingrédients, du médiatique au conspirationniste. Cependant, les enjeux sont bien là : à la suite de parvenir à les exploiter et à faire qu'ils s'équilibrent et se complètent !

Prometteuse sur le fond, The Hour est également très solide sur la forme, laquelle constitue toujours un point non négligeable de ces séries "d'époque". La réalisation est travaillée. L'ambiance 50s' est parfaitement portée à l'écran, avec un style soigné. La reconstitution historique en costumes, accompagnée d'une photographie enrichie, s'avère être un vrai plaisir pour les yeux du téléspectateur.

Enfin, The Hour bénéficie d'un excellent casting qui délivre une performance d'ensemble très convaincante. C'est Ben Wishaw (Criminal Justice) qui mène l'ensemble, la flamboyance de son personnage, charismatique et survolté, l'imposant comme la figure centrale de la série. Sa relation pimentée et complice avec Romola Garai (Crimson Petal and The White) ressort très bien à l'écran, l'actrice offrant un pendant plus sobre mais tout aussi déterminé. Pour compléter le trio, Dominic West (The Wire, The Devil's Whore) trouve rapidement ses marques dans un rôle plus mesuré et convenu. A leurs côtés, on retrouve des têtes très familières du petit écran britannique, comme Tim Pigott-Smith, Anna Chancellor, Anton Lesser, Juliet Stevenson, Julian Rhind-Tutt ou encore Oona Chaplin.

Bilan : Le potentiel de The Hour réside dans sa richesse. Derrière son enjeu médiatique central qui demeure le traitement de l'information à la télévision, le pilote introduit dans le même temps un versant conspirationniste qui ajoute une dimension supplémentaire à la série. Si ces deux facettes d'une même problématique - la liberté de la presse, pilier d'une démocratie ? - devront apprendre à cohabiter de façon plus homogène par la suite, elles savent toutes deux retenir l'attention du téléspectateur. Portée par des personnages forts, bien servie par un casting cinq étoiles, The Hour s'assure donc de notre fidélité au terme de cette première heure. Il reste à la série à s'affiner et à bien prendre la mesure de son concept ambitieux pour confirmer tout ce qu'elle a laissé entrevoir dans ce pilote. A suivre !

NOTE : 8/10

La bande-annonce de la série :

Doctor Who, The Doctor & River Song

2011-07-12T09:00:00+02:00

Doctor Who, saison 6 épisode 2 "Day of the moon" :

Doctor : This is my friend River. Nice hair, clever, has her own gun. And unlike me, she really doesn’t mind shooting people. I shouldn’t like that. Kinda do.
River : Thank you, sweetie.

Traduction approximative :

Doctor : C'est mon amie River. De beaux cheveux, intelligente, elle a sa propre arme. Et contrairement à moi, elle n'hésite pas à tirer sur les gens. Je ne devrais pas apprécier cela. Mais j'apprécie quand même.
River : Merci, sweetie.

Doctor Who - Bilan [Moitié de saison 6]

2011-07-07T23:19:00+02:00

Je continue sur cette sixième saison après avoir terminé la saison 5 et je rattraperai les quatre premières saisons prochainement. Doctor Who est vraiment une série décalée, originale, drôle, très anglaise. Je l'adore. Ces six premiers épisodes sont tout à fait extraordinaires et on termine sur de sacrés cliff quand même ! Entre Amy qui n'est pas Amy, puis River qui est l'enfant d'Amy et de Rory etc... tout ça est quand même très surprenant mais c'est aussi très bien fait, très bien écrit. Matt Smith est toujours divin dans son rôle, spectaculaire. Karen Gillan est toujours en beauté, douceur et finesse, et Arthur Darvill est finalement arrivé à me rendre son personnage attachant, énormément même. Il n'est plus le boulet de la saison 5, il a toujours des craintes quant aux sentiments d'Amy pour le docteur mais ça passe comme une lettre à la poste, surtout car la relation entre le docteur et Amy es très fusionnelle et il faut dire que l'alchimie entre Karen Gillan et Matt Smith est totalement incomparable. C'est fascinant.

Puis la série nous délivre de sacré épisodes quand même. Je ne crois pas qu'il y en ait un qui m'ait vraiment déplu. Les épisodes que j'ai les moins appréciés sont The Rebel Flesh et The Almost People, car je ne l'ai pas trouvé très rythmé et les deux guest-stars féminines m'ont vraiment exaspérée. Mais alors pour ce qui est de mon épisode favoris parmis les quatres autres, je ne saurai pas vous le dire, vraiment. Le premier The Impossible Astronaut est vraiment incroyable et les premières minutes sont géniales, j'ai adoré Day Of The Moon aussi et la série nous montre jusqu'où elle peut aller dans l'épisode The Curse of the Black Spot, en réference aux Pirates des Caraïbes. Puis il y a The Doctor's Wife, magnifique et pour lequel j'ai versé quelques larmes et tellement poétique. Le rôle d'Idris/Sexy est taillé pour Suranne Jones qui est absolument divine. L'alchimie entre Matt Smith et elle est encore une fois palpable. Et est-il utile de faire de parler de l'épisode 6 que j'ai trouvé impressionnant.

