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oie-ci, oie-là au collège Baudelaire, Clermont-ferrand

2012-02-06T13:36:00+01:00

En novembre 2011 la librairie les mots bleus de Courpière inaugurait son extension:le Petit Musée à Cultiver, petit MAC pour les intimes avec un jeu de l'oie grandeur nature. C'était un projet à la fois artistique, ludique et pédagogique, rien que ça, que j'avais passé l'été précédent à réaliser concrètement: 63 cases thèmatiques basées sur le jeu de l'oie traditionnel (7 séries de 9 cases) mais où l'on joue en parcourant l'art moderne et contemporain de la fin du 19ème à nos jours.

La librairie et le petit musée de Courpière ont fermé, mais l'association est toujours active. Aprés le centre culturel Anatole France, en décembre, c'est le collège Baudelaire (32 rue Baudelaire à Clermont, vers le CHU) qui installe le jeu dans ses locaux.

Sur demande et rendez-vous, il est possible de visiter...

Pour avoir une idée, voici quelques photos, signées Joël Perez, que vous pouvez aussi voir sur le site de l'association les mots bleus.

A savoir: en juin, le jeu sera au centre d'ailleurs

modèle vivant poses longues.

2012-02-04T19:14:38+01:00

Pour la première fois cette année nous commençons les poses longues. Longues..... c'est relatif simplement 3/4 d'heure.

Il est difficile

de rester dans la peinture, de ne pas partir dans le remplissage, le trop bien fait

de garder l'implusion créatrice, rester dans l'indispensable, dans l'essentiel

tout d'un coup la description stéreotype bien encrée dans notre mémoire s'immisse dans notre travail et là .... tout peut arriver

Parfois il est agréable d'être dans la recherche colorée. prendre le temps, ne plus être dans l'urgence. Comment trouver la bonne tonalité, la bonne intensité, le bon contraste,

A partir de la proposition du modèle chacun choisi son sujet, le corps en entier, le visage, l'atmosphère.....

Mike Kelley (1954-2012)

2012-02-03T01:27:00+01:00

Mike Kelley était un artiste que j'appréciais beaucoup, auteur d'œuvres particulièrement fortes et à l'humour décapant. Il est décédé récemment (31/01 ou 01/02/2012, suicide probable).

On se souviendra notamment de la gigantesque installation "Sod and Sodie Sock Comp. O.S.O.", en collaboration avec Paul McCarthy, présenté à la Biennale de Lyon en 2003.

On peut actuellement voir l'une de ses œuvres au Centre Pompidou Metz, dans le cadre de l'exposition Erres : "Educational Complex", maquette retraçant les lieux de son enfance, espaces de contraintes…

À ce qu'il me semble, l'art n'a probablement que peu de possibilités de changer ce qu'il dénonce du monde, mais il a au moins le pouvoir de nous aider à nous sentir moins seuls face à ce monde.

But Fontana*, who saw Kelley last week for dinner, said that Kelley's art-world accomplishments had a price, as he had been actively struggling with what it means to succeed in a world that has become more materialistic and foreign to him.

"He had a deep discomfort in seeing what the art world is now," Fontana said. "He didn't like the fact that everything has become so corporate. He said to me: 'If I were to start now, I would never become a visual artist.'

"He really wanted to be an important artist, and he worked all of his life for that. He found himself at the top of his game and then found that the world he was at the top of was a world that he didn't like. That's intense existentially."

(Jori Finkel, "Mike Kelley dies at 57 ; L.A. contemporary artist", Los Angeles Times, 02/02/2012)

* Emi Fontana, curateur

Le fond et le sujet

2012-01-29T17:29:00+01:00

Depuis que nous travaillons la peinture la question du fond aparaît.

Laisser du papier blanc, quelle force s'en dégage, le blanc "mange" t-il le sujet, où au contraire lui donne-t-il de la puissance ? Le blanc est-il vide où plein ? Permet-il une respiration, un dynamisme, un calme ?

Le papier Kraft permet de ne pas avoir la violence du blanc (souvent le papier est blanchi à l'acide ce qui le rend trop blanc), si l'on veut laisser le papier vierge.

Le papier vierge au niveau de la cuisse paraît vide, car il y a similitude entre la couleur de la cuisse et la couleru du fond. Les deux étant "non habité".

Le fond en peinture permet de donner de la présence au papier Kraft à l'intérieur du corps.

Celui-ci nous donne la sensation que le haut du corps est vide

Les fonds travaillés sont ils un support à une histoire, à une situation du corps dans un espace, une structure dynamique du tableau, une ambiance pour mettre en valeur le sujet..... et plus encore.

Choix du format du sujet dans la feulle,

Choisir de faire le corps en entier, ou juste une partie, par exemple le portrait

Peut-être même aller vers l'abstraction

Vie silencieuse

2012-01-28T21:43:00+01:00

Les objets peuvent nous dire tant de choses

Juliette prend un objet de l'atelier pour le peindre

L'autre jour le citron, auparavant la brioche, la poire et la pomme qui à eux seuls peuvent nous dire le monde.

Laisser du papier vierge ou remplir la feuille.

Le thème des fleurs travaillé par Claire et Micheline, montre bien comment chacun peut interpréter un même sujet. Bouquet d'anémones blanches et mauves.

Rapport du fond et du sujet, mouvement du bouquet, rapport des vides et des pleins, légéreté, vibration...que de chose à travailler.

Pour continuer sur le thème des vies silencieuses ou communément appelées natures mortes, voici quelques photos du début d'année.

JOURNAL D'UN ELECTEUR 291

2012-01-23T10:42:37+01:00

lundi 23 janvier :

"La plus grande entreprise de prostitution

est le marché de l'art contemporain."

pour l'image, voir le clip video en cliquant sur :

http://vimeo.com/35467143

Gouache

2012-01-15T19:03:00+01:00

La gouache,

technique de peinture que j'affectionne

particulièrement;

Facile d'instalation, pleine de possibilités,

couleurs amples, intenses.....

Pour découvrir un matériaux, je conseille de porter l'attention, à la matière, au support, aux pinceaux,

utiliser l'image, le sujet pour savoir où et comment mettre la couleur.

Notre cerveau fonctionne différenment, suivant la consigne que nous lui donnons.

Lorsque le sujet prime, l'apprenti peintre est moins vigilant à la technique, au savoir faire.

Afin d'utiliser un matériaux au maximum de ces possibilité il est nécessaire de le découvrir.

Sans enjeu de réussite, l'apprenti peintre peut être attentif à ce qui se passe sur le support, comment la matière réagie à la main. Etre à l'écoute des couleurs, de la composition, du jeu des surfaces, de l'écriture......

Utilisée avec un pinceau sec, aquarellée, pleine pâte, nous avons déjà beaucoup de rendus différents. Nous avons essayé également le couteau, le rouleau, la transparence, l'opacité.......

Etaler la peinture, gratter, frotter, enlever, tout est permis.

Avoir un support leger comme le kraft 28g, (il va gauffrer avec l'humidité),

plus lourd comme le canson 160g,

ou même du montval 300g les possibles se multiiplient (pas encore utilisé)

Nous utilisons de la gouache liquide scolaire et déjà les résultats sont encourageant. La qualité des couleurs n'est pas mauvaise, la matière est préte à l'emploi onctueuse, généreuse.

Ajoutons pastel gras, pastel sec, feutre......

Voici quelques résultats des élèves débutants comme des élèves confirmés. Certains choisissent le travail de la couleur, d'autres celui de la matière, ou encore le travail de la forme, ou de l'écriture.

Une séance de 3H à partir de croquis ou d'objets de l'atelier

Exposition cARTed au Satellite Brindeau, au Havre

2012-01-07T08:59:25+01:00

À partir du 14 janvier et jusqu’au 11 février, découvrez les univers cARTed au Satellite Brindeau.

cARTed est un réseau de rencontres d’artistes et collection de cartes postales d’artistes contemporains. La plus grande superproduction de cartes postales originales jamais réalisée !

Simple, centrifuge, tourné vers l’extérieur pour provoquer des accidents de rencontres entre les réseaux d’artistes éparpillés, cARTed, créée en 1993, propose à tous les artistes qui le souhaitent, sans aucune sélection, d’éditer des cartes postales originales à partir d’un thème parfois, mais le plus souvent sans. Chaque impression donne naissance à une ou plusieurs planches de dix-huit cartes, en noir et blanc ou en couleurs, autant de fenêtres ouvertes sur des univers et des mondes différents.

Mais l’édition des cartes postales reste avant tout le prétexte d’une véritable « sculpture amicale ». En effet, l’essentiel de ce travail consiste à favoriser les échanges et les partages entre tous ces artistes. C’est dans cette optique que le Satellite Brindeau accueille du 14 janvier au 11 février l’exposition « cARTed » avec sa série d’hiver. L’occasion de découvrir des artistes de tous horizons...

Le programme de l'Exposition cARTed

Samedi 14 janvier 2012

À partir de 18h30, vernissage de l’exposition cARTed : grande soirée « surprise » vidéo et performances et rencontre avec les artistes : Sandra Chapron, Olivier Garçin, innuit siniswichi, Bob Lens...

Samedi 11 février 2012

Pour le dévernissage de l’exposition, dès 20h, soirée projection : portraits d’artistes « cARTed ».

Exposition visible jusqu'au 11 février 2012. Satellite Brindeau, Arts Visuels et Spectacle Vivant, 56 rue Gustave Brindeau, Le Havre.

QUI VEUT SAUVER RENE MAGRITTE ?

2012-01-04T09:00:00+01:00

Résumé : je continue et persiste à dire du mal de MAGRITTE.

La lourdeur de MAGRITTE vient de ce qu’il veut péter plus haut que son cul, en prétendant insuffler du SENS. Il veut faire croire que ses facéties picturales sont la quintessence de l’art. Ce faisant, il procède comme tous ceux qui, en s’appuyant sur les techniques les plus modernes, prétendent imiter dans des objets fabriqués les structures biologiques du cerveau vivant, de l’A. D. N. ou de je ne sais trop quoi : à l’arrivée, ça donne quelque chose de pauvre, que dis-je, d’infirme, voire de peu humain. En plus, c’est tellement simple que c’en est aride comme le Kalahari.

Somme toute, la peinture de RENÉ MAGRITTE est la peinture THEORIQUE d’un peintre INTELLECTUEL. Comme le dit le même « docte » déjà cité auparavant : « L’œuvre de Magritte est certainement l’un des rares exemples de peinture intellectuelle de notre époque ». Tu l’as dit, bouffi ! Autrement dit, qu’on se le dise, nous voici devant de la « peinture à message ». C’est didactique, et chiant comme tout ce qui est didactique.

Le bouffi en question met sur le même plan RENÉ MAGRITTE et MAX ERNST. Il faut l'être jusqu'à la moelle, bouffi, pour confondre un fabricant de gags picturaux et un artiste véritable qui offre à voir un monde dont, la plupart du temps, il ne donne pas la clé (je pense à ses séries de collages La Femme 100 têtes et Une Semaine de bonté, mais aussi aux Jardins gobe-avions, et à tant d’autres). C’est bête, mais avec MAGRITTE, on arrive tout de suite au but. Regardez plutôt ce Jardin gobe-avions :

Et dans le genre « gag » visuel, un type comme ROLAND TOPOR pète infiniment plus haut, plus loin et plus profond que cet intello de salon. Chez TOPOR, un seul truc reste insupportable : son rire. Moins horripilant depuis qu’il est mort (mais il y a Youtube). Tout le reste est rigoureusement impeccable, même quand il se met à quatre pattes pour faire le tour du plateau de télé en gruïkant comme un cochon qu’on assassine. Je recommande en particulier la série de dessins dont il a illustré l’édition des Œuvres Complètes de MARCEL AYMÉ.

Un dernier truc qui ne me revient pas, chez RENÉ MAGRITTE, mais alors pas du tout. Il fait partie de la cohorte surréaliste, et ça c’est impardonnable, et pour une raison très précise. ANDRÉ BRETON, le pape de cette secte devenue une religion, considérait ARTHUR RIMBAUD comme « coupable devant nous d’avoir permis, de ne pas avoir rendu tout à fait impossibles certaines interprétations déshonorantes de sa pensée, genre Claudel » (Second Manifeste du Surréalisme).

Eh bien, franchement, on serait en droit d’accuser BRETON du même chef. Car à force de fouiller dans le subconscient, à force de déterrer de la « beauté convulsive » dans les tréfonds de l'âme humaine, à force d'en appeler aux ressources freudiennes de l'inconscient, le surréalisme a ouvert à la PUBLICITÉ une autoroute. Le minerai précieux de l'imagination enfouie a été amené à la lumière, et la PUBLICITÉ s'est ruée sur le magot, et s'en est servie comme d'un cheval de Troie pour envahir en retour les tréfonds de l'âme humaine avec de la MARCHANDISE sublimée par la métaphore plus ou moins poétique.

Sans même parler de ce qu’il y a d’absolument ahurissant dans le reproche adressé à RIMBAUD par ANDRE BRETON, sans même parler de SALVADOR DALI, alias Avida Dollars (comme disait A. B. en personne), le surréalisme des peintres est devenu le principal PROXENETE PUBLICITAIRE.

MAGRITTE est l'archétype du fournisseur de la filière prostitutionnelle qui exploite les pauvres PUTAINS de l'imagination, sous le couvert même de la liberté. Il a apporté à la PUBLICITE l'aliment idéal de la putasserie, qui peut se formuler ainsi : « Tout est dans tout, et réciproquement ».

RENÉ MAGRITTE, que ce soit comme surréaliste ou comme fabricant de gags visuels, est de ceux qui ont fourni en chair fraîche les « créatifs » de toutes les agences de publicité, à commencer par l'idée d' « images à idées ». Je me souviens d’une publicité pour les appareils Hi-Fi pour automobile Pioneer, réalisée de main de maître, montrant une très belle voiture en forme de violon, pour bien convaincre que la voiture, grâce à Pioneer, était devenue musique. C'était du MAGRITTE tout craché.

ANDRÉ BRETON ne tresse-t-il pas des couronnes de laurier à MAGRITTE ? « Il a abordé la peinture dans l’esprit des "leçons de choses" et sous cet angle a instruit le procès de l’image visuelle dont il s’est plu à souligner les défaillances et à marquer le caractère dépendant des figures de langage et de pensée. Entreprise unique, de toute rigueur, aux confins du physique et du mental, mettant en jeu toutes les ressources d’un esprit assez exigeant pour concevoir chaque tableau comme le lieu de résolution d’un problème. » Si je m’appelais ANDRÉ BRETON, je m’enlèverais les mots de la bouche.

Dire que j’ai trouvé fréquentable un type comme ça ! Enfin, à chacun ses erreurs de jeunesse ! Je ne lui concède qu’une seule vertu : ANDRE BRETON écrit dans un français d’un classicisme irréprochable. Pour le reste, il y a du LENINE dans les oukases de cet homme. Dire toutes ces belles paroles pour finir sur des affiches 4 x 3, le long des routes, quel avilissement !

Et je passe sur les élucubrations philosophico-machines de MICHEL FOUCAULT : « Magritte noue les signes verbaux et les éléments plastiques, mais sans se donner le préalable d’une isotopie ; et tralala… ». C’est sûr, il devait être bien défoncé, le MIMI. N'empêche que "isotopie", fallait y penser. Voyez, on n'en sort pas, du gag.

Et je passe sur les divagations délirantes de RENÉ MAGRITTE lui-même, où il attribue aux choses un autre nom, appelant une « feuille » (d’arbre) un « canon ». Ou pas de nom du tout, comme cette barque qui vogue sur la mer. Le fait que ça se passait en 1929 (La Révolution surréaliste n° 12) peut-il constituer une excuse ? Une circonstance exténuante ? Un délit de non-assistance à personne engrangée ? Un cas non répertorié de grippe aviaire ?

Pour conclure, une petite charge sabre au clair contre l’ « art conceptuel ». Vous voyez déjà le lien, non ? Je sais bien que MARCEL DUCHAMP est considéré comme le grand ancêtre, avec ses ready-mades et quasi-ready-mades (hérisson porte-bouteille, urinoir transformé en « fontaine », trois « stoppages-étalons », etc.), mais MAGRITTE arrive pas loin derrière.

D'ailleurs, des artistes encore vivants ont réglé son compte à DUCHAMP. Ils s'appellent GILLES AILLAUD, EDUARDO ARROYO et ANTONIO RECALCATI. Et leur oeuvre (anecdotique, disons-le) s'intitule Vivre et laisser mourir ou La Fin tragique de Marcel Duchamp. Cela date de 1965. Certains ont appelé cela « réhabilitation du figuratif » ou postmodernité. Quand il n'y a plus de concept, il en vient encore.

Mentionnons tout de même ce magnifique cadre doré digne des salons de la grande bourgeoisie, où FRANCIS PICABIA avait, je crois que c’était en 1919, à l’occasion d’une exposition, suspendu par une ficelle un vrai morceau de macadam noirâtre comme seule et unique « œuvre ». C’était aux beaux jours de Dada.

Résumé : j'ai commencé à me payer la tête de RENÉ MAGRITTE.

Prenez La Lampe du philosophe, par exemple. Un homme en costume-cravate fume la pipe, à droite, en vous jetant un œil torve, pendant qu’une bougie brûle sur une sellette d’artiste. Sauf que, d’une part, la bougie semble grimper le long du pied pour venir s’épanouir comme un serpent dressé, et d’autre part, le nez de l’homme opère un plongeon dans le fourneau de la pipe. Bon, vous me direz que « lampe » rappelle la bougie, et « philosophe » l’homme. Je veux bien. Mvoui … Vous y croyez, vous ?

En fait, il ne fait pas de la peinture, il fait de la linguistique. Et saussurienne, en plus (de FERDINAND DE SAUSSURE, le fondateur de la discipline, celui de la trilogie en pataugas « signifiant / signifié / référent », celui de « le signifié "chien" ne mord pas », celui de « l’arbitraire du signe », et tant de belles choses dont on s’est servi pour détruire l’enseignement de la grammaire à l’école, sous prétexte qu’il fallait procéder intelligemment). Tout ça, si ce n’est pas du pataugas, c’est du gros sabot. Je m’explique.

Au commencement était Ceci n’est pas une pipe. Le gros malin, sur sa toile, représente une pipe. Le travail est grossier, mais on reconnaît l’objet. Et pour faire chier le spectateur, qu’est-ce qu’il fait, le gros malin ? Il peint en toutes lettres « Ceci n’est pas une pipe ». Tout ça pour dire au premier con venu à qui il prendrait l’idée de bourrer son tableau de tabac pour l’allumer et le fumer, qu’il n’a rien compris, ce gros plouc.

On ne sait jamais, doit-il se dire. Comme le dit un « docte » : « Il suffit d’un instant de réflexion pour se rendre à l’évidence : l’image d’un objet n’est pas l’objet lui-même ». « Tu l’as dit, bouffi ! », aurait ricané Arsène Lupin au nez de l’inspecteur Ganimard.

Mais pour peindre ça, c’est vraiment ce que RENÉ MAGRITTE s’est dit : « Qu’est-ce que j’en ai marre, que les gens confondent la chose et sa représentation, je vais leur administrer une injection de linguistique. Répétez après moi : la matière picturale qui fait la pipe, c’est le ? Le ? Signifiant, bande de balourds ! L’objet représenté ? Le signifié, bande de baudets ! ».

« Et la bouffarde que je viens d’allumer sous vos yeux ? Le référent, bande de nuls ! – Oui m’sieur, bien m’sieur, je l’f’rai plus, m’sieur. – Allez, circulez, et ne m’emmerdez plus ! ». Voilà comment il vous parle, RENÉ MAGRITTE. Et vous, vous supportez qu’on vous adresse la parole en levant le menton comme ça ?

Alors une fois que tu as compris ça, tu sais ce qu’elle fait, la peinture de RENÉ MAGRITTE, si tu es normalement constitué ? Elle te tombe des yeux. Tiens, prends un grand problème philosophique, je sais pas moi, dis voir quelque chose. – La Condition humaine ? – Allez, prenons la « condition humaine ». Il se trouve que c’est un autre titre du peintre.

Tu devines pas ce que ça représente ? Une chambre dont la large fenêtre voûtée donne sur un paysage campagnard, avec un ruisseau, de l’herbe, des buissons, et un ciel où passent quelques nuages. Un rideau rouge à droite et à gauche. Tout est soigné, léché même, y compris le chevalet installé devant la fenêtre, sur lequel est posée une toile peinte.

Allez, tu devines pas ce qu’il y a de peint sur la toile ? Mais si, gros ballot : le paysage lui-même ! Le gros malin qui tient le pinceau s’est juste débrouillé pour qu’on confonde pas : à gauche, le tableau déborde un chouïa sur le rideau, à droite on voit les clous qui fixent la toile sur le cadre, avec en haut le sommet du chevalet. Sans ces détails, tu ferais pas la différence entre le paysage et le tableau, con ! Là, pas moyen de se tromper. Sous le même titre et avec le même « truc » (on ne change pas une équipe qui gagne), on trouve aussi un paysage marin.

Voilà, le seul « truc » de cette « œuvre », c’est de nous enfoncer dans le crâne que ce qu’on voit sur la toile n’est pas ce qu’on voit de la nature. La surface peinte donne l’illusion de la nature. « Mais attention, les petits enfants, je suis là, moi, le peintre savant, pour vous dire qu’il ne faut pas confondre. » Finalement, le père MAGRITTE prend le spectateur pour une buse, et prend la pose dans l’attitude du professeur donneur de leçons.

Toute la peinture de RENÉ MAGRITTE est contenue dans la seule surface, se résume à la surface. C’est une peinture de truqueur habile, qui se contente de jouer sur les apparences. Tiens, encore un exemple. Je ne me rappelle plus le titre de celui-ci : dans une pièce fermée, sur une table, trône une superbe cage à oiseaux. Dans la cage, pas d’oiseau, mais un œuf. Et pas n’importe quel œuf : un énorme, un œuf de dinosaure. Pour vous dire, il occupe tout le volume de la cage.

Et alors, me direz-vous ? Ben rien. C’est tout. A votre avis, quelle taille aurait dû avoir la cage pour abriter l’oiseau capable de pondre un œuf pareil ? Bon sang mais c’est bien sûr, ah le diable d’homme, fallait y penser. Ben oui, il est là le gag. Mais quand on a résolu l’énigme, c’est comme le polar, on peut le jeter, le donner ou se torcher avec. Il n’y a plus rien à en tirer. Là c’est pareil : le fruit est sec.

MAURITS CORNELIS ESCHER a le même genre de succès que MAGRITTE, avec ses paradoxes visuels : cascade qui se jette plus haut que son point d’origine, personnages qui montent et descendent des escaliers dans tous les sens verticaux et horizontaux, deux mains qui se dessinent mutuellement, l’anneau de Möbius et autres facéties graphiques. Son truc à lui, c’est le trompe-l’œil : il télescope les deux dimensions de la feuille de papier et les trois dimensions de la perspective (illusion du volume). Du coup, ça détraque tout et ça fait du paradoxe.

Je qualifierais volontiers ce genre de succès de « succès de poster » : ça fait très bien, punaisé sur le mur de la chambre du jeune qui s’initie. Mais il me semble que ESCHER a un statut beaucoup plus modeste, je veux dire moins prétentieux. Regardez donc Le Thérapeute, de MAGRITTE : un corps de berger normal, sauf la cage thoracique, dont l’espace est occupé par une cage à oiseaux ouverte, avec deux blanches colombes sur la piste de décollage.

Oui, monsieur, on a compris le MESSAGE. Un rien de niaiserie en plus, et voilà-t-il pas qu’il tomberait dans la boutasse JACQUES PREVERT (« Pour faire le portrait d’un oiseau ») ou dans le fumier PIERRE PERRET (« Ouvrez, ouvrez la cage aux oiseaux »).

Voilà ce que je dis, moi.

A suivre.

For decades in art circles it was either a rumour or a joke, but now it is confirmed as a fact. The Central Intelligence Agency used American modern art - including the works of such artists as Jackson Pollock, Robert Motherwell, Willem de Kooning and Mark Rothko - as a weapon in the Cold War. In the manner of a Renaissance prince - except that it acted secretly - the CIA fostered and promoted American Abstract Expressionist painting around the world for more than 20 years.

The connection is improbable. This was a period, in the 1950s and 1960s, when the great majority of Americans disliked or even despised modern art - President Truman summed up the popular view when he said: "If that's art, then I'm a Hottentot." As for the artists themselves, many were ex- com- munists barely acceptable in the America of the McCarthyite era, and certainly not the sort of people normally likely to receive US government backing.

Why did the CIA support them? Because in the propaganda war with the Soviet Union, this new artistic movement could be held up as proof of the creativity, the intellectual freedom, and the cultural power of the US. Russian art, strapped into the communist ideological straitjacket, could not compete.

The existence of this policy, rumoured and disputed for many years, has now been confirmed for the first time by former CIA officials. Unknown to the artists, the new American art was secretly promoted under a policy known as the "long leash" - arrangements similar in some ways to the indirect CIA backing of the journal Encounter, edited by Stephen Spender.

The decision to include culture and art in the US Cold War arsenal was taken as soon as the CIA was founded in 1947. Dismayed at the appeal communism still had for many intellectuals and artists in the West, the new agency set up a division, the Propaganda Assets Inventory, which at its peak could influence more than 800 newspapers, magazines and public information organisations. They joked that it was like a Wurlitzer jukebox: when the CIA pushed a button it could hear whatever tune it wanted playing across the world.

The next key step came in 1950, when the International Organisations Division (IOD) was set up under Tom Braden. It was this office which subsidised the animated version of George Orwell's Animal Farm, which sponsored American jazz artists, opera recitals, the Boston Symphony Orchestra's international touring programme. Its agents were placed in the film industry, in publishing houses, even as travel writers for the celebrated Fodor guides. And, we now know, it promoted America's anarchic avant-garde movement, Abstract Expressionism.

Initially, more open attempts were made to support the new American art. In 1947 the State Department organised and paid for a touring international exhibition entitled "Advancing American Art", with the aim of rebutting Soviet suggestions that America was a cultural desert. But the show caused outrage at home, prompting Truman to make his Hottentot remark and one bitter congressman to declare: "I am just a dumb American who pays taxes for this kind of trash." The tour had to be cancelled.

The US government now faced a dilemma. This philistinism, combined with Joseph McCarthy's hysterical denunciations of all that was avant-garde or unorthodox, was deeply embarrassing. It discredited the idea that America was a sophisticated, culturally rich democracy. It also prevented the US government from consolidating the shift in cultural supremacy from Paris to New York since the 1930s. To resolve this dilemma, the CIA was brought in.

The connection is not quite as odd as it might appear. At this time the new agency, staffed mainly by Yale and Harvard graduates, many of whom collected art and wrote novels in their spare time, was a haven of liberalism when compared with a political world dominated by McCarthy or with J Edgar Hoover's FBI. If any official institution was in a position to celebrate the collection of Leninists, Trotskyites and heavy drinkers that made up the New York School, it was the CIA.

Until now there has been no first-hand evidence to prove that this connection was made, but for the first time a former case officer, Donald Jameson, has broken the silence. Yes, he says, the agency saw Abstract Expressionism as an opportunity, and yes, it ran with it.

"Regarding Abstract Expressionism, I'd love to be able to say that the CIA invented it just to see what happens in New York and downtown SoHo tomorrow!" he joked. "But I think that what we did really was to recognise the difference. It was recognised that Abstract Expression- ism was the kind of art that made Socialist Realism look even more stylised and more rigid and confined than it was. And that relationship was exploited in some of the exhibitions.

"In a way our understanding was helped because Moscow in those days was very vicious in its denunciation of any kind of non-conformity to its own very rigid patterns. And so one could quite adequately and accurately reason that anything they criticised that much and that heavy- handedly was worth support one way or another."

To pursue its underground interest in America's lefty avant-garde, the CIA had to be sure its patronage could not be discovered. "Matters of this sort could only have been done at two or three removes," Mr Jameson explained, "so that there wouldn't be any question of having to clear Jackson Pollock, for example, or do anything that would involve these people in the organisation. And it couldn't have been any closer, because most of them were people who had very little respect for the government, in particular, and certainly none for the CIA. If you had to use people who considered themselves one way or another to be closer to Moscow than to Washington, well, so much the better perhaps."

This was the "long leash". The centrepiece of the CIA campaign became the Congress for Cultural Freedom, a vast jamboree of intellectuals, writers, historians, poets, and artists which was set up with CIA funds in 1950 and run by a CIA agent. It was the beach-head from which culture could be defended against the attacks of Moscow and its "fellow travellers" in the West. At its height, it had offices in 35 countries and published more than two dozen magazines, including Encounter.

The Congress for Cultural Freedom also gave the CIA the ideal front to promote its covert interest in Abstract Expressionism. It would be the official sponsor of touring exhibitions; its magazines would provide useful platforms for critics favourable to the new American painting; and no one, the artists included, would be any the wiser.

This organisation put together several exhibitions of Abstract Expressionism during the 1950s. One of the most significant, "The New American Painting", visited every big European city in 1958-59. Other influential shows included "Modern Art in the United States" (1955) and "Masterpieces of the Twentieth Century" (1952).

Because Abstract Expressionism was expensive to move around and exhibit, millionaires and museums were called into play. Pre-eminent among these was Nelson Rockefeller, whose mother had co-founded the Museum of Modern Art in New York. As president of what he called "Mummy's museum", Rockefeller was one of the biggest backers of Abstract Expressionism (which he called "free enterprise painting"). His museum was contracted to the Congress for Cultural Freedom to organise and curate most of its important art shows.

The museum was also linked to the CIA by several other bridges. William Paley, the president of CBS broadcasting and a founding father of the CIA, sat on the members' board of the museum's International Programme. John Hay Whitney, who had served in the agency's wartime predecessor, the OSS, was its chairman. And Tom Braden, first chief of the CIA's International Organisations Division, was executive secretary of the museum in 1949.

Now in his eighties, Mr Braden lives in Woodbridge, Virginia, in a house packed with Abstract Expressionist works and guarded by enormous Alsatians. He explained the purpose of the IOD.

"We wanted to unite all the people who were writers, who were musicians, who were artists, to demonstrate that the West and the United States was devoted to freedom of expression and to intellectual achievement, without any rigid barriers as to what you must write, and what you must say, and what you must do, and what you must paint, which was what was going on in the Soviet Union. I think it was the most important division that the agency had, and I think that it played an enormous role in the Cold War."

He confirmed that his division had acted secretly because of the public hostility to the avant-garde: "It was very difficult to get Congress to go along with some of the things we wanted to do - send art abroad, send symphonies abroad, publish magazines abroad. That's one of the reasons it had to be done covertly. It had to be a secret. In order to encourage openness we had to be secret."