Et puis le cliffhanger bien sur, surprenant une fois de plus. On en sait enfin plus sur River, ou plutôt Melody, c'est bien écrit encore une fois. Et je dois dire, que j'adore son personnage. Je suis impatiente de voir l'épisode 7 pour en savoir encore davantage. Car tout ça s'annonce exaltant, impressionnant, beau, incroyable comme la série sait si bien le faire. 16.5/20

Doctor Who - Bilan [Saison 5]

2011-06-29T23:07:00+02:00

Avec Doctor Who, j'ai fait quelque chose qu'un sériephile digne de ce nom n'aurait pas fait. Je ne regrette pas de l'avoir fait car j'ai découvert une très bonne série, drôle et émouvante, sans oubliée d'être intelligente qui m'a donnée envie de la découvrir entièrement. En effet, après plusieurs saisons, le docteur "change", et j'ai profité de ce changement en début de saison 5 pour me lancer car l'une de mes amies m'avait conseillée de le faire et avait préciser que ça ne changeait pas grand chose et puis que de toutes manières, si ça me plaisait vraiment, je pouvais par la suite regarder les quatre premières saisons pour cerner parfaitement le docteur, sa personnalité etc...Bref, je me suis lançée dans cette série et je ne regrette pas le moins du monde et comme la série apparait pour la première fois sur la série, je vais quand même mettre un synopsis :

Série relatant les aventures du Docteur, un Seigneur du temps, et de ses compagnons, à travers l'espace et le temps, saison 5 avec Matt Smith dans le rôle du Docteur, Karen Gillan dans celui de la principale compagne : Amy Pond, et dans le rôle du fiancé de celle-ci nous retrouvons Arthur Darvill, et parfois Alex Kingston nous fait l'honneur de sa participation en interprêtant River Song dont on ne sait pas tout.

Matt Smith fait un énorme travail avec le Docteur, ses mimiques, ses gestes, sa voix, sa manières de bouger, il donne tout à son personnage pour qu'il soit génial. Il est drôle, fou, touchant. Il est incroyable, et n'ayant pas vu les saison précédentes, je n'ai pas d'élement de comparaison, donc je ne peux pas dire si David Trennant ou Christopher Eccleston était meilleur ou non dans le rôle du Docteur, cependant je peux dire que Matt Smith m'a bluffée. Il était parfait.

Ensuite il y a Karen Gillan, un reel coup de coeur. Elle est dégage tellement de choses, toutes différentes : de la bonté, de l'innocence, de la candeur, un esprit rebelle, de la féerie, de la sensualité, de l'émotion, du rêve... Le rôle d'Amy lui colle parfaitement, elle est belle et incroyable dans ce rôle, faisant tantôt rire, tantôt pleurer. Et l'alchimie qu'il y a entre Matt et Karen est à son paroxysme, il est en effet de voir une telle alchimie dans une série télévison, surtout lorsqu'il n'y pas d'histoire d'amour, même si on ne peut s'empêcher de les shipper.

D'ailleurs, en parlant d'amour, il y a Rory, le fiancé d'Amy. Je dois avouer que j'ai eu du mal avec lui tout au loin de la saison, à se mettre lui-même en compétition avec le Docteur, à être tellement... hors-sujet en fait. On ne comprend pas pourquoi il reste avec le Docteur et Amy, tellement il est à la ramasse. Pourtant dans le deux derniers épisodes (le double final), j'ai vraiment commencé à voir ce que les gens aimaient en lui. Il est déjà fortement amoureux d'Amy, il choisira d'attendre 2000 ans, il "acceptera" davantage le Docteur etc... Rory est en fait un très bon personnage, qui n'arrive certainement pas à la cheville du Docteur, ou même au niveau d'Amy, il en reste pourtant très sympathique et adorable, par sa manière d'être perdue et amoureux.

Et puis parfois, nous avons droit à un troisième compagnon, ici une femme : River Song. Drôle de prénom. Pour un drôle de personnage qui est génial. J'ai eu un véritable coup de foudre pour ce personnage, la façon qu'à Alex Kingston de dire "Hello Sweety", sa voix, ses cheveux bouclés, l'actrice n'est que charisme. Et même le Docteur fait pâle figure, parfois, lorsqu'elle est présente.

Les épisodes sont éxtrêmement bien menés, même si je dois avouer qu'à partir de ving cinq minutes à peu près, il y a une petite baisse de régime, à chaque fois. Je ne trouve pas le temps long, mais je suis moins passionnée, captivée parce qu'il se passe sur mon écran. Dommage. Et j'ai adoré "connaitre" des monuments de la culture européenne, politique ou artistiquement parlant : Churchill, Vincent Van Gogh..
En conclusion, une véritable bonne découverte. J'adore, j'adhère etc... Mention spéciale à Matt Smith, parfait encore une fois. 15.5/20.

(UK) Case Histories, saison 1 : une tonalité versatile, des enquêtes et beaucoup d'humanité

2011-06-25T07:28:00+02:00

Les dimanche et lundi soirs de ces trois dernières semaines, je suis tombée amoureuse d'Edimbourg et de l'Ecosse en général. Certes j'étais une pré-convaincue, mais il faut dire que ma soeur étant actuellement dans les cartons de déménagement pour partir y vivre une année, c'est donc avec un regard tout particulièrement intéressé que l'on a découvert et apprécié le cadre proposé par Case Histories.

Série diffusée sur BBC1 du 5 au 20 juin 2011, elle est l'adaptation de plusieurs romans de Kate Atkinson. Comportant 6 épisodes, la série est construite en trois arcs de deux épisodes chacun, diffusés deux soirs à la suite pendant trois semaines en Angleterre. Cherchant parfois un peu son équilibre entre intrigues et émotions, Case Histories reste une série qui a su retenir mon attention - en un sens, me charmer - grâce à l'indéfinissable mais constante empathie qu'elle a pu susciter au fil de ses développements.

Jackson Brodie a été soldat, puis policier, avant de quitter les forces de l'ordre en paria, resté en fort mauvais termes avec la plupart de ses membres. Devenu persona non grata, son ancienne coéquipière reste la seule à accepter de répondre encore à ses appels et autres sollicitations d'aide... Car Jackson n'en a pas délaissé la résolution des crimes pour autant, il officie désormais à Edimbourg en tant que détective privé. Une activité qui lui sied bien, car il faut lui reconnaitre un talent certain pour attirer à lui tous les ennuis que l'on peut imaginer croiser dans ce coin d'Ecosse qui se révèle fort peu paisible.