If this meant playing pope to this century's Michelangelos, well, all the better: "It takes a pope or somebody with a lot of money to recognise art and to support it," Mr Braden said. "And after many centuries people say, 'Oh look! the Sistine Chapel, the most beautiful creation on Earth!' It's a problem that civilisation has faced ever since the first artist and the first millionaire or pope who supported him. And yet if it hadn't been for the multi-millionaires or the popes, we wouldn't have had the art."

Would Abstract Expressionism have been the dominant art movement of the post-war years without this patronage? The answer is probably yes. Equally, it would be wrong to suggest that when you look at an Abstract Expressionist painting you are being duped by the CIA.

But look where this art ended up: in the marble halls of banks, in airports, in city halls, boardrooms and great galleries. For the Cold Warriors who promoted them, these paintings were a logo, a signature for their culture and system which they wanted to display everywhere that counted. They succeeded.

* The full story of the CIA and modern art is told in 'Hidden Hands' on Channel 4 next Sunday at 8pm. The first programme in the series is screened tonight. Frances Stonor Saunders is writing a book on the cultural Cold War.

Covert Operation

In 1958 the touring exhibition "The New American Painting", including works by Pollock, de Kooning, Motherwell and others, was on show in Paris. The Tate Gallery was keen to have it next, but could not afford to bring it over. Late in the day, an American millionaire and art lover, Julius Fleischmann, stepped in with the cash and the show was brought to London.

The money that Fleischmann provided, however, was not his but the CIA's. It came through a body called the Farfield Foundation, of which Fleischmann was president, but far from being a millionaire's charitable arm, the foundation was a secret conduit for CIA funds.

So, unknown to the Tate, the public or the artists, the exhibition was transferred to London at American taxpayers' expense to serve subtle Cold War propaganda purposes. A former CIA man, Tom Braden, described how such conduits as the Farfield Foundation were set up. "We would go to somebody in New York who was a well-known rich person and we would say, 'We want to set up a foundation.' We would tell him what we were trying to do and pledge him to secrecy, and he would say, 'Of course I'll do it,' and then you would publish a letterhead and his name would be on it and there would be a foundation. It was really a pretty simple device."

Julius Fleischmann was well placed for such a role. He sat on the board of the International Programme of the Museum of Modern Art in New York - as did several powerful figures close to the CIA.

MAGRITTE : DU CONCEPTUEL DANS L'ART

2012-01-02T09:01:00+01:00

Il est convenu que RENÉ MAGRITTE est passé dans les mœurs. On passe devant un MAGRITTE comme on passe devant une publicité, des latrines, un banc public ou un Roumain qui mendie à un feu rouge. On ne s’arrête pas. Il fait partie du paysage. C’est une preuve. De quoi ? Au premier rabord, c’est une preuve de succès. Qu’est-ce que c’est, le succès, demandé-je finement ? Le succès, réponds-je superbement, c’est quand l’offre, à sa grande surprise, est submergée par la demande.

Dans n’importe quelle entreprise, ça poserait problème. Pas dans l’entreprise MAGRITTE ltd. La ligne de production, surdimensionnée, a été conçue en prévision d’un tel problème. Car on a du flair, chez MAGRITTE. Quand les chalands se jettent sur le rayon familial où l’on vend quelques tableaux, ces marchands forains ont tôt fait d’effacer les ardoises et d’y multiplier à la craie les prix par deux, dix ou cinquante.

Dans la banque, on appelle ça « faire marcher la planche à billets ». C’est qu’on n’est pas con, dans la famille, on comprend vite comment faire rentrer les pépettes. Et ça marche.

Comment s’explique un tel succès ? Je vais vous le dire. En fait, rien de plus simple : RENÉ MAGRITTE est le premier peintre qui ait abandonné l’art pictural pour la peinture intelligente. Enfin, la peinture qui se veut intelligente. Même pas : qui se croit intelligente. Avec un arrière-fond métaphysique dans la prétention. Mais tout ça ne serait rien sans un rien d’astuce.

Car ce rusé renard est

· un habile finaud et futé,

· un madré subtil et matois,

· un Normand (de Belgique) habile et adroit

(rayer les mentions inutiles). En camelot accompli, MAGRITTE arrive à faire croire que c’est le badaud lui-même qui est intelligent, et que c’est pour ça qu’il aime sa peinture. Quel talent ! On aura beau dire, mais des trouvailles comme ça, ça vaut de l’or. Le plus fort, c’est que le gogo s’exclame : « Gogo est content ! », en rentrant chez lui son tableau sous le bras. Le perroquet de L’Oreille cassée ne disait pas ça, mais : « Rodrigo Tortilla, tu m’as tué ! ».

On va dire que je calomnie, que je diffame. Que je veux faire mon intéressant. Cela n’aura même pas le mérite d’être vrai. Car je vais vous dire une bonne chose : toute la peinture de RENÉ MAGRITTE est fondée sur des « trucs », des gags, si vous préférez.

Pour le premier degré, prenez une toile blanche, mettez-y de la peinture « en un certain ordre arrangée » (en clair : faites-y apparaître un paysage, un portrait, une nature morte ou ce que vous voulez). Cela donne, par exemple, cette palissade de planches de sapin, bien dessinée avec les nœuds, les veines et les rainures de séparation. Au pied de la palissade, un sol rougeâtre, où l’on distingue des graviers, un bout de journal, un mégot, une allumette.

Et sur le sol ? « Je vois une paire de pieds. – Mais non, tu vois bien que c’est une paire de chaussures. – T’es fou, c’est des pieds. – Non, c’est des chaussures. – Paf ! – Pif ! » Et bien moi, je vais vous réconcilier : c’est une paire de brodequins, des bottines si vous voulez, avec les lacets qui pendouillent, et que plus vous allez vers la pointe, plus ce sont des pieds. Même que sur le pied gauche, on voit une grosse veine bien gonflée.

Voilà, c’est ça, un tableau de MAGRITTE. Ah on ne peut pas dire qu’il ne sait pas faire. Pour ça, c’est sûr que c’est du travail bien fait. Le seul problème, c’est que c’est un gag. Si je voulais faire mon intello, je dirais qu’il s’agit d’un paradoxe. Le spectateur qui découvre la scène s’arrête, interloqué : « Tiens, c’est bizarre ». Puis il réfléchit. Après une cuisson de quelques secondes, le voilà qui se dit : « Putain, c’est bien trouvé ! Fallait y penser ! ».

Devant un tableau de RENÉ MAGRITTE, voilà comment on réagit. Et pas autrement. Parce qu’il n’y a rien d’autre à voir, on n’a rien d’autre à faire. MAGRITTE fait de l’image comme RICHARD VIRENQUE fait du vélo. Alors bon, d’un tableau à l’autre, c’est plus ou moins énigmatique, ou rigolo, ou soigné, ou ce qu’on veut, mais dans l’ensemble, on a fait le tour quand on a compris le gag. C’est comme les blagues de l’Almanach Vermot qu’on trouve dans les papillotes Voisin.

Mais ce n’est pas fini, car après le premier degré, il y a le second. Sinon le moteur tomberait vite en panne d’essence. Prenez le tableau décrit ci-dessus et collez-lui un TITRE, pour voir, allez-y. « Isba détrempée » ? Vous n’y êtes pas. « La Marche au supplice » ? Ce ne serait pas si bête, mais c’est déjà pris. Allez, vous donnez votre langue au chat ? Ce mirifique tableau porte le mirifique titre de Le Modèle rouge.

Ça vous en colmate une fissure, non ? Et là encore, la seule réaction à avoir : « Fallait y penser ». Un génie pareil, on comprend qu’il ait commencé dans une fabrique de papier peint. C’est d’autant plus drôle que c’est authentique. Parce que je me dis aussi que c’est peut-être là qu’il a eu la révélation de son inspiration. Alors pour les titres, les officines du Savoir vous diront qu’ils furent proposés à MAGRITTE par ses copains de la « société du Mystère ». Je veux bien, mais je ne vois pas ce que ça change : moins le titre a de rapport avec le tableau, plus la blague est réussie.

Pour bien montrer que RENÉ MAGRITTE n'est finalement qu'un dessinateur humoristique, dont la place est en réalité dans la presse quotidienne, et pas dans les musées, voici, côte à côte, Le Balcon, d'EDOUARD MANET, et le gag imaginé par MAGRITTE pour se foutre de la gueule de MANET (qui, soit dit en passant, rendait hommage aux Majas au balcon, de GOYA).

Et voilà le public qui se met à rire grassement et à faire ouaf ouaf !

Voilà ce que je dis, moi.

A continuer demain.

Canardage et canotage

2011-12-29T10:59:00+01:00

Je suis pas la seule à canarder.

En complément de ma récente note sur le chapon de Noël, ma copine Hélène a cru bon de me signaler un article super intelligent de Christophe Donner paru le 23 décembre 2011 dans la rubrique «magazine» du journal Le Monde en ligne.

Donnerwetter, ce que je me suis dilaté la rate en lisant ce papier intitulé L’innocent accroché aux murs !

Heureusement que j’étais assise, j’aurais pu tomber sur le derrière à l’évocation de cette soirée de canotage parisien

L’info qui venait du nord

2011-12-27T19:35:00+01:00

Coucou, mes ch’tits loups ! L’information aujourd’hui vient du nord. D’Ixelles, très exactement, commune de Bruxelles-capitale. D’Ixelles qui mériterait de s’appeler XXL puisque son musée accueille rien moins que Dubuffet architecte.

Ixelles ou Elsene (que les Animuliens flamands m’excusent de ne pas savoir faire de jeu de mots dans leur langue) : demeure des aulnes selon wiki. C’est joli et c’est une bonne idée de cibler, avec cette exposition qui va durer jusqu’au 22 janvier 2012, l’activité bâtisseuse de notre Jeannot national.

Tout le monde peut pas marcher à l’ombre des arbres de la Chase Manhattan Bank à New York ou faire du remue-méninges dans le Cabinet logologique de la Closerie Falbala à Périgny-sur-Yerres. Aujourd’hui, grâce aux Ixelliens ou aux Elseneuriens, c’est 120 réalisations dubuffetiennes qu’on peut embrasser (smack !) d’un coup : plans, maquettes et œuvres originales.

Smack! aussi au MFPE (« Musée Familial Par Excellence »), autrement dit le LaM de l’autre côté de la frontière. Pour la fin de l’année, La Voix du Nord nous gratifie d’un entretien souriant de Sophie Lévy, sa directrice. Elle a du mérite. Elle turbine grave pour étendre la fréquentation de son musée, effacer l’«image élitiste» qui, selon Laurent Watiez, son interwiouveur, avait été «accolée» à son établissement.

On ne saurait le lui reprocher.

Mais là où il faut carrément féliciter madame Lévy c’est quand elle répond, à une question sur la «cohérence entre les trois sections» (art moderne, art contemporain, art brut), la chose encourageante suivante : «Aujourd’hui, je crois que j’ai arrêté d’essayer de faire la synthèse! Ce dont je me suis rendu compte, c’est que la richesse fait partie de l’identité du musée. Que les gens pouvaient venir en faisant le choix d’une des collections ou de deux. Il ne faut pas systématiquement forcer le croisement».

A bas la synthèse! Vous avez bien lu. On est invité à rendre visite à notre chère vieille Aloïse sans forcément se farcir le tonton Buren. Heureuse nouvelle! A croire que madame Lévy a lu ma note du 2 octobre 2011 (L’Univers peu connu d’Adolf Wölfli) où je me permettais de l’encourager bien poliment à «faire plus confiance à l’art brut».

Si ce n’est pas votre cas,

amis lecteurs, amies lectrices,

il n’est pas trop tard

pour bien faire.

AGNES, deci, delà, VARDA

2011-12-25T11:35:00+01:00

Mon petit plaisir des fêtes, plus goûtu que du chocolat, plus revigorant que le thé aux épices ! Bon j'ai râté les deux premiers épisodes, il n'empêche que depuis mercredi je suis suspendue aux pas d'Agnès, au rythme de ses périgrinations artistiques et humoristiques qu'Arte a eu la bonne idée de nous offrir pour Noël.

On y retrouve l'Agnès des Plages, piquante et bienveillante à la fois, qui sait comme personne passer au grill les artistes qu'elle connaît, les quidams qu'elle rencontre, qui sait surtout glâner les petits riens précieux de la vie et nous faire nous en émerveiller. C.

Une patate coeur...

Un bricolage poétique dont elle a le secret...

Sa cabane de pêcheur aux parois de pellicules...

Ses chats, acteurs des productions Tamaris...

Son amie Annette Messager sur les lieux de la création...

Copyrights : Arte film 2011.

PEINTURE : LE TEMPS DU DESASTRE

2011-12-20T09:00:00+01:00

Résumé : GEORGES POMPIDOU, par centre éponyme interposé, expose sur ses rayons les boîtes de merde de PIERO MANZONI.

Ce qui est important, désormais, ce n’est pas le « rendu », avec le savoir-faire et le style personnel qu’il suppose. C’est l’ « intention » du peintre et la « cohérence » entre celle-ci et les moyens qu’il met en œuvre, la « syntaxe », le « vocabulaire ». Ce qui compte, c'est le « concept », qu'on se le dise. C'est le « discours » que l'artiste tient sur son « travail ». Tiens, c'est drôle, l'artiste tient le même langage que le « critique ». Et le critique est immédiatement compris de l'artiste. Cela veut dire une chose : tous deux sont en apesanteur, sur le même nuage. Tous deux pratiquent le même enfumage.

Car on est entre soi, on se comprend, on fait partie des initiés. J’aime énormément le langage des « critiques ». Alors je pose la question : les trous dans la toile font-ils partie du « vocabulaire » ou de la « syntaxe » ? Sont-ils « structurels » ou « conjoncturels » ? Est-ce pour laisser passer l’air et la lumière ? Les trous dans la toile sont-ils de l'art ?

Qu’on se le dise, en art (je ne dis pas « en peinture », car qui fait encore de la peinture ?), TOUT est devenu POSSIBLE. D’ailleurs, on ne sait plus exactement les limites. Qu’est-ce qui est de l’art ? Est-ce que le Piss Christ d’Avignon (ANDRES SERRANO) ? Est-ce même que l’urinoir de MARCEL DUCHAMP ? Est-ce que la tenue rayée de prisonnier des camps à la DANIEL BUREN ? Est-ce que ORLAN ? Est-ce que BOLTANSKI ? Est-ce que CLAUDE VIALLAT ? Est-ce que FROMANGER ? Est-ce que DI ROSA ? Est-ce que COMBAS ?

Est-ce qu’une salle remplie de ballons de baudruche gonflés dans laquelle les gens doivent se frayer un chemin sans rien faire éclater ? Est-ce qu’une avalanche de balles de ping-pong dans la montée de la Grand’Côte ? Est-ce que des petits poissons dans des sachets en plastique remplis d’eau ? Est-ce que des planches diverses et diversement découpées posées de biais contre le mur ? Est-ce que les tags et les graphs ? Je ne cite évidemment que de l’authentique.

Que faut-il conclure de tout ça ? Quelque chose de très simple, je crois. Nous vivons dans un temps qui ABOMINE LA LIMITE. Qu’on se le dise : la limite, c’est le mal.

Tiens, j’ai lu récemment le témoignage d’un couple suédois, face à l’interdiction légale de la fessée chez eux : « Eh bien nous discutons avec lui, ce sont des négociations interminables et épuisantes ». Entre origines ethniques différentes, ça porte le nom glorieux de « métissage » (certains précieux disent « créolisation »). TIKEN JAH FAKOLY le chante à sa façon : « Ouvrez les frontières, ouvrez les frontières, ouvrez les frontières ». Succès international garanti.

C’est donc valable pour les marchandises et les hommes. On ne voit pas pourquoi l’art resterait épargné par le tsunami.

C’est alors qu’on parle de « transgression institutionnelle ». L’oxymore, vous savez, la figure la plus littéraire qui soit, puisqu’elle assujettit impossiblement deux réalités contraires l’une à l’autre (« soleil noir », « feu glacé »), se transforme en mot d’ordre impérieux. Il faut se prosterner devant l'oxymore, accepter que le sens des choses se disloque de l'intérieur. C'est à ça qu'il sert, l'oxymore.

S’il n’y a pas encore de ministère de la « subversion officielle » (oxymore®), ce qui est sûrement un oubli, je propose à NICOLAS SARKOZY de le réparer séance tenante. Il subventionnerait l’institut des « mutins de la république » (oxymore®), qui n’auraient droit à l’appellation qu’après réussite au « concours de mutinerie » dûment organisé chaque année dans les temples de l’Education Nationale. Avec « numerus clausus » pour que le titre demeure irréprochable et prestigieux. Le « meilleur mutin de la république » recevrait une récompense spéciale du président. On le décorerait, parce qu'il est dérangeant, de l'ordre de la rébellion établie (oxymore®) ou de la dissidence autorisée (oxymore®). Et serait grassement payé. Avec des pantoufles républicaines en or massif.

Démerdez-vous comme vous voulez, mais faites-le moi, le grand écart. On vous obligera à être libres. INDIGNEZ-VOUS ! Allez, qu’est-ce que vous attendez ? Dynamitez-moi cette forme, et plus vite que ça ! Faites-moi exploser ces codes ! Enfreignez-les, ces règles, et en chantant ! Un peu de conviction, que diable ! Plus fort ! Eclatées, les conventions ! Disloqué, le carcan des traditions ! Soyez dérangeant ! Subversif ! Bousculez le bourgeois ! Il adore ça, il est « moderne » !

L’artiste est promu « marginal d’honneur » (oxymore®). JEAN-MICHEL BASQUIAT fut en son temps promu membre honoraire de cette harde. JACK LANG décore des tagueurs et grapheurs de la Légion d’honneur. La « subversion » règne en maîtresse absolue dans les salons de la République. Le peintre qui ne voudrait pas détruire l’ordre établi restera enfermé dans les fumées de l’inexistant (= à la porte de la renommée et du succès).

La révolution se porte bien, c'est un beau lys rouge (oxymore®) au revers du veston. Le révolutionnaire a pignon sur rue. Il intimide. On baisse les yeux. Tout ça lui a rapporté des milliards. Le dynamiteur en chef est honoré, célébré, adulé des femmes, on se l’arrache. Les artistes l’imitent. Ce sont les MUTINS DE PANURGE, comme dit PHILIPPE MURAY, dans une formule qui condense à merveille l’imposture.

Car tout ça est évidemment de la foutaise. En peinture, en théâtre, parfois même en musique (JOHN CAGE, dont j'ai réentendu hier soir la guignolesque et inénarrable "pièce pour piano jouet"), ce qui compte, ce n'est pas l'art. Ce qu'il faut, c'est avoir une IDEE, une simple idée qui va permettre de régner quelque temps sur l'esprit des snobs et des imbéciles, dans l'empyrée du SUCCES.

Attenter à l'ordre établi, tant que ça reste de l'ordre du spectacle, voilà le nouveau CONFORMISME. Si vous avez ce genre d'idée, fortune est faite. Mais soyez sûr que si vous voulez sortir du spectacle pour entrer dans la réalité avec l'intention d'attenter au même ordre établi, il y a la police et l'armée. Regardez du côté de l'armée égyptienne et de la place Tahrir.

Pour reconnaître les imposteurs, ces marionnettes du dérisoire, ce n’est pas difficile : vous regardez les « artistes » qui occupent le devant de la scène et dont la cote est au firmament financier. Pour les trouver, ce n’est pas difficile : vous observez le sillage des milliardaires, genre FRANÇOIS PINAULT ou BERNARD ARNAUD.

S’il reste des artistes, je pose la question : « Où sont-ils ? ».

Voilà ce que je dis, moi.

J'arrête là.

PETITE HISTOIRE DU DESASTRE (2)

2011-12-19T09:00:00+01:00

Résumé : je ne vois que ce que je sais, et je ne fais que ce que j’ai appris (proverbe telugu).

La transparence a disparu lorsque les peintres ont cru dur comme fer saisir le monde « tel qu’il était », au moment où il était. Autrement dit, l’illusionnisme a été à son comble quand il a changé de camp. Avant, les peintres savaient qu’ils étaient des prestidigitateurs, qu’ils étaient capables de faire apparaître la nature dans le salon, sur le mur en face de la cheminée. On les admirait pour ça. On peut appeler ça de l’humilité (voire de l’orgueil). Ou de la lucidité.

Et puis les photographes sont arrivés, l’index appuyé sur un bouton, qui ont confisqué la transparence à leur unique profit et usage. Alors, les peintres se sont drapés dans leur dignité, bouffis d’orgueil. Ils sont devenus opaques. Leur personne a commencé à compter. La vitre est devenue un écran. Qu’est-ce que la photo leur laissait ? Du coup, les impressionnistes ont attiré l’attention sur la façon d’appliquer les couleurs, et fait de l’artiste un personnage, au prétexte qu’ils introduisaient sur la toile le MOMENT. Ah, le moment !

Alors c’est vrai, ils avaient des arguments à faire valoir. Et des arguments techniques, s’il vous plaît. Assumés. Mine de rien, ils ont jeté à la poubelle la ligne, la surface, le modelé, le dégradé. C’est vrai, ça, quand tu regardes Le Bassin d’Argenteuil, de CLAUDE MONET, mais que tu le regardes de vraiment près, tu ne vois plus rien. Rien que des taches de couleur séparées les unes des autres. La peinture a divorcé du dessin. Pourquoi croyez-vous qu’on les a méprisés, quand on a vu ce qu’ils faisaient ? Pour l’unique raison qu’ils balançaient l’Académie comme un détritus.

Certains ont ensuite appelé ça « divisionnisme ». Je veux bien. Moi, je dirais volontiers que les impressionnistes ont inventé le PIXEL. L’impressionnisme est l’ancêtre du numérique en image. C’est lui qui a ouvert la voie. Et je ne parle pas de SEURAT : jetez seulement un œil, mais de très près, sur Un Dimanche d’été à la Grande-Jatte ou sur Le Cirque, vous m’en direz des nouvelles. Mais c’est un extrémiste, on a même appelé ça « pointillisme », à force d’être pointilleux.

Donc de près, vous ne voyez aucun « sujet ». Pour le distinguer, il faut prendre un peu de recul. C’est là que la transparence se recompose, c’est là qu’on a la Seine, l’ombrelle, la meule, la cathédrale de Rouen. Les impressionnistes, finalement, ils n’ont pas rompu avec la nature. Seulement avec l’Académie. Alors même que c'est une peinture savante, peut-être seulement un peu plus « scientifique ».

Ça veut dire une chose : les impressionnistes ne cherchent pas à rendre « la chose, mais l’effet qu’elle produit » (ça c’est MALLARMÉ qui l’a dit, autour de 1860, pour dire que ça remonte). Non la chose, mais l'effet. Elle est là la rupture. Ils intellectualisent, quoi. Ben oui, c’est qu’une peinture comme celle-là, il faut du raisonnement pour y parvenir.

On est en route vers l’abstraction. Je ne dis pas pour aimer les impressionnistes, puisque tout le monde les aime, mais pour les comprendre, il faut de la pensée. Contrairement à ce qu’on pense, ça demande un effort. Et à l’arrivée, finablement (comme on disait chez moi), ils ne sont pas si épastrouillants qu’on le dit.

En délaissant le modelé, le dégradé, la ligne, les impressionnistes ont eu l’impression de casser la vitre qui s’interposait encore entre l’œil et la nature. En fait, ils ont posé la première pierre d’un mur de séparation. Celui sur lequel le Capitaine Haddock se casse le nez dans Les 7 boules de cristal.

L’effet principal de l’impressionnisme sur la manière de peindre est de rompre avec le continu de la nappe de couleur, qui avait prévalu jusqu’à eux. Ce que certains appellent « décomposition lumineuse ». Et dans le fond, ce n’est pas grand-chose. Je sais qu’il y a des précédents, mais ça reste disséminé ici ou là. Après les impressionnistes, cette manière s’impose et se généralise. Irréversible. C’est une vraie catastrophe, qui s’est appelée plus tard « modernité ».

On peut dire que le peintre impressionniste hésite encore à sauter le pas. Il met un pied dans le sable mouvant de la rupture (le divisionnisme), mais il garde l'autre dans la glèbe grasse de la tradition (la représentation du réel). J'aime bien donner dans la métaphore bien lourde, de temps en temps. C'est rigolo, non ? C'est aussi ce qui fait de tous les amoureux de la peinture impressionniste des aventuriers timorés, des explorateurs en pantoufle, des révolutionnaires conservateurs.

Aimer la peinture impressionniste, c'est, dans le fond, ne pas s'opposer à la « marche vers la modernité », tant que celle-ci ne fait pas « table rase du passé ». C'est « aller vers l'ombre » sans « lâcher la proie ».

Car dans la modernité, au diable la transparence et l’illusion. C'est fini. Adieu, veaux, vaches et tout ce qui va avec. Qu’on se le dise : l’artiste devient un homme libre. Il a su « s’affranchir » de la réalité. Même que ANTONI TAPIES a publié un livre intitulé La Réalité comme art. Il s’est montré capable de « transgresser » le « pacte » de la représentation.

Il prend sa toile pour ce qu’elle est : une toile, une page blanche, sur laquelle il peut projeter n’importe quoi. C’est là que la peinture devient sa propre fin. L’impasse, quoi. « Une impasse sans issue dont on ne peut sortir, oui, chef ! », déclare l’inspecteur Crouton dans le magnifique Libellule s’évade, BD de MAURICE TILLIEUX. L’artiste est artiste parce qu’il a décidé que c’était comme ça. Il fait ce qu’il veut. Il est libre, Max. La toile est devenue un but en soi, le mur du fond, l’horizon bouché, l’absence d’au-delà. L’artiste y projette sa dimension restreinte.

Alors, vous avez CEZANNE avec sa Sainte-Victoire découpée en quadrilatères, vous avez DERAIN, qui schématise en couleurs unies un paysage avec sa perspective, mais sans son volume (La Côte d’Azur près d’Agay), vous avez BRAQUE, et les cubes de ses Maisons à l’Estaque. Bref, vous avez toute la MODERNITÉ. Et ça se passe après la rupture et la décomposition impressionnistes.

Une fois que vous avez « déconstruit » la méthode, que vous l’avez pulvérisée et réduite à ses composantes, les artistes vont pouvoir piocher dans cette sorte de bibliothèque, en extraire un élément, et faire carrément de cet élément un style, qui fait qu’on le reconnaît au premier coup d’œil. Par exemple, FERNAND LEGER parle des lignes, formes et couleurs comme des « trois grandes quantités plastiques ». Eh oui, c’est comme ça qu’on parle.

Ça peut être la géométrie perpendiculaire (MONDRIAN), la ligne courbe (GEORGES MATHIEU ou CY TWOMBLY, vous savez, celui du tableau « souillé » par le baiser amoureux d’une visiteuse, à Saint-Etienne, il me semble), le dessin (les gribouillons enfantins de DUBUFFET), la surface (par exemple SIMON HANTAÏ), la couleur (MARC ROTHKO, YVES KLEIN), la matière (ANTONI TAPIÈS). On n’en finirait pas.

KAZIMIR MALEVITCH a pu peindre Carré blanc sur fond blanc. Même qu’il a appelé ça « suprématisme ». PIERRE SOULAGES a pris le contrepied en appliquant du noir sur du noir. Il paraît (on me l’a dit) que c’est très très fort. Si on le dit, ce n’est pas moi qui vais contredire.

Et ne me parlez pas de PABLO P., l’opportuniste en chef de la peinture moderne, qui payait ses restaurants en signant la nappe pour la plus grande joie du patron. Ce despote cynique gardera toujours à mes yeux les traits et le nom que le même MAURICE TILLIEUX lui a donnés dans Popaïne et vieux tableaux (la suite du précédent) : OBLAP OSSAPIP (très jolie trouvaille). PABLO P. n’est finalement qu’un grossier éjaculateur : de la vitalité à en être malade, mais pas de morale. Exactement comme un certain DSK.

Et encore heureux êtes-vous si vous êtes épargné par l’œuvre qui exige la participation du spectateur ; ou bien l’œuvre d’ « art brut » (les productions des fous, mais aussi de GASTON CHAISSAC) ; ou encore l’œuvre d’ « art pauvre » (KOUNELLIS, MARIO MERZ, PIERO MANZONI).

Résumé : je disais donc que regarder, ce n’est pas réciter ce que les yeux ont appris. Cette belle phrase est un proverbe tchouvache ou oudmourte, je ne sais plus ; si vous me dites que c’est tchouktche, je me tais. Mais après tout, il est possible que ce soit un proverbe narikurava. Mon vieux proverbe bantou des familles, qui m’a déjà rendu bien des services, disait : « Le touriste ne voit que ce qu’il sait ». Ce qui veut dire la même chose.

Qu’est-ce que c’est, un tableau, au bout du compte ? Une surface quadrangulaire de dimensions variables, enduite de substances colorées. Je jure que je n’invente rien. C’est madame Foncoutu qui me l’a dit. Mais ça ne dit pas grand-chose. Madame Coutufon ajoute alors qu’on pourrait comparer ça à une fenêtre. Ben oui, quoi, il y a un cadre, et quand on ouvre à deux battants, on voit un paysage. Merci mesdames.

C’est vrai qu’une fenêtre ouverte, c’est fait justement pour ne pas être vu. C’est même pour ça qu’on l’a inventée. Autrement dit, elle n’existe que pour qu’on ne la voie pas. On ne regarde pas la fenêtre, on regarde par la fenêtre. C’est bête, mais ça reste vrai, même aujourd’hui. Qui est une époque compliquée.

Un tableau, c’est une fenêtre ouverte sur une infinité de choses. Un bouquet de fleurs opulent, une crucifixion, un visage, un déjeuner sur l'herbe, des Noces de Cana, des pommes et une bouteille, une ville, Napoléon au champ de bataille d’Eylau, des arbres dans une vallée, une montagne, Vénus endormie, des gens qui jouent de la musique, une chaise, une Tour de Babel, une vache, plusieurs vaches, que sais-je : un troupeau de vaches.

Sur fond de verdure. Avec au premier plan à droite une paysanne en robe colorée et en sabots, l’aiguillon à la main, conduisant au pré toutes ces bêtes à cornes. Pour faire couleur locale. Monsieur Prudhomme le verrait bien dans son salon, sur le mur face à la cheminée. Mme Prudhomme estime que les verts de la prairie jureraient avec les tentures et le tapis. M. Prudhomme plisse le front en regardant Mme Prudhomme, finit par opiner et se faire une raison.

Ç’aurait été pourtant bien, cette grande fenêtre ouverte sur la vie champêtre, la rudesse des travaux, la sincérité de la nature, le cycle des saisons. Ah, l’air pur de la campagne s’engouffrant en bourrasques virtuelles sous la lourde armoire en noyer, faisant trembler les deux bergères Louis XVI en bois laqué et soulevant les rideaux cramoisis ! Cette transparence de vitre apportant la fraîcheur des odeurs candides au milieu de la tiédeur moite et du bien-être confortable !