Derrière son apparence de dur au mal et ses qualités indéniables d'enquêteur pragmatique, Jackson résiste cependant rarement aux appels en détresse, peu importe la solvabilité de ces potentiels clients. Toujours hanté par les drames qui ont marqué son adolescence et brisé sa famille, il s'investit souvent trop dans ses cas, délaissant sa propre famille. Si son ex-femme n'a plus vraiment d'espoir quant à ses capacités parentales, en revanche, sa petite fille demeure un élément stable auquel il tient plus que tout.

Sous ses allures de série mêlant diverses storylines d'enquêtes qui vont la rythmer, Case Histories ne saurait se réduire à cette seule dimension "policière". C'est tout d'abord par sa construction narrative qu'elle surprend et peut un instant dérouter. Couvrant des arcs de deux épisodes, elle débute invariablement sur des évènements apparemment sans rapport entre eux, avec des protagonistes excessivement déconnectés les uns des autres, pour progressivement rapprocher toutes ces intrigues en une forme de toutélié où Jackson sera plus que le dénominateur commun. Ce schéma explique pourquoi l'histoire va toujours crescendo : parfois un peu lente, peinant à pleinement retenir notre attention au tout début - le deuxième arc étant celui qui en souffre peut-être le plus -, à mesure que tout se connecte, la série renoue alors avec son plein potentiel.

Au fil de la progression de l'intrigue, elle se révèle souvent des plus denses et nuancées, sachant remettre en cause les certitudes du héros, comme les préconceptions d'un téléspectateur trop hâtif à cataloguer chacun des protagonistes. Avec un style bien elle, la série alterne habilement des passages légers, où les dialogues ciselés se savourent, et des moments bruts où le drame frappe durement et sans prévenir : ce mélange lui confère une tonalité très personnelle. C'est d'ailleurs principalement par cette dimension émotionnelle que Case Histories marque, à l'image de ses conclusions qui laisse invariablement un arrière-goût doux amer, où la notion de justice ne correspond pas toujours à l'idée légaliste que l'on s'en ferait a priori.

Si la série nous laisse ainsi dans ce tourbillon de ressentis, un peu troubles et parfois contradictoires, c'est aussi parce qu'elle parvient à se construire une identité qui lui est propre. En effet, l'attrait, mais aussi la part d'originalité de Case Histories, réside dans sa tonalité. Plaçant la dimension humaine au coeur de sa narration, elle démontre un réel talent pour créer et animer, avec beaucoup d'inspiration et une authenticité rare, une galerie de personnages, toujours soignés, souvent hauts en couleurs, qui vont pleinement soutenir les différentes intrigues.

Si Jackson Brodie est la pierre angulaire de l'édifice, personnage complexe, parfois excessivement abrasif socialement, mais capable de laisser s'exprimer un coeur d'or l'instant suivant, la réussite plus générale de Case Histories est de se reposer sur des personnages qui ne sont jamais unidimensionnels. Ils gagnent toujours considérablement en profondeur - et en intérêt - au fil d'une histoire qui, elle aussi, se complique. C'est plus précisément dans les portraits de ses plus jeunes protagonistes, enfants ou adolescents, que la série va faire preuve d'une franche réussite : à la fois juste et touchante, elle leur offre quelques scènes proches de la perfection, qui ne laisseront pas le téléspectateur indifférent. Rarement manichéenne, teintée de nuances et d'ambiguïtés, Case Histories est une de ces séries qui sait cultiver et récompenser l'attachement du téléspectateur tout au long de ces épisodes. On se laisse prendre au jeu sans arrière-pensée.

Sur la forme, Case Histories bénéficie d'une jolie réalisation qui met bien en valeur ses décors, nous offrant non seulement quelques superbes paysages à la photographie agréablement retravaillée, mais également de belles vues de la ville d'Edimbourg. Tour à tour posée puis dynamique, elle est au parfait diapason de la tonalité volatile d'ensemble. De même, la bande-son offre une sélection de chansons plutôt bien inspirées qui correspondent aux successions d'émotions si diverses que la série sait susciter.

Cependant, l'atout majeur de Case Histories réside incontestablement dans son casting. Je n'ai certes jamais lu les livres d'origine, mais Jason Isaacs (Brotherhood, The State Within) est parfait en un Jackson Brodie, oscillant entre détermination sans faille, tellement happé par son travail, et une pointe de vulnérabilité qui transparaît lorsque les drames du passé reviennent le hanter plus fortement. Si son sens des priorités et du relationnel en général est à retravailler, on ne s'attache pas moins à un personnage dont Jason Isaacs propose une interprétation convaincante. A ses côtés, nul ne dépareille. Mais j'avoue avoir eu un vrai coup de coeur pour l'actrice incarnant sa fille, Millie Innes (Single Father), adorable gamine d'une franchise confondante, qui fera fondre le téléspectateur autant que son père. On retrouve également Amanda Abbington (After you've gone), Kirstie Mitchell, Zawe Ashton ou encore Natasha Little (Mistresses, Kidnap and Ransom).

Bilan : Dotée d'une tonalité versatile travaillée, presque tragi-comique par instant, et empreinte d'une profonde humanité, Case Histories est une série à laquelle on s'attache pour ses portraits de personnages et pour sa façon bien à elle d'entretenir un émotionnel à fleur d'écran. La construction parfois un peu trop éclatée de ses intrigues pèse à l'occasion sur les débuts de ses arcs (surtout sur le deuxième), le scénario cherchant alors son rythme, mais à mesure que l'histoire se densifie et se complexifie, elle finit toujours invariablement par reconquérir le téléspectateur pour s'imposer comme une série dans laquelle il est fort agréable de s'investir.