D’accord, j’arrête. C’était juste pour montrer que je peux le faire. J’ai squatté un instant le cerveau de M. Prudhomme. Celui du poème de VERLAINE : « Il est grave : il est maire et père de famille ».

Ce n’est quand même pas complètement faux, ce qu’il pense, le père Prudhomme : depuis que les peintres peignent des tableaux, leur effort a longtemps consisté à faire apparaître, dans un cadre finalement étroit, une portion d’une réalité qui, naturelle ou non, reste paradoxalement absente, car je rappelle que dans un atelier de peintre, il n’y a en général pas beaucoup de vraies vaches.

Ce qui compte alors, pour la vitre du tableau, c’est la transparence. C'est ce qu’on appelle « réalisme ». Ou « illusion de la transparence », comme on dit dans les écoles. Car c’est une transparence qui se travaille, qui se fabrique. La vitre, il faut la rendre invisible.

Ce travail n’est pas à la portée du premier venu. Demandez au petit BUONAROTTI. Son prénom ? MICHEL-ANGE. Tiens, regardez-le se crever la paillasse à piler péniblement ses pigments dans son mortier, pour le compte de son maître, le grand GHIRLANDAIO. Celui de Florence et de la chapelle Sixtine.

Il a treize ans. C’est lui qui va chercher les cafés et les cigarettes, et qui balaie l’atelier. Ça dure jusqu’à ce que le maître l’autorise à passer le premier enduit. En même temps, il aura eu tout loisir pour observer et écouter. C’est ça, le métier : avant qu’il sorte, il faut du temps pour qu’il entre. C’est pas demain la veille, le Moïse et le mur du fond de la Sixtine.

Alors voilà, pour fabriquer de la transparence, c’est une longue patience. Cela s’appelle perspective, ligne, surface, forme, modelé, matière. Mais aussi ombre et lumière, avec leurs façons d’aller ensemble, les couleurs avec tous leurs mariages et tous leurs dégradés possibles, bref, tout ce qu’on appelle la technique. Beaucoup préféraient le mot « métier ». De toute façon, « technique », en grec, ça veut dire « art », allez vous y retrouver.

La technique, c’est tout ce qu’il faut maîtriser pour faire croire que c’est vrai – ce qu’on appelle très bêtement le « réalisme » (vous savez : « Il ne lui manque que la parole », « On dirait qu’il va aboyer », et autres fadaises). On appellerait ça « illusionnisme » si on était raisonnable.

Tous ces trucs, quand vous les aviez au bout du doigt, vous pouviez y aller. Que ce soient des scènes sacrées, paysannes, guerrières ou familières, que ce soit du gibier, du poisson ou du bétail, que ce soient des palais ou des masures, le Grand Canal de Venise ou les falaises d’Etretat, si vous maîtrisiez les outils mentionnés plus haut, vous aviez les moyens de tout faire, et l’argent rentrait. L’argent de la transparence.

Qu’est-ce qui a opacifié la fenêtre ? Qui ? Où ? Quand ? Comment ? Pourquoi ? Comment se fait-il qu’un jour, les peintres ont cessé de regarder le monde à travers leur toile ? Et qu’ils se soient mis à regarder leur toile ? Et à se regarder dans leur toile ? Parce que c’est ça, qui s’est passé : la toile est devenue la scène du peintre en personne. Pourquoi, je n’en sais rien de sûr. J’ai mon idée, vous vous en doutiez.

Un jour, la toile du peintre a cessé d’être transparente. Comme si la fenêtre se refermait. Pour expliquer ça, je ne vois rien de mieux que le Capitaine Haddock. C’est dans Les 7 boules de cristal, à la page 14. Il ouvre la porte de la « buvette », et se fracasse le nez sur un mur. On peut dire deux choses. Soit : « Le réel est brutal ». Soit : « L’illusion est à son comble ». Ça revient au même.

Qui a fait ça, et quand ça s’est passé, c’est sans doute assez facile. Mais ça reste paradoxal. Ben oui, j’ai l’impression que la fenêtre est devenue un mur au moment même où on commençait à croire que la vitre en personne tombait, pour laisser place à la réalité brute et vivante. Ça se passe à peu près au moment où les gars ont commencé à sortir de leurs ateliers pour aller peindre dans la nature. « Il faut peindre sur le motif », ils disaient, EUGENE BOUDIN et quelques autres.

Il est là, et il est gros, le paradoxe : la toile prend le premier rôle au moment même où elle est supposée porter la réalité extérieure en personne. Bon, c’est vrai, pas mal de gens ont noté que ça se passe à peu près au moment de l’explosion du marché de la photogra

Le point de vue de Line Clément sur mon travail !

2011-12-15T02:15:00+01:00

"Ton travail n'est pas en dehors de la vie, il est sur le fait même de vivre".
Très conceptuel mais vraiment sur la difficile quotidienneté.
(Line Clément, extrait d'une conversation avec kl loth, probablement en 2010)

Certes… c'est encourageant !

Grande braderie de livres d'art au Havre les 9, 10 et 11 décembre 2011

2011-12-06T06:00:00+01:00

Le Portique, 3 rue d'Après Mannevillette, ouvre ses portes pour 3 jours de braderie sur le thème de l'art, de 14h00 à 19h00.

Pour tout renseignement, appeler au 02 35 45 53 64.

Le Portique expose la création contemporaine. Des arts plastiques au design graphique, en passant par la musique expérimentale, il invite à voir, découvrir et comprendre les réflexions et les interrogations des artistes dans des projets inédits et événements originaux.

A venir, l'exposition de Stéphane Vigny du 27 janvier au 31 mars 2012. Entrée libre / Ouverture du mercredi au samedi de 15h00 à 19h00. Réservation obligatoire pour les visites et ateliers de groupe.

L'art (?) idéologique contemporain : inhumain, désincarné et abstrait

2011-12-05T00:08:00+01:00

L'art (?) idéologique contemporain : inhumain, désincarné et abstrait

Yvan BLOT

Ex: http://www.polemia.com/

Les partisans de « Golgota picnic » ou « Piss Christ », œuvres (?) subventionnées et médiatisées prétendent défendre la liberté d’expression. Mais la liberté d’expression, c’est aussi de pouvoir dire que le roi est nu. C’est aussi pouvoir dénoncer de fausses provocations subventionnées. C’est enfin pouvoir critiquer le non–art contemporain –un art (?) idéologique inhumain, désincarné et abstrait– et penser que l’avenir est à la reprise vivifiante du fil interrompu de la tradition.
Le point de vue d’Yvan Blot pour Polémia.

L’art traditionnel, dans la plupart des pays et des époques, représente généralement les quatre thèmes qui constituent, selon, Heidegger, le « monde » des hommes.

La divinité, les hommes, la nature, l’idéal

L’art représente la Divinité : c’est le cas de l’art grec classique qui a tant marqué le nôtre. C’est le cas de l’art du Moyen Age, principalement religieux. L’art religieux constitue la plus grande part des chefs-d’œuvre présentés dans nos musées d’art anciens. L’art qui représente le bouddha appartient aussi à cette catégorie. L’islam se refuse à représenter Dieu mais les versets du Coran sont représentés de façon décorative.

L’art représente les hommes. C’est notamment le cas de l’art du portrait. Le visage humain est représenté non seulement dans les tableaux, mais aussi sur les monuments et sous forme de sculptures. Dans le Christianisme, représentation de Dieu et représentation des hommes convergent souvent car le Dieu s’incarne dans un homme, le Christ. Mais le portrait peut aussi représenter un roi, un guerrier, ou un simple paysan, des femmes ou des enfants.

L’art peut aussi représenter la nature, la terre qui porte les hommes. C’est l’art paysagiste. Au 19ème siècle, l’art paysagiste a pris une connotation patriotique. Mais l’art patriotique est plus ancien que cela.

L’art représente enfin l’idéal, les idéaux de la société. On représente sur nos monuments nationaux une femme qui symbolise la justice, la bravoure ou la charité (*). Des scènes peuvent représenter des batailles, l’aumône faite au pauvre, scènes réalistes mais où un idéal s’incarne dans l’action.

Ces arts ne sont pas « idéologiques » au sens des idéologies modernes. Dire que l’art chrétien est « idéologique » serait abusif.

Idéologies modernes et destruction des formes d’art issues de la tradition

Mais les idéologies modernes ont détruit peu à peu les formes d’art issues de la tradition et qui représentent le monde des hommes, sur terre, sous le ciel et face à la Divinité. L’art du Gestell (système utilitariste qui arraisonne les hommes à son service), pour utiliser ce concept de Heidegger, détruit ce qui n’est pas dans sa logique utilitaire.

Dieu n’est plus représenté car il est assimilé à la superstition. L’art idéologique officiel élimine toute forme d’héritage religieux et de transcendance. Il sera à l’occasion blasphématoire (voir le « piss christ » par exemple) afin de choquer, car le scandale médiatise et fait vendre.

L’idéal est considéré comme un outil de la répression conformément aux idées des faux prophètes Marx ou Freud. Il est donc évacué sans ménagement. L’homme n’est plus représenté car la masse est honorée et les particularités de l’individu, de sa classe, de sa profession, de sa race sont des choses gênantes qu’il faudrait oublier pour que les hommes soient parfaitement interchangeables dans le processus économique et social. Le paysage, la nature disparaissent car ils sont des éléments d’enracinement de l’homme sur la terre.

L’art contemporain : inhumain, abstrait et désincarné

L’art contemporain, qui devient l’art officiel obligatoire (voir les murs des ministères et des préfectures et bâtiments officiels), obéit à ces impératifs idéologiques. Il ne doit plus représenter le « monde » traditionnel.

Il rompt délibérément avec l’héritage religieux et humaniste de notre civilisation. C’est un art de rupture révolutionnaire.

Il est abstrait et désincarné car il rejette toute forme d’enracinement. Il n’incarne aucun idéal au nom d’un subjectivisme total. Sa tendance dominante est de représenter, s’il représente encore quelque chose, le monde quotidien dans ce qu’il a de plus insignifiant, utilitaire ou prosaïque. Souvent, il se veut choquant car en choquant, on attire l’attention des medias et des financements oligarchiques.

Cet art est inhumain au sens propre du terme car il ne représente jamais la figure humaine, et s’il la représente, c’est pour la défigurer le plus possible : comme l’a écrit Salvador Dali, « un homme normal n’a pas envie de sortir avec les demoiselles d’Avignon de Picasso ». (voir son livre : Les Cocus du vieil art moderne).

L’art contemporain : un art autoritaire qui interdit toute forme de critique

Enfin cet art inhumain ou ahumain est de nature profondément autoritaire comme est toute idéologie par essence. Cet art s’étend partout. Il interdit toute forme de critique laquelle est méprisée sinon diabolisée avec violence. Le bon conformiste n’osera jamais avouer qu’il n’aime pas une œuvre dite contemporaine. Cet art autoritaire est irresponsable car il ne répond pas à la commande d’un roi, d’un bourgeois ou d’un prince de l’église comme autrefois. Il peut répondre à la demande d’une bureaucratie anonyme : faites donc une fresque pour l’entrée de nos bureaux ! De plus, cet art officiel est soutenu par les pouvoirs publics autant que par des personnes privées. Il est financé bien souvent par l’impôt, c’est-à-dire par la force, ce qui accentue encore son caractère autoritaire.

Art déraciné, idéologique, inhumain et autoritaire, il fait l’objet d’une propagande médiatique permanente. Il reflète la boursouflure de l’ego de l’artiste, lequel pense se substituer au Dieu créateur, il favorise les spéculations financières et l’argent est souvent son seul impératif catégorique, il est déraciné, comme l’idéologie, car il veut avoir une vocation universelle. Cet art idéologique n’a guère les préférences du peuple censé être « inculte » mais il est révéré par l’oligarchie dominante.

L’art contemporain versus l’art traditionnel humaniste et enraciné

L’idéologie de l’art officiel déploie son dynamisme autour de ces quatre pôles :

L’argent
↑
L’ego ← art idéologique → les medias
↓
Abstraction (négation des racines)

L’art traditionnel, qui survit notamment en Russie (Saint Pétersbourg a aujourd’hui la plus grande école d’art figuratif) et sur certaines marges artistiques dissidentes en Occident, pourrait être représenté par le schéma suivant :

Idéal (le Bien, le Beau)
↑
Divinité ← Art traditionnel→ les hommes
↓
Nature

L’art traditionnel est humaniste et enraciné, il a la plupart du temps une dimension spirituelle ou idéaliste afin de tirer l’homme vers le haut. L’art idéologique, dit contemporain, et qui semble avoir son centre à New York méprise Dieu et les hommes pour établir l’ego et l’argent, ses fétiches, comme les moteurs de son dispositif autoritaire. Cet art idéologique, souvent financé par la force (l’impôt) n’est ni humaniste ni démocratique, contrairement au discours de ses promoteurs : on a donc bien à faire à un art idéologique officiel.

Yvan Blot
28/11/2011

(*) Voir ci-après l’image, illustrant le texte.

Voir aussi :

Le marché financier de l'art est à la FIAC - Et les autres marchés ?
Les reliques barbares vont-elles terrasser les arts conceptuels ?
L'art contemporain et la titrisation du néant
«L'art caché - Les dissidents de l'art contemporain» de Aude de Kerros
Le krach de l'art officiel mondial
L'art est nu et l'argent roi

Correspondance Polémia - 1/12/2011

Poitiers : une Grande roue dans la Grand'rue

2011-12-04T18:57:00+01:00

Au chapitre de mes vernissages ratés du samedi 3 décembre 2011, il faut que j’ajoute celui de la Galerie Grand’rue (Antoine Hyvernaud) à Poitiers. Je connais des journalistes poitevins qui auraient sans doute un bon papier à faire en se rendant rapidement au 167 de la Grand’rue pour l’exposition Prototypes dont la dead line est le 31 décembre. Une bonne façon de se faire des fêtes pour tout le monde que ces locomobiles et manèges de Gérard Cambon.

J’ai déjà eu l’occasion d’attirer vos précieuses attentions, Animulanautes, sur le travail de cet artiste dans ma note du 16 mars 2010 intitulée Akkisuitok (c’est commode à retenir, pas vrai ?). Hybridités mécaniques et patineuses patines sont ici au rendez-vous. Les homoncules pâteux et interloqués sont toujours là, révélateurs de mouvements et de vitesse.

Les amalgames sont surprenants : phares de bicyclettes, roulettes miniatures, pompes à flytox. Le tout, solidaire par la grâce des soudures, collages, sertissages dont Cambon a le secret.

Cela paraît gentil et ça l’est mais avec une dose de risque, de danger ou de cruauté comme on voudra : l’insecticide qui tue quand même, la grande roue qui perd ses rayons.

Les accros au parisianisme retrouveront cette dernière à la Galerie Béatrice Soulié (21 rue Guénégaud dans le 75-6) qui, parallèlement et sous le titre ferroviaire de : E pericoloso sporgersi, montre jusqu’au 7 janvier 2012, les nouvelles œuvres de Gérard Cambon.

Là aussi on s’amuse mais on ne s’endort pas.

Street art ort not ? Monsieur Bouton à Venise (près Palazzo Fortuny) - by Michel Jeannès

2011-11-30T00:13:43+01:00

Le Centre Pompidou mobile

2011-11-27T21:15:00+01:00

Le Centre Pompidou a eu une super idée. Pour ceux qui ne peuvent pas se rendre à Paris ou à Metz, il a créé un musée mobile. Depuis le 18 octobre il est installé à Chaumont dans la Haute-Marne et y restera jusqu'au 15 janvier 2012. Une façon pour les provinciaux de se familiariser avec l'art contemporain. Une douzaine d'oeuvres d'artistes peintres ou plasticiens y est exposée. Vous pourrez voir entre autres L'aveugle dans la prairie de Niki de Saint Phalle, Art Make Up de Bruce Nauman, Monochrome orange d'Yves Klein, L'Estaque de Georges Braque et Papa Gymnastique de Jean Dubuffet.

Cette exposition mobile "offre à chaque public un accompagnement adapté": un parcours ludique et sensoriel pour les enfants de 4 à 10 ans, un voyage scénarisé dans la couleur pour les collégiens, lycéens et adultes peu familiers des musées et une offre spécifique de visites pour les publics handicapés. Si vous habitez la région, n'hésitez pas à y aller.

Centre Pompidou mobile - Chaumont jusqu'au 15 janvier 2012 puis Cambrai à partir du 15 février - Pendant les vacances scolaires: ouvert tous les jours sauf le lundi de 10h à 20h. En période scolaire: du mardi au vendredi de 9h à 17h pour les visites de groupes sur réservation et de 17h à 19h pour les autres publics; le samedi et le dimanche de 10h à 20h.

Question 1

2011-11-26T05:37:33+01:00

L'art contemporain est-il par delà la picturalité ou en deça de la picturalité ?

DITHYRAMBE AU CACA DE CHIEN

2011-11-22T09:00:00+01:00

MERCI ET BRAVO A TOUS LES CHIENS !

Je voudrais me tourner aujourd’hui vers nos frères inférieurs, ces compagnons de nos veilles les plus studieuses comme de nos échappées les plus folâtres, de nos humeurs les plus dyspeptiques comme de nos instants de déréliction les plus pathétiques. Je voudrais m’adresser à eux pour les remercier.

Merci à vous, mes frères inférieurs. Je vous rends grâce. Vous avez accepté de quitter les champs fertiles et les verts pâturages au cours d’un exode rural que nulle autre espèce que la vôtre n’a jamais eue à subir, pour vous enfermer dans des appartements de vingt-cinq mètres carrés avec des individus drôlement moins drôles que les rats des champs, et avec des mollets qu’il vous est interdit de caresser avec les dents quand l’envie vous en prend.

Merci à vous, en particulier, d’avoir gardé de vos campagnes ancestrales la saine et sainte habitude de parsemer les champs de nos trottoirs de vos superbes fleurs d’anus, qui ouvrent leurs corolles généreuses aux semelles de nos chaussures, heureuses de transporter jusque sur nos moquettes épaisses et claires quelques pétales de vos bouquets aux mille senteurs.

Merci aussi à vous, les maîtres de si charmantes créatures, qui n’hésitez pas à partager avec tous les inconnus que vous croisez la si délicate attention qui sort du derrière de vos compagnons à quatre pattes. Je n’hésite pas, en chantant vos louanges, à vous comparer à ces sublimes donateurs de tableaux d’église, tels les glorieux chancelier Rolin, chanoine van der Paele et Chartreux, dont nous avons conservé les traits par la magie des pinceaux de JAN VAN EYCK, dans ses célébrations de la Vierge.

Oui, merci à vous, ô donateurs : vos chiens sont les pinceaux vivants de votre art éternel. Pour être parfaitement exact, je devrais dire qu’ils sont les tubes que l’on presse pour en faire sortir la couleur. Quant aux trottoirs, ils sont les palettes de votre inépuisable inspiration esthétique, en même temps que la toile qui s’offre à vos élans créateurs. Fidèles, passant et repassant inlassablement chaque jour, renouvelant et mélangeant avec subtilité et audace les pâtes colorées, vous faites apparaître à nos yeux émerveillés des paysages aux tons enchanteurs sortis des culs canins que vous entretenez avec amour.

Ici, cette pincée d’un bistre si subtil, presque éthéré, offerte par la bouche arrière de quelque pékinois pincé et hautain, retrouve, on ne sait comment, la simplicité primitive de ses ancêtres frustes, dont l’esprit jamais ne fut effleuré par l’idée de s’arracher à sa glèbe originaire, à laquelle est intimement attachée la botte paysanne, et dans laquelle elle se ressource à tout moment.

Alors, et alors seulement, la botte citadine se ressouvient de ses racines et pousse, au moment d’écraser l’offrande qui lui est destinée, un profond soupir d’indicible contentement : « Rhââ lovely ! ».

Là, ce monticule de rouge profond, d’un caroténoïde triomphant, voire insolent, tout droit sorti de l’orifice arrogant et puissant d’un dogue allemand de superbe embonpoint, dessine l’ocre éclatant de la falaise des ailleurs qui nous appellent aux éternels voyages, en des incantations mystérieuses et ensorcelantes.

Son « parfum exotique », « qui circule dans l’air et m’enfle la narine » et qui n’est pas sans rappeler (de loin, si possible) celui « des verts tamariniers » (BAUDELAIRE), insuffle sa force au passant trop timide, à la passante apeurée, à l’enfant impressionné, au vieillard effarouché.

Heureux celui qui là, venant aux heures tardives, va prendre des deux pieds assez de souvenirs pour toute une longue soirée d’analyse de l’oeuvre. On l’entendra longtemps, dans la nuit magnétique, manifester son enthousiasme et entonner son cantique d’action de grâce et de bonheur : « Rhââ lovely ! ».

Et quelle extase enfin, quand deux ministres canins, pour le moins plénipotentiaires, croisant à l’improviste leurs humeurs colorectales aux nuances irisées, extraites en grande pompe et en couches alternées de leurs trappes aux immondices, marient la sobriété d’un coloris chatoyant de chocolat au lait aux pressentiments sombres d’un chocolat noir digne d’Hamlet. Vous l'entendez jouir, le spectre d'Hamlet ? Oui ! On entend distinctement : « Rhââ lovely ! ».

Merci à tous les chiens ! Merci à tous leurs maîtres ! Sur cette école d’art appliqué à ciel ouvert, l’humble peintre contemporain prendra modèle, que dis-je, prend d’ores et déjà modèle, et depuis quelque temps, comme on le constate dans la plupart des galeries et musées d’art assez modernes pour flairer, c’est le cas de le dire, les tendances à la mode.

C’est fou ce que l’humble peintre contemporain s’inspire de ses professeurs à quatre pattes pour obturer le vide inspiratoire de la toile blanche tendue sur son cadre, comme un trou à plâtrer. Je propose cette idée à tous les ANDY WARHOL qui s’efforcent de percer, parmi la meute de loups affamés qui peuplent le milieu impitoyable qu’on appelle art contemporain. A condition qu’ils s’efforcent d’acquérir la technique du métier par une discipline appropriée. Reprenons.

On commence par un cours sur l’étalement des matières, selon les deux étapes didactiques désormais bien connues : ouverture commandée du sphincter troufignesque, pour la partie « production », puis étalement proprement dit, pour la partie « mise en forme ».

Cette dernière étape, assez convenue dans son déroulement méthodologique, revêt une infinité d’aspects qui dépendent d’un grand nombre de facteurs, dont j’indique ici les principaux : poids de la personne, longueur et largeur des semelles, parties de celles-ci qui « entre en contact » avec la matière, sexe de la chaussure.

A cet égard, on ne saurait sous-estimer les possibilités d’exploitation qu’offrent les différences entre, mettons, pour aller vite, le haut escarpin à la MARLÈNE DIETRICH ou le léger « trotteur » des dames, d’une part, et d’autre part, les brodequins, mocassins et autres pataugas arborés par les messieurs. Une mention spéciale (et une pensée apitoyée) pour les amateurs, en été, de marche en « tongs », bien que lui, de toute façon, soit obligé de se laver les pieds avant de se mettre au lit.

Pour les cours de couleurs, on n’épiloguera pas, et l’on renverra le lecteur au VINCENT VAN GOGH des Mangeurs de pommes de terre, au JEAN DUBUFFET de Paysage blond. L’explication en est simple : la palette du chien, en peinture, ce n’est pas l’arc-en-ciel, loin de là. Elle se limite malheureusement à l’insuffisante variété de son alimentation. Il est excessivement rare et difficile d’obtenir un beau bleu soutenu. Le vert manque de netteté. Quant au jaune, il va souvent de pair avec une liquidité extrême de la matière, très difficile à manier, par définition.

Quoi qu’il en soit, je tenais à rendre cet hommage à la gent canine, si souvent et si injustement décriée par tant de renfrognés, tant de vieux béotiens bougons et de malappris sans culture, sans aucun goût pour les oeuvres esthétiques, non seulement assez égoïstes pour se passer de talents picturaux incomparables, mais encore assez outrecuidants pour dénigrer les travaux de recherche désintéressée d’artistes à quatre pattes, uniquement soucieux d’apporter gratuitement un peu de beauté dans l’univers désincarné de nos villes de pierre.

Voilà ce que je dis, moi.

Parlant d'« Ascension »... L'œuvre d'Anish Kapoor à l'église San Giorgio Maggiore à Venise. (photo cdv)

2011-11-18T02:11:00+01:00

(photo cdv) transmise by michel jeannès

à propos de volatiles, une vraie photo floue des pigeons de Maurizio Cattelan à la Biennale de Venise (by notre envoyé s

2011-11-10T02:25:00+01:00

Œuvre de Maurizio Cattelan,
photo Michel Jeannès

Du temps au travail (3)

2011-11-08T22:14:00+01:00

Nous sommes l'instant d'après. Ce qu'il vient de se passer, la nature réelle de l'évènement, importe peu. Ce que Jonathan Wateridge saisit dans ses toiles qui paraissent peintes à même la pellicule d'un film hollywoodien, c'est l'instant entre ce qui est advenu et cet ensuite qui ne sera plus jamais comme avant. Il peint une faille du temps, un basculement incrédule, ces quelques secondes qui arrivent rarement mais que l'on reconnaît immédiatement : celles où la vie se joue, celles de l'intrusion soudaine de l'irrémédiable, un éclair dans un ciel d'azur. Le temps devient vertical : le vide étend son vertige sous nos pieds figés tandis que l'ivresse de l'inattendu euphorise le froid manteau de l'angoisse qui s'est enroulé sur nos corps pétrifiés. Le temps suspendu marque le mouvement définitif de la vie.

Jonathan Wateridge - Pool Party

Il y a quelques années, dans une de ces réunions de discours lénifiants auxquelles chacun ne va que pour croiser ceux qui y sont, et pouvoir dire à ce qui n'y sont pas qu'ils y étaient, un directeur de FONGECIF me glissa à l'oreille tandis que l'ennui glissait sur nos fauteuils : "Ce serait intéressant si peu à peu la lumière changeait, les perspectives se modifiaient, une musique un peu lancinante se faisait entendre faiblement puis de plus en plus fort et que l'ambiance basculait dans l'inconnu. On pourrait apprécier les réactions et s'amuser de voir les masques tomber". Chez Wateridge, les masques sont en train de tomber. Parfois il suffit d'écouter, là il s'agit juste de regarder le décorum voler en éclat et de se réjouir du détail qui nous confirme que c'est la liberté qui vient de s'inviter à grand fracas dans les conventions sociales. Et c'est ainsi que le pied de la jeune fille commença à s'évader de la ballerine.

La Rumeur passera par Lyon…

2011-10-28T00:54:00+02:00

Avec ma modeste participation…

RUMEURS, une exposition au Transfo, 5 rue Vaucanson à Lyon 1er, en Résonance avec la 11e biennale de Lyon, du vendredi 4 au mercredi 30/11 de 15h à 19h et sur rendez-vous.
(un projet collectif de la galerie 4,Barbier de Nîmes)

Vernissage le 4 novembre à partir de 18h.
06 16 05 13 61

Cf. sur ce blog, le billet "La Rumeur - une exposition à Nîmes…", en date du 8 septembre 2011.

Une araignée dans la gorge

2011-10-23T20:32:00+02:00

La raison de mon silence? Non ce n’est pas que je médite un changement d’orientation. Genre : Rives et dérives de l’art contemporain. Ou «comptant pour du beurre», l’art brut ayant tendance à faire tache aujourd’hui pour les institutions qui l’exposent (pardon pour celles qui dérogent à la règle).

Non, non, c’est simplement que je me traînasse ma première grosse crève de l’année. Que je tousse comme une perdue.

Et que mon chéri-que-j’ai profite de ma faiblesse pour me faire avaler des litres de sirop des Vosges sous prétexte que j’aurais une araignée de Louise Bourgeois dans la gorge.

Selon lui c’est depuis que j’ai lu, dans le dépliant de l’expo Objets secrets au Collège des Bernardins, cette thèse (pour le moins digne de Nos amies les bêtes) suivant laquelle les œuvres de Judith Scott «résonneraient profondément» avec les objets sculptés par ladite Loulou of New York. Raisonnement de tambours! Idéal pour couvrir ma quinte! Non, je vous l’dis : «ça sent le sapin!».

Je n’ai même pas pu me traîner à la FIAC pour aller voir sur le stand de la Galerie Le Minotaure, les œuvres d’Anton Prinner, une artiste «contemporeine» d’exception celle-là. J’ignore pourquoi (à cause peut-être de la radicale façon dont elle interrogeait, dans son comportement, la différence sexuelle)– on ne parle jamais d’elle. En dépit des méritoires efforts de Benoît Decron que j’ai déjà eu l’occasion de signaler dans mon post du 25 janvier 2008 (Déplacement à l’Abbaye Sainte-Croix).

Libération du jeudi 20 octobre 2011

Pour rare qu’il soit, le cas d’Anton Prinner n’est pas le seul à se tenir éloigné des petites bourgeoiseries à la mode. Pas plus tard que récemment, j’ai eu l’occasion de vous rafraîchir la mémoire au sujet de Lucy Vines et d’Etienne-Martin.

Si écho de l’art brut il y a, c’est dans l’œuvre de tels artistes, sincères, discrets et concentrés sur eux-mêmes avant d’être soucieux de notoriété, qu’il faut le chercher. Ma p’tite idée sur la question c’est que la fréquentation de leurs œuvres nous servira bien plus dans notre approche de l’art brut que le commerce avec les people de la planète art-contemporanéiste qui tourne éternellement autour de deux trois nombrils décorés.

Bon, je retourne à mon sirop! Non sans vous signaler deux expos de jeunes artistes contemporains qui méritent bien qu’on parle d’eux.

Celle de Christine Sefolosha à Strasbourg et celle de Pierre Della Giustina dans son atelier de Saint-Rémy-sur-Durolle en Auvergne.

Merci au carton d’invitation de l’expo Della, organisée de concert avec la photographe Rafaèle Normand.

Il me fournit ma conclusion : «une virée dans les sapins pour la Toussaint?»

le temps de faire ....

2011-10-21T13:55:00+02:00

Depuis quelques années, j'essaie de simplifier ma sculpture.

Souvent, la première question que l' on me pose porte sur le choix des matériaux, je réponds invariablement que j'essaie de sculpter des émotions, de faire passer dans des objets des sentiments que nous éprouvons parfois ....

Il me parait extrémement difficile, depuis toutes ces années, de faire passer cette "impression"qui me taraude l'esprit : pouvez vous "voir" la même chose que celui qui crée ?

et bien sur, même quand on crée soi-même .....

c'est déja pas si simple en terme de relation réelle ! alors avec la virtualité d'internet cela me parait bien pire !

voila ! alors si vous êtes venus sur ce blog par erreur, par curiosité ou par ennui, distraction ou autres ... vous étes les bienvenus !

dans ce blog je livre une partie de ma vie ... mais pas tant que ça ! la sculpture sert à ça : à "transcender" les affects ....

je donne beaucoup de photos .... et encore les photos ne décrivent jamais la réalité ....

comment décrire un objet par une image ?