NOTE : 7/10

La bande-annonce :

(Mini-série UK) The Shadow Line : un thriller à part sous haute tension

2011-06-19T11:47:49+02:00

Si les "thrillers" ne manquent pas dans notre petit écran, il y en a peu qui peuvent se vanter de véritablement atteindre leur but en marquant véritablement le téléspectateur. C'est d'autant plus agréable lorsque vous tombez sur une période où les thrillers réussis s'enchaînent comme c'est le cas ces derniers temps dans mes programmes. Non seulement White Christmas aura provoqué chez moi une quasi-nuit blanche pour cause de taux d'adrénaline incapable de redescendre et d'esprit tourneboulé, mais de plus, ces dernières semaines, était diffusée outre-Manche une série qui aura mis mes nerfs à rude épreuve. : The Shadow Line.

Programmée en Angleterre, sur BBC2, du 5 mai au 16 juin 2011, cette mini-série compte un total de sept épisodes d'une heure chacun. Bénéficiant d'un solide casting (de Stephen Rea à Christopher Eccleston) et d'une esthétique à part, The Shadow Line est un thriller admirablement mis en scène, qui parvient à une tension d'une intensité aussi rare qu'éprouvante. Une fiction vraiment intéressante à plus d'un titre qui mérite sans aucun doute le détour.

L'histoire de The Shadow Line s'ouvre sur la découverte d'une scène de crime. Harvey Wratten, dirigeant d'une des organisations de trafic de drogue les plus puissantes d'Angleterre, venait d'être relâché de prison à la suite d'un pardon royal accordé de manière très surprenante. Mais c'est son cadavre que la police découvre quelques heures après sa libération, abandonné dans une voiture qui semble avoir été le cadre d'une froide et brutale exécution. La liste de ceux qui pouvaient en vouloir ou avoir intérêt à voir mort ce chef de cartel est particulièrement longue, et c'est l'enquête de ce meurtre qui va servir de fil rouge à la mini-série.

Car de part et d'autre de cette frontière parfois si trouble de la légalité et de la morale, qualifiée si justement de shadow line, chacun s'active suite à ce décès. Du côté de la police, l'enquête est confiée au DI Jonah Gabriel, lequel se remet tout juste d'une fusillade dans laquelle son partenaire a été tué, tandis que la balle meurtrière est venue se ficher dans sa boîte crânienne. Conséquence de cela, il souffre d'une amnésie partielle, n'ayant pas de souvenirs des événements de la soirée fatidique, faisant face à une crise identitaire qui sape ses certitudes.

Parallèlement, l'organisation de Wratten doit également se remettre du brusque décès de sa tête pensante. C'est à un homme de l'ombre, Joseph Bede, qu'échouent les responsabilités immédiates pour poursuivre les affaires d'importation de drogue, alors même que le comptable de l'organisation, Glickman, demeure mystérieusement injoignable. Tandis que le neveu de Wratten, Jay, difficilement contrôlable, se charge de mener de son côté une enquête personnelle pour découvrir qui a abattu son oncle, un autre homme remonte les différentes pistes dans l'ombre, un mystérieux Gatehouse.

Loin d'être une simple fiction d'enquête policière, The Shadow Line s'impose dans le registre du thriller avec une maîtrise et une efficacité à souligner. Suivant le fil rouge du meurtre de Harvey Wratten, initialement débutée comme une course contre-la-montre entre les différents camps pour découvrir ce qu'il s'est passé la nuit du crime, c'est une autre partie d'échecs autrement plus complexe qui se dévoile progressivement à travers les enjeux d'une réalité pleine de faux-semblants, où la frontière de la légalité et de la morale apparaît des plus troubles. Ce toutélié aussi intrigant que captivant, se construisant au gré des twists multiples, trahisons brutales et retournements de situation inattendus, va admirablement nourrir la paranoïa d'un téléspectateur dont les repères se brouillent peu à peu.

Parmi les protagonistes, ils sont d'ailleurs notablement peu nombreux à comprendre les réels tenants et aboutissants vers lesquels tend la mort de Wratten. Cela contribue à déstabiliser un téléspectateur complètement happé par des questions qui se bousculent. De plus, si la froideur ambiante, mais aussi la violence extrême de l'univers mis en scène, finissent par provoquer une relative dessensibilisation à mesure que les cadavres s'accumulent, la mini-série n'en néglige pas pour autant le développement d'une dimension plus personnelle aux destinées des personnages principaux, trouvant le juste équilibre entre les différents types d'intrigues.

Cependant, la vraie et grande réussite de The Shadow Line va résider dans sa capacité à générer une tension éprouvante, quasi-constante, qui atteint parfois des sommets. Si les nerfs du téléspectateur sont à fleur de peau, ce dernier n'en jubile pas moins par moment, grisé par le brusque rush d'adrénaline que certains passages provoquent. Car cette mini-série fait non seulement preuve d'une maîtrise narrative parfaitement millimétrée des scènes les plus tendues, mais elle sait aussi admirablement jouer de la lenteur calculée de son rythme. Théâtralisant des confrontations qui parviennent à des sommets de tensions, le suggestif se révèle bientôt aussi éprouvant que les brèves, mais complètement décomplexées, explosions de violence.

Capitalisant sur cette atmosphère à part, The Shadow Line finit sans doute par se laisser quelque peu emporter par la fascination que suscite l'intensité du tableau si glaçant qu'elle met en scène. L'histoire qui se cache derrière laissera un petit arrière-goût d'inachevé, les réponses ne satisfaisant pas pleinement. Cependant sa conclusion s'inscrit parfaitement dans la tonalité de la mini-série, nous laissant un peu groggi dans le bon sens du terme. The Shadow Line est essai de style ambitieux et prenant, certes pas exempt de certains reproches, mais l'investissement est assurément mérité. Le téléspectateur se laissera conquérir sans arrière-pensée.

Si la tension constamment palpable que The Shadow Line instaure fonctionne si bien, c'est aussi en raison du soin avec lequel la forme est traitée, encourageant justement cette ambiance à la nervosité communicative. En effet, The Shadow Line dispose d'une réalisation très travaillée, flirtant parfois avec une forme quasi-théâtrale, où la lenteur et le soin accordé aux détails se conjuguent à une image extrêmement épurée qui privilégie l'essentiel. La mini-série bénéficie en plus d'une belle photographie, dotée de teintes qui lui permettent de se construire un visuel clairement identifiable, dont l'esthétique n'est pas sans rappeler les thrillers des 70s'. Une sobriété similaire se retrouve dans sa bande-son, quasiment absente, mais où le téléspectateur retiend la musique du générique qui colle parfaitement à l'ambiance générale (il s'agit de la chanson 'Pause', par Emily Barker and The Red Clay Halo).

Enfin, The Shadow Line bénéficie d'un excellent casting. Le côté théâtral que renvoie l'ensemble n'amoindrit pas du tout des performances globalement très convaincantes. Parmi ceux qui ressortent le plus, c'est sans doute Stephen Rea (Father & Son) qui m'a marqué, incarnant un personnage glaçant doté d'un sang-froid flegmatique qui l'impose comme le personnage le plus craint de la série. Même si par moment, Rafe Spall (Desperate Romantics) n'est loin de lui voler ce dernier titre, une scène de l'épisode 2 m'ayant particulièrement traumatisée. Chiwetel Ejiofor (Trust) joue avec sobriété ce policier troublé qui a perdu ses repères avec une partie de sa mémoire et qui essaie tant bien que mal de démêler les fils inextricables du cas qu'il doit résoudre. Tandis que de l'autre côté de la ligne, Christopher Eccleston (Our Friends in the North, Doctor Who) renvoie avec beaucoup de justesse le portrait d'un criminel ordinaire, qui voit ses vies personnelle et professionnelle lui échapper. A leurs côtés, on retrouve notamment l'excellent Richard Lintern que j'ai adoré en supérieur de Gabriel, Tobias Menzies (Rome) pour lequel j'ai toujours un faible dans ce genre de rôle, Kierston Wareing (Five Daughters, The Runaway), Eve Best, Lesley Sharp, Sean Gilder ou encore Freddie Fox.

Bilan : D'une efficacité souvent éprouvante, The Shadow Line est un brillant thriller à la lenteur parfaitement calculée, où la tension est mise au service d'une réelle ambition narrative. Dotée d'une histoire excessivement complexe, elle captive l'intérêt jamais pris en défaut d'un téléspectateur qui finit par se laisser gagner par la paranoïa ambiante. Si la mini-série se laissera un peu débordée par cette atmosphère si identifiable et vraiment à part qu'elle a créée, sa demeuure amoindrissant sa portée vers la fin, elle reste une expérience indéniablement marquante, à l'occasion jubilatoire, qui renoue avec la tradition la plus épurée du thriller à suspense.

The Shadow Line saura mettre vos nerfs à rude épreuve avec une intensité qu'il est rare d'atteindre : à découvrir !

NOTE : 8,75/10

Le générique :

Sherlock vs Sherlock Holmes

2011-06-12T22:11:00+02:00

Lorsque j'étais au lycée, j'ai fais la connaissance d'une grande amie que nous appelerons Amandine, parce que c'est son prénom (et que je n'arrive pas à l'appeler Dean [nom sous lequel elle poste des commentaires ici -oui, je t'ai vendu-], car j'ai une autre image qui m'apparaît avec ce pseudo -et je suis à chaque fois très déçue de voir que ce n'est pas « le » Dean, aaah *soupir*-). Elle a toujours habité à des centaines de kilomètres de chez moi, mais ça ne nous a pas empêché de partager énormément de choses, dont nos goûts pour la littérature. Amandine a toujours adoré Sherlock Holmes. Depuis qu'elle est petite, elle dévore les romans de Sir Arthur Conan Doyle et moi, la seule vision que j'avais de Sherlock Holmes, c'était un renard animé. Alors, l'idée de lire ces fameux romans s'est incrustée peu à peu dans ma tête.

Finalement, ma deuxième rencontre fut le film de Guy Ritchie avec Robert Downey Jr et Jude Law (qui sont trois arguments majeurs, le premier ayant fait des films comme Arnaques, Crimes et Botanique et Snatch ; les deux autres étant à la fois bon acteurs et plutôt canons). J'ai trouvé le film sympathique, la musique très très bien et le générique de fin génial. Même si les critiques le trouvaient assez éloigné de l'esprit original de l'oeuvre, il m'a rappelé que je n'avais toujours pas lu les oeuvre d'Arthur Conan Doyle et que, bon sang, il serait peut-être temps !

Comme je suis un peu lente à mettre mes bonnes résolutions en place, le forum que je fréquente a eu le temps de faire une publicité énorme autour d'une nouvelle série de la BBC : Sherlock. Ils ont répété que c'était génial, superbe, incroyablement fidèle à l'oeuvre alors que tout se passait au 21ème siècle, puis, ils ont ajouté « oh mon dieu la série va être diffusée sur France 4 ! ». Ah, comment résister ? Forcément, ma troisième rencontre avec Sherlock fut cette série. Et quelle rencontre !

Je suis littéralement tombée sous le charme de cette série après le premier épisode (qui reste à ce jour, mon préféré). Cette série a été crée par Mark Gatiss et Steven Moffat (dont j'ai envie de dire beaucoup de bien, parce que Doctor Who, mais ce n'est pas le sujet) en 2010. La première saison est constituée de 3 épisodes de 90 minutes (Une étude en Rose ; Le banquier aveugle et Le grand jeu)., les acteurs principaux sont Benedict Cumberbatch (à qui on pardonnera son nom si difficile à retenir) et Martin Freeman (qui lui a un nom de super-héros).