Ah oui ! c'est vrai j'appartiens encore à ce monde "réel"... et je me sers (un peu) du monde virtuel !

sculpter est tellement plus important pour moi !

d'ailleurs j'y vais !

je vais à l'atelier .... l'atelier, c'est le monde !

” Qui suis-je ” by Murarius Silvio

2011-10-17T16:53:59+02:00

Je suis l'arbre au milieu des herbes hautes
Je suis la pauvre biche perdue dans les côtes
Je suis le soleil , lumineux et plein de tendresse
Je suis le tourbillon du vent qui fait des caresses .

Je suis la branche qui s'étire pour atteindre un nuage
Je suis le pauvre vieux qui a oublié son âge.
Je suis le fil de l'eau qui fuit dans une course
Je suis le chemin de retour qui t'amène à la source .

Je suis la pauvre bête , qui respire l'odeur humide de l'herbe
Je suis le pécheur qui marche vers l'horizon funèbre.
Je suis le brin de l'herbe et ses feuilles
Je suis la petite mouche qui rentre dans ton œil .

Je suis le bizarre qui devrait être né
Je suis le bourgeois qui vit en pauvreté
Je suis le sang qui coule dans les veines
Je suis le fils de forêt né au bord de la Seine .

Je suis le cri , sorti dans la folie
Je suis l'écrivain tombé en nostalgie
Je suis le voyageur perdu dans la Lune
Je suis le malade qui reste toujours immune .

Je suis la splendide fleur qui dégage une morte douceur
Je suis l'héritier à conquérir des cœurs
Je suis le Livre où tu tombes par hasard
Je suis la chambre vide , pleine de bazar.

Je suis le muet qui, jamais n'avoue
Je suis le meilleur et le pire pour vous.
Je suis le poème écrit à la main
Je suis l’amoureux perdu en chemin .

Je suis le fils d'une mère malade d'inquiétude ,
Je suis l'âme sœur de la solitude.

Je suis le mauvais, une parfaite chose
Je suis la rose dans les cheveux de Rose.
Je suis l'amoureux rêvé la nuit, de toi .
Je suis la fleur ''ne m'oublie pas''.

Je suis l'heureux , avec le cœur brisé
Je suis le prisonnier qui veut se libérer
Je suis le mouton , vendu pour un baiser
Je suis le soldat sur le champs , blessé .

Je suis la ligne blanche que tu vois à l'horizon
Je suis le fil d'air qui te donne des frisons
Je suis le peintre qui peint les erreurs
Je suis la source des flammes qui prend des ardeurs .

Je suis le passionné a donner et pas compter, plaisir .
Je suis l'inquiétude, ardeur de désir
Je suis le gentil qui donne, mais qui reçois jamais
Je suis le mort qui vis, des autres ignoré .

Je suis la fontaine de la vie ou tu trempes à nouveau ton âme
Je suis le cauchemar qui fait couler les larmes .
Je suis la conscience qui, passe le temps à se chercher
Je suis l'Astre mort au réveil du Soleil .

Je suis la maladie qui arrête des vies
Je suis la terre étrange , à l'âme et esprit .
Je suis l'inconnu perdu dans la foule
Je suis la heureuse vie , indépendante , obscure .

Je suis la cathédrale , le lieux des plaisirs
Je suis la poussière , de tes souvenirs,
Je suis la porte des siècles qui ouvre l'horizon
Je suis le sorcier qui réveille les morts .

Je suis l'œil de chat qui voit dans la nuit
Je suis le bonheur par la tristesse détruit
Je suis la boite aux lettres au porte de l'enfer
Je suis la lettre écrite à l'encre de fer .

Le suis la bibliothèque pleine des connaissances
Je suis l'arc en ciel que les nuages effacent
Je suis le nuage noir qui emmène la pluie
Je suis l'étranger qui sort que la nuit .

Poème by Murarius Silvio

Langue

2011-10-15T01:42:00+02:00

Et voilà le travail : la toute nouvelle carte postale, qui devrait m'être livrée demain !

KL LOTH, "prendre tournure", 2011
carte postale éditée à 800 exemplaires, octobre 2011
10,5 x 15 cm
éd. cARTed

(à clicker pour voir en plus grand)

TRANCHE DE VIE PAR JD : ”L'APRES P'TIT DEJ' OUVRIER...”

2011-10-06T11:49:00+02:00

La nuit blanche - Mode d'emploi (redite)

2011-10-01T14:28:00+02:00

L'entrée en matière est un peu rude pour ceux qui font partie des nouveaux demandeurs d'emploi, je m'en excuse.

Cependant, La Nuit Blanche, c'est gratuit.

Pas cher.

C'est ce que dit le G.O. de Paris.

Limitez les accompagnants pour ne pas jouer au chien de berger et buvez largement avant. Pas question d'être cynique, même si ça s'y prête.

En début de soirée, les galeries du Marais n'ont rien de particulier sauf qu'elles sont ouvertes la nuit et que les gens à l'intérieur sont beaux. Donc, c'est agréable.

Evitez les initiatives à caractère social, type Défilé de mode à Belleville.

Boycottez ce qui ressemble à La Maison de la Poésie, même si le nom, le concept, l'idée vous plaisent. Vous ne paierez pas, ce sera donc d'autant plus chiant. C'est comme la psychanalyse, si ça ne coûte rien on s'en fiche.

La musique contemporaine expérimentale est tout à fait écoutable si tant est qu'elle soit donnée devant les lignes de chemin de fer de la gare de l'est, par exemple.

Précipitez-vous dans les lieux désaffectés, les squatts, les endroits mal-famés vidés de leurs punks pour l'occasion.

Et surtout faîtes pas la queue dans des endroits riquiquis car comme le dit fort justement Peter Sloterdijk, la présence de l’image monumentale à l’échelle de la ville et de l’architecture, sur le mode de la projection est un "véritable potentiel de croissance pour l’expression artistique"(mais il doit être possible de trouver un truc de Schopenhauer qui donnerait un super sens à la queue).

En savoir plus ou moins

EXPOSITION au Manoir de LONGEVEAU

2011-09-27T13:19:00+02:00

EXPOSITION NATALIE COSSON

oeuvres sur papier

du 14 septembre au 12 octobre 2011

ouvert tous les jours sur rendez-vous de 12h à 22h

Vernissage vendredi 30 septembre de 18h à 20h

Manoir de Longeveau 16390 PILLAC tél. 05 45 98 55 13

Exposition-vente d'art contemporain aux Jardins Suspendus, du 23 au 25 septembre 2011

2011-09-23T00:58:48+02:00

La Ligue Havraise pour l'aide aux handicapés et le Rotary Club Le Havre Océane organisent à partir d'aujourd'hui sa 3ème édition d'exposition-vente d'art contemporain.

Les oeuvres proposées sont réalisées par des artistes confirmés, ainsi que par des enfants et adolescents polyhandicapés de l'IME l'Espérance et de l'IMPRO La Renaissance, dans le cadre d'ateliers artistiques (les oeuvres sont à retrouver sur mirsa-pepence.blogspot.com).

Les bénéfices des ventes seront reversés à deux associations : La Ligue Havraise, qui travaille sur le secteur du handicap, et Pian'Piane, qui oeuvre auprès d'enfants en difficulté sociale, familiale ou scolaire.

Rendez-vous dès aujourd'hui, vendredi 23 septembre, à 14h00, pour découvrir les oeuvres. La vente aux enchères aura lieu dimanche 25 septembre, à partir de 15h00.

Jean-Christophe Massinon…

2011-09-22T01:05:25+02:00

Sur un petit placard, à côté de la Poste près de la gare de Metz, des reproductions d'œuvres de Jean-Christophe Massinon, décédé il y a peu à l'âge de 48 ans (8/09/11).

Cet artiste était particulièrement apprécié dans la région Lorraine-Luxembourg… Quant à moi, je ne l'aurai donc jamais rencontré, même si j'ai eu l'occasion de voir l'installation des Confidents dans le cadre de la Nuit blanche messine de 2010…

La Rumeur - Une exposition à Nîmes…

2011-09-08T03:20:00+02:00

"La Rumeur" est un projet collectif, initié par la galerie 4,Barbier à Nîmes, consistant à faire transiter une image par quarante-cinq artistes successivement, ceux-ci ayant pour consigne de la modifier, de l'altérer…

Cela a commencé comme ceci…
(Jean Racamier, Elisa Fantozzi, Xesco Mercé)

et s'est terminé comme cela…
(Pierre Schwartz, Laurence Barbier, Henri Marc)

Mon intervention se situait dans ce contexte :

Après l'étape Bernard Fabvre…

J'avais pris le parti de perturber la linéarité du processus, en faisant ressurgir des éléments antérieurs, comme l'aurait fait un colporteur de rumeur bavard, ayant fait sa petite enquête : "Il s'en passait des choses…"

La suite fut confiée à Laure Baudoin, réalisatrice de documentaires, qui donna à l'image un format de film large, encadré de deux bandes noires comme lors d'une diffusion sur un écran de télévision, avec le sous-titre "Il ne se passait presque rien"…

La soirée du vernissage a été sympathique, chaleureuse, avec des visiteurs attentifs, à l'affût du moindre détail…
En ce qui me concerne, le parti-pris que j'avais adopté a été tout-à-fait perçu. Ça fait plaisir !

Voilà voilà… "La Rumeur" passera par Lyon au mois de novembre prochain, en résonnance avec la Biennale de Lyon 2011.
À suivre donc…

L'art s'offre aux étudiants du lycée Jules Le Cesne pour la rentrée

2011-09-06T09:24:00+02:00

La Manicle accueille aujourd'hui, au Satellite Brindeau, une trentaine d'élèves et leurs professeurs du lycée technique et professionnel Jules Le Cesne.

Cette journée marque le début d'une collaboration entre le Théâtre de la Manicle et le lycée Jules Le Cesne, notamment les sections mode et pressing. Le projet de l'établissement et de La Manicle, au travers de cette collaboration, est de créer un échange entre les élèves et une équipe artistique ; de mettre en relation l'artistique, la production et le style.

Cette collaboration s'inscrit dans le thème de l'année 2011 du Satellite Brindeau : Le vêtement dans l'art contemporain.

Photo : Visite d'une classe du lycée Jules Le Cesne, lors de la résidence d'Héléna Levée pour la préparation de son exposition Série Noire autour du vêtement en mars 2011.

Vidéastes Havrais, exposez !

2011-09-02T08:39:08+02:00

Le Satellite Brindeau recherche des vidéos d'enfants.

Le haut lieu de l'art contemporain du Havre appelle à participation pour son exposition "Enfances 2". Elle fait suite à une exposition scénographique d'art-vidéo, qui a eu lieu en décembre dernier. Le vernissage de cette seconde exposition aura lieu vendredi 21 octobre 2011.

Si donc vous avez réalisé des vidéos d'enfants, qui font référence à l'apparence, comme le déguisement, envoyez vos films au format Quicktime, au Satellite Brindeau, 56 rue Gustave Brindeau, 76600 Le Havre. Plus de renseignements au 06 89 30 00 31.

”La Rumeur”, une expo à Nîmes…

2011-08-31T15:07:00+02:00

Voilà, j'ai participé à un projet collectif : sur le principe d'une rumeur, une image est transformée, altérée, successivement par 45 artistes… c'est donc une œuvre d'hybridation…

Le résultat sera exposé tout d'abord à la galerie 4,Barbier de Nîmes, avant de passer par Lyon (en Résonance avec la Biennale d'art contemporain 2011) en novembre prochain, et finalement en Catalogne, à L'Hospitalet.

À cliquer pour voir en plus grand…
ou plutôt, consulter la version pdf, optimale
rumeur.pdf

Tout droit !

2011-08-21T02:49:00+02:00

Ça fait longtemps que je n'avais pas publié de photo du cône de chantier géant de Lilian Bourgeat, œuvre d'art public du campus de La Doua à Lyon-Villeurbanne. Alors… voilà !

LISEZ LA CARTE ET LE TERRITOIRE

2011-08-18T09:00:00+02:00

DAMIEN HIRST, pour ceux qui l’ignorent, a réalisé l’œuvre d’art la plus chère de tous les temps (à la fabrication, dirons-nous), avec un véritable crâne humain recouvert de (environ) 8000 diamants authentiques. A mon avis, ça défonce l’œuvre de JEFF KOONS, visible autrefois dans Art press, où celui-ci se photographie avec sa verge en train de pénétrer dans la CICCIOLINA à cheval sur lui, tout ça dans des couleurs tendres, voire kitsch, et où la femme fait tout, par sa mimique, pour indiquer qu’elle est en train de jouir. Bon, c’est vrai, elle fait toujours la mimique de la jouissance féminine sur toutes les photos de la série, car il y a une série entière, bien entendu, on aurait tort de se priver.

Il a dû chercher longtemps le moyen de se replacer au sommet du podium, JEFF KOONS, mais, apparemment, il n’a pas trouvé. Moralité : l’argent a eu la peau du sexe. Dit autrement : la marchandise a triomphé de la morale, puisque pour « heurter les sensibilités », exhiber une copulation « in vivo » est dépassé : il faut maintenant des diamants, et des diamants comme s’il en pleuvait. Et ça ne heurte même plus personne. C’est le stade, en quelque sorte, des icônes désicônisées.

C’est d’ailleurs ce dont MICHEL HOUELLEBECQ est convaincu, au moins apparemment, car ce tableau impossible à achever, que Jed Martin finira d’ailleurs par détruire, ça symbolise bien sûr (mais est-ce si sûr ?) l’escroquerie cynique et arrogante que constitue désormais l’étalage sans vergogne des montagnes de fric sous le nez même de ceux que l’ultralibéralisme racle jusqu’à l’os.

La Carte et le territoire, c’est curieux, on rencontre cette expression deux ou trois fois dans le volume des Essais de PHILIPPE MURAY. Un territoire, à proprement parler, c’est rigoureusement indéchiffrable : regardez une photo aérienne prise à la verticale, impossible de se repérer, de s’orienter, ni numéro de routes, ni nom de village ou de rivière. Et si on est au-dessus d’une forêt, je vous dis pas. En gros, face à une telle photo, vous êtes, comme on dit, paumé. Remarquez, c’est la même chose pour n’importe quelle photo : dans la presse, qu’est-ce qu’il en reste, comme information, si vous en supprimez la légende ?

Elle sert à ça, la carte : à donner toutes les légendes nécessaires pour qu’on sache bien ce qu’on est en train de regarder, à poser l’étiquette avec les noms sur les paysages. A donner des points de repère. A s'orienter. S'il n'y a pas de métaphore, là, c'est rudement bien imité : nous avons fabriqué une époque totalement dépourvue de valeurs, qui n'a plus aucun sens de la valeur des choses et des êtres, démunie de points de repère. En clair, TOUT est possible (et l'inverse aussi, naturellement).

Et Jed Martin a été photographe avant de virer peintre. Il a commencé par « trois cents photos de quincaillerie », avec « écrous, boulons et clefs à molette », tout ça en « lumière neutre », sur « fond de velours gris moyen ». Puis il a l’illumination, un jour où, sur une aire d’autoroute, son père lui demande d’acheter la carte Michelin du département. Ils sont dans la Creuse. Le passage vaut, comme on dit dans le Guide Michelin, le détour.