Benedict Cumberbatch incarne le célèbre détective Sherlock Holmes (et, il l'incarne bien). Ce dernier apparaît comme un jeune homme particulièrement étrange (c'est parce qu'il est un « a high-functioning sociopath »), particulièrement doué pour tout deviner de vous, tout en étant à côté de ses pompes en ce qui concerne les conventions humaines. Cependant, on ne peut pas s'empêcher de l'apprécier : il a un petit côté mordant, un petit côté décalé-excentrique, il est aussi enthousiaste qu'un gamin au matin de Noël quand il découvre de nouvelles pistes, preuves, avancées scientifiques, et en plus, il s'attache au petit Watson. Comme il n'a jamais été très doué pour les relations humaines, il reste maladroit quand il veut exprimer sa sympathie, et on l'apprécie d'autant plus.

Le docteur John Watson est incarné par Martin Freeman, qui lui donne un véritable côté choupinou. En plus de ça, son personnage est un ex-soldat qui boite (♥) (oui, j'ai osé le coeur sur mon blog) suite à une blessure de guerre, ce qui donne un bonus +10 au côté choupinou (sauf que à cause grâce à Sherlock, il ne boîte plus)(au lieu de quoi, on le découvre accro à l'adrénaline, ce qui est une contrepartie acceptable). Au lieu d'être énervé, comme la presque-totalité de la population humaine, par les talents de Sherlock, celui-ci est considérablement impressionné (ce qui flatte Sherlock) et très enthousiaste après chaque démonstration de Sherlock. Ainsi, malgré les avertissements de la moitié de la police (« cet homme est un psychopathe futur-tueur en série ! »), il s'entiche de Sherlock et court avec lui vers le danger.

Watson a d'autres qualité que d'être choupinou et de s'attirer la sympathie de Holmes : il est loyal et courageux (malgré une légère exaspération envers Holmes), dragueur MAIS gentleman (au moins, quand il drague, il n'insiste pas lourdement), un brin sarcastique et il prend de l'étoffe au fil des épisodes (Sherlock a beau faire le malin avec ses déductions, parfois de simples photos suffisent).

Enfin, cette série est d'une photographie incroyable, de l'humour est distillé un peu partout, sous une ambiance beaucoup moins joyeuse, elle. J'en suis donc littéralement tombée amoureuse et le fait qu'on annonce une nouvelle saison (avec trois nouveaux épisodes) n'est pas pour me déplaire.

Gonflée d'une toute nouvelle motivation et poussée par le Challenge organisé par le forum dont je parlais un peu plus haut (le challenge a pour but de lire tout plein d'histoires de Sherlock Holmes et est constitué de trois niveaux : le niveau Sherlock (les gens qui sont un peu givrés dedans leurs têtes), le niveau Watson (les gens biens) et le niveau Mycroft (les gens drôlement occupés)) j'ai fait des emplettes sur internet et ai lu ma première histoire de Sherlock Holmes (Une étude en Rouge). Evidemment, ayant toujours l'esprit accaparé par la merveilleuse série de la BBC, j'ai lu cet ouvrage en ayant en tête les personnages de la série (ce qui n'est pas l'ordre normal, mais est-ce réellement grave ? La réponse est non. Explications :) Watson était Watson (M.Choupi) et Holmes était Holmes (excité et sautillant).

J'ai d'abord été frappée par les similitudes entre le livre et la série et je dois dire qu'il y a eu un grand travail de fait sur le respect de l'oeuvre initiale, tant d'un point de vue scénaristique que d'un point de vue du traitement des personnages.

Nous découvrons Watson comme un grand flemmard désabusé lorsque, après la guerre, il rejoint l'Angleterre en dépensant bêtement son argent jusqu'à être à sec. Finalement, ayant besoin de se reprendre en main et d'un logement, il rencontre un ami qui lui dit « Hey, c'est fou ça, je connais quelqu'un qui a besoin d'un colocataire, il est complètement frappa-dingue mais ça sera super, tu verras » : introduction d'Holmes, tendance sociopathe (« [...]c'est presque un être à sang froid. Je l'imagine très bien administrant à un ami une petite pincée du tout dernier alcaloïde végétal, non par méchanceté, comprenez-moi, mais par esprit de curiosité, afin d'avoir une idée exacte de ses effets. Pour lui rendre justice, je crois qu'il la prendrait lui-même avec un empressemment identique. » (rien de tel pour vous mettre en confiance)).

La première rencontre visuelle entre Sherlock et Holmes montre assez le côté "fantasque" de Sherlock, puisque celui-ci sautille partout, complètement exalté à l'idée d'avoir trouvé un « réactif qui précipite l'hémoglobine, et rien d'autre. ». Oui, Sherlock est un peu foufou quand il a le cerveau en ébullition et que le résultat est concluant. De plus, John est poliment réceptif, voir complètement ébloui par les talents de Sherlock (combien de « merveilleux » ou autres compliments auxquels Sherlock est totalement réceptif ? « Ces paroles et l'air de conviction avec lequel je parlais le firent rougir de plaisir. J'avais remarqué déjà qu'il était aussi sensible à la flatterie, quand il s'agissait de son art, que n'importe quelle femme quand il s'agit de sa beauté. » maiiis oui Sherlock, tu es doué !). De nombreux autres éléments ont été utilisés dans les épisodes 2 et 3 de la série (nous retrouvons ainsi la théorie de Holmes sur les capacités du cerveau et l'inintérêt de connaître le système solaire), autant de clin d'oeils qui me font penser que oui, cette série a été faite par des amoureux de Sherlock Holmes.

A la lecture de ce premier roman, je me suis demandée si Sherlock Holmes n'avait pas des tendances maniaco-dépressive (c'est la psy de série-télé qui parle) : « Rien ne pouvait dépasser son énergie quand une crise de travail le prenais ; mais à l'occasion une forme de léthargie s'emparait de lui et, pendant plusieurs jours de suite, il restait couché sur le canapé du studio, prononçant à peine un mot, bougeant à peine un muscle du matin jusqu'au soir. » (bon, après, John nous dit « si je ne le connaissais pas, je dirais bien qu'il se droguait » or, on peut dire qu'il ne le connaissait pas très bien alors mais c'est mignon, il est aussi confiant que dans la série « Sherlock, se droguer ? Mais enfin... vous rêvez mon cher ! »), mais on m'a apprit que lorsqu'on souffrait de cette maladie, aucun élément extérieur ne pouvait nous sortir de la léthargie, ce qui n'est pas le cas de Holmes, qui devient très enthousiaste devant une enquête corcée (fin de la psy de série-télé).

Malgré tout, si j'ai beaucoup apprécié ma lecture, j'ai trouvé que le livre manquait de rythme par endroit – peut-être est-ce dû à ma traduction ? - (mais j'ai adoré me retrouver en plein désert avec des vautours et des mormons, j'ai trouvé ça palpitant, d'autant plus que je ne m'y attendais pas). J'ai été soufflée par les talents de détectives de Holmes et je me suis amusée à pister les indices avec lui (ce qui n'était pas du jeu, puisque j'avais déjà vu A study in Pink qui reprend beaucoup d'éléments du livre. A ce sujet, j'ai littéralement adoré le changement opéré sur Rach/Rachel : dans le livre, Lestrade pense être très très fort en disant que Rach est le diminutif de Rachel (et Holmes, narquoit, rétorque que « et non, ça veut dire vengeance en allemand, tralalalalère ») alors que dans la série, Lestrade pense être très très fort en disant que Rach veut dire vengeance en allemand (et Holmes, narquoit, rétorque que « et non, la victime n'a pas eu le temps d'écrire Rachel, c'est tout, tralalalalère »)).

Enfin, je voulais surtout dire que nous pouvons être rassurées : Watson est un flemmard (cf. début du livre), Holmes est un flemmard (cf. « Je suis le bougre le plus incurablement paresseux qu'on ait jamais vu, quand l'humeur m'en tient, bien entendu, car je puis, sans cela, me montrer assez actif. ») : être flemmard n'est donc pas une tare et c'était là l'objet de cet article.

(citations extraites de Sherlock Holmes - Une étude en rouge de Sir Arthur Conan Doyle, traduit par Lucien Maricourt, édition Librio)

(UK) Doctor Who, season 6, episode 7 : A good man goes to war

2011-06-10T15:54:00+02:00

"Demons run
when a good man goes to war.
Night will fall and drown the sun
when a good man goes to war.
Friendship dies and true love lies.
Night will fall and the dark will rise
when a good man goes to war."

Nous voilà arrivés au septième épisode et déjà se referme la première partie de cette saison 6. Une demi-saison qui aura eu ses hauts et ses bas, avec ses instants réussis prompts à susciter jubilation et enthousiasme, mais aussi sa part de frustrations. C'est un euphémisme que d'écrire que cet épisode de clôture printanière était "attendu" ; je l'ai lancé avec une excitation mal contenue, mêlant espoirs et craintes. Et j'en suis ressortie sacrément soulagée : s'il n'est pas parfait, notamment dans sa construction narrative, j'y ai retrouvé une étincelle particulière, cette pointe de magie et de fantastique à laquelle j'associe la série. En résumé, il s'agit d'un épisode mythologique, divertissant, rempli d'émotions et de révélations proposant un cocktail qui fonctionne.

Sous le choc de la découverte de la substitution d'un ganger à Amy, à la fin de l'épisode précédent, nous avions abandonné la jeune femme en plein accouchement. Elle donne naissance à une petite fille, prénommée Melody Pond, qui représente tout l'enjeu du kidnapping d'Amy. En effet, sa conception, à bord d'un Tardis voyageant dans le vortex espace-temps, aura laissé des conséquences sur l'ADN de ce bébé, que les militaires conçoivent comme une arme potentielle contre le grand guerrier tant craint qu'est le Docteur. En attendant de pouvoir remplir leurs objectifs à plus long terme, conscients que le Time Lord a découvert la supercherie du ganger, les Marines l'attendent de pied ferme, alliés pour l'occasion aux glaçants Seigneurs Sith Moines Sans Tête.

Ils ont d'ailleurs bien raison de craindre l'arrivée prochaine du Docteur, car ce dernier s'active. Rory et lui parcourent la galaxie en rassemblant une véritable armée, sollicitant les faveurs de tous ceux qui ont une dette envers le Time Lord. Mais lorsque Rory vient logiquement chercher l'aide de River Song pour l'organisation du sauvetage, cette dernière se doit de décliner, gravement, l'invitation à se joindre à la bataille à venir. Elle pose l'enjeu de l'épisode tout en révélant de manière sibylline les évènements qui s'annoncent : "The Doctor's darkest hour. He'll rise higher than ever before and then fall so much further. And...I can't be with him till the very end."

Si le caractère marquant de l'épisode tient surtout à sa dimension mythologique, la pointe de magie mêlée d'épique dans laquelle on se laisse entraîner réside bien dans l'orchestration de cette opération de sauvetage pourtant vouée à l'échec dès le départ. Il faut dire que c'est toujours un plaisir, jamais démenti, que de voir se réunir sous nos yeux tout cet univers bigarré et éparpillé, au doux parfum de pure science-fiction, qui fait l'identité de la série. A mon sens, le premier quart d'heure est un vrai modèle du genre, et peut-être le passage le mieux maîtrisé de l'épisode. En effet, parvenant à jouer pleinement dans un registre plus suggestif (la bataille qu'il annonce), il se concentre sur les préparatifs des deux camps, permettant de bien souligner l'importance du tournant qui s'annonce.