« Cette carte était sublime ; bouleversé, il se mit à trembler devant le présentoir. Jamais il n’avait contemplé d’objet aussi magnifique, aussi riche d’émotion que cette carte Michelin au 150.000^ème de la Creuse, Haute-Vienne. L’essence de la modernité, de l’appréhension scientifique et technique du monde, s’y trouvait mêlée avec l’essence de la vie animale. » C’est le coup de foudre. On ne comprend pas bien, mais le roman, c’est aussi ça.

A suivre...

P. S. du 26 août : L'expression "la carte et le territoire" se trouve aussi (ou alors, en fait) dans le livre de PHILIPPE MURAY Festivus festivus, paru en 2005 chez Fayard, à la page 389 : « La fameuse distinction de la carte et du territoire était encore rassurante : c'était la distinction du réel et de l'imaginaire; mais il n'y a plus de territoire, et c'est le peuple de la carte qui s'exprime. Sans drôlerie, comme de juste. Sans imagination. Ou qui ne s'exprime pas du tout, d'ailleurs ». Cela ouvre comme un horizon, une sorte de profondeur de champ.

Pigeon vole (pas)

2011-08-15T02:40:00+02:00

Sur la place Chavanelle à Saint-Étienne, un attroupement de pigeons… Quelque chose étonne : ils sont immobiles et silencieux.

C'est en fait une œuvre d'art public, commandée par la Ville de Saint-Étienne aux artistes Maxime Bourgeaux et Ghyslain Bertholon (oui, l'auteur de l'incroyable Deupatozaurus, que vous avez pu déjà admirer sur Daily Life).
Intitulée « "r" du large », elle a été installée en 2006.

(Bon… elle est pas du goût de tout le monde… MDR)

Cette œuvre a en fait été inspirée par le drame des décès de personnes âgées lors de la canicule de 2003, elle serait une évocation de l'isolement des plus fragiles parmi la foule urbaine.
"Trop souvent, la foule des habitants de nos villes se croise et s'ignore. L'autre dérange, quand il ne fait pas peur. "r" du large reprend, de manière allégorique, ces problématiques et aborde la notion du respect de l'espace personnel dans l'espace public. La foule n'est plus alors pensée comme une entité homogène mais comme la somme d'individualités (où comment se sentir seul au milieu des autres)."
(GB, in Ghislain Bertholon. Diachromes Synchromes et poézies, catalogue édité par la galerie Georges Verney-Carron à l'occasion de Docks Art Fair 2007, Lyon, p. 34)

Je précise que, alors que l'ensemble des pigeons sont en fonte métallisée zinc, un seul d'entre eux est métallisé bronze. Actuellement quelques uns des pigeons ont été barbouillés de peinture, ce qui brouille le message que l'artiste voudrait communiquer (le rapport de l'un à la foule).

FAUX MOUVEMENTS DES NOUVEAUX COMMANDITAIRES ET... PROLONGATIONS !

2011-07-25T15:00:00+02:00

Prolongation de l'exposition jusqu'au 28 août 2011
4 rue du Change (place St Louis) | 57000 METZ

Cette exposition est une première étape pour le développement de l’action Nouveaux commanditaires en Lorraine. Elle est proposée en partenariat avec la Fondation de France, la Galerie für Zeitgenössische Kunst de Leipzig, et en collaboration avec le Consortium à Dijon, le Bureau des Compétences et désirs à Marseille et Eternal Network à Tours.

L’action Nouveaux commanditaires proposée par la Fondation de France permet à des citoyens confrontés à des enjeux de société ou de développement d’un territoire d’associer des artistes contemporains à leurs préoccupations, par le biais d’une commande. Son originalité repose sur une conjonction nouvelle entre trois acteurs privilégiés : l’artiste, le citoyen-commanditaire et le médiateur culturel agréé par la Fondation de France, accompagnés des partenaires publics et privés réunis autour du projet. Maryse Jeanguyot, directrice du centre d’art contemporain Faux Mouvement, est médiatrice associée pour l’action Nouveaux commanditaires en Lorraine. Cette exposition documente une série de projets exemplaires réalisés en France et a pour vocation d’informer le public sur les nouvelles modalités de relation à l’art contemporain que le projet implique.

Les commissaires d’exposition, Astrid Handa-Gagnard, Masahiro Handa et Maryse Jeanguyot, proposent de reconstituer l’univers singulier de cette action à travers un dispositif didactique prenant en compte les qualités spécifiques de l’espace et se constituant ainsi comme une véritable exposition d’art contemporain. Celle-ci présente en détail des projets entrepris et permet de bien en comprendre le processus. Les sept œuvres présentées dans l’exposition ont été réalisées aussi bien en milieu urbain que rural, dans toute la France, à l’initiative de médiateurs agréés comme Xavier Douroux, directeur du centre d’art contemporain Le Consortium, Anastassia Makridou-Bretonneau, directrice de l’association Eternal Network ou Sylvie Amar, co-directrice du Bureau des compétences et désirs.

Ces commandes ont permis à des citoyens, aux intérêts très différents, de dialoguer avec un artiste autour de leurs préoccupations, dans le but de produire une œuvre d’art. Michelangelo Pistoletto a, par exemple, créé un lieu de recueillement au sein d’un institut de lutte contre le cancer à Marseille. Alain Séchas a réalisé une sculpture dédiée à Jacques Lacan pour l’Association de la Cause Freudienne de Bourgogne Franche-Comté. À Blessey (Côte d’or), Rémy Zaugg a revisité l’environnement d’un lavoir fraîchement rénové. Pendant trois étés successifs à Saint-Thélo (Côtes d’Armor), avec l’aide d’habitants et d’étudiants en art ou en architecture, Tadashi Kawamata a restructuré un ensemble de maisons de tisserands en mémoire d’un passé oublié. À Chenôve, dans un quartier sensible de cette commune de l’agglomération dijonnaise, Vito Acconci a proposé le réaménagement d’un espace public au sein d’une ZUP. Pour sa part, Xavier Veilhan a créé une sculpture fantasmagorique au cœur du « Vieux Tours ». Enfin, à la demande d’un groupe de jeunes de Chaucenne (Doubs), Steven Gontarski a érigé un mémorial, sous la forme de deux obélisques fendues sur le terrain de jeu du village, en hommage à deux adolescents décédés dans un accident de vespa.

L’exposition Nouveaux commanditaires propose de revisiter à travers maquettes, photos, vidéos, l’histoire de ces réalisations artistiques.

Entrée libre

prochaine exposition :

Etienne Bossut No Pipe, installation in situ
vernissage mercredi 28 septembre

PING PONG BLOGS (en clin d'œil à Rosa… et à propos de P.M. Tayou)

2011-07-19T01:35:00+02:00

La mort récente de Cy Twombly remet en mémoire l'acte de vandalisme qu'une de ses œuvres avait subi en exposition à la Collection Lambert en Avignon : en 2007, des lèvres chargées de rouge déposent un baiser sur une toile immaculée, inconscientes des conséquences pour l'état de l'œuvre.

L'artiste, perfectionniste, en fut très affecté.

Quelques années plus tard, alors que le Piss Christ d'Andres Serrano a été attaqué par des "intégristes" catholiques à coups de pioche, toujours dans la même collection Lambert, une installation de l'artiste camerounais Pascale Martine Tayou, érigée dans l'église Saint-Bonaventure à Lyon, sera culbutée par d'autres catholiques tout aussi intransigeants et bornés.

L'œuvre n'étant pas de même nature que celle de Cy Twombly (une colonne constituée de 33 casseroles !), l'artiste, plus souple dans son mode de pensée, opta pour une réinstallation de l'œuvre après amélioration de son état, estimant que les dégâts subis faisaient désormais partie de l'histoire de cette installation.

La Colonne Pascale est maintenant en place au Mudam de Luxembourg, jusqu'au 11 septembre prochain, dans le contexte de l'architecture spectaculaire de Ieoh Ming Pei, au centre d'une magistrale volée d'escalier curviligne. Les dégâts ont été atténués, mais sont toujours visibles.

À la différence de l'exposition Allways All Ways de Pascale Marthine Tayou au Musée d'art contemporain de Lyon, sise dans un vaste parallélépipède blanc, et à l'accrochage saturé, celle du Mudam, Black Forest, apparaît plus clean, oserai-je dire plus "muséographiée" ?

Les œuvres y sont riches en significations, réalisées avec un grand sens de l'espace et des confrontations insolites de matériaux. Notamment la très belle installation dans le premier espace du musée : Home Sweet Home.

Pour en revenir à la Colonne Pascale et à ses mésaventures, je saluerai ici les billets que Rosa lui a consacré sur son blog Les Passages de Rosa, les multiples sens de l'œuvre y sont explorés, avec l'aide de commentateurs du blog, et en s'appuyant sur le texte du recteur de Saint-Bonaventure, Luc Forestier.

J'ai aussi lu avec émotion, toujours sur ce même blog, le billet intitulé "Journal extime…", inspiré par celui que j'avais moi-même commis : "Daily Life pour durer !".

Les idées circulent entre les blogs, je ne peux que m'en réjouir !

Même si je n'ai pas eu la disponibilité de réagir plus tôt… mais voilà, c'est chose faite.

À lire sur le blog Les Passages de Rosa :
- Vandalisme à Lyon sur une oeuvre d'art, 20 avril 2011
- Réponse de paix à la violence..., 21 avril 2011
- D'une colonne à l'autre..., 26 avril 2011

Ainsi que le texte de Luc Forestier, recteur de Saint-Bonaventure : ICI
Ou le reportage de TLM…

Expo ”Paris - Delhi - Bombay...”

2011-07-13T09:30:00+02:00

Le Centre d'art contemporain Georges Pompidou accueille jusqu'au 19 septembre l'exposition "Paris - Delhi - Bombay..." L'idée d'Alain Seban, président du centre, était de faire se rencontrer la scène indienne contemporaine et la scène française contemporaine. Une sorte de "dialogue des cultures". Les foyers de création sont partouts. Paris est aujourd'hui plus que jamais une capitale de l'art "mais elle doit prendre en compte le phénomène de la mondialisation artistique et l'affirmation des scènes émergentes", nous dit Alain Seban. Une exposition qui ne manque pas d'originalité!

Centre Pompidou - 75004 Paris - Ouvert tous les jours de 11h à 21h (fermeture des caisses à 20h) sauf le mardi et le 1er mai - Plein tarif: 12€ ou 10€ (selon période). Tarif réduit: 9€ ou 8€ (selon période).

jörg müller

2011-07-06T14:54:00+02:00

J'ai retrouvé il y a quelques mois dans ma bibliothèque un livre ainsi qu'un article que j'avais écrit il y a plus de trente ans, pour une revue étudiante. C'était une "Lettre de Cologne" et le livre en question en avait été le prétexte. Il s'agissait de "Alle Jahre wieder saust der Presslufthammer nieder, oder Die Veränderung der Landschaft" ("La ronde annuelle des marteaux-piqueurs ou La mutation d'un paysage"), oeuvre d'un dessinateur suisse, Jörg Müller, qui montrait comment, du mercredi 6 mai 1953 au jeudi 3 octobre 1972, un paysage bucolique constitué d'un petit village blotti entre quelques collines, se transformait, d'année en année, de page en page, en un terrifiant espace pavillonnaire coincé entre zones commerciales et bretelles doublées de ceintures autoroutières, le tout balafré de panneaux publicitaires aux couleurs aussi criardes que laides.

A relire ma Lettre, écrite, en effet, à Cologne, je me dis qu'elle aurait pu être - à deux ou trois détails près - écrite aujourd'hui :

Lettre de Cologne

Dans le petit matin de novembre, la cathédrale immobile. Les boutiques ouvrent. Un oeuf à la coque sur la table du café. Petit déjeuner. Et un livre d'images, celui de Jörg Müller. Sur la mort de la beauté. La beauté est née quelque part au bord de l'eau parmi les pêcheurs, les fleurs ; elle meurt chaque jour sous les dalles de bitume, dans les vapeurs nocives, piétinée par l'homme.

Et Cologne se précipite dans les salles de concerts. Les concerts Schnabel/Cage sont gratuits, il faut débourser entre 40 et 60 FF pour assister à Eugène Onéguine de Tchaïkovski. C'est de l'art sans contestation, de l'art reconnu, une valeur sûre.

Et les étudiants dans les tavernes de la Vieille Ville. Et les amateurs d'art devant les Dürer, les Rembrandt des musées, laissant vides les salles où règnent les déchets de Spoerri, les mains en plastique d'Arman, les bouteilles de Coca-Cola entassées. Personne ne visite cela, personne ne veut retrouver la désolation de son propre univers.

L'Univers... STERN, magazine à fort tirage, annonce, graphiques à l'appui, les dérèglements de notre planète, l'épaississement de notre calotte glaciaire, la marche du désert.

Le progrès a inventé l'avion qui nous réveille. Le progrès a inventé le somnifère qui nous endort.

Cologne. Dans le petit matin de novembre, la CATHEDRALE.

Si l'Art est encore synonyme de Beauté, il est mort. S'il est devenu autre chose, rien ne l'empêche de vivre, mais est-ce encore de l'Art ? Si nous mettons sous le terme "Civilisation", les critères traditionnels qui la définissent, elle meurt. Si elle est devenue autre chose, rien ne l'empêche d'exister encore, mais est-ce possible ?

La CIVILISATION est - n'est que - CREATION.

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oie-ci, oie-là au collège Baudelaire, Clermont-ferrand

modèle vivant poses longues.

Mike Kelley (1954-2012)

Le fond et le sujet

Vie silencieuse

JOURNAL D'UN ELECTEUR 291

Gouache

Exposition cARTed au Satellite Brindeau, au Havre

QUI VEUT SAUVER RENE MAGRITTE ?

Modern art was CIA 'weapon'

MAGRITTE : DU CONCEPTUEL DANS L'ART

Canardage et canotage

L’info qui venait du nord

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PEINTURE : LE TEMPS DU DESASTRE

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Le point de vue de Line Clément sur mon travail !

Grande braderie de livres d'art au Havre les 9, 10 et 11 décembre 2011

L'art (?) idéologique contemporain : inhumain, désincarné et abstrait

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Poitiers : une Grande roue dans la Grand'rue

Street art ort not ? Monsieur Bouton à Venise (près Palazzo Fortuny) - by Michel Jeannès

Le Centre Pompidou mobile

Question 1

DITHYRAMBE AU CACA DE CHIEN

Parlant d'« Ascension »... L'œuvre d'Anish Kapoor à l'église San Giorgio Maggiore à Venise. (photo cdv)

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TRANCHE DE VIE PAR JD : ”L'APRES P'TIT DEJ' OUVRIER...”

La nuit blanche - Mode d'emploi (redite)

EXPOSITION au Manoir de LONGEVEAU

Exposition-vente d'art contemporain aux Jardins Suspendus, du 23 au 25 septembre 2011

Jean-Christophe Massinon…

La Rumeur - Une exposition à Nîmes…

L'art s'offre aux étudiants du lycée Jules Le Cesne pour la rentrée

Vidéastes Havrais, exposez !

”La Rumeur”, une expo à Nîmes…

Tout droit !

LISEZ LA CARTE ET LE TERRITOIRE

Pigeon vole (pas)

FAUX MOUVEMENTS DES NOUVEAUX COMMANDITAIRES ET... PROLONGATIONS !

PING PONG BLOGS (en clin d'œil à Rosa… et à propos de P.M. Tayou)

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jörg müller