Ce début est d'autant plus déterminant que d'affrontement au sens propre du terme il n'y aura pas, du moins dans un premier temps. En effet, c'est de manière expéditive, et sans verser une seule goutte de sang, que le Docteur et ses alliés prennent le contrôle de la base militaire, suivant un plan millimétré où l'effet de surprise fonctionne. L'ensemble est non seulement agrémenté de quelques face-à-face et autres réparties jubilatoires, mais il n'hésite pas non plus à verser dans un émotionnel de circonstances : Rory découvrant sa fille restera une de ces images qui va droit au coeur. Il y a une vraie empathie qui émane de ces scènes, et le téléspectateur ne saurait y rester insensible.

Cependant, aussi enthousiasmant que soit la dynamique globale, sacrément galvanisante, qui transcende l'épisode, il convient cependant de nuancer quelque peu ce ressenti. En effet, l'épisode suit un schéma de narration cher à Doctor Who, conséquence de ces time lines qui s'entremêlent : l'annonce prophétique de River, au tout début, nous renseigne sur ce qu'il va se jouer à Demons' run. Seulement si le recours à ce procédé d'un narrateur extérieur, quasi-omniscient par certains côtés, est très fréquent dans la série, il confère ici une trop grande prévisibilité à l'intrigue. Le Docteur va s'élever, pour ensuite descendre plus bas qu'il n'est jamais descendu. La victoire rapide à laquelle on assiste un temps n'est qu'illusoire, le téléspectateur n'en est que trop conscient.

Si bien qu'on ne peut partager ces quelques moments d'insousciance du milieu de l'épisode, se contentant d'attendre patiemment le retour de bâton qui va être si destructeur. Et quand, par un ultime rebondissement, on découvre enfin la réelle étendue de la manipulation, la révélation en tomberait presque à plat, même si ses conséquences nous touchent sur un plan plus émotionnel. Melody n'est pas Melody, mais un ganger. Si la scène où Amy découvre la vérité est absolument déchirante - Karen Gillan est parfaite -, la raison du téléspectateur rechigne malgré tout à admettre l'utilisation de l'exact même procédé que celui qui avait permis d'enlever Amy si longtemps. L'impression qu'il y a une forme de facilité scénaristique à ainsi laisser abuser deux fois le Docteur a un petit arrière-goût un peu frustrant.

Reste que, plus que l'aventure elle-même, c'est par son apport mythologique que l'épisode s'impose comme un incontournable. Dans cette optique, il s'inscrit dans la directe continuité de la demi-saison, concrétisant ce que l'on percevait ou spéculait.

Tout d'abord, il a le mérite d'initier une réflexion fascinante sur le Docteur. La signification de son nom prend soudain une dimension supplémentaire : le fait que son action influe sur le sens même du mot dans notre langue a quelque chose de vertigineux, absolument fascinant, donnant l'impression de venir véritablement boucler la boucle des rapports entre le Docteur et les Humains. Si l'anecdote retiendra que Steven Moffat y songeait déjà en... 1995 (mémoire du web quand tu nous tiens), le discours de River apportant une lumière toute autre que l'approche traditionnelle de son action intervient à point nommé. En effet, le glissement du Docteur vers un côté plus sombre, plus guerrier, a été perceptible durant toute la saison. Et soudain, le voilà confronté à la portée de ses actes, face à des conséquences qu'il n'avait jamais envisagées. Un grand moment !

Cette fin d'épisode est doublement marquante car elle apporte aussi l'autre "révélation" attendue à cette question qui nous hante depuis sa première apparition durant la saison 4 : qui est River Song ? Si on avait sans doute eu dernièrement plus que des soupçons sur son identité, il restait le plus difficile à mettre en scène : la dernière étape, celle de la révélation. La gestion en deux temps est très opportune. Commencer par une confrontation avec le Docteur se justifie parce que c'est en arrière-plan toute leur relation particulière, avec laquelle nous sommes devenus familiers, qui défile. La façon dont il passe d'une expression extrêmement sombre et menaçante à cette joie presque émerveillée fait vraiment plaisir à voir. Puis, c'est l'autre relation qui va être traitée : celle qui n'avait jusqu'à présent pas été établie, celle avec ses parents. Car River Song est Melody Pond. On retient presque son souffle en espérant que tout sonne juste dans ce face-à-face. Et c'est le cas : River voit sa place consacrée dans la mythologie whonienne de la plus convaincante des manières.

Bilan : A good man goes to war conclut de belle façon cette demi-saison qui aura cependant été quelque peu inégale. Il remplit avec brio sa part de promesses mythologiques, tout en laissant suffisamment d'éléments en suspens pour nous promettre trois mois de spéculations intensives (notamment sur les Silence). Les pièces du puzzle ont été éparpillées, et il n'y a rien de plus grisant pour récompenser un téléspectateur fidèle que de les voir se remettre en place. Un seul réel bémol tempèrera un peu mon enthousiasme face à cette conclusion : une prévisibilité dommageable qui modère la portée plus épique de l'épisode, lui ôtant tout réel suspense. Doctor Who nous a habitué à ce type de procédé narratif, mais ici, le scénario peut-être trop loin dans la distance qu'il pose avec les évènements du récit.

Rendez-vous dans quelques mois pour une suite que j'attendrais avec impatience, soulagée d'avoir retrouvé dans ce dernier épisode ce soupçon de magie qui m'a fait tomber amoureuse de cette série.

NOTE : 8/10

La bande-annonce de l'épisode